L'articolo contiene dipinti di Salvador Dalì con titoli, nonché l'opera di Salvador Dalì, il suo percorso come artista e come è arrivato al surrealismo. Di seguito sono riportati i collegamenti a collezioni più complete di dipinti di El Salvador.
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Le opere di Salvador Dalì.
Sentenze, azioni, dipinti di Salvador Dalì, tutto aveva un leggero tocco di follia. Quest'uomo non era solo un artista surrealista, lui stesso ne era l'incarnazione surrealismo.
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Tuttavia, Dalì non arrivò subito al surrealismo. L'opera di Salvador Dalì iniziò principalmente con la passione per l'impressionismo e lo studio delle tecniche della pittura accademica classica. I primi dipinti di Dalì furono i paesaggi di Figueres, dove non c'erano ancora tracce di una visione surreale del mondo.
La sua passione per l'impressionismo svanì gradualmente e Dalì iniziò a cimentarsi con il cubismo, traendo ispirazione dai dipinti di Pablo Picasso. Anche in alcune opere surreali del maestro si possono rintracciare elementi del cubismo. Anche l'opera di Salvador Dalì è stata fortemente influenzata dalla pittura rinascimentale. Ha detto più volte che gli artisti moderni non sono niente in confronto ai titani del passato (e anche prima, la vodka era più dolce e l'erba era più verde, una canzone familiare).
Prima impara a disegnare e scrivere come i vecchi maestri, e solo allora fai quello che vuoi - e ti rispetteranno. Salvador Dalì
La formazione dell'attuale stile surrealista nei dipinti di Salvador Dalì iniziò più o meno nello stesso periodo con la sua espulsione dall'Accademia e la sua prima mostra a Barcellona. Solo alla fine della tua vita Dalì si allontanerà un po' dal surrealismo e ritornerà a una pittura più realistica.
Nonostante il rapporto teso tra Salvador Dalì e l'attuale folla surrealista dell'epoca, la sua immagine divenne la personificazione del surrealismo e di tutto ciò che è surreale nella mente delle masse. L’espressione di Dalì “il surrealismo sono io” è diventata vera agli occhi di milioni di persone nel mondo moderno. Chiedi a qualsiasi persona per strada chi associa alla parola surrealismo: quasi tutti risponderanno senza esitazione: "Salvador Dalì". Il suo nome è familiare anche a chi non capisce bene il significato e la filosofia del surrealismo e a chi non è interessato alla pittura. Direi che Dalì è diventato una sorta di mainstream nella pittura, nonostante il fatto che la filosofia del suo lavoro sia incomprensibile per molti.
Il segreto del successo di Salvador Dalì
Salvador Dalì aveva una rara capacità di scioccare gli altri; era l'eroe della maggior parte delle chiacchiere della sua epoca. Tutti parlavano dell'artista, dalla borghesia al proletariato. Salvador è stato forse il miglior attore tra gli artisti. Dalì potrebbe facilmente essere definito un genio delle pubbliche relazioni, sia in bianco che in nero. Salvador aveva un'ottima capacità di vendere e promuovere se stesso come marchio. I dipinti di Salvador Dalì erano l'incarnazione di una personalità stravagante, strana e stravagante, che rappresentava un flusso incontrollato del subconscio e possedeva uno stile unico e riconoscibile.
A proposito, i primi lavori di Dalì sono molto simili ai dipinti di Yves Tanguy, non sono riuscito a notare la differenza. Non è chiaro chi abbia preso in prestito da chi; una donna ha detto che è stato Dalì a prendere in prestito lo stile da Tanguy (ma questo non è accurato). Quindi: ruba, uccidi, prendi in prestito saggiamente e il successo ti aspetta. Tuttavia, non è così importante chi sia stato il primo (e il primo in uno stile simile fu Max Ernst - fu lui a inventare l'idea di scrivere attentamente le immagini schizoidi). Fu Salvador, grazie alla sua abilità artistica, a sviluppare e incarnare pienamente le idee del surrealismo.
Il grande e terribile Salvador Dalì ha vissuto una vita luminosa e piena di contraddizioni. Fin dall'infanzia, si distingueva dai suoi coetanei per il suo carattere odioso e la magistrale capacità di manipolare gli adulti. Un bambino strano e incomprensibile non poteva rientrare nel quadro delle norme comportamentali, per le quali veniva spesso ridicolizzato. Le sue azioni non potevano essere valutate dal punto di vista della logica di una persona comune.
Il genio che il ragazzo catalano ha realizzato in se stesso molto presto ha reso difficile la vita a tutti quelli che lo circondavano. I genitori idolatravano il bambino, perché suo fratello maggiore era morto di meningite, quindi l'amore divorante favoriva il narcisismo e l'egocentrismo fin dalla tenera età. La permissività e la libertà di scelta hanno dato al mondo i maestri del surrealismo, nelle cui opere sono crittografati sogni, fobie e ricordi d'infanzia.
Dipinto ad olio nel 1925, è una delle prime opere del genio. Le linee chiare e geometriche del cubismo non sono state scelte per caso. La creazione dei due eroi Arlecchino e Pierrot mediante l'inganno visivo, un collage di carta situato al centro della stanza simboleggia la duplice natura dell'uomo, in cui si stratificano immagini opposte di clown. La tavolozza è piuttosto attenuata, solo fuori dalla finestra c'è un paesaggio marino viola con una barca a vela solitaria. Dopo la morte di sua madre, Dalì rimase senza famiglia e senza sostegno, il che non appianò l'intransigenza dei suoi atteggiamenti di vita.
Prima di incontrare Gala, la sorella minore dell’artista era la migliore amica di Salvador Dalì e questa è l’unica opera a lei dedicata. Su cartone, ad olio, del 1924, è raffigurata Anna Maria seduta su una sedia. L'unità infantile e la vicinanza spirituale sono rimaste con loro nella loro giovinezza. Una bellezza con gli occhi senza fondo in un abito bianco leggero siede con il viso chinato. Questo era il periodo d'oro dell'amicizia fratello-sorella. Ma il matrimonio con Gala distrusse per sempre tutti i rapporti familiari, i rimproveri e la gelosia di Anna Maria e tutto il sostegno di sua moglie nel suo lavoro resero la scelta ovvia e rimase solo una musa fedele.
Un bambino geopolitico che guarda la nascita di un uomo nuovo
L'artista trascorse il difficile periodo della Seconda Guerra Mondiale in America. La sua amata Spagna era al centro degli eventi sanguinosi e, naturalmente, le preoccupazioni per il destino dell'umanità risuonavano nell'anima del genio. Il dipinto fu dipinto nel 1943, nel pieno delle ostilità in Europa. Al centro c'è un enorme uovo, che simboleggia il pianeta. Una crepa lo attraversa e si può vedere una mano che afferra saldamente il guscio. I contorni all'interno dicono che tipo di tormento sta vivendo l'Uomo Nuovo e una goccia di sangue cade sul panno bianco steso sotto il pianeta. Nell'angolo destro sta una donna con i capelli sciolti al vento e il seno nudo, che indica il bambino abbracciato alle sue ginocchia nell'atto complesso della nascita di una nuova coscienza dell'umanità. L'universo è raffigurato come un deserto, dove si possono vedere sagome solitarie. Scritto in toni giallo-marroni, a simboleggiare lo stato malato in cui versa il mondo.
Una delle migliori opere di Salvador Dalì è stata ispirata da pezzo di formaggio Camembert. Una spiaggia deserta con una superficie d'acqua tranquilla è diventata una persona priva di sensi. Un orologio fuso che ricorda la forma di un formaggio è appeso al ramo di un albero spezzato. Al centro si trova una creatura dalla forma bizzarra, in cui puoi vedere le palpebre chiuse con lunghe ciglia, sulle quali c'è anche un orologio morbido. Un'idea peculiare del tempo, che scorre lentamente nel tranquillo rifugio della coscienza umana.
Si basa su un profilo umano, che si perde nelle sue fantasie e nella sua immaginazione. L'autore ha creato un'opera di straordinaria profondità, i confini sono sfumati e lo spazio diventa cosmicamente infinito. La stessa sensazione viene trasmessa collegando periodi di tempo della storia umana. L'antichità e il Medioevo sono rimasti attraverso le colonne e l'architettura, la modernità è rappresentata da chiare forme di cubismo. Il dipinto contiene molte immagini comprensibili solo all'artista. Il fascino di Salvador Dalì per le teorie di Freud è evidente in L'uomo invisibile.
Un deserto, delineato da un orizzonte giallo, un volto innaturale e rugoso, che distrugge vite umane. Al posto dei capelli ci sono serpenti sibilanti con la bocca aperta. Nelle orbite e nella bocca c'è anche un teschio con lo stesso riempimento. La guerra si identifica con la morte che divora tutto, avanzando all'infinito e non lasciando dietro di sé nulla di vivo, solo infinite sabbie gialle.
Puoi guardare i dipinti di Salvador Dalì per ore, scrutando le immagini e le sagome nascoste dalle metamorfosi e dall'immaginazione dell'autore. La "Galatea delle Sfere" sembra essere stata creata con l'aiuto dell'alta tecnologia moderna. Come puoi dipingere i contorni trasparenti di una musa permanente con gli strumenti consueti di un artista in una varietà di ambiti? L'immagine tridimensionale ti trasporta nell'infinito, i toni dell'azzurro cielo creano un universo composto da mille atomi e creano un'unica bellissima donna.
Al centro c'è l'immagine di un vaso, che non è altro che un bellissimo volto antico. Gli zigomi sfocati si trasformano in una tovaglia, dove la corda, la sciarpa e le unghie vengono lanciate con noncuranza. Sullo sfondo puoi vedere sagome umane e un paesaggio marino. Due cani svettano sopra il vaso, che l'autore rende partecipe della natura, creando metamorfosi visive.
Sulla scacchiera nell'angolo sinistro c'è una donna in abiti rinascimentali, di fronte alla superficie dell'acqua marina. Lo sguardo della donna, riconoscibile come la moglie dell’artista, è rivolto verso l’alto, dove è crocifisso Gesù Cristo. Il volto non è visibile, la testa è gettata all'indietro, il corpo è disteso come una corda, le dita sono piegate in uno spasmo doloroso. Le forme geometriche del cubo e la perfezione del giovane corpo si fondono e allo stesso tempo diventano agli antipodi. La fredda superficie della crocifissione è l'indifferenza e la crudeltà umana, su cui muoiono l'amore e la gentilezza.
L'ultima creazione della mano del grande maestro dedicata alla sua amata moglie. All'orizzonte si vede il mare turchese e un cielo limpido, e al centro, gradualmente decrescenti, sono visibili 3 profili femminili appartenenti a Gala. Il sorriso che le illuminò il volto non è meno misterioso di quello della Mono Lisa di Leonardo da Vinci. Guardando la tela dall'alto verso il basso, puoi identificare la primissima immagine, dorata, sfocata, sfocata, che simboleggia i primi anni insieme. La seconda persona è eretta su un piedistallo, in questa fase della vita Dalì ha divinizzato il suo amore, il suo narcisismo si è ritirato davanti alla perfezione di una donna straordinaria. L'ultimo profilo, di dimensioni maggiori rispetto agli altri, è di colore grigio, privo del caldo oro. Questo è il suo Gala, vero, con vizi e virtù, che rimangono per sempre i principali e insostituibili per il genio.
Senza esagerare, Salvador Dalì può essere definito il surrealista più famoso del XX secolo, perché il suo nome è familiare anche a chi è completamente lontano dalla pittura. Alcuni lo considerano il più grande genio, altri un pazzo. Ma sia il primo che il secondo riconoscono incondizionatamente il talento unico dell’artista. I suoi dipinti sono una combinazione irrazionale di oggetti reali deformati in modo paradossale. Dalì era un eroe del suo tempo: il lavoro del maestro veniva discusso sia nei circoli più alti della società che tra i proletari. È diventato una vera incarnazione del surrealismo con la libertà di spirito, l'incoerenza e lo shocking inerenti a questo movimento pittorico. Oggi chiunque può accedere ai capolavori creati da Salvador Dalì. I dipinti, le cui foto possono essere viste in questo articolo, sono capaci di impressionare ogni fan del surrealismo.
Il ruolo di Gala nell'opera di Dalì
Salvador Dalì ha lasciato un'enorme eredità creativa. Dipinti con titoli che evocano sentimenti contrastanti tra molti oggi attirano così tanto gli amanti dell'arte da meritare una considerazione e una descrizione dettagliate. L'ispirazione, il modello, il sostegno e la principale ammiratrice dell'artista è stata sua moglie Gala (emigrante dalla Russia), alla quale tutti i suoi quadri più famosi furono dipinti durante la sua vita.
Il significato nascosto de “La persistenza della memoria”
Quando si considera Salvador Dalì, vale la pena iniziare con la sua opera più riconoscibile: "La persistenza della memoria" (a volte chiamata "Tempo"). La tela è stata realizzata nel 1931. L'artista è stato ispirato per dipingere il capolavoro da sua moglie Gala. Secondo lo stesso Dalì, l'idea del dipinto è nata dalla vista di qualcosa che si scioglie sotto i raggi del sole... Cosa voleva dire il maestro raffigurando un orologio morbido su tela sullo sfondo di un paesaggio?
I tre morbidi quadranti che decorano il primo piano dell'immagine si identificano con il tempo soggettivo, che scorre liberamente e in modo irregolare riempiendo tutto lo spazio disponibile. Anche il numero delle ore è simbolico, perché il numero 3 su questa tela indica passato, presente e futuro. Lo stato morbido degli oggetti indica il rapporto tra spazio e tempo, che è sempre stato evidente per l'artista. C'è anche un orologio solido nella foto, raffigurato con il quadrante rivolto verso il basso. Simboleggiano il tempo oggettivo, il cui corso va contro l'umanità.
Anche Salvador Dalì ha raffigurato il suo autoritratto su questa tela. Il dipinto “Time” contiene in primo piano un oggetto disteso incomprensibile incorniciato da ciglia. È in questa immagine che l'autore si è dipinto mentre dormiva. In un sogno, una persona libera i suoi pensieri, che da sveglio nasconde accuratamente agli altri. Tutto ciò che può essere visto nella foto è il sogno di Dalì, il risultato del trionfo dell'inconscio e della morte della realtà.
Le formiche che strisciano sul corpo di un orologio solido simboleggiano il decadimento e la putrefazione. Nel dipinto gli insetti sono disposti a forma di quadrante con frecce e indicano che il tempo oggettivo si distrugge. Una mosca posata su un orologio morbido era un simbolo di ispirazione per il pittore. Gli antichi filosofi greci trascorrevano molto tempo circondati da queste “fate del Mediterraneo” (questo è ciò che Dalì chiamava mosche). Lo specchio visibile nell'immagine a sinistra è la prova dell'impermanenza del tempo; riflette sia il mondo oggettivo che quello soggettivo. L'uovo sullo sfondo simboleggia la vita, l'oliva secca simboleggia l'antica saggezza dimenticata e l'eternità.
“Giraffe on Fire”: interpretazione delle immagini
Studiando i dipinti di Salvador Dalì con le descrizioni, puoi studiare il lavoro dell'artista più profondamente e comprendere meglio il sottotesto dei suoi dipinti. Nel 1937, il pennello dell’artista produsse l’opera “Giraffe on Fire”. Questo fu un periodo difficile per la Spagna, poiché iniziò poco prima, inoltre l'Europa era sull'orlo della seconda guerra mondiale e Salvador Dalì, come molte persone progressiste dell'epoca, ne avvertì l'avvicinarsi. Nonostante il maestro abbia affermato che la sua “Giraffa in fiamme” non ha nulla a che fare con gli eventi politici che scuotono il continente, l’immagine è completamente satura di orrore e ansia.
In primo piano Dalì dipinse una donna in piedi in una posa disperata. Le sue mani e il suo viso sono insanguinati e sembra che la loro pelle sia stata strappata via. La donna sembra impotente, non riesce a resistere al pericolo imminente. Dietro di lei c'è una signora con un pezzo di carne tra le mani (è simbolo di autodistruzione e di morte). Entrambe le figure stanno a terra grazie a sottili supporti. Dalì li raffigurava spesso nelle sue opere per enfatizzare la debolezza umana. La giraffa, da cui prende il nome il dipinto, è dipinta sullo sfondo. È molto più piccolo delle donne, la parte superiore del suo corpo è in fiamme. Nonostante le sue piccole dimensioni, è lui il personaggio principale della tela, incarnando il mostro che porta l'apocalisse.
Analisi di "Premonizioni di guerra civile"
Non è stato solo in quest'opera che Salvador Dalì ha espresso la sua premonizione di guerra. Dipinti con titoli che indicano il suo approccio sono apparsi dall'artista più di una volta. Un anno prima della “Giraffa”, l’artista ha dipinto “Costruzione morbida con fagioli bolliti” (altrimenti nota come “Premonizione della guerra civile”). La struttura delle parti del corpo umano, raffigurata al centro della tela, ricorda i contorni della Spagna su una mappa. La struttura in alto è troppo ingombrante, pende dal suolo e può crollare da un momento all'altro. Sotto l'edificio sono sparsi dei fagioli, che qui sembrano completamente fuori posto, il che non fa altro che sottolineare l'assurdità degli eventi politici accaduti in Spagna nella seconda metà degli anni '30.
Descrizione di "I volti della guerra"
“The Face of War” è un'altra opera lasciata dal surrealista ai suoi fan. Il dipinto risale al 1940, un periodo in cui l'Europa era travolta dalle ostilità. La tela raffigura una testa umana con il volto congelato nell'agonia. È circondata da ogni lato da serpenti e al posto degli occhi e della bocca ha innumerevoli teschi. Sembra che la testa sia letteralmente piena di morte. Il dipinto simboleggia i campi di concentramento che hanno tolto la vita a milioni di persone.
Interpretazione di "Sogno"
"Il sogno" è un dipinto di Salvador Dalì, da lui creato nel 1937. Raffigura un'enorme testa addormentata sorretta da undici sottili supporti (esattamente gli stessi delle donne nel dipinto “Giraffa in fiamme”). Le stampelle sono ovunque, sostengono gli occhi, la fronte, il naso, le labbra. La persona non ha corpo, ma ha un collo sottile e allungato in modo innaturale. La testa rappresenta il sonno e le stampelle indicano il sostegno. Non appena ogni parte del viso trova il suo sostegno, la persona crolla nel mondo dei sogni. Non sono solo le persone ad aver bisogno di sostegno. Se guardi da vicino, nell'angolo sinistro della tela puoi vedere un cagnolino, il cui corpo è anche appoggiato a una stampella. Puoi anche pensare ai supporti come a fili che permettono alla testa di fluttuare liberamente durante il sonno, ma non le permettono di sollevarsi completamente da terra. Lo sfondo blu della tela sottolinea ulteriormente il distacco di ciò che accade su di essa dal mondo razionale. L'artista era sicuro che questo fosse esattamente l'aspetto di un sogno. Il dipinto di Salvador Dalì è stato incluso nella sua serie di opere “Paranoia e guerra”.
Immagini di Gala
Salvador Dalì dipinse anche la sua amata moglie. Dipinti con i nomi “Angelus Gala”, “Madonna di Port Ligata” e molti altri indicano direttamente o indirettamente la presenza di Dyakonova nelle trame delle opere del genio. Ad esempio, in “Galatea con sfere” (1952), ha raffigurato la sua compagna di vita come una donna divina, il cui volto è visibile attraverso un gran numero di sfere. La moglie di un genio aleggia sopra il mondo reale negli strati eterei superiori. La sua musa divenne la protagonista di dipinti come “Galarina”, dove è raffigurata con il seno sinistro esposto, e “Leda atomica”, in cui Dalì presenta la moglie nuda come sovrana di Sparta. Quasi tutte le immagini femminili presenti sulle tele furono ispirate dalla fedele moglie del pittore.
Impressione dell'opera dell'artista
Le fotografie ad alta risoluzione raffiguranti dipinti di Salvador Dalì ti consentono di studiare la sua opera fin nei minimi dettagli. L'artista ha vissuto una lunga vita e ha lasciato diverse centinaia di opere. Ognuno di loro è un mondo interiore unico e incomparabile, rappresentato da un genio di nome Salvador Dalì. Le immagini con nomi conosciuti da tutti fin dall'infanzia possono ispirare, provocare gioia, sconcerto o addirittura disgusto, ma nessuna persona rimarrà indifferente dopo averle viste.
Uno dei dipinti più famosi scritti nel genere del surrealismo è “La persistenza della memoria”. Salvador Dalì, l'autore di questo dipinto, lo ha creato in poche ore. La tela è ora a New York, al Museum of Modern Art. Questo piccolo dipinto, che misura solo 24 x 33 centimetri, è l’opera più discussa dell’artista.
Spiegazione del nome
Il dipinto di Salvador Dalì “La persistenza della memoria” è stato dipinto nel 1931 su un arazzo di tela fatto a mano. L'idea di creare questo dipinto era legata al fatto che un giorno, mentre aspettava che sua moglie Gala tornasse dal cinema, Salvador Dalì dipinse un paesaggio assolutamente deserto della costa del mare. All'improvviso vide sul tavolo un pezzo di formaggio, che aveva mangiato la sera con gli amici, sciogliersi al sole. Il formaggio si sciolse e divenne sempre più morbido. Dopo averci pensato e collegato il lungo passare del tempo con un pezzo di formaggio che si scioglie, Dalì iniziò a riempire la tela con le ore di diffusione. Salvador Dalì chiamò la sua opera “La persistenza della memoria”, spiegando il titolo con il fatto che una volta che guardi un dipinto, non lo dimenticherai mai. Un altro nome del dipinto è “Orologio che scorre”. Questo nome è associato al contenuto della tela stessa, che Salvador Dalì vi ha inserito.
“Persistenza della memoria”: descrizione del dipinto
Quando guardi questa tela, il tuo occhio viene immediatamente colpito dall'insolita disposizione e struttura degli oggetti raffigurati. L'immagine mostra l'autosufficienza di ciascuno di loro e la sensazione generale di vuoto. Ci sono molti elementi apparentemente non correlati qui, ma tutti creano un'impressione generale. Cosa ha raffigurato Salvador Dalì nel dipinto “La persistenza della memoria”? La descrizione di tutti gli articoli occupa molto spazio.
L’atmosfera del dipinto “La Persistenza della Memoria”
Salvador Dalì ha dipinto il dipinto nei toni del marrone. L'ombra generale si trova sul lato sinistro e al centro del dipinto, il sole cade sul retro e sul lato destro della tela. L’immagine sembra essere piena di silenzioso orrore e paura di tale calma e, allo stesso tempo, una strana atmosfera riempie “La persistenza della memoria”. Salvador Dalì con questo dipinto ti fa riflettere sul significato del tempo nella vita di ogni persona. Se il tempo può fermarsi? Può adattarsi a ciascuno di noi? Probabilmente ognuno dovrebbe darsi delle risposte a queste domande.
È noto che l'artista lasciava sempre appunti sui suoi dipinti nel suo diario. Tuttavia, Salvador Dalì non ha detto nulla del dipinto più famoso “La persistenza della memoria”. Il grande artista inizialmente capì che dipingendo questo quadro avrebbe fatto riflettere le persone sulla fragilità dell'esistenza in questo mondo.
L'influenza della tela su una persona
Il dipinto di Salvador Dalì “La persistenza della memoria” è stato esaminato da psicologi americani, che sono giunti alla conclusione che questo dipinto ha un forte impatto psicologico su alcuni tipi di personalità umane. Molte persone, guardando questo dipinto di Salvador Dalì, hanno descritto i loro sentimenti. La maggior parte delle persone era immersa nella nostalgia, gli altri cercavano di risolvere le emozioni contrastanti di orrore generale e pensosità causate dalla composizione dell'immagine. La tela trasmette sentimenti, pensieri, esperienze e atteggiamento nei confronti della “morbidezza e durezza” dell'artista stesso.
Naturalmente, questa immagine è di piccole dimensioni, ma può essere considerata uno dei dipinti psicologici più grandi e potenti di Salvador Dalì. Il dipinto “La persistenza della memoria” porta con sé la grandezza dei classici della pittura surrealista.