Eugène Henri Paul Gauguin

"Autoritratto" 1888

Gauguin Paul (1848–1903), pittore francese. In gioventù prestò servizio come marinaio e dal 1871 al 1883 come agente di cambio a Parigi. Negli anni '70 dell'Ottocento Paul Gauguin iniziò a dipingere, partecipò a mostre impressioniste e si avvalse dei consigli di Camille Pissarro. Dal 1883 si dedicò interamente all'arte, cosa che portò Gauguin alla povertà, alla separazione dalla famiglia e al vagabondaggio. Nel 1886 Gauguin visse a Pont-Aven (Bretagna), nel 1887 - a Panama e sull'isola di Martinica, nel 1888, insieme a Vincent van Gogh, lavorò ad Arles, nel 1889-1891 - a Le Pouldu (Bretagna) . Il rifiuto della società contemporanea ha suscitato l'interesse di Gauguin per lo stile di vita tradizionale, per l'arte della Grecia arcaica, per i paesi dell'Antico Oriente e per le culture primitive. Nel 1891, Gauguin partì per l'isola di Tahiti (Oceania) e dopo un breve ritorno (1893–1895) in Francia, si stabilì definitivamente sulle isole (prima a Tahiti, dal 1901 sull'isola di Hiva Oa). Anche in Francia, la ricerca di immagini generalizzate, il significato misterioso dei fenomeni (“Vision after the Sermon”, 1888, National Gallery of Scotland, Edimburgo; “Yellow Christ”, 1889, Albright Gallery, Buffalo) avvicina Gauguin al simbolismo e alla ha portato lui e un gruppo di giovani artisti che hanno lavorato sotto la sua influenza a creare un sistema pittorico unico - il "sintetismo", in cui la modellazione ritagliata di volumi, luce-aria e prospettive lineari è sostituita da un confronto ritmico di piani individuali di colore puro, che riempie completamente le forme degli oggetti e gioca un ruolo di primo piano nella creazione della struttura emotiva e psicologica dell'immagine (“Caffè ad Arles”, 1888, Museo Pushkin, Mosca). Questo sistema fu ulteriormente sviluppato nei dipinti dipinti da Gauguin nelle isole dell'Oceania. Descrivendo la lussureggiante bellezza pura della natura tropicale, persone naturali incontaminate dalla civiltà, l'artista ha cercato di incarnare il sogno utopico di un paradiso terrestre, di una vita umana in armonia con la natura ("Sei geloso?", 1892; "The King's Moglie", 1896; "Raccogliere frutti") ", 1899, - tutti i dipinti nel Museo Pushkin, Mosca; "Donna con un frutto", 1893, Hermitage, San Pietroburgo).

"Paesaggio tahitiano" 1891, Museo d'Orsay, Parigi

"Due ragazze" 1899, Metropolitan, New York

"Paesaggio bretone" 1894, Museo d'Orsay, Parigi

"Ritratto di Madeleine Bernard" 1888, Museo d'Arte, Grenoble

"Villaggio bretone nella neve" 1888, Museo d'Arte, Göteborg

"Il risveglio dello spirito dei morti" 1892, Knox Gallery, Buffalo

Le tele di Gauguin, per il loro colore decorativo, la piattezza e la monumentalità della composizione, e la generalità del disegno stilizzato, simile ai pannelli, portavano molte caratteristiche dello stile Art Nouveau che stava emergendo in questo periodo, e influenzarono le ricerche creative dell'epoca. maestri del gruppo “Nabi” e altri pittori del primo Novecento. Gauguin lavorò anche nel campo della scultura e della grafica.

"Donne tahitiane sulla spiaggia" 1891

"Sei geloso?" 1892

"Donne di Tahiti" 1892

"Sulla costa" 1892

"Grandi alberi" 1891

"Mai (Oh ​​Tahiti)" 1897

"Festa dei Santi" 1894

"Vairumati" 1897

"Quando ti sposerai?" 1892

"In riva al mare" 1892

"Solo" 1893

"Pastorali tahitiani" 1892

"Contes barbares" (Racconti barbari)

"Maschera di Tehura" 1892, legno di pua

"Merahi metua no Teha" amana (Antenati di Teha "amana)" 1893

"Madame Mette Gauguin in abito da sera"

Nell'estate della fine degli anni '80 del secolo scorso, molti artisti francesi si riunirono a Pont-Aven (Bretagna, Francia). Si sono riuniti e quasi immediatamente si sono divisi in due gruppi ostili. Un gruppo comprendeva artisti che intrapresero il percorso della ricerca e furono uniti dal nome comune “impressionisti”. Secondo il secondo gruppo, guidato da Paul Gauguin, questo nome era offensivo. P. Gauguin a quel tempo aveva già meno di quarant'anni. Circondato dall'aura misteriosa di un viaggiatore che aveva esplorato terre straniere, aveva una vasta esperienza di vita e ammiratori e imitatori del suo lavoro.

Entrambi i campi erano divisi in base alla loro posizione. Mentre gli impressionisti vivevano nelle soffitte o nelle mansarde, altri artisti occupavano le stanze migliori del Gloanek Hotel e cenavano nella sala più grande e bella del ristorante, dove i membri del primo gruppo non erano ammessi. Tuttavia, gli scontri tra le fazioni non solo non hanno impedito a P. Gauguin di lavorare, al contrario, in una certa misura lo hanno aiutato a realizzare quelle caratteristiche che gli hanno causato una violenta protesta. Il rifiuto del metodo analitico degli impressionisti fu una manifestazione del suo completo ripensamento dei compiti della pittura. Il desiderio degli impressionisti di catturare tutto ciò che vedevano, il loro stesso principio artistico - dare ai loro dipinti l'aspetto di qualcosa di notato accidentalmente - non corrispondeva alla natura imperiosa ed energica di P. Gauguin.

Ancora meno soddisfatto fu la ricerca teorica e artistica di J. Seurat, che cercò di ridurre la pittura all'uso freddo e razionale di formule e ricette scientifiche. La tecnica puntinistica di J. Seurat, la sua metodica applicazione della pittura con tratti incrociati di pennello e punti irritava Paul Gauguin con la sua monotonia.

Il soggiorno dell’artista in Martinica, in mezzo alla natura, che gli sembrava un tappeto lussuoso e favoloso, convinse infine P. Gauguin a utilizzare solo colori non decomposti nei suoi dipinti. Insieme a lui, gli artisti che condividevano il suo pensiero proclamavano come loro principio la “Sintesi”, cioè la semplificazione sintetica di linee, forme e colori. Lo scopo di questa semplificazione era quello di dare l'impressione della massima intensità del colore e di omettere tutto ciò che indebolisce tale impressione. Questa tecnica ha costituito la base dell'antica pittura decorativa di affreschi e vetrate.

P. Gauguin era molto interessato alla questione del rapporto tra colore e colori. Nella sua pittura ha cercato di esprimere non l'accidentale e il superficiale, ma il costante e l'essenziale. Per lui solo la volontà creativa dell'artista era la legge, e vedeva il suo compito artistico nell'espressione dell'armonia interiore, che intendeva come sintesi della franchezza della natura e dello stato d'animo dell'anima dell'artista, allarmato da questa franchezza . Lo stesso P. Gauguin ne parla così: "Non tengo conto della verità della natura, visibile dall'esterno... Correggi questa falsa prospettiva, che distorce il soggetto a causa della sua veridicità... Dovresti evitare il dinamismo. Lascia che tutto respira con te pace e tranquillità, evita pose in movimento... Ciascuno dei personaggi dovrebbe essere in una posizione statica." E ha accorciato la prospettiva dei suoi dipinti, avvicinandola al piano, disponendo le figure in posizione frontale ed evitando lo scorcio. Ecco perché le persone raffigurate da P. Gauguin nei dipinti sono immobili: sono come statue scolpite con un grande scalpello senza dettagli inutili.

Il periodo della creatività matura di Paul Gauguin iniziò a Tahiti, e fu qui che il problema della sintesi artistica ricevette per lui il suo pieno sviluppo. A Tahiti l'artista abbandona gran parte di ciò che sapeva: ai tropici le forme sono chiare e definite, le ombre sono pesanti e calde e i contrasti sono particolarmente netti. Qui tutti i compiti fissati a Pont-Aven furono risolti da soli. I colori di P. Gauguin diventano puri, senza pennellate. I suoi dipinti tahitiani danno l'impressione di tappeti o affreschi orientali, così armoniosamente i colori in essi contenuti sono portati ad un certo tono.

"Chi siamo? Da dove veniamo? Dove stiamo andando?"

L’opera di P. Gauguin di questo periodo (che significa la prima visita dell’artista a Tahiti) sembra essere una meravigliosa fiaba che ha vissuto nella natura primitiva ed esotica della lontana Polinesia. Nella zona di Mataye, trova un piccolo villaggio, si compra una capanna, da un lato della quale schizza l'oceano, e dall'altro è visibile una montagna con un'enorme fessura. Gli europei non erano ancora arrivati ​​​​qui e la vita sembrava a P. Gauguin un vero paradiso terrestre. Obbedisce al ritmo lento della vita tahitiana, assorbe i colori vivaci del mare azzurro, talvolta ricoperto di onde verdi che si infrangono rumorosamente sulle barriere coralline.

Fin dai primi giorni, l'artista ha stabilito rapporti semplici e umani con i tahitiani. L'opera inizia ad affascinare sempre di più P. Gauguin. Realizza numerosi schizzi e schizzi dal vero, in ogni caso cerca di catturare su tela, carta o legno i volti caratteristici dei tahitiani, le loro figure e pose - nel processo di lavoro o durante il riposo. Durante questo periodo, ha creato i dipinti di fama mondiale "Lo spirito dei morti si risveglia", "Sei geloso?", "Conversazione", "Pastorali tahitiane".

Ma se nel 1891 il cammino verso Tahiti gli sembrava radioso (era in viaggio qui dopo alcune vittorie artistiche in Francia), poi per la seconda volta si recò nella sua amata isola come un malato che aveva perso la maggior parte delle sue illusioni. Tutto lungo il percorso lo irritava: soste forzate, spese inutili, disagi stradali, cavilli doganali, compagni di viaggio invadenti...

Non era stato a Tahiti solo da due anni, e qui erano cambiate tante cose. Il raid europeo ha distrutto la vita originaria degli indigeni, tutto sembra a P. Gauguin un miscuglio insopportabile: illuminazione elettrica a Papeete, la capitale dell'isola, e caroselli insopportabili vicino al castello reale, e i suoni di un fonografo che disturbano l'antico silenzio .

Questa volta l'artista si ferma nella zona di Punoauia, sulla costa occidentale di Tahiti, e costruisce una casa su un terreno in affitto con vista sul mare e sulle montagne. Sperando di stabilirsi saldamente sull'isola e creare condizioni per il lavoro, non bada a spese per organizzare la sua casa e presto, come spesso accade, rimane senza soldi. P. Gauguin contava su amici che, prima che l'artista lasciasse la Francia, gli presero in prestito un totale di 4.000 franchi, ma non avevano fretta di restituirli. Nonostante abbia inviato loro numerosi ricordi del suo dovere, si sia lamentato del suo destino e della sua estrema situazione...

Nella primavera del 1896 l'artista si ritrova in preda al bisogno più grave. A ciò si aggiunge il dolore alla gamba rotta, che si ricopre di ulcere e gli provoca sofferenze insopportabili, privandolo del sonno e delle energie. Il pensiero dell'inutilità degli sforzi nella lotta per l'esistenza, del fallimento di tutti i piani artistici gli fa pensare sempre più spesso al suicidio. Ma non appena P. Gauguin sente il minimo sollievo, la natura dell’artista prende il sopravvento in lui e il pessimismo si dissipa davanti alla gioia della vita e della creatività.

Tuttavia, questi erano momenti rari e le disgrazie si susseguivano con catastrofica regolarità. E la notizia più terribile per lui è stata la notizia dalla Francia sulla morte della sua amata figlia Alina. Incapace di sopravvivere alla perdita, P. Gauguin prese un'enorme dose di arsenico e andò in montagna in modo che nessuno potesse fermarlo. Il tentativo di suicidio lo ha portato a trascorrere la notte in una terribile agonia, senza alcun aiuto e completamente solo.

Per molto tempo l'artista è rimasto in completa prostrazione e non ha potuto tenere un pennello tra le mani. La sua unica consolazione era un'enorme tela (450 x 170 cm), dipinta da lui prima del suo tentativo di suicidio. Ha chiamato il dipinto "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove stiamo andando?" e in una delle sue lettere scrive: “Prima di morire, ci ho messo tutta la mia energia, una passione così dolorosa nelle mie terribili circostanze, e una visione così chiara, senza correzione, che le tracce della fretta scomparivano e tutta la vita era visibile dentro."

P. Gauguin ha lavorato al dipinto in una tensione terribile, sebbene ne nutrisse l'idea nella sua immaginazione da molto tempo, lui stesso non poteva dire esattamente quando è nata l'idea di questo dipinto. Singoli frammenti di quest'opera monumentale scrisse in diversi anni e in altre opere. Ad esempio, la figura femminile della “Pastorale tahitiana” è ripetuta in questo dipinto accanto all’idolo, la figura centrale di un raccoglitore di frutta è stata trovata nello schizzo dorato “Un uomo che raccoglie frutta da un albero”...

Sognando di espandere le possibilità della pittura, Paul Gauguin ha cercato di dare alla sua pittura il carattere di un affresco. A tal fine lascia i due angoli superiori (uno con il titolo del dipinto, l’altro con la firma dell’artista) gialli e non riempiti di pittura – “come un affresco rovinato agli angoli e sovrapposto a un muro d’oro”.

Nella primavera del 1898 inviò il dipinto a Parigi e in una lettera al critico A. Fontaine disse che il suo obiettivo era "non creare una catena complessa di allegorie ingegnose che avrebbero bisogno di essere risolte. Al contrario, il il contenuto allegorico del dipinto è estremamente semplice, ma non nel senso di una risposta alle domande poste, ma nel senso della formulazione stessa di queste domande.” Paul Gauguin non intendeva rispondere alle domande poste nel titolo del dipinto, perché credeva che fossero e sarebbero stati l'enigma più terribile e dolce per la coscienza umana. Pertanto, l'essenza delle allegorie raffigurate su questa tela risiede nell'incarnazione puramente pittorica di questo mistero nascosto nella natura, il sacro orrore dell'immortalità e il mistero dell'esistenza.

Durante la sua prima visita a Tahiti, P. Gauguin guardò il mondo con gli occhi entusiasti di un grande popolo bambino, per il quale il mondo non aveva ancora perso la sua novità e lussureggiante originalità. Al suo sguardo infantilmente esaltato, i colori invisibili agli altri si rivelavano in natura: erba color smeraldo, cielo zaffiro, ombra solare ametista, fiori rubino e oro rosso della pelle Maori. I dipinti tahitiani di P. Gauguin di questo periodo brillano di un nobile splendore dorato, come le vetrate delle cattedrali gotiche, brillano dello splendore regale dei mosaici bizantini e sono profumati di ricche macchie di colori.

La solitudine e la profonda disperazione che lo possedevano durante la sua seconda visita a Tahiti costrinsero P. Gauguin a vedere tutto solo in nero. Tuttavia, l’estro naturale del maestro e il suo occhio da colorista non hanno permesso all’artista di perdere completamente il gusto per la vita e i suoi colori, sebbene abbia creato una tela cupa, dipingendola in uno stato di mistico orrore.

Quindi cosa contiene realmente questa immagine? Come i manoscritti orientali, che dovrebbero essere letti da destra a sinistra, il contenuto dell'immagine si svolge nella stessa direzione: passo dopo passo viene rivelato il corso della vita umana - dalla sua origine alla morte, che porta con sé la paura della non esistenza .

Di fronte allo spettatore, su una grande tela tesa orizzontalmente, è raffigurata la riva di un ruscello forestale, nelle cui acque scure si riflettono ombre misteriose e indefinite. Dall’altra sponda c’è una fitta e lussureggiante vegetazione tropicale, erbe color smeraldo, fitti cespugli verdi, strani alberi blu, “che crescono come se non sulla terra, ma in paradiso”.

I tronchi degli alberi stranamente si torcono e si intrecciano, formando una rete di pizzo, attraverso la quale in lontananza si vede il mare con le creste bianche delle onde costiere, una montagna viola scuro su un'isola vicina, un cielo azzurro - “uno spettacolo di natura vergine potrebbe essere il paradiso.

Nella prima inquadratura dell'immagine, a terra, priva di piante, un gruppo di persone si trova attorno a una statua di pietra di una divinità. I personaggi non sono uniti da nessun evento o azione comune, ognuno è impegnato con il proprio e immerso in se stesso. La pace del bambino addormentato è custodita da un grosso cane nero; "tre donne, accovacciate, sembrano ascoltare se stesse, paralizzate nell'attesa di una gioia inaspettata. Un giovane in piedi al centro con entrambe le mani coglie un frutto da un albero... Una figura, volutamente enorme, contraria alle leggi di prospettiva... alza la mano, guardando con sorpresa due personaggi che osano pensare al loro destino."

Accanto alla statua, una donna solitaria, come meccanicamente, si sposta di lato, immersa in uno stato di riflessione intensa e concentrata. Un uccello si sta muovendo verso di lei a terra. Sul lato sinistro della tela, un bambino seduto per terra porta alla bocca un frutto, un gatto lecca da una ciotola… E lo spettatore si chiede: “Che cosa significa tutto questo?”

A prima vista sembra la vita di tutti i giorni, ma, oltre al significato diretto, ogni immagine porta con sé un'allegoria poetica, un accenno alla possibilità di interpretazione figurativa. Ad esempio, il motivo di un ruscello nella foresta o di acqua sorgiva che sgorga dal terreno è la metafora preferita di Gauguin per la fonte della vita, il misterioso inizio dell’esistenza. Il bambino addormentato rappresenta la castità dell'alba della vita umana. Un giovane che raccoglie un frutto da un albero e una donna seduta per terra a destra incarnano l'idea dell'unità organica dell'uomo con la natura, della naturalezza della sua esistenza in essa.

Un uomo con la mano alzata, che guarda sorpreso i suoi amici, è il primo barlume di preoccupazione, l'impulso iniziale a comprendere i segreti del mondo e dell'esistenza. Altri rivelano l'audacia e la sofferenza della mente umana, il mistero e la tragedia dello spirito, che sono contenuti nell'inevitabilità della conoscenza da parte dell'uomo del proprio destino mortale, nella brevità dell'esistenza terrena e nell'inevitabilità della fine.

Lo stesso Paul Gauguin ha dato molte spiegazioni, ma ha messo in guardia dal desiderio di vedere simboli generalmente accettati nella sua pittura, di decifrare le immagini in modo troppo semplice e ancor di più di cercare risposte. Alcuni critici d’arte ritengono che lo stato depressivo dell’artista, che lo portò a tentare il suicidio, fosse espresso in un linguaggio artistico rigoroso e laconico. Notano che l'immagine è sovraccarica di piccoli dettagli che non chiariscono il piano generale, ma confondono solo lo spettatore. Anche le spiegazioni contenute nelle lettere del maestro non riescono a dissipare la nebbia mistica che egli mette in questi dettagli.

Lo stesso P. Gauguin considerava la sua opera una testimonianza spirituale, forse è per questo che il dipinto divenne un poema pittorico, in cui immagini specifiche si trasformavano in un'idea sublime e la materia in spirito. La trama della tela è dominata da un'atmosfera poetica, ricca di sfumature sottili e significato interiore. Tuttavia, l'atmosfera di pace e grazia è già avvolta in una vaga ansia di contatto con il mondo misterioso, dando origine a un sentimento di ansia nascosta, la dolorosa irrisolvibilità dei misteri nascosti dell'esistenza, il mistero della venuta al mondo di una persona e il mistero della sua scomparsa. Nella foto, la felicità è oscurata dalla sofferenza, il tormento spirituale è lavato dalla dolcezza dell'esistenza fisica - "orrore dorato, coperto di gioia". Tutto è inseparabile, proprio come nella vita.

P. Gauguin non corregge deliberatamente le proporzioni errate, cercando a tutti i costi di preservare il suo stile di schizzo. Apprezzava particolarmente questa abbozzatura e incompiutezza, credendo che sia proprio questo a portare un flusso di vita nella tela e conferire all'immagine una poesia speciale che non è caratteristica delle cose finite e troppo finite.

"Natura morta"

"Giacobbe che lotta con l'angelo" 1888

"Perdita della verginità"

"Primavera misteriosa" (Pape moe)

"La nascita di Cristo Figlio di Dio (Te tamari no atua)"

"Cristo giallo"

"Mese di Maria"

"Donna con un frutto" 1893

“Caffè di Arles”, 1888, Museo Pushkin, Mosca

"La moglie del re" 1896

"Cristo Giallo"

"Cavallo bianco"

"Idolo" 1898 Eremo

"Sogno" (Te rerioa)

"Poimes barbares (poesie barbariche)"

"Buon pomeriggio, signor Gauguin"

"Autoritratto" ca. 1890-1899

"Autoritratto con tavolozza" Collezione privata 1894

"Autoritratto" 1896

"Autoritratto sul Calvario" 1896

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• introduzione
• 1. Breve biografia di Paul Gauguin
• 2. La storia della creazione del dipinto “Donna con un frutto”
• 3. Analisi dell'immagine
• 4. Dipinto “Donna con un frutto” nell'Ermitage
• Conclusione
• Elenco della letteratura usata

introduzione

Gli artisti credevano che i colori dovessero essere mescolati non sulla tavolozza, come era consuetudine nella pittura sin dai tempi di Zeusi, ma direttamente negli occhi di chi guarda l'immagine. I colori puri correlati e verificati matematicamente dovrebbero essere applicati sulla tela con tratti punteggiati (fr. pointiller - scrivere con punti). Tuttavia, la scrittura punteggiata nel puntinismo è una tecnica tecnica semplice. La cosa principale è la divisione stessa, per la quale, secondo P. Signac, è necessario comprendere un complesso sistema di armonia - non solo generale, ma anche "armonia spirituale, di cui gli impressionisti non si preoccupavano". La comprensione dell’armonia da parte dei divisionisti è quanto più vicina possibile ad alcune tradizioni spirituali orientali che a quel tempo affascinarono molte menti europee.

Alla fine degli anni Ottanta dell'Ottocento. Si fa conoscere un movimento postimpressionista come la scuola di Pont-Aven (P. Gauguin, E. Bernard, L. Anquetin, ecc.) e il suo postimpressionismo sintetico. Gli artisti di Pont-Aven incoraggiano il pittore a seguire le “misteriose profondità del pensiero”. L'obiettivo principale del sistema pittorico di sintetismo di Gauguin era quello di rivelare i simboli dell'esistenza attraverso la forma e il colore dell'oggetto raffigurato. Forme e linee semplificate e generalizzate, grandi piani di colore disposti ritmicamente, contorni chiari caratterizzano la pittura di questo movimento dell'impressionismo.

Questo articolo esamina la storia del dipinto di P. Gauguin “Donna con un frutto”, che risale al periodo tahitiano nell’opera dell’artista ed è stato realizzato alla maniera del postimpressionismo.

1. Breve biografia di Paul Gauguin

Paul Gauguin è un pittore, grafico, scultore francese, rappresentante del postimpressionismo, vicino al simbolismo, creatore della scuola estetica di Pont-Aven, nonché del sistema pittorico del “sintetismo”. In gioventù prestò servizio come marinaio e lavorò come agente di cambio. All'età di 35 anni lascia il lavoro e si dedica interamente alla pittura. Ha vissuto a Tahiti e nelle Isole Marchesi per circa 10 anni. Descrivendo la bellezza lussureggiante e pura dell'Oceania con la sua abbondanza di fiori e frutti, Gauguin ha creato nelle sue tele la sensazione di un paradiso incontaminato, saturo di sole e abitato da persone spiritualmente intere che vivono in armonia con la natura. Scrisse anche composizioni religiose e allegoriche. Ha lavorato nel campo della grafica, della scultura e della ceramica. Ha preso parte a mostre impressioniste, ma non ha ricevuto riconoscimenti durante la sua vita. Le opere di Gauguin portavano molte delle caratteristiche dello stile emergente dell'Art Nouveau e influenzarono le ricerche creative dei maestri del gruppo Nabi e dei pittori dell'inizio del XX secolo.

Paul Eugene Henri Gauguin è nato nel 1848 a Parigi nella famiglia dell'editore di uno dei giornali della capitale. Nel 1849, a causa di una situazione politica sfavorevole, la famiglia si recò in Sud America per visitare i parenti di Alina Gauguin, la madre di Paul. Lungo la strada, il padre di Paul muore a causa della rottura di un aneurisma. Per qualche tempo, la vedova e i due figli vivono con lo zio in Perù, ma, spaventati dalla rivoluzione in corso, la famiglia torna a Orleans, dove nel 1855 Paul entra in collegio.

Dopo aver completato gli studi, Paul viene nominato apprendista navigatore su una nave mercantile, quindi presta il servizio militare come marinaio. Dopo la smobilitazione, Gauguin lavorò come agente di cambio, dipingendo nel tempo libero. Nel 1873, Gauguin sposò una giovane governante danese, Meta Sophia Gad, che nei successivi dieci anni gli diede cinque figli.

Seriamente interessato alla pittura, Paul frequenta l'Accademia Kolorossi. Nel 1876 il suo paesaggio “La foresta di Vilofor” fu accettato al Salon. Alla mostra impressionista del 1881, Gauguin espose “Studio di nudo”, che suscitò una risposta favorevole da parte della critica.

Nel 1883 Paul lasciò il lavoro e si dedicò interamente alla pittura. Ciò porta l'artista alla rottura con la famiglia, la povertà e il vagabondaggio. Nel 1886 visse a Pont-Aven, nel 1887 a Panama e nell'isola di Martinica, nel 1888 lavorò ad Arles con Van Gogh. Durante questo periodo furono scritti “Il caffè di Arles”, “La visione dopo il sermone” e “Il Cristo giallo”.

Essendosi avvicinato ai simbolisti, Gauguin, così come gli artisti che lavorarono sotto la sua influenza (la cosiddetta "scuola di Pont-Aven") giunse alla creazione di un sistema pittorico unico: il sintetismo, utilizzando la generalizzazione e la semplificazione delle forme e linee. Questo sistema è stato ulteriormente sviluppato nei dipinti dipinti da Gauguin sulle isole dell'Oceania Perrucho, A. Vita di Gauguin. - Rostov sul Don: Phoenix, M.: Zeus, 2007. - P.89.

Il rifiuto della società contemporanea ha suscitato l'interesse di Gauguin per lo stile di vita tradizionale, per l'arte dell'antica Grecia, per i paesi dell'Antico Oriente e per le culture primitive.

Nel 1891, trascinato dal sogno di una società ideale, l'artista si reca a Tahiti. Sebbene in realtà la realtà coloniale si sia rivelata molto lontana dal sogno utopico di Gauguin, tuttavia, nelle sue tele crea la sensazione di un paradiso incontaminato, saturo di sole e abitato da persone spiritualmente intere che vivono in unità con la natura (“ Paesaggio con pavoni”, “Donne di Tahiti” (“Sulla spiaggia”), “Oh, sei geloso?”, “Donna con un frutto”, “Vicino al mare”). L'artista vive qui in povertà e, per migliorare in qualche modo la sua vita, trova moglie, la tredicenne tahitiana Tehura. Durante una felice luna di miele, Gauguin dipinse il suo famoso dipinto “Lo spirito dei morti è sveglio”. Allo stesso tempo, è stato creato "The Mysterious Source", un ciclo di dipinti basato sull'antica religione e sui miti tahitiani.

Nell'autunno del 1893 Gauguin tornò a Parigi e iniziò subito a organizzare una mostra, ma qui si scontrò con un completo fallimento: la mostra suscitò sconcerto e disprezzo generale. Gauguin fu salvato dall'inevitabile povertà e umiliazione dall'eredità del suo defunto zio. L'artista è tornato alla vita sociale e ha iniziato a scrivere un libro sui “figli incontaminati della natura” (“Noa-Noa” - “L'isola profumata”). Durante questo breve periodo di soggiorno in Francia, Gauguin dipinse una serie di dipinti raffiguranti contadini e paesaggi bretoni (Paesaggio in Bretagna. Moulin-David, 1894, Orsay, Parigi, Contadine bretoni, 1894, Orsay, Parigi), diversi ritratti.

Nel settembre 1895 Gauguin tornò a Tahiti. Dopo aver appreso che Tehura si è sposata, prende una nuova moglie: Pakhura. Gauguin soffriva di numerose malattie in questo periodo. Nei periodi di miglioramento dipinge (“La moglie del re”, “Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?”, “Mai più”).

Nel 1897 arriva un messaggio dalla Danimarca sulla morte della figlia di Alina. La sofferenza spirituale e fisica ha spinto l'artista al suicidio. A seguito del suo fallito suicidio, Gauguin si ritrovò costretto a letto per un anno intero. Dopo essersi ripreso dalla malattia, continua a lavorare ("Cavallo bianco", "Donne in riva al mare" ("Maternità"), "<Две таитянки», «Месяц Марии», 1899, Эрмитаж, СПб).

Nel 1901, l'artista si trasferì alle Isole Marchesi, dove costruì il suo ultimo rifugio: la "Fun House", il cui proprietario era il quattordicenne Vaeho. Negli ultimi anni della sua vita, Gauguin creò i dipinti “Barbarian Tales”, “And the Gold of Their Bodies”, “Riders on the Shore”, “Girl with a Fan”; riempie frettolosamente il diario di ricordi e riflessioni (“Prima e dopo”).

Gauguin ha creato una serie di opere scultoree (“Tehura”). Lavorò nel campo della grafica (Tre figure, 1898, Biblioteca nazionale, Parigi).

2. La storia della creazione del dipinto “Donna con un frutto”

Gauguin pittrice donna postimpressionismo

Frontiera I secoli XIX-XX sono un periodo di nuove scoperte tecniche; l'emergere di nuovi tipi di trasporto e l'accelerazione del ritmo della vita; urbanizzazione, progresso industriale e rivoluzione industriale e, in connessione con questo, un periodo di ripensamento delle linee guida di valore, crescente ansia, dissonanza spirituale e anticipazione del disastro. La visione del mondo di una persona cambia, la sua vita diventa instabile e priva di armonia, nella ricerca della quale l'arte lo ha aiutato in quel periodo.

Anche in Francia, la ricerca di immagini generalizzate, il significato misterioso dei fenomeni avvicinarono Gauguin al simbolismo e portarono lui e un gruppo di giovani artisti che lavoravano sotto la sua influenza alla creazione di un sistema pittorico unico: il sintetismo, in cui il taglio la modellazione dei volumi, la luce-aria e le prospettive lineari sono sostituite da un confronto ritmico di singoli piani di colore puro, che riempivano completamente le forme degli oggetti e giocavano un ruolo di primo piano nella creazione della struttura emotiva e psicologica del quadro. Questo sistema fu ulteriormente sviluppato nei dipinti dipinti da Gauguin nelle isole dell'Oceania. Descrivendo la lussureggiante bellezza pura della natura tropicale, persone naturali non contaminate dalla civiltà, l'artista ha cercato di incarnare il sogno utopico di un paradiso terrestre, di una vita umana in armonia con la natura.

Il lavoro di Paul Gauguin offre il proprio modello di mondo ideale, trovando armonia, andando oltre i confini di un'esistenza chiusa come uno degli “ingranaggi” della società. I diversi punti di vista dai quali Gauguin ha avuto l'opportunità di sperimentare e sentire la vita gli hanno permesso di formare un'idea diversa della società europea Sheveleva, N. Il fascino dell'esotismo / N. Sheveleva // Arte. - 2006. - N. 20. .

La civiltà nella visione del mondo di Gauguin era agli antipodi della natura, “anti-natura”. Nel suo libro “Noah Noah” Gauguin scrive: “La civiltà a poco a poco si allontana da me... Sì, il vecchio uomo civilizzato ora è veramente distrutto, morto! Sono rinato, o meglio, è risorta in me una persona forte e pura!” Secondo Gauguin, nei tempi moderni esistono due mondi opposti: il regno oscuro della civiltà, dove l'uomo si perde in previsione di un'imminente catastrofe sociale, e l'elemento vivente della natura, fonte di gioia e luce Perruchot, A. Vita di Gauguin. - Rostov sul Don: Phoenix, M.: Zeus, 2007. - P.166.

La natura oceanica ha incantato l'artista con i suoi colori vivaci, ma, abituato ad altre combinazioni di colori, ha esitato a lungo a trasmettere su tela ciò che ha visto con i propri occhi. All'inizio, Gauguin osservò di più, fece schizzi, abbozzando le pose caratteristiche dei tahitiani, le loro figure e i loro volti. Solo pochi mesi dopo, quando l'artista finalmente capì il carattere dei Majoriani, padroneggiò una nuova forma e una nuova plasticità, iniziò un lavoro serio. Mai prima di allora Gauguin aveva sperimentato un tale entusiasmo creativo. Crea un capolavoro dopo l'altro. Nel primo anno l'artista ha realizzato 44 opere: ritratti, nudi, paesaggi, sculture in legno e diverse sculture. E alla vigilia della sua partenza, nella primavera del 1893, aveva già 66 tele.

Subito dopo l'arrivo in Oceania, Gauguin fu colto dal desiderio di dipingere in primo piano la figura della donna tahitiana, la Eva del paradiso nativo. Gauguin crea diverse opere su questo argomento: "Bella Terra", "Dove stai andando?" e "Donna con frutta". L’ultimo dipinto della collezione dell’Ermitage appartiene ai principali capolavori del primo soggiorno dell’artista a Tahiti.

Nell’immagine di una donna con un feto tra le mani, i ricercatori riconoscono le fattezze di Tehamana, la moglie tahitiana di Gauguin. I genitori della ragazza l'hanno data volentieri a un europeo, considerandolo una coppia redditizia. Tehamana aveva solo 13 anni ma, secondo gli standard tahitiani, era già matura per il matrimonio. Anche per gli standard europei, era bella: pelle sorprendentemente delicata, grandi occhi espressivi, capelli corvini, lunghi fino alla vita. Gauguin ne era affascinato. Devota, amorevole e allo stesso tempo poco loquace, non solo non ha interferito con il lavoro dell'artista, ma lo ha aiutato in ogni modo possibile.

“…Mi misi nuovamente al lavoro, e la felicità si stabilì nella mia casa… L’oro del volto di Tehamana riempì di gioia e di luce l’interno della casa e l’intero paesaggio circostante. Com’era bello la mattina andare insieme a rinfrescarsi in un ruscello vicino, questo hanno fatto senza dubbio il primo uomo e la prima donna in cielo”.

Tehamana diventa l'eroina di molte opere di Gauguin. Descrivendola come più matura in Woman Holding a Fruit, l'artista potrebbe aver voluto presentarla come sarebbe diventata nel tempo. Il corpo scuro della donna tahitiana è reso volutamente piatto. Un'unica linea continua che copre l'intera figura la rende pesante e voluminosa. Il motivo giallo sulla gonna rossa riecheggia il motivo formato dalle foglie degli alberi sopra la testa della donna, e lei stessa sembra essere parte integrante di questa natura eterna. Per quanto fruttuoso fosse il lavoro a Tahiti, la malattia e il bisogno costrinsero l'artista a tornare in Francia. Con il cuore pesante, lascia Tehamana e il mondo luminoso che qui gli si è aperto per un breve periodo. Tornerà sull'isola tra due anni, questa volta per sempre, per fondersi per sempre con la terra profumata.

3. Analisi dell'immagine

Il ritratto come genere in Gauguin è spesso combinato con il genere del paesaggio, poiché la combinazione di un genere di pittura con un altro formava il tema principale dell'arte di Gauguin: “la consonanza della vita umana con il mondo animale e vegetale in composizioni in cui i grandi la voce della terra gioca un ruolo importante”. L’eroina della maggior parte dei dipinti del maestro è una donna tahitiana bellissima, selvaggia e misteriosa. È attraverso la sua immagine maestosa e flessibile che Gauguin trasmette la sua visione panteistica del mondo. Così, nella tela “Donna con un frutto”, l’artista ha trasformato un motivo quotidiano del tutto ordinario in un motivo estetico sublime. In primo piano c'è una giovane ragazza, una tahitiana in età di sposa, con un pareo rosso vivo, che tiene con cura il frutto di una pianta tropicale, come una bambina. A una certa distanza da lei, sullo sfondo delle capanne, i suoi amici sono seduti, guardando attentamente lo spettatore. Lo stile di quest’opera è molto più morbido e naturale rispetto ai dipinti precedenti del maestro. Il disegno ha quasi perso la sua nitidezza precedente e la linea ha acquisito flessibilità e vivacità. Attraverso la composizione, Gauguin combina discretamente motivi ritmici piatti, ammorbidendo i confini dei colori contrastanti. La colorazione del dipinto è squisita; grazie alla varietà di calde sfumature rosa, sembra ricoperto da una foschia afosa.

La silhouette di una donna è delineata con contorni semplici e netti. L'artista ammira il suo viso calmo e scuro e la grazia naturale della sua posa. Il motivo della gonna ricorda la forma dei rami e delle foglie sopra la testa della donna.

Il dipinto dell'Ermitage ha un nome tahitiano datogli da Gauguin. Si traduce: “Dove stai andando?” Gli isolani fanno questa domanda a coloro che incontrano. La risposta deve essere data dal personaggio principale dell'immagine. Il frutto che ha tra le mani è una zucca, usata come recipiente per l'acqua. Se guardi da vicino, puoi persino distinguere la corda che tiene la nave. Quindi la donna tahitiana cammina sull'acqua. Ma per molti popoli l'acqua è un simbolo di vita e tra i cinesi, ad esempio, la zucca serviva come segno della connessione tra due mondi, terreno e celeste. Tehamana, raffigurata da Gauguin, era incinta, e questo è unito dalla presenza di una nave e dell'acqua, così come da una donna tahitiana con un bambino - il motivo della maternità Paul Gauguin // Arte. - 2007. - N. 6. .

Gauguin non cerca la fedeltà ottica nel trasmettere il mondo circostante. Scrive non tanto quello che vede, ma quello che vuole vedere intorno a sé. I dipinti di Gauguin, nella loro piattezza, ornamenti e luminosità dei colori, ricordano i tessuti decorativi e, in una certa misura, l'arte dei popoli orientali. Inoltre Gauguin, con la sua creatività, ha suscitato grande interesse per la cultura dei popoli extraeuropei, e questo è il suo indubbio merito.

Gauguin rimase colpito a Tahiti dall’immobilità statuaria delle persone, che evocava un sentimento di immutabilità dell’esistenza ed era in pieno accordo con le idee dell’artista sul mondo primordiale. Pertanto, nei dipinti di Gauguin, le pose dei tahitiani sono sempre calme, stabili e armoniose. Può sembrare che una donna che tiene in mano un frutto rimanga ferma per secoli senza muoversi. Ciò conferisce un sapore speciale al titolo tahitiano del dipinto, “Eu haere ia oe” (“Vai!”).

La natura come sfondo si presenta nella sua forma originale e si sviluppa continuamente secondo le leggi naturali dell'universo. Incarna lo spazio naturale ideale, fungendo da mediatore tra l'uomo e l'Assoluto, in cui è presente la divinità. Una persona che è in grado di connettersi pienamente con il ritmo cosmico della natura, tornare allo stato incontaminato, riceve una grazia speciale, la capacità di trasformarsi e trasformarsi.

L'aspetto storico-attuale dell'idea artistica di quest'opera risiede nel modello specifico presentato dell'isola di Tahiti come isola paradisiaca, i cui abitanti hanno già ricevuto la grazia. Le donne tahitiane esistono armoniosamente nella loro natura nativa, integrandosi in un certo ritmo cosmico dell'esistenza fin dalla nascita.

Scartando la casualità, l'artista si sforza di rivelare nelle sue tele quel mondo spirituale, quell'umore che è contenuto nella natura circostante. L’arte è una generalizzazione che bisogna saper trarre dalla natura: questa è la tesi principale di Gauguin. E trova forme e immagini che trasmettono pienamente i tratti caratteristici nell'aspetto e nel comportamento dei tahitiani. Da qui la frequente ripetizione di pose, gesti, volti simili in una serie di dipinti, quindi diverse varianti della stessa composizione. Sembrerebbe che i dipinti di Gauguin abbiano una trama semplice, in essi non succede nulla: le persone si siedono, stanno in piedi, mentono. Ma nessuno di essi è una ripetizione della natura, sebbene tutto sia costruito su osservazioni reali.

4. Dipinto “Donna con un frutto” nell'Ermitage

La sala 316 dell'Ermitage è interamente dedicata ai dipinti di Gauguin, dipinti durante il suo soggiorno a Tahiti. Tra questi ci sono “La sagra della primavera” (scritta a Parigi) e “Donna che tiene un frutto”. Si ritiene che l'ultimo dipinto raffiguri la moglie tahitiana.

Si sa poco della comparsa della “Donna con in mano un frutto” in Russia. Nel 1908 I.A. Morozov lo acquistò dal famoso mercante d'arte Vollard per 8mila franchi, un prezzo molto alto per l'epoca.

Dopo la firma del decreto sulla nazionalizzazione della collezione Morozov il 19 dicembre 1918, divenne disponibile al grande pubblico Vasilyeva-Shlyapina G.L. Belle arti. Storia della pittura straniera, russa e sovietica M.: 2006 - P.127. Ma la collezione non fu trasformata subito in museo, non c'era personale, e lo stesso ex proprietario la esponeva la domenica mattina, con l'aiuto della famiglia e della servitù, dando spiegazioni.

11 aprile 1919 riunione di I.A. Morozov è stato trasformato nel Secondo Museo della pittura neooccidentale e aperto al pubblico il 1 maggio. All'inizio dell'estate l'ex proprietario della casa a Prechistenka è scomparso senza lasciare traccia. È stata effettuata una perquisizione nella casa di Prechistenka. I sigilli del magazzino in acciaio e delle casseforti ignifughe erano intatti, anche i dipinti e le sculture erano intatti. L'intera collezione (il valore assicurativo dei soli cento dipinti francesi di maggior valore superava il mezzo milione) è rimasta al suo posto, completamente intatta e intatta. L’ex proprietario, come indicato nel protocollo IBSC, “è stato notato con la sua famiglia come partito per Pietrogrado nel giugno 1919”.

Privato di una fortuna colossale: una fabbrica, un terreno, una collezione trasformata nel Secondo Museo della Pittura New Western, Ivan Abramovich, sotto l'influenza della moglie, decise di trasferirsi in Svizzera. Due anni dopo, il 22 giugno 1921, I.A. Morozov morì improvvisamente all'età di cinquant'anni a Carlsbad.

Nel 1928, la collezione di S.I. fu trasferita nell'ex palazzo Morozov da Bolshoi Znamensky Lane. Shčukin. E nel catalogo GMNZI del 1929 dei nomi dei precedenti proprietari sono rimaste solo le iniziali: “Ш” e “М”. Le collezioni riunite nel Museo statale di arte nuova occidentale esistevano in questa sala fino al loro scioglimento nel 1948, quando, nel pieno della lotta contro il cosmopolitismo, il Museo statale di arte moderna fu liquidato per decreto governativo. Destinate alla distruzione, le collezioni furono fortunatamente salvate e furono divise tra loro dal Museo Pushkin. COME. Pushkin e l'Ermitage di Stato.

Le collezioni di Morozov erano conservate nei magazzini, poiché l'arte francese contemporanea nell'URSS era considerata inadatta allo sviluppo del gusto di una persona sovietica Matveeva E. Ronshin V. Storia della pittura. In 12 volumi. Volume 10. (sezione sui collezionisti) San Pietroburgo: Labyrinth, 2007. E solo a metà degli anni ’50 le collezioni cominciarono a riconquistare l’attenzione che meritavano. In particolare, l’opera di Paul Gauguin del periodo tahitiano fu esposta all’Hermitage solo nel 1963.

Conclusione

L'opera di Paul Gauguin presenta una via speciale per uscire dalla crisi della visione del mondo, raggiungendo un certo equilibrio attraverso un cambiamento radicale nella vita, rivolgendosi all'ordine naturale. Anche altri maestri d'arte offrono i loro metodi per superare l'instabilità della visione del mondo di frontiera, e lo studio dell'arte diventa così anche una ricerca dell'opzione più corretta per ritornare all'esistenza armoniosa dell'uomo in un'era di cambiamenti globali nella società, che è ancora attuale oggi.

Il dipinto “Donna con un frutto” appartiene al periodo tahitiano dell’opera di Gauguin. È stato eseguito in Polinesia, dove l'artista è stato guidato da un sogno romantico sull'armonia naturale della vita. Un mondo esotico e misterioso, a differenza dell'Europa. Le impressioni dai colori vivaci e dalla vegetazione lussureggiante dell'Oceania, dall'aspetto e dallo stile di vita dei tahitiani sono diventate fonte di ispirazione per il pittore.

In un normale episodio della vita degli isolani, l'artista vede l'incarnazione del ritmo eterno della vita, dell'armonia tra uomo e natura. La donna tahitiana in primo piano con un frutto in mano è la Eva di questo paradiso indigeno.

Abbandonando le regole della pittura tradizionale, e poi il modo impressionista, il maestro ha creato il proprio stile. L'appiattimento dello spazio, le ripetizioni ritmiche di linee, forme e macchie di colore, i colori puri disposti in grandi masse creano un effetto decorativo potenziato.

Le tele di Gauguin, per il loro colore decorativo, la piattezza e la monumentalità della composizione, e la generalità del disegno stilizzato, simile ai pannelli, portavano molte caratteristiche dello stile Art Nouveau che stava emergendo in questo periodo, e influenzarono le ricerche creative dell'epoca. maestri del gruppo “Nabi” e altri pittori del primo Novecento. Gauguin lavorò anche nel campo della scultura e della grafica.

Elenco della letteratura usata

1. Vasilyeva-Shlyapina G. L. Belle arti. Storia della pittura straniera, russa e sovietica M.: 2006 - 280 p.

2. Matveeva E. Ronshin V.. In 12 volumi. Volume 10. (sezione sui collezionisti) San Pietroburgo: Labyrinth, 2007

3. Perryucho, A. La vita di Gauguin / Henri Perryucho. - Rostov sul Don: Phoenix, M.: Zeus, 2007. - 400 p.

4. Paul Gauguin // Arte. - 2007. - N. 6.

5. Sheveleva, N. Il fascino dell'esotismo / N. Sheveleva // Art. - 2006. - N. 20.

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“La sfortuna mi ha perseguitato fin dall’infanzia. Non ho mai conosciuto la felicità o la gioia, solo la sfortuna. Ed esclamo: “Signore, se esisti, ti accuso di ingiustizia e crudeltà”, scriveva Paul Gauguin, realizzando il suo dipinto più famoso “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?". Dopo averlo scritto, ha tentato il suicidio. In effetti, era come se una sorta di inesorabile destino malvagio fosse incombente su di lui per tutta la vita.

Agente di cambio

Tutto è iniziato semplicemente: ha lasciato il lavoro. L'agente di cambio Paul Gauguin era stanco di tutto questo clamore. Inoltre, nel 1884, Parigi precipitò in una crisi finanziaria. Diversi affari falliti, un paio di scandali di alto profilo - e ora Gauguin è in strada.

Tuttavia, era da tempo alla ricerca di un motivo per tuffarsi a capofitto nella pittura. Trasforma questo vecchio hobby in una professione.

Naturalmente, è stata una scommessa totale. Innanzitutto Gauguin era ancora lontano dalla maturità creativa. In secondo luogo, nuovo i dipinti impressionisti da lui dipinti non erano minimamente richiesti dal pubblico. È quindi naturale che dopo un anno della sua “carriera” artistica Gauguin fosse già completamente impoverito.

È un freddo inverno a Parigi nel 1885-86, sua moglie e i suoi figli sono andati dai genitori a Copenaghen, Gauguin sta morendo di fame. Per nutrirsi in qualche modo, lavora per una miseria come putter di poster. "Ciò che rende davvero terribile la povertà è che interferisce con il lavoro e la mente arriva a un vicolo cieco", ha ricordato in seguito. “Ciò vale soprattutto per la vita a Parigi e in altre grandi città, dove la lotta per un pezzo di pane assorbe tre quarti del tuo tempo e metà delle tue energie”.

Fu allora che Gauguin ebbe l'idea di andare da qualche parte in paesi caldi, la vita in cui gli sembrava essere circondato da un'aura romantica di bellezza incontaminata, purezza e libertà. Inoltre, credeva che non ci sarebbe stato quasi bisogno di guadagnare il pane.

Isole paradisiache

Nel maggio 1889, girovagando per la grande Esposizione Mondiale di Parigi, Gauguin si ritrova in una sala piena di esempi di scultura orientale. Esamina la mostra etnografica e osserva le danze rituali eseguite da graziose donne indonesiane. E con rinnovato vigore si accende in lui l’idea di allontanarsi. Da qualche parte più lontano dall’Europa, verso climi più caldi. In una delle sue lettere di quel periodo leggiamo: “Tutto l'Oriente e la profonda filosofia impressa in lettere d'oro nella sua arte, tutto questo merita di essere studiato, e credo che lì troverò nuova forza. L’Occidente moderno è marcio, ma un uomo dal carattere erculeo può, come Anteo, trarre nuova energia toccando quella terra”.

La scelta è caduta su Tahiti. La guida ufficiale dell'isola pubblicata dal Ministero delle Colonie descriveva la vita paradisiaca. Ispirato dal libro di consultazione, Gauguin, in una delle sue lettere dell'epoca, dice: “Presto parto per Tahiti, una piccola isola nei mari del sud, dove puoi vivere senza soldi. Sono determinato a dimenticare il mio miserabile passato, a scrivere liberamente come mi pare, senza pensare alla fama, e alla fine a morire lì, dimenticato da tutti qui in Europa”.

Una dopo l'altra, invia petizioni alle autorità governative, chiedendo di ricevere una “missione ufficiale”: “Voglio”, scrive al Ministro delle Colonie, “andare a Tahiti e dipingere alcuni quadri in questa regione, lo spirito e colori che considero mio compito perpetuare”. E alla fine ha ricevuto questa “missione ufficiale”. La missione prevedeva sconti su viaggi costosi nella vicina Tahiti. Ma solo.

L'auditor verrà a trovarci!

Ma no, non solo. Il governatore dell'isola ha ricevuto una lettera dal Colonial Office riguardante la "missione ufficiale". Di conseguenza, inizialmente Gauguin ricevette un'ottima accoglienza lì. All'inizio i funzionari locali sospettavano addirittura che non fosse affatto un artista, ma un ispettore della metropoli che si nascondeva sotto la maschera di un artista. Fu persino accettato come membro del Circolo Militare, un club maschile d'élite, che di solito accettava solo ufficiali e alti funzionari.

Ma tutto questo gogolismo del Pacifico non durò a lungo. Gauguin non è riuscito a mantenere questa prima impressione. Secondo i contemporanei, uno dei tratti principali del suo carattere era una certa strana arroganza. Spesso sembrava arrogante, arrogante e narcisista.

I biografi ritengono che la ragione di questa fiducia in se stessi fosse una fede incrollabile nel suo talento e nella sua vocazione. La ferma convinzione che sia un grande artista. Da un lato, questa fede gli ha sempre permesso di essere ottimista e di resistere alle prove più difficili. Ma questa stessa fede fu anche causa di numerosi conflitti. Gauguin si faceva spesso dei nemici. E questo è esattamente ciò che cominciò a accadergli subito dopo il suo arrivo a Tahiti.

Inoltre, divenne subito chiaro che come artista era davvero unico. Il primo ritratto che gli venne commissionato fece una pessima impressione. Il problema è che Gauguin, non volendo spaventare la gente, ha cercato di essere più semplice, cioè ha lavorato in modo puramente realistico, e quindi ha dato al naso del cliente un colore rosso naturale. Il cliente la considerò una caricatura beffarda, nascose il dipinto in soffitta e in tutta la città si sparse la voce che Gauguin non aveva né tatto né talento. Naturalmente, nessuno dei ricchi residenti della capitale tahitiana voleva diventare la sua nuova "vittima". Ma faceva molto affidamento sui ritratti. Sperava che questa diventasse la sua principale fonte di reddito.

Deluso Gauguin scrisse: "Era l'Europa - l'Europa da cui sono partito, solo ancora peggio, con lo snobismo coloniale e l'imitazione grottesca dei nostri costumi, mode, vizi e follie, grottesche fino alla caricatura".

Frutti di civiltà

Dopo l'incidente del ritratto, Gauguin decise di lasciare la città al più presto possibile e di dedicarsi finalmente a ciò per cui aveva viaggiato per mezzo mondo: studiare e dipingere selvaggi veri e incontaminati. Il fatto è che Papeete, la capitale di Tahiti, ha deluso estremamente Gauguin. In effetti, qui era in ritardo di cento anni. Missionari, commercianti e altri rappresentanti della civiltà avevano svolto da tempo il loro lavoro disgustoso: invece di un bellissimo villaggio con capanne pittoresche, Gauguin incontrò file di negozi e taverne, oltre a brutte case di mattoni non intonacate. I Polinesiani non somigliavano affatto alle Eva nude e agli Ercole selvaggi immaginati da Gauguin. Sono già stati adeguatamente civilizzati.

Tutto ciò divenne una grave delusione per Coquet (come i tahitiani chiamavano Gauguin). E quando apprese che se avesse lasciato la capitale, avrebbe potuto ancora ritrovare la sua vecchia vita alla periferia dell'isola, ovviamente iniziò a sforzarsi di farlo.

La partenza però non avvenne immediatamente; Gauguin fu impedito da una circostanza imprevista: una malattia. Emorragia molto grave e dolore al cuore. Tutti i sintomi indicavano la sifilide al secondo stadio. La seconda fase ha significato che Gauguin si è infettato molti anni fa, in Francia. E qui, a Tahiti, il decorso della malattia fu solo accelerato dalla vita tempestosa e lontana dall'essere sana che iniziò a condurre. E va detto che, dopo aver litigato con l'élite burocratica, si è completamente immerso nell'intrattenimento popolare: frequentava regolarmente feste di spericolati tahitiani e cosiddetti, dove poteva sempre trovare una bellezza per un'ora senza problemi. Allo stesso tempo, ovviamente, per Gauguin, la comunicazione con gli indigeni era, prima di tutto, un'ottima opportunità per osservare e abbozzare tutto ciò che di nuovo vedeva.

Un ricovero in ospedale costava a Gauguin 12 franchi al giorno, soldi che si scioglievano come ghiaccio ai tropici. A Papeete il costo della vita era generalmente più alto che a Parigi. E Gauguin amava vivere in grande. Tutto il denaro portato dalla Francia era sparito. Non era previsto alcun nuovo reddito.

Alla ricerca dei selvaggi

Una volta a Papeete, Gauguin incontrò uno dei leader regionali di Tahiti. Il leader si distingueva per una rara lealtà verso i francesi e parlava fluentemente la loro lingua. Avendo ricevuto un invito a vivere nella regione di Tahiti, subordinato al suo nuovo amico, Gauguin accettò felicemente. E aveva ragione: era una delle zone più belle dell'isola.

Gauguin si stabilì in una normale capanna tahitiana fatta di bambù, con un tetto di foglie. All'inizio era felice e dipinse due dozzine di dipinti: “Era così facile dipingere le cose come le vedevo, mettere la vernice rossa accanto al blu senza calcoli deliberati. Ero affascinato dalle figure dorate nei fiumi o in riva al mare. Cosa mi ha impedito di trasmettere su tela questo trionfo del sole? Solo una radicata tradizione europea. Solo le catene della paura inerenti a un popolo degenerato!”

Sfortunatamente, tale felicità non poteva durare a lungo. Il leader non intendeva prendere a bordo l'artista, ed era impossibile per un europeo che non possedeva terra e non conosceva l'agricoltura tahitiana nutrirsi da queste parti. Non poteva né cacciare né pescare. E anche se avesse imparato col tempo, tutto il suo tempo sarebbe stato dedicato a questo: semplicemente non avrebbe tempo per scrivere.

Gauguin si trovò in un vicolo cieco finanziario. Non c'erano davvero abbastanza soldi per niente. Di conseguenza, è stato costretto a chiedere di essere rimandato a casa a spese del governo. È vero, mentre la petizione viaggiava da Tahiti alla Francia, la vita sembrava migliorare: Gauguin riuscì a ricevere alcuni ordini per i ritratti e acquisì anche una moglie, una quattordicenne tahitiana di nome Teha'amana.

“Ho ripreso a lavorare e la mia casa è diventata un luogo di felicità. Al mattino, quando sorgeva il sole, la mia casa era piena di luce intensa. Il volto di Teha'amana brillava come l'oro, illuminando tutto intorno, e noi andammo al fiume e nuotammo insieme, semplicemente e naturalmente, come nei Giardini dell'Eden. Non distinguevo più tra il bene e il male. Tutto era perfetto, tutto meraviglioso."

Fallimento completo

Ciò che seguì fu la povertà intervallata da felicità, fame, esacerbazione della malattia, disperazione e occasionale sostegno finanziario derivante dalla vendita di dipinti a casa. Con grande difficoltà Gauguin torna in Francia per organizzare una grande mostra personale. Fino all'ultimo momento era sicuro che il trionfo lo attendesse. Dopotutto, ha portato da Tahiti diverse dozzine di dipinti veramente rivoluzionari: nessun artista aveva mai dipinto così prima. “Ora scoprirò se è stata una follia da parte mia andare a Tahiti”.

E cosa? Volti indifferenti e sprezzanti di gente comune perplessa. Fallimento completo. Partì per terre lontane quando la mediocrità si rifiutò di riconoscere il suo genio. E sperava al suo ritorno di apparire in tutta la sua altezza, in tutta la sua grandezza. Lascia che la mia fuga sia una sconfitta, si disse, ma il mio ritorno sarà una vittoria. Invece, il suo ritorno gli ha inferto solo un altro duro colpo.

I giornali definirono i dipinti di Gauguin "fabbricazioni di un cervello malato, un oltraggio all'arte e alla natura". "Se vuoi divertire i tuoi figli, mandali alla mostra di Gauguin", hanno scritto i giornalisti.

Gli amici di Gauguin fecero del loro meglio per convincerlo a non cedere al suo impulso naturale e a non tornare subito nei mari del sud. Ma invano. “Niente mi impedirà di andarmene e resterò lì per sempre. La vita in Europa: che idiozia!” Sembrava aver dimenticato tutte le difficoltà che aveva vissuto di recente a Tahiti. “Se tutto andrà bene, partirò a febbraio. E allora potrò concludere i miei giorni da uomo libero, in pace, senza ansia per il futuro, e senza dover più combattere con gli idioti... Non scriverò, se non forse per il mio piacere. Avrò una casa di legno intagliato.

Nemico invisibile

Nel 1895 Gauguin si recò nuovamente a Tahiti e si stabilì nuovamente nella capitale. In realtà, questa volta sarebbe andato alle Isole Marchesi, dove sperava di trovare una vita più semplice e facile. Ma era tormentato dalla stessa malattia non curata, e scelse Tahiti, dove almeno c'era un ospedale.

Malattia, povertà, mancanza di riconoscimento, queste tre componenti incombevano come un destino malvagio su Gauguin. Nessuno voleva comprare i quadri lasciati in vendita a Parigi, e a Tahiti nessuno aveva affatto bisogno di lui.

Ciò che alla fine lo spezzò fu la notizia della morte improvvisa della figlia diciannovenne, forse l'unica creatura sulla terra che amava veramente. "Ero così abituato alla costante sfortuna che all'inizio non sentivo nulla", ha scritto Gauguin. “Ma gradualmente il mio cervello ha preso vita, e ogni giorno il dolore è penetrato più in profondità, tanto che ora sono completamente ucciso. Onestamente, penseresti che da qualche parte nei regni trascendentali io abbia un nemico che ha deciso di non darmi un minuto di pace.

La mia salute è peggiorata allo stesso ritmo delle mie finanze. Le ulcere si diffondono in tutta la gamba colpita e poi si diffondono alla seconda gamba. Gauguin li strofinò dell'arsenico e gli avvolse le gambe in bende fino alle ginocchia, ma la malattia progredì. Poi i suoi occhi improvvisamente si infiammarono. È vero, i medici assicurarono che non era pericoloso, ma non poteva scrivere in quello stato. Gli hanno solo curato gli occhi: la gamba gli faceva così male che non riusciva a calpestarla e si è ammalato. Gli antidolorifici lo hanno reso noioso. Se cercava di alzarsi, cominciava ad avere vertigini e perdeva conoscenza. A tratti la temperatura saliva. “La sfortuna mi ha perseguitato fin dall’infanzia. Non ho mai conosciuto la felicità o la gioia, solo la sfortuna. Ed esclamo: “Signore, se esisti, ti accuso di ingiustizia e crudeltà”. Vedi, dopo la notizia della morte della povera Alina, non potevo più credere a niente, ho solo riso amaramente. A cosa servono le virtù, il lavoro, il coraggio e l'intelligenza?

La gente cercava di non avvicinarsi a casa sua, pensando che non solo avesse la sifilide, ma anche la lebbra incurabile (anche se non era così). Oltre a ciò, iniziò a soffrire di gravi attacchi di cuore. Soffriva di soffocamento e tossiva sangue. Sembrava che fosse davvero soggetto a una sorta di terribile maledizione.

In questo momento, tra attacchi di vertigini e dolori insopportabili, venne lentamente creato un quadro che i suoi discendenti chiamarono il suo testamento spirituale, il leggendario “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?".

La vita dopo la morte

La serietà delle intenzioni di Gauguin è testimoniata dal fatto che la dose di arsenico da lui assunta era semplicemente letale. Stava davvero per suicidarsi.

Si rifugiò sulle montagne e ingoiò la polvere.

Ma è stata proprio la dose troppo grande ad aiutarlo a sopravvivere: il suo corpo si è rifiutato di accettarla e l'artista ha vomitato. Esausto, Gauguin si addormentò e quando si svegliò in qualche modo strisciò a casa.

Gauguin pregò Dio per la morte. Ma invece la malattia si è ritirata.

Decise di costruire una casa grande e confortevole. E, continuando a sperare che i parigini cominciassero presto ad acquistare i suoi quadri, chiese un prestito molto ingente. E per saldare i suoi debiti, trovò un noioso lavoro come piccolo funzionario. Ha fatto copie di disegni e piani e ha ispezionato le strade. Questo lavoro era noioso e non mi permetteva di dipingere.

Tutto è cambiato all'improvviso. Era come se da qualche parte in paradiso improvvisamente si fosse rotta una diga di sfortuna. All'improvviso riceve 1000 franchi da Parigi (alcuni quadri furono finalmente venduti), salda parte del debito e lascia il servizio. All'improvviso si ritrova giornalista e, lavorando in un giornale locale, ottiene risultati abbastanza tangibili in questo campo: giocando sull'opposizione politica di due partiti locali, migliora la sua situazione finanziaria e riconquista il rispetto dei residenti locali. Non c'era niente di particolarmente gioioso, però. Dopotutto, Gauguin vedeva ancora la sua vocazione nella pittura. E a causa del giornalismo, il grande artista è stato strappato dalla tela per due anni.

Ma All'improvviso nella sua vita apparve un uomo che riuscì a vendere bene i suoi quadri e così salvò letteralmente Gauguin, permettendogli di tornare ai suoi affari. Il suo nome era Ambroise Vollard. In cambio del diritto garantito di acquistare, senza guardare, almeno venticinque dipinti all'anno per duecento franchi ciascuno, Vollard iniziò a versare a Gauguin un anticipo mensile di trecento franchi. E anche a tue spese fornire all'artista tutti i materiali necessari. Gauguin ha sognato un simile accordo per tutta la vita.

Avendo finalmente ottenuto la libertà finanziaria, Gauguin decise di realizzare il suo vecchio sogno e di trasferirsi alle Isole Marchesi.

Sembrava che tutte le cose brutte fossero finite. Nelle Isole Marchesi costruì una nuova casa (chiamandola niente di meno che “La Casa del Divertimento”) e visse come desiderava da tempo. Koke scrive molto e trascorre il resto del tempo festeggiando amichevolmente nella fresca sala da pranzo della sua "Fun Home".

Tuttavia, la felicità fu di breve durata: i residenti locali trascinarono il "famoso giornalista" in intrighi politici, iniziarono problemi con le autorità e, di conseguenza, anche qui si fece molti nemici. E la malattia di Gauguin, domata, bussò di nuovo alla porta: forte dolore alla gamba, insufficienza cardiaca, debolezza. Ha smesso di uscire di casa. Ben presto il dolore divenne insopportabile e Gauguin dovette ricorrere ancora una volta alla morfina. Quando aumentò la dose a un limite pericoloso, quindi, temendo l'avvelenamento, passò alla tintura di oppio, che lo faceva dormire tutto il tempo. Rimase seduto per ore nel laboratorio e suonò l'armonium. E i pochi ascoltatori, raccolti attorno a questi suoni dolorosi, non hanno potuto trattenere le lacrime.

Quando morì, sul comodino c'era una bottiglia vuota di tintura di oppio. Forse Gauguin, accidentalmente o intenzionalmente, ha preso una dose eccessivamente grande.

Tre settimane dopo il suo funerale, il vescovo locale (e uno dei nemici di Gauguin) inviò una lettera ai suoi superiori a Parigi: "L'unico evento degno di nota qui fu la morte improvvisa di un uomo indegno di nome Gauguin, che era un artista famoso, ma un nemico di Dio e di tutto ciò che è dignitoso."

Uno dei dipinti più riconoscibili di Paul Gauguin, Woman Holding a Fruit, è conosciuto anche con il titolo Maori, Where Are You Going? Alcuni ricercatori ritengono che la firma interrogativa, così caratteristica di molte opere del periodo polinesiano, sia apparsa molti anni dopo.

La trama del film si basa sulla descrizione quotidiana di un normale villaggio sull'isola di Tahiti, che a un europeo sembra strano ed esotico.

In primo piano c'è una giovane ragazza con un pareo rosso intorno ai fianchi. Nelle mani di una donna tahitiana c'è un certo frutto esotico, che ricorda vagamente un vaso che tiene con cura. Alcuni storici dell'arte sostengono che la ragazza in realtà tiene in mano un vaso scolpito in una zucca, il che significa che l'eroina andrà a prendere l'acqua.

L'eroina stessa è raffigurata in modo piuttosto piatto, nello stile di Gauguin. Ha un bel colore della pelle e un corpo forte. Ci sono prove che la persona raffigurata nel dipinto altri non è che Tehura, la giovane moglie di Gauguin.

Lo sfondo della maestosa donna tahitiana sono due capanne con i suoi abitanti, i cui volti e figure sono rivolti verso lo spettatore. Tutta la natura è raffigurata staticamente, dal momento che il pittore non ha mai cercato di trasmettere nei suoi dipinti la sottile luce del sole e i movimenti dell'aria: vedeva il suo obiettivo nel catturare un frammento momentaneo: una cornice.

Dopo che Gauguin fu accettato dalla comunità artistica (sfortunatamente, dopo la morte del maestro stesso), i ricercatori si affrettarono a interpretare l'eredità artistica del maestro: "Dove stai andando?" non ha fatto eccezione. Alcuni iniziarono a vedere l'isolano con un feto tra le mani come una sorta di incarnazione di Eva e il feto, a sua volta, come un simbolo di maternità e fertilità. Altri hanno visto nel dipinto un accenno alle circostanze personali dell’artista: la donna in piedi a destra con un bambino allude all’interessante posizione della moglie di Tehura, in cui si trovava durante la creazione dell’opera.

Il dipinto fu acquistato dal famoso mercante e filantropo russo Ivan Morozov e andò in Russia per integrare la sua straordinaria collezione privata. Come al solito, i dipinti di Gauguin insieme ad altri capolavori furono nazionalizzati dopo la rivoluzione.

Una cosa curiosa ma poco conosciuta è che di questo dipinto esistono due versioni: la prima versione del dipinto è di un anno più giovane di quella esposta all'Ermitage, e si trova in Germania nel Museo statale di Stoccarda, significativamente diversa dalla famosa “Donna con un frutto”.

Dipinto dell’artista Paul Gauguin “Donna con un frutto” 1893
Tela, olio. 92,5 x 73,5 cm Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo, Russia

I capolavori delle belle arti, in particolare, sono il riflesso del percorso di una persona, l'incarnazione di un sentimento che non può essere descritto a parole. Forse c'è un significato più profondo e fondamentale nascosto in essi. Paul Gauguin, cacciatore di segreti e, come veniva chiamato, il famoso “creatore di miti”, cercò di trovarlo.

Paul Gauguin era una persona creativa che imparava cose nuove al volo, istruendosi costantemente. Ma ha percepito ciò che ha visto a modo suo, inconsciamente lo ha introdotto nel suo mondo artistico e lo ha combinato con altre parti. Ha creato un mondo di sue fantasie e pensieri, ha creato la sua mitologia. Avendo iniziato come artista autodidatta, Gauguin fu influenzato dalla scuola di Barbizon, dagli impressionisti, dai simbolisti e dai singoli artisti con cui il destino lo incontrò. Ma, avendo acquisito le competenze tecniche necessarie, ha sentito un bisogno irrefrenabile di trovare la propria strada nell'arte, che gli avrebbe permesso di esprimere i suoi pensieri e le sue idee.

Eugène Henri Paul Gauguin nato il 7 giugno 1848 a Parigi. Questa volta cadde durante gli anni della Rivoluzione francese. Nel 1851, dopo un colpo di stato, la famiglia si trasferì in Perù, dove il ragazzo rimase affascinato dalla bellezza luminosa e unica di un paese sconosciuto. Suo padre, un giornalista liberale, morì a Panama e la famiglia si stabilì a Lima.

Fino all'età di sette anni, Paul visse in Perù con sua madre. I “contatti” infantili con la natura esotica e i vivaci costumi nazionali furono profondamente impressi nella sua memoria e si rifletterono nel costante desiderio di cambiare luogo. Dopo essere tornato in patria nel 1855, insistette costantemente che sarebbe tornato nel “paradiso perduto”.

Gli anni della sua infanzia trascorsi a Lima e Orleans determinarono il destino dell'artista. Dopo essersi diplomato al liceo nel 1865, Gauguin, da giovane, entrò nella flotta mercantile francese e viaggiò in giro per il mondo per sei anni. Nel 1870-1871, il futuro artista prese parte alla guerra franco-prussiana, alle battaglie nel Mediterraneo e nel Mare del Nord.

Ritornato a Parigi nel 1871, Gauguin si affermò come agente di cambio sotto la guida del suo ricco tutore Gustave Arosa. A quel tempo Arosa era un eccezionale collezionista di pittura francese, compresi dipinti di impressionisti contemporanei. Fu Arosa a risvegliare l'interesse di Gauguin per l'arte e a sostenerlo.

I guadagni di Gauguin erano molto dignitosi e nel 1873 Paul sposò la donna danese Mette Sophie Gad, che prestò servizio come governante a Parigi. Gauguin iniziò a decorare la casa in cui si trasferirono gli sposi con dipinti che acquistò e che si interessò seriamente a collezionare. Paul conosceva molti pittori, ma Camille Pissarro, che credeva che “si può rinunciare a tutto! per amore dell'arte” è l'artista che ha lasciato la più grande impronta emotiva nella sua mente.

Paul iniziò a dipingere e, ovviamente, cercò di vendere le sue creazioni. Seguendo l'esempio di Arosa, Gauguin acquistò tele impressioniste. Nel 1876 espose i suoi dipinti al Salon. La moglie lo considerava infantile e comprare quadri era uno spreco di denaro.

Nel gennaio 1882, la borsa francese crollò e la banca Gauguin scoppiare. Alla fine Gauguin rinunciò all'idea di trovare un lavoro e, dopo una dolorosa riflessione, nel 1883 fece una scelta, dicendo a sua moglie che dipingere era l'unica cosa che poteva fare per vivere. Stordita e spaventata dalla notizia inaspettata, Mette ricorda a Paul che hanno cinque figli e nessuno compra i suoi quadri: è tutto invano! La rottura definitiva con la moglie lo privò della casa. Vivendo alla giornata con denaro preso in prestito contro royalties future, Gauguin non si tira indietro. Paul cerca persistentemente la sua strada nell'arte.

Nei primi dipinti Gauguin prima metà degli anni Ottanta dell'Ottocento, eseguita al livello della pittura impressionista, non c'è nulla di insolito per cui varrebbe la pena rinunciare anche a un lavoro mediamente retribuito; le circostanze lo costrinsero a trasformare il suo hobby in un mestiere che avrebbe fornito a lui e ai suoi famiglia con mezzi di sussistenza.

Gauguin si considerava un pittore in questo periodo? Copenhagen, scritto nell'inverno 1884-1885, segna un punto di svolta importante nella vita di Gauguin ed è il punto di partenza per la formazione dell'immagine dell'artista che creerà nel corso della sua carriera.

Gauguin ha segnato una svolta importante nella sua vita: un anno fa ha lasciato il lavoro, ponendo fine per sempre alla sua carriera di agente di cambio e all'esistenza di un rispettabile borghese, ponendosi il compito di diventare un grande artista.

Nel giugno 1886 Gauguin parte per Pont-Aven, cittadina della costa meridionale della Bretagna, dove si conservano ancora costumi, costumi e costumi antichi originali. Gauguin scriveva che Parigi “è un deserto per i poveri. [...] Andrò a Panama e vivrò lì come un selvaggio. […] Porterò con me pennelli e colori e troverò nuova forza lontano dalla compagnia delle persone.”

Non è stata solo la povertà ad allontanare Gauguin dalla civiltà. Avventuriero dall'animo inquieto, ha sempre cercato di scoprire cosa c'era oltre l'orizzonte. Ecco perché amava così tanto gli esperimenti artistici. Durante i suoi viaggi, è stato attratto dalle culture esotiche e ha voluto immergersi in esse alla ricerca di nuovi modi di espressione visiva.

Qui si avvicina a M. Denis, E. Bernard, C. Laval, P. Sérusier e C. Filiger. Gli artisti studiavano con entusiasmo la natura, che sembrava loro una misteriosa azione mistica. Due anni dopo, un gruppo di pittori seguaci di Gauguin, riuniti attorno a Sérusier, riceverà il nome "Nabi", che tradotto dall'ebraico significa "Profeti". A Pont-Aven, Gauguin dipinse quadri della vita dei contadini, in cui utilizzava contorni semplificati e una composizione rigorosa. Il nuovo linguaggio pittorico di Gauguin suscitò un vivace dibattito tra gli artisti.

Nel 1887 si reca in Martinica, che lo incanta con l'esotismo semi dimenticato dei tropici. Ma la febbre della palude costrinse l'artista a tornare in patria, dove lavorò e ricevette ulteriori cure ad Arles. Nello stesso periodo viveva lì il suo amico Van Gogh.

Qui inizia a provare con un disegno "infantile" semplificato - senza ombre, ma con colori molto accattivanti. Gauguin iniziò a ricorrere a colori più colorati, ad applicare masse più spesse e a disporle con maggiore rigore. È stata un’esperienza decisiva che preannunciava nuove conquiste. Le opere di questo periodo includono le opere "" (1887), "" (1887).

Dipinti della Martinica furono esposti a Parigi nel gennaio 1888. Il critico Felix Fénéon ha trovato nell'opera di Gauguin "gaeltà e carattere barbarico", anche se ammette che "questi dipinti orgogliosi" danno già una comprensione del carattere creativo dell'artista. Tuttavia, per quanto fruttuoso sia stato il periodo della Martinica, non costituì un punto di svolta nell’opera di Gauguin.

Una caratteristica di tutti i tipi di creatività Paolo Gauguinè il desiderio di andare oltre la mentalità sulla base della quale si è determinata la sua arte “europea”, il desiderio di arricchire la tradizione artistica europea con nuovi mezzi visivi, consentendo uno sguardo diverso sul mondo che lo circonda, che permea tutta la creatività dell'artista missioni.

Nel suo famoso dipinto “” (1888), l'immagine, notevolmente espansa su un piano, è divisa verticalmente in zone convenzionali, situate, come nei “primitivi” medievali o nel kakemono giapponese, l'una di fronte all'altra. In una natura morta allungata verticalmente, l'immagine si svolge dall'alto verso il basso. La somiglianza con un rotolo medievale è stata costruita contrariamente ai metodi di composizione generalmente accettati. Su un piano bianco splendente - lo sfondo - come una staccionata, una catena di occhiali divide il livello superiore con i cuccioli. Questa è una sorta di struttura unificata degli elementi di un'antica xilografia giapponese dell'artista giapponese Utagawa Kuniyoshi "" e " Natura morta con cipolla» Paul Cézanne.

Il dipinto “”, una sorta di manifestazione della stessa idea di confrontare “distanti e diversi”, per dimostrare la loro relazione, come in “ Natura morta con testa di cavallo" Ma questa idea è espressa in un linguaggio plastico diverso - con un completo rifiuto di ogni illusione e verosimiglianza naturale, enfatizzata da incoerenze su larga scala e dalla stessa interpretazione ornamentale e decorativa del materiale. Qui puoi vedere un confronto tra "epoche diverse" della cultura pittorica: la parte superiore notevolmente grossolana e semplificata dell'immagine, come le prime forme di arte "primitiva", e la parte inferiore, che indica lo stadio finale della sua evoluzione moderna.

Sperimentando l'influenza delle incisioni giapponesi, Gauguin abbandonò la modellazione delle forme, rendendo il disegno e il colore più espressivi. Nei suoi dipinti l'artista iniziò a enfatizzare la natura piatta della superficie pittorica, accennando solo ai rapporti spaziali e abbandonando decisamente la prospettiva aerea, costruendo le sue composizioni come una sequenza di piani piatti.

Ciò ha portato alla creazione del simbolismo sintetico. Il nuovo stile sviluppato dal suo contemporaneo e artista Emile Bernard lasciò una forte impressione su Gauguin. Percepito Gauguin Il cloisonismo, la cui base era un sistema di macchie di colore brillante sulla tela, divise in più piani di diversi colori con linee di contorno nette e bizzarre, usò nel suo dipinto compositivo “” (1888). Spazio e prospettiva scompaiono completamente dal quadro, lasciando il posto alla costruzione cromatica della superficie. Il colore di Gauguin divenne più audace, più decorativo e ricco.

In una lettera a Van Gogh nel 1888, Gauguin scrisse che nel suo dipinto sia il paesaggio che la lotta di Giacobbe con l'angelo vivono solo nelle congetture dei fedeli dopo il sermone. È qui che nasce il contrasto tra persone reali e figure in combattimento sullo sfondo del paesaggio, sproporzionato e irreale. Indubbiamente, per Jacob in difficoltà, Gauguin intendeva se stesso, costantemente alle prese con circostanze di vita sfavorevoli. Le donne bretoni in preghiera sono testimoni indifferenti del suo destino: comparse. L'episodio della lotta si presenta come una scena immaginaria, onirica, che corrisponde alle inclinazioni dello stesso Giacobbe, che in sogno immaginava una scala con angeli.

Ha creato la sua tela dopo il lavoro di Bernard, ma ciò non significa che il dipinto lo abbia influenzato, poiché la tendenza generale dell’evoluzione creativa di Gauguin e alcune delle sue opere precedenti indicano una nuova visione e l’incarnazione di questa visione nella pittura.

Donne bretoni Gauguin Non sembrano affatto santi, ma i personaggi e i tipi sono trasmessi in modo abbastanza specifico. Ma in loro si risveglia uno stato di egocentrismo. I berretti bianchi con strascichi alati li paragonano agli angeli. L'artista ha abbandonato il trasferimento di volume, la prospettiva lineare e ha costruito la composizione in modo completamente diverso. Tutto è subordinato a un obiettivo: la trasmissione di un certo pensiero.

I due titoli del dipinto indicano due mondi diversi rappresentati sulla tela. Gauguin ha delimitato questi mondi, dividendoli compositivamente con un tronco d'albero potente e spesso, che attraversa diagonalmente l'intera tela. Vengono introdotti diversi punti di vista: l'artista guarda le figure vicine leggermente dal basso, il paesaggio - bruscamente dall'alto. Grazie a ciò, la superficie della terra è quasi verticale, l'orizzonte appare da qualche parte fuori dalla tela. Non ci sono ricordi della prospettiva lineare. Appare una sorta di “prospettiva” dall’alto verso il basso.

Nell'inverno del 1888, Gauguin si recò ad Arles e lavorò con Van Gogh, che sognava di creare una confraternita di artisti. La collaborazione di Gauguin con Van Gogh raggiunse il suo culmine, terminando con un litigio per entrambi gli artisti. Dopo l’attacco di Van Gogh all’artista, a Gauguin fu rivelato il significato esistenziale della pittura, che distrusse completamente il sistema chiuso di cloisonnismo che aveva costruito.

Dopo essere stato costretto a fuggire in un albergo da Van Gogh, Gauguin si divertì a lavorare con il vero fuoco nello studio di ceramica parigino del Cappellano e creò il dialogo più toccante della vita di Vincent Van Gogh: un vaso con il volto di Van Gogh e un orecchio mozzato al posto di un ansa, lungo la quale scorrono rivoli di smalto rosso. Gauguin si descriveva come un artista votato alla dannazione, vittima del tormento creativo.

Dopo Arles, dove Gauguin, contrariamente alla volontà di Van Gogh, rifiutò di restare, si recò da Pont-Aven a Le Pouldu, dove si susseguono le sue famose tele con il crocifisso bretone, per poi cercarsi a Parigi, che si conclude con la sua partenza per l'Oceania da - per conflitto diretto con l'Europa.

Nel villaggio di Le Pouldu, Paul Gauguin dipinse il suo dipinto "" (1889). Gauguin Volevo sentire, secondo lui, la “qualità selvaggia e primitiva” della vita contadina, il massimo possibile nella solitudine. Gauguin non copiò la natura, ma la usò per dipingere immagini immaginarie.

" è un chiaro esempio del suo metodo: vengono rifiutate sia la prospettiva che la modulazione naturalistica del colore, facendo sì che l'immagine assomigli alle vetrate o alle stampe giapponesi che ispirarono Gauguin per tutta la sua vita.

La differenza tra Gauguin prima del suo arrivo ad Arles e Gauguin dopo è evidente dall'esempio dell'interpretazione della trama senza pretese e abbastanza chiara di "". “” (1888) è ancora completamente permeato dello spirito dell'epitaffio, e l'antica danza bretone, con il suo enfatizzato arcaismo, i movimenti inetti e costretti delle ragazze, si adatta perfettamente con assoluta immobilità alla base di una composizione stilizzata di figure geometriche. I piccoli Bretoni sono due piccoli miracoli, congelati come due statue in riva al mare. Gauguin le scrisse l’anno successivo, 1889. Al contrario, stupiscono per il principio compositivo di apertura e squilibrio, che riempie queste figure scolpite da materiale inanimato di speciale vitalità. Due idoli, sotto forma di ragazzine bretoni, offuscano il confine tra il mondo reale e quello ultraterreno, che popolano i dipinti successivi di Gauguin.

All'inizio del 1889 a Parigi, al Café Voltaire, in occasione della XX Esposizione Mondiale di Bruxelles, Paul Gauguin espone diciassette delle sue tele. L’esposizione delle opere di Gauguin e degli artisti della sua scuola, chiamata dalla critica “Mostra degli impressionisti e dei sintetisti”, non ebbe successo, ma diede origine al termine “sintetismo”, che unì le tecniche del clausonismo e del simbolismo, sviluppando nella direzione opposta al puntinismo.

Paul Gauguin fu profondamente commosso dall'immagine di Cristo, solitario, incompreso e sofferente per i suoi ideali. Nella comprensione del maestro, il suo destino è strettamente correlato al destino di una persona creativa. Di Gauguin, l'artista è un asceta, un santo martire, e la creatività è la via della croce. Allo stesso tempo, l'immagine del maestro rifiutato è autobiografica per Gauguin, perché l'artista stesso è stato spesso frainteso: il pubblico - le sue opere, la famiglia - la sua strada prescelta.

L'artista ha affrontato il tema del sacrificio e della Via Crucis nei dipinti raffiguranti la crocifissione di Cristo e la sua deposizione dalla croce - “” (1889) e “” (1889). La tela “” raffigura una “Crocifissione” in legno policromo di maestro medievale. Ai suoi piedi tre donne bretoni si inchinarono e si immobilizzarono in pose di preghiera.

Allo stesso tempo, l’immobilità e la maestosità delle pose danno loro una somiglianza con monumentali sculture in pietra, e la figura ferita di Cristo crocifisso con il volto pieno di dolore, al contrario, sembra “viva”. Il contenuto emotivo dominante dell'opera può essere definito tragicamente senza speranza.

Il dipinto “” sviluppa il tema del sacrificio. Si basa sull'iconografia della Pietà. Su uno stretto piedistallo alto c'è un gruppo scultoreo in legno con la scena del "Compianto di Cristo" - un frammento di un antico monumento medievale, verde con il tempo, a Nizon. Ai piedi c'è una donna bretone triste, immersa in pensieri oscuri e che tiene con la mano una pecora nera: simbolo di morte.

Viene nuovamente utilizzata la tecnica di “ravvivare” il monumento e trasformare una persona vivente in un monumento. Rigorose statue frontali in legno di donne portatrici di mirra in lutto per il Salvatore, l'immagine tragica di una donna bretone conferiscono alla tela uno spirito veramente medievale.

Gauguin dipinse numerosi autoritratti, dipinti in cui si identificava con il Messia. Una di queste opere è "" (1889). In esso, il maestro si raffigura in tre forme. Al centro c'è un autoritratto in cui l'artista appare cupo e depresso. La seconda volta che si riconoscono i suoi lineamenti è nella grottesca maschera di ceramica di un selvaggio sullo sfondo.

Nel terzo caso, Gauguin è raffigurato nell'immagine di Cristo crocifisso. L'opera si distingue per la sua versatilità simbolica: l'artista crea un'immagine complessa e multivalore della propria personalità. Appare allo stesso tempo come un peccatore, un selvaggio, un animale e un santo, un salvatore.

Nell'autoritratto "" (1889) - una delle sue opere più tragiche - Gauguin si confronta nuovamente con Cristo, sopraffatto da pensieri dolorosi. La figura piegata, la testa chinata e le mani abbassate impotenti esprimono dolore e disperazione. Gauguin si eleva al livello del Salvatore, e presenta Cristo come una persona non priva di tormenti e dubbi morali.

“” (1889) appare ancora più ardito, dove il maestro si presenta nell’immagine di un “santo sintetista”. Questo è un autoritratto: una caricatura, una maschera grottesca. Tuttavia, non tutto è così chiaro in questo lavoro. In effetti, per il gruppo di artisti che si radunavano attorno a Gauguin a Le Pouldu, era una sorta di nuovo Messia, che percorreva il sentiero spinoso verso gli ideali della vera arte e della libera creatività. Dietro la maschera senza vita e il finto divertimento, si nascondono amarezza e dolore, quindi "" è percepito come l'immagine di un artista o santo ridicolizzato.

Nel 1891 Gauguin dipinse una grande tela simbolica "" e, con l'aiuto di amici, preparò il suo primo viaggio a Tahiti. Il successo della vendita dei suoi dipinti nel febbraio 1891 gli permise di mettersi in viaggio all'inizio di aprile.

Il 9 giugno 1891 Gauguin arriva a Papeete e si tuffa a capofitto nella cultura indigena. A Tahiti si sentì felice per la prima volta dopo molti anni. Nel corso del tempo divenne un paladino dei diritti della popolazione locale e, di conseguenza, un piantagrane agli occhi delle autorità coloniali. Ancora più importante, sviluppò un nuovo stile chiamato primitivismo: piatto, pastorale, spesso eccessivamente colorato, semplice e spontaneo, assolutamente originale.

Ora usa una peculiare rotazione dei corpi, caratteristica dei dipinti egiziani: una combinazione di una rotazione frontale diritta delle spalle con una rotazione delle gambe in una direzione e della testa nella direzione opposta, una combinazione con l'aiuto della quale un certo si crea il ritmo musicale: “ Mercato"(1892); le pose aggraziate delle donne tahitiane, immerse nei sogni, si spostano da una zona di colore all'altra, la ricchezza di sfumature colorate crea la sensazione di un sogno riversato nella natura: “” (1892), “” (1894).

Con la sua vita e la sua opera realizzò il progetto del paradiso terrestre. Nel dipinto "" (1892) raffigurò la Eva tahitiana nella posa dei rilievi dei templi di Borobudur. Accanto a lei, sul ramo di un albero, al posto del serpente, c'è una fantastica lucertola nera con le ali rosse. Il personaggio biblico appariva in una stravagante veste pagana.

Sulle tele scintillanti di colori, che glorificano la bellezza della straordinaria armonia con la tonalità dorata della pelle delle persone e l'esotismo della natura incontaminata, c'è sempre una compagna di vita tredicenne Tekhur, secondo i concetti locali: una moglie. Gauguin l'ha immortalata su molte tele, tra cui “ Amico" (Mercato), "", "".

Dipinse la figura giovane e fragile di Tehura, sulla quale aleggiano i fantasmi dei suoi antenati, instillando paura nei tahitiani, nel dipinto “” (1892). Il lavoro era basato su eventi reali. L'artista si recò a Papeete e vi rimase fino a sera. Tehura, la giovane moglie tahitiana di Gauguin, si allarmò, sospettando che suo marito stesse di nuovo con donne corrotte. L'olio nella lampada finì e Tehura rimase al buio.

Nel dipinto, la ragazza sdraiata a pancia in giù è copiata da Tehura sdraiata, e lo spirito maligno che custodisce i morti - tupapau - è raffigurato come una donna seduta sullo sfondo. Lo sfondo viola scuro del dipinto dona un'atmosfera misteriosa.

Tehura fu il modello per molti altri dipinti. Così nel dipinto “” (1891), appare nelle sembianze della Madonna con un bambino in braccio, e nel dipinto “” (1893), è raffigurata nell'immagine di Eva tahitiana, nelle cui mani un il frutto del mango ha sostituito una mela. La linea elastica dell’artista delinea il busto e le spalle forti della ragazza, i suoi occhi alzati alle tempie, le ampie ali del naso e le labbra carnose. Eva tahitiana personifica il desiderio del “primitivo”. La sua bellezza è associata alla libertà e alla vicinanza alla natura, a tutti i segreti del mondo primitivo.

Nell'estate del 1893, lo stesso Gauguin distrusse la sua felicità. Il rattristato Tehura mandò Paul a Parigi per mostrare le sue nuove opere e ricevere la piccola eredità che aveva ricevuto. Gauguin iniziò a lavorare in un laboratorio in affitto. La mostra in cui l'artista ha esposto i suoi nuovi dipinti è fallita miseramente: il pubblico e la critica ancora una volta non lo hanno capito.

Nel 1894, Gauguin tornò a Pont-Aven, ma in una lite con i marinai si ruppe una gamba, a seguito della quale non poté lavorare per qualche tempo. La sua giovane compagna, ballerina del cabaret di Montmartre, lascia l'artista in Bretagna in un letto d'ospedale e corre a Parigi, impossessandosi della proprietà dello studio. Per guadagnare almeno un po’ di soldi per la sua partenza, i pochi amici di Gauguin organizzano un’asta per vendere i suoi quadri. La vendita non ha avuto successo. Ma in questo breve tempo riesce a creare una meravigliosa serie di xilografie in modo contrastante, che raffigurano misteriosi e spaventosi rituali tahitiani. Nel 1895 Gauguin lascia la Francia, ormai per sempre, e parte per Tahiti a Punaauia.

Ma tornando a Tahiti, nessuno lo aspettava. L'ex amante sposò qualcun altro, Paul cercò di sostituirla con la tredicenne Pakhura, che gli diede due figli. In mancanza di amore, cercò conforto in modelle meravigliose.

Depresso dalla morte della figlia Aline, morta in Francia di polmonite, Gauguin cade in una grave depressione. L'idea del significato della vita, del destino umano permea le opere religiose e mistiche di questo tempo, la cui caratteristica distintiva è la plasticità dei ritmi classici. Diventa sempre più difficile per un artista lavorare ogni mese. Dolori alle gambe, attacchi di febbre, vertigini e graduale perdita della vista hanno privato Gauguin della fiducia in se stesso e nel successo della sua creatività personale. In totale disperazione e disperazione, Gauguin scrisse alcune delle sue opere migliori alla fine degli anni Novanta dell'Ottocento. La moglie del re», « Maternità», « regina di bellezza», « Mai e poi mai", "". Posizionando figure quasi statiche su uno sfondo di colore piatto, l'artista crea pannelli decorativi colorati in cui si riflettono leggende e credenze Maori. In essi, un artista povero e affamato realizza il suo sogno di un mondo ideale e perfetto.

Regina di bellezza. 1896. Carta, acquerello

Alla fine del 1897, a Punaauia, a circa due chilometri dal porto tahitiano di Papeete, Gauguin iniziò a realizzare il suo dipinto più grande e importante. Il suo portafoglio era quasi vuoto ed era indebolito dalla sifilide e da attacchi di cuore debilitanti.

La grande tela epica "" può essere definita un trattato filosofico condensato e allo stesso tempo il testamento di Gauguin. " Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" - queste domande estremamente semplici scritte Paolo Gauguin nell'angolo della sua brillante tela tahitiana, si trovano infatti le questioni centrali della religione e della filosofia.

Questa è un'immagine estremamente potente nel suo impatto sullo spettatore. Nelle immagini allegoriche, Gauguin ha raffigurato su di esso i problemi che attendono l'uomo, il desiderio di scoprire i segreti dell'ordine mondiale, la sete di piacere sensuale, la saggia calma, la pace e, naturalmente, l'inevitabilità dell'ora del morte. Il famoso postimpressionista ha cercato di incarnare il percorso di ogni singola persona e il percorso della civiltà nel suo insieme.

Gauguin sapeva che il suo tempo stava per scadere. Credeva che questo dipinto sarebbe stato il suo ultimo lavoro. Dopo averla scritta, si recò sulle montagne oltre Papeete per suicidarsi. Portò con sé una bottiglia di arsenico che aveva precedentemente conservato, probabilmente non sapendo quanto fosse dolorosa la morte per questo veleno. Sperava di perdersi tra le montagne prima di prendere il veleno, in modo che il suo cadavere non venisse ritrovato, ma diventasse cibo per le formiche.

Tuttavia, il tentativo di avvelenamento, che causò terribili sofferenze all’artista, si concluse fortunatamente con un fallimento. Gauguin tornò a Punaauia. E nonostante la sua vitalità stesse per esaurirsi, decise di non arrendersi. Per sopravvivere trovò lavoro come impiegato presso l'Ufficio dei Lavori Pubblici e della Ricerca di Papeete, dove veniva pagato sei franchi al giorno.

Nel 1901, alla ricerca di una solitudine ancora maggiore, si trasferì nella piccola e pittoresca isola di Hiva Oa nelle lontane Isole Marchesi. Lì costruì una capanna. Sulla porta trave di legno di una capanna Gauguin scolpì l'iscrizione "Maison de Jouir" ("Casa delle delizie" o "Dimora del divertimento") e visse con la quattordicenne Marie-Rose, divertendosi con altre bellezze esotiche.

Gauguin è felice della sua “Casa dei Piaceri” e della sua indipendenza. “Vorrei solo due anni di salute e non le troppe preoccupazioni economiche che mi tormentano sempre...” scrive l'artista.

Ma il modesto sogno di Gauguin non voleva realizzarsi. Uno stile di vita indecente minò ulteriormente la sua salute indebolita. Gli attacchi di cuore continuano, la vista peggiora e c'è un dolore costante alla gamba che mi impedisce di dormire. Per dimenticare e alleviare il dolore, Gauguin consuma alcol e morfina e sta valutando la possibilità di tornare in Francia per curarsi.

Il sipario è pronto a calare. Negli ultimi mesi è stato inquietante Gauguin il gendarme capo della polizia, accusando un negro che viveva nella valle di aver ucciso una donna. L'artista difende il nero e ribatte le accuse, accusando il gendarme di abuso di potere. Un giudice tahitiano condanna Gauguin a tre mesi di reclusione per insulto a un gendarme e una multa di mille franchi. Si può impugnare la sentenza solo a Papeete, ma Gauguin non ha i soldi per il viaggio.

Esausto per la sofferenza fisica e spinto alla disperazione per la mancanza di denaro, Gauguin non riesce a concentrarsi per continuare il suo lavoro. Solo due persone gli sono vicine e fedeli: il prete protestante Vernier e la sua vicina Tioka.

La coscienza di Gauguin è sempre più perduta. Già fa fatica a trovare le parole giuste e confonde il giorno con la notte. La mattina presto, l'8 maggio 1903, Vernier fece visita all'artista. Quella mattina le condizioni precarie dell’artista non durarono a lungo. Dopo aver aspettato che l’amico si sentisse meglio, Vernier se ne andò, e alle undici Gauguin morì, disteso sul suo letto. Eugene Henri Paul Gauguin fu sepolto nel cimitero cattolico di Khiva - Oa. Morto di infarto, le opere di Gauguin scatenarono quasi subito una moda pazzesca in Europa. I prezzi dei quadri sono saliti alle stelle...

Gauguin ha conquistato il suo posto nell'Olimpo dell'arte a costo del suo benessere e della sua vita. L'artista rimase estraneo alla sua famiglia, alla società parigina ed estraneo alla sua epoca.

Gauguin aveva un temperamento pesante, lento, ma potente e un'energia colossale. Solo grazie a loro ha potuto condurre una feroce lotta con la vita per la vita in condizioni disumanamente difficili fino alla sua morte. Ha trascorso tutta la sua vita in costanti sforzi per sopravvivere e preservarsi come individuo. Arrivò troppo tardi e troppo presto: questa fu la tragedia dell'universale Quello di Gauguin genio.