I direttori d'orchestra più famosi al mondo del 21° secolo. Eccezionali direttori di coro russi. Capodanza: Carlos Kleiber

01.07.2019

L’industria cinematografica non può esistere senza registi, l’industria letteraria ed editoriale non può esistere senza montatori e i progetti di moda non possono esistere senza designer. Il direttore d'orchestra garantisce l'interazione organica di tutti gli strumenti durante l'esecuzione. Il direttore d'orchestra è il personaggio principale sul palco di una società filarmonica, di una sala da concerto o di qualsiasi altro luogo musicale.

Virtuosi

La coerenza di un'orchestra sinfonica e il suono armonioso di numerosi strumenti musicali si ottengono grazie all'abilità del direttore d'orchestra. Non per niente i più talentuosi ricevono vari gradi e titoli elevati e sono popolarmente chiamati "virtuosi". Il controllo impeccabile della bacchetta del direttore, infatti, consente a ciascun musicista seduto nella fossa dell’orchestra di trasmettere tutte le sfumature dell’impulso creativo. Un'enorme orchestra sinfonica inizia improvvisamente a suonare come un tutt'uno e la composizione musicale si rivela in tutto il suo splendore.

I direttori d'orchestra famosi sono uniti sulla base dell'abilità; hanno tutti frequentato la scuola d'arte superiore; la popolarità e il riconoscimento del grande pubblico non sono arrivati immediatamente a loro. Ha guadagnato popolarità nel corso degli anni. Per la maggior parte, noti direttori d'orchestra, oltre all'attività concertistica, insegnano, conducono corsi di formazione per giovani musicisti, nonché masterclass.

Auto-sacrificio

L'arte di dirigere un'orchestra richiede molti anni di pratica, un miglioramento continuo, che si traduce in infinite prove. Alcuni famosi direttori d'orchestra si distinguono per la loro speciale tenacia creativa, al limite del sacrificio di sé, quando la vita personale è relegata in secondo piano e rimane solo la musica. Tuttavia, questa situazione è positiva per l’arte.

I direttori d'orchestra più famosi sono vincolati da contratti con determinati gruppi musicali, e questo dà loro l'opportunità di raggiungere un alto livello di prestazione... Allo stesso tempo, è necessaria una comprensione reciproca generale, che successivamente servirà come chiave per il successo delle attività concertistiche.

Famosi direttori d'opera

Nella gerarchia della musica mondiale ci sono nomi che tutti conoscono. I nomi di famosi direttori d'opera possono essere trovati su manifesti, cartelloni pubblicitari e le navi da crociera portano il loro nome. Questa popolarità è ben meritata, poiché poche persone sono ancora in grado di dedicare l'intera vita, senza lasciare traccia, alla musica. I direttori d'orchestra più famosi viaggiano in tutto il mondo, in tournée con vari gruppi musicali o dirigendo orchestre nei maggiori centri musicali. Le rappresentazioni d'opera richiedono un coordinamento speciale dell'orchestra nell'accompagnamento di parti vocali, arie e cavatine. In tutte le agenzie musicali si possono trovare i nomi di famosi direttori d'opera che possono essere invitati per una stagione o un ciclo di rappresentazioni. Gli impresari esperti conoscono lo stile di lavoro e i tratti caratteriali di ogni persona. Questo li aiuta a fare la scelta giusta.

Famosi direttori d'orchestra della Russia

La musica, in particolare l'opera, ha molte componenti. C'è anche un'orchestra, che comprende una varietà di strumenti: fiati, archi, archi, percussioni. Solisti, artisti vocali, coro e altri partecipanti allo spettacolo. I frammenti disparati dello spettacolo operistico sono uniti in un tutto dal direttore dello spettacolo e dal direttore d'orchestra. Inoltre, quest'ultimo partecipa attivamente all'azione dall'inizio alla fine. In Russia ci sono direttori d'orchestra che con la loro musica dirigono l'opera lungo l'unica vera via che conduce lo spettatore alla vera arte.

Famosi direttori d'orchestra russi (elenco):

Aleksandrov Aleksandr Vasilievich.
Bashmet Yuri Abramovich.
Borisovna.
Vladimirovich.
Bronevitsky Alexander Alexandrovich.
Vasilenko Sergej Nikiforovich.
Garanyan Georgy Abramovich.
Gergiev Valery Abisalovich.
Gorenstein Mark Borisovich.
Aleksandrovich.
Evtushenko Alexey Mikhailovich.
Ermakova Ljudmila Vladimirovna.
Kabalevskij Dmitri Borisovich.
Kazhlaev Murad Magomedovich.
Kogan Pavel Leonidovich.
Lundstrem Oleg Leonidovich
Mravinsky Evgeniy Alexandrovich.
Svetlanov Evgeny Fedorovich.
Spivakov Vladimir Teodorovich.

Ogni famoso direttore d'orchestra russo può dirigere con successo qualsiasi orchestra sinfonica straniera, per questo bastano poche prove. La professionalità dei musicisti aiuta a superare le differenze di stile.

Celebrità del mondo

I direttori d'orchestra famosi nel mondo sono musicisti di talento riconosciuti dal grande pubblico.

Paolo Kogan

Il più famoso direttore d'orchestra russo, che da più di quarant'anni regala al mondo la sua arte. La sua popolarità non ha precedenti. Il nome del maestro è nell'elenco dei dieci più grandi direttori d'orchestra moderni. Il musicista è nato in una famiglia di famosi violinisti, Leonid Kogan ed Elizaveta Gilels. Dal 1989 è direttore artistico permanente, nonché direttore principale dell'Orchestra Sinfonica Statale di Mosca (Orchestra Sinfonica Statale di Mosca). Allo stesso tempo, rappresenta la Russia nei principali centri musicali d'America.

Pavel Kogan si esibisce in tutto il mondo con le migliori orchestre sinfoniche, la sua arte è considerata insuperabile. Il maestro è russo e porta il titolo di “Artista popolare russo”. Pavel Kogan ha anche numerosi premi, tra cui l'Ordine al merito per la Patria e l'Ordine delle Arti.

Herbert von Karajan

Il famoso direttore d'orchestra austriaco Herbert von Karajan (1908-1989) è nato in una famiglia di immigrati greci. All'età di otto anni è entrato al Conservatorio Mozarteum di Salisburgo, dove ha studiato per 10 anni e ha acquisito competenze di direzione di base. Allo stesso tempo, il giovane Karayan ha imparato a suonare il piano.

Il debutto ebbe luogo nel 1929 al Salburg Festival Theatre. Herbert ha diretto l'opera Salome. Nel periodo dal 1929 al 1934 fu primo maestro di cappella nel teatro della città tedesca di Ulm. Poi Karajan rimase a lungo allo stand del direttore d'orchestra dell'Orchestra Filarmonica di Vienna. Allo stesso tempo ha eseguito l'opera di Charles Gounod "La notte di Valpurga".

L'ora più bella del direttore arrivò nel 1938, quando l'opera di Richard Wagner "Tristano e Isotta" nella sua interpretazione ebbe un enorme successo, dopo di che Herbert iniziò a essere chiamato "Miracle Karajan".

Leonard Bernstein

Direttore d'orchestra americano (1918-1990), nato in una famiglia di immigrati ebrei. L'educazione musicale è iniziata per Leonard da bambino, ha imparato a suonare il pianoforte. Tuttavia, il ragazzo si abituò gradualmente alla direzione d'orchestra e nel 1939 fece il suo debutto: il giovane Bernstein eseguì una composizione della sua stessa composizione chiamata The Birds con una piccola orchestra.

Grazie alla sua elevata professionalità, Leonard Bernstein guadagnò rapidamente popolarità e, già in gioventù, guidò la New York Philharmonic Orchestra. Essendo una persona creativa completa, il conduttore ha studiato letteratura. Ha scritto una dozzina di libri dedicati alla musica.

Valery Gergiev

Il famoso direttore d'orchestra Valery Abisalovich Gergiev è nato il 2 maggio 1953 a Mosca. All'età di diciannove anni entrò al Conservatorio di Leningrado. Da studente ha partecipato al concorso internazionale di direzione d'orchestra a Berlino, dove si è classificato secondo.

Dopo essersi diplomato al conservatorio nel 1977, il giovane direttore d'orchestra fu accettato come assistente al Teatro Kirov. Valery Gergiev divenne il suo mentore e già nel 1978 si mise ai comandi e eseguì l'opera di Prokofiev "Guerra e pace". Nel 1988, ha sostituito Yuri Temirkanov, dopo la sua partenza alla Filarmonica di Leningrado.

L'anno 1992 è stato segnato dal ritorno al Teatro Kirov del suo nome storico "Teatro Mariinsky". Il pubblico del teatro di San Pietroburgo, per assistere agli spettacoli d'opera, effettua la prenotazione in anticipo, con mesi di anticipo. Oggi Valery Gergiev è il direttore principale del teatro e il suo direttore artistico.

Evgenij Svetlanov

Il famoso direttore d'orchestra, russo e internazionale, Evgeniy Fedorovich Svetlanov (1928-2002) ha lasciato un segno notevole nel patrimonio culturale della Russia. Detiene i titoli di "Eroe del lavoro socialista" e "Artista popolare dell'URSS". È vincitore dei premi Lenin e di Stato dell'URSS.

La carriera creativa di Svetlanov iniziò subito dopo la laurea presso l’Istituto Gnessin nel 1951. Ha continuato i suoi studi al Conservatorio di Mosca nella classe di direzione e composizione operistica e sinfonica.

Il debutto ebbe luogo nel 1954 sul palco del Teatro Bolshoi in una produzione dell'opera di Rimsky-Korsakov "La donna di Pskov". Dal 1963 al 1965 fu direttore principale del Teatro Bolshoi. Durante il suo lavoro, il livello delle rappresentazioni operistiche è aumentato notevolmente.

Nel 1965-2000 lavoro combinato come direttore artistico e direttore principale dell'Orchestra Sinfonica di Stato dell'URSS (poi Russia).

Vladimir Spivakov

Il direttore d'orchestra russo Vladimir Teodorovich Spivakov è nato nel 1944 nella città di Ufa. Si è diplomato al Conservatorio di Mosca nel 1968 e ha conseguito gli studi post-laurea nel 1970.

Vladimir Spivakov ha studiato la sua arte al Conservatorio di Gorky con il professor Israel Gusman. Successivamente ha seguito un corso speciale negli Stati Uniti, con Leonard Bernstein e Lorin Maazel.

Attualmente è direttore permanente e direttore d'orchestra dell'orchestra sinfonica da camera dei Virtuosi di Mosca, da lui fondata personalmente nel 1979. Si è esibito con orchestre europee e gruppi musicali statunitensi. Ha diretto al Teatro alla Scala, all'Accademia Cecilia, alla Filarmonica della città tedesca di Colonia e alla Radio francese. È il presidente della Casa Internazionale della Musica di Mosca.

Yuri Bashmet

Il direttore d'orchestra russo Bashmet Yuri Abramovich è nato il 24 gennaio 1953 a Rostov sul Don. Artista popolare dell'URSS. Vincitore di quattro premi statali della Federazione Russa.

Nel 1976 si è diplomato al Conservatorio di Mosca. Nel 1972, mentre era ancora studente, acquistò un violino viola del maestro italiano Paolo Testore, costruito nel 1758. Bashmet suona ancora oggi questo strumento unico.

Ha iniziato l'attività concertistica attiva nel 1976 e due anni dopo ha ottenuto un posto di insegnante al Conservatorio di Mosca. Nel 1996, Yuri Bashmet ha creato il “Dipartimento sperimentale di viola”, dove si studiano le parti di viola nella musica sinfonica, operistica e da camera. Allo stesso tempo ha ricevuto il titolo di professore al Conservatorio di Mosca. Attualmente impegnato in attività benefiche e sociali attive.

Ciao! Sono un educatore formazione complementare, insegnante di coro, canto e pianoforte. Lavoro nel centro creativo per bambini del distretto Avtozavodsky di Nizhny Novgorodbasato sulla scuola n. 63con uno studio approfondito della musica.
Permettetemi di presentare alla vostra attenzione una presentazione al computer "Direttori d'orchestra russi del nostro tempo"
Per prima cosa ti dirò chi è un direttore d'orchestra.
"Conduttore" è una parola francese e significa "condurre". Di conseguenza, un direttore d'orchestra è il leader di un gruppo orchestrale, operistico e anche corale.La direzione d'orchestra è uno dei tipi più difficili di esecuzione musicale. Il direttore d'orchestra possiede l'interpretazione artistica dell'opera. Il direttore del coro deve vigilare sulla formazione del coro, sulla pronuncia corretta e simultanea del testo, sul corretto inizio e ingresso. La direzione d'orchestra come professione indipendente apparve nella seconda metà del XIX secolo. Il direttore d'orchestra è l'anima dell'ensemble!
Un direttore d'orchestra può dirigere un gruppo corale, nonché un gruppo operistico e sinfonico. Un altro nome per un direttore di coro è un maestro di coro.
Vorrei presentarvi alcuni direttori d'orchestra russi del nostro tempo.
Pavel Kogan è uno dei direttori d'orchestra più famosi del nostro paese. La sua carriera creativa è iniziata più di 40 anni fa. Kogan è nato in una famiglia di musicisti. I suoi genitori, Leonid Kogan e Elizavet Gilels, sono violinisti. Il debutto di Kogan come direttore d'orchestra ebbe luogo nel 1972 con l'Orchestra Sinfonica di Stato dell'URSS. Dal 1989 è direttore artistico e direttore principale dell'Orchestra Sinfonica Statale di Mosca (MGSO). Kogan lavora anche con le migliori orchestre del mondo. Il direttore d’orchestra è vincitore del Premio di Stato russo e porta il titolo di “Artista popolare russo”. Oltre al premio, Kogan ha numerosi premi russi e internazionali.
Gergiev Valery Abisalovich è nato il 2 maggio 1953 a Mosca. È cresciuto nell'Ossezia del Nord. All'età di dodici anni entrò al Conservatorio di Leningrado per studiare direzione d'orchestra. Da studente ha preso parte al concorso internazionale di direzione d'orchestra Herberg von Karajan a Berlino. Lì ha preso un onorevole secondo posto. Dopo essersi diplomato al conservatorio, Gergiev è stato accettato come assistente al Teatro Kirov. Nel 1978 diresse l'opera Guerra e pace di Prokofiev. Gergiev in seguito diresse l'Orchestra Sinfonica di Stato dell'Armenia. Nel 1988 ha preso il posto di direttore principale del Teatro Kirov. Gergiev organizzò il proprio festival dedicato alle opere di Mussorgsky, successivamente i festival tematici sotto la direzione del direttore d'orchestra divennero una tradizione. Gergiev è anche il direttore principale della London Symphony Orchestra. È il vincitore di premi internazionali e russi.
Spivakov Vladimir Teodorovich è nato nel 1944 nella città di Ufa. Sua madre, Ekaterina Osipovna Weintraub, si è diplomata in pianoforte al Conservatorio di Mosca. Nel 1955 Spivakov studiò alla scuola di musica del Conservatorio di Mosca. Nel 1968 si diplomò al conservatorio e nel 1970 si diplomò alla scuola di specializzazione sotto la guida di Yuri Yankelevich. Nel 1979 ha fondato l'orchestra da camera Virtuosi di Mosca e continua a dirigerla ancora oggi. Spivakov è anche il direttore del festival musicale di Colmar. Nel 2001, Vladimir Teodorovich ha organizzato il Festival Internazionale di Mosca a Mosca. Ha lavorato con molte orchestre americane ed europee. Nel 1994 ha fondatoFondazione internazionale di beneficenza Vladimir Spivakov . È un artista onorato della RSFSR, artista popolare dell'URSS, artista popolare ucraino, ecc.
Bashmet Yuri Abramovich è nato il 24 gennaio 1953 a Rostov sul Don. Ha studiato alla Scuola Speciale di Musica di Lviv. Si è diplomato al Conservatorio di Mosca nel 1976. È il fondatore dell'orchestra da camera dei Solisti di Mosca. Yuri Bashmet è anche un violista. Dal 1996 è professore al Conservatorio di Mosca. Nel 1996crea e dirige il “Dipartimento di Viola Sperimentale” presso il Conservatorio di Mosca. Dal 2002 dirige e dirige l'Orchestra Sinfonica di Stato “Nuova Russia”. Ha lavorato con le orchestre sinfoniche di Berlino, New York Philharmonic, Chicago e London Symphony. È un artista popolare dell'URSS e vincitore di quattro premi statali della Federazione Russa.
Vorrei concludere la mia relazione metodologica con una citazione di Valery Filatov: “Se un coro non ha un direttore, ognuno cerca di “superare” l’altro”.
Il direttore d’orchestra, è come un suggerimento, è come una bacchetta magica che con i gesti dice dove e chi deve entrare, dove fermarsi, è come se aiuta l’orchestra (coro), la ispira e le dona la sua energia positiva.
Grazie per l'attenzione!

G. Lomakin(1811-1885). La fama di un talentuoso insegnante di canto arrivò presto a Lomakin e si diffuse rapidamente in tutta la capitale settentrionale. Fu invitato a insegnare in molte istituzioni educative: cadetti, corpi navali e di paggi, liceo, scuola di teatro e facoltà di giurisprudenza (dove a quel tempo studiava P.I. Ciajkovskij). È stato in questa scuola che G.Ya ha incontrato. Lomakin con il critico d'arte V.V. Stasov. L'eccezionale critico russo ha più volte notato la "scuola eccellente", "il giusto percorso di apprendimento", il "talento innato", "l'importanza e l'abilità nella direzione del coro" inerenti a Lomakin, che hanno avuto un ruolo notevole nella carriera del nostro connazionale. Nel 1862, insieme al famoso compositore M.A. Balakirev Lomakin ha organizzato una scuola di musica gratuita per l'illuminazione e l'educazione delle persone. A scuola G.Ya. Lomakin non solo ha creato un nuovo meraviglioso coro, ma è anche riuscito a organizzare la formazione dei futuri insegnanti di musica. Molti dei suoi studenti sono diventati musicisti famosi: cantanti, direttori di coro, insegnanti. Gavriil Yakimovich ha dedicato gli ultimi anni della sua vita alla composizione di opere: prima poteva scrivere musica solo a singhiozzo, durante le brevi ore di pausa tra le lezioni con i cori. Durante quel periodo creò numerose opere per il coro e scrisse diverse romanze. E nel 1883, quando M.A. divenne direttore della Cappella di Corte. Balakirev, Lomakin ha anche ricevuto una rara opportunità di pubblicare le sue opere. Ha dedicato gli ultimi giorni della sua vita a finalizzarli e a modificare le bozze.

A. Arcangelo (1846-1924)

Cappella di Corte.

Coro indipendente (1880).

Cappella del conte Sheremetyev.

S.V. Smolenskij (1848-1909)

Direttore della Scuola sinodale (1889-1901).

Direttore della cappella canora di corte (1901-1903).

Direttore dei corsi di reggenza privati (San Pietroburgo)

V.S. Orlov (1856-1907).

Coro della Società Corale Russa (1878-1886).

Cappella della Società Corale Russa (1882-1888).

Reggente del Coro sinodale (1886-1907).

Alexander Dmitrievich Kastalsky (1856-1926).

Coro sinodale (reggente dal 1901).

Pavel Grigorievich Chesnokov (1877-1944).

Coro spirituale privato A.P. Kayutova.

Coro della Società Corale Russa (1916-1917).

Reggente delle chiese di Mosca.

Nikolai Mikhailovich Danilin (1856-1945).

Coro sinodale (1910-1918).

Coro privato di Kayutov (1915-1917).

Cappella accademica di Leningrado.

Coro di Stato dell'URSS.

Sveshnikov Alexander Vasilievich(1890-1980), direttore di coro, Artista popolare dell'URSS (1956), Eroe del lavoro socialista (1970). Nel 1936-37, direttore artistico del Coro di Stato dell'URSS, organizzato sulla base dell'ensemble vocale All-Union Radio da lui creato nel 1928; nel 1937-1941 - Leningrado. cappelle; dal 1941 - Coro canoro statale russo (poi Coro accademico statale russo dell'URSS). Organizzatore (1944) e direttore dell'Istituto di Mosca. Scuola Corale (dal 1991 Accademia d'Arte Corale intitolata a S.). Professore (dal 1946), rettore (1948-74) Mosca. conservatorio. Premio di Stato dell'URSS (1946).

YURLOV Aleksandr Aleksandrovic (1927-73), direttore di coro, Artista popolare della RSFSR (1970), Azerbaigian. RSSA (1972). Studente A.V. Svešnikova. Dal 1958 direttore artistico e direttore d'orchestra principale della Repubblica. russo. cappella del coro (dal 1973 a lui intitolata). Professore Pedagogista Musicale. Istituto intitolato a Gnessins (dal 1970). Premio di Stato dell'URSS (1967).

Tevlin Direttore di coro Boris Grigorievich, professore (1981), capo del dipartimento di direzione di coro del Conservatorio statale di Mosca intitolato a P. I. Čajkovskij (1993-2007). Artista popolare della Federazione Russa (1995).

Kazachkov Semyon Abramovich (1909-2005) – insegnante, professore, capo del dipartimento di direzione corale del Conservatorio statale di Kazan.

Minin Vladimir Nikolaevich (nato nel 1929), direttore di coro, Artista popolare dell'URSS (1988). Lo studente V.G. Sokolova, A.V. Svešnikova. Dal 1972 mani. Mosca fondata da lui. coro da camera, dal 1987 (contemporaneamente) direttore artistico dello Stato. russo. coro. Dal 1978 professore (nel 1971-79 rettore) di Pedagogia musicale. Istituto intitolato a Gnesin. Premio di Stato dell'URSS (1982).

Dmitryak Gennady Aleksandrovich - direttore di coro e di opera sinfonica, artista onorato della Russia, direttore artistico e direttore principale del Coro accademico statale della Russia intitolato ad A.A. Yurlov e la Cappella del Cremlino di Mosca, professore associato del Dipartimento di direzione corale dell'Accademia russa di musica. Gnessin.

Requisiti per un direttore di coro

Ottima padronanza della tecnica di direzione;

Essere in grado di posizionare correttamente i membri del coro nelle parti in base alla loro voce e alla loro estensione cantata;

Naviga facilmente nella diversità delle opere musicali di diversi stili, epoche, movimenti, conosci i fondamenti teorici della registrazione e della lettura di spartiti corali;

Avere un orecchio acuto per la musica, un senso del ritmo e un gusto artistico sviluppato.

Generi di musica corale

VILLELLA(Canto paesano italiano) - Canto italiano dei secoli XV-XVI, prevalentemente a 3 voci, con coppia al. movimento delle voci, carattere vivace, contenuto lirico o umoristico.

CANONE(Norma greca, regola) - polifonico. musicale. basato sulla forma. su una rigorosa imitazione continua, in cui. le voci ripetono la melodia della voce principale, entrando prima che finisca quella precedente. Il Canone si distingue per il numero delle voci, gli intervalli tra loro (Canone in prima, quinta, ottava, ecc.), il numero di temi imitati contemporaneamente (Canone semplice; doppio, ad esempio nel n. 4 del Requiem di Mozart, ecc. .), la forma dell'imitazione (Canone in aumento, diminuzione). Nel cosiddetto canone infinito, la fine della melodia passa nel suo inizio, quindi le voci possono rientrare un numero qualsiasi di volte. Nel canone con un “indicatore variabile” (Vl. Protopopov), durante l'imitazione, lo schema melodico e il ritmo vengono preservati, ma gli intervalli cambiano. L'imitazione canonica, in una forma o nell'altra, è spesso usata nei cori. operazione.; Ci sono opere scritte sotto forma di K. ("Echo" di O. Lasso, "Song of the Lark" di F. Mendelssohn, arrangiamento di N.A. Rimsky-Korsakov "I Walk with the Loaches", ecc.).

KANT(dal latino, cantus - canto, canto) - un tipo di antico canto corale o d'insieme con un cappello. Ha avuto origine nel XVI secolo. in Polonia, più tardi - in Ucraina, dal 2° piano. 17 ° secolo - in Russia, diffondendosi come un primo tipo di canzone cittadina; all'inizio 18 ° secolo: il genere preferito della musica domestica e quotidiana. Dapprima il canto è una canzone-inno di contenuto religioso, successivamente è intriso di temi secolari; appaiono i bordi. lirico, pastorale, da tavola, fumetto, campo, ecc. Nell'era di Pietro il Grande, canti panegirici, i cosiddetti. Viva; eseguita da cori di cantori durante feste e cortei trionfali, accompagnati da colpi di cannone, fanfare e rintocchi di campane. Caratteristiche stilistiche del cant: forma del distico, subordinazione del ritmo musicale al ritmo poetico; chiarezza ritmica e morbidezza della melodia; struttura prevalentemente a 3 voci con movimento parallelo delle 2 voci superiori, il basso è spesso sviluppato melodicamente; avviene anche l'imitazione. Nel canto esiste una relazione naturale tra melodia e armonia, equilibrio delle funzioni armoniche: sottodominanti, dominanti, toniche. B. Asafiev sottolinea che “nell'evoluzione della musica nella seconda metà del XVIII e all'inizio del XIX secolo. Kant diventa una sorta di breve enciclopedia del trionfante stile omofonico” (“Musical Form as a Process”, Leningrado, 1963, p. 288). I cant erano distribuiti in raccolte scritte a mano, senza indicare gli autori del testo e della musica, sebbene venissero spesso utilizzate poesie dei poeti moderni Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov e altri.Le prime immagini furono realizzate in base al tipo di cant. avv. canzoni. A poco a poco il cant è diventato più complesso, acquisendo le caratteristiche di una storia d'amore. Più tardi (nel 19 ° secolo), sulla base del cant, furono create canzoni di soldati, bevute, studenti e in parte rivoluzionarie. L'influenza di Kant si riscontra anche in russo. musica classica, Glinka (“Gloria” dall'opera “Ivan Susanin”), ecc.

CANTATA(Italiano cantare - cantare) - un'opera per cantanti solisti, coro e orchestra, di carattere solenne o lirico-epico. Le cantate possono essere corali (senza solisti), da camera (senza coro), con o senza accompagnamento di pianoforte, in un solo movimento o costituite da più numeri completi. Una cantata di solito differisce da un oratorio (che è simile nei mezzi di espressione) per le dimensioni più piccole, l'uniformità del contenuto e la trama meno sviluppata. La cantata è nata in Italia (XVII secolo), inizialmente come pezzo per canto (in contrapposizione alla sonata). Ciò significa che la cantata si colloca nell'opera di J. S. Bach, che scrisse cantate su argomenti spirituali, mitologici e quotidiani. In Russia, la cantata apparve nel XVIII secolo e raggiunse lo sviluppo nel XIX e XX secolo: cantata teatrale solista (“Scialle nero” di Verstovsky), cantate di auguri, anniversari, lirico-filosofiche (“Canzoni d'addio degli studenti di gli Istituti Caterina e Smolny” di Glinka; “Mosca”, “Alla gioia” di Čajkovskij; “Svitezianka” di Rimsky-Korsakov; “Giovanni di Damasco”, “Dopo la lettura del Salmo” di Taneyev; “Primavera”, “ Campane” di Rachmaninov; “Cantata per l'apertura del monumento a Glinka” di Balakirev, ecc. d.).

Il genere della cantata è stato sviluppato nelle opere dei compositori sovietici, soprattutto in opere su temi storici, patriottici e moderni ("Alexander Nevsky" di Prokofiev, cantata sinfonica "Sul campo di Kulikovo" di Shaporin, "Cantata sulla patria" di Harutyunyan , eccetera.). Il moderno compositore tedesco K. Orff ha scritto cantate teatrali (Carmina Burana e altre).

MADRIGALE(Italiano) - canzone lirica in lingua madre. (a differenza dei canti in lingua latina), inizialmente monofonici. Nel primo Rinascimento (XIV secolo) veniva eseguita a 2-3 voci. Nel tardo Rinascimento (XVI secolo) occupò il centro, un posto nella musica profana, rappresentando una composizione vocale a una o più parti di una composizione polifonica per 4-5 voci; è stato distribuito anche fuori dall'Italia. Il genere madrigale è prevalentemente lirico, strettamente legato al testo poetico (fino al punto di illustrare singole parole). Sviluppatosi in ambienti aristocratici, il madrigale melodico (a differenza di frotolla, villanelle, chanson, ecc.) è lontano dalla musica popolare ed è spesso troppo sofisticato; Allo stesso tempo, aveva anche un significato progressivo, ampliando la gamma di immagini e mezzi espressivi. Il madrigale inglese dei secoli XVI-XVII è più semplice, associato al folklore e più emotivo. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Entro il 17 ° secolo Il madrigale si discosta dallo stile vocale polifonico, enfatizzando la voce solista con accompagnamento strumentale. Maestri eccezionali del madrigale (nelle diverse fasi del suo sviluppo) furono Arkadelt, Willart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTTETTO(dal francese mot - parola) - genere vocale. polifonico. musica. Inizialmente, in Francia (XII-XIV secolo), diversi mottetti erano riuniti in un mottetto. (molto spesso 3) melodie indipendenti con testi diversi: nella voce più bassa (tenore) - chiesa. canto su testo latino, medio (mottetto) e superiore (triplum) - canzoni d'amore o comiche in francese parlato. La Chiesa cattolica lottò contro tali “mottetti volgari”, opponendo loro (dal XV secolo) canti polifonici basati su un unico testo latino. I madrigali furono scritti per il coro a cappuccio. (della fine del XVI secolo e con accompagnamento), era costituito da più sezioni (2, 3 o più), in polifonia, e spesso in struttura di accordi. Nel XVII secolo sorsero mottetti per solisti con accompagnamento strumentale.

CORO DELL'OPERA- uno dei componenti principali di uno spettacolo d'opera moderno. In connessione con l'epoca, il genere e la personalità del compositore, il coro nell'opera gioca un ruolo diverso dalla creazione di uno sfondo quotidiano, un elemento decorativo, un partecipante al prologo, intermezzi ai capitoli. persona che agisce. Nell'opera seria (“opera seria”, XVII-XVIII secolo), il coro era quasi assente; nell'opera buffa (“opera comica”, XVIII secolo) appariva sporadicamente (ad esempio nei finali). Si è rafforzato il ruolo del coro come portatore dell'immagine del popolo nelle opere di Gluck e Cherubini, anche se spesso il coro. le scene in esse contenute hanno un carattere oratorio-statico. Maggiore significato drammatico fu dato al coro nelle opere dell'Europa occidentale del primo terzo del XIX secolo, in Rossini (“Guglielmo Tell”), Verdi (“Nabucco”, “Battaglia di Legnano”), con le loro immagini del popolo eroico ; nell'opera di Meyerbeer, la partecipazione del coro enfatizza i climax drammatici, nell'opera lirica del XIX secolo. il coro contribuisce alla creazione di un'atmosfera, colore nazionale, umore adeguati (op. Bizet, Verdi, Gounod); nell'opera popolare, i cori sono di genere, vicini al canto e alla danza popolare (op. Monyushko, Smetana). Rus. l'arte corale secolare fu rappresentata per la prima volta da cori d'opera (XVIII secolo, op. Fomin, Pashkevich, ecc.); e in futuro i cori occuperanno un posto importante in russo. opere, essendo “la pietra angolare del dogma e dell'affermazione della nazionalità e della democrazia” (B. Asafiev). Opera e creatività corale del russo. compositori è eccezionalmente diversificato.

Nelle opere storiche e patriottiche ("Ivan Susanin" di Glinka, "Il principe Igor" di Borodin, "La donna di Pskov" di Rimsky-Korsakov, ecc.), Il coro diventa il personaggio principale, insieme agli eroi. Soprattutto (il coro ha acquisito grande importanza nei drammi musicali popolari di Mussorgsky (“Boris Godunov”, “Khovanshchina”), dove l'immagine delle persone è presentata in modo sfaccettato, in via di sviluppo. Nelle opere quotidiane russe di Verstovsky (“ Askold's Grave"), Dargomyzhsky ("Rusalka") , Serov ("Enemy Power"), Čajkovskij ("Cherevichki", "L'incantatrice"), ecc. c'è uno stretto legame con la canzone popolare. L'originalità nazionale si riflette nel corale scene di opere legate a temi orientali ("Ruslan e Lyudmila" di Glinka, " Demone" di Rubinstein, "Principe Igor" di Borodin, ecc.). I mezzi corali sono usati nella rappresentazione di trame fiabesche e fantastiche (op. Glinka, Verstovsky, Rimsky-Korsakov). Il coro è utilizzato anche nell'oratorio, di solito nel prologo, nell'epilogo (opere Glinka, Serov, Rubinstein, Borodin, ecc., Nell'esecuzione di inni, ecc. ("La pulzella d'Orleans " di Čajkovskij, "Khovanshchina" di Mussorgsky, ecc.) Le tradizioni della partecipazione attiva del coro all'opera classica russa continuano nella creatività musicale sovietica: opere dei compositori sovietici russi "Guerra e pace", "Semyon Kotko" di Prokofiev , "Decebrists" di Shaporin, "Katerina Izmailova" di Shostakovich, "Emelyan Pugachev" di Koval, "Quiet Don" e "Virgin Soil Upturned" di Dzerzhinsky, "October" di Muradeli, " Virineya" di Slonimsky e altri, molti nazionali le opere contengono cori separati e scene corali sviluppate. Un coro d'opera ha le sue specifiche caratteristiche esecutive: prima di tutto, grande luminosità, sfumature prominenti (simili al disegno decorativo), testo enfatico, la sua capacità di “volare attraverso l'orchestra” nell'auditorium. Dato che il coro dell'opera è spesso in movimento, ogni membro richiede particolare sicurezza e indipendenza. Per sviluppare queste qualità, in alcuni gruppi i cantanti imparano il tempismo mentre studiano le loro parti. La presenza di messe in scena, in cui il coro non vede il direttore, rende necessario il cosiddetto. trasmissioni (tempo del direttore d'orchestra) condotte da dietro le quinte dai maestri del coro; allo stesso tempo, per ottenere la sincronicità dell’esecuzione, viene apportato un certo anticipo ai “punti” del direttore (più o meno, a seconda della profondità del coro).

ORATORIO(dal latino, wow - dico, prego) - una grande opera musicale per coro, solisti, orchestra; comp. da ensemble vocali, arie, recitativi, numeri orchestrali completi., l'oratorio è nato in Italia a cavallo tra il XVI e il XVII secolo, quasi contemporaneamente alla cantata e all'opera ed è vicino ad essi nella struttura. Si differenzia dalla cantata per le dimensioni maggiori, la trama sviluppata, il carattere epico-drammatico e dall'opera per la predominanza dell'elemento narrativo sullo sviluppo drammatico. L'oratorio si è sviluppato da laudas drammatizzate (inni spirituali di lode) eseguite in stanze speciali della chiesa - oratori. Un tipo speciale di oratorio è la Passione; per struttura e tipologia, l'oratorio comprende anche la messa, il requiem, lo “Stabat Mater”, ecc. Il genere dell'oratorio raggiunge il suo apice nelle opere di Bach e soprattutto di Händel, che creò il tipo di oratorio eroico-epico; Gli oratori di Haydn sono caratterizzati da caratteristiche di genere quotidiano e lirico-filosofiche. Nel 19 ° secolo prod. Il genere dell'oratorio è stato creato da Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvorak, Liszt, Verdi e altri nel XX secolo. - Honegger, Britten e altri.Il primo significa l'oratorio russo “Minin e Pozharsky” di Degtyarev; A. Rubinstein ha creato numerosi oratori ("Babylonian Pandemonium", "Paradise Lost", ecc.). Le opere dei classici russi utilizzano ampiamente tecniche di stile oratorio sotto forma di grandi scene corali ("Ivan Susanin", "Ruslan e Lyudmila" di Glinka, "Judith" di Serov, "Prince Igor" di Borodin, "Sadko" di Rimsky- Korsakov, ecc.). Il genere dell'oratorio è ampiamente utilizzato dai compositori sovietici quando incarnano temi storici e moderni ("Emelyan Pugachev" di Koval, "Il racconto della battaglia per la terra russa" di Shaporin, "Il canto delle foreste" di Shostakovich, "In guardia the World” di Prokofiev, “Requiem” di Kabalevskij, “ Mahogany" Zarina et al.).

CANZONE- la forma più semplice e diffusa di musica vocale, che unisce un'immagine poetica a quella musicale. La caratteristica di una canzone è la presenza di una melodia completa, indipendente, melodiosa, semplicità di struttura (di solito un periodo o una forma in 2, 3 parti). La musica della canzone corrisponde al contenuto generale del testo, senza dettagliarlo (ad esempio, in una canzone in versi molto comune). Esistono canzoni popolari e professionali (prodotte da compositori), che differiscono per genere, origine, composizione, ecc. Il genere comune della canzone corale è: canzone popolare (contadina e urbana), canzone di massa sovietica, dipartimento. cori di compositori russi e sovietici. Nella musica dell'Europa occidentale, il canto corale è stato coltivato da compositori romantici (Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). In senso figurato, il termine è una canzone. o canzone (per enfatizzare l'epica, la solennità, la sublimità poetica dell'opera) sono usate nei titoli delle principali opere musicali, cantate (ad esempio, "Song of Fate", "Triumphal Song" di Brahms).

CORALE- canto religioso nelle chiese cattolica e protestante. Il canto polifonico protestante (introdotto nel XVI secolo dai leader della Riforma) veniva eseguito dall'intera comunità in tedesco (in contrasto con il canto gregoriano all'unisono, che veniva cantato in latino da speciali cantanti maschi). Le melodie del corale sono caratterizzate da un ritmo sedentario. Di solito viene chiamato il corale (o semplicemente corale). presentazione di accordi di durate uniformi al rallentatore.

Sarebbe un’arroganza inaudita da parte mia parlare di direttori d’orchestra famosi di tutti i tempi e di tutti i popoli. A questo proposito non posso che fornirvi il link al parere di esperti più autorevoli di me :). Ma anche la mia opinione ha un certo valore, come ogni opinione indipendente di una persona pensante, giusto? Procedo pertanto come segue: cercherò di evidenziare le fasi principali dello sviluppo dell'arte della regia e i nomi di famosi direttori d'orchestra associati a queste fasi. Questo sarà giusto da tutte le parti :)

Una delle prime fasi della direzione

associato ad un oggetto molto ingombrante chiamato battuta. Una specie di bacchetta con la quale il direttore musicale principale ha colpito il pavimento, misurando il ritmo. E proprio questo trampolino, a sua volta, è associato al tragico incidente più ridicolo nel mondo della musica. Compositore, musicista e direttore d'orchestra Jean-Baptiste Lully morì di cancrena nel 1687. E il motivo è stato un infortunio alla gamba mentre si dirigeva usando un trampolino...

Nel XVII secolo il ruolo del direttore d'orchestra

molto spesso eseguito dai principali musicisti dell'orchestra. A volte erano organisti o clavicembalisti, ma più spesso erano violinisti. Probabilmente l'espressione “primo violino” deriva da questa tradizione? E qui vorrei nominare il seguente nome abbastanza moderno: Willie Boskowski. Violinista e direttore d'orchestra, è stato primo violino della famosa Orchestra Filarmonica di Vienna per diversi decenni del XX secolo. E questa orchestra, per tradizione, non ha mai avuto un direttore principale. Boskowski spesso dirigeva alla maniera dello stesso Strauss, con un violino in mano.

Alla fine del XVIII, nel XIX secolo, opere musicali

divenne così complicato che il passo logico successivo fu la formazione della professione di direttore d'orchestra “liberato”. Ora eseguono opere non solo delle proprie composizioni, ma anche di altri colleghi del laboratorio. E col tempo si crea una netta divisione tra tipologie di attività: un direttore d'orchestra non è più necessariamente un compositore! Uno dei primi direttori d'orchestra professionisti che riuscirono a guadagnarsi una reputazione internazionale fu Hans von Bulow E Herman Levi.

Non si può non menzionare un evento del genere: l’apparizione della bacchetta del direttore d’orchestra.

Ciò avvenne nel 19° secolo e la forma di questo importante strumento definita in quel periodo rimane ancora oggi tradizionale. E l'inventore è considerato un compositore e direttore d'orchestra tedesco Louis Spohr.

C’è un momento veramente rivoluzionario nella storia della direzione d’orchestra.

Vale a dire: il direttore si gira verso l'orchestra e ritorno al pubblico! Onestamente: non ne ho idea, ma com'era prima di questo? Il maestro non potrebbe dirigere guardando il pubblico, ma dando le spalle ai musicisti?! Bene, comunque sia, questo evento è celebrato come speciale. E a questo proposito ricordo il frammento più sentito, commovente: il completamente sordo Beethoven dirige la prima della sua sinfonia n. 9. Esecuzione completata. Il compositore non è in grado di sentire alcun suono. Dando le spalle al pubblico, non può vedere la reazione del pubblico. E poi i musicisti lo girano verso il pubblico e Beethoven vede il trionfo che il suo nuovo lavoro ha causato.

Infine, lasciatemi esprimere il mio affetto personale :).

Come inaspettatamente l'ho scoperto da solo: è difficile per me giudicare la professionalità di un direttore d'orchestra, quindi nelle mie valutazioni “aggiungo” qualità come abilità artistica e senso dell'umorismo. Probabilmente è per questo che, tra i direttori d’orchestra del XX secolo, ne individuiamo due: Gennady Rozhdestvensky E Daniele Barenboim. Concludo questo post con la registrazione del discorso di quest’ultimo: