Durante il regno di Luigi XIV, la Francia divenne la potenza più potente d'Europa, sia militarmente che culturalmente. Alla fine del XVII secolo, Parigi era in competizione con Roma per il titolo di capitale mondiale delle belle arti e delle arti applicate, sebbene la Città Eterna mantenne questo titolo per molti secoli. Come è avvenuto questo cambiamento? Siamo tentati di vedere l'arte francese di Luigi XIV come un'espressione di assolutismo a causa del Palazzo di Versailles e di altri grandi progetti che hanno reso famoso il re di Francia. Questo è abbastanza vero per il periodo di massimo splendore - il regno di Luigi XIV, 1660-1685 - ma a quel tempo l'arte francese del XVII secolo aveva già acquisito il suo caratteristico stile artistico.
Ai francesi non piace chiamare barocco questo stile artistico. Per loro, questo è lo stile di Luigi XIV. Spesso si riferiscono all'arte e alla letteratura di questo periodo come "classiche". In questo contesto, la parola può avere tre diversi significati. Prima di tutto, è sinonimo di "il massimo risultato", nel senso che lo stile di Luigi XIV corrisponde al Rinascimento in Italia o all'era di Pericle nell'antica Grecia. Questo termine è anche usato per denotare imitazioni della forma e del contenuto dell'antichità classica. Infine, il concetto di "classico" implica qualità insite negli artisti dell'antichità e del Rinascimento come equilibrio e moderazione. Il secondo e il terzo di questi significati descrivono fenomeni che sarebbero più correttamente indicati come "classicismo". Poiché lo stile dell'era di Luigi XIV è uscito dall'arte barocca italiana, possiamo chiamarlo "classicismo barocco".
Le origini di questo classicismo erano per lo più artistiche, non politiche. L'architettura francese del XVI secolo, e in misura minore la scultura, era più strettamente associata al Rinascimento italiano che in qualsiasi altro paese del nord, sebbene nella pittura lo stile manierista della tarda scuola di Fontainebleau continuò a dominare fino a quando
inizio del XVII secolo (vedi pp. 268-270). Anche l'umanesimo francese, con la sua eredità intellettuale di ragione e stoica benevolenza, contribuì allo sviluppo del classicismo. Questi fattori frenarono la diffusione del barocco in Francia e ne cambiarono l'interpretazione. Il ciclo mediceo di Rubens (vedi fig. 287), ad esempio, non ebbe alcuna influenza sull'arte francese fino alla fine del secolo. Nel 1620, quando Rubens ci stava lavorando, i giovani artisti in Francia stavano appena padroneggiando il primo barocco.
302. Giorgio de Latour San Giuseppe falegname. OK. 1645 Olio su tela. 129,9 x 101 cm Louvre, Parigi
BAROCCO IN FRANCIA: L'EPOCA DI VERSAILLES 317
303. Nicolas Poussin. Il ratto delle Sabine. OK. 1bZb-1637 Olio su tela. 154,6 x 209,9 cm Metropolitan Museum of Art, New York. Fondazione Harris Brisbane Dick, 1946
PITTURA | genoma e la sua attrazione per la geometria semplificata |
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francese | Poussin. Perché de Latour è stato dimenticato così in fretta? |
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pittori influenzati da Caravaggio, anche se non è del tutto chiaro |
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Il motivo è semplice: dopo il 1640 in Francia |
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come hanno adottato il suo stile. Questi erano dentro | dominato dal classicismo. Art de Latour con i suoi |
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per lo più artisti minori che hanno lavorato in | chiarezza, equilibrio e moderazione |
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province, ma alcune di esse sono riuscite a guadagnare | designare | termine |
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maniera del tutto indipendente. più grazioso | "classico" - specialmente se correlato con altri |
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tra loro - | Latour (1593-1652), stima | gimi pittori caravagisti, ma "classi |
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chi | merito | solo duecento anni | lui, ovviamente, | era. Di più | |||||||||||||||
celebrazioni | classicismo | arte | fatto Nicola |
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Dopo. Il suo quadro "S. Giuseppe il carpentiere" (ill. 302) |
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Poussin (1593/94-1665). Anche se Poussin è stato fantastico |
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erroneamente | genere |
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il nostro artista francese del secolo e il primo in |
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lavoro, | spiritualità, |
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francese | pittore, | conquistato |
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costituendo qui la stessa caratteristica forte come in |
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Riconoscimento internazionale, | è, tuttavia, quasi |
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Il dipinto di Caravaggio "La Vocazione di San Matteo" (vedi fig. |
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trascorse tutta la sua vita a Roma. Lì, ispirato |
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Raffaello, sviluppò uno stile che in seguito divenne |
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reception de Latour - che illumina il palco con | un modello ideale per gli artisti francesi |
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intimità | tenerezza | ricordando | seconda metà del sec. | ||||||||||||||||
le opere di Geertgen tot Sin Jans (vedi ill. 193), de | Dipinto "Il ratto delle Sabine" (ill. 303) |
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Latour condivide con Geert | può servire da esempio di rigida disciplina in |
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304. Nicolas Poussin. La nascita di Bacco. OK. 1657 Olio su tela. 123 x 179 cm Fogg Art Museum, Harvard University Art Museums, Cambridge (Massachusetts). Dono della signora Samuel Sachs in memoria di suo marito, il signor Samuel Sachs
stile intellettuale di Poussin. Le figure dipinte con cura sembrano essere "congelate in azione" come statue, e molte di esse sono, infatti, prese in prestito dalla scultura ellenistica. Poussin li collocò di fronte a quelle che considerava ricostruzioni archeologicamente accurate dell'architettura romana. C'è un tocco di quell'atralità nella composizione, e non senza motivo: è stata creata spostando figurine di argilla attorno a una somiglianza in miniatura della scena, finché la loro disposizione non è sembrata corretta all'artista. I sentimenti sono mostrati nell'immagine in abbondanza, ma mancano chiaramente di spontaneità e non ci provocano alcun sentimento. Ovviamente, i principi artistici qui utilizzati risalgono a Raffaello. O, più precisamente, è Raffaello passato attraverso Annibale Carracci e la sua scuola (cfr fig. 273, 274). I tratti veneziani, che apparivano già all'inizio della carriera dell'artista, furono da lui deliberatamente soppressi. Poussin può colpirci come un uomo completamente sottomesso alla propria mente - questa impressione è confermata da numerose lettere in cui espone
le loro opinioni ad amici e mecenati. L'obiettivo più alto della pittura, secondo lui, è la rappresentazione di azioni umane sublimi e serie. Dovrebbero essere rappresentati in modo logico e ordinato; cioè non come le cose accaddero realmente, ma come accadrebbero se la natura fosse perfetta. A tal fine, l'artista deve tendere al generale e al tipico. Facendo appello più alla mente che ai sensi, dovrebbe preoccuparsi meno di cose insignificanti come il colore e prestare maggiore attenzione alla forma.
E composizioni. In una buona immagine, lo spettatore sarà sempre in grado di "leggere" i sentimenti esatti di ogni figura.
E metterli in relazione con la storia. Queste idee non erano nuove. Ci viene in mente l'antica espressione "ut pictura poesis" ("la pittura è la stessa poesia") e l'affermazione di Leonardo secondo cui il fine supremo della pittura è rappresentare "le intenzioni dell'animo umano" (cfr. pp. 244, 291). Prima di Poussin, però, nessuno ha tracciato un'analogia così stretta tra pittura e letteratura, e non ha messo in pratica questa teoria con tanta letteralità. È il metodo dell'artista che spiega la presenza di un rito freddo e importuno che sentiamo.
riki in Il ratto delle Sabine, che ci fa sembrare il quadro così estraneo, anche se non possiamo fare a meno di ammirarne il rigoroso ordine.
In accordo con queste visioni teoriche, Poussin dipinse anche "paesaggi ideali", ottenendo risultati molto impressionanti, poiché questi paesaggi erano caratterizzati da una bellezza contenuta e da una pace significativa. In questo spirito strettamente razionalista, Poussin lavorò fino alla metà del XVII secolo circa, quando iniziò a dipingere una serie di paesaggi che segnarono il suo ritorno al soggetto mitologico che aveva abbandonato nella mezza età. Lo stile tizianiano dei suoi primi lavori si combina in essi con il tardo classicismo raffaelliano, risultando in un nuovo tipo di paesaggio mitologico, vicino nello spirito a Claude Lorrain (vedi sotto), ma ricco di associazioni personali che conferiscono alle immagini diversi livelli semantici. In effetti, le ultime riflessioni dell'artista sono state giustamente chiamate meditazioni trascendentali, poiché contengono immagini archetipiche di significato universale. La Nascita di Bacco (ill. 304), che è una delle opere più profonde dell'artista, utilizza il grande tema degli Stoici (Poussin lo affrontò due volte in giovane età), i quali sostenevano che la morte dovrebbe essere attesa anche nel più felice dei mondi. L'immagine raffigura il momento in cui il bambino, nato dall'unione di Giove con la dea lunare Semele e nato dalla sua coscia, viene portato in salvo da Mercurio presso la dea fluviale Dirke, mentre il satiro Pan suona il flauto con gioiosa ispirazione. (Giove stesso fu allevato dalle divinità della foresta; vedi fig. 290). L'esecuzione dell'immagine non si distingue per la brillantezza: era già difficile scrivere per l'artista in età avanzata, il che spiega l'incertezza della pennellata. Tuttavia, Poussin lo trasformò a suo vantaggio, e La nascita di Bacco è l'incarnazione più pura dell'intento artistico in forma pittorica. L'immagine è piena di chiaro lirismo, che esprime la gioia della vita, da un lato, e oscure premonizioni di morte, dall'altro: a destra, la ninfa Eco singhiozza sul corpo di Narciso, un bellissimo giovane che l'ha trascurata amore e annegato, baciando il proprio riflesso nell'acqua.
Claudio Lorena. Se Poussin sviluppò le qualità eroiche del "paesaggio ideale", allora il grande paesaggista francese Claude Lorrain (1600-1682) ne enfatizzò i motivi idilliaci. È passata anche quasi l'intera vita creativa di questo artista
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A Roma. Come molti nordici, Claude aveva imparato la campagna vicino alla capitale (Campagne) meglio di qualsiasi italiano e l'amava davvero. Infiniti schizzi naturali testimoniano la sua straordinaria capacità di osservazione. È anche noto che fu il primo tra gli artisti che iniziò a dipingere schizzi dalla natura a olio. Questi schizzi, però, erano solo schizzi preliminari per i dipinti, in cui non raggiunse l'accuratezza topografica, ma il trasferimento dell'atmosfera poetica del paesaggio rurale, pieno di echi dell'antichità. Spesso, come ad esempio nel "Paesaggio pastorale" (ill. 305), la composizione è permeata dall'atmosfera nebbiosa e allo stesso tempo piena di luce tremolante del primo mattino o dell'approssimarsi della sera. Lo spazio che si allontana in lontananza si svolge dolcemente, e non passo dopo passo, come nei paesaggi ideali di Poussin. Alla vista di tali distese, lo spettatore è colto da un sentimento di nostalgia per il passato, impreziosito dalla memoria. Pertanto, i paesaggi della Lorena erano particolarmente apprezzati dagli inglesi, che videro l'Italia solo brevemente o non vi andarono affatto.
Vedi. In tenera età, anche Simon Vuz (1590-1649) visse a Roma, dove guidò un circolo di caravagisti francesi. Tuttavia, a differenza di Poussin e Claude Lorrain, abbandonò rapidamente ogni traccia dello stile caravaggista e creò, sulla base dei risultati di Carracci, uno stile colorato che divenne così universalmente riconosciuto che Vouet fu chiamato il primo artista del re. Al suo arrivo, non ha dimenticato i grandi predecessori del barocco dell'Italia settentrionale. Il dipinto "La toilette di Venere" (ill. 306) raffigura una trama popolare a Venezia da Tiziano a Veronese. Anche la figura dipinta da Vue somiglia a Io Correggio (vedi fig. 252), ma non vi è erotismo manifesto. Invece, l'artista le ha dotato di tratti di aggraziata sensibilità, che sono immensamente lontani dall'arte disciplinata di Poussin. Ironia della sorte, La toilette di Venere fu scritta intorno al 1640, quasi contemporaneamente all'inizio del tristemente concluso soggiorno di Poussin a Parigi, dove arrivò su invito di Luigi XIII. Poussin non ebbe più successo di Bernini trent'anni dopo (vedi pp. 323-324) e lasciò Parigi pochi anni dopo amaramente deluso da una così fredda accoglienza presso una corte i cui gusti e aspirazioni politiche erano incomparabilmente meglio compresi da Vouet. La loro rivalità è continuata in un certo senso più tardi. Lo stile decorativo di Vouet creò i prerequisiti per l'emergere del rococò, ma fu il classicismo di Poussin a prendere una posizione di primo piano in Francia. Entrambi tra
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305. Claudio Lorena Paesaggio pastorale. OK. 1650 Piatto di rame, olio. 40,3 x 54,9 cm.
Galleria d'arte dell'Università di Yale, New Haven, Connecticut. FondoLeoK. Anna la Giovane
306. SimonVue. Gabinetto di Venere. OK. 1640 Olio su tela. 165,7 x 114,3 cm Carnegie Institute, Pittsburgh
Le divisioni gareggiarono tra loro fino alla fine del periodo romantico, alternandosi al comando, ma nessuna di esse riuscì a raggiungere a lungo una tangibile superiorità.
Reale Accademia
Quando il giovane Luigi XIV salì al potere nel 1661, Jean-Baptiste Colbert, suo principale consigliere, istituì un apparato amministrativo per sostenere la monarchia assoluta. In questo sistema, volto a sottoporre a stretto controllo dall'alto i pensieri e le azioni dell'intera nazione, le arti visive avevano l'obiettivo di glorificare il re, e il classicismo divenne lo "stile reale" ufficiale sia in teoria che in pratica.
La storia dell'aspetto dello stile
Lo stile artistico barocco ebbe origine in Italia alla fine del XVI secolo. La storia del nome è legata ai marinai portoghesi, che usavano la parola barocco per designare perle difettose di forma irregolare. Gli italiani adottarono prontamente il termine, combinandolo con le manifestazioni artistiche e strane di una nuova tendenza culturale.
L'emergere del barocco è associato allo sbiadimento del Rinascimento: abbandonando le nozioni di armonia classica e un rigoroso ordine mondiale, i creatori si sono concentrati sulla lotta tra ragione e sentimenti. D'ora in poi, al centro della loro attenzione sono le forze degli elementi, l'espressione, il misticismo.
Durante il XVII e il XVIII secolo, il barocco nell'architettura, nell'arte e nella musica si diffuse ampiamente in Europa e in America e arrivò in Russia. Il periodo di massimo splendore dello stile coincise con il rafforzamento delle monarchie assolute, lo sviluppo delle colonie e il rafforzamento del cattolicesimo. È logico che nell'urbanistica si sia manifestata in scala e monumentalità.
Tratti caratteristici del barocco
Lo stile solenne, complesso e riccamente decorato fu utilizzato nella costruzione di palazzi cittadini, residenze e monasteri. Le soluzioni architettoniche degli architetti di corte sono soggette a un'idea: sorprendere e deliziare.
Modulo
La caratteristica principale del barocco è la creazione di uno spazio curvo, dove piani e volumi sono curvilinei e confluiscono l'uno nell'altro, nelle piante predominano ellissi e rettangoli.
Nella progettazione delle facciate è ampiamente utilizzato il rake-out, quando una parte del muro è esposta leggermente in avanti o, al contrario, è approfondita insieme a tutti gli elementi. Risulta l'alternanza di sezioni convesse e concave con l'effetto dell'illusione spaziale. Tutti i tipi di bovindi, torri e balconi rendono la composizione della facciata ancora più espressiva.
Ordine
Una caratteristica distintiva degli edifici barocchi è una deliberata violazione delle proporzioni nell'antico sistema di ordine.
Parti dell'ordine (base, trabeazione, capitello) sono tese, sovrapposte, attorcigliate; una struttura precedentemente armoniosa (commisurata a una persona) acquisisce imponenza e un ritmo irregolare.
Arredamento esterno e interno
Le caratteristiche principali del barocco includono anche l'eccessivo abbellimento, che ha dato molte ragioni per accuse di cattivo gusto.
Le pareti praticamente scompaiono sotto stucchi, quadri, pannelli scolpiti, sculture, colonne, specchi. Il desiderio di gigantismo si manifesta in mobili pesanti, enormi armadi, scale. Se parliamo brevemente di barocco, allora questo è uno stile di eccessi. Grazie all'alternanza di aree illuminate e ombreggiate, illuminazione laterale personalizzabile, gli artigiani hanno creato effetti ottici di espansione dello spazio. I colori dorati, blu e rosa creano un'atmosfera solenne.
Comunicazione con lo spazio circostante
La nostra descrizione dello stile barocco sarebbe incompleta senza un'enfasi sull'unione degli edifici con l'area circostante: una piazza cittadina, un parco, un giardino. Fu una tendenza progressiva, gli edifici cominciarono a essere percepiti come tutt'uno con il paesaggio: d'ora in poi fontane, composizioni scultoree, percorsi spezzati e prati fanno parte a pieno titolo degli insiemi del palazzo.
Elementi architettonici barocchi
- Le facciate barocche sono attivamente decorate con colonne, voluminosi grandi rilievi, timpani ad arco.
I platbands riccamente rifiniti sono necessariamente dotati di una chiave di volta. Le finestre sono realizzate sotto forma di ovali, emisferi, aperture rettangolari. Al posto delle colonne per sostenere soffitti a travi, balaustre e volte del tetto, sono installate statue di cariatidi e Atlantidei.
- Le composizioni scultoree monumentali sono uno degli elementi caratteristici dello stile.
La postura e le espressioni facciali delle figure mitologiche e bibliche trasmettono la tensione emotiva, il dramma della trama, che corrisponde al concetto della complessa struttura del mondo e delle passioni umane.
- Gli ornamenti barocchi tradizionali includono arabeschi, ghirlande, conchiglie, cartigli, vasi di fiori, cornucopie e strumenti musicali.
Ogni dettaglio è riccamente incorniciato. In un gruppo di stili storicamente vicini di barocco, rococò e classicismo, il primo si distingue in modo significativo per il suo amore per l'arredamento eccessivo. Il rococò riprenderà quindi questa caratteristica, ponendo maggiormente l'accento sulla grazia e la raffinatezza.
- Una delle caratteristiche del barocco architettonico è l'uso attivo dei mascheroni nel design della facciata (una maschera a forma di volto umano o muso di animale, situata a faccia piena).
Erano realizzati in pietra e intonaco, posti sopra la porta d'ingresso, le aperture delle finestre, gli archi. Ogni maschera ha il suo carattere: calmo, spaventoso, comico. I mascheroni tematici sono stati scelti in base al profilo dell'istituzione: immagini della dea della giustizia, teste di leone sono state appese sul cortile, personaggi drammatici sono stati appesi al teatro, angeli e bambini sono stati appesi alla chiesa.
Stile barocco in Italia
In ciascuno dei paesi, un nuovo stile architettonico si è manifestato sotto l'influenza delle condizioni politiche, sociali e culturali. A questo proposito, possiamo parlare dei tipi nazionali di barocco: italiano, francese, spagnolo, tedesco, inglese, russo.
Nel patrimonio mondiale, il barocco italiano è considerato la fonte primaria e l'ispirazione. Il ruolo di primo piano nello sviluppo dell'architettura fu assunto dal Vaticano. La Chiesa cattolica nel XVI secolo iniziò la costruzione attiva di templi e cattedrali, e non tanto in scala impressionante quanto maestosa ed emotivamente carica nel design.
Tra i primi realizzò la famosa chiesa del Gesù, su progetto di Giacomo Barozzi da Vignola. Diversi ordini sono combinati nel disegno della facciata principale. Ampie volute ondulate sui lati collegano entrambi i livelli della facciata, una tale decisione è diventata un libro di testo per le chiese di questo periodo.
I più grandi architetti barocchi italiani del XVII secolo sono Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Gvarino Guarini, Carlo Rainaldi. Il mondo intero conosce Piazza San Pietro a Roma - il progetto di L. Bernini, dove il colonnato crea una prospettiva artificiale e aumenta visivamente le dimensioni della cattedrale.
barocco francese
Le principali caratteristiche del barocco in Francia si manifestano maggiormente nella decorazione interna, mentre il classicismo domina nella decorazione della facciata.
Un esempio lampante di questo approccio è il Palazzo di Versailles, progettato da Louis Leveau e Jules Hardouin-Mansart. Il tema barocco nel disegno della facciata è indicato solo dalle sculture, che contrastano con la geometria diretta dell'edificio dalle forme espressive.
La lussuosa decorazione barocca prevale negli interni del palazzo, in particolare nelle sale della Guerra e della Pace, la Galleria degli Specchi.
Gli architetti francesi combinano barocco e classicismo nella progettazione di palazzi cittadini e residenze di campagna. La fantasia artistica lascia il posto al ruolo di primo piano della severità delle forme. I principali architetti del periodo sono Jacques Lemercier, Francois Mansart, Louis Leveau.
L'architettura del castello passa dalle tradizionali fortezze quadrangolari a complessi di corpo centrale e ali laterali, con strade di accesso e giardini coltivati. I volumi si semplificano, il numero di stucchi sulla facciata si riduce, le dimensioni si fanno più modeste: questi sono esempi di barocco nella progettazione dei castelli di Vaud, Montmorency, Chanet, Maison-Lafitte.
Architettura di Spagna, Portogallo e America Latina
La direzione barocca si manifestò più chiaramente nelle opere dei fratelli spagnoli Churriguera (17-18 secolo), la loro opera prese persino il nome: churrigueresco.
Facciate e interni abbondano di sontuose decorazioni e sono saturi di dettagli: frontoni spezzati, cornici ondulate, riccioli, ghirlande, balaustre. L'edificio più famoso di questo stile barocco è la Cattedrale di San Giacomo a Santiago de Compostela.
Un'altra parte dell'architettura spagnola si sviluppò sotto l'influenza delle tradizioni italiane e francesi. Un tipico esempio è il Palazzo Reale di Madrid, costruito a somiglianza di Versailles da architetti italiani: Filippo Yuvarra, Giovanni Sacchetti, Francesco Sabatini. Le facciate classicamente austere si combinano qui con la magnifica decorazione interna barocca.
I palazzi barocchi portoghesi fanno parte del patrimonio culturale mondiale:
- La facciata del Palazzo Rayo (progettata da Andre Soares) è riccamente decorata con stucchi, grazie alla varietà delle forme si crea un effetto dinamico.
- Il più grande palazzo reale del paese, Mafra, combina una basilica, una grandiosa biblioteca e un monastero francescano.
- Il Palazzo Mateus (progettato dall'italiano Nicolau Nasoni) ha lo status di Monumento Nazionale del Portogallo, intorno è disposto un parco con sculture in marmo.
Dopo essersi diffuso nel Nuovo Mondo, lo stile barocco ha conquistato sostenitori dall'Argentina al Messico. Tipici esempi sono le cattedrali di Taxco e Città del Messico, sovraccariche di decorazioni, con torri angolari esagerate.
barocco russo
Nell'impero russo, lo stile architettonico si è sviluppato in modo speciale. Prendendo come base le tradizioni dell'architettura russa, si arricchì dei canoni dell'Europa occidentale durante il periodo di Pietro il Grande. Il punto più alto arrivò a metà del XVIII secolo, quando l'Occidente stava già abbandonando lo sfarzo a favore della severità del classicismo.
Caratteristiche dello stile barocco in Russia:
- I piani architettonici e le composizioni tridimensionali sono caratterizzati dalla semplicità e da una struttura più chiara.
- Il materiale principale per la decorazione della facciata è l'intonaco con dettagli in gesso e non la pietra, come in Occidente. Pertanto, vi è una maggiore enfasi sulla modellazione ornamentale e sulle combinazioni di colori.
- Gli edifici del barocco russo sono realizzati con colori vivaci e contrastanti (blu, bianco, giallo, rosso, blu), ricoperti di dorature, i tetti complessi sono realizzati in banda stagnata. Il complesso crea un carattere festoso e importante.
Nello sviluppo dell'architettura domestica, è consuetudine distinguere diverse fasi storiche.
Barocco moscovita, fine XVII secolo
Ciò include le destinazioni che prendono il nome dagli utenti.
Tratti caratteristici dello stile barocco Naryshkin: simmetria, stratificazione, centralità, dettagli bianchi su sfondo rosso. Combina la tecnica dell'antica costruzione russa in legno e pietra con il gotico, il manierismo e il rinascimento europei. La famosa chiesa a più livelli dell'intercessione della Santissima Theotokos a Fili è stata progettata in questa forma.
La direzione di Golitsyn utilizza solo decorazioni barocche nella decorazione d'interni. Il patrimonio architettonico è la Chiesa del Segno della Beata Vergine Maria a Dubrovitsy.
Gli edifici di Stroganov hanno una sagoma a cinque cupole (tradizionale per una chiesa russa). L'arredamento barocco qui è estremamente ricco e dettagliato. Un esempio è la chiesa di Smolensk a Nizhny Novgorod.
Il barocco di Pietro a cavallo tra XVII e XVIII secolo
Sotto Pietro il Grande, architetti stranieri lavorarono in Russia, trasferendo l'esperienza europea agli artigiani nazionali. Il tedesco Andreas Schlüter crea la Grotta nel Giardino d'Estate di San Pietroburgo. Johann Gottfried Schedel, anche lui tedesco, ha supervisionato la costruzione del Palazzo Menshikov sull'isola Vasilyevsky, a Oranienbaum, Strelna, Kronstadt. C'è una solennità barocca nei progetti, ma le pareti sono piatte, senza illusioni contorte.
Il primo architetto russo a ricevere un'istruzione formale fu Mikhail Grigoryevich Zemtsov. Lavorando in stile barocco russo, ha progettato e costruito il Palazzo Anichkov, le residenze estive, i padiglioni del parco a San Pietroburgo, il palazzo a Revel e ha partecipato alla costruzione del campanile nel complesso della Fortezza di Pietro e Paolo.
Architettura barocca della metà del XVIII secolo
Nell'era del regno dell'imperatrice Elisabetta (1740-1750), inizia un periodo di barocco maturo, chiamato elisabettiano. In questo momento creano B.F. Rastrelli, D. Ukhtomsky, S. Chevakinsky.
La costruzione di complessi monumentali è chiamata a rafforzare il prestigio delle autorità imperiali e nobiliari: palazzi, cattedrali, monasteri, residenze di campagna. Gli appartamenti del palazzo sono progettati secondo il principio dell'infilata, le sale interne sono decorate con intagli dorati, modanature in stucco, specchi e parquet tipografico. La situazione è esclusivamente cerimoniale.
Lo stile barocco che raggiunse il suo apogeo in Russia in quel periodo è associato all'opera di Bartolomeo Francesco Rastrelli. La sua paternità appartiene al Palazzo di Caterina Tsarskoye Selo, al Monastero Smolny, ai Palazzi Stroganov, Vorontsov e d'Inverno.
Lo stile architettonico del barocco non durò a lungo nello stato russo. Alla fine del XVIII secolo, il lusso e l'eccesso furono sostituiti dalla bellezza razionale del classicismo. Ma gli insiemi del palazzo creati durante questo periodo stupiscono ancora per la portata dell'idea e lo splendore della decorazione. L'architettura di Peterhof, Tsarskoye Selo e San Pietroburgo è una fonte di ispirazione per il barocco moderno, realizzato in dimore private di campagna. Le forme complesse e la straordinaria decoratività sono ancora apprezzate qui.
barocco moderno
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А_5А_CLASSICISMO
Classicismo , uno stile artistico nell'arte europea dei primi secoli XVII-XIX, una delle caratteristiche più importanti del quale era un appello alle forme dell'arte antica. Il classicismo, che si sviluppò in un'interazione acutamente polemica con il barocco, in un sistema stilistico integrale formata nella cultura artistica francese del XVII secolo. I principi della filosofia alla base del classicismo hanno portato a una visione dell'opera d'arte come frutto della ragione e della logica, trionfante sul caos e sulla fluidità della vita. Inizio ragionevole (subordinazione del personale al comune, passioni - alla ragione, al dovere, alle leggi dell'universo), esigenze estetiche del classicismo.
Nell'architettura del classicismo, che si distingue per l'impianto logico e la chiarezza della forma tridimensionale, l'ordine gioca il ruolo principale, ombreggiando sottilmente e sobriamente la struttura generale dell'edificio (Francois Mansart, Perrault, Levo).
Dalla seconda metà del XVII secolo, il classicismo francese assorbe la portata spaziale dell'architettura barocca (Hardouin-Mansart Jules e Le Nôtre Andre, opera di architetti a Versailles). Nel XVII e all'inizio del XVIII secolo, il classicismo si formò nell'architettura dell'Olanda, in Inghilterra, dove fu combinato organicamente con il palladianesimo.
Nella pittura elementi principali del classicismo della modellazione della forma in acciaio linea e chiaroscuro, colore locale rivela chiaramente la plasticità di figure e oggetti, separa i piani del quadro; contenuto filosofico ed etico, l'armonia complessiva dell'opera Poussin Nicolas, il fondatore del classicismo e il più grande maestro del classicismo del XVII secolo; "paesaggi ideali" (pittore Lorrain Claude).
Il classicismo del XVIII - inizio XIX secolo (nella storia dell'arte straniera - neoclassicismo), che divenne uno stile paneuropeo, si formò principalmente nella cultura francese, sotto la forte influenza delle idee dell'Illuminismo. In architettura, furono determinati nuovi tipi di un palazzo squisito, un edificio pubblico frontale, una piazza cittadina aperta, la ricerca di nuove forme di architettura disordinate, il desiderio di semplicità anticiparono l'architettura della fase tarda del classicismo: l'Impero.
Il coraggioso dramma delle immagini storiche e dei ritratti è insito nelle opere del capo del classicismo francese, il pittore Jacques Louis David.
Nel XIX secolo, la pittura del classicismo, nonostante l'attività di singoli grandi maestri, come Jean Auguste Dominique Ingres, degenera in un'arte da salotto ufficiale apologetica o pretenziosamente erotica.
Roma divenne il centro internazionale del classicismo europeo tra il XVIII e l'inizio del XIX secolo, dove le tradizioni dell'accademismo con la loro caratteristica combinazione di nobiltà delle forme e fredda idealizzazione.
Entro la fine del primo terzo del XIX secolo, il ruolo di primo piano del classicismo stava quasi universalmente svanendo, veniva sostituito da varie forme di eclettismo architettonico. La tradizione artistica del classicismo prende vita nel neoclassicismo della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo.
7A_ROCOCO
Rococò (rocaille - un motivo decorativo a forma di conchiglia), una tendenza stilistica nell'arte europea Prima metà del XVIII secolo. Il rococò è caratterizzato da stati d'animo edonistici (il piacere è la virtù principale, il bene supremo e lo scopo della vita), il mondo di un gioco teatrale illusorio e idilliaco, una dipendenza da una trama idilliaco-pastorale e sensuale-erotica. Originario della Francia, rococò nel campo dell'architettura ha influito sul carattere dell'arredamento, che ha acquisito forme eleganti, sofisticate e sofisticate, il rococò ha spesso agito come variante del tardo barocco.
La natura decorativa aveva una pittura ricca di sottili sfumature di colore e allo stesso tempo sbiadita nel colore (Francois Boucher, Jean Honoré Fragonard). Pittura rococò, strettamente associata all'interno, in forme decorative e da camera da cavalletto. Paesaggi, temi mitologici e moderni, la vita intima dell'aristocrazia, il genere pastorale (scene di pastori), un ritratto idealizzato raffigurante un modello a immagine di un eroe mitologico prevalgono nei dipinti di plafoniere, pareti, pannelli e arazzi. La figura si è trasformata in un dettaglio della decorazione ornamentale dell'interno.
Gli artisti sono caratterizzati da una sottile cultura del colore, dalla capacità di costruire una composizione con punti decorativi continui, dal raggiungimento della leggerezza (sottolineata da una tavolozza leggera, preferenza per le tonalità sbiadite, argenteo-bluastre, dorate e rosa).
Uno dei fondatori dello stile rococò fu Antoine Watteau. L'emotività e il sogno malinconico conferiscono raffinatezza ai personaggi dei dipinti di Watteau.
Francois Boucher, un maestro nell'intrattenere storie d'amore, un eccellente colorista e disegnatore, divenne il più grande maestro.
L'ultimo grande pittore del rococò fu Jean Honoré Fragonard, un sottile ritrattista e paesaggista, come Watteau, che non si adattava alla cornice di un mero stile alla moda.
La scultura rococò in Francia è meno significativa e originale della pittura. Nel rococò del XVIII secolo erano ampiamente utilizzati busti ritratto e piccoli gruppi scultorei o statue di bagnanti, ninfe, amorini, che venivano collocati nel parco, pergolati, saloni e bagni ne erano decorati. La scultura rococò era dominata da quelle progettate per decorare gli interni.
A_REALISMO
Il realismo (materiale, efficace) è un riflesso della realtà con mezzi specifici inerenti all'uno o all'altro tipo di creatività artistica. Una caratteristica essenziale del realismo è la conoscibilità degli aspetti essenziali del mondo reale per mezzo dell'arte. Il realismo è un fenomeno artistico sorto non prima del XVII secolo. Il realismo della pittura olandese del XVII secolo (in particolare l'opera di Rembrandt e Hals) e dello spagnolo D. Velasquez, il realismo illuminista del XVIII secolo (Chardin, Houdon in Francia, Hogarth nel Regno Unito), il realismo democraticamente orientato del XIX secolo, che si è manifestato nel paesaggio (Constable, Corot), nel genere (Courbet e Millet, ecc.), nella pittura storica e ritrattistica, nella grafica e nella scultura.
I fratelli Lenin. I fratelli Le Nain - Antois (1588-1648), Louis (1598-1648) e Mathieu (1607-1677) ebbero un ruolo importante nello sviluppo dell'arte realistica nella prima metà del XVII secolo. Tutti e tre i fratelli sono nati nella città di Lape, nella famiglia di un piccolo funzionario. Alla fine del 1620 si trasferirono a Parigi, dove lavorarono nella stessa bottega, spesso eseguendo numerosi ordini insieme.
I fratelli Lenin dipinsero su una varietà di soggetti, ma il tema del genere acquisì un'importanza fondamentale.
Il fratello maggiore - Antoine Lenin - dipinse principalmente ritratti di gruppo di piccole dimensioni o scene di genere della vita dei contadini. È inferiore ai suoi fratelli minori nelle capacità professionali, ma la sua arte affascina per la sua semplicità e immediatezza.
Il fratello di mezzo - Louis Le Nain - è tra i più grandi artisti francesi del XVII secolo. I fratelli Lenin devono a lui la loro fama. Nell'opera di Louis Lenain, le scene di genere della vita dei contadini giocano un ruolo di primo piano. È considerato il creatore del genere contadino nell'arte francese. Nessuno dei contemporanei di Louis Lenain ha raffigurato i contadini in modo così veritiero e accurato. L'arte di Louis Le Nain si basa sulla conoscenza della vita contadina, che trasmette con simpatia e rispetto. Senza abbellire l'aspetto e la vita dei contadini, l'artista ne sottolinea la dignità. L'affermazione del valore morale e artistico dell'uomo comune è il contributo più importante di Louis Le Nain alla cultura artistica della Francia.
L'opera di Louis Le Nain è la più alta conquista del realismo francese nella prima metà del XVII secolo. Il fratello minore - Mathieu Le Nain - partendo dai dipinti di genere della vita contadina, diventa in seguito uno scrittore della società secolare e uno dei ritrattisti più apprezzati della metà del secolo.
B_15A_BAROQUE
Barocco (pittoresco, strano), uno degli stili dominanti nell'architettura e nell'arte dell'Europa e dell'America Latina tra la fine del XVI e la metà del XVIII secolo. Il barocco incarnava nuove idee sull'unità, l'infinito e la diversità del mondo, sulla sua drammatica complessità e l'eterna variabilità. L'arte barocca è caratterizzata grandezza, splendore e dinamica, intensità dei sentimenti, combinazione di illusorio e reale , forti contrasti di scala e ritmi, materiali e trame, luci e ombre. Complessi barocchi urbani, palazzi e chiese, grazie alla bizzarra plasticità delle facciate, al gioco irrequieto del chiaroscuro, ai complessi piani e contorni curvilinei, acquisiti pittoricità e dinamismo, si riversarono nello spazio circostante; gli interni degli edifici erano decorati con sculture multicolori, modanature, intagli, specchi e murales che ampliavano illusoriamente lo spazio e la pittura del soffitto creava l'effetto di volte spalancate.
Nelle belle arti, l'idealizzazione delle immagini si unisce a inaspettati effetti compositivi e ottici, la realtà si unisce alla fantasia. Nella pittura ha acquisito grande importanza l'unità emotiva, ritmica e coloristica dell'insieme, la libertà della pennellata, nella scultura la fluidità pittorica della forma, il senso della variabilità dell'immagine. Nella culla del barocco, in Italia, questo stile è stato incarnato in modo più vivido nelle opere dell'architetto e scultore Lorenzo Bernini, dell'architetto Francesco Borromini, del pittore Pietro da Cortona. Nelle Fiandre, nella pittura di Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens ..., in Olanda - Rembrandt, Jan Vermeer, Frans Hals, Ruisdael. L'emotività e l'espressione del barocco si sono fuse con un potente inizio di affermazione della vita. In Spagna nel XVII secolo, alcune caratteristiche barocche apparvero nella pittura di Diego Velazquez, Ribera e Francisco Zurbaran. Nella prima metà del XVIII secolo, il barocco si è evoluto in rococò, convissuto e intrecciato con esso, e dal 1770 è stato ovunque sostituito dal classicismo.
barocco francese
Il lussureggiante barocco è stato progettato per glorificare il potere assoluto del monarca ed esaltare la chiesa. Ha avuto origine alla fine del XVI secolo in Italia, per poi diffondersi in tutto il mondo.
La seconda metà del XVII secolo è chiamata "stile Luigi XIV" - questo è il "grande stile" più magnifico, rappresentativo, barocco alla francese, più ordinato, accademico, non tanto ecclesiastico quanto secolare; barocco in sintesi con il classicismo.
Un brillante esempio di complesso barocco è il Palazzo di Versailles. Il barocco francese è il più elegante. Le sue forme non sono solo magnifiche, ma lussuose, maestose, originali.
A_IMPRESSIONISMO
Impressionismo(impressione), una direzione nell'arte tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, i cui maestri, fissando le loro impressioni fugaci, cercavano di catturare in modo più naturale e imparziale il mondo reale nella sua mobilità e variabilità. L'impressionismo ebbe origine nella pittura francese alla fine degli anni '60 dell'Ottocento:
E. Manet (che non apparteneva formalmente al gruppo degli impressionisti), O. Renoir, E. Degas apportarono freschezza e immediatezza alla percezione della vita nell'arte, rivolta all'immagine di situazioni istantanee strappate alla realtà, alla vita spirituale di una persona, immagine di forti passioni, interesse per il passato nazionale con "ironia romantica", che ha permesso ai romantici di confrontare e equiparare audacemente l'alto e il basso, il tragico e il comico, il reale e il fantastico. Hanno usato costruzioni compositive frammentarie, a prima vista, sbilanciate, angoli inaspettati, punti di vista, tagli di figure.
Negli anni 1870-1880 si formò il paesaggio dell'impressionismo francese: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley svilupparono un coerente sistema plein air, crearono una sensazione di luce solare, la ricchezza dei colori della natura, la dissoluzione delle forme in la vibrazione della luce e dell'aria. Il nome della direzione deriva dal nome del dipinto di C. Monet "Impression. Rising Sun". La scomposizione di colori complessi in componenti puri, che si sovrapponevano alla tela con tratti separati, ombre colorate, riflessi, ha dato origine a una pittura leggera e tremolante dell'impressionismo.
L'impressionismo nelle arti visive ha influenzato lo sviluppo dei mezzi espressivi della letteratura contemporanea, della musica e del teatro. Nella cultura artistica della Francia sorsero le correnti del neoimpressionismo e del postimpressionismo.
neoimpressionismo- una tendenza nella pittura nata in Francia intorno al 1885, quando i suoi principali maestri, J. Seurat e P. Signac, svilupparono una nuova tecnica pittorica del divisionismo. Il desiderio di applicare all'arte le scoperte moderne nel campo dell'ottica.
Per periodo post impressionismo caratteristica è l'interazione attiva di direzioni separate e sistemi creativi individuali. Il post-impressionismo di solito è classificato come opera di maestri neo-impressionisti, il gruppo Nabis, così come V. van Gogh, P. Cezanne, P. Gauguin.
impressionismo francese non ha sollevato questioni filosofiche. Invece, l'impressionismo si concentra sulla superficialità, la fluidità del momento, l'umore, l'illuminazione o l'angolo di vista.
L'impressionismo si basa sulle caratteristiche e sulle capacità di percepire la prospettiva. Per l'impressionismo non è così importante ciò che viene mostrato nella figura, ma è importante come viene mostrato.
I dipinti rappresentavano solo gli aspetti positivi della vita, senza intaccare i problemi sociali, tra cui la fame, la malattia, la morte. Ciò in seguito portò a una divisione tra gli stessi impressionisti.
Barocco (Barocco italiano - "bizzarro", "strano", "incline agli eccessi", port. perola barroca - "perla di forma irregolare" - una caratteristica della cultura europea dei secoli XVII-XVIII.
Epoca barocca
L'era barocca dà origine a un'enorme quantità di tempo per l'intrattenimento: invece dei pellegrinaggi - la passeggiata (passeggiate nel parco); invece di tornei di giostre - "giostre" (girate a cavallo) e giochi di carte; invece dei misteri: teatro e ballo in maschera. Puoi aggiungere l'aspetto di altalene e "divertimento infuocato" (fuochi d'artificio). Negli interni, ritratti e paesaggi hanno preso il posto delle icone e la musica si è trasformata da spirituale in un piacevole gioco di suoni.
Caratteristiche barocche
Il barocco è caratterizzato da contrasto, tensione, immagini dinamiche, affettazione, tensione alla grandezza e allo sfarzo, alla combinazione di realtà e illusione, alla fusione delle arti (ensemble urbani e di palazzo e parco, opera, musica di culto, oratorio); allo stesso tempo - una tendenza all'autonomia dei singoli generi (concerto grosso, sonata, suite in musica strumentale).
uomo barocco
L'uomo barocco rifiuta la naturalezza, che si identifica con la ferocia, l'arroganza, la tirannia, la bestialità e l'ignoranza. La donna barocca ama il pallore della sua pelle, indossa un'acconciatura innaturale e frangiata, un corsetto e una gonna allungata artificialmente su una cornice di stecche di balena. Lei è in tacchi.
E l'ideale di un uomo nell'era barocca diventa un gentiluomo, un gentiluomo - dall'inglese. gentile: "morbido", "gentile", "calmo". Preferisce radersi i baffi e la barba, indossare profumi e indossare parrucche incipriate. Perché forzare, se ora uccidono premendo il grilletto di un moschetto.
Galileo per la prima volta dirige un telescopio verso le stelle e dimostra la rotazione della Terra attorno al Sole (1611), e Leeuwenhoek scopre minuscoli organismi viventi al microscopio (1675). Enormi barche a vela solcano le distese degli oceani del mondo, cancellando macchie bianche sulle mappe geografiche del mondo. Viaggiatori e avventurieri diventano simboli letterari dell'epoca.
Barocco nella scultura
La scultura è parte integrante dello stile barocco. Il più grande scultore e architetto riconosciuto del XVII secolo era un italiano Lorenzo Bernini(1598-1680). Tra le sue sculture più famose ci sono le scene mitologiche del rapimento di Proserpina da parte del dio degli inferi Plutone e la miracolosa trasformazione in albero della ninfa Dafne inseguita dal dio della luce Apollo, oltre a un gruppo d'altare "L'estasi di Santa Teresa" in una delle chiese romane. L'ultimo di loro, con le sue nuvole scolpite nel marmo e gli abiti di personaggi che svolazzano al vento, con sentimenti teatralmente esagerati, esprime molto accuratamente le aspirazioni degli scultori di quest'epoca.
In Spagna, nell'era dello stile barocco, prevalevano le sculture in legno, per maggiore credibilità venivano realizzate con occhi di vetro e persino una lacrima di cristallo, spesso venivano indossati abiti veri sulla statua.
Barocco in architettura
Per l'architettura barocca ( L. Bernini, F. Borromini in Italia BF Rastrell e in Russia Jan Christoph Glaubitz nel Commonwealth) sono caratterizzati da portata spaziale, fusione, fluidità di forme complesse, solitamente curvilinee. Si trovano spesso colonnati di grandi dimensioni, abbondanza di sculture sulle facciate e negli interni, volute, un gran numero di rastrelli, facciate ad arco con un rastrello al centro, colonne bugnate e lesene. Le cupole acquisiscono forme complesse, spesso sono a più livelli, come nella cattedrale di San Pietro a Roma. Dettagli caratteristici del barocco: telamon (atlante), cariatide, mascherone.
Barocco all'interno
Lo stile barocco è caratterizzato da un lusso ostentato, sebbene conservi una caratteristica così importante dello stile classico come la simmetria.
La pittura murale (uno dei tipi di pittura monumentale) è stata utilizzata nella decorazione degli interni europei sin dai primi tempi del cristianesimo. In epoca barocca, era più ampiamente utilizzato. Gli interni utilizzavano molto colore e grandi dettagli riccamente decorati: un soffitto decorato con affreschi, pareti in marmo e parti dell'arredamento, dorature. I contrasti di colore erano caratteristici, ad esempio il pavimento in marmo, decorato con piastrelle a scacchiera. Abbondanti gioielli dorati erano una caratteristica di questo stile.
I mobili erano un'opera d'arte ed erano destinati quasi esclusivamente alla decorazione d'interni. Sedie, divani e poltrone erano rivestiti con tessuti costosi e riccamente colorati. Letti enormi con baldacchini e copriletti fluenti, armadi giganti erano diffusi. Gli specchi erano decorati con sculture e stucchi con motivi floreali. Il noce del sud e l'ebano di Ceylon erano spesso usati come materiale per mobili.
Lo stile barocco non è adatto a piccoli spazi, poiché mobili e decorazioni massicci occupano molto spazio.
moda barocca
La moda dell'era barocca corrisponde in Francia al periodo del regno di Luigi XIV, la seconda metà del XVII secolo. Questa è l'era dell'assolutismo. A corte regnavano un'etichetta rigorosa e un cerimoniale complesso. L'abito era soggetto all'etichetta. La Francia era un trendsetter in Europa, quindi altri paesi adottarono rapidamente la moda francese. Questo è stato il secolo in cui in Europa si è affermata una moda generale e le caratteristiche nazionali sono passate in secondo piano o sono state conservate nel costume contadino popolare. Prima di Pietro I, i costumi europei venivano indossati anche in Russia da alcuni aristocratici, anche se non ovunque.
Il costume era caratterizzato da rigidità, splendore, abbondanza di gioielli. L'ideale di un uomo era Luigi XIV, il "re sole", abile cavaliere, ballerino, tiratore. Era basso, quindi portava i tacchi alti.
Barocco in pittura
Lo stile barocco in pittura è caratterizzato dal dinamismo delle composizioni, dalla "piattezza" e fasto delle forme, dall'aristocrazia e dall'originalità dei soggetti. Le caratteristiche più caratteristiche del barocco sono l'appariscente sfarzo e il dinamismo; un ottimo esempio è la creatività Rubens E Caravaggio.
Michelangelo Merisi (1571-1610), soprannominato per la sua città natale vicino a Milano Caravaggio, è considerato il maestro più significativo tra gli artisti italiani che hanno creato alla fine del XVI secolo. nuovo stile nella pittura. I suoi dipinti, dipinti su soggetti religiosi, ricordano scene realistiche della vita contemporanea dell'autore, creando un contrasto tra tarda antichità e tempi moderni. Gli eroi sono raffigurati al crepuscolo, da cui i raggi di luce strappano i gesti espressivi dei personaggi, scrivendone in modo contrastante la specificità. Seguaci ed imitatori di Caravaggio, i quali dapprima furono chiamati caravaggisti, e la corrente stessa fu detta caravaggismo, come Annibale Carracci(1560-1609) o Guido Reni(1575-1642), adottò il tripudio di sentimenti e il modo caratteristico di Caravaggio, nonché il suo naturalismo nella rappresentazione di persone ed eventi.
IN la seconda metà del XVII secolo è chiamata lo "stile di Luigi XIV" - questo è il "grande stile" più magnifico, rappresentativo, barocco alla francese, più ordinato, accademico, non tanto ecclesiastico quanto secolare; barocco in sintesi con il classicismo.
Nel XVII secolo, la Corte di Versailles tuonava, era lo standard del lusso e del gusto in Europa. Qui si tenevano feste e balli di inaudito splendore. Da quel momento, la lingua francese, le mode e i costumi francesi iniziarono a diventare oggetto di imitazione in tutte le capitali europee.
Entro la fine del XVII secolo, anche la pittura di corte francese ei suoi rappresentanti ottennero riconoscimenti in molti paesi europei. Lo stile che hanno creato è diventato di moda presso le corti dei monarchi europei. Ma quando il "grande stile" francese è entrato nell'arena europea, il periodo di massimo splendore dell'assolutismo che lo ha generato era già alle spalle.
Alla fine del 1680 scoppiò una crisi finanziaria nel paese. Città sfinite dalle tasse, agricoltura in completo declino, un tesoro statale vuoto: tale era lo stato della monarchia fino a poco tempo fa più brillante d'Europa alla fine del secolo. Secondo testimoni oculari, la Francia a quel tempo somigliava a un ospedale, sovraffollato di malati e morenti di fame. In un tale ambiente crollarono gli ideali arroganti del regno che se ne andava in passato. Sempre meno spesso ricordavano l'antica onnipotenza del decrepito monarca, le passate vittorie e l'antica potenza della Francia.
Nel 1715, dopo più di mezzo secolo di regno, muore Luigi XIV. Filippo d'Orleans fu nominato reggente per l'erede al trono di cinque anni. Il processo di decomposizione della monarchia francese continuò rapidamente sotto il nuovo sovrano, con la sola differenza che l'atmosfera di deprimente costrizione della corte di Versailles fu sostituita da baldoria, orge e un completo declino della morale alla corte parigina del reggente.
Se Luigi XIV diceva: "Lo stato sono io", allora Luigi XV possiede una massima non meno espressiva: "Dopo di noi - anche un'alluvione". Già un confronto di questi slogan mostra in quale direzione è cambiato il colore del tempo. La morale divenne francamente lassista, i gusti - stravaganti, le forme - leggere e capricciose.
Questo ambiente era una fucina dello stile rococò. Ma l'ambiente di corte non ha formato da solo questo stile: ha raccolto e adattato ai suoi gusti ciò che veniva indossato nell'aria serale dell'Europa nel XVIII secolo. Il mondo europeo stava vivendo le sue ultime illusioni patriarcali di classe e il rococò suonava come un'elegia d'addio.
Rispetto al barocco, il rococò ha portato con sé molto più che semplice carineria e stravaganza. Si è liberato dalla retorica ampollosa e ha in parte riabilitato i sentimenti naturali, seppure in un costume da balletto e da mascherata.
Era nello spirito dei tempi. Ora, non a Versailles, ma nelle dimore della capitale di aristocratici e grandi borghesi, danno il tono alla vita sociale, alla letteratura e all'arte. Gli abitanti di questi palazzi erano ancora ammirati, ma erano già poco toccati e interessati al magnifico splendore delle opere del "grande stile" piene di grandezza teatrale e passioni artificiose.
L'unico artista a quel tempo destinato a elevarsi al di sopra del linguaggio figurativo della sua epoca e a far rivivere la pittura francese negli anni della stagnazione era Antonio Watteau (1584-1721).
Intorno al 1702, nella bottega di un pittore incompetente e grossista di quadri destinati a gusti poco esigenti, compare un giovane diciassettenne timido e riservato. Per pochi centesimi, una cuccetta in soffitta e una scodella di minestra, lui, insieme ad altri studenti poveri quanto lui, scriveva tutto il giorno copie a buon mercato. Nel tempo libero dal lavoro, usciva per le strade della città e lì dipingeva instancabilmente dalla natura.
Nel 1703, già a Parigi, Watteau si trasferì dal suo primo insegnante metropolitano, Claude Gillot. Gillo dipinse bozzetti per scenografie teatrali. E qui i gusti dell'insegnante e dello studente, ovviamente, coincidevano. Le impressioni del teatro fieristico Watteau conserveranno per molti anni e costituiranno la base di molte delle opere dell'artista. Nel 1707 Watteau si trasferì presso un nuovo insegnante, Claude Audran, pittore di alta cultura professionale e fine gusto artistico, dove iniziò il vero studio di Watteau.
A causa del fatto che Audran era il custode della parte delle più ricche collezioni reali raccolte nel Palazzo del Lussemburgo, il giovane Watteau aveva accesso ai tesori della collezione. Watteau trascorse molto tempo nelle sale del palazzo, studiando e copiando diligentemente le opere di pittori eccezionali di molte scuole europee.
A Watteau non importava mai se il suo lavoro sarebbe stato acquistato. Apprezzava soprattutto la sua indipendenza creativa e disprezzava il denaro. Come ha notato uno dei contemporanei dell'artista, "scriveva sempre ciò che gli piaceva e non gli piacevano le trame personalizzate".
Non tutte le opere create dall'artista ci sono note. Ma basta nominare circa trecento dipinti e una miriade di disegni recentemente attribuiti a Watteau per immaginare l'inevitabile energia creativa, la straordinaria capacità lavorativa e la produttività del maestro che ebbe una vita così breve (Watto era malato di tubercolosi) .
Colpisce la novità, l'originalità, l'ampia gamma di soluzioni figurative, emotive e pittoriche, l'ampia varietà di soggetti. Watteau può essere considerato il fondatore del rococò nella pittura, e il suo lavoro mostra soprattutto che tipo di scoperte umane nascondeva in sé quest'arte "falena".
È difficile immaginare un artista più affascinante nella sua genuina grazia di Watteau. Si tratta innanzitutto di capolavori di una pittura raffinata, un vero piacere per gli occhi, ma che ama le sfumature e gli accostamenti delicati, morbidi. Watteau ha scritto con i più piccoli tratti di perline, ha tessuto una rete magica con tinte dorate, argentee e cineree.
Un capolavoro riconosciuto del maestro - "Gilles" (Parigi, Louvre) è noto per la speciale raffinatezza del trasferimento degli stati d'animo più intimi. Su una grande tela insolita per Watteau (quasi due metri di altezza), è dipinto in piena crescita un personaggio popolare della commedia delle maschere all'italiana, l'ingenuo, credulone perdente Gilles. Vestito con una ridicola veste bianca, si bloccò in una posa smarrita e volitiva, guardando lo spettatore con uno sguardo triste e interrogativo. Gilles a Watteau è indifeso e infinitamente solo. Accanto a lui ci sono i suoi colleghi attori, ma a loro non importa del loro amico.
Le pagine della biografia di Watteau a noi note ci permettono di pensare che Watteau, come il suo eroe, si sentisse solo ea disagio nel vano spettacolo della vita a lui estraneo. L'immagine di Gilles non ha analogie nella pittura del Settecento. Non aveva eguali a quel tempo, non solo nella complessità dello stato emotivo dell'immagine, ma anche in una soluzione pittorica estremamente straordinaria. I tratti più piccoli e traslucidi di colore dorato, lilla e grigio-rosa coprono la felpa bianca di Gilles, fondendosi, creano un tono bianco perla originale inerente solo alla tavolozza di Watteau e conferiscono al colore bianco un'insolita espressività pittoresca per lui. Sembra che gli abiti di Gilles emettano una luce morbida e vibrante che gioca con tanti riflessi.
Il genere preferito di Watteau nei suoi anni maturi erano le cosiddette "feste galanti". Galanti signore, signori e coppie innamorate rappresentate in questo genere trascorrono del tempo in lussuosi parchi decorati con fontane e statue, si godono la natura, intrattengono conversazioni tranquille e sincere, suonano musica, ballano o cantano al suono di chitarre e mandolini. Anche Watteau, come nel caso dei soggetti teatrali, non è originale nella scelta del genere. L'immagine di dame e gentiluomini laici che si divertono si ritrovava all'inizio del secolo nei dipinti di altri artisti e nelle incisioni di "mode e costumi" allora in voga. Ma quello che scriveva Watteau era decisamente diverso dalle sconsiderate trame dei suoi contemporanei. Ne siamo convinti da una delle composizioni galanti più famose del maestro: "Pellegrinaggio all'isola di Citera" (Parigi, Louvre).
Nel 1717 il dipinto fu presentato da Watteau all'Accademia. Scritto sulla trama scelta dall'artista stesso, non rientrava in nessuno dei generi riconosciuti dall'Accademia. Gli alti meriti dell'opera, innegabili anche per gli accademici, hanno costretto la giuria a rompere la tradizione e invece del titolo di "artista del genere storico", che veniva assegnato a tutti i pittori all'atto dell'adesione all'Accademia, a conferire a Watteau il titolo di "maestro di feste galanti". A trentatré anni Watteau divenne l'artista più famoso di Parigi.
I personaggi di Watteau vengono catturati nel momento in cui stanno per salpare verso il regno di Venere, verso un'isola incantata dove regna l'amore eterno e senza nubi. Con un ritmo morbido e lento, come in un sogno, le coppie innamorate scendono verso la barca dorata che li aspetta sulla riva. Non un solo movimento che esprima apertamente sentimenti, non un solo punto luminoso di colore viola la tela emotiva dell'immagine sostenuta nei mezzitoni e pittoresca nei mezzitoni. Sfumature di umore appena percettibili, pensieroso sogno e misteriosa malinconia, di cui Watteau ha dotato i pellegrini d'amore, portano al quadro note di elegiaca tristezza. Il paesaggio è dipinto nella stessa tonalità sognante-elegiaca: distanze avvolte da una luce instabile, alberi immobili con riflessi del sole sul fogliame traforato, superficie dell'acqua calma.
In una forma figurativa matura e completa, si manifesta il perfetto gusto artistico di Watteau, la sua eccezionale capacità di dare al colore la più sottile colorazione emotiva. Quest'ultima fu un'importante scoperta che aggiornò il linguaggio della pittura francese.
Il tema delle "feste galanti" si rifletteva in molte delle opere di Watteau. Più spesso di altri, "Society in the Park" e "Festival of Love" della Dresden Art Gallery, "Landscape with a Waterfall" dell'Hermitage e "An Embarrassing Proposal", "The Champs Elysees" della collezione Wallace London vengono a mente. Insieme all'artista, tornando ancora e ancora in uno speciale mondo di sogni poetici creato in queste opere, non si può fare a meno di sentire che questo mondo sta diventando ogni volta sempre più triste e malinconico.