Disegno per il lavoro vecchio castello. La storia della creazione di "Pictures at an Exhibition" di M. Mussorgsky. Storie e musica

19.06.2019

Alexander MAYKAPAR

M. Musorgskij. "Quadri di una mostra"

Genere: suite per pianoforte.
Anno di creazione: Giugno 1874
Prima edizione: 1886, come modificato da N.A. Rimskij-Korsakov.
Dedicato a: V.V. Stasov.

Musorgskij modesto

Dalla storia della creazione e della pubblicazione

Il motivo della creazione di "Pictures at an Exhibition" è stata una mostra di dipinti e disegni del famoso artista e architetto russo V.A. Hartmann, organizzato presso l'Accademia delle Arti su iniziativa di V.V. Stasov in connessione con la morte improvvisa dell'artista. Stasov ha risposto alla morte di W. Hartmann con l'articolo “L'arte attuale in Europa. Note artistiche sull’Esposizione Mondiale del 1873 a Vienna.” Contiene, forse, la caratteristica più profonda dell'opera di questo maestro: “Non solo in Russia capirono il talento originale di Hartmann e simpatizzarono con la novità e la freschezza delle idee di questo giovane artista: a Vienna trovò anche degni intenditori. Quando i disegni di Hartmann arrivarono lì e furono spacchettati davanti a una commissione di architetti, questi ultimi, a prima vista, rimasero davvero estasiati sia dall'abilità del disegnatore (Hartmann era uno dei più eccellenti acquarellisti che io abbia mai incontrato), sia dalla la novità e la ricchezza della sua immaginazione”.

Delle opere dell'artista da cui sono stati scritti i "Quadri" di Mussorgsky, se ne conoscono solo sei.

Victor Hartmann

Victor Aleksandrovich Hartman(1834–1873) fu un eccezionale architetto e artista russo. Ha completato un corso all'Accademia delle Arti, dopo aver studiato edilizia, ha trascorso diversi anni all'estero, disegnando monumenti architettonici ovunque, registrando tipi popolari e scene di vita di strada a matita e acquerello. Invitato quindi a partecipare all'organizzazione della mostra manifatturiera tutta russa del 1870 a San Pietroburgo, realizzò circa 600 disegni, secondo i quali furono costruiti vari padiglioni espositivi. Questi disegni dimostrano l’inesauribile fantasia dell’artista, il gusto sottile e la grande originalità. Fu per questo lavoro che nel 1872 gli fu conferito il titolo di accademico. Ha creato diversi progetti architettonici (ad esempio, il Teatro popolare di San Pietroburgo), ha realizzato disegni di scene e costumi per l'opera di M. Glinka "Ruslan e Lyudmila", ha partecipato all'organizzazione dell'Esposizione del Politecnico di Mosca nel 1872. Secondo il suo progetti, fu costruita una casa per la tipografia Mamontov, una casa di campagna, una dacia per Mamontov e diverse case private.

Mussorgsky, che conosceva bene l'artista, rimase scioccato dalla sua morte. Scrisse a V. Stasov: “Noi sciocchi siamo solitamente consolati in questi casi dai saggi: “lui” non esiste, ma quello che è riuscito a fare esiste ed esisterà; e, dicono, quante persone hanno un destino così felice da non dimenticare. Ancora una volta un pallino (con rafano al posto delle lacrime) dell'orgoglio umano. Al diavolo la tua saggezza! Se "lui" non vivesse invano, ma creato, allora che farabutto bisogna essere per conciliare il piacere della “consolazione” con il fatto che “lui” smesso di creare. Non c’è e non può esserci pace, non c’è e non dovrebbe esserci consolazione: è flaccido”.

Alcuni anni dopo, nel 1887, quando si tentò di pubblicare la seconda edizione di "Quadri di un'esposizione" (la prima, sotto la direzione di N.A. Rimsky-Korsakov, fu rimproverata per essersi allontanata dalle intenzioni dell'autore; noteremo alcune di queste deviazioni nei nostri commenti) , V. Stasov ha scritto nella prefazione: “Gli schizzi vivaci e aggraziati del pittore di genere, molte scene, tipi, figure della vita quotidiana, catturati dalla sfera di ciò che si precipitava e vorticava intorno a lui - per le strade e nelle chiese, nelle catacombe parigine e nei monasteri polacchi, nei vicoli romani e nei villaggi di Limoges, tipi carnevaleschi alla Gavarni, operai in camicetta e preti a dorso d'asino con l'ombrello sotto il braccio, vecchiette francesi in preghiera, ebrei sorridenti da sotto una yarmulke, straccivendoli parigini, simpatici asinelli che si sfregano contro un albero, paesaggi con una pittoresca rovina, meravigliosi percorsi con panorama della città..."

Mussorgsky ha lavorato su "Immagini" con straordinario entusiasmo. In una delle sue lettere a Stasov scrisse: “Hartmann ribolle, proprio come Boris stava bollendo - suoni e pensieri restano sospesi nell'aria, io deglutisco e mangio troppo, ho a malapena il tempo di grattare sulla carta... Voglio farlo più velocemente e in modo più affidabile. La mia faccia è visibile negli intermezzi… Che bel lavoro.” Mentre Mussorgsky stava lavorando a questo ciclo, l'opera veniva chiamata "Hartmann"; il titolo “Quadri di una mostra” apparve più tardi.

Molti contemporanei ritenevano che la versione per pianoforte di “Pictures” dell'autore fosse un'opera non pianistica e scomoda da eseguire. C'è del vero in questo. Nel “Dizionario Enciclopedico” di Brockhaus ed Efron leggiamo: “Segnaliamo un’altra serie schizzi musicali intitolato “Pictures from an Exhibition”, scritto per pianoforte nel 1874, sotto forma di illustrazioni musicali per acquerelli di V.A. Hartman." Non è un caso che ci siano molte orchestrazioni di quest'opera. L'orchestrazione di M. Ravel, realizzata nel 1922, è la più famosa, ed è stato in questa orchestrazione che "Pictures at an Exhibition" ha ricevuto riconoscimenti in Occidente. Del resto anche tra i pianisti non c’è consenso: alcuni eseguono l’opera nella versione dell’autore, altri, in particolare V. Horowitz, la trascrivono. Nella nostra collezione "Pictures at an Exhibition" sono presentati in due versioni: la versione originale per pianoforte (S. Richter) e orchestrata da M. Ravel, che rende possibile il confronto.

Storie e musica

"Pictures at an Exhibition" è una suite di dieci opere teatrali, ciascuna ispirata a una delle trame di Hartmann. Mussorgsky ha inventato un modo assolutamente meraviglioso per combinare queste sue immagini musicali in un unico insieme artistico: a questo scopo ha utilizzato il materiale musicale dell'introduzione, e poiché le persone di solito camminano per la mostra, ha chiamato questa introduzione “Passeggiata”.

Quindi, siamo invitati alla mostra...

Camminare

Questa introduzione non costituisce la parte principale – sostanziale – dell'esposizione, ma è un elemento essenziale dell'intera composizione musicale. Per la prima volta il materiale musicale di questa introduzione viene presentato integralmente; in futuro, come intermezzi tra le rappresentazioni, verrà utilizzato il motivo della “Passeggiata” in diverse versioni: a volte calmo, a volte più eccitato, che esprime meravigliosamente lo stato psicologico dello spettatore della mostra quando passa da un quadro all'altro. Allo stesso tempo, Mussorgsky crea un sentimento di unità dell'intera opera con il massimo contrasto musicale- e lo sentiamo chiaramente visivo anche (dipinti di Hartmann) - il contenuto delle opere teatrali. Riguardo alla sua scoperta (come collegare le opere teatrali), Mussorgsky ha detto (nella lettera a Stasov citata sopra): “I collegamenti sono buoni (sulla “passeggiata”)... Il mio volto è visibile negli intermezzi”.

Innanzitutto, con l'aiuto della modalità musicale. "The Walk", almeno all'inizio, è scritto nella cosiddetta modalità pentatonica ("penta" - cinque), cioè utilizzando solo cinque suoni - sono esclusi i suoni che formano un semitono con quelli vicini. Quelli rimanenti e quelli utilizzati nel tema sono separati tra loro da un tono intero. I suoni esclusi in questo caso sono la E Mi bemolle. Inoltre, quando il carattere viene delineato, il compositore utilizza l'intera scala. La scala pentatonica di per sé conferisce alla musica un carattere decisamente popolare.

In secondo luogo, la struttura ritmica: dapprima il metro dispari (5/4) e il metro pari (6/4) combattono (o si alternano?), la seconda metà del brano è già interamente in metro pari. L'apparente incertezza della struttura ritmica, o meglio la mancanza di ortogonalità in essa, è anche una delle caratteristiche della struttura della musica popolare russa. Non stiamo toccando un problema molto grande e importante qui. interpretazioni musica, lettura E rapporti registrazione dell'autore e intenzione dell'autore. Perché, come disse il poeta Witold Degler,

A volte un pensiero degno di applausi
Puoi morire per l'interpretazione...

Mussorgsky ha fornito al suo lavoro note abbastanza dettagliate sulla natura della performance (tempo, umore, ecc.). Per fare questo ha utilizzato, come è consuetudine in musica, la lingua italiana.

Le indicazioni per la prima “Passeggiata” sono le seguenti: Allegrogiusto , nelmodorusso , senzaallergia , mammapocosostenuto. Nelle pubblicazioni che forniscono traduzioni di tali osservazioni italiane, puoi vedere la seguente traduzione: "Presto, in stile russo, senza fretta, un po' sobrio". Questo insieme di parole ha poco senso. Come si gioca: "presto", "senza fretta" o "un po' moderato"?

Il fatto è che, in primo luogo, in una traduzione del genere una parola importante è stata lasciata incustodita giusto , che letteralmente significa “correttamente”, “proporzionalmente” “esattamente”; in relazione all’interpretazione, “un tempo appropriato al carattere del pezzo”. Il carattere di questa commedia è determinato dalla prima parola delle didascalie: allegro, e in questo caso va inteso nel senso di “allegramente” (e non “rapidamente”). Poi tutto va a posto e l'intera osservazione si traduce come segue: "suona allegramente, al ritmo appropriato, nello spirito russo, senza fretta, un po' sobrio". Probabilmente tutti saranno d'accordo nel dire che è proprio questo stato d'animo che solitamente ci possiede quando entriamo per la prima volta in una mostra. Un'altra cosa sono le nostre sensazioni derivanti da nuove impressioni su ciò che abbiamo visto...

Vdamimir Stasov

In alcuni casi, il motivo della “Passeggiata” risulta essere un collegamento con le rappresentazioni vicine. Ciò accade quando si passa dal n. 1 – “Gnomo” al n. 2 – “Vecchio Castello” o dal n. 2 al n. 3 – “Giardino delle Tuileries”. Man mano che il lavoro procede, queste transizioni sono inconfondibilmente riconoscibili. In altri casi, al contrario, il motivo diventa nettamente divisorio - quindi "Passeggiata" viene designato come una sezione più o meno indipendente, ad esempio tra il n. 6 – “Due ebrei, ricchi e poveri” e il n. 7 – “ Limoges. Mercato".

Ogni volta, a seconda del contesto in cui appare il motivo della “Passeggiata”, Mussorgsky trova per esso mezzi espressivi speciali: il motivo è vicino alla sua versione originale, come sentiamo dopo il n. 1 (siamo ancora lontani dal nostro cammino attraverso la mostra), non suona così moderato e nemmeno pesante (dopo “The Old Castle”; nota nelle note: pesante- Italiano difficile).

Mussorgsky struttura l'intero ciclo in modo tale da evitare completamente qualsiasi tipo di simmetria o prevedibilità. Ciò caratterizza anche l'interpretazione del materiale musicale di “The Walk”: l'ascoltatore (ovvero lo spettatore) o rimane impressionato da ciò che ha sentito (visto), o, al contrario, sembra scrollarsi di dosso pensieri e sensazioni dall'immagine che ha sega. E da nessuna parte lo stato d'animo si ripete esattamente. E tutto questo con l'unità del materiale tematico “Passeggiate”! Mussorgsky in questo ciclo (come, del resto, nelle altre sue opere, ad esempio, nei cicli vocali “La stanza dei bambini”, “Senza il sole”, “Canzoni e danze della morte”, per non parlare delle opere) appare come un estremamente sottile psicologo.

1. "Gnomo"

Il disegno di Hartmann raffigurava una decorazione per l'albero di Natale: schiaccianoci a forma di piccolo gnomo. Per Mussorgsky, questa commedia dà l'impressione di qualcosa di più sinistro di una semplice decorazione dell'albero di Natale: l'analogia con i Nibelunghi (una razza di nani che vivono nelle profondità delle caverne di montagna - i personaggi de "L'Anello del Nibelungo" di R. Wagner) fa non sembrare così ridicolo. In ogni caso, lo gnomo di Mussorgskij è più feroce degli gnomi di Liszt o di Grieg. Ci sono forti contrasti nella musica: fortissimo viene sostituito pianoforte, frasi vivaci (eseguite da S. Richter - rapide) si alternano a fermate di movimento, le melodie all'unisono si contrappongono ad episodi disposti in accordi. Se non si conosce il titolo dell'autore di questo pezzo, nell'orchestrazione di M. Ravel - estremamente creativa - appare più come il ritratto di un gigante delle fiabe e, in ogni caso, non come l'incarnazione musicale dell'immagine di un Giocattolo per l'albero di Natale (come nel caso di Hartmann).

V.Hartmann. Costume per il balletto "Trilby" di G. Gerber. Accademia delle Scienze, San Pietroburgo

2. "Vecchio castello"

È noto che Hartmann viaggiò in giro per l'Europa e uno dei suoi disegni raffigurava un antico castello. Per trasmettere la scala, l'artista ha raffigurato un cantante - un trovatore con un liuto - sullo sfondo. Così Stasov spiega questo disegno (un disegno del genere non compare nel catalogo della mostra postuma dell’artista). Dall'immagine non consegue che il trovatore canti una canzone piena di tristezza e disperazione. Ma questo è proprio lo stato d’animo trasmesso dalla musica di Mussorgsky.

La composizione dell'opera è sorprendente: tutte le 107 battute sono costruite su un suono basso costante: sol diesis! Questa tecnica in musica è chiamata “punto d'organo” ed è usata abbastanza spesso; di norma precede l'inizio della ripresa, cioè quella sezione dell'opera in cui, dopo un certo sviluppo, ritorna il materiale musicale originale. Ma è difficile trovare un'altra opera del repertorio musicale classico in cui l'intera opera dall'inizio alla fine sia costruita su una punta d'organo. E questo non è solo un esperimento tecnico di Mussorgsky: il compositore ha creato un vero capolavoro. Questa tecnica è molto appropriata in un'opera teatrale con questa trama, cioè per l'incarnazione musicale dell'immagine di un trovatore medievale: gli strumenti su cui si accompagnavano i musicisti di quel tempo avevano una corda di basso (se parliamo di una corda strumento musicale, come un violino) o un flauto (se di ottone, ad esempio la cornamusa), che produceva un solo suono: un basso denso e profondo. Il suo suono per molto tempo ha creato un'atmosfera di una sorta di congelamento. È stata proprio questa disperazione - la disperazione della supplica del trovatore - che Mussorgsky ha dipinto con i suoni.

3. “Giardino delle Tuileries” (“Litigio dei bambini dopo il gioco”)

Le leggi della psicologia richiedono il contrasto affinché l'impressione artistica ed emotiva sia vivida. E questa commedia porta questo contrasto. Il Giardino delle Tuileries è un luogo nel centro di Parigi. Si estende per circa un chilometro da Place de la Carousel a Place de la Concorde. Questo giardino (ora sarebbe meglio chiamarlo piazza) è il luogo preferito per le passeggiate dei parigini con bambini. Il dipinto di Hartmann raffigurava questo giardino con molti bambini e tate. Il Giardino delle Tuileries, catturato da Hartmann-Mussorgsky, è più o meno lo stesso della Prospettiva Nevskij, catturato da Gogol: “A mezzogiorno, tutori di tutte le nazioni fanno incursioni sulla Prospettiva Nevskij con i loro animali domestici con colletti di batista. I Jones inglesi e i Cock francesi camminano a braccetto con gli animali affidati alle loro cure parentali e con discreta serietà spiegano loro che le insegne sopra i negozi sono fatte in modo che attraverso di esse si possa sapere cosa c'è nei negozi stessi. Le governanti, pallide signorine e rosee slave, camminano maestosamente dietro le loro ragazze leggere e agili, ordinando loro di alzare le spalle un po' più in alto e di stare più dritte; in breve, oggi la Prospettiva Nevskij è una Prospettiva Nevskij pedagogica”.

L'opera trasmette in modo molto accurato l'atmosfera di quell'ora del giorno in cui questo giardino era occupato dai bambini, ed è curioso che l'irrequietezza delle ragazze, notata da Gogol, si riflettesse nell'osservazione di Mussorgsky: capriccioso(Italiano - capriccioso).

È interessante notare che l'opera è scritta in tre parti e, come previsto in tale forma, la parte centrale forma un certo contrasto con quelle estreme. La consapevolezza di questo, in generale, semplice fatto è importante non di per sé, ma per le conclusioni che ne derivano: un confronto tra la versione per pianoforte (eseguita da S. Richter) con la versione orchestrale (strumentazione di M. Ravel) suggerisce che Richter, che attenua questo contrasto invece di enfatizzarlo, i partecipanti alla scena sono solo bambini, forse ragazzi (il loro ritratto collettivo è disegnato nelle parti estreme) e ragazze (la parte centrale, più aggraziata nel ritmo e nel disegno melodico) . Per quanto riguarda la versione orchestrale, nella parte centrale del brano, appare nella mente l’immagine delle tate, cioè di un adulto che cerca di sedare dolcemente il litigio dei bambini (esortando le intonazioni degli archi).

4. "Bestiame"

V. Stasov, presentando le “Immagini” al pubblico e spiegando i pezzi di questa suite, ha chiarito che il bestiame è un carro polacco su enormi ruote, trainato da buoi. La noiosa monotonia del lavoro dei buoi è trasmessa da un ostinato, cioè un ritmo elementare che si ripete invariabilmente: quattro battiti pari per battuta. E così via per tutta la commedia. Gli accordi stessi sono posti nel registro e nel suono più bassi fortissimo - così nel manoscritto originale di Mussorgsky; nell'edizione di Rimsky-Korsakov - pianoforte. Sullo sfondo degli accordi suona una melodia lugubre, raffigurante un autista. Il movimento è piuttosto lento e pesante. Nota dell'autore: sempremoderato , pesante(Italiano - sempre moderatamente, difficile). Il suono invariabilmente monotono trasmette disperazione. E i buoi sono solo una “figura allegorica”: noi ascoltatori sentiamo chiaramente l'impatto devastante sull'anima di ogni lavoro noioso, estenuante, insignificante.

Il conducente parte sui suoi buoi: il suono si attenua (finché ppp), gli accordi si assottigliano, “asciugandosi” in intervalli (cioè due suoni che suonano contemporaneamente) e infine in un suono - lo stesso dell'inizio del pezzo; anche il movimento rallenta: due (invece di quattro) battiti per battuta. Nota dell'autore qui - perdendosi(Italiano - congelamento).

Tre opere teatrali - “Il Castello Vecchio”, “Giardini delle Tuileries”, “Il bestiame” - rappresentano un piccolo trittico all'interno dell'intera suite. Nelle sue parti estreme la tonalità generale è Sol diesis minore; nella parte centrale - parallelo maggiore (Si maggiore). Queste tonalità, essendo correlate per natura, esprimono, grazie all'immaginazione e al talento del compositore, stati emotivi polari: disperazione e disperazione nelle parti estreme (nella sfera della quiete e nella sfera del suono forte) ed elevata eccitazione nelle parti estreme pezzo centrale.

Passiamo ad un'altra immagine. Il tema "Camminare" sembra calmo.

5. "Balletto dei pulcini non schiusi"

Il titolo è iscritto nell'autografo a matita di Mussorgsky.

Di nuovo il contrasto: i buoi vengono sostituiti dai pulcini. Tutto il resto: invece moderato , pesante - vivoleggiero(Italiano - vivace e leggero), invece di accordi massicci fortissimo nel registro inferiore - abbellimenti giocosi (piccole note, come se scattassero insieme agli accordi principali) nel registro superiore su pianoforte. Tutto ciò ha lo scopo di dare un'idea delle creature piccole e agili, che peraltro non si sono ancora schiuse. Dobbiamo rendere omaggio all'ingegnosità di Hartmann nel trovare una forma per i pulcini non schiusi; questo suo disegno è uno schizzo dei costumi per i personaggi del balletto “Trilby” di G. Gerber messo in scena da Petipa al Teatro Bolshoi nel 1871.

V.Hartmann. Schizzo delle porte della città di Kiev. Accademia delle Scienze, San Pietroburgo

6. “Due ebrei, ricchi e poveri”

E ancora, massimo contrasto con l'opera precedente.

È noto che durante la sua vita Hartmann regalò al compositore due dei suoi disegni, realizzati quando l'artista era in Polonia: “Ebreo con un cappello di pelliccia” e “Povero ebreo. Sandomierz." Stasov ha ricordato: "Mussorgsky ammirava molto l'espressività di queste immagini". Quindi questo pezzo, in senso stretto, non è un quadro “da una mostra”, ma piuttosto dalla collezione personale di Mussorgsky. Ma, ovviamente, questa circostanza non influisce in alcun modo sulla nostra percezione del contenuto musicale di "Pictures". In questa commedia Mussorgskij vacilla quasi sull'orlo della caricatura. E qui questa sua capacità - di trasmettere l'essenza stessa del carattere - si è manifestata in modo insolitamente chiaro, quasi più visibilmente che nelle migliori creazioni dei più grandi artisti Peredvizhniki. Si sa che i contemporanei affermavano che aveva la capacità di rappresentare qualsiasi cosa con i suoni.

Mussorgsky ha contribuito allo sviluppo di uno dei temi più antichi dell'arte e della letteratura, così come della vita, che ha ricevuto diverse rappresentazioni: o sotto forma di trama di "Felice e infelice", o "spesso e magro" (Cechov) , o “il principe e il povero” (M. Twain), o “la cucina dei grassi e la cucina dei magri” (una serie di incisioni di Pieter Bruegel il Vecchio).

Per caratterizzare il suono del ricco ebreo, Mussorgsky usa il registro del baritono e la melodia suona raddoppiando l'ottava. Il sapore nazionale si ottiene utilizzando una scala speciale. Note per questa immagine: Andante . Graveenergico(Italiano - piacevole; importante, energico). Il discorso del personaggio è trasmesso da indicazioni di varie articolazioni (queste istruzioni sono estremamente importanti per l'esecutore). Il suono è forte. Tutto dà l'impressione di imponenza: massime ricco non tollerare obiezioni.

Il povero ebreo è raffigurato nella seconda parte dell'opera. Si comporta letteralmente come Porfiry (il sottile di Cechov) con i suoi "ih-ih-s" (questo è meravigliosamente trasmesso da una nota che si ripete rapidamente con note di abbellimento "allegate" ad essa), quando improvvisamente si rende conto di quali "altezze", si trasforma fuori, ha raggiunto nella sua vita un ex amico del liceo.

Nella terza parte dell'opera si uniscono entrambe le immagini musicali: i monologhi dei personaggi qui si trasformano in dialoghi, o meglio, si tratta degli stessi monologhi alternati: ognuno afferma il proprio. All'improvviso entrambi tacciono, rendendosi improvvisamente conto che non si ascoltano (pausa generale). Ed ecco l'ultima frase del pover'uomo: un motivo pieno di malinconia e disperazione (nota: condolore[ital. - con desiderio; triste]) - e la risposta del ricco : forte, deciso e perentorio.

L'opera produce un'impressione toccante, forse anche deprimente, come sempre accade quando ci si trova di fronte a una palese ingiustizia sociale.

Camminare

Siamo giunti alla metà del ciclo, non tanto in termini aritmetici (in termini di numero di brani già eseguiti e ancora rimanenti), ma in termini di impressione artistica che quest'opera ci dà nel suo insieme. E Mussorgsky, rendendosi conto chiaramente di ciò, concede all'ascoltatore un riposo più lungo: qui la “Passeggiata” suona quasi esattamente nella versione in cui suonava all'inizio dell'opera: l'ultimo suono è esteso di una misura “extra”: una sorta del gesto teatrale: l'indice alzato (qualcos'altro in arrivo!).

7. Limoges. Mercato" ("Grandi novità")

L'autografo contiene un'osservazione (in francese, poi cancellata da Mussorgsky): “Grande novità: il signor Pimpan di Ponta Pontaleon ha appena trovato la sua mucca: Runaway. “Sì, signora, era ieri. - No, signora, è stato tre giorni fa. - Ebbene sì, signora, una mucca vagava nella porta accanto. - Ebbene no, signora, la mucca non ha vagato affatto. Eccetera.""

La trama dell'opera è comica e ingenua. Uno sguardo agli spartiti suggerisce involontariamente che Hartmann-Mussorgsky vedesse i “francesi” in questo ciclo - i Giardini delle Tuileries e il mercato di Limoges - nella stessa chiave emotiva. La lettura da parte degli artisti mette in risalto queste opere in modi diversi. Questa commedia, raffigurante le "donne del bazar" e la loro discussione, sembra più energica della lite di un bambino. Allo stesso tempo, va notato che gli artisti, volendo migliorare l'effetto e acuire i contrasti, in un certo senso ignorano le istruzioni del compositore: sia nell'esecuzione di S. Richter che nell'esecuzione dell'orchestra diretta da E. Svetlanov , il tempo è molto veloce, in sostanza, questo presto . Crea una sensazione di movimento rapido da qualche parte. Lo prescrisse Musorgskij allegretto. Usa i suoni per descrivere la scena vivace che si svolge uno luogo circondato da una folla di “movimento browniano”, come si può osservare in qualsiasi mercato affollato e affollato. Udiamo un flusso di discorsi a fuoco rapido, forti aumenti di sonorità ( crescendi), accenti acuti ( sforzandi). Al termine dell'esecuzione di questo brano, il movimento accelera ancora di più, e sulla cresta di questo vortice “voliamo” dentro... una tomba romana.

8. “Catacombe (tomba romana). Con i morti in una lingua morta"

Prima di questo numero nell'autografo c'è un'osservazione di Mussorgsky in russo: “NB: testo latino: con i morti in una lingua morta. Sarebbe bello avere un testo latino: lo spirito creativo del defunto Hartmann mi conduce ai teschi, li chiama, i teschi si vantano tranquillamente.”

Il disegno di Hartmann è uno dei pochi sopravvissuti. Raffigura l'artista stesso con il suo compagno e un'altra persona che li accompagna, illuminando la strada con una lanterna. Ci sono scaffali con teschi tutt'intorno.

Stasov ha descritto questa opera in una lettera a Rimsky-Korsakov: "Nella stessa seconda parte ("Quadri di un'esposizione." - SONO.) ci sono diversi versi insolitamente poetici. Questa è la musica per il dipinto di Hartmann "Le Catacombe di Parigi", tutto composto da teschi. Al Musoryanin (come Stasov chiamava affettuosamente Mussorgsky. - SONO.) prima viene raffigurata una cupa prigione (con accordi lunghi e prolungati, spesso orchestrali, con grandi corone). Poi il tema della prima passeggiata inizia tremolando in chiave minore: le luci nei teschi si accendono, e poi improvvisamente si sente il magico e poetico richiamo di Hartmann a Mussorgsky.

V.Hartmann. Catacombe di Parigi. Museo Russo, San Pietroburgo

9. "La capanna sulle cosce di pollo" ("Baba Yaga")

Il disegno di Hartmann raffigurava un orologio a forma di capanna di Baba Yaga su cosce di pollo, Mussorgsky aggiunse un treno di Baba Yaga in un mortaio.

L'immagine di Baba Yaga, secondo le credenze popolari, è al centro di tutto ciò che è crudele, distruggendo le buone motivazioni, interferendo con l'attuazione di buone e buone azioni. Tuttavia, il compositore, mostrando Baba Yaga da questo lato (osservazione all'inizio dell'opera: feroce - ferocemente), ha portato la storia su un piano diverso, contrapponendo l'idea di distruzione all'idea di crescita e vittoria di buoni principi. Verso la fine del brano, la musica diventa sempre più impulsiva, il gioioso squillo aumenta e alla fine, dalle profondità dei registri oscuri del pianoforte, nasce un'enorme onda sonora, che dissolve finalmente tutti gli impulsi cupi e disinteressati. preparando l'avvento dell'immagine più vittoriosa e più giubilante del ciclo: l'inno "La Porta Eroica".

Questa commedia apre una serie di immagini e opere raffiguranti tutti i tipi di diavoleria, spiriti maligni e ossessione: "Night on Bald Mountain" dello stesso M. Mussorgsky, "Baba Yaga" e "Kikimora" di A. Lyadov, Leshy in "The Snow Maiden” di N. Rimsky -Korsakov, “Obsession” di S. Prokofiev...

10. “Porta Bogatyr” (“Nella capitale Kiev”)

Il motivo per cui è stata scritta questa opera teatrale è stato lo schizzo di Hartmann per le porte della città di Kiev, che dovevano essere installate per commemorare il fatto che l'imperatore Alessandro II riuscì a evitare la morte durante l'attentato contro di lui il 4 aprile 1866.

La tradizione di queste scene festive finali nelle opere russe ha trovato una vivida espressione nella musica di M. Mussorgsky. Lo spettacolo è percepito proprio come questo tipo di finale operistico. Puoi anche indicare un prototipo specifico: il coro "Glory", che conclude "A Life for the Tsar" ("Ivan Susanin") di M. Glinka. Il pezzo finale del ciclo di Mussorgsky è il culmine dell'intonazione, dinamico e strutturale dell'intera opera. (Ciò è trasmesso in modo particolarmente vivido nella versione orchestrale di "Pictures at an Exhibition", orchestrata da M. Ravel.) Il compositore stesso ha delineato la natura della musica con le parole: Maestoso . Contrograndezza(Italiano - solennemente, maestosamente). Il tema del pezzo non è altro che una versione giubilante della melodia di “The Walk”.

L'intera opera si conclude festosamente e gioiosamente, con il potente suono delle campane. Mussorgsky gettò le basi per la tradizione di suoni di campane simili, ricreati non con mezzi di campana: il primo concerto per pianoforte in si bemolle minore di P. Tchaikovsky, il secondo concerto per pianoforte in do minore di S. Rachmaninov, il suo primo "Preludio in do diesis minore" per pianoforte ...

Sono state effettuate trascrizioni di “Pictures” per diversi strumenti e per diverse composizioni di esecutori. Una delle più brillanti è la trascrizione per organo realizzata dall'eccezionale organista francese Jean Guillou. I singoli brani di questa suite sono ben noti a molti anche al di fuori del contesto di questa creazione di Mussorgsky. Pertanto, il tema di “The Bogatyr Gate” funge da segnale di chiamata per la stazione radio Voice of Russia.

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Stasov V.V. Preferiti. Pittura, scultura, grafica. T.II. M. – L. 1951. P. 229.

L'opera di R. Wagner Das Rheingold, la prima parte de L'Anello del Nibelungo, andò in scena a Monaco il 22 settembre 1869. In ogni caso, i dati cronologici non contraddicono l'ipotesi sulla conoscenza di Mussorgsky di queste immagini di Wagner.

Liszt F. Studio da concerto “La danza rotonda dei nani” (1863).

Grieg E. “Il corteo dei nani” dal ciclo “Pezzi lirici” per pianoforte, quaderno V, op. 54, numero 3.

Gogol N. Prospettiva Nevskij. - Collezione operazione. Vol. 3. M. 1984. P. 7.

Nell'orchestrazione di M. Ravel, in cui viene presa come base l'edizione di N. Rimsky-Korsakov, anche il pezzo inizia in silenzio e man mano che si sviluppa si ha l'impressione che l'autista si stia avvicinando. Eccolo che ci passa accanto e ora si allontana.

Letteralmente nello stesso periodo, I. Repin dipinse il suo famoso dipinto “Barge Haulers on the Volga” (1873).

Accadde così che quasi contemporaneamente a M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky scrisse "La danza dei piccoli cigni" (balletto "Il lago dei cigni", 1876).

Se nella commedia “Forest” di A.N. Ostrovsky considera le osservazioni dell'autore nella conversazione tra Schastlivtsev e Neschastlivtsev, puoi notare che Neschastlivtsev parla costantemente "cupamente", "minacciosamente", "con una voce bassa e spessa", e in contrasto con lui Schastlivtsev risponde "in modo semi-ingraziante, tono mezzo beffardo”, “timidamente”, che parla immediatamente del carattere di entrambi: Neschastlivtsev – carattere forte, Schastlivtsev – debole. Nell'opera di Mussorgskij, al contrario, l'ebreo ricco parla in minuscolo, quello povero in maiuscolo. Mussorgsky ha la sua logica: il ricco parla in modo basso e pesante, il povero parla in tono alto e pignolo.

Una scala è un insieme di suoni utilizzati nella musica, disposti in ordine ascendente o discendente. Questa o quella alternanza di vari intervalli tra i suoni conferisce a ciascuna di queste scale un sapore speciale. Alcune culture musicali nazionali sono caratterizzate da una scala speciale. Alla musica ebraica viene dato un sapore speciale, oltre al ritmo caratteristico (che viene trasmesso in questo brano), dalla presenza di due secondi aumentati (il cosiddetto intervallo tra suoni adiacenti della scala), che rende la gravità di alcuni suoni più acuto rispetto agli altri e quindi conferisce alla musica un carattere più espressivo.

Richiamiamo ancora una volta l'attenzione sui dettagli caratteristici dell'interpretazione, poiché l'esecutore, soprattutto quando si tratta di un grande artista, porta sempre la propria comprensione e attitudine personale all'opera.

LE FOTO DELLA MOSTRA

vecchia serratura

“Pictures at an Exhibition” è una famosa suite di M. P. Mussorgsky di 10 brani con intermezzi, creata nel 1874 in memoria dell’amico di Mussorgsky, l’artista e architetto V. A. Hartmann. Scritto originariamente per pianoforte, è stato più volte arrangiato per orchestra da vari compositori e ha funzionato in un'ampia varietà di stili musicali.

L'architetto e, in termini moderni, designer Viktor Aleksandrovich Hartman è entrato nella storia dell'arte del XIX secolo come uno dei fondatori dello “stile russo” in architettura. Si distingueva per il desiderio di identità russa e una ricchezza di immaginazione.

Alla fine del 1870, nella casa di Stasov, Mussorgsky incontrò per la prima volta l'artista 36enne. Hartmann aveva un carattere vivace e facilità di comunicazione amichevole, e tra lui e Mussorgsky si stabilirono una calda amicizia e un rispetto reciproco. Pertanto, la morte improvvisa di Hartmann nell'estate del 1873 all'età di 39 anni sconvolse Mussorgsky nel profondo.

Nel febbraio-marzo 1874, presso l'Accademia Imperiale delle Arti, su iniziativa di Stasov e con l'assistenza della Società degli Architetti di San Pietroburgo, si tenne una mostra postuma di circa 400 opere di Hartmann realizzate in 15 anni: disegni, acquerelli , progetti architettonici, bozzetti di scene e costumi teatrali, bozzetti di prodotti artistici. La mostra comprendeva molti schizzi portati da viaggi all'estero.

La visita di Mussorgsky alla mostra è servita da impulso per la creazione di una “passeggiata” musicale attraverso un'immaginaria galleria espositiva. Il risultato è una serie di dipinti musicali che somigliano solo in parte alle opere viste; Fondamentalmente, le opere teatrali erano il risultato del libero volo dell'immaginazione risvegliata del compositore. Come base per la “mostra”, Mussorgsky prese i disegni “stranieri” di Hartmann, così come due dei suoi schizzi su temi russi. Le opere esposte furono vendute, quindi oggi non si sa dove si trovi la maggior parte di esse. Dei disegni citati nella serie, sei possono ora essere restaurati.

L'idea di creare una suite per pianoforte nacque durante la mostra e già nella primavera del 1874 alcuni “quadri” del ciclo futuro furono improvvisati dall'autore. Ma il piano finalmente ha preso forma in estate. L'intero ciclo fu scritto in un impeto creativo in sole tre settimane dal 2 giugno al 22 giugno 1874. Il titolo provvisorio della suite era "Hartmann". Ha dedicato la suite a Stasov, il cui aiuto ha significato molto per Mussorgsky.

Durante la vita di Mussorgsky, le "Immagini" non furono pubblicate o rappresentate, sebbene ricevessero l'approvazione del "Mighty Handful". Furono pubblicati solo cinque anni dopo la morte del compositore, nel 1886, nella versione rivista da N. A. Rimsky-Korsakov. Ma il riconoscimento da parte del grande pubblico arrivò solo dopo che Maurice Ravel, utilizzando la stessa edizione di Rimsky-Korsakov, creò la sua famosa orchestrazione nel 1922 e nel 1930 fu pubblicata la sua prima registrazione.

La suite è un esempio lampante di musica a programma con caratteristiche proprie. Combina in modo originale immagini della vita reale con fiabe e immagini del passato. Le rappresentazioni teatrali - “quadri” sono collegate dall'intermezzo tematico “Passeggiata”, raffigurante un passaggio attraverso la galleria e il passaggio da un dipinto all'altro. Tali temi e la costruzione della suite sono unici nella letteratura musicale classica.

Mussorgsky, secondo i contemporanei, era un eccellente pianista, affascinava letteralmente gli ascoltatori quando si sedeva allo strumento e poteva ritrarre qualsiasi cosa. Tuttavia, compose relativamente poca musica strumentale; era più attratto dall'opera. Mussorgsky si pone il compito di creare un ritratto psicologico, penetrando nel profondo dei suoi personaggi, che distingue fondamentalmente il suo lavoro dai semplici schizzi di Hartmann.

Il tema della Passeggiata viene ripetuto più volte in tutta la suite. Ricorda i canti popolari russi: la melodia inizia con una sola voce (il cantante) e viene ripresa dal coro. In questo tema, Mussorgsky ha raffigurato contemporaneamente se stesso, passando da un'immagine all'altra: "La mia fisionomia è visibile negli intermezzi", ha scritto a Stasov. La linea melodica nella maggior parte degli intermezzi è suonata in modo pesante, il che a volte viene visto come un’imitazione dell’andatura dell’autore.

Il tema de "La Passeggiata" varia, mostrando il cambiamento dell'umore dell'autore; cambia anche la tonalità, modulandosi per preparare l'ascoltatore al brano successivo.

L'opera è basata su un acquerello dipinto da Hartmann mentre studiava architettura in Italia (il bozzetto non è sopravvissuto poiché le opere esposte furono vendute, quindi oggi non si sa dove si trovi la maggior parte di esse, incluso “Il vecchio castello”). Nel programma di accompagnamento della suite di Mussorgsky, Stasov ha scritto che questa commedia raffigura "un castello medievale davanti al quale il trovatore canta la sua canzone". Ma Hartmann non aveva un trovatore in nessuno dei suoi due dipinti raffiguranti un paesaggio medievale con un castello.. È stato inventato da Mussorgsky, ravvivando il paesaggio. Una melodia premurosa e fluida suona sullo sfondo di un accompagnamento misurato e monotono. Evoca uno stato d'animo lirico contemplativo. La canzone del trovatore puzza di Medioevo cavalleresco: la musica trasmette ciò che l'artista ha rappresentato nella pittura.

La parte centrale, passando al maggiore, crea un divario, che poi cede nuovamente il posto alla tristezza, poi ritorna il primo tema, svanendo gradualmente, come se precipitasse nel sonno. Un finale inaspettatamente rumoroso conclude lo spettacolo con un breve addio.

Il compositore francese M. Ravel ha realizzato un meraviglioso arrangiamento orchestrale della suite. Nella sua strumentazione, "Pictures at an Exhibition" viene spesso eseguito in concerti sinfonici.

Presentazione

Incluso:
1. Presentazione, ppsx;
2. Suoni della musica:
Musorgskij. Immagini dalla mostra:
Walk (spettacolo sinfonico), mp3;
Old Castle (in 2 versioni: sinfonica e pianoforte), mp3;
3. Articolo di accompagnamento, docx;
4. Spartiti per l'esecuzione dell'insegnante, jpg.

Lezione di musica aperta in 4a elementare secondo il programma cretese

Argomento della lezione : M.P. Mussorgsky “Quadri da una mostra”

Lo scopo della lezione: Introduzione alla musica dalla suite per pianoforte “Quadri di un'esposizione” -

"Vecchia serratura"

Compiti:

Essere in grado di ascoltare strumenti esecutivi, determinare e confrontare il carattere, l'atmosfera della musica, i mezzi di espressione musicale;

Dai un nome all'idea di creare una suite;

Coltivare l'amore per la musica di Mussorgsky;

Sviluppare l'interesse per la materia e l'educazione estetica degli studenti; sguardo al compositore e alle sue opere.

Risultato pianificato: mostrare un atteggiamento personale nella percezione delle opere musicali, reattività emotiva degli studenti.

Attrezzatura: computer, CD con musica, libri di testo musicali E.D. Kritskaya, 4a elementare.

Sulla scrivania: ritratti dei compositori P. Tchaikovsky e M. Mussorgsky, immagini delle opere musicali di M. Mussorgsky, immagini di strumenti musicali: violoncello, pianoforte.

Sui banchi degli studenti: tabella degli stati emotivi, quiz di prova, testo della canzone "Change is Small", libro di testo di musica di 4a elementare, E.D. Kritskoy.

Tempo di organizzazione:

Saluto musicale:

Insegnante: Oggi, amici, come ieri, la nostra giornata inizia dal mattino,

Milioni di bambini parlano tutte le lingue

Wu-Xia: Buongiorno!

U-l: Buongiorno! Con queste parole i bambini iniziano la loro giornata.

Wu-Xia: Buongiorno!

U-l: Buongiorno!

Tutti: Buongiorno!

Durante le lezioni:

Suona la musica di P. Tchaikovsky "Variazioni su un tema rococò".(4 gradi 5 ore disco n. 2)

U-l: Che pezzo hai ascoltato? Nominalo.

Wu-Xia: Variazioni su un tema rococò.

Wu-xia: PI Čajkovskij.

U-l: Cosa sono le variazioni?

Wu-xia: Sviluppo, cambiamento della musica. Quando la stessa musica suona in versioni diverse, si sviluppa e cambia.

U-l: Cosa significa rococò?

Wu-xia: questa è una parola francese, che tradotta in russo significa conchiglia.

U-l: Dove ha avuto origine originariamente questo stile? Cosa significa questo?

Wu-xia: In architettura. Il che significa raffinatezza, grazia, eleganza. Era la sua immagine che veniva spesso posta al centro dell'ornamento.

(disegno in stile rococò p. 76, libro di testo)

U-l: In cosa differiscono le opere musicali in stile rococò?

Wu-Xia: Raffinatezza, eleganza, grazia?

U-l: Con quali mezzi di espressione musicale è stato raggiunto questo risultato?

(lavorare secondo la tabella)

Wu-xia: tempo lento, dinamica tranquilla, ritmo aggraziato, tonalità maggiore.

U-l: Quali intonazioni sentiamo nella musica di Čajkovskij?

Wu-xia: giocoso, in marcia, lirico, pieno di sentimento.

U-l: Cosa aggiungono queste intonazioni alla musica?

Wu-Xia: carattere russo.

U-l: Per quale strumento il compositore ha scritto quest'opera?

Wu-xia: per violoncello e orchestra.(mostra la foto del violoncello)

U-l: Chi fa l'assolo al violoncello?

Wu-Xia: Mstislav Rostropovich.

(Minuto fisico)

U-l: Oggi nella lezione faremo conoscenza con la musica della suite del compositore russo M.

Musorgskij "Quadri di una mostra".(ritratto del compositore)

Alcuni di loro li abbiamo già incontrati.

Nomina i brani della suite che conosci. (fare riferimento ai disegni sulla lavagna)

Wu-Xia: “Baba Yaga”, “Nano”, “Balletto dei pulcini non schiusi”.

Cos'è una suite?

Wu-xia: una serie, una sequenza di spettacoli con personaggi diversi.

U-l: Ricordi l'idea di creare una suite?

Dopo la morte dell'amico M.P. Mussorgsky, artista Victor Hartmann, il compositore ha selezionato 10 dei suoi dipinti preferiti e ha scritto per loro musica sotto forma di suite.

Dopo ogni immagine c'è un intermezzo chiamato “Passeggiata”, cioè passaggio da un'immagine all'altra. Un intermezzo è un'opera distaccata che non ha nulla a che fare con la trama.

"Cammina" - ascolta.

Il compositore ha interpretato le immagini dell’artista a modo suo. Ad esempio: il disegno di Hartmann raffigurava un orologio a forma di capanna su cosce di pollo. E Mussorgsky nella sua musica ha deciso di mostrare la capanna come abitata. Ha chiamato questa immagine "Baba Yaga".

U-l: Trasportiamoci mentalmente indietro nel Medioevo, ai tempi dei castelli e dei cavalieri, delle belle dame, dei trovatori e dei menestrelli - cantanti e musicisti erranti.

(Figura p.79, libro di testo)

U-l: Come abbiamo visto il castello nella foto?

Wu-Xia: grigio, cupo, misterioso.

U-l: Ora confrontiamolo con la musica di Mussorgsky.

"Vecchio Castello" - udienza(disco 4 gradi 5 ore n. 3)

U-l: Come suonava questa musica?(tabella degli stati emotivi)

Wu-Xia: Silenzioso, misterioso, ammaliante.

U-l: Cosa racconta questa musica? La musica cambia l'umore?

Wu-Xia: un ricordo del passato di questo castello, dove c'erano sia gioia che tristezza, dove una volta la vita ribolliva.

U-l: Con quali mezzi di espressione musicale il compositore è riuscito a raggiungere questo obiettivo?

Wu-xia: dinamica tranquilla, aumento e diminuzione graduale, ritmo calmo, minore.

U-l: Che strumento hai suonato?

Wu-xia: pianoforte.

U-l: Cosa ti ha ricordato l'accompagnamento?

Wu-Xia: Canti dei Trovatori.

U-l: Perché l'immagine termina con un accordo forte?

U-l: Cosa ci diresti di questo film musicale? Cosa disegneresti?

Lascia che questo sia un compito a casa.

Riepilogo della lezione:

Quiz di prova

Chi è il compositore di “Quadri da un'esposizione”?
Sulla base degli schizzi di quale artista è stata realizzata l'opera “Pictures at an Exhibition” realizzata da M.P. Musorgskij?
Cos'è una suite?
Quante parti ci sono nella suite “Quadri di una mostra” di M.P. Musorgskij?
Cos'è uno spettacolo secondario?
Come si chiama l'intermezzo nella suite?

(gli studenti leggono le domande e le risposte, le confrontano, segnano le risposte corrette)

L'insegnante annuncia i voti della lezione. I compiti vengono scritti.

U-l: La lezione sta finendo, tra poco arriverà la pausa. Eseguiamo una canzone.

"Il cambiamento è piccolo" - prestazione.

Villaggio MOU-sosh Loginovka

Lezione di musica aperta:

MP Mussorgsky “Quadri da una mostra” - “Vecchio castello”»

4 ° grado

insegnante di musica Boyko T.I.

Genere: suite per pianoforte.

Anno di creazione: Giugno 1874.

Prima edizione: 1886, rivisto da N. A. Rimsky-Korsakov.

Dedicato a: VV Stasov.

Storia della creazione e della pubblicazione

Il motivo per la creazione di "Pictures at an Exhibition" è stata una mostra di dipinti e disegni del famoso artista e architetto russo Viktor Hartmann (1834 - 1873), organizzata presso l'Accademia delle arti su iniziativa di V. V. Stasov in relazione con la morte improvvisa dell'artista. In questa mostra furono venduti i dipinti di Hartmann. Di quelle opere dell'artista su cui sono state scritte le "Immagini" di Mussorgsky, solo sei sono sopravvissute ai nostri tempi.

Victor Aleksandrovich Hartman (1834-1873) è stato un eccezionale architetto e artista russo. Ha completato un corso all'Accademia delle Arti, dopo aver studiato costruzione pratica, principalmente sotto la guida di suo zio P. Gemilien, ha trascorso diversi anni all'estero, disegnando monumenti architettonici ovunque, registrando tipi popolari e scene di vita di strada a matita e acquerelli. Invitato quindi a partecipare all'organizzazione della mostra manifatturiera tutta russa del 1870 a San Pietroburgo, realizzò circa 600 disegni, secondo i quali furono costruiti vari padiglioni espositivi. Questi disegni dimostrano l'inesauribile fantasia, il gusto sottile e la grande originalità dell'artista. Fu per questo lavoro che nel 1872 fu degno del titolo di accademico. Successivamente, creò diversi progetti architettonici (le porte che avrebbero dovuto essere costruite a Kiev, in memoria dell'evento del 4 aprile 1866, il Teatro popolare di San Pietroburgo e altri), realizzò disegni di scene e costumi per M L'opera di Glinka "Ruslan e Lyudmila" partecipò all'organizzazione dell'Esposizione del Politecnico di Mosca nel 1872. Secondo i suoi progetti, fu costruita una casa per la tipografia di Mamontov e soci, una casa di campagna per Mamontov e diverse case private.

Mussorgsky, che conosceva bene l'artista, rimase scioccato dalla sua morte. Scrisse a V. Stasov (2 agosto 1873): “Noi sciocchi siamo solitamente consolati in questi casi dai saggi: “lui” non esiste, ma quello che è riuscito a fare esiste ed esisterà; e dicono, quante persone hanno un destino così felice - da non dimenticare. Ancora una volta un pallino (con rafano al posto delle lacrime) dell'orgoglio umano. Al diavolo la tua saggezza! Se "lui" non vivesse invano, ma creato, allora che farabutto bisogna essere per conciliare il piacere della “consolazione” con il fatto che “lui” smesso di creare. Non c’è e non può esserci pace, non c’è e non dovrebbe esserci consolazione: è flaccido”.

Qualche anno dopo, nel 1887, quando si tentò di pubblicare la seconda edizione di “Quadri da un'esposizione” (la prima, a cura di N. A. Rimsky-Korsakov, fu rimproverata di essersi allontanata dalle intenzioni dell'autore; noteremo alcuni di queste deviazioni nei nostri commenti), V. Stasov nella prefazione ha scritto: ... schizzi vivaci e aggraziati di un pittore di genere, molte scene, tipi, figure della vita quotidiana, catturati nella sfera di ciò che si precipitava e vorticava intorno a lui - su per le strade e nelle chiese, nelle catacombe parigine e nei monasteri polacchi, nei vicoli romani e nei villaggi di Limoges, tipi carnevaleschi à la Gavarni, operai in camicetta e preti a cavallo di un asino con l'ombrello sotto il braccio, vecchiette francesi che pregano, ebrei che sorridono da sotto uno yarmulke, straccivendoli parigini, simpatici asini che si sfregano contro un albero, paesaggi con rovine pittoresche, percorsi meravigliosi con panorama della città..."

Mussorgsky ha lavorato su "Immagini" con straordinario entusiasmo. In una delle sue lettere (anche a V. Stasov) scrisse: “Hartmann ribolle, proprio mentre Boris ribolliva - suoni e pensieri aleggiavano nell'aria, io deglutisco e mangio troppo, ho a malapena il tempo di grattare la carta (.. .). Voglio farlo più velocemente e in modo più affidabile. La mia faccia è visibile negli intermezzi… Che bel lavoro.” Mentre Mussorgsky stava lavorando a questo ciclo, l'opera veniva chiamata "Hartmann"; il titolo “Quadri di una mostra” apparve più tardi.

Molti contemporanei ritenevano che la versione per pianoforte di “Pictures” dell’autore fosse un’opera non pianistica, non adatta all’esecuzione. C’è del vero in questo: nel “Dizionario Enciclopedico” di Brockhaus ed Efron leggiamo: “Segnaliamo una serie di schizzi musicali intitolato “Pictures from an Exhibition”, scritto per pianoforte nel 1874, sotto forma di illustrazioni musicali per acquarelli di W. A. Hartmann”. Non è un caso che ci siano molte orchestrazioni di quest'opera. L'orchestrazione di M. Ravel, realizzata nel 1922, è la più famosa, ed è stato in questa orchestrazione che "Pictures at an Exhibition" ha ricevuto riconoscimenti in Occidente. Del resto anche tra i pianisti non esiste unità di opinioni: alcuni eseguono l’opera nella versione dell’autore, altri, in particolare V. Horowitz, la trascrivono. Nella nostra collezione “Pictures at an Exhibition” sono presentati in due versioni – la versione originale per pianoforte (S. Richter) e orchestrata da M. Ravel, il che rende possibile il confronto.

Storie e musica

Pictures at an Exhibition è una suite di dieci opere teatrali, ciascuna ispirata a uno dei soggetti di Hartmann. Mussorgsky “ha inventato” un modo assolutamente meraviglioso per combinare queste sue immagini musicali in un unico insieme artistico: per questo scopo ha utilizzato il materiale musicale dell'introduzione, e poiché le persone di solito camminano per la mostra, ha chiamato questa introduzione “Passeggiata”.

Quindi, siamo invitati alla mostra...

Camminare

Questa introduzione non costituisce la parte principale – sostanziale – dell'esposizione, ma è un elemento essenziale dell'intera composizione musicale. Per la prima volta il materiale musicale di questa introduzione viene presentato integralmente; Successivamente, come intermezzo tra le rappresentazioni, viene utilizzato il motivo della “Passeggiata” in diverse versioni - a volte calmo, a volte più eccitato - che esprime meravigliosamente lo stato psicologico dello spettatore della mostra quando passa da un'immagine all'altra. Allo stesso tempo, Mussorgsky raggiunge un sentimento di unità dell'intera opera con il massimo contrasto musicale- e lo sentiamo chiaramente visivo anche (dipinti di W. Hartmann) - il contenuto delle opere teatrali. Riguardo alla sua scoperta di come collegare le opere teatrali, Mussorgsky ha detto (nella lettera a V. Stasov citata sopra): “i collegamenti sono buoni (sulla “promenade” [questo è quello che è in francese - camminare]) (...) Il mio volto è visibile negli intermezzi.”

Il colore di "The Walk" attira immediatamente l'attenzione: il suo carattere russo chiaramente evidente. Il compositore dà istruzioni nella sua osservazione: nelmodorusso[ital. - in stile russo]. Ma questa sola osservazione non basterebbe a creare un sentimento del genere. Mussorgsky riesce a raggiungere questo obiettivo in diversi modi: in primo luogo, attraverso i modi musicali: "La Promenade", almeno all'inizio, è scritta nel modo cosiddetto pentatonico, cioè utilizzando solo cinque suoni (da cui il termine, che si basa sul parola "penta"), poi ci sono "cinque") - suoni che formano il cosiddetto semitono. Quelli rimanenti e quelli utilizzati nell'argomento sono separati tra loro da tono intero. I suoni esclusi in questo caso sono la E Mi bemolle. Inoltre, quando il personaggio viene delineato, il compositore utilizza tutti i suoni della scala. La scala pentatonica di per sé conferisce alla musica un carattere spiccatamente popolare (non è qui possibile entrare nella spiegazione dei motivi di questo sentimento, ma esistono e sono ben noti). In secondo luogo, la struttura ritmica: dapprima il metro dispari (5/4) e il metro pari (6/4; la seconda metà dell'opera è già interamente in questo metro pari). Questa apparente vaghezza della struttura ritmica, o meglio, la mancanza di ortogonalità in essa, è anche una delle caratteristiche della struttura della musica popolare russa.

Mussorgsky ha fornito a quest'opera note abbastanza dettagliate sulla natura dell'esecuzione: tempi, stati d'animo, ecc. Per questo ha utilizzato, come è consuetudine nella musica, la lingua italiana. Le indicazioni per la prima “Passeggiata” sono le seguenti: Allegrogiusto,nelmodorusso,senzaallergia,mammapocosostenuto. Nelle pubblicazioni che forniscono traduzioni di simili osservazioni italiane, puoi vedere la seguente traduzione: "Presto, in stile russo, senza fretta, un po' sobrio". Questo insieme di parole ha poco senso. Come si gioca: "presto", "senza fretta" o "un po' moderato"? Il fatto è che, in primo luogo, in una traduzione del genere una parola importante è stata lasciata incustodita giusto, che letteralmente significa “correttamente”, “proporzionalmente” “precisamente”; nell’interpretazione, “un tempo appropriato al carattere dell’opera”. Il carattere di questa commedia è determinato dalla prima parola delle didascalie: Allegro, e in questo caso va inteso nel senso di “allegramente” (e non “rapidamente”). Poi tutto va a posto e l'intera osservazione viene tradotta: suona "allegramente con un ritmo appropriato, nello spirito russo, senza fretta, un po' sobrio". Probabilmente tutti saranno d'accordo nel dire che questo è lo stato d'animo che solitamente ci prende quando entriamo per la prima volta in una mostra. Un'altra cosa sono le nostre sensazioni derivanti da nuove impressioni su ciò che abbiamo visto...

In alcuni casi risulta essere il motivo della “Passeggiata”. raccoglitore per le rappresentazioni vicine (questo accade quando si passa dal n. 1 “Lo Gnomo” al n. 2 “Il Castello Vecchio” o dal n. 2 al n. 3 “Giardino delle Tuileries”; questa serie è facile da continuare - man mano che il lavoro procede, queste transizioni, letteralmente e figurativamente, inequivocabilmente riconoscibili), in altri - al contrario - nettamente dividendo(in questi casi, “The Walk” è designato come una sezione più o meno indipendente, come, ad esempio, tra il n. 6 “Due ebrei, ricchi e poveri” e il n. 7 “Limoges. Mercato”). Ogni volta, a seconda del contesto in cui appare il motivo della “Passeggiata”, Mussorgsky trova per esso mezzi espressivi speciali: il motivo è vicino alla sua versione originale, come sentiamo dopo il n. 1 (non siamo ancora andati lontano nel nostro passeggiare per la mostra), non sembra così moderato e nemmeno pesante (dopo “The Old Castle”; nota nelle note: pesante[da Musorgskij - pesamento- una specie di ibrido tra francese e italiano] -Ital. difficile).

M. Mussorgsky struttura l'intero ciclo in modo tale da evitare completamente ogni accenno di simmetria e prevedibilità. Ciò caratterizza anche l'interpretazione del materiale musicale di “The Walk”: l'ascoltatore (ovvero lo spettatore) o rimane sotto l'impressione di ciò che ha sentito (= visto), o, al contrario, sembra scrollarsi di dosso pensieri e sensazioni da la foto che ha visto. E da nessuna parte lo stesso stato d'animo si ripete esattamente. E tutto questo con l'unità del materiale tematico “Passeggiate”! Mussorgsky in questo ciclo sembra essere uno psicologo estremamente sottile.

Il disegno di Hartmann raffigurava una decorazione per l'albero di Natale: schiaccianoci a forma di piccolo gnomo. Per Mussorgsky, questa commedia dà l'impressione di qualcosa di più sinistro di una semplice decorazione per l'albero di Natale: l'analogia con i Nibelunghi (una razza di nani che vivono nelle profondità delle caverne di montagna - personaggi di "L'Anello del Nibelungo" di R. Wagner) non sembrare così assurdo. In ogni caso il nano di Mussorgskij è più feroce dei nani di Liszt o di Grieg. Ci sono forti contrasti nella musica: fortissimo[ital. – molto forte] è sostituito dal pianoforte [ital. - tranquillamente], frasi vivaci (eseguite da S. Richter - rapido) si alternano a fermate di movimento, le melodie all'unisono si contrappongono ad episodi disposti in accordi. Se non conoscete il titolo dell'autore di questo pezzo, allora nell'orchestrazione estremamente inventiva di M. Ravel appare più come il ritratto di un gigante delle fiabe (piuttosto che di uno gnomo) e, in ogni caso, non un'incarnazione musicale di l'immagine di un giocattolo per l'albero di Natale (come nel caso di Hartmann).

È noto che Hartmann viaggiò in giro per l'Europa e uno dei suoi disegni raffigurava un antico castello. Per trasmetterne le dimensioni, l'artista ha raffigurato un cantante sullo sfondo: un trovatore con un liuto. Così V. Stasov spiega questo disegno (questo disegno non è elencato nel catalogo della mostra postuma dell'artista). Dall'immagine non consegue che il trovatore canti una canzone piena di tristezza e disperazione. Ma questo è proprio lo stato d’animo trasmesso dalla musica di Mussorgsky.

La composizione dell'opera è sorprendente: tutte le sue 107 battute sono costruite su misura uno suono basso costante - Sol diesis! Questa tecnica in musica è chiamata punto d'organo ed è usata abbastanza spesso; di norma precede l'inizio della ripresa, cioè quella sezione dell'opera in cui, dopo un certo sviluppo, ritorna il materiale musicale originale. Ma è difficile trovare un altro brano del repertorio musicale classico in cui Tutto lavoro dall'inizio alla fine sarebbe stato costruito su una stazione d'organo. E questo non è solo un esperimento tecnico di Mussorgsky: il compositore ha creato un vero capolavoro. Questa tecnica è molto appropriata in un'opera teatrale con questa trama, cioè per l'incarnazione musicale dell'immagine di un trovatore medievale: gli strumenti su cui si accompagnavano i musicisti di quel tempo avevano una corda di basso (se parliamo di una corda strumento, ad esempio un violino) o una pipa (se si tratta di strumenti a fiato - ad esempio la cornamusa), che produceva un solo suono: un basso denso e profondo. Il suo suono per molto tempo ha creato un'atmosfera di una sorta di congelamento. È stata proprio questa disperazione – la disperazione della supplica del trovatore – che Mussorgskij ha dipinto con i suoni.

Le leggi della psicologia richiedono il contrasto affinché l'impressione artistica ed emotiva sia vivida. E questa commedia porta questo contrasto. Il Giardino delle Tuileries, o più precisamente il Giardino delle Tuileries (a proposito, questa è la versione francese del nome) è un luogo nel centro di Parigi. Si estende per circa un chilometro da Place de la Carousel a Place de la Concorde. Questo giardino (ora sarebbe meglio chiamarlo giardino pubblico) è il luogo preferito per le passeggiate dei parigini con bambini. Il dipinto di Hartmann raffigurava questo giardino con molti bambini e tate. Il Giardino delle Tuileries, catturato da Hartmann-Mussorgsky, è più o meno lo stesso della Prospettiva Nevskij, catturato da Gogol: “A mezzogiorno, tutori di tutte le nazioni fanno incursioni sulla Prospettiva Nevskij con i loro animali domestici con colletti di batista. I Jones inglesi e i Cock francesi camminano a braccetto con gli animali affidati alle loro cure parentali e con discreta serietà spiegano loro che le insegne sopra i negozi sono fatte in modo che attraverso di esse si possa sapere cosa c'è nei negozi stessi. Le governanti, pallide signorine e rosee slave, camminano maestosamente dietro le loro ragazze leggere e agili, ordinando loro di alzare le spalle un po' più in alto e di stare più dritte; in breve, oggi la Prospettiva Nevskij è una Prospettiva Nevskij pedagogica”.

Questa commedia trasmette in modo molto accurato l'atmosfera di quell'ora del giorno in cui questo giardino era occupato da bambini e, curiosamente, l '"irrequietezza" (delle ragazze) notata da Gogol si rifletteva nell'osservazione di Mussorgsky: capriccioso (italiano - capricciosamente).

È interessante notare che questa commedia è scritta in tre parti e, come previsto in tale forma, la parte centrale forma un certo contrasto con quelle estreme. La consapevolezza di questo fatto generalmente semplice non è importante di per sé, ma per le conclusioni che ne derivano: un confronto tra la versione per pianoforte (eseguita da S. Richter) con la versione orchestrale (strumentazione di M. Ravel) suggerisce che Richter, che in questo il contrasto attenua piuttosto che enfatizzare; i partecipanti alla scena sono solo bambini, forse ragazzi (il loro ritratto collettivo è disegnato nelle parti estreme) e ragazze (la parte centrale, più aggraziata nel ritmo e nello schema melodico). Per quanto riguarda la versione orchestrale, nella parte centrale del brano appare nella mente l’immagine di una tata, cioè di qualcuno di adulto che cerca di sedare dolcemente il litigio dei bambini (esortando le intonazioni degli archi).

V. Stasov, presentando le “Immagini” al pubblico e spiegando i pezzi di questa suite, ha chiarito che il bestiame è un carro polacco su enormi ruote, trainato da buoi. La noiosa monotonia del lavoro dei buoi è trasmessa da un ostinato, cioè un ritmo elementare che si ripete invariabilmente: quattro battiti pari per battuta. E così via per tutta la commedia. Gli accordi stessi sono posti nel registro e nel suono più bassi fortissimo(Italiano - molto forte). Quindi nel manoscritto originale di Mussorgsky; nell'edizione di Rimsky-Korsakov - pianoforte. Sullo sfondo degli accordi suona una melodia lugubre, raffigurante un autista. Il movimento è piuttosto lento e pesante. Nota dell'autore: sempremoderato,pesante(Italiano - tutto il tempo moderatamente, duramente). Il suono invariabilmente monotono trasmette disperazione. E i buoi sono solo una "figura allegorica": noi ascoltatori sentiamo chiaramente l'impatto devastante sull'anima di qualsiasi lavoro noioso, estenuante e insignificante (di Sisifo).

Il conducente parte sui suoi buoi: il suono si attenua (finché ppp), gli accordi vengono caricati, “asciugandosi” a intervalli (cioè due suoni che suonano contemporaneamente) e, alla fine, a un suono - lo stesso dell'inizio del pezzo; anche il movimento rallenta: due (invece di quattro) battiti per battuta. Nota dell'autore qui - perdendosi(Italiano - congelamento).

ATTENZIONE! Tre opere teatrali - “Il Castello Vecchio”, “Giardini delle Tuileries”, “Il bestiame” - rappresentano un piccolo trittico all'interno dell'intera suite. Nelle sue parti estreme la tonalità generale è Sol diesis minore; nella parte centrale - parallelo maggiore (Si maggiore). Inoltre, queste tonalità, essendo correlate per natura, esprimono, grazie all'immaginazione e al talento del compositore, stati emotivi polari: disperazione e disperazione nelle parti estreme (nella sfera della quiete e nella sfera del suono forte) ed elevata eccitazione nel pezzo centrale.

Passiamo ad un'altra immagine... (Il tema “Camminare” sembra calmo).

Il titolo è iscritto nell'autografo a matita di M. Mussorgsky.

Di nuovo il contrasto: i buoi vengono sostituiti dai pulcini. Altro tutto: invece moderato,pesante – vivoleggiero(Italiano - vivace e facile), invece di accordi massicci fortissimo nel registro inferiore - abbellimenti giocosi (piccole note, come se scattassero insieme agli accordi principali) nel registro superiore su pianoforte(Tranquillo). Tutto ciò ha lo scopo di dare un'idea delle creature piccole e agili, che peraltro non si sono ancora schiuse. Dobbiamo rendere omaggio all'ingegno di Hartmann, che è riuscito a trovare una forma per non schiuso pulcini; Questo è il suo disegno, che rappresenta uno schizzo dei costumi per i personaggi del balletto “Trilby” di G. Gerber messo in scena da Petipa al Teatro Bolshoi nel 1871.)

E ancora, massimo contrasto con l'opera precedente.

È noto che durante la sua vita Hartmann diede al compositore due dei suoi disegni, realizzati quando l'artista era in Polonia: "Ebreo con un cappello di pelliccia" e "Povero ebreo". Sandomierz." Stasov ha ricordato: "Mussorgsky ammirava molto l'espressività di queste immagini". Quindi, questa opera teatrale, in senso stretto, non è un quadro “da una mostra” (ma piuttosto dalla collezione personale di Mussorgsky). Ma, ovviamente, questa circostanza non influisce in alcun modo sulla nostra percezione del contenuto musicale di "Pictures". In questa commedia Mussorgskij vacilla quasi sull'orlo della caricatura. E qui questa sua capacità - di trasmettere l'essenza stessa del carattere - si è manifestata in modo insolitamente chiaro, quasi più chiaramente che nelle migliori opere dei più grandi artisti (i Vagabondi). Si sa che i contemporanei affermavano che aveva la capacità di rappresentare qualsiasi cosa con i suoni.

Mussorgsky ha contribuito allo sviluppo di uno dei temi più antichi dell'arte e della letteratura, così come della vita, che ha ricevuto diverse rappresentazioni: o sotto forma di una trama di "felice e sfortunato", o "grasso e magro", o " principe e povero””, oppure “la cucina dei grassi e la cucina dei magri”.

Per caratterizzare il suono del ricco ebreo, Mussorgsky usa il registro del baritono e la melodia suona raddoppiando l'ottava. Il sapore nazionale si ottiene utilizzando una scala speciale. Note per questa immagine: Andante.Graveenergico(Italiano - piacevole; importante, energico). Il discorso del personaggio è trasmesso da indicazioni di varie articolazioni (queste istruzioni sono estremamente importanti per l'esecutore). Il suono è forte. Tutto dà l'impressione di imponenza: massime ricco non tollerare obiezioni.

Il povero ebreo è raffigurato nella seconda parte dell'opera. Si comporta letteralmente come Porfiry (di Cechov magro) con i suoi "ih-ih-s" (come meravigliosamente questo servilismo è trasmesso da una nota che si ripete rapidamente con note di abbellimento "fissate" ad essa), quando all'improvviso si rende conto di quali "altezze", si scopre, il suo ex amico del palestra ha raggiunto. Nella terza parte dell'opera, entrambe le immagini musicali si combinano: i monologhi dei personaggi qui si trasformano in dialoghi, o, forse, più precisamente, questi sono gli stessi monologhi pronunciati contemporaneamente: ognuno afferma il proprio. All'improvviso entrambi tacciono, rendendosi conto all'improvviso che non mi sto ascoltando (pausa generale). Ed ecco l'ultima frase povero: un motivo pieno di malinconia e disperazione (nota: condolore[ital. – con desiderio; purtroppo]) - e la risposta ricco: forte ( fortissimo), in modo deciso e categorico.

L'opera produce un'impressione toccante, forse anche deprimente, come sempre accade quando ci si trova di fronte a una palese ingiustizia sociale.

Siamo giunti alla metà del ciclo, non tanto in termini aritmetici (in termini di numero di brani già eseguiti e ancora rimanenti), ma in termini di impressione artistica che quest'opera ci dà nel suo insieme. E Mussorgsky, rendendosene conto chiaramente, concede all'ascoltatore un riposo più lungo: qui la “Passeggiata” si sente quasi esattamente nella versione in cui suonava all'inizio dell'opera (l'ultimo suono è prolungato di una misura “extra”: una sorta di gesto teatrale - l'indice alzato: "Succederà qualcos'altro!").

L'autografo contiene un'osservazione (in francese, poi cancellata da Mussorgsky): “Grande novità: il signor Pimpan di Ponta Pontaleon ha appena trovato la sua mucca: Runaway. “Sì, signora, era ieri. - No, signora, era ieri. Ebbene sì, signora, una mucca vagava nella porta accanto. - Ebbene no, signora, la mucca non ha vagato affatto. Eccetera."".

La trama dell'opera è comicamente semplice. Uno sguardo agli spartiti suggerisce involontariamente che Hartmann-Mussorgsky vedesse i “francesi” di questo ciclo – i giardini delle Tuileries e il mercato di Limoges – nella stessa chiave emotiva. Le letture degli artisti evidenziano queste opere in modi diversi. Questa commedia, raffigurante le "donne del bazar" e la loro lite, sembra più energica della lite di un bambino. Allo stesso tempo, va notato che gli esecutori, volendo aumentare l'effetto e acuire i contrasti, in un certo senso ignorano le istruzioni del compositore: sia in S. Richter che nell'esecuzione dell'Orchestra di Stato diretta da E. Svetlanov , il tempo è molto veloce, in sostanza, questo Presto. Crea una sensazione di movimento rapido da qualche parte. Viene prescritto Musorgskij Allegretto. Usa i suoni per descrivere la scena vivace che si svolge uno luogo circondato da folle di “moto browniano”, come si può osservare in qualsiasi mercato affollato e affollato. Udiamo un flusso di discorsi a fuoco rapido, forti aumenti di sonorità ( crescendi), accenti acuti ( sforzandi). Al termine dell’esecuzione di questo brano, il movimento accelera ancora di più, e sulla cresta di questo vortice “cadiamo” in...

...Come non ricordare le battute di A. Maykov!

Ex tenebris lux

La tua anima è addolorata. Dal giorno - Da una giornata di sole - è caduto Sei nel pieno della notte e, sempre imprecando, il mortale prese la fiala...

Il disegno di Hartmann è uno dei pochi sopravvissuti da cui Mussorgsky scrisse i suoi "Quadri". Raffigura l'artista stesso con il suo compagno e un'altra persona che li accompagna, illuminando la strada con una lanterna. Ci sono scaffali con teschi tutt'intorno.

V. Stasov ha descritto questa opera in una lettera a N. Rimsky-Korsakov: “Nella stessa seconda parte [“Quadri di un'esposizione”. – SONO.] ci sono diversi versi insolitamente poetici. Questa è la musica per il dipinto di Hartmann "Le Catacombe di Parigi", tutto composto da teschi. Al Musoryanin (come Stasov chiamava affettuosamente Mussorgsky. - SONO.) prima è raffigurata una cupa prigione (con accordi lunghi e prolungati, spesso orchestrali, con grande corona). Quindi il tema della prima passeggiata viene suonato in tremolando in chiave minore: le luci nei teschi si accendono, e poi all'improvviso si sente il magico e poetico richiamo di Hartmann a Mussorgsky.

Il disegno di Hartmann raffigurava un orologio a forma di capanna di Baba Yaga su cosce di pollo, Mussorgsky aggiunse il treno di Baba Yaga in un mortaio.

Se consideriamo "Pictures at an Exhibition" non solo come un'opera separata, ma nel contesto dell'intera opera di Mussorgsky, allora possiamo vedere che le forze distruttive e creative nella sua musica esistono inseparabilmente, sebbene in ogni momento prevalga una di esse. Quindi in questa commedia troveremo una combinazione di colori neri minacciosi e mistici da un lato e quelli chiari dall'altro. E le intonazioni qui sono di due tipi: da un lato, maliziosamente allegre, spaventose, penetranti e acute, dall'altro allegre, allegramente invitanti. Un gruppo di intonazioni sembra deprimere, il secondo, al contrario, ispira e attiva. L'immagine di Baba Yaga, secondo le credenze popolari, è al centro di tutto ciò che è crudele, distruggendo le buone motivazioni, interferendo con l'attuazione di buone e buone azioni. Tuttavia, il compositore, mostrando Baba Yaga da questo lato (osservazione all'inizio dell'opera: feroce[ital. - ferocemente]), ha portato la storia su un piano diverso, contrapponendo l'idea di distruzione con l'idea di crescita e vittoria di buoni principi. Verso la fine del brano, la musica diventa sempre più impulsiva, il gioioso squillo aumenta e, alla fine, dalle profondità dei registri oscuri del pianoforte nasce un'enorme onda sonora, che dissolve finalmente tutti gli impulsi cupi e disinteressati preparando l'avvento dell'immagine più vittoriosa e più giubilante del ciclo: l'inno della “Porta di Bogatyr”.

La tradizione di queste scene festive finali nelle opere russe ha trovato una vivida espressione nella musica di M. Mussorgsky. Lo spettacolo è percepito proprio come questo tipo di finale operistico. Puoi anche indicare un prototipo specifico: il coro "Glory", che conclude "A Life for the Tsar" ("Ivan Susanin") di M. Glinka. Il pezzo finale del ciclo di Mussorgsky è il culmine dell'intonazione, dinamico e strutturale dell'intera opera. Lo stesso compositore ha delineato la natura della musica con le parole: Maestoso.Contrograndezza(Italiano - solennemente, maestosamente). Il tema del pezzo non è altro che una versione giubilante della melodia di “The Walk”. L'intera opera si conclude con un suono festoso e gioioso, con il potente rintocco delle campane. Mussorgsky gettò le basi per la tradizione di suoni di campane simili, ricreati non con mezzi di campana: il primo concerto per pianoforte in si bemolle minore di P. Tchaikovsky, il secondo concerto per pianoforte in do minore di S. Rachmaninov, il suo primo preludio in do diesis minore per pianoforte.. .

“Pictures at an Exhibition” di M. Mussorgsky è un'opera completamente innovativa. Tutto è nuovo: il linguaggio musicale, la forma, le tecniche di registrazione del suono. Meraviglioso come pezzo pianoforte repertorio (anche se per molto tempo è stato considerato "non pianistico" dai pianisti - ancora una volta, a causa della novità di molte tecniche, ad esempio, il tremolo nella seconda metà dell'opera "With the Dead in a Dead Language") , appare in tutto il suo splendore negli arrangiamenti orchestrali. Ce ne sono parecchi, oltre a quello di M. Ravel, e tra questi quello eseguito più frequentemente è S. P. Gorchakova (1954). Sono state effettuate trascrizioni di “Pictures” per diversi strumenti e per diversi cast di artisti. Una delle più brillanti è la trascrizione per organo realizzata dall'eccezionale organista francese Jean Guillou. I singoli brani di questa suite sono ben noti a molti anche al di fuori del contesto di questa creazione di M. Mussorgsky. Pertanto, il tema della “Porta di Bogatyr” funge da segnale di chiamata della stazione radio “Voice of Russia”.

Ciclo pianistico (1874)

Orchestrazione di Maurice Ravel (1922)

Composizione dell'orchestra: 3 flauti, flauto piccolo, 3 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, clarinetto basso, 2 fagotti, controfagotto, sassofono contralto, 4 corni, 3 trombe, 3 tromboni, tuba, timpani, triangolo, rullante, frusta, sonaglino, piatti, grancassa, tom-tom, campanelli, campana, xilofono, celesta, 2 arpe, archi.

Storia della creazione

Il 1873 fu un anno difficile per Mussorgsky. Gli amici hanno smesso di riunirsi la sera a L.I. Shestakova, la sorella di Glinka, che si ammalò gravemente. V. Stasov, che ha sempre sostenuto moralmente il compositore, lasciò San Pietroburgo per molto tempo. Il colpo finale fu la morte improvvisa dell'artista Victor Hartmann (1834-1873), nel pieno della sua vita e del suo talento. “Che orrore, che dolore! - Mussorgsky ha scritto a Stasov. - Durante l'ultima visita di Victor Hartmann a Pietrogrado, camminammo con lui dopo la musica lungo la via Furshtadtskaya; vicino a qualche vicolo si fermò, impallidì, si appoggiò al muro di qualche casa e non riuscì a riprendere fiato. Allora non davo molta importanza a questo fenomeno... Avendo io stesso armeggiato con il soffocamento e i battiti cardiaci... Immaginavo che questo fosse il destino soprattutto delle nature nervose, ma purtroppo mi sbagliavo - a quanto pare... Questo lo stolto mediocre falcia la morte, non il ragionamento..."

L'anno successivo, 1874, su iniziativa del ritorno Stasov, fu organizzata una mostra postuma delle opere di Hartmann, che presentava le sue opere ad olio, acquerelli, schizzi dalla vita, schizzi di scene e costumi teatrali e progetti architettonici. C'erano anche alcuni prodotti realizzati dalle mani dell'artista: pinze per rompere le noci, un orologio a forma di capanna su cosce di pollo, ecc.

La mostra fece una grande impressione su Mussorgsky. Decise di scrivere una suite per pianoforte programmatica, il cui contenuto sarebbero le opere del defunto artista. Il compositore li interpreta a modo suo. Così, uno schizzo per il balletto "Trilby", raffigurante minuscoli pulcini nelle conchiglie, si trasforma in "Balletto dei pulcini non schiusi", uno schiaccianoci a forma di gnomo con le gambe arcuate diventa la base per un ritratto di questa favolosa creatura, e la capanna dell'orologio ispira il musicista ad un'opera teatrale raffigurante il volo di Baba Yagi su una scopa.

Il ciclo pianistico fu creato molto rapidamente: in tre settimane nel giugno 1874. Il compositore ha riferito a Stasov: “Hartmann sta bollendo, proprio come Boris stava bollendo - suoni e pensieri sono sospesi nell'aria, io deglutisco e mangio troppo, ho a malapena il tempo di grattare sulla carta... Voglio farlo più velocemente e in modo più affidabile. La mia faccia è visibile negli intermezzi… Che bel lavoro.” Per “fisionomia”, visibile negli intermezzi, il compositore intendeva connessioni tra numeri - immagini di Hartmann. In queste sequenze, chiamate “Walk”, Mussorgsky ha dipinto se stesso mentre camminava per la mostra, passando da una mostra all’altra. Il compositore terminò l'opera il 22 giugno e la dedicò a V.V. Stasov.

Allo stesso tempo, nell'estate del 1874, il compositore preparò per la pubblicazione "Pictures" con il sottotitolo "Memories of Victor Hartmann", ma fu pubblicato solo nel 1886, dopo la morte del compositore. Ci sono voluti ancora molti anni perché quest'opera profondamente originale e senza precedenti entrasse nel repertorio dei pianisti.

La luminosità delle immagini, il loro carattere pittoresco e la colorazione del pianoforte hanno spinto verso un’incarnazione orchestrale di “Pictures”. Una pagina dell'orchestrazione di una delle parti del ciclo "Il vecchio castello" è stata conservata nell'archivio Rimsky-Korsakov. Successivamente, lo studente di Rimsky-Korsakov, M. Tushmalov, fece un'orchestrazione, ma rimase non eseguita. Nel 1922, anche Maurice Ravel, che era un appassionato ammiratore dell'opera di Mussorgsky, si dedicò a quest'opera. La sua brillante versione orchestrale di “Pictures at an Exhibition” conquistò rapidamente il palco dei concerti e divenne popolare quanto la versione originale per pianoforte dell'opera. La partitura fu pubblicata per la prima volta dalla Casa editrice musicale russa a Parigi nel 1927.

Musica

Il primo numero - "Walk" - si basa su un'ampia melodia di carattere popolare russo, con il metro variabile caratteristico delle canzoni popolari, eseguita prima da una tromba solista e poi supportata da un coro di ottoni. A poco a poco si uniscono altri strumenti e, dopo il suono di tutti, inizia senza interruzione il secondo numero.

Questo è "Gnomo". È caratterizzato da intonazioni bizzarre e spezzate, salti acuti, pause improvvise, armonie tese, orchestrazione trasparente con celesta e arpa. Tutto ciò dipinge vividamente un'immagine fantastica e misteriosa.

"Walk", notevolmente accorciato rispetto a quello iniziale, porta l'ascoltatore all'immagine successiva - "The Old Castle". Il fagotto, parsimoniosamente sostenuto dal suono solitario del secondo fagotto e dal pizzicato dei contrabbassi, canta una malinconica serenata. La melodia passa al sassofono con il suo caratteristico timbro espressivo, poi viene cantata da altri strumenti con l'accompagnamento che imita il suono di un liuto.

Una breve “Passeggiata” conduce al “Giardino delle Tuileries” (il suo sottotitolo è “Litigio dei bambini dopo il gioco”). Questo è uno scherzo vivace e gioioso, permeato di allegro frastuono, di corse in giro e del tubare bonario delle tate. Passa rapidamente, lasciando il posto a un contrasto luminoso.

L'immagine successiva si chiama "Bestiame". Sotto questo nome Hartmann raffigurò un pesante carro trainato da buoi su enormi ruote. Qui domina il movimento misurato con accordi pesanti; sullo sfondo, una tuba canta una canzone prolungata e malinconica, in cui però si avverte una cupa forza nascosta. A poco a poco la sonorità si espande, cresce e poi svanisce, come se un carro stesse scomparendo in lontananza.

La successiva “Passeggiata” in forma modificata - con il tema nel registro di flauto acuto - prepara per il “Balletto dei pulcini non schiusi” - uno scherzino affascinante e aggraziato con armonie fantasiose, orchestrazione trasparente e numerose note di grazia che imitano il cinguettio di uccelli.

Subito dopo questo numero c'è una scena quotidiana in netto contrasto, "Samuel Goldenberg e Shmuile", solitamente chiamata "Due ebrei: ricchi e poveri". Stasov scrive di lei: “Due ebrei tratteggiati dal vero da Hartmann nel 1868 durante i suoi viaggi: il primo è un ebreo ricco e grasso, compiaciuto e allegro, l'altro è povero, magro e lamentoso, quasi piangente. Mussorgskij ammirava molto l'espressività di queste immagini, e Hartmann le diede immediatamente al suo amico..." La scena si basa su un confronto di intonazioni potenti ed energiche negli unisoni dei gruppi di legni e archi e di tromba solista con sordina - con un generale movimento di piccole terzine, con mordenti e note aggraziate, arricciate come una vite, come se soffocassero con un lamentoso scioglilingua. Questi temi, inizialmente tenuti separatamente, poi suonano simultaneamente, in contrappunto in tonalità diverse, creando un duetto unico nel colore.

“Limoges. Mercato. (Big news)” è il titolo del prossimo numero. Inizialmente, il compositore lo presentò con un piccolo programma: “Grandi novità: il signor Pusanjou ha appena trovato la sua mucca Runaway. Ma i pettegoli di Limoges non sono del tutto d'accordo su questo caso, perché la signora Ramboursac ha acquistato dei bellissimi denti di porcellana, mentre il naso del signor Panta-Pantaleon, che gli dà fastidio, rimane sempre rosso, come una peonia. Questo è un capriccio brillante, basato su un movimento continuo e pignolo con intonazioni capricciose, mutevoli, provocanti, appelli di strumenti, frequenti cambiamenti di dinamica, finale tutti fortissimo - i pettegolezzi raggiungevano l'estasi nelle loro chiacchiere. Ma tutto finisce bruscamente con il fortissimo di tromboni e tube che intonano un unico suono - sì.

Senza interruzione, attacca, il numero successivo entra in netto contrasto: “Catacombe (tomba romana)”. Sono solo 30 battute di accordi cupi, a volte silenziosi, a volte rumorosi, che raffigurano una cupa prigione alla misteriosa luce di una lanterna. Nel dipinto, secondo Stasov, l'artista raffigurava se stesso, con una lanterna in mano, mentre esaminava le catacombe. Questo numero è come un'introduzione al successivo, che arriva senza interruzioni: "Con i morti in una lingua morta". Nel manoscritto il compositore scrive: “Testo latino: con i morti in una lingua morta. Sarebbe bello avere il testo latino: lo spirito creativo del defunto Hartmann mi conduce ai teschi, li chiama, i teschi brillano silenziosamente.” Nel triste si minore si sente il tema "Walk" modificato, incorniciato da tremoli silenziosi e accordi di corno che ricordano un corale.

“La capanna sulle cosce di pollo” è ancora una volta un contrasto enfatizzato. Il suo inizio raffigura il rapido volo di Baba Yaga su un manico di scopa: ampi balzi, alternati a pause, si trasformano in movimenti incontrollabili. L'episodio centrale, dal suono più intimo, è pieno di fruscii misteriosi e suoni diffidenti. L'orchestrazione è originale: sullo sfondo di continui suoni tremuli di flauti, il tema di Baba Yaga, costituito da brevi canti e formato nella prima sezione, è intonato da un fagotto e contrabbassi. Poi appare sulla tuba e sugli archi bassi, accompagnati da archi tremolo e pizzicato, accordi individuali di celesta, mentre l'arpa ne suona una versione modificata. I colori insoliti danno un tocco speciale di stregoneria e magia. E ancora un volo veloce.

Senza interruzione, attacca, inizia il finale: “La Porta Bogatyr (nella capitale Kiev).” Questa è un'incarnazione musicale del design architettonico delle porte della città di Kiev, che Hartmann vide nell'antico stile russo, con un arco decorato con un antico elmo e una porta della chiesa. Il suo primo tema, maestoso, simile a un canto epico, nel suono potente di ottoni e fagotti con controfagotto, ricorda il tema del “Camminare”. Si espande sempre di più, riempiendo l'intero spazio sonoro, intervallato dall'antico canto znamenny della chiesa “Sii battezzato in Cristo”, presentato in modo più intimo, nella rigorosa quattro voci di strumenti in legno. Il numero, come l'intero ciclo, si conclude con un suono solenne e festoso di campane, trasmesso dal suono pieno dell'orchestra.

L. Mikheeva

Nel 1922, Maurice Ravel completò l'orchestrazione dei Quadri di un'esposizione di Mussorgsky, un'opera di straordinaria originalità sia in termini di musica stessa che nella sua incarnazione pianistica. È vero, in "Pictures" ci sono molti dettagli che possono essere immaginati in un suono orchestrale, ma per questo era necessario trovare sulla tavolozza dei colori che si fondessero organicamente con l'originale. Ravel ha compiuto questa sintesi e ha creato una partitura che rimane un esempio di abilità e sensibilità stilistica.

L'orchestrazione di Pictures at an Exhibition viene eseguita non solo con eccezionale ingegnosità, ma anche con fedeltà al carattere dell'originale. Sono state apportate piccole modifiche, ma quasi tutte sono legate al suono specifico degli strumenti. Essenzialmente si sono ridotti ad un cambiamento di sfumature, ad una variazione nelle ripetizioni, al taglio di una “Passeggiata” ripetuta due volte, e all'aggiunta di una battuta nell'accompagnamento alla melodia dell'“Antico Castello”; una durata più lunga rispetto all'originale della sezione d'organo nel “Bogatyr Gate” e l'introduzione di un nuovo ritmo nelle parti degli ottoni esauriscono l'elenco delle modifiche apportate alla partitura. Tutto ciò non viola il carattere generale della musica di Mussorgsky, i cambiamenti nei dettagli sono emersi durante il lavoro sulla partitura e sono stati minimi.

L'orchestrazione di Pictures at an Exhibition, come sempre con Ravel, si basa sul calcolo preciso e sulla conoscenza di ogni strumento e delle possibili combinazioni timbriche. L'esperienza e l'ingegno suggerirono al compositore molti dettagli caratteristici della partitura. Ricordiamo il glissando degli archi (“The Dwarf”), il magnifico assolo di sassofono contralto (“The Old Castle”), la fantastica colorazione del “Ballet of the Unhatched Chicks”, il suono grandioso del finale. Nonostante tutta la loro inaspettata, le scoperte orchestrali di Ravel trasmettono l'essenza interiore della musica di Mussorgsky e sono incluse nella struttura delle sue immagini in modo molto organico. Tuttavia, come già notato, la trama pianistica dei “Pictures” ha caratteristiche di orchestralità, ciò ha creato condizioni favorevoli per il lavoro di un artista riflessivo e ispirato come Ravel.

Ravel si è dedicato all'orchestrazione di Pictures at an Exhibition, avendo già avuto esperienza lavorando sulla partitura di Khovanshchina. Inoltre, fu autore di edizioni orchestrali delle sue opere per pianoforte, e queste partiture furono percepite come originali, non come trascrizioni. Tali affermazioni sono impossibili in relazione a Pictures at an Exhibition, ma l’alta dignità dell’orchestrazione del brillante lavoro di Mussorgsky è innegabile. Ciò conferma il suo continuo successo di pubblico fin dalla sua prima rappresentazione, avvenuta a Parigi il 3 maggio 1923, sotto la direzione di S. Koussevitzky (Questa data è riportata da N. Slonimsky nel suo libro “Musica dal 1900”. A Prunier ne indica un altro: 8 maggio 1922.).

Anche l'orchestrazione di "Pictures at an Exhibition" da parte di Ravel ha suscitato alcuni commenti critici: gli è stato rimproverato di non essere sufficientemente coerente con lo spirito dell'originale, di non essere d'accordo con i cambiamenti in diverse battute, ecc. Questi rimproveri possono talvolta essere ascoltati in il nostro tempo. Tuttavia, l'orchestrazione rimane ancora la migliore tra le altre, è entrata di diritto nel repertorio concertistico: è stata e continua ad essere suonata dalle migliori orchestre e direttori d'orchestra di tutti i paesi.