Una sorta di arte astratta. Composizione astratta (principi di visualizzazione delle sensazioni umane). In qualsiasi situazione poco chiara, utilizzare l'analisi formale

10.07.2019

Astrattismo (lat. abstractio- allontanamento, distrazione) o arte non figurativa- una direzione artistica che ha abbandonato la rappresentazione di forme approssimative alla realtà nella pittura e nella scultura. Uno degli obiettivi dell'astrattismo è raggiungere l'“armonizzazione” raffigurando determinate combinazioni di colori e forme geometriche, facendo sì che lo spettatore senta la completezza e la completezza della composizione. Figure di spicco: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Storia

Astrattismo(arte sotto il segno di "forme zero", arte non oggettiva) - una direzione artistica che si è formata nell'arte della prima metà del XX secolo, rifiutando completamente di riprodurre le forme del mondo visibile reale. I fondatori dell'astrattismo sono considerati V. Kandinsky , P. Mondrian E K. Malevich.

V. Kandinsky ha creato il proprio tipo di pittura astratta, liberando da ogni segno di oggettività le macchie degli impressionisti e del "selvaggio". Piet Mondrian raggiunse la sua inutilità attraverso la stilizzazione geometrica della natura, iniziata da Cezanne e dai cubisti. Le tendenze moderniste del 20 ° secolo, focalizzate sull'astrattismo, si discostano completamente dai principi tradizionali, negando il realismo, ma allo stesso tempo rimangono nel quadro dell'arte. La storia dell'arte con l'avvento dell'astrattismo conobbe una rivoluzione. Ma questa rivoluzione non è nata per caso, ma in modo del tutto naturale, ed è stata prevista da Platone! Nella sua opera successiva Filebo, scrisse della bellezza delle linee, delle superfici e delle forme spaziali in sé, indipendentemente da qualsiasi imitazione di oggetti visibili, da qualsiasi mimesi. Questo tipo di bellezza geometrica, in contrasto con la bellezza delle forme naturali “irregolari”, secondo Platone, non è relativa, ma incondizionata, assoluta.

20° secolo e presente

Dopo la prima guerra mondiale del 1914-18, le tendenze dell'arte astratta si manifestarono spesso in singole opere di rappresentanti del dadaismo e del surrealismo; contemporaneamente si determina il desiderio di trovare applicazione per forme non pittoriche nell'architettura, nelle arti decorative e nel design (esperimenti del gruppo Style e del Bauhaus). Diversi gruppi di arte astratta ("Arte concreta", 1930; "Cerchio e quadrato", 1930; "Astrazione e creatività", 1931), che uniscono artisti di varie nazionalità e tendenze, sorsero all'inizio degli anni '30, principalmente in Francia. Tuttavia, a quel tempo, e verso la metà degli anni '30, l'arte astratta non era molto diffusa. i gruppi si sciolsero. Durante gli anni della seconda guerra mondiale (1939-1945) sorse negli Stati Uniti una scuola del cosiddetto espressionismo astratto (pittori J. Pollock, M. Toby ecc.), che si sviluppò dopo la guerra in molti paesi (sotto il nome di tachisme o “arte senza forma”) e proclamò come metodo il “puro automatismo mentale” e l’impulsività soggettiva subconscia della creatività, il culto delle combinazioni inaspettate di colori e texture.

Nella seconda metà degli anni '50, negli Stati Uniti nacque l'arte dell'installazione, la pop art, che un po' più tardi glorificò Andy Warhol con la sua infinita replica di ritratti di Marilyn Monroe e lattine di cibo per cani: astrattismo del collage. Nelle arti visive degli anni '60 divenne popolare la forma di astrazione meno aggressiva e statica, il minimalismo. Allo stesso tempo Barnet Newmann, fondatore dell'astrattismo geometrico americano insieme a A. Lieberman, A. Held E K. Noland si impegnò con successo nell'ulteriore sviluppo delle idee del neoplasticismo olandese e del suprematismo russo.

Un'altra tendenza nella pittura americana era chiamata astrattismo "cromatico" o "post-pittura". I suoi rappresentanti in una certa misura respingevano il fauvismo e il postimpressionismo. Stile rigido, contorni netti enfatizzati delle opere E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella gradualmente lasciò il posto alla pittura di un magazzino contemplativo e malinconico. Negli anni '70 e '80 la pittura americana ritorna all'arte figurativa. Inoltre, una manifestazione così estrema come il fotorealismo si è diffusa. La maggior parte degli storici dell'arte concorda nel ritenere che gli anni '70 siano il momento della verità per l'arte americana, poiché durante questo periodo si liberò finalmente dall'influenza europea e divenne puramente americana. Tuttavia, nonostante il ritorno delle forme e dei generi tradizionali, dalla ritrattistica alla pittura storica, anche l’arte astratta non è scomparsa.

Dipinti, opere d'arte "non fine" furono create come prima, poiché il ritorno al realismo negli Stati Uniti non superò l'astrattismo in quanto tale, ma la sua canonizzazione, il divieto dell'arte figurativa, che si identificava principalmente con il nostro realismo sociale, e quindi non poteva essere considerato odioso in una società "liberamente democratica", il divieto dei generi "bassi", delle funzioni sociali dell'arte. Allo stesso tempo, lo stile della pittura astratta ha acquisito una certa morbidezza, che prima gli mancava: la razionalizzazione dei volumi, la sfocatura dei contorni, la ricchezza dei mezzitoni, le sottili soluzioni cromatiche ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

Tutte queste tendenze gettarono le basi per lo sviluppo dell’astrattismo moderno. Nella creatività non può esserci nulla di congelato, di definitivo, poiché ciò significherebbe per lui la morte. Ma qualunque sia il percorso intrapreso dall'astrattismo, qualunque sia la trasformazione che subisce, la sua essenza rimane sempre invariata. Sta nel fatto che l'astrattismo nelle belle arti è il modo più accessibile e nobile per catturare l'essere personale, e nella forma più adeguata, come una stampa in facsimile. Allo stesso tempo, l'astrattismo è una realizzazione diretta della libertà.

Indicazioni

Nell’astrattismo si possono distinguere due direzioni chiare: l’astrazione geometrica, basata principalmente su configurazioni chiaramente definite (Malevich, Mondrian), e l’astrazione lirica, in cui la composizione è organizzata da forme liberamente fluenti (Kandinsky). Anche nell’astrattismo ci sono molte altre importanti tendenze indipendenti.

Cubismo

Una tendenza d'avanguardia nelle arti visive, che ha avuto origine all'inizio del XX secolo ed è caratterizzata dall'uso di forme geometriche enfaticamente condizionate, dal desiderio di “dividere” oggetti reali in primitivi stereometrici.

Rayonismo (luchismo)

Direzione nell'arte astratta degli anni '10, basata sullo spostamento degli spettri luminosi e sulla trasmissione della luce. Caratteristica è l'idea dell'emergere di forme dall '"incrocio dei raggi riflessi di vari oggetti", poiché una persona percepisce effettivamente non l'oggetto in sé, ma "la somma dei raggi provenienti dalla sorgente luminosa, riflessi dal oggetto."

neoplasticismo

La designazione della direzione dell'arte astratta, che esisteva nel 1917-1928. in Olanda e riunirono gli artisti attorno alla rivista "De Stijl" ("Stile"). Caratterizzato da chiare forme rettangolari in architettura e pittura astratta nella disposizione di grandi piani rettangolari, dipinti nei colori primari dello spettro.

Orfismo

Direzione nella pittura francese degli anni '10. Gli artisti-orfisti hanno cercato di esprimere la dinamica del movimento e la musicalità dei ritmi con l'aiuto delle "regolarità" della compenetrazione dei colori primari dello spettro e dell'intersezione delle superfici curvilinee.

Suprematismo

Direzione nell'arte d'avanguardia, fondata negli anni '10. Malevich. Era espresso in combinazioni di piani multicolori dei contorni geometrici più semplici. La combinazione di figure geometriche multicolori forma equilibrate composizioni suprematiste asimmetriche permeate di movimento interno.

Tachisma

La tendenza dell’astrattismo dell’Europa occidentale degli anni ’50 e ’60, più diffusa negli Stati Uniti. È un dipinto con macchie che non ricreano immagini della realtà, ma esprimono l'attività inconscia dell'artista. Tratti, linee e macchie di tachisma vengono applicati sulla tela con rapidi movimenti della mano senza un piano premeditato.

espressionismo astratto

Il movimento degli artisti che dipingono velocemente e su tele di grandi dimensioni, utilizzando tratti non geometrici, pennelli di grandi dimensioni, a volte facendo gocciolare la vernice sulla tela, per far emergere al massimo le emozioni. Il metodo espressivo della pittura qui è spesso importante quanto il dipinto stesso.

Astrattismo all'interno

Recentemente, l'arte astratta ha iniziato a spostarsi dai dipinti degli artisti agli interni accoglienti della casa, aggiornandola favorevolmente. Lo stile minimalista con l'uso di forme chiare, a volte piuttosto insolite, rende la stanza insolita e interessante. Ma è facile esagerare con il colore. Considera la combinazione dell'arancione in un tale stile interno.

Il bianco diluisce al meglio l'arancia ricca e, per così dire, la raffredda. Il colore arancione rende la stanza più calda, quindi non molto; non prevenire. L'enfasi dovrebbe essere posta sui mobili o sul loro design, ad esempio un copriletto arancione. In questo caso, le pareti bianche copriranno la luminosità del colore, ma lasceranno la stanza colorata. In questo caso, i dipinti della stessa gamma saranno un'ottima aggiunta: l'importante è non esagerare, altrimenti ci saranno problemi con il sonno.

La combinazione di colori arancione e blu è dannosa per qualsiasi stanza, se non si applica alla stanza dei bambini. Se scegli tonalità non brillanti, si armonizzeranno con successo tra loro, aggiungeranno umore e non influenzeranno negativamente nemmeno i bambini iperattivi.

L'arancione si sposa bene con il verde, creando l'effetto di un albero di mandarino e una tinta di cioccolato. Il marrone è un colore che varia dal caldo al freddo, quindi normalizza perfettamente la temperatura generale della stanza. Inoltre, questa combinazione di colori è adatta per la cucina e il soggiorno, dove è necessario creare un'atmosfera, ma non sovraccaricare l'interno. Dopo aver decorato le pareti nei colori bianco e cioccolato, puoi tranquillamente mettere una sedia arancione o appendere un quadro luminoso con un ricco colore mandarino. Mentre sei in una stanza del genere, avrai un ottimo umore e il desiderio di fare quante più cose possibili.

Dipinti di famosi artisti astratti

Kandinsky è stato uno dei pionieri dell'arte astratta. Iniziò la sua ricerca nell'impressionismo e solo allora arrivò allo stile dell'astrattismo. Nel suo lavoro, ha sfruttato la relazione tra colore e forma per creare un'esperienza estetica che abbracciasse sia la visione che le emozioni del pubblico. Credeva che l'astrazione completa lasciasse spazio a un'espressione profonda e trascendente e che la copia della realtà interferisse solo con questo processo.

La pittura era profondamente spirituale per Kandinsky. Ha cercato di trasmettere la profondità delle emozioni umane attraverso un linguaggio visivo universale di forme e colori astratti che trascendessero i confini fisici e culturali. Lui vide astrattismo come modalità visiva ideale in grado di esprimere il "bisogno interiore" dell'artista e trasmettere idee ed emozioni umane. Si considerava un profeta la cui missione è condividere questi ideali con il mondo, a beneficio della società.

Nascosti in colori vivaci e chiare linee nere raffigurano diversi cosacchi con lance, oltre a barche, figure e un castello su una collina. Come in molti dipinti di questo periodo, rappresenta una battaglia apocalittica che porterà alla pace eterna.

Per facilitare lo sviluppo di uno stile pittorico non oggettivo, come descritto nel suo Sullo spirituale nell'arte (1912), Kandinsky riduce gli oggetti a simboli pittografici. Eliminando la maggior parte dei riferimenti al mondo esterno, Kandinsky espresse la sua visione in modo più universale, traducendo l'essenza spirituale del soggetto attraverso tutte queste forme in un linguaggio visivo. Molte di queste figure simboliche furono ripetute e perfezionate nei suoi lavori successivi, diventando ancora più astratte.

Kazimir Malevich

Le idee di Malevich sulla forma e sul significato nell'arte portano in qualche modo a concentrarsi sulla teoria dell'astrattismo stilistico. Malevich ha lavorato con diversi stili di pittura, ma soprattutto si è concentrato sullo studio delle forme geometriche pure (quadrati, triangoli, cerchi) e sulla loro relazione tra loro nello spazio pittorico. Attraverso i suoi contatti in Occidente, Malevich riuscì a trasmettere le sue idee sulla pittura ad amici artisti in Europa e negli Stati Uniti, influenzando così profondamente l'evoluzione dell'arte contemporanea.

"Quadrato nero" (1915)

L'iconico dipinto "Quadrato nero" fu mostrato per la prima volta da Malevich in una mostra a Pietrogrado nel 1915. Quest'opera incarna i principi teorici del Suprematismo sviluppati da Malevich nel suo saggio "Dal cubismo e futurismo al suprematismo: nuovo realismo nella pittura".

Sulla tela davanti allo spettatore c'è una forma astratta disegnata su uno sfondo bianco a forma di quadrato nero: è l'unico elemento della composizione. Anche se il dipinto sembra semplice, ci sono elementi come impronte digitali e pennellate che traspaiono attraverso gli strati neri di vernice.

Per Malevich il quadrato significa sentimenti, e quello bianco significa vuoto, niente. Vedeva il quadrato nero come una presenza divina, un'icona, come se potesse diventare una nuova immagine sacra per l'arte non oggettiva. Anche alla mostra, questa immagine è stata collocata nel luogo in cui di solito viene collocata l'icona in una casa russa.

Pie Mondrian

Piet Mondrian, uno dei fondatori del movimento olandese De Stijl, è riconosciuto per la purezza delle sue astrazioni e della pratica metodica. Ha semplificato piuttosto radicalmente gli elementi dei suoi dipinti per mostrare ciò che vedeva non direttamente, ma in modo figurato, e per creare un linguaggio estetico chiaro e universale nelle sue tele. Nei suoi dipinti più famosi degli anni '20, Mondrian riduce le forme a linee e rettangoli e la tavolozza alla più semplice. L'uso dell'equilibrio asimmetrico è diventato fondamentale per lo sviluppo dell'arte contemporanea e le sue iconiche opere astratte continuano a influenzare il design e sono familiari alla cultura popolare fino ai giorni nostri.

L '"albero grigio" è un esempio della prima transizione di Mondrian verso questo stile astrattismo. L'albero 3D è ridotto alle linee e ai piani più semplici, utilizzando solo i grigi e i neri.

Questo dipinto fa parte di una serie di opere di Mondrian che hanno adottato un approccio più realistico, dove, ad esempio, gli alberi sono presentati in modo naturalistico. Mentre i pezzi successivi diventavano sempre più astratti, ad esempio, le linee dell'albero si riducono fino a rendere la forma dell'albero appena visibile e secondaria rispetto alla composizione complessiva di linee verticali e orizzontali. Qui si vede ancora l'interesse di Mondrian ad abbandonare l'organizzazione strutturata delle linee. Questa mossa è stata significativa per lo sviluppo dell'astrazione pura di Mondrian.

Roberto Delaunay

Delaunay è stato uno dei primi artisti dello stile astratto. Il suo lavoro ha influenzato lo sviluppo di questa direzione, basata sulla tensione compositiva causata dal contrasto dei colori. Cadde rapidamente sotto l'influenza del colore neoimpressionista e seguì molto da vicino il sistema cromatico delle opere nello stile dell'astrattismo. Considerava il colore e la luce gli strumenti principali con cui è possibile influenzare l'oggettività del mondo.

Nel 1910 Delaunay aveva dato il proprio contributo al cubismo sotto forma di due serie di dipinti raffiguranti cattedrali e la Torre Eiffel, che combinavano forme cubiche, dinamiche di movimento e colori vivaci. Questo nuovo modo di utilizzare l’armonia dei colori contribuì a separare lo stile dal cubismo ortodosso, chiamato Orfismo, e influenzò immediatamente gli artisti europei. La moglie di Delaunay, l'artista Sonia Turk-Delaunay, continuò a dipingere nello stesso stile.

L'opera principale di Delaunay è dedicata alla Torre Eiffel, il famoso simbolo della Francia. Questo è uno dei più impressionanti di una serie di undici dipinti dedicati alla Torre Eiffel tra il 1909 e il 1911. È dipinto di rosso vivo, che lo distingue immediatamente dal grigiore della città circostante. Le dimensioni impressionanti della tela accrescono ulteriormente la grandiosità di questo edificio. Come un fantasma, la torre si erge sopra le case circostanti, scuotendo figurativamente le fondamenta stesse del vecchio ordine. La pittura di Delaunay trasmette questo sentimento di sconfinato ottimismo, innocenza e freschezza di un tempo che non ha ancora assistito a due guerre mondiali.

Frantisek Kupka

Frantisek Kupka è un artista cecoslovacco che dipinge nello stile astrattismo si è laureato all'Accademia delle arti di Praga. Da studente dipinse principalmente temi patriottici e scrisse composizioni storiche. I suoi primi lavori erano più accademici, tuttavia, il suo stile si è evoluto nel corso degli anni e alla fine si è evoluto nell'arte astratta. Scritti in modo molto realistico, anche i suoi primi lavori contenevano temi e simboli mistici e surreali, che venivano preservati durante la scrittura di astrazioni. Kupka credeva che l'artista e la sua opera prendessero parte ad un'attività creativa continua, la cui natura non è limitata, come un assoluto.

"Amorfa. Fuga in due colori" (1907-1908)

A partire dal 1907-1908, Kupka iniziò a dipingere una serie di ritratti di una ragazza che tiene una palla in mano, come se stesse per giocarci o ballare. Ha poi sviluppato rappresentazioni sempre più schematiche di lei e alla fine ha prodotto una serie di disegni completamente astratti. Sono stati realizzati in una tavolozza limitata di rosso, blu, nero e bianco. Nel 1912, al Salon d'Automne, una di queste opere astratte fu esposta pubblicamente per la prima volta a Parigi.

Astrattisti moderni

Dall’inizio del XX secolo, artisti, tra cui Pablo Picasso, Salvador Dalì, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky, hanno sperimentato le forme degli oggetti e la loro percezione, mettendo anche in discussione i canoni esistenti nell’arte. Abbiamo preparato una selezione dei più famosi artisti astratti moderni che hanno deciso di oltrepassare i propri confini della conoscenza e creare la propria realtà.

Artista tedesco David Schnel(David Schnell) ama vagare per luoghi che un tempo erano dominati dalla natura, e ora sono colmi di edifici abitati da persone, dai campi da gioco alle fabbriche e agli stabilimenti. I ricordi di queste passeggiate danno vita ai suoi luminosi paesaggi astratti. Dando libero sfogo alla sua immaginazione e memoria, piuttosto che a fotografie e video, David Schnell crea dipinti che ricordano la realtà virtuale del computer o illustrazioni per libri di fantascienza.

Creando i suoi dipinti astratti su larga scala, l'artista americana Cristina Baker(Kristin Baker) trae ispirazione dalla storia dell'arte e dalle corse Nascar e Formula 1. Inizialmente dà volume al suo lavoro, applicando diversi strati di vernice acrilica e nastro adesivo sulle sagome. Kristin poi lo stacca con cura, rivelando gli strati sottostanti di vernice e facendo sembrare la superficie dei suoi dipinti un collage multicolore a più strati. Nell'ultima fase del lavoro, raschia via tutte le irregolarità, facendo sembrare i suoi dipinti come se fossero una radiografia.

Nel suo lavoro, l'artista di origine greca di Brooklyn, New York, Elena Anagnos(Eleanna Anagnos) esplora aspetti della vita quotidiana che spesso vengono trascurati dalle persone. Nel corso del suo “dialogo con la tela”, concetti ordinari acquisiscono nuovi significati e sfaccettature: lo spazio negativo diventa positivo e le piccole forme aumentano di dimensioni. Cercando di dare vita in questo modo ai suoi dipinti, Eleanna cerca di risvegliare la mente umana, che ha smesso di porsi domande e di essere aperta a qualcosa di nuovo.

Dando vita a schizzi luminosi e macchie di vernice sulla tela, un artista americano Sara Spitler(Sarah Spitler) cerca di riflettere il caos, il disastro, lo squilibrio e il disordine nel suo lavoro. È attratta da questi concetti, poiché sfuggono al controllo di una persona. Pertanto, il loro potere distruttivo rende le opere astratte di Sarah Spitler potenti, energiche ed emozionanti. Oltretutto. l'immagine risultante sulla tela da inchiostro, colori acrilici, matite di grafite e smalto sottolinea la natura effimera e la relatività di ciò che accade intorno.

Traendo ispirazione dal campo dell'architettura, l'artista di Vancouver, Canada, Jeff Dapner(Jeff Depner) crea dipinti astratti stratificati costituiti da forme geometriche. Nel "caos" artistico da lui creato, Jeff cerca l'armonia nel colore, nella forma e nella composizione. Ciascuno degli elementi nei suoi dipinti è collegato tra loro e porta a quanto segue: "Il mio lavoro esplora la struttura compositiva [di un dipinto] attraverso le relazioni dei colori in una tavolozza scelta…". Secondo l'artista, i suoi dipinti sono "segni astratti" che dovrebbero portare lo spettatore a un nuovo livello inconscio.

L'astrazione nell'arte!

Astrattismo!

Astrattismo- Questa è una direzione nella pittura, che è evidenziata in uno stile speciale.

La pittura astratta, astrattismo o genere astratto, implica il rifiuto dell'immagine delle cose e delle forme reali.

L'astrattismo mira a evocare determinate emozioni e associazioni in una persona. Per questi scopi, i dipinti in stile astratto cercano di esprimere l'armonia di colori, forme, linee, macchie e così via. Tutte le forme e le combinazioni di colori che si trovano nel perimetro dell'immagine hanno un'idea, una propria espressione e un carico semantico. Non importa come appare allo spettatore, guardando l'immagine dove non ci sono altro che linee e macchie, tutto nell'astrazione è soggetto a determinate regole di espressione, la cosiddetta "composizione astratta".

L'astrazione nell'arte!

L'astrattismo, come direzione della pittura, è nato all'inizio del XX secolo contemporaneamente in diversi paesi europei.

Si ritiene che la pittura astratta sia stata inventata e sviluppata dal grande artista russo Wassily Kandinsky.

I fondatori e ispiratori riconosciuti dell'astrattismo sono gli artisti Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka e Robert Delaunay, che nelle loro opere teoriche si sono avvicinati alla definizione di "Astrattismo". Diversi negli scopi e negli obiettivi, i loro studi erano uniti in una cosa: l'astrattismo, come stadio più alto nello sviluppo delle belle arti, crea forme uniche per l'arte. Un artista “liberato” dalla copia della realtà pensa in speciali immagini pittoriche dell'incomprensibile principio spirituale dell'universo, delle eterne “essenze spirituali”, “forze cosmiche”.

La pittura astratta, che ha letteralmente fatto saltare in aria il mondo dell'arte, è diventata il simbolo dell'inizio di una nuova era nella pittura. Questa era significa una transizione completa da limiti e restrizioni alla completa libertà di espressione. L'artista non è più vincolato da nulla, può dipingere non solo persone, scene quotidiane e di genere, ma anche pensieri, emozioni, sensazioni e utilizzare per questo qualsiasi forma di espressione.

Oggi l'astrazione nell'arte è così ampia e varia da essere essa stessa suddivisa in molti tipi, stili e generi. Ogni artista o gruppo di artisti cerca di creare qualcosa di proprio, qualcosa di speciale, che possa meglio raggiungere i sentimenti e le sensazioni di una persona. Raggiungere questo obiettivo senza l’uso di forme e oggetti riconoscibili è molto difficile. Per questo motivo, le tele di artisti astratti, che evocano davvero sensazioni speciali e fanno meravigliare la bellezza e l'espressività di una composizione astratta, meritano grande rispetto, e l'artista stesso è considerato un vero genio della pittura.

Pittura astratta!

Dalla comparsa dell'Astrattismo, in esso sono state delineate due linee principali.

La prima è un'astrazione geometrica o logica che crea spazio combinando forme geometriche, piani colorati, linee rette e spezzate. Si incarna nel suprematismo di K. Malevich, nel neoplasticismo di P. Mondrian, nell'orfismo di R. Delone, nelle opere dei maestri dell'astrazione post-pittura e dell'op art.

La seconda è un'astrazione lirico-emotiva, in cui le composizioni sono organizzate da forme e ritmi liberamente fluenti, rappresentati dalle opere di V. Kandinsky, dalle opere dei maestri dell'espressionismo astratto, del tachisme e dell'arte informale.

Pittura astratta!

L'astrattismo, come pittura di particolare espressione personale, inizialmente rimase a lungo nell'underground. L'astrattismo, come molti altri generi nella storia della pittura, è stato ridicolizzato e persino condannato e censurato come arte priva di senso. Tuttavia, nel tempo, la posizione dell'astrazione è cambiata e ora esiste alla pari di tutte le altre forme d'arte.

Come fenomeno artistico, l'astrattismo ha avuto un enorme impatto sulla formazione e sullo sviluppo dello stile architettonico moderno, del design, delle arti industriali, applicate e decorative.

Maestri riconosciuti dell'astrattismo: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka. Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Polok, Josef Albers.

Arte astratta moderna nella pittura!

L'astrattismo è diventato un linguaggio importante di profonda comunicazione emotiva tra l'artista e lo spettatore nell'arte contemporanea.

Nell'astrattismo moderno compaiono nuove tendenze interessanti, utilizzando, ad esempio, immagini speciali di varie forme di colore. Quindi nelle opere di Andrei Krasulin, Valery Orlov, Leonid Pelikh, lo spazio del bianco - la più alta tensione del colore è generalmente pieno di infinite possibilità di variazione che consentono di utilizzare sia idee metafisiche sullo spirituale che leggi ottiche della riflessione della luce.

Nell'astrattismo moderno, lo spazio inizia a svolgere nuovi ruoli e forma diversi carichi semantici. Ad esempio, ci sono spazi di segni, simboli, che emergono dalle profondità della coscienza arcaica.

Nell'astrattismo moderno, anche la direzione della trama si sta sviluppando. In questo caso, pur mantenendo la non-oggettività, l'immagine astratta è costruita in modo tale da evocare associazioni specifiche - diversi livelli di astrazione.

L'astrattismo moderno è infinito entro i suoi confini: dalla situazione oggettiva al livello filosofico delle categorie astratte figurative. D'altra parte, nella moderna pittura astratta, l'immagine può sembrare l'immagine di un mondo fantastico, ad esempio il surrealismo astratto.

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Modello a canna singola, William Morris

"Astrattismo", chiamato anche "arte non oggettiva", "non figurativa", "non rappresentativa", "astrazione geometrica" o "arte concreta", è un termine generico piuttosto vago per qualsiasi oggetto di pittura o scultura che non raffigura oggetti o scene riconoscibili. Tuttavia, come possiamo vedere, non esiste un chiaro consenso sulla definizione, sui tipi o sul significato estetico dell’arte astratta. Picasso pensava che una cosa del genere non esistesse affatto, mentre alcuni storici dell'arte ritengono che tutta l'arte sia astratta, perché, ad esempio, nessun dipinto può contare di essere qualcosa di più di un sommario approssimativo di ciò che vede l'artista. Inoltre, esiste una scala mobile di astrazione, da semi-astratta a completamente astratta. Quindi, anche se la teoria è relativamente chiara – l’arte astratta è staccata dalla realtà – il compito pratico di separare le opere astratte da quelle non astratte può essere molto più problematico.

Qual è il concetto di arte astratta?

Cominciamo con un esempio molto semplice. Prendi un brutto disegno (non naturalistico) di qualcosa. L'esecuzione dell'immagine lascia molto a desiderare, ma se i suoi colori sono belli, il disegno riesce a stupirci. Ciò mostra come una qualità formale (colore) possa prevalere su una qualità rappresentativa (disegno).
D'altro canto, un dipinto fotorealistico, ad esempio, di una casa può mostrare una grafica eccellente, ma il soggetto, la combinazione di colori e la composizione complessiva possono essere completamente noiosi.
La giustificazione filosofica per valutare il valore delle qualità formali artistiche deriva dall'affermazione di Platone che: "Le linee rette e i cerchi... non sono solo belli... ma eterni e assolutamente belli".

Convergenza, Jackson Pollock, 1952

In sostanza, il detto di Platone significa che le immagini non naturalistiche (cerchi, quadrati, triangoli, ecc.) Hanno una bellezza assoluta e immutabile. Pertanto, un dipinto può essere giudicato solo per la sua linea e il suo colore, non è necessario che rappresenti un oggetto o una scena naturale. Il pittore, litografo e teorico dell’arte francese Maurice Denis (1870-1943) aveva lo stesso in mente quando scriveva: “Ricordate che un dipinto è prima di diventare un cavallo di guerra o una donna nuda... essenzialmente una superficie piana ricoperta di colore raccolto in un certo ordine."

Franco Stella

Tipi di arte astratta

Per semplificare le cose, possiamo dividere l’arte astratta in sei tipologie principali:

Curvilineo
in base al colore o alla luce
Geometrico
Emotivo o intuitivo
Gestuale
minimalista

Alcuni di questi tipi sono meno astratti di altri, ma implicano tutti la separazione dell'arte dalla realtà.

Arte astratta curvilinea

Caprifoglio, William Morris, 1876

Questo tipo è fortemente associato all'arte celtica, che utilizza una gamma di motivi astratti tra cui nodi (gli otto tipi principali), motivi intrecciati e spirali (incluso il triskele o triskelion). Questi motivi non furono inventati dai Celti, molte altre culture antiche usarono questi ornamenti celtici nel corso dei secoli. Tuttavia, è giusto dire che i designer celtici hanno dato nuova vita a questi modelli rendendoli più intricati e intricati. Successivamente ritornarono nel corso del XIX secolo ed erano particolarmente evidenti nelle copertine di libri, nei tessuti, nella carta da parati e nei disegni di calicò come quelli di William Morris (1834-96) e Arthur McMurdo (1851-1942). L'astrazione curvilinea è caratterizzata anche dal concetto di "quadro infinito", una caratteristica diffusa dell'arte islamica.

Arte astratta basata sul colore o sulla luce

Ninfea, Claude Monet

Questo tipo è illustrato nel lavoro di Turner e Monet, che usano il colore (o la luce) in modo tale da separare l'opera d'arte dalla realtà mentre l'oggetto si dissolve in un vortice di pigmento. Esempi sono i dipinti Ninfea di Claude Monet (1840-1926), Talismano (1888, Musee d'Orsay, Parigi), Paul Serusier (1864-1927). Molti dei dipinti espressionisti di Kandinsky, dipinti ai suoi tempi con Der Blaue Reiter, sono molto vicini all'astrazione. L’astrazione colorata riapparve alla fine degli anni Quaranta e Cinquanta sotto forma di pittura a colori sviluppata da Mark Rothko (1903-70) e Barnett Newman (1905-70). Negli anni Cinquanta emerse in Francia una varietà parallela di pittura astratta legata al colore, nota come astrazione lirica.

Talismano, Paul Serusier

astrazione geometrica

Boogie Woogie a Broadway di Piet Mondrian, 1942

Questo tipo di arte astratta intellettuale esiste dal 1908. Una delle prime forme rudimentali fu il cubismo, in particolare il cubismo analitico, che rifiutava la prospettiva lineare e l’illusione della profondità spaziale nella pittura per concentrarsi sui suoi aspetti bidimensionali. L'astrazione geometrica è anche conosciuta come arte concreta e arte senza oggetto. Come ci si potrebbe aspettare, è caratterizzato da immagini non naturalistiche, solitamente forme geometriche come cerchi, quadrati, triangoli, rettangoli, ecc. In un certo senso, senza alcun riferimento o connessione con il mondo naturale, l'astrattismo geometrico è il più puro forma di astrazione. Si potrebbe dire che l’arte concreta sta all’arte astratta come il veganismo sta al vegetarianismo. L'astrazione geometrica è rappresentata dal Cerchio nero (1913, Museo statale russo, San Pietroburgo), dipinto da Kazimir Malevich (1878-1935) (il fondatore del Suprematismo); Boogie Woogie on Broadway (1942, MoMA, New York) Piet Mondrian (1872-1944) (fondatore del neoplasticismo); e Composizione VIII (La Mucca) (1918, MoMA, New York) di Theo Van Dosburg (1883-1931) (fondatore di De Stijl e dell'Elementarismo). Altri esempi includono Appello alla piazza di Josef Albers (1888-1976) e Op-Art di Victor Vasarely (1906-1997).

Cerchio nero, Kazimir Malevich, 1920

Composizione VIII, Theo Van Dosburg

Arte astratta emotiva o intuitiva

Questo tipo di arte abbraccia una combinazione di stili il cui filo conduttore è la tendenza naturalistica. Questo naturalismo si manifesta nelle forme e nei colori utilizzati. A differenza dell’astrazione geometrica, che è quasi anti-natura, l’astrazione intuitiva spesso raffigura la natura, ma in modo meno rappresentativo. Due fonti importanti per questo tipo di arte astratta sono: l'astrazione organica (detta anche astrazione biomorfica) e il surrealismo. Forse l'artista più famoso specializzato in questa forma d'arte fu Mark Rothko (1938-70), nato in Russia. Altri esempi includono dipinti di Kandinsky come Composizione n. 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) e Composizione VII (1913, Galleria Tretyakov); Donna (1934, Collezione privata) Joan Miro (1893-1983) e Divisibilità indefinita (1942, Allbright-Knox Art Gallery, Buffalo) Yves Tanguy (1900-55).

Divisibilità indefinita, Yves Tanguy

Gesticolazione (gestuale) arte astratta

Senza titolo, D. Pollock, 1949

Questa è una forma di espressionismo astratto in cui il processo di creazione di un dipinto diventa più importante del solito. Ad esempio, la vernice viene applicata in modo insolito, i tratti sono spesso molto sciolti e veloci. Notevoli esponenti della pittura di segni americana includono Jackson Pollock (1912-56), inventore dell'Action-Painting e sua moglie Lee Krasner (1908-84), che lo ispirò a inventare una propria tecnica, il cosiddetto "drip painting"; Willem de Kooning (1904-97), famoso per il suo lavoro nella serie Woman; e Robert Motherwell (1912-56). In Europa questa forma è rappresentata dal gruppo Cobra, in particolare Karel Appel (1921-2006).

arte astratta minimalista

Imparare a disegnare, Ed Reinhardt, 1939

Questo tipo di astrazione era una sorta di arte d'avanguardia, priva di ogni riferimento e associazione esterna. Questo è ciò che vedi e nient'altro. Spesso assume una forma geometrica. Questo movimento è dominato dagli scultori, sebbene includa anche alcuni grandi artisti come Ed Reinhardt (1913-67), Frank Stella (nato nel 1936), i cui dipinti sono di grandi dimensioni e includono gruppi di forme e colori; Sean Scully (nato nel 1945) artista irlandese-americano le cui forme rettangolari di colore sembrano imitare le forme monumentali delle strutture preistoriche. Anche Joe Baer (nato nel 1929), Ellsworth Kelly (1923-2015), Robert Mangold (nato nel 1937), Bryce Marden (nato nel 1938), Agnes Martin (1912-2004) e Robert Ryman (nato nel 1930).

Ellsworth Kelly

Franco Stella

È nella natura umana mettere tutto sugli scaffali, trovare un posto per ogni cosa e dargli un nome. Ciò può essere particolarmente difficile da fare nell'arte, dove il talento è una categoria tale da non consentire di comprimere una persona o un'intera tendenza in una cella di un catalogo generale ordinato. L’astrattismo è proprio uno di questi concetti. Se ne discute da oltre un secolo.

Abstractio: distrazione, separazione

I mezzi espressivi della pittura sono la linea, la forma, il colore. Se li separi da valori, riferimenti e associazioni inutili, diventano ideali, assoluti. Anche Platone parlava della vera, corretta bellezza delle linee rette e delle forme geometriche. L'assenza di un'analogia tra ciò che viene raffigurato e gli oggetti reali apre la strada all'influenza sullo spettatore di qualcos'altro di sconosciuto, inaccessibile alla coscienza ordinaria. Il valore artistico dell'immagine stessa dovrebbe essere superiore all'importanza di ciò che raffigura, perché la pittura di talento dà vita a un nuovo mondo sensoriale.

Così argomentavano i riformatori. Per loro, l'astrattismo è un modo per trovare metodi che non hanno mai visto prima il potere.

Nuovo secolo - nuova arte

I critici d'arte discutono su cosa sia l'astrattismo. Gli storici dell'arte difendono con fervore il loro punto di vista, colmando le lacune nella storia della pittura astratta. Ma la maggioranza era d'accordo con l'epoca della sua nascita: nel 1910 a Monaco, Wassily Kandinsky (1866-1944) espose la sua opera “Senza titolo. (Il primo acquerello astratto)."

Ben presto Kandinsky nel suo libro "Sullo spirituale nell'arte" proclamò la filosofia di una nuova tendenza.

La cosa principale è l'impressione

Non si dovrebbe pensare che l'astrattismo nella pittura sia nato da zero. Gli impressionisti hanno mostrato un nuovo significato di colore e luce nella pittura. Allo stesso tempo, il ruolo della prospettiva lineare, dell'esatta osservanza delle proporzioni, ecc. è diventato meno importante. Tutti i principali maestri dell'epoca caddero sotto l'influenza di questo stile.

I paesaggi di James Whistler (1834-1903), i suoi "notturni" e "sinfonie", ricordano sorprendentemente i capolavori dei pittori espressionisti astratti. A proposito, Whistler e Kandinsky avevano la sinestesia: la capacità di dotare i colori di un suono di una certa proprietà. E i colori delle loro opere suonano come musica.

Nelle opere di Paul Cezanne (1839-1906), soprattutto nel periodo tardo della sua opera, la forma dell'oggetto si modifica, acquisendo uno speciale tipo di espressività. Non c'è da stupirsi che Cezanne sia considerato il precursore del cubismo.

Movimento generale in avanti

L'astrattismo nell'arte ha preso forma in un'unica tendenza nel corso del progresso generale della civiltà. L'ambiente degli intellettuali era eccitato dalle nuove teorie filosofiche e psicologiche, gli artisti cercavano connessioni tra il mondo spirituale e quello materiale, la personalità e lo spazio. Quindi, Kandinsky, nelle sue giustificazioni per la teoria dell'astrazione, si basa sulle idee espresse nei libri teosofici di Helena Blavatsky (1831-1891).

Scoperte fondamentali nel campo della fisica, della chimica e della biologia hanno cambiato le idee sul mondo, sul potere dell’influenza umana sulla natura. Il progresso tecnologico ha ridotto la scala della terra, la scala dell'universo.

Con il rapido sviluppo della fotografia, molti artisti decisero di darle una funzione documentaristica. Sostenevano: il compito della pittura non è copiare, ma creare una nuova realtà.

L’astrattismo è una rivoluzione. E le persone di talento con sensibili sintonizzazioni mentali sentivano che stava arrivando il momento del cambiamento sociale. Non avevano torto. Il XX secolo è iniziato e proseguito con sconvolgimenti senza precedenti nella vita dell'intera civiltà.

Padri fondatori

Insieme a Kandinsky, Kazimir Malevich (1879-1935) e l'olandese Piet Mondrian (1872-1944) furono all'origine della nuova tendenza.

Chi non conosce il "Quadrato nero" di Malevich? Fin dalla sua apparizione nel 1915, ha entusiasmato sia i professionisti che i profani. Alcuni lo vedono come un vicolo cieco, altri come un semplice oltraggioso. Ma tutta l'opera del maestro parla della scoperta di nuovi orizzonti nell'arte, dell'andare avanti.

La teoria del Suprematismo (lat. supremus - il più alto), sviluppata da Malevich, affermava il primato del colore tra gli altri mezzi di pittura, paragonava il processo di dipingere un'immagine a un atto di Creazione, "arte pura" nel senso più alto. Segni profondi ed esteriori del Suprematismo si possono trovare nelle opere di artisti, architetti e designer contemporanei.

L'opera di Mondrian ha avuto la stessa influenza sulle generazioni successive. Il suo neoplasticismo si basa sulla generalizzazione della forma e sull'uso attento del colore aperto e non distorto. Orizzontali e verticali neri diritti su uno sfondo bianco formano una griglia con celle di diverse dimensioni e le celle sono riempite con colori locali. L'espressività dei dipinti del maestro ha spinto gli artisti alla loro comprensione creativa o alla copia cieca. L'astrattismo viene utilizzato da artisti e designer quando creano oggetti molto reali. Soprattutto spesso i motivi Mondrian si trovano nei progetti architettonici.

Avanguardia russa: poesia dei termini

Gli artisti russi erano particolarmente ricettivi alle idee dei loro compatrioti: Kandinsky e Malevich. Queste idee si adattano particolarmente bene all'era turbolenta della nascita e della formazione di un nuovo sistema sociale. La teoria del Suprematismo fu trasformata da Lyubov Popova (1889-1924) e (1891-1956) nella pratica del costruttivismo, che ebbe un'influenza particolare sulla nuova architettura. Gli oggetti costruiti in quell'epoca sono ancora oggetto di studio da parte degli architetti di tutto il mondo.

Mikhail Larionov (1881-1964) e Natalya Goncharova (1881-1962) divennero i fondatori del Rayonismo o Rayonismo. Hanno cercato di mostrare un bizzarro intreccio di raggi e piani luminosi emessi da tutto ciò che riempie il mondo circostante.

Alexandra Esther (1882-1949), (1882-1967), Olga Rozanova (1886-1918), Nadezhda Udaltsova (1886-1961) parteciparono al movimento cubo-futurista, che studiò anche poesia.

L'astrattismo nella pittura è sempre stato portavoce di idee estreme. Queste idee irritavano le autorità dello stato totalitario. Nell'URSS, e più tardi nella Germania nazista, gli ideologi determinarono rapidamente quale tipo di arte sarebbe stata comprensibile e necessaria per le persone, e all'inizio degli anni '40 del XX secolo il centro di sviluppo dell'arte astratta si spostò in America.

Canali di un flusso

L’astrattismo è una definizione piuttosto vaga. Laddove l'oggetto della creatività non ha un'analogia specifica con il mondo circostante, si parla di astrazione. Nella poesia, nella musica, nel balletto, nell'architettura. Nelle arti visive, le forme e i tipi di questa tendenza sono particolarmente diversi.

Si possono distinguere i seguenti tipi di arte astratta nella pittura:

Composizioni cromatiche: nello spazio della tela il colore è la cosa principale e l'oggetto si dissolve nel gioco dei colori (Kandinsky, Frank Kupka (1881-1957), orfista (1885-1941), Mark Rothko (1903-1970) , Barnet Newman (1905-1970)).

L’astrattismo geometrico è un tipo più intellettuale e analitico di pittura d’avanguardia. Rifiuta la prospettiva lineare e l'illusione della profondità, risolvendo la questione del rapporto tra le forme geometriche (Malevich, Mondrian, l'elementalista Theo van Doesburg (1883-1931), Josef Albers (1888-1976), seguace dell'op art (1906-1997) )).

Astrattismo espressivo: qui è particolarmente importante il processo di creazione di un'immagine, a volte il metodo stesso di applicazione della vernice, come, ad esempio, tra i tashist (da tache - spot) (Jackson Pollock (1912-1956), tashist Georges Mathieu (1921- 2012), Willem de Kooning (1904-1997), Robert Motherwell (1912-1956)).

Il minimalismo è un ritorno alle origini dell'avanguardia artistica. Le immagini sono completamente prive di collegamenti e associazioni esterne (nato nel 1936), Sean Scully (nato nel 1945), Ellsworth Kelly (nato nel 1923)).

Astrattismo: lontano nel passato?

Allora cos’è l’astrattismo adesso? Ora puoi leggere online che la pittura astratta è una cosa del passato. Avanguardia russa, quadrato nero: chi ne ha bisogno? Ora è il momento della velocità e dell’informazione chiara.

Informazioni: uno dei dipinti più costosi nel 2006 è stato venduto per oltre 140 milioni di dollari. Si chiama "No. 5.1948", l'autore è Jackson Pollock, un artista astratto espressivo.

Per me lo stile dell’arte astratta è innanzitutto un confronto con la logica della civiltà. Tutta la storia della civiltà del secolo scorso è costruita su formule, algoritmi, principi, equazioni e regole. Tuttavia, è nella natura umana lottare per l’equilibrio e l’armonia. A questo proposito, all'alba del secolo della rivoluzione scientifica e tecnologica, appare un movimento artistico che non obbedisce ai canoni classici del disegno, ma, al contrario, si pone come obiettivo quello di dare libertà all'inconscio e al caotico , a prima vista privo di significato, ma dando così a una persona l'opportunità di liberarsi dall'influenza di norme e dogmi e mantenere l'armonia interna.

Astrattismo(dal latino abstractus - remoto, astratto) è una tendenza molto ampia nell'arte del XX secolo, nata all'inizio degli anni '10 in diversi paesi europei. L'astrattismo è caratterizzato dall'uso di elementi esclusivamente formali per rappresentare la realtà, dove l'imitazione o una fedele rappresentazione della realtà non era fine a se stessa.

I fondatori dell'astrattismo sono gli artisti russi e l'olandese Piet Mondrian, il francese Robert Delaunay e il ceco Frantisek Kupka. Il loro metodo di disegno si basava sul desiderio di "armonizzazione", sulla creazione di determinate combinazioni di colori e forme geometriche per evocare varie associazioni nel contemplatore.

Cubismo— una tendenza d'avanguardia nelle arti visive, che ha avuto origine all'inizio del XX secolo ed è caratterizzata dall'uso di forme geometriche enfaticamente condizionate, dal desiderio di “dividere” oggetti reali in primitivi stereometrici.

Rayonismo (luchismo)- una tendenza nell'arte astratta degli anni '10, basata sullo spostamento degli spettri luminosi e sulla trasmissione della luce. Caratteristica è l'idea dell'emergere di forme dall '"incrocio dei raggi riflessi di vari oggetti", poiché una persona percepisce effettivamente non l'oggetto in sé, ma "la somma dei raggi provenienti dalla sorgente luminosa, riflessi dal oggetto."

neoplasticismo- designazione della direzione dell'arte astratta, che esisteva nel 1917-1928. in Olanda e riunirono gli artisti attorno alla rivista "De Stijl" ("Stile"). Caratterizzato da chiare forme rettangolari in architettura e pittura astratta nella disposizione di grandi piani rettangolari, dipinti nei colori primari dello spettro.

Orfismo- una tendenza nella pittura francese degli anni '10. Gli artisti-orfisti hanno cercato di esprimere la dinamica del movimento e la musicalità dei ritmi con l'aiuto delle "regolarità" della compenetrazione dei colori primari dello spettro e dell'intersezione delle superfici curvilinee.

Suprematismo- una direzione nell'arte d'avanguardia, fondata negli anni '10. Malevich. Era espresso in combinazioni di piani multicolori dei contorni geometrici più semplici. La combinazione di figure geometriche multicolori forma equilibrate composizioni suprematiste asimmetriche permeate di movimento interno.

Tachisma- una tendenza nell'astrattismo dell'Europa occidentale degli anni '50 e '60, che era più diffusa negli Stati Uniti. È un dipinto con macchie che non ricreano immagini della realtà, ma esprimono l'attività inconscia dell'artista. Tratti, linee e macchie di tachisma vengono applicati sulla tela con rapidi movimenti della mano senza un piano premeditato.

espressionismo astratto- il movimento degli artisti che dipingono velocemente e su tele di grandi dimensioni, utilizzando tratti non geometrici, pennelli di grandi dimensioni, a volte facendo gocciolare vernice sulla tela, per rivelare pienamente le emozioni. Il metodo espressivo della pittura qui è spesso importante quanto il dipinto stesso.