Il realismo come tendenza indipendente si è affermato negli anni '40 dell'Ottocento, passando poi alla forma del realismo critico (il punto più alto del realismo è la denuncia dei vizi della società). Lo sviluppo del realismo fu accompagnato dallo sviluppo del modo di produzione capitalistico e, di conseguenza, dalla crescita delle contraddizioni sociali, che si rifletteva nell'arte di quel tempo.
Il realismo nell'arte del XIX secolo. si unisce al romanticismo
Delusione nei risultati delle rivoluzioni
Atteggiamento negativo nei confronti della realtà borghese
Appello al mondo spirituale dell'uomo
La lotta per l'autoaffermazione della personalità
Il tema della nazionalità è vicino
Tuttavia, a differenza dei romantici, che fuggono dalla realtà, considerando situazioni di emergenza, personalità straordinarie, situazioni eroiche, vita burrascosa di passioni, il realismo penetra profondamente nella realtà, nella vita sociale.
Nuovi approcci di artisti realisti del XIX secolo. nel riflettere ciò che sta realmente accadendo "qui e ora". Gli artisti erano convinti della possibilità di conoscere il mondo oggettivamente esistente attraverso l'arte. Si sono rivolti alle scene della vita borghese, hanno illuminato la vita dei contadini, la vita lavorativa delle classi inferiori urbane.
Uno dei primi realisti della pittura francese fu Gustavo Courbet, che ha affrontato il tema del lavoro ("Stone Crushers"), ha dipinto tele sociali basate su motivi reali ("Funeral in Ornan"). Il "prosaismo" di Courbet è una sfida aperta alla critica ufficiale.
Francesco Mille- un genere contadino, senza sfumature melodrammatiche ed etnografiche, ma attraverso la trasmissione di posture, gesti, movimenti del corpo, rivelava la natura del processo lavorativo, la forza e la destrezza dei contadini ("Contadine con sottobosco", "Raccoglitrici") - epiche tele monumentali, piene di vitalità e verità.
Honoré Daumier è un artista di realismo critico che, come O. Balzac, ha creato la "Commedia umana" dell'epoca in migliaia di litografie, disegni e dipinti - caricature del re Luigi Filippo nelle riviste satiriche "Caricature" e "Sharivari" ( "Down the Curtain" ), il suo genere principale è una satira della morale: il mondo filisteo di truffatori, sciocchi, provinciali nella capitale ("Giudici di giustizia"). "Lavandaia" non è un ritratto, ma un'immagine collettiva di tutte le lavandaie parigine; un ritratto in cui l'autore ha espresso tutto il suo amore per la gente. Una serie di illustrazioni per Don Chisciotte, dove nell'immagine del protagonista l'artista ha cercato di riflettere la propria posizione nella società, il tema della sofferenza umana. L'acutezza sociale delle sue storie fa da contrappeso alla censura proibita.
Paesaggio nazionale francese:
Jean Baptiste Camillo Corot- spiritualità poetica della natura; motivo preferito - "dopo la pioggia", ad es. mutevole stato di natura; la tonalità argentea della sua pittura è "la foschia grigia di Koro".
scuola di barbizon- l'obiettivo principale: l'immagine dell'originalità del paesaggio nazionale, il trasferimento dei mutevoli stati di natura, il rifiuto dei canoni compositivi. Teodoro Russo- "Paesaggio con ponte" - un paesaggio dalla natura, particolare attenzione alla forma, tutti gli alberi sono individuali, la modellazione pittoresca li rende voluminosi e quasi scultorei, la loro monumentalità è enfatizzata da un orizzonte basso.
Jules Dupré- "Paesaggio autunnale" - l'effetto del sole al tramonto enfatizza il contrasto dei colori del paesaggio autunnale dopo la pioggia, gli alberi che dominano la composizione sono particolarmente solenni.
Carlo Daubigny- paesaggi fluviali ("Rive del fiume Oise"), il desiderio di cogliere i minimi cambiamenti nello stato di natura, una sottile trasmissione pittorica della luce che avvolge gli oggetti.
La scuola d'arte francese a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo può essere definita la principale scuola europea, fu in Francia a quel tempo che nacquero stili artistici come il rococò, il romanticismo, il classicismo, il realismo, l'impressionismo e il post-impressionismo.
Rococò (Rococò francese, da rocaille - motivo decorativo a forma di conchiglia) - uno stile nell'arte europea della prima metà del XVIII secolo. Il rococò è caratterizzato dall'edonismo, dal ritiro nel mondo del gioco teatrale idilliaco, dalla passione per i soggetti pastorali e sensuali-erotici. La natura dell'arredamento rococò ha acquisito forme enfaticamente eleganti, sofisticate e sofisticate.Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard hanno lavorato in stile rococò.
Classicismo - uno stile nell'arte europea del XVII - inizio XIX secolo, il cui tratto caratteristico era il richiamo alle forme dell'arte antica, come standard estetico ed etico ideale.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David hanno lavorato nello stile del classicismo.
Romanticismo - lo stile dell'arte europea nei secoli XVIII-XIX, i cui tratti caratteristici erano l'affermazione del valore intrinseco della vita spirituale e creativa dell'individuo, l'immagine di passioni e caratteri forti e spesso ribelli.Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake hanno lavorato nello stile del romanticismo.
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Edward Manet. Colazione in officina. 1868 |
La nascita del realismo nella pittura è spesso associata al lavoro dell'artista francese Gustave Courbet, che aprì la sua mostra personale "Padiglione del realismo" a Parigi nel 1855, sebbene anche prima di lui gli artisti della scuola di Barbizon Theodore Rousseau, Jean- Francois Millet, Jules Breton ha lavorato in modo realistico. Negli anni '70 dell'Ottocento il realismo era diviso in due aree principali: naturalismo e impressionismo.
La pittura realistica si è diffusa in tutto il mondo. Nello stile del realismo di un acuto orientamento sociale nella Russia del XIX secolo, i Wanderers hanno lavorato.
Impressionismo (dall'impressione francese - impressione) - uno stile nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio XX secolo, il cui tratto caratteristico era il desiderio di catturare nel modo più naturale il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, per trasmettere le loro impressioni fugaci . L'impressionismo non ha sollevato questioni filosofiche, ma si è concentrato sulla fluidità del momento, dell'umore e dell'illuminazione. La vita stessa diventa i soggetti degli impressionisti, come una serie di piccole vacanze, feste, piacevoli picnic nella natura in un ambiente amichevole. Gli impressionisti furono tra i primi a dipingere en plein air, senza ultimare il loro lavoro in studio.Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley e altri hanno lavorato nello stile dell'impressionismo.
post impressionismo - uno stile artistico sorto alla fine del XIX secolo. I postimpressionisti cercavano di trasmettere liberamente e in generale la materialità del mondo, ricorrendo alla stilizzazione decorativa.Il post-impressionismo ha dato origine a tali aree dell'arte come l'espressionismo, il simbolismo e la modernità.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec hanno lavorato nello stile del post-impressionismo.
Consideriamo più in dettaglio l'impressionismo e il post-impressionismo sull'esempio del lavoro dei singoli maestri della Francia del XIX secolo.
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Edgar Degas. Auto ritratto. 1854-1855 |
Partendo da rigorosi dipinti e ritratti storici, negli anni '70 dell'Ottocento Degas si avvicinò ai rappresentanti dell'impressionismo e si rivolse all'immagine della vita urbana moderna: strade, caffè, spettacoli teatrali.
Nei dipinti di Degas, la composizione dinamica, spesso asimmetrica, il disegno accurato e flessibile, gli angoli inaspettati, l'interazione attiva tra figura e spazio sono attentamente studiati e verificati.
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E. Degas. Bagno. 1885 |
La tecnica pastello preferita ha permesso a Edgar Degas di mostrare in modo più completo il suo talento di disegnatore. Toni saturi e tocchi "scintillanti" di pastelli hanno aiutato l'artista a creare quella speciale atmosfera colorata, quell'ariosità iridescente che contraddistingue così tanto tutte le sue opere.
Nei suoi anni maturi, Degas si rivolge spesso al tema del balletto. Figure fragili e senza peso di ballerine appaiono davanti allo spettatore o al crepuscolo delle lezioni di danza, o alla luce dei riflettori sul palco, o in brevi momenti di riposo. L'apparente casualità della composizione e la posizione imparziale dell'autore danno l'impressione di uno sbirciato nella vita di qualcun altro, l'artista ci mostra il mondo della grazia e della bellezza, senza cadere in un eccessivo sentimentalismo.Edgar Degas può essere definito un colorista sottile, i suoi pastelli sono sorprendentemente armoniosi, a volte delicati e leggeri, a volte costruiti su netti contrasti cromatici. Il modo di Degas era notevole per la sua sorprendente libertà, applicava i pastelli con tratti audaci e spezzati, a volte lasciando trasparire il tono della carta attraverso il pastello o aggiungendo tratti ad olio o acquerello. Il colore nei dipinti di Degas nasce da uno splendore iridescente, da un fluire di linee cangianti che danno origine alla forma.
Le ultime opere di Degas si distinguono per l'intensità e la ricchezza del colore, a cui si aggiungono gli effetti dell'illuminazione artificiale, forme ingrandite, quasi piatte, e la costrizione dello spazio, che conferisce loro un carattere teso e drammatico. In ciò
periodo Degas ha scritto una delle sue migliori opere - "Blue Dancers". L'artista lavora qui in grandi macchie di colore, dando un'importanza fondamentale all'organizzazione decorativa della superficie del dipinto. In termini di bellezza dell'armonia dei colori e della soluzione compositiva, il dipinto "Blue Dancers" può essere considerato la migliore incarnazione del tema del balletto di Degas, che ha raggiunto la massima ricchezza di combinazioni di texture e colori in questo dipinto.|
PO Renoir. Auto ritratto. 1875 |
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PO Renoir. Piscina per bambini. 1869 |
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PO Renoir. Ritratto dell'attrice Jeanne Samary. 1877 |
Va notato che l'uso dei toni del verde, del giallo, dell'ocra, del rosa e del rosso per raffigurare la pelle ha scioccato il pubblico dell'epoca, impreparato alla percezione del fatto che le ombre dovessero essere colorate, riempite di luce.
Negli anni Ottanta dell'Ottocento iniziò nell'opera di Renoir il cosiddetto "periodo Ingres". L'opera più famosa di questo periodo è The Great Bathers. Per la prima volta, Renoir ha iniziato a utilizzare schizzi e schizzi per costruire una composizione, le linee del disegno sono diventate chiare e definite, i colori hanno perso la luminosità e la saturazione precedenti, il dipinto nel suo insieme ha iniziato a sembrare più sobrio e freddo.
All'inizio degli anni 1890, si verificarono nuovi cambiamenti nell'arte di Renoir. In modo pittorico appare un'iridescenza di colore, motivo per cui questo periodo viene talvolta chiamato "perla", quindi questo periodo lascia il posto a "rosso", così chiamato per la preferenza per le sfumature di fiori rossastri e rosa.
Eugenio Henri Paul Gauguin (anni di vita 1848-1903) - Pittore, scultore e grafico francese. Insieme a Cezanne e Van Gogh, è stato il più grande rappresentante del post-impressionismo. Ha iniziato a dipingere in età adulta, il primo periodo della creatività è associato all'impressionismo. Le migliori opere di Gauguin furono scritte sulle isole di Tahiti e Hiva-Oa in Oceania, dove Gauguin lasciò la "civiltà perversa". I tratti caratteristici dello stile di Gauguin includono la creazione di composizioni statiche e contrastanti di colore su grandi tele planari, profondamente emotive e allo stesso tempo decorative.In Il Cristo giallo, Gauguin ha raffigurato un crocifisso sullo sfondo di un tipico paesaggio rurale francese, il Gesù sofferente è circondato da tre contadine bretoni. La pace nell'aria, le pose calme e sottomesse delle donne, un paesaggio saturo di giallo solare con alberi dal fogliame autunnale rosso, un contadino impegnato in lontananza con i suoi affari, non possono che entrare in conflitto con ciò che sta accadendo sulla croce. L'ambiente contrasta nettamente con Gesù, sul cui volto si mostra quella fase di sofferenza, che rasenta l'apatia, l'indifferenza per tutto ciò che lo circonda. La contraddizione degli sconfinati tormenti accettati da Cristo e l '"invisibilità" di questo sacrificio da parte delle persone: questo è il tema principale di quest'opera di Gauguin.
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P.Gauguin. Sei geloso? 1892 |
sulla riva, due sorelle - hanno appena nuotato, e ora i loro corpi sono distesi sulla sabbia in pose casuali e voluttuose - parlano d'amore, un ricordo fa discutere: “Come? Sei geloso!".
Dipingendo la succosa bellezza purosangue della natura tropicale, persone naturali incontaminate dalla civiltà, Gauguin ha raffigurato un sogno utopico di un paradiso terrestre, di una vita umana in armonia con la natura. Le tele polinesiane di Gauguin assomigliano a pannelli in termini di colore decorativo, planarità e monumentalità della composizione, generalizzazione del motivo stilizzato.
P.Gauguin. Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando? 1897-1898
L'immagine "Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" Gauguin considerava il sublime culmine delle sue riflessioni. Secondo l'intenzione dell'artista, l'immagine va letta da destra a sinistra: tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Il gruppo di donne con un bambino sul lato destro del quadro rappresenta l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo di estrema sinistra, Gauguin raffigurava la vecchiaia umana, che si avvicina alla morte; l'idolo blu sullo sfondo simboleggia l'altro mondo. Questo dipinto è l'apice dell'innovativo stile post-impressionista di Gauguin; il suo stile combinava un chiaro uso dei colori, colori decorativi e soluzioni compositive, piattezza e monumentalità dell'immagine con espressività emotiva.
L'opera di Gauguin anticipò molte caratteristiche dello stile Art Nouveau che si sviluppò in questo periodo e influenzò la formazione dei maestri del gruppo Nabis e di altri pittori del primo Novecento.
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W.Van Gogh. Auto ritratto. 1889 |
Nel 1888 Van Gogh si trasferì ad Arles, dove fu finalmente determinata l'originalità del suo modo creativo. Un focoso temperamento artistico, un tormentoso impulso verso l'armonia, la bellezza e la felicità e, allo stesso tempo, la paura delle forze ostili all'uomo, si incarnano sia nei paesaggi splendenti dei colori solari del sud ("Casa gialla", "Raccolto . La Crot Valley”), o in sinistro , che ricorda immagini da incubo ("Night Cafe Terrace"); dinamica del colore e del tratto
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W.Van Gogh. Terrazza del caffè notturno. 1888 |
L'intenso lavoro di Van Gogh negli ultimi anni è stato accompagnato da attacchi di malattia mentale, che lo hanno portato all'ospedale per malati di mente ad Arles, poi a Saint-Remy (1889-1890) e ad Auvers-sur-Oise (1890), dove si è suicidato. Il lavoro degli ultimi due anni di vita dell'artista è segnato da un'ossessione estatica, un'espressione estremamente intensa di combinazioni di colori, bruschi sbalzi d'umore - dalla disperazione frenetica e dal cupo visionario ("Strada con cipressi e stelle") a una sensazione tremante di illuminazione e pace ("Paesaggio ad Auvers dopo la pioggia") .
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W.Van Gogh. Iris. 1889 |
W.Van Gogh. Campo di grano con corvi. 1890
"Campo di grano con corvi" è un dipinto di Van Gogh, dipinto dall'artista nel luglio 1890 ed è una delle sue opere più famose. Il dipinto sarebbe stato terminato il 10 luglio 1890, 19 giorni prima della sua morte ad Auvers-sur-Oise. Esiste una versione in cui Van Gogh si è suicidato mentre scriveva questa immagine (uscendo all'aria aperta con materiali da disegno, si è sparato con una pistola acquistata per spaventare gli stormi di uccelli nell'area del cuore, quindi ha raggiunto autonomamente l'ospedale, dove morì dissanguato).
Dalla fine del XVIII sec. La Francia ha svolto un ruolo importante nella vita socio-politica dell'Europa occidentale. 19esimo secolo è stato caratterizzato da un ampio movimento democratico che ha abbracciato quasi tutti i settori della società francese. La rivoluzione del 1830 fu seguita dalla rivoluzione del 1848. Nel 1871, le persone che proclamarono la Comune di Parigi fecero il primo tentativo nella storia della Francia e di tutta l'Europa occidentale di impadronirsi del potere politico nello stato.
La situazione critica nel paese non poteva che influenzare l'atteggiamento della gente. In quest'epoca, l'intellighenzia francese avanzata cerca di trovare nuove strade nell'arte e nuove forme di espressione artistica. Ecco perché le tendenze realistiche sono state scoperte nella pittura francese molto prima che in altri paesi dell'Europa occidentale.
La rivoluzione del 1830 portò le libertà democratiche nella vita della Francia, di cui gli artisti grafici non mancarono di approfittare. Taglienti vignette politiche rivolte contro i circoli dominanti, così come i vizi prevalenti nella società, riempivano le pagine delle riviste Sharivari e Caricature. Le illustrazioni per i periodici sono state realizzate con la tecnica della litografia. Artisti come A. Monnier, N. Charlet, J. I. Granville, così come il notevole artista grafico francese O. Daumier hanno lavorato nel genere della caricatura.
Un ruolo importante nell'arte francese tra le rivoluzioni del 1830 e del 1848 fu svolto dalla tendenza realistica nella pittura di paesaggio, la cosiddetta. scuola di barbizon. Questo termine deriva dal nome del piccolo e pittoresco villaggio di Barbizon vicino a Parigi, dove negli anni Trenta e Quaranta dell'Ottocento. molti artisti francesi vennero a studiare la natura. Non soddisfatti delle tradizioni dell'arte accademica, prive di concretezza vivente e identità nazionale, si precipitarono a Barbizon, dove, esaminando attentamente tutti i cambiamenti in atto nella natura, dipinsero quadri raffiguranti angoli modesti della natura francese.
Sebbene le opere dei maestri della scuola di Barbizon si distinguano per veridicità e obiettività, sentono sempre lo stato d'animo dell'autore, le sue emozioni ed esperienze. La natura nei paesaggi dei Barbizons non sembra maestosa e lontana, è vicina e comprensibile all'uomo.
Spesso gli artisti hanno dipinto lo stesso luogo (foresta, fiume, stagno) in momenti diversi della giornata e in condizioni meteorologiche diverse. Gli studi realizzati all'aria aperta sono stati elaborati in laboratorio, creando un quadro che fosse integrale in termini di composizione. Molto spesso, nell'opera pittorica finita, la freschezza dei colori caratteristica degli studi scompariva, quindi le tele di molti Barbizons si distinguevano per un colore scuro.
Il più grande rappresentante della scuola di Barbizon fu Theodore Rousseau, che, già noto paesaggista, si allontanò dalla pittura accademica e venne a Barbizon. Protestando contro la barbarica deforestazione, Rousseau dota la natura di qualità umane. Lui stesso ha parlato di ascoltare le voci degli alberi e di comprenderle. Ottimo conoscitore della foresta, l'artista trasmette in modo molto accurato la struttura, la specie, la scala di ogni albero ("Foresta di Fontainebleau", 1848-1850; "Oaks in Agremont", 1852). Allo stesso tempo, le opere di Rousseau mostrano che l'artista, il cui stile si è formato sotto l'influenza dell'arte accademica e della pittura degli antichi maestri, non poteva, per quanto ci provasse, risolvere il problema della trasmissione della luce e dell'aria . Pertanto, la luce e il colore nei suoi paesaggi sono molto spesso condizionali.
L'arte di Rousseau ha avuto una grande influenza sui giovani artisti francesi. I rappresentanti dell'Accademia, coinvolti nella selezione dei dipinti nei Salons, hanno cercato di impedire il lavoro di Rousseau alla mostra.
I famosi maestri della scuola di Barbizon erano Jules Dupre, i cui paesaggi contengono caratteristiche dell'arte romantica ("The Big Oak", 1844-1855; "Landscape with Cows", 1850), e Narcissus Diaz, che abitava la foresta di Fontainebleau con figure nude di ninfe e antiche dee (“Venere con amorino”, 1851).
Il rappresentante della generazione più giovane di Barbizons era Charles Daubigny, che iniziò la sua carriera con le illustrazioni, ma negli anni Quaranta dell'Ottocento. dedicato al paesaggio. I suoi paesaggi lirici, dedicati agli angoli senza pretese della natura, sono pieni di luce solare e aria. Molto spesso Daubigny dipingeva dal vero non solo schizzi, ma anche dipinti finiti. Ha costruito una barca officina sulla quale ha navigato lungo il fiume, fermandosi nei luoghi più attraenti.
La vita del più grande artista francese del XIX secolo è vicina ai Barbizon. K. Coro.
Jean Baptiste Camillo Corot
Camille Corot - Pittore e grafico francese, maestro del ritratto e del paesaggio, è uno dei fondatori della scuola paesaggistica francese del XIX secolo.
Nato a Parigi nel 1796. Fu allievo di A. Michallon e JV Bertin - artisti accademici. Inizialmente, ha aderito al punto di vista generalmente accettato secondo cui solo un paesaggio con una trama storica, tratto principalmente dalla storia antica o dalla mitologia, è arte alta. Tuttavia, dopo aver visitato l'Italia (1825), le sue opinioni cambiano radicalmente e inizia a cercare un diverso approccio alla realtà, che è già evidente nelle sue prime opere (Veduta del Foro, 1826; Veduta del Colosseo, 1826). Va notato che gli schizzi di Corot, in cui cambia il suo atteggiamento nei confronti della natura dell'illuminazione e delle gradazioni di colore, trasmettendole in modo più realistico, sono una sorta di impulso nello sviluppo di un paesaggio realistico.
Tuttavia, nonostante il nuovo principio della scrittura, Corot invia al Salon dipinti che soddisfano tutti i canoni della pittura accademica. In questo momento, nell'opera di Corot, c'è uno scarto tra lo schizzo e l'immagine, che caratterizzerà la sua arte per tutta la vita. Così, le opere inviate al Salon (tra cui Agar nel deserto, 1845; Omero e i pastori, 1845) indicano che l'artista non solo si riferisce a soggetti antichi, ma conserva anche la composizione del paesaggio classico, che tuttavia meno non impediscono allo spettatore di riconoscere le caratteristiche del paesaggio francese nell'area raffigurata. In generale, una tale contraddizione era abbastanza nello spirito di quell'epoca.
Molto spesso, le innovazioni a cui arriva gradualmente Corot, non riesce a nascondersi alla giuria, quindi i suoi dipinti vengono spesso respinti. Un'innovazione particolarmente forte si avverte negli studi estivi del maestro, dove cerca di trasmettere i vari stati della natura in un dato periodo di tempo, riempiendo il paesaggio di luce e aria. Inizialmente, si trattava prevalentemente di vedute e composizioni urbane con monumenti architettonici d'Italia, dove si recò nuovamente nel 1834. Ad esempio, nel paesaggio "Mattina a Venezia" (1834 circa), la luce del sole, il cielo azzurro e la trasparenza dell'aria sono magnificamente trasmessi . Allo stesso tempo, la combinazione di luce e ombra non spezza le forme architettoniche, ma al contrario sembra modellarle. Figure di persone con lunghe ombre che si estendono da loro sullo sfondo danno al paesaggio una sensazione di spazialità quasi reale.
Più tardi, il pittore sarà più sobrio, sarà interessato a una natura più modesta, ma presterà maggiore attenzione ai suoi vari stati. Per ottenere l'effetto desiderato, la combinazione di colori di Koro diventerà più sottile, più chiara e inizierà ad allinearsi su variazioni dello stesso colore. Caratteristici a questo proposito sono opere come “Il campanile ad Argenteuil”, dove il delicato verde della natura circostante e l'umidità dell'aria trasmettono in modo molto sottile, ma allo stesso tempo con grande certezza il fascino della primavera, “Il fieno Carrozza”, in cui si respira il brivido gioioso della vita.
È interessante notare che Corot valuta la natura come un luogo in cui vive e agisce una persona semplice. Un'altra caratteristica del suo paesaggio è che è sempre un riflesso dello stato emotivo del maestro. Pertanto, le composizioni paesaggistiche sono liriche (il già citato "Campanile in Artangei") o, al contrario, drammatiche (studio "Ruffo di vento", ca. 1865-1870).
Le composizioni figurative di Corot sono piene di sentimento poetico. Se nelle prime opere una persona sembra in qualche modo distaccata dal mondo che la circonda ("The Reaper with a Sickle", 1838), poi nelle opere successive le immagini delle persone
sono indissolubilmente legati all'ambiente in cui si trovano ("The Reaper's Family", ca. 1857). Oltre ai paesaggi, Corot ha anche creato ritratti. Le immagini delle donne sono particolarmente belle, incantevoli con la loro naturalezza e vivacità. L'artista ha dipinto solo persone che gli erano spiritualmente vicine, quindi i suoi ritratti sono contrassegnati dalla sincera simpatia dell'autore per il modello.
Corot non era solo un pittore e grafico di talento, ma anche un buon insegnante per giovani artisti, affidabile
compagno. Questo fatto è degno di nota: quando O. Daumier non aveva i fondi per pagare l'affitto della sua casa, Corot acquistò questa casa e poi la regalò a un amico.
Corot morì nel 1875, lasciando un enorme patrimonio creativo - circa 3.000 dipinti e opere grafiche.
Onore Daumier
Honoré Daumier, grafico, pittore e scultore francese, nacque nel 1808 a Marsiglia nella famiglia di un vetraio che scriveva poesie. Nel 1814, quando Daumier aveva sei anni, la sua famiglia si trasferì a Parigi.
Il futuro artista ha iniziato la sua carriera come impiegato, poi ha lavorato come venditore in una libreria. Tuttavia, non era affatto interessato a questo lavoro, preferiva tutto il suo tempo libero vagare per le strade e fare schizzi. Ben presto il giovane artista inizia a visitare il Louvre, dove studia la scultura antica e le opere di antichi maestri, di cui Rubens e Rembrandt lo affascinano maggiormente. Daumier capisce che studiando da solo l'arte della pittura non potrà avanzare molto, quindi (dal 1822) inizia a prendere lezioni di disegno da Lenoir (amministratore del Museo Reale). Tuttavia, tutto l'insegnamento si riduceva alla semplice copiatura di gessi, e questo non soddisfaceva minimamente le esigenze del giovane. Quindi Daumier lascia il laboratorio e va a Ramole per studiare litografia, guadagnando allo stesso tempo come fattorino.
Il primo lavoro che Daumier realizzò nel campo dell'illustrazione risale agli anni Venti dell'Ottocento. Quasi non sopravvissero, ma ciò che ci è comunque pervenuto ci permette di parlare di Daumier come di un artista in opposizione al potere ufficiale rappresentato dai Borboni.
È noto che fin dai primi giorni del regno di Luigi Filippo, il giovane artista disegna taglienti caricature sia di se stesso che del suo entourage, creandosi così una reputazione di combattente politico. Di conseguenza, Daumier viene notato dall'editore del settimanale "Caricature" Charles Philippon e lo invita a collaborare, a cui accetta. La prima opera, pubblicata su "Caricature" del 9 febbraio 1832 - "Richiedenti di posti" - mette in ridicolo i servi di Luigi Filippo. Dopo di lei, le satire sul re stesso iniziarono ad apparire una dopo l'altra.
Tra le prime litografie di Daumier, Gargantua (15 dicembre 1831) merita un'attenzione particolare, dove l'artista ha raffigurato un grasso Luigi Filippo, che assorbe l'oro sottratto a un popolo affamato e povero. Questo lenzuolo, esposto nella vetrina della compagnia Aubert, raccolse un'intera folla di spettatori, per i quali il governo si vendicò del maestro, lo condannò a sei mesi di prigione e una multa di 500 franchi.
Nonostante i primi lavori di Daumier siano ancora piuttosto sovraccarichi compositivi e influenzino non tanto l'espressività dell'immagine quanto la narrazione, hanno già uno stile. Lo stesso Daumier ne è ben consapevole e inizia a lavorare nel genere del ritratto caricaturale, mentre utilizza un metodo molto particolare: dapprima scolpisce busti ritratto (in cui i tratti caratteristici sono portati al grottesco), che saranno poi i suoi natura quando si lavora sulla litografia. Di conseguenza, ha ottenuto cifre che differivano nel volume massimo. Fu così che venne realizzata la litografia “L'utero legislativo” (1834), che mostra la seguente immagine: direttamente davanti allo spettatore sui banchi situati nell'anfiteatro, i ministri e i membri del Parlamento della monarchia di luglio sistemato. In ogni volto, una somiglianza di ritratto è trasmessa con micidiale precisione, mentre il gruppo più espressivo è rappresentato da Thiers che ascolta la nota di Guizot. Esponendo l'inferiorità fisica e morale dell'élite al potere, il maestro arriva alla creazione di tipi di ritratto. La luce gioca un ruolo speciale in loro, sottolinea il desiderio dell'autore per la massima espressività. Pertanto, tutte le figure sono presentate sotto una forte illuminazione (è noto che, mentre lavorava a questa composizione, il maestro ha messo i busti-modelli sotto la luce intensa di una lampada).
Non sorprende che con un lavoro così duro Daumier abbia trovato un grande stile monumentale nella litografia (questo è molto sentito nell'opera "Giù il sipario, si gioca la farsa", 1834). Il potere di influenza è altrettanto alto nelle opere che rivelano il ruolo dei lavoratori nella lotta contro gli oppressori: "Non è più pericoloso per noi", "Non interferire", "Transnonen Street 15 aprile 1834". Quanto all'ultima foglia, è una risposta diretta alla rivolta dei lavoratori. Quasi tutte le persone che vivevano effettivamente in una delle case di Transnonen Street (compresi bambini e anziani) sono state uccise perché uno degli operai ha osato sparare a un poliziotto. L'artista ha catturato il momento più tragico. La litografia raffigura un quadro terribile: sul pavimento, accanto a un letto vuoto, giace il cadavere di un operaio, che schiaccia sotto di sé un bambino morto; in un angolo buio c'è una donna assassinata. A destra è ben visibile la testa di un vecchio morto. L'immagine presentata da Daumier evoca nello spettatore un duplice sentimento: un senso di orrore per ciò che ha fatto e una protesta indignata. L'opera eseguita dall'artista non è un commento indifferente agli eventi, ma una denuncia rabbiosa.
La drammaticità è esaltata dal netto contrasto di luci e ombre. Allo stesso tempo, i dettagli, pur passando in secondo piano, chiariscono allo stesso tempo la situazione in cui si è verificata tale atrocità, sottolineando che il pogrom è stato compiuto in un momento in cui le persone dormivano sonni tranquilli. È caratteristico che già in quest'opera siano visibili i tratti dei dipinti tardivi di Daumier, in cui si generalizza anche un singolo evento, conferendo così alla composizione un'espressività monumentale unita all '"incidente" di un momento di vita strappato.
Tali lavori influenzarono ampiamente l'adozione delle "Leggi di settembre" (entrate in vigore alla fine del 1834), dirette contro la stampa. Ciò ha portato al fatto che è diventato impossibile lavorare pienamente nel campo della satira politica. Pertanto, Daumier, come molti altri maestri della caricatura politica, passa ad argomenti legati alla vita quotidiana, dove cerca e porta in superficie questioni sociali scottanti. In questo periodo in Francia furono pubblicate intere raccolte di cartoni animati, raffiguranti la vita e le usanze della società di quell'epoca. Daumier, insieme all'artista Travies, crea una serie di litografie chiamate "Tipi francesi" (1835-1836). Come Balzac in letteratura, Daumier in pittura espone la sua società contemporanea, in cui regna il denaro.
Il ministro Guizot proclama lo slogan "Diventa ricco!". Daumier gli risponde creando l'immagine di Robert Macher - un truffatore e un ladro, che muore o resuscita di nuovo (serie di "Caricaturan", 1836-1838). In altri fogli fa riferimento al tema della carità borghese ("Modern Philanthropy", 1844-1846), alla venalità della corte francese ("Judges of Justice", 1845-1849), al pomposo compiacimento dei cittadini (foglio " È ancora molto lusinghiero vedere il tuo ritratto alla mostra" , parte della serie Salon of 1857). Anche altre serie di litografie furono eseguite in modo accusatorio: “A Bachelor's Day” (1839), “Marriage Mores” (1839-1842), “The Best Days of Life” (1843-1846), “Pastorals” (1845- 1846).
Nel tempo il disegno di Daumier si trasforma in qualche modo, il tratto diventa più espressivo. Secondo i contemporanei, il maestro non ha mai usato nuove matite appuntite, preferendo disegnare con frammenti. Credeva che ciò ottenesse una varietà e vivacità delle linee. Forse è per questo che le sue opere nel tempo acquisiscono un carattere grafico, spostando la loro precedente plasticità. Va detto che il nuovo stile era più adatto ai cicli grafici, dove veniva introdotta la storia e l'azione stessa si svolgeva sia all'interno che nel paesaggio.
Tuttavia, Daumier è ancora più incline alla satira politica e, non appena si presenta l'opportunità, riprende il suo passatempo preferito, creando fogli pieni di rabbia e odio per l'élite al potere. Nel 1848 ci fu una nuova ondata rivoluzionaria, ma fu soppressa e la repubblica fu minacciata dal bonapartismo. In risposta a questi eventi, Daumier crea Ratapual, un astuto agente bonapartista e traditore. Questa immagine ha affascinato così tanto il maestro che l'ha trasferita dalla litografia alla scultura, dove ha potuto raggiungere una grande espressività con un'interpretazione audace.
Non sorprende che Daumier odi Napoleone III con la stessa forza di Luigi Filippo. L'artista fa del suo meglio per fare in modo che le sue opere accusatorie facciano sentire agli abitanti il male che proviene dalla classe privilegiata e, naturalmente, dal sovrano. Tuttavia, dopo il colpo di stato del 2 dicembre 1852, la vignetta politica fu nuovamente bandita. E solo verso la fine degli anni Sessanta dell'Ottocento, quando il governo divenne più liberale, Daumier si dedicò per la terza volta a questo genere. Quindi, su un foglio, lo spettatore ha potuto vedere come la Costituzione accorcia l'abito della Libertà, e dall'altro - Thiers, raffigurato come un suggeritore, che dice a ogni politico cosa dire e cosa fare. L'artista disegna molte satire antimilitariste ("Il mondo ingoia una spada", ecc.).
Dal 1870 al 1872, Daumier creò una serie di litografie che esponevano le azioni criminali degli autori dei disastri in Francia. Ad esempio, in un foglio intitolato "This Killed That", fa sapere allo spettatore che l'elezione di Napoleone III ha segnato l'inizio di molti problemi. Notevole è la litografia "L'Impero è il Mondo", che mostra un campo con croci e lapidi. L'iscrizione sulla prima lapide recita: "Morto sul Boulevard Montmartre il 2 dicembre 1851", sull'ultima - "Morto a Sedan 1870". Questo foglio testimonia eloquentemente che l'impero di Napoleone III non portò ai francesi altro che morte. Tutte le immagini nelle litografie sono simboliche, ma i simboli qui non sono solo ideologicamente saturi, ma anche molto convincenti.
Degna di nota è un'altra nota litografia di Daumier, realizzata nel 1871, dove sullo sfondo di un cielo formidabile e nuvoloso, il tronco mutilato di un albero un tempo potente si annerisce. Solo un ramo è sopravvissuto, ma non si arrende e continua a resistere alla tempesta. Sotto il lenzuolo c'è una firma caratteristica: "Povera Francia, il tronco è spezzato, ma le radici sono ancora forti". Con questa immagine simbolica, il maestro non solo ha mostrato i risultati della tragedia che ha vissuto, ma con l'aiuto di contrasti di luci e ombre e linee dinamiche, ha tirato fuori un'immagine vivida che incarna il potere del paese. Questo lavoro suggerisce che il maestro non ha perso la fiducia nella forza della Francia e nelle capacità del suo popolo, che potrebbe rendere la loro patria grande e potente come prima.
Va notato che Daumier ha creato non solo litografie. Dal 1830 lavora anche nella pittura e nell'acquerello, ma i suoi primi dipinti ("L'incisore", 1830-1834; Autoritratto, 1830-1831) sono caratterizzati dall'assenza di una maniera sviluppata; a volte può essere difficile distinguerli dalle opere di altri artisti. Successivamente, c'è un perfezionamento dello stile, lo sviluppo di alcuni temi. Quindi, ad esempio, negli anni Quaranta dell'Ottocento. il maestro ha scritto una serie di composizioni sotto l'unico nome "Avvocati". In questi dipinti compaiono le stesse immagini grottesche delle opere grafiche di Daumier.
I suoi dipinti ad olio e acquerelli, così come le litografie, sono intrisi di sarcasmo. Daumier dipinge figure di avvocati che parlano al pubblico con gesti teatrali (The Defender, 1840) o discutono compiaciuti delle loro sporche macchinazioni oltre la portata dello sguardo di qualcun altro (Three Lawyers). Quando lavora su tela, il pittore ricorre spesso a un primo piano, raffigurando gli oggetti più necessari e delineando solo i dettagli dell'interno. Con particolare cura disegna volti, a volte stupidi e indifferenti, a volte astuti e ipocriti, a volte sprezzanti e compiaciuti. Raffigurando le vesti da avvocato nero su uno sfondo dorato, l'autore ottiene un effetto unico, opponendo luce e buio.
Nel tempo, la satira lascia il dipinto di Daumier. Nelle composizioni della fine degli anni Quaranta dell'Ottocento. il posto centrale è occupato da immagini spiritualizzate ed eroiche di persone del popolo, dotate di forza, energia interiore ed eroismo. Un esempio lampante di tali opere sono i dipinti "Famiglia alla barricata" (1848-1849) e "Rivolta" (1848 circa).
La prima tela raffigura eventi rivoluzionari e le persone che vi partecipano. Gli eroi sono così vicini all'inquadratura che è visibile solo una parte delle figure. L'artista cerca di indirizzare l'attenzione dello spettatore sui volti modellati dalla luce. Una donna anziana e un uomo sono segnati da severità e concentrazione, una giovane donna è segnata da tristezza e malinconia, e un giovane, al contrario, è pieno di disperata determinazione. È interessante notare che le teste dei personaggi sono mostrate in diverse rotazioni, il che dà l'impressione che le figure si muovano, il che sottolinea ulteriormente la tensione della composizione.
La seconda composizione ("Rivolta") è l'immagine di una folla in corsa, presa da un impulso rivoluzionario.
La dinamica degli eventi è trasmessa non solo dal gesto di una mano alzata e dalle figure che si precipitano in avanti, ma anche da una striscia di luce.
Più o meno nello stesso periodo, Daumier dipinse dipinti dedicati a rifugiati ed emigranti, ma queste immagini non si trovano così spesso nel suo lavoro. Trovò tutti i soggetti per i suoi quadri nella vita di tutti i giorni: una lavandaia che scende all'acqua; trasportatore di chiatte che traina una barca; operaio che sale sul tetto. È interessante notare che tutte le opere riflettono frammenti separati della realtà e influenzano lo spettatore non con mezzi narrativi, ma visivi che creano un'immagine espressiva, in alcuni casi tragica.
In questo spirito è stato realizzato il dipinto "Burden", che ha diverse opzioni. La trama dell'opera è semplice: una donna cammina lentamente lungo l'argine; Con una mano trascina un enorme cesto della biancheria; lì vicino, aggrappato alla sua gonna, un bambino arranca a piccoli passi. Un forte vento soffia sui volti degli eroi, il che rende molto più difficile camminare e il fardello sembra più pesante. Il solito motivo quotidiano di Daumier assume tratti quasi eroici. La donna sembra distaccata da tutte le preoccupazioni. Inoltre, il maestro omette tutti i dettagli del paesaggio, delineando solo casualmente i contorni della città dall'altra parte del fiume. Le tonalità tenui e fredde con cui è dipinto il paesaggio esaltano la sensazione di drammaticità e disperazione. È interessante notare che l'interpretazione dell'immagine di una donna contraddice non solo i canoni classici, ma anche gli ideali della bellezza umana tra i romantici; è dato con grande espressione e realismo. Un ruolo importante nella creazione delle immagini è svolto da luci e ombre: grazie all'illuminazione, che va in una striscia uniforme, la figura di una donna sembra sorprendentemente espressiva e plastica; la sagoma scura di un bambino si staglia su un parapetto chiaro. L'ombra di entrambe le figure si fonde in un unico punto. Una scena del genere, osservata molte volte da Daumier nella realtà, non è presentata in genere, ma in termini monumentali, il che è facilitato dall'immagine collettiva che ha creato.
Nonostante la generalizzazione, in ogni opera di Daumier si conserva una straordinaria vitalità. Il maestro è in grado di cogliere qualsiasi gesto caratteristico della persona che ritrae, di trasmettere una posa, ecc. La tela "Print Lover" aiuta a verificarlo.
Sebbene durante gli anni 1850-1860. Daumier lavora molto fruttuosamente nella pittura, ma il problema del plein air, che occupava molti pittori dell'epoca, non lo interessa affatto. Anche quando ritrae i suoi personaggi all'aria aperta, non usa ancora la luce diffusa. Nei suoi quadri la luce svolge una funzione diversa: porta con sé un carico emotivo, che aiuta l'autore a porre accenti compositivi. L'effetto preferito di Daumier è il controluce, in cui il primo piano è oscurato su uno sfondo chiaro ("Before Bathing", c. 1852; "Curioso alla finestra", c. 1860). Tuttavia, in alcuni dipinti, il pittore si rivolge a un'altra tecnica, quando il crepuscolo dello sfondo sembra dissolversi verso il primo piano e i colori bianco, blu e giallo iniziano a risuonare con maggiore intensità. Un effetto simile può essere visto in tele come Leaving School (c. 1853-1855), Third Class Carriage (c. 1862).
Nella pittura, Daumier non ha fatto meno che nella grafica. Ha introdotto nuove immagini, interpretandole con grande espressività. Nessuno dei suoi predecessori ha scritto in modo così audace e libero. Fu per questa qualità che i contemporanei progressivamente pensanti di Daumier apprezzarono molto i suoi dipinti. Tuttavia, durante la vita dell'artista, la sua pittura era poco conosciuta e la mostra postuma del 1901 fu per molti una vera scoperta.
Daumier morì nel 1879, nella cittadina di Valmondois vicino a Parigi, in una casa donatagli da Corot.
La rivoluzione del 1848 portò a una straordinaria impennata nella vita sociale della Francia, nella sua cultura e arte. A quel tempo, nel paese lavoravano due importanti rappresentanti della pittura realistica: J.-F. Millet e G. Courbet.
Jean Francois Millet
Jean-Francois Millet, pittore e grafico francese, nasce nel 1814 nella cittadina di Gruchy, non lontano da Cherbourg, da una numerosa famiglia di contadini che possedeva un piccolo appezzamento di terra in Normandia. Fin dall'infanzia, il giovane Millet era circondato da un'atmosfera di diligenza e pietà. Il ragazzo era molto arguto e il suo talento fu notato dal prete locale. Pertanto, oltre ai compiti scolastici, il ragazzo, sotto la guida di un ministro della chiesa, iniziò a studiare il latino, e dopo poco, insieme alla Bibbia, le opere di Virgilio divennero la sua lettura preferita, per la quale il pittore ebbe una dipendenza per tutto il tempo la sua vita.
Fino all'età di 18 anni Millet visse in campagna e, essendo il figlio maggiore, svolse diversi lavori contadini, compresi quelli legati alla coltivazione della terra. Poiché l'abilità nelle belle arti si è risvegliata molto presto in Mill, ha dipinto tutto ciò che lo circondava: campi, giardini, animali. Tuttavia, il mare ha suscitato il massimo interesse tra il giovane artista. Millet dedica i suoi primi schizzi all'elemento acqua.
Millais si distingueva per un sottile potere di osservazione, ei suoi occhi, che notavano la bellezza della natura, non sfuggivano alle calamità subite da una persona che si confrontava con lei. Per tutta la vita, il comandante ha portato con sé un tragico ricordo, una terribile tempesta che ha distrutto e affondato dozzine di navi, che ha osservato nella prima infanzia.
In seguito, il giovane pittore andò a Cherbourg, dove studiò pittura prima con Mouchel, e poi con Langlois de Chevreville (allievo e seguace di Gros). Su richiesta di quest'ultimo, riceve una borsa di studio dal comune e va a proseguire gli studi a Parigi. Lasciando la sua terra natale, Millet ascoltò le istruzioni della nonna, che gli disse: "Francois, non scrivere mai niente di osceno, anche se fosse per ordine del re stesso".
Arrivato a Parigi, l'artista entrò nella bottega di Delaroche. Vi studiò dal 1837 al 1838. Contemporaneamente alle lezioni nella bottega di Millet, visitò il Louvre, dove studiò i famosi dipinti, di cui le opere di Michelangelo lo colpirono maggiormente. Millet non ha trovato subito la sua strada nell'arte. Le sue prime opere, create per la vendita, furono realizzate alla maniera di A. Watteau e F. Boucher, chiamate maniere fleurie, che significa “maniera fiorita”. E sebbene questo modo di scrivere si distingua per bellezza e grazia esteriori, in realtà crea una falsa impressione. Il successo arrivò all'artista all'inizio degli anni Quaranta dell'Ottocento grazie ai ritratti (Autoritratto, 1841; Mademoiselle Ono, 1841; Armand Ono, 1843; Deleuze, 1845).
A metà degli anni Quaranta dell'Ottocento, Millet lavora a una serie di ritratti di marinai, in cui il suo stile è completamente libero da manierismi e imitazioni, tipico delle prime opere dell'artista ("Ufficiale di marina", 1845, ecc.). Il maestro dipinse diversi quadri di soggetto mitologico e religioso (San Girolamo, 1849; Agar, 1849).
Nel 1848 Millet si avvicinò agli artisti N. Diaz e F. Jeanron ed espose per la prima volta al Salon. Primo
l'immagine da lui presentata - "Veyatel" raffigura la vita rurale. Da quel momento il maestro rifiuta una volta per tutte i soggetti mitologici e decide di scrivere solo ciò che gli è più vicino.
Per attuare i suoi piani, lui e la sua famiglia si trasferirono a Barbizon. Qui l'artista è completamente immerso
nel mondo della vita rurale e crea opere che corrispondono alla sua visione del mondo. Questi sono The Sower (1849), The Seated Peasant Woman (1849), ecc. In essi Millet, con grande persuasività, mostra in modo veritiero i rappresentanti della classe contadina, concentrandosi principalmente sulla figura, per cui a volte si ottiene l'impressione che il paesaggio nei suoi dipinti svolga un ruolo di sfondo.
Nelle opere di Millet nei primi anni 1850. dominato anche dalle figure solitarie di contadini impegnati nelle faccende ordinarie. Creando tele, l'artista ha cercato di elevare il lavoro più prosaico. Era convinto che la "vera umanità" e la "grande poesia" potessero essere trasmesse solo raffigurando persone che lavorano. I tratti caratteristici di queste opere sono la semplicità dei gesti, la facilità delle pose, la voluminosa plasticità delle figure e la lentezza dei movimenti.
Guardando il famoso dipinto di Millet "The Seamstress" (1853), lo spettatore vede solo gli attributi più necessari di una sarta: forbici, letto ad ago e ferri da stiro. Non c'è nulla di superfluo sulla tela, c'è esattamente tutto lo spazio necessario - con questo il maestro rende l'immagine significativa e persino monumentale. Nonostante l'apparente natura statica della composizione, l'immagine di una donna è piena di movimento interiore: sembra che la sua mano che tiene l'ago stia facendo sempre più punti e il suo petto si sollevi ritmicamente. La lavoratrice guarda attentamente il suo prodotto, ma i suoi pensieri sono da qualche parte lontani. Nonostante l'ordinarietà e una certa intimità del motivo, la solennità e la grandezza sono inerenti al quadro.
Con lo stesso spirito è eseguito il dipinto Riposo dei mietitori, esposto dal maestro al Salon del 1853. Nonostante una certa generalizzazione delle figure ritmiche, la composizione piena di luce evoca un senso di integrità. Le immagini dei contadini si inseriscono armoniosamente nel quadro generale della natura.
È caratteristico che in molte delle opere di Millet la natura aiuti a esprimere lo stato d'animo dell'eroe. Così, nel dipinto “Seated Peasant Woman”, la foresta ostile trasmette perfettamente la tristezza di una ragazza, profondamente immersa nei suoi pensieri irrequieti.
Col passare del tempo, Millet, che dipingeva quadri in cui venivano visualizzate immagini monumentali sullo sfondo di un paesaggio, inizia a creare opere un po' diverse. Lo spazio paesaggistico in essi si espande, il paesaggio, che svolge ancora il ruolo di sfondo, inizia a svolgere un ruolo semantico più significativo. Così, nella composizione "The Gatherers" (1857), il paesaggio sullo sfondo comprende le figure dei contadini che mietono.
Millet dà un significato più profondo all'immagine della natura nella piccola tela "Angelus" ("Venus Ringing", 1858-1859). Le figure di un uomo e di una donna che pregano in mezzo a un campo al suono sommesso di una campana della chiesa non sembrano alienate dal calmo paesaggio serale.
Quando al maestro è stato chiesto perché la maggior parte dei suoi dipinti ha uno stato d'animo triste, ha risposto:
“La vita non mi ha mai mostrato un lato gioioso: non so dove sia, non l'ho mai vista. La cosa più felice che conosco è la pace, la quiete di cui si gode così mirabilmente nei boschi o nei seminativi, siano essi coltivabili o no; d'accordo sul fatto che questo dispone sempre a un sogno triste, anche se dolce. Queste parole spiegano pienamente la tristezza sognante dei suoi contadini, che si armonizza così bene con la pace e il silenzio dei campi e delle foreste.
Uno stato d'animo completamente opposto si osserva nella composizione del programma di Millet "Man with a Hoe", esposta al Salon del 1863. Il fatto che quest'opera si distingua da tutto ciò che è già stato scritto è stato realizzato dall'autore stesso. Non senza ragione, in una delle sue lettere del 1962, Millet osservava: "L'uomo con la zappa" mi porterà critiche a molte persone a cui non piace occuparsi di affari non della loro cerchia, quando sono disturbati ... ". In effetti, le sue parole erano profetiche. La critica ha emesso il suo verdetto, descrivendo l'artista come una persona "più pericolosa di Courbet". E sebbene in questa foto lo spettatore veda solo un contadino appoggiato a una zappa, basta uno sguardo per sentire: ha appena camminato con passo pesante, colpendo il suolo con il suo attrezzo. Un uomo stanco del lavoro è raffigurato con grande espressività: sia nel volto che nella figura si leggono chiaramente la fatica e la disperazione della sua vita, tutto ciò che centinaia di migliaia di contadini francesi hanno effettivamente vissuto.
Tuttavia, tra le opere di questo tipo (soprattutto tra la fine degli anni Sessanta e l'inizio degli anni Settanta dell'Ottocento) ci sono opere intrise di ottimismo. Si tratta di dipinti in cui il maestro concentra la sua attenzione sul paesaggio, inondato di luce solare. Tali sono le tele "Bathing the Shepherdess of Geese" (1863), "Bathing the Horses" (1866), "The Young Shepherdess" (1872). Nell'ultimo Millet, il raggio di sole passa molto sottilmente, attraversando il fogliame degli alberi e accarezzando giocosamente l'abito e il viso della ragazza.
Nell'ultimo periodo di creatività, l'artista cerca di catturare e catturare sulla tela i brevi momenti della vita. Questo desiderio di fissare il momento è stato causato dal desiderio di riflettere direttamente la realtà. Così, ad esempio, nel pastello "Autunno, partenza delle gru" (1865-1866), sta per cambiare il gesto di una pastorella che osserva il volo di uno stormo di gru; e se guardi la composizione "Oche", esposta al Salon del 1867, sembra che in un altro momento - e la luce tremolante cambierà. Questo principio troverà poi la sua espressione nelle opere dei pittori impressionisti.
Tuttavia, va notato che nelle ultime opere di Millet, soprattutto nelle sue composizioni figurative, la ricerca della monumentalità è di nuovo palpabile. Questo può essere visto particolarmente chiaramente sulla tela “Ritorno dal campo. Evening ”(1873), in cui un gruppo di contadini e animali si staglia sullo sfondo del cielo serale come una sagoma generalizzata che si fonde.
Così, dal 1848 fino alla fine della sua vita, Millet si limitò a raffigurare il villaggio ei suoi abitanti. E sebbene non si sforzasse affatto di dare alle sue opere un forte significato sociale, ma volesse solo preservare a tutti i costi le tradizioni patriarcali, il suo lavoro era percepito come una fonte di idee rivoluzionarie.
Millet terminò la sua vita a Barbizon nel 1875.
Gustavo Courbet
Gustave Courbet, pittore, grafico e scultore francese, nasce nel 1819 nel sud della Francia, a Ornans, da una ricca famiglia di contadini. Prende le prime lezioni di pittura nella sua città natale, poi studia per qualche tempo al Collegio di Besançon e alla scuola di disegno di Flajulo.
Nel 1839, dopo aver convinto con grande difficoltà il padre della correttezza del percorso scelto, Courbet si recò a Parigi. Lì visitò contemporaneamente il noto laboratorio della Svizzera a quel tempo, dove lavorò duramente con la natura vivente, e il Louvre, copiando gli antichi maestri e ammirando il loro lavoro. Il giovane artista è rimasto particolarmente colpito dal lavoro degli spagnoli: D. Velasquez, J. Ribera e F. Zurbaran. Di tanto in tanto visitando i suoi luoghi natali, Courbet dipinge paesaggi con grande piacere, scolpendo volumi con uno spesso strato di pittura. Inoltre, lavora nel genere del ritratto (il più delle volte è lui stesso il modello) e dipinge tele su soggetti religiosi e letterari ("Lot con sua figlia", 1841).
Creando autoritratti, Courbet romanticizza in qualche modo il suo aspetto ("Ferito", 1844; "Happy Lovers", 1844-1845; "Man with a Pipe", 1846). Era un autoritratto che fu esposto per la prima volta da lui al Salon ("Autoritratto con un cane nero", 1844). La poesia e il sogno sentimentale pervadevano la tela "Dopo cena a Ornans" (1849). Con questo quadro l'artista sembra difendere il suo diritto a rappresentare ciò che conosce bene, ciò che ha osservato in un ambiente familiare: in cucina, dove, dopo aver terminato la cena, l'artista stesso, suo padre, il musicista Promaillet e Marlay, sono seduto. Tutti i personaggi sono raffigurati esattamente come apparivano realmente. Allo stesso tempo, Courbet è riuscito a trasmettere l'atmosfera generale creata dalla musica ascoltata dai personaggi nella foto. Inoltre, disponendo le figure su una grande tela, su larga scala, l'artista ha creato immagini generalizzate, raggiungendo monumentalità e significato, nonostante la trama quotidiana apparentemente ordinaria. Questa circostanza sembrò al pittore moderno al pubblico un'impudenza inaudita.
Tuttavia, Courbet non si ferma qui. Nelle opere esposte al Salon successivo (1850-1851), la sua audacia si spinge ancora oltre. Così, nella tela "Stone Crushers" (1849-1850), il pittore ha deliberatamente posto il significato sociale. Ha fissato un obiettivo con spietata veridicità per ritrarre il lavoro massacrante e la povertà senza speranza dei contadini francesi. Non c'è da stupirsi che Courbet abbia scritto in una spiegazione al dipinto: "È così che iniziano ed è così che finiscono". Per migliorare l'impressione, il maestro generalizza le immagini presentate. Nonostante una certa convenzionalità nella trasmissione della luce, il paesaggio è percepito in modo molto veritiero, tuttavia, come le figure delle persone. Oltre a Frantumatori di pietre, il pittore espose al Salon le tele Sepoltura a Ornan (1849) e Contadini di ritorno dalla fiera (1854). Tutti questi dipinti erano così diversi dalle opere di altri espositori da stupire i contemporanei di Courbet.
Pertanto, "Funeral in Ornan" è una tela di grande formato, insolita nel design e significativa nell'abilità artistica. Tutto in esso sembra insolito e insolito: il tema (il funerale di uno degli abitanti di un piccolo paese), ei personaggi (piccoli borghesi e ricchi contadini, scritti realisticamente). Il principio creativo di Courbet, proclamato in questa immagine - mostrare sinceramente la vita in tutta la sua bruttezza, non è passato inosservato. Non c'è da stupirsi che alcuni critici moderni l'abbiano definita “la glorificazione del brutto”, mentre altri, al contrario, hanno cercato di giustificare l'autore, perché “non è colpa dell'artista se gli interessi materiali, la vita di un piccolo paese, le meschinità provinciali lasciano tracce dei loro artigli sui volti, fanno uscire gli occhi, la fronte rugosa e l'espressione della bocca priva di significato. I borghesi sono così. M. Courbet scrive ai borghesi."
E infatti, sebbene i personaggi disegnati sulla tela non siano contrassegnati da alcuna particolare bellezza e spiritualità, tuttavia sono riportati in modo veritiero e sincero. Il maestro non aveva paura della monotonia, le sue figure sono statiche. Tuttavia, dall'espressione dei volti deliberatamente rivolti allo spettatore, si può facilmente intuire come si rapportano all'evento in corso, se li eccita. Va notato che Courbet non è arrivato immediatamente a una tale composizione. Inizialmente era previsto che non si disegnasse ogni singola faccia, come si può vedere dallo schizzo. Ma in seguito l'idea è cambiata e le immagini acquisiscono chiaramente i tratti del ritratto. Così, ad esempio, nella messa si riconoscono i volti del padre, della madre e della sorella dell'artista stesso, il poeta Max Buchon, i vecchi giacobini Plate e Cardo, il musicista Promaye e tanti altri abitanti di Ornan.
Nella foto, per così dire, si combinavano due stati d'animo: la cupa solennità, corrispondente al momento, e la vita di tutti i giorni. Il colore nero degli abiti a lutto è maestoso, le espressioni facciali sono rigorose e le pose di chi li accompagna nel loro ultimo viaggio sono immobili. L'atmosfera cupa del rito funebre è sottolineata anche da severe sporgenze rocciose. Tuttavia, anche in questo stato d'animo estremamente sublime, si intesse la prosa della vita, sottolineata dall'indifferenza del volto del servitore e degli impiegati, ma il volto della persona che sostiene la croce sembra particolarmente ordinario, addirittura indifferente. La solennità del momento è violata anche dal cane con la coda tra le zampe, raffigurato in primo piano.
Tutti questi dettagli chiarificatori sono molto importanti e significativi per un artista che sta cercando di opporre la sua opera all'arte ufficiale del Salon. Questo desiderio può essere rintracciato nelle ulteriori opere di Courbet. Ad esempio, nella tela "Bathers" (1853), che provocò una tempesta di indignazione per il fatto che i grassi rappresentanti della borghesia francese mostrati in essa si rivelarono diversi dalle ninfe trasparenti dei dipinti dei maestri del salone, e il loro la nudità è presentata dall'artista con la massima tangibilità e volume. Tutto ciò non solo non è stato accolto con favore, ma, al contrario, ha provocato una tempesta di indignazione, che però non ha fermato l'artista.
Nel corso del tempo, Courbet si rende conto di dover cercare un nuovo metodo artistico. Non poteva più accontentarsi di ciò che aveva cessato di corrispondere ai suoi piani. Presto Courbet arriva alla pittura tonale e alla modellazione dei volumi con la luce. Lui stesso ne parla così: "Faccio nei miei quadri quello che fa il sole in natura". Allo stesso tempo, nella maggior parte dei casi, l'artista scrive su uno sfondo scuro: prima mette i colori scuri, passa gradualmente a quelli chiari e li porta alla luce più brillante. La vernice viene applicata con sicurezza e vigore con una spatola.
Courbet non si blocca su nessun argomento, è costantemente alla ricerca. Nel 1855 il pittore espone lo "Studio d'artista", che è una sorta di dichiarazione. Lui stesso la definisce "una vera e propria allegoria che definisce il settennio della sua vita artistica". E sebbene questo quadro non sia il miglior lavoro di Courbet, la sua combinazione di colori, sostenuta da toni grigio-argento, parla dell'abilità coloristica del pittore.
Nel 1855 l'artista organizzò una mostra personale, che divenne una vera sfida non solo per l'arte accademica, ma per l'intera società borghese. La prefazione scritta dall'autore al catalogo di questa singolare mostra è indicativa. Quindi, rivelando il concetto di "realismo", afferma direttamente i suoi obiettivi: "Essere in grado di trasmettere i costumi, le idee, l'aspetto della mia epoca secondo la mia valutazione - in una parola, creare arte vivente - quello era il mio obiettivo. " Courbet ha visto tutti gli aspetti della realtà, la sua diversità e ha cercato di incarnarla nel suo lavoro con la massima veridicità. Che si tratti di un ritratto, di un paesaggio o di una natura morta, il maestro trasmette ovunque la materialità e la densità del mondo reale con lo stesso temperamento.
Negli anni '60 dell'Ottocento i confini tra il ritratto e la composizione di genere erano sfumati nelle opere del pittore (in futuro questa tendenza sarebbe stata caratteristica del lavoro di E. Manet e di altri artisti impressionisti). A questo proposito, i dipinti più rivelatori sono "Piccole donne inglesi a una finestra aperta in riva al mare" (1865) e "Ragazza con gabbiani" (1865). Una caratteristica distintiva di queste opere è che il pittore è interessato non tanto alle complesse esperienze dei personaggi quanto alla bellezza insita nel mondo materiale.
È caratteristico che dopo il 1855 l'artista si rivolga sempre più al paesaggio, osservando con grande attenzione gli elementi dell'aria e dell'acqua, il verde, la neve, gli animali ei fiori. Molti paesaggi di questo periodo sono dedicati a scene di caccia.
Lo spazio e gli oggetti presentati in queste composizioni sembrano sempre più reali.
Lavorando in questo modo, Courbet presta molta attenzione all'illuminazione. Quindi, in "Roes by the Stream" possiamo osservare la seguente immagine: sebbene gli alberi siano percepiti come meno voluminosi e gli animali quasi si fondano con lo sfondo del paesaggio, d'altra parte, lo spazio e l'aria sono percepiti abbastanza reali. Questa caratteristica è stata immediatamente notata dai critici che hanno scritto che Courbet era entrato in una nuova fase della creatività: "il percorso verso la luce e la luce". Di particolare rilievo sono i paesaggi marini ("Il mare al largo della costa della Normandia", 1867; "L'onda", 1870, ecc.). Confrontando paesaggi diversi, non si può
non notare come la gamma di colori cambia a seconda dell'illuminazione. Tutto ciò suggerisce che nell'ultimo periodo del lavoro di Courbet, cerca non solo di catturare il volume e la materialità del mondo, ma anche di trasmettere l'atmosfera circostante.
Concludendo il discorso su Courbet, non si può non dire che, rivoltosi alle opere di paesaggio, non ha smesso di lavorare su tele a tema sociale. Qui è necessario notare in particolare "Return from the Conference" (1863) - un'immagine che era una sorta di satira sul clero. Sfortunatamente, il dipinto non è sopravvissuto fino ad oggi.
Dal 1860 nei circoli del pubblico borghese cresce l'interesse per il lavoro dell'artista. Tuttavia, quando il governo decide di premiare Courbet, rifiuta il premio, poiché non vuole essere riconosciuto ufficialmente e appartenere a nessuna scuola. Durante i giorni della Comune di Parigi, Courbet prende parte attiva agli eventi rivoluzionari, per i quali successivamente va in prigione e viene espulso dal Paese. Mentre è dietro le sbarre, l'artista realizza numerosi disegni raffiguranti scene di strage contro i comunardi.
Esiliato dalla Francia, Courbet continua a scrivere. Così, ad esempio, in Svizzera ha creato diversi paesaggi realistici, di cui "La capanna in montagna" (1874 circa) è di particolare ammirazione. Nonostante il paesaggio sia notevole per le sue piccole dimensioni e la specificità del motivo, ha un carattere monumentale.
Fino alla fine della sua vita, Courbet è rimasto fedele al principio del realismo, nello spirito del quale ha lavorato per tutta la vita. Il pittore morì lontano dalla sua terra natale, a La Tour de Pels (Svizzera) nel 1877.
Dalla fine del XVIII sec. La Francia ha svolto un ruolo importante nella vita socio-politica dell'Europa occidentale. 19esimo secolo è stato caratterizzato da un ampio movimento democratico che ha abbracciato quasi tutti i settori della società francese. La rivoluzione del 1830 fu seguita dalla rivoluzione del 1848. Nel 1871, le persone che proclamarono la Comune di Parigi fecero il primo tentativo nella storia della Francia e di tutta l'Europa occidentale di impadronirsi del potere politico nello stato.
La situazione critica nel paese non poteva che influenzare l'atteggiamento della gente. In quest'epoca, l'intellighenzia francese avanzata cerca di trovare nuove strade nell'arte e nuove forme di espressione artistica. Ecco perché le tendenze realistiche sono state scoperte nella pittura francese molto prima che in altri paesi dell'Europa occidentale.
La rivoluzione del 1830 portò le libertà democratiche nella vita della Francia, di cui gli artisti grafici non mancarono di approfittare. Taglienti vignette politiche rivolte contro i circoli dominanti, così come i vizi prevalenti nella società, riempivano le pagine delle riviste Sharivari e Caricature. Le illustrazioni per i periodici sono state realizzate con la tecnica della litografia. Artisti come A. Monnier, N. Charlet, J. I. Granville, così come il notevole artista grafico francese O. Daumier, hanno lavorato nel genere della caricatura.
Un ruolo importante nell'arte francese tra le rivoluzioni del 1830 e del 1848 fu svolto dalla tendenza realistica nella pittura di paesaggio, la cosiddetta. scuola di barbizon. Questo termine deriva dal nome del piccolo e pittoresco villaggio di Barbizon vicino a Parigi, dove negli anni Trenta e Quaranta dell'Ottocento. molti artisti francesi vennero a studiare la natura. Non soddisfatti delle tradizioni dell'arte accademica, prive di concretezza vivente e identità nazionale, si precipitarono a Barbizon, dove, esaminando attentamente tutti i cambiamenti in atto nella natura, dipinsero quadri raffiguranti angoli modesti della natura francese.
Sebbene le opere dei maestri della scuola di Barbizon si distinguano per veridicità e obiettività, sentono sempre lo stato d'animo dell'autore, le sue emozioni ed esperienze. La natura nei paesaggi dei Barbizons non sembra maestosa e lontana, è vicina e comprensibile all'uomo.
Spesso gli artisti hanno dipinto lo stesso luogo (foresta, fiume, stagno) in momenti diversi della giornata e in condizioni meteorologiche diverse. Gli studi realizzati all'aria aperta sono stati elaborati in laboratorio, creando un quadro che fosse integrale in termini di composizione. Molto spesso, nell'opera pittorica finita, la freschezza dei colori caratteristica degli studi scompariva, quindi le tele di molti Barbizons si distinguevano per un colore scuro.
Il più grande rappresentante della scuola di Barbizon fu Theodore Rousseau, che, già noto paesaggista, si allontanò dalla pittura accademica e venne a Barbizon. Protestando contro la barbarica deforestazione, Rousseau dota la natura di qualità umane. Lui stesso ha parlato di ascoltare le voci degli alberi e di comprenderle. Ottimo conoscitore della foresta, l'artista trasmette in modo molto accurato la struttura, la specie e la scala di ogni albero ("Foresta di Fontainebleau", 1848–1850; "Oaks in Agremont", 1852). Allo stesso tempo, le opere di Rousseau mostrano che l'artista, il cui stile si è formato sotto l'influenza dell'arte accademica e della pittura degli antichi maestri, non poteva, per quanto ci provasse, risolvere il problema della trasmissione della luce e dell'aria . Pertanto, la luce e il colore nei suoi paesaggi sono molto spesso condizionali.
L'arte di Rousseau ha avuto una grande influenza sui giovani artisti francesi. I rappresentanti dell'Accademia, coinvolti nella selezione dei dipinti nei Salons, hanno cercato di impedire il lavoro di Rousseau alla mostra.
Famosi maestri della scuola di Barbizon furono Jules Dupre, i cui paesaggi contengono elementi di arte romantica ("La grande quercia", 1844–1855; "Paesaggio con mucche", 1850) e Narcissus Diaz, che abitava la foresta di Fontainebleau con figure nude di ninfe e divinità antiche (“Venere con amorino”, 1851).
Il rappresentante della generazione più giovane di Barbizons era Charles Daubigny, che iniziò la sua carriera con le illustrazioni, ma negli anni Quaranta dell'Ottocento. dedicato al paesaggio. I suoi paesaggi lirici, dedicati agli angoli senza pretese della natura, sono pieni di luce solare e aria. Molto spesso Daubigny dipingeva dal vero non solo schizzi, ma anche dipinti finiti. Costruì un'officina di barche, sulla quale navigò lungo il fiume, fermandosi nei luoghi più attraenti.
Il più grande artista francese del XIX secolo era vicino ai Barbizon. K. Coro.
La rivoluzione del 1848 portò a una straordinaria impennata nella vita sociale della Francia, nella sua cultura e arte. A quel tempo, nel paese lavoravano due importanti rappresentanti della pittura realistica: J.-F. Millet e G. Courbet.
Il realismo (dal latino "realis" - reale, materiale) è una tendenza nell'arte, è nata alla fine del XVIII secolo, ha raggiunto il suo apice nel XIX, continua a svilupparsi all'inizio del XX secolo ed esiste ancora. Il suo obiettivo è una riproduzione reale e obiettiva di oggetti e oggetti del mondo circostante, mantenendone le caratteristiche e le caratteristiche tipiche. Nel processo di sviluppo storico di tutta l'arte nel suo insieme, il realismo ha acquisito forme e metodi specifici, a seguito dei quali si distinguono le sue tre fasi: illuminismo (l'Età dell'Illuminismo, la fine del XVIII secolo), critico (XIX secolo) e realismo socialista (inizio del XX secolo).
Il termine "realismo" fu usato per la prima volta dal critico letterario francese Jules Jeanfleury, che nel suo libro "Realismo" (1857) interpretò questo concetto come un'arte creata per resistere a correnti come il romanticismo e l'accademismo. Ha agito come una forma di risposta all'idealizzazione, caratteristica del romanticismo e dei principi classici dell'accademismo. Avendo un forte orientamento sociale, è stato chiamato critico. Questa direzione rifletteva acuti problemi sociali nel mondo dell'arte, dava una valutazione di vari fenomeni nella vita della società di quel tempo. I suoi principi guida erano mostrare oggettivamente gli aspetti essenziali della vita, che allo stesso tempo contenevano l'altezza e la verità degli ideali dell'autore, riprodurre situazioni caratteristiche e personaggi tipici, pur mantenendo la pienezza della loro individualità artistica.
(Boris Kustodiev "Ritratto di D.F. Bogoslovsky")
Il realismo del primo Novecento mirava a trovare nuove connessioni tra una persona e la realtà che lo circonda, nuovi modi e metodi creativi, mezzi originali di espressione artistica. Spesso non è stato espresso nella sua forma pura, è caratterizzato da uno stretto legame con tendenze dell'arte del XX secolo come il simbolismo, il misticismo religioso, il modernismo.
Realismo in pittura
L'aspetto di questa tendenza nella pittura francese è principalmente associato al nome dell'artista Gustave Courbier. Dopo che diversi dipinti, in particolare quelli di grande importanza per l'autore, furono rifiutati come mostre all'Esposizione Mondiale di Parigi, nel 1855 aprì il suo "Padiglione del Realismo". La dichiarazione avanzata dall'artista proclamava i principi di una nuova direzione nella pittura, il cui scopo era creare un'arte vivente che trasmettesse i costumi, i costumi, le idee e l'aspetto dei suoi contemporanei. Il "realismo" di Courbier ha subito provocato una dura reazione da parte della società e della critica, che ha affermato che lui, "nascondendosi dietro il realismo, calunnia la natura", lo ha definito un artigiano della pittura, ne ha fatto parodie a teatro e lo ha calunniato in ogni modo possibile.
(Gustave Courbier "Autoritratto con cane nero")
L'arte realistica si basa sulla propria visione speciale della realtà circostante, che critica e analizza molti aspetti della società. Da qui il nome di realismo del XIX secolo "critico", perché criticava, prima di tutto, la natura disumana del crudele sistema di sfruttamento, mostrava la palese povertà e sofferenza della gente comune offesa, l'ingiustizia e la permissività di chi era al potere . Criticando le basi della società borghese esistente, gli artisti realisti erano nobili umanisti che credevano nel bene, nella giustizia suprema, nell'uguaglianza universale e nella felicità per tutti senza eccezioni. Successivamente (1870), il realismo si divide in due rami: naturalismo e impressionismo.
(Julien Dupré "Ritorno dai campi")
I temi principali degli artisti che dipingevano le loro tele nello stile del realismo erano scene di genere della vita urbana e rurale della gente comune (contadini, lavoratori), scene di eventi e incidenti di strada, ritratti di clienti abituali in caffè all'aperto, ristoranti e discoteche. Per gli artisti realisti, era importante trasmettere i momenti della vita nelle sue dinamiche, enfatizzare le caratteristiche individuali dei personaggi recitanti nel modo più plausibile possibile, mostrare realisticamente i loro sentimenti, emozioni ed esperienze. La caratteristica principale dei dipinti raffiguranti corpi umani è la loro sensualità, emotività e naturalismo.
Il realismo come direzione nella pittura si è sviluppato in molti paesi del mondo come Francia (Scuola di Barbizon), Italia (era noto come verismo), Gran Bretagna (Scuola figurativa), Stati Uniti (Scuola dei rifiuti di Edward Hopper, Scuola d'arte di Thomas Eakins), Australia (Heidelberg School, Tom Roberts, Frederick McCubbin), in Russia era conosciuto come il movimento dei Wanderers.
(Julien Dupré "Il pastore")
I dipinti francesi, scritti nello spirito del realismo, appartenevano spesso al genere paesaggistico, in cui gli autori cercavano di trasmettere la natura circostante, la bellezza della provincia francese, i paesaggi rurali, che, a loro avviso, dimostravano la "vera" Francia in tutto il suo splendore nel miglior modo possibile. I dipinti degli artisti realisti francesi non raffiguravano tipi idealizzati, c'erano persone reali, situazioni ordinarie senza abbellimenti, non c'era un'estetica abituale e l'imposizione di verità universali.
(Honoré Daumier "Carrozza di terza classe")
I rappresentanti più importanti del realismo francese nella pittura furono gli artisti Gustave Courbier ("Artist's Workshop", "Stone Crushers", "The Knitter"), Honore Daumier ("Third Class Carriage", "On the Street", "Laundress") , Francois Millet ("Seminatore", "Raccoglitori", "Angelus", "La morte e il taglialegna").
(François Millet "I raccoglitori")
In Russia, lo sviluppo del realismo nelle arti visive è strettamente connesso al risveglio della coscienza pubblica e allo sviluppo di idee democratiche. I cittadini progressisti della società hanno denunciato il sistema statale esistente, hanno mostrato profonda simpatia per il tragico destino del semplice popolo russo.
(Alexey Savrasov "Le torri sono arrivate")
Il gruppo di Wanderers, formato alla fine del XIX secolo, comprendeva grandi maestri russi del pennello come i paesaggisti Ivan Shishkin ("Mattina in una foresta di pini", "Segale", "Foresta di pini") e Alexei Savrasov (" The Rooks Have Arrived”, “Rural view”, “Rainbow”), maestri del genere e dipinti storici Vasily Perov (“Troika”, “Cacciatori a riposo”, “Processione religiosa rurale a Pasqua”) e Ivan Kramskoy (“Unknown” , "Dolore inconsolabile", "Cristo nel deserto"), l'eccezionale pittore Ilya Repin ("Trasportatori di chiatte sul Volga", "Non hanno aspettato", "La processione nella provincia di Kursk"), il maestro nel raffigurare eventi storici su larga scala Vasily Surikov ("Mattina dell'esecuzione di Streltsy", "Boyar Morozova", "Suvorov Crossing the Alps") e molti altri (Vasnetsov, Polenov, Levitan),
(Valentin Serov "La ragazza con le pesche")
All'inizio del XX secolo, le tradizioni del realismo erano saldamente radicate nelle belle arti di quel tempo; artisti come Valentin Serov ("Ragazza con le pesche", "Pietro I"), Konstantin Korovin ("In inverno", " At the Tea Table", "Boris Godunov . Coronation"), Sergei Ivanov ("Famiglia", "Arrivo del governatore", "Morte di un colono").
Il realismo nell'arte del XIX secolo
Il realismo critico, che apparve in Francia e raggiunse il suo apice in molti paesi europei entro la metà del XIX secolo, sorse in opposizione alle tradizioni dei movimenti artistici che lo precedettero, come il romanticismo e l'accademismo. Il suo compito principale era il riflesso oggettivo e veritiero della "verità della vita" con l'ausilio di specifici mezzi artistici.
L'emergere di nuove tecnologie, lo sviluppo della medicina, della scienza, vari rami della produzione industriale, la crescita delle città, l'aumento della pressione di sfruttamento su contadini e lavoratori, tutto ciò non poteva non influenzare la sfera culturale di quel tempo, che in seguito portò a lo sviluppo di un nuovo movimento nell'arte: il realismo, progettato per riflettere la vita della nuova società senza abbellimenti e distorsioni.
(Daniel defoe)
Lo scrittore e pubblicista inglese Daniel Defoe è considerato il fondatore del realismo europeo in letteratura. Nelle sue opere "Diary of the Plague Year", "Roxanne", "The Joys and Sorrows of Mole Flanders", "The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe", mostra varie contraddizioni sociali di quel tempo, si basano sul dichiarazione sul buon inizio di ogni persona, che può cambiare sotto la pressione di circostanze esterne.
Il fondatore del realismo letterario e del romanzo psicologico in Francia è lo scrittore Frederic Stendhal. I suoi famosi romanzi "Rosso e nero", "Rosso e bianco" hanno mostrato ai lettori che la descrizione delle scene ordinarie della vita e delle esperienze ed emozioni umane quotidiane può essere eseguita con la massima abilità ed elevarla al rango di arte. Tra gli eccezionali scrittori realisti del XIX secolo ci sono anche il francese Gustave Flaubert ("Madame Bovary"), Guy de Maupassant ("Caro amico", "Forte come la morte"), Honore de Balzac (serie di romanzi "The Human Comedy" ), l'inglese Charles Dickens ("Oliver Twist", "David Copperfield"), gli americani William Faulkner e Mark Twain.
Le origini del realismo russo erano maestri eccezionali della penna come il drammaturgo Alexander Griboedov, il poeta e scrittore Alexander Pushkin, il favolista Ivan Krylov, i loro successori Mikhail Lermontov, Nikolai Gogol, Anton Chekhov, Leo Tolstoy, Fyodor Dostoevsky.
Il dipinto del periodo del realismo del XIX secolo è caratterizzato da una rappresentazione obiettiva della vita reale. Gli artisti francesi guidati da Theodore Rousseau dipingono paesaggi rurali e scene di vita di strada, dimostrando che la natura ordinaria senza abbellimenti può anche essere un materiale unico per creare capolavori di belle arti.
Uno degli artisti realisti più scandalosi di quel tempo, che provocò una tempesta di critiche e condanne, fu Gustave Courbier. Le sue nature morte, i dipinti di paesaggi ("Deer at the Waterhole"), le scene di genere ("Funeral in Ornan", "Stone Crushers").
(Pavel Fedotov "Major's Matchmaking")
Il fondatore del realismo russo è l'artista Pavel Fedotov, i suoi famosi dipinti "Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier", nelle sue opere espone i costumi viziosi della società ed esprime la sua simpatia per i poveri e gli oppressi. I seguaci delle sue tradizioni possono essere chiamati il \u200b\u200bmovimento degli Erranti, fondato nel 1870 da quattordici dei migliori diplomati dell'Accademia delle arti imperiale di San Pietroburgo insieme ad altri pittori. La loro primissima mostra, inaugurata nel 1871, ebbe un enorme successo di pubblico, mostrava un riflesso della vita reale del semplice popolo russo, che si trova in terribili condizioni di povertà e oppressione. Questi sono i famosi dipinti di Repin, Surikov, Perov, Levitan, Kramskoy, Vasnetsov, Polenov, Ge, Vasiliev, Kuindzhi e altri eccezionali artisti realisti russi.
(Constantin Meunier "Industria")
Nell'Ottocento l'architettura, l'architettura e le relative arti applicate erano in uno stato di profonda crisi e declino, che predeterminavano condizioni sfavorevoli per lo sviluppo della scultura e della pittura monumentale. Il sistema capitalista dominante era ostile a quei tipi di arte che erano direttamente collegati alla vita sociale del collettivo (edifici pubblici, complessi di ampio significato civile), il realismo come tendenza artistica ha potuto svilupparsi pienamente nelle arti visive e parzialmente nella scultura. Importanti scultori realisti del XIX secolo: Constantine Meunier ("The Loader", "Industry", "The Pudding Man", "The Hammerman") e Auguste Rodin ("The Thinker", "Walking", "Citizens of Calais") .
Il realismo nell'arte del XX secolo
Nel periodo post-rivoluzionario e durante la creazione e il fiorire dell'URSS, il realismo socialista divenne la tendenza dominante nell'arte russa (1932 - l'apparizione di questo termine, il suo autore era lo scrittore sovietico I. Gronsky), che era un riflesso estetico del concetto socialista di società sovietica.
(K. Yuon "Nuovo pianeta")
I principi fondamentali del realismo sociale, finalizzati a una rappresentazione veritiera e realistica del mondo circostante nel suo sviluppo rivoluzionario, erano i principi:
- Nazionalità. Usa giri di parole comuni, proverbi, in modo che la letteratura sia comprensibile per le persone;
- Ideologico. Designare azioni eroiche, nuove idee e modi necessari per la felicità della gente comune;
- Specificità. Raffigura la realtà circostante nel processo di sviluppo storico, corrispondente alla sua comprensione materialistica.
In letteratura, i principali rappresentanti del realismo sociale erano gli scrittori Maxim Gorky ("Madre", "Foma Gordeev", "La vita di Klim Samgin", "At the Bottom", "Song of the Petrel"), Mikhail Sholokhov (" Virgin Soil Upturned", il romanzo epico "Quiet Don"), Nikolai Ostrovsky (il romanzo "How the Steel Was Tempered"), Alexander Serafimovich (la storia "Iron Stream"), il poeta Alexander Tvardovsky (la poesia "Vasily Terkin" ), Alexander Fadeev (i romanzi "Rout", "Young Guard") e altri
(M. L. Zvyagin "Lavorare")
Sempre in URSS, le opere di autori stranieri come lo scrittore pacifista Henri Barbusse (il romanzo "Fuoco"), il poeta e scrittore di prosa Louis Aragon, il drammaturgo tedesco Bertolt Brecht, la scrittrice e comunista tedesca Anna Segers (il romanzo " La settima croce") erano considerati tra gli scrittori realisti socialisti. , poeta e politico cileno Pablo Neruda, scrittore brasiliano Jorge Amado ("Capitani della sabbia", "Donna Flor e i suoi due mariti").
Eccezionali rappresentanti della direzione del realismo socialista nella pittura sovietica: Alexander Deineka ("Difesa di Sebastopoli", "Madre", "Futuri piloti", "Atleta"), V. Favorsky, Kukryniksy, A. Gerasimov ("Lenin sul podio ", "Dopo la pioggia" , “Ritratto di una ballerina O. V. Lepeshinskaya"), A. Plastov ("Cavalli al bagno", "Cena dei conducenti di trattori", "Mandria agricola collettiva"), A. Laktionov ("Lettera dal fronte ”), P. Konchalovsky (“Lilla” ), K. Yuon (“Komsomolskaya Pravda”, “People”, “New Planet”), P. Vasilyev (ritratti e francobolli raffiguranti Lenin e Stalin), V. Svarog (“Heroes -piloti al Cremlino prima del volo", "Primo maggio - Pionieri"), N. Baskakov ("Lenin e Stalin a Smolny") F. Reshetnikov ("Again deuce", "Arrivato in vacanza"), K. Maksimov e altri.
(Monumento a Vera Mukhina "Operaia e contadina collettiva")
Importanti scultori-monumentalisti sovietici dell'era del realismo socialista erano Vera Mukhina (monumento "Lavoratore e ragazza della fattoria collettiva"), Nikolai Tomsky (bassorilievo di 56 figure "Difesa, lavoro, riposo" sulla Casa dei Soviet sulla Moskovsky Prospekt a Leningrado), Evgeny Vuchetich (monumento "Warrior-Liberator" a Berlino, la scultura "The Motherland Calls!" a Volgograd), di Sergei Konenkov. Di norma, per le sculture monumentali di grandi dimensioni venivano selezionati materiali particolarmente durevoli, come il granito, l'acciaio o il bronzo, e venivano installati in spazi aperti per commemorare eventi storici particolarmente importanti o epiche gesta eroiche.