- (Tate Gallery) di Londra, galleria d'arte della Gran Bretagna, fondata nel 1897. Una ricca collezione di pittura e scultura dell'Europa occidentale della seconda metà dell'Ottocento e del Novecento. * * * TATE GALLERY TATE GALLERY (Tate Gallery) a Londra, arte ... ... Dizionario enciclopedico
Tate Gallery di Londra. Fondata nel 1897. Include una galleria di dipinti e disegni britannici del XVI e XX secolo. (opere di P. Lely, W. Hogarth, J. Reynolds, T. Gainsborough, J. Constable, W. Turner, W. Sickert, M. Smith, B. Nicholson, G. ... ... Enciclopedia dell'arte
Questo termine ha altri significati, vedi Tate (significati) ... Wikipedia
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A Londra, la National Gallery of Art della Gran Bretagna. Fondata nel 1897. Ricche collezioni di belle arti britanniche del XVI e XX secolo, pittura e scultura dell'Europa occidentale della fine del XIX e XX secolo ... Enciclopedia moderna
TATE Gallery (Tate Gallery) nella galleria d'arte londinese della Gran Bretagna, fondata nel 1897. Una ricca collezione di dipinti e sculture dell'Europa occidentale. 19 20 secoli... Grande dizionario enciclopedico
Exist., numero di sinonimi: 1 galleria (40) Dizionario dei sinonimi ASIS. V.N. Trišin. 2013 ... Dizionario dei sinonimi
Galleria Tate- a Londra, la National Gallery of Art della Gran Bretagna. Fondata nel 1897. Ricche collezioni di belle arti britanniche del XVI e XX secolo, pittura e scultura dell'Europa occidentale della fine del XIX e XX secolo. … Dizionario Enciclopedico Illustrato
La Tate Gallery di Londra è il più grande complesso di musei d'arte. All'interno delle loro mura ci sono capolavori dell'arte britannica dal 1500 ad oggi.
Alla fine del secolo scorso, la collezione del museo era diventata così vasta che non c'era più spazio sufficiente per conservarla (per non parlare di esporla). Di conseguenza, la collezione è stata divisa in due parti: pittura contemporanea (nella comprensione dei curatori, questo è il 20 ° secolo), è diventata una galleria separata "Tate Modern" e la "Tate Britain" britannica.
La Tate Britain Gallery è l'equivalente inglese della nostra.
La galleria è stata fondata nel 1897 da Sir Henry Tate.(è l'inventore dello zucchero raffinato e dello zucchero filato). La collezione del museo si è formata grazie al South Kensington Museum e collezioni private di dipinti. I loro proprietari decisero di donare la collezione di dipinti allo Stato.
Peculiarità
La collezione di dipinti nella galleria "Tate Britain" è rigorosamente ordinata. Ogni periodo di tempo ha le sue sezioni tematiche. Una volta all'anno, l'insieme degli argomenti cambia, il che crea interesse e intrighi. I principali reperti del museo sono i dipinti dei Preraffaelliti (tendenza della pittura inglese della seconda metà dell'Ottocento) e le tele aeree di Turner, purtroppo non rappresentate nel nostro Paese.
"Tate Modern" occupa i locali di un'ex centrale elettrica, il suo edificio è un vero e proprio oggetto d'arte. All'interno delle sue mura puoi ammirare dipinti di Dalì, Matisse, Kandinsky e Picasso. Anche qui le mostre sono appese secondo temi, solo non storici, ma più astratti: “Cose in movimento”, “Poesia e sogni”, “Cambiamenti significativi”.
Dipinti della Tate Gallery
John Constable, Flatford Mill (Scena su un fiume navigabile)
William Blake
J. M. W. Turner, Tempesta di neve, Steam - Barca al largo di una foce del porto
Sir John Everett Millais, Ofelia
Anna Lea Merritt
James Abbott McNeill Whistler, Nocturne: Blue and Gold – Old Battersea Bridge
Davide Bomber
Oberon, Titania e Puck con fate danzanti, William Blake
Ecce Ancilla Domini, Dante Gabriel Rossetti
Il colpo da maestro di The Fairy Feller, Richard Dadd
Pecora smarrita (le nostre coste inglesi), William Holman Hunt
La piccola serva di campagna, Camille Pissarro
La morte del maggiore Peirson, John Singleton Copley
Pilade e Oreste portati come vittime prima di Ifigenia, Benjamin West
Nel 1897 fu aperta la Tate Gallery, considerata una delle più grandi collezioni di arte inglese della piccola era glaciale (secoli 16-20). La galleria ha preso il nome in onore del suo creatore, Sir Henry Tate. In qualità di re dello zucchero britannico, ha sostenuto molti artisti di talento. Henry acquisì per sé un numero enorme di opere di pittori. Ben presto la sua collezione occupò un posto d'onore nella galleria d'arte britannica, che contiene oltre sessantamila magnifiche opere.
Oggi la Tate Gallery è una meravigliosa combinazione di pittura, scultura e incisione. L'edificio del museo è composto da due parti, una delle quali è la galleria Tate Britain, chiamata anche la vecchia Tate Gallery (la seconda parte dell'edificio è una galleria moderna).
Durante la seconda guerra mondiale il museo fu gravemente danneggiato, ma la collezione fu salvata (fu evacuata in anticipo). I visitatori la videro di nuovo nel 1949. La collezione Tate Britain è una collezione di dipinti che risale all'inizio del XVI secolo. Visitando le sale della vecchia galleria, ad ogni ospite viene data l'opportunità non solo di godere della pittura inglese, ma anche di conoscere le fasi e le caratteristiche principali della vita artistica di questo periodo.
I dipinti nelle sale della galleria sono presentati in ordine cronologico e suddivisi per argomento. Gli argomenti possono cambiare di volta in volta, il che contribuisce ad aumentare l'interesse per il museo. Qui puoi vedere dipinti romantici, incisioni mistiche, fantasie dell'autore. In un edificio separato del museo viene presentata la collezione Turner, che comprende oltre 300 dipinti. Il museo è popolare anche tra i giovani visitatori, perché tra le sue mura si svolgono affascinanti escursioni per bambini e le tele prendono vita (la maggior parte dei dipinti è accompagnata da effetti sonori).
Storia
Quasi tutti i musei d'arte di Londra sono nati con collezioni private vendute o donate a determinate condizioni. Acquisizioni come questa sono la principale fonte di crescita del numero di opere d'arte per tutte le gallerie d'arte. I proprietari che donano le loro collezioni ai musei spesso stabiliscono come devono essere conservate e collocate. Ciò impedisce al museo di creare un'unica composizione, riunendo le tele degli stessi maestri o scuole. A volte le condizioni dei proprietari delle collezioni si riflettono nel profilo del museo d'arte.
Ciò può essere attribuito alla Tate Gallery, dove il museo si basa sulla collezione di dipinti del ricco industriale Henry Tate. Con fondi propri nel 1897, furono costruite le prime sale espositive sulle rive del Tamigi. L'inaugurazione del museo avvenne il 21 luglio dello stesso anno. I primi visitatori hanno attraversato le sale il 16 agosto.
La collezione Tate era composta da 67 opere di artisti inglesi contemporanei e tre sculture. Tra le tele c'erano opere di Leighton, Milles, Ochardson e altri.Nel 1910 furono aggiunte sale per accogliere i paesaggi di Turner. Per volontà dell'artista, i suoi quadri dovevano essere esposti tutti insieme. Questo è diventato un incentivo per l'acquisizione di dipinti di classici inglesi. La galleria è cresciuta rapidamente grazie all'acquisizione di collezioni d'arte attraverso il Fondo Nazionale, istituito nel 1903. I dipinti sono stati donati da privati, oltre che dai fondi della Galleria Nazionale. Il museo divenne ben presto il più grande in termini di superficie occupata da esposizioni.
Dal 1915, la Tate iniziò gradualmente a trasformarsi da galleria d'arte inglese moderna a galleria d'arte inglese di tutti i periodi. Questo nuovo status fu approvato dal governo del paese il 24 marzo 1917. A questo proposito, la National Gallery ha donato a questo museo più di 200 dipinti di artisti inglesi.
Negli anni '80 La Tate Gallery è stata notevolmente ampliata. In particolare, sul lato nord-est sono state realizzate le sale per la collezione d'arte contemporanea. La National Collection of English Paintings si trova nelle sale della metà sinistra della galleria.
Per la vita dell'Inghilterra nel XVI secolo. caratterizzato da un rapido aumento della cultura e dell'arte, favorito dalle condizioni politiche ed economiche prevalenti nel paese. La monarchia assoluta instaurata sotto i Tudor (Enrico VII ed Enrico VIII) contribuì all'unità della nazione e allo sviluppo economico dell'Inghilterra. Sotto Elisabetta I si rafforzarono anche le posizioni internazionali del Paese. L'evoluzione dell'arte inglese ha seguito un proprio percorso, diverso dallo sviluppo dell'arte nel continente. La Riforma di Enrico VIII liberò l'Inghilterra dalla Roma papale, creando una nuova chiesa anglicana e distruggendo i monasteri.
Di conseguenza, il potere del clero fu indebolito e vennero alla ribalta gli ideali della cultura secolare. Nella pittura, l'espressione delle condizioni di vita prevalenti si trova nel ritratto. Era l'unico genere di pittura coltivato dalle autorità, che serviva per esaltare il re e glorificare la nobiltà di corte. Durante il regno dei Tudor, le posizioni di primo piano nella pittura appartenevano a maestri stranieri invitati alla corte inglese. Ma nonostante abbiano introdotto le proprie immagini e tecniche artistiche, le caratteristiche della scuola d'arte nazionale inglese erano già chiaramente visibili.
La Tate Gallery ha un ritratto di Elisabetta I del ritrattista inglese Nicholas Hilliard. Il volto della regina è trattato in modo piuttosto piatto. L'artista si concentra sulla raffinata elaborazione dell'ornamento dei suoi paramenti. Queste caratteristiche, caratteristiche degli artisti inglesi del periodo elisabettiano, possono essere rintracciate nel lavoro di altri ritrattisti.
Una vera rivoluzione nell'arte del ritratto inglese è stata fatta dal famoso fiammingo Antonis van Dyck. Fu invitato a corte nel 1632 da Carlo I, e il pittore visse in Inghilterra gli ultimi 9 anni della sua vita. Durante questo periodo ha dipinto più di 300 dipinti, tra i quali ci sono veri e propri capolavori conosciuti in tutto il mondo. Le tradizioni di vivacità stabilite dall'artista furono conservate fino al XVIII secolo. Uno dei ritratti più belli di Van Dyck è "La signora della famiglia Spencer". Lo spettatore è affascinato dall'eleganza e dalla grazia di una donna, dalla sua maestosa dignità. L'artista ha abilmente sottolineato la sottile bellezza della donna, l'eleganza del suo vestito, raffigurando con un pennello leggero le delicate sfumature di un lussuoso abito blu. Alla fine del XVII sec. La Restaurazione iniziò in Inghilterra. Sul trono sedeva Carlo II, figlio del giustiziato Carlo I. Durante questi anni, il principale ritrattista d'Inghilterra fu l'allievo di Van Dyck, l'olandese Peter Lely. Era un disegnatore meraviglioso con un gusto e un senso del colore eccellenti.
Nel XVIII sec. nel paese si formò una scuola nazionale di pittura, dalla quale uscirono veri e propri maestri, che costituirono la gloria delle belle arti inglesi. La figura più colorata tra gli artisti della prima metà del XVIII secolo. era William Hogarth. Dipinse tele satiriche, quadri storici, meravigliosi ritratti. Hogarth è anche conosciuto come l'autore del trattato "Analisi della bellezza", in cui l'artista ha agito come teorico dell'arte. La Tate Gallery ospita opere di prima classe di Hogarth. Uno dei suoi capolavori è "Autoritratto con cane". La soluzione a questa tela è alquanto insolita. Il ritratto ovale poggia su pile di libri degli autori preferiti dell'artista: Shakespeare, Milton, Swift. Il fedele cane Trump, l'amico di Hogarth, siede accanto al ritratto e la tavolozza dell'artista giace. Tutti gli oggetti raffigurati sono in perfetta armonia tra loro e sottolineano il dettaglio più importante dell'immagine: il volto dell'artista. L'autoritratto di Hogarth finì originariamente alla National Gallery insieme alla collezione Angerstein, e fu trasferito alla Tate Gallery insieme ad altre opere di artisti inglesi. L'apice del lavoro di Hogarth sono i dipinti "Ritratto di servi" e "Ballo nuziale".
Principale artista della seconda metà del XVIII secolo. fu realizzato da Joshua Reynolds, che divenne il primo presidente della Royal Academy of Arts da lui organizzata nel 1768. Reynolds ha lasciato l'Inghilterra una galleria di ritratti di tutte le persone eccezionali di quel tempo. La Tate Gallery ospita 35 opere di questo straordinario pittore.
Una pagina luminosa nella storia della ritrattistica inglese è stata scritta da Thomas Gainsborough. Inoltre, era un maestro del paesaggio ed era considerato il pittore più inglese di tutti. Le opere più interessanti di Gainsborough sono i suoi ritratti di paesaggi originali. Un esempio di questo genere è "Ritratto del vicario John Chafee che suona il violoncello nel parco". L'immagine è stata scritta con grande simpatia, poiché lo stesso Gainsborough amava la musica e trattava gli altri musicisti con grande rispetto. La figura del vicario si trova vicino al bordo sinistro della tela e la vera natura inglese è raffigurata a destra. Gainsborough è riuscito soprattutto nei ritratti di donne. Tra i migliori ci sono i ritratti della ballerina Giovanna Baccelli e della figlia dell'artista Mary.
Joseph Mallord William Turner e John Constable hanno rivoluzionato la pittura di paesaggio. Nelle tele di Turner, gli elementi principali sono la luce e l'aria, e la realtà è intrecciata in modo intricato con il simbolismo romantico. Un evento significativo per la vita culturale di Londra fu l'apertura nell'aprile 1987 di una nuova ala della galleria: la Clore Gallery, costruita appositamente per ospitare un'enorme collezione di dipinti di Turner. E questo non è né più né meno: 300 dipinti ad olio e oltre 20mila disegni e acquerelli. Racchiudono l'intero percorso creativo del grande artista inglese. I visitatori del museo sono stupiti dal brillante talento di Turner, che è riuscito a penetrare nelle profondità dei mari, svelare i segreti di tifoni e tempeste e imparare a trasmettere la luce solare radiosa.
John Constable, innamorato della natura della sua nativa Inghilterra, ha creato dipinti che glorificavano la bellezza poetica del mondo che lo circondava. Ha cercato di rivelare il fascino della natura inglese in ogni sua manifestazione. Tra i maestri della pittura inglese sopra elencati ci sono ancora tanti nomi, semplicemente non è possibile raccontarli tutti in un breve testo. L'attuale collezione della galleria è composta da due esposizioni, una delle quali comprende dipinti e disegni della scuola inglese del XVI secolo. fino ai giorni nostri, e l'altro è dedicato alla pittura e alla scultura dell'Europa occidentale della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo.
Accanto ai dipinti impressionisti nella galleria, puoi vedere rare opere scultoree di Renoir, Matisse e Degas, che molti conoscono solo come pittori. Diverse sale ospitavano le opere di pittori delle ultime tendenze dell'arte contemporanea.
La Tate Gallery è diventata non solo il più grande deposito di opere d'arte, ma anche un importante centro scientifico. Il Perù degli specialisti della galleria possiede una seria ricerca nel campo della storia dell'arte. La galleria ospita costantemente mostre e vari eventi legati alla vita e al lavoro di vari artisti, ci sono circoli per bambini. Ogni anno più di 2 milioni di persone attraversano le sale della galleria.
Galleria Tate Britain - Tate Britain. Parte della rete delle gallerie statali nazionali (e quindi - gratuite!) in Gran Bretagna, dove puoi trovare oltre sessantamila opere d'arte - dipinti, sculture, disegni e incisioni. Questo " Galleria Tretyakov di Londra"è stata fondata da un magnate dello zucchero Tate, e la sua prima stanza (aperta nel 1897) si trova sul sito del carcere. Ecco una raccolta completa delle opere del famoso inglese Turner così come le immagini Gainsborough, Blake, Conestabile. Nella collezione sono presenti anche i preraffaelliti e tutti i più importanti impressionisti e post-impressionisti europei, come Pissarro, Cézanne, Lautrec, Van Gogh, Munch, Matisse, Kokoschka, Kandinsky, Chagall e così via.
La citata rete di gallerie (per il 2010) è composta da quattro "celle". Questo Galleria britannica Tate (Tate Britain) v Londra lei è una vecchia galleria Tate, che ospita una collezione di pittura inglese del XVI-XIX secolo e una collezione di arte straniera del XIX secolo. Ulteriore, Tate Modern, galleria contemporanea Tate (Tate Modern), c'è anche lei Londra, che dal 2000 espone arte europea e americana, dal 1900 ad oggi. Nel 1988, ha anche aperto filiale della galleria a Liverpool. Funziona anche tate st ives v Cornovaglia, dal 1993. E infine, c'è un sito Web, un vero museo virtuale su Internet - Tate Online. La base della collezione era una collezione di dipinti di artisti britannici, che un tempo appartenevano a Sir Enrico Tatu(Signore Henry Tate, 1819–1899), tra le altre cose, un magnate dello zucchero. Tre tele hanno gettato le basi: una di queste è "Thursday" di W.D. Sadler. La galleria fu costruita sul sito dell'ex carcere e inaugurata il 21 luglio 1897. Oggi è la più grande collezione al mondo di arte inglese del XVI-XX secolo. In molti modi, ha lo stesso significato di Galleria Tretyakov abbiamo. Nel 1926 all'edificio principale fu aggiunto un reparto di pittura straniera. Durante la seconda guerra mondiale, l'edificio fu danneggiato dai bombardamenti aerei. Ma la collezione è stata prudentemente evacuata. Il museo è stato restaurato e completamente aperto ai visitatori nel 1949. Nel 1979 vengono aperte le sale per la collezione d'arte contemporanea. E nel 1987, il cosiddetto Galleria Cloro, che espone la più completa raccolta di opere Turner. Ha lasciato in eredità le sue tele all'Inghilterra a condizione che fossero conservate tutte come un'unica mostra. Bene, signore Carlo Cloro(1904–1979) ha fornito fondi per questo. Non gli piaceva il calcio, per esempio, quindi... dove altro mettere i soldi? Quindi, nella galleria, troverete innanzitutto opere di pittori inglesi: John Betts (d. c. 1576), William Hogarth (1697–1764), Joshua Reynolds (1723–1792), Thomas Gainsborough (1727–1788), Richard Wilson (1713-1782), George Stubbs (1724-1806), William Blake (1757-1827), John Constable (1776-1837) . La perla dell'esposizione di "artisti locali", ovviamente, una raccolta di opere Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Inoltre nella galleria puoi vedere le opere dei preraffaelliti - Dante Gabriel Rossetti (1828–1882), John Everett Millais (1829–1896), William Holman Hunt (1827–1910). Gli artisti stranieri sono rappresentati principalmente da dipinti impressionisti e post-impressionisti francesi. Questi sono Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Paul Cezanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890), Henri de Toulouse-Lautrec (1864 – 1901), Henri Matisse (1869-1954), Edvard Munch (1863-1944), Oskar Kokoschka (1886-1980), Amedeo Modigliani (1884-1920), Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963 ) , Fernand Léger (1881–1955), Kandinsky V.V. (1866-1944), Kazimir Malevich (1878-1935), Marc Chagall (1887-1985), Max Ernst (1891-1976), Salvador Dalì (1904-1989) . Ci sono anche sculture di Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Georges Seurat (1859-1891), Auguste Rodin (1840-1917) e Aristide Maillol (1861-1944). La galleria iniziò a organizzare mostre temporanee - con una retrospettiva delle opere del dadaista Marcel Duchamp (1887-1968) poco prima della sua morte, nel 1966. Ogni anno la galleria presenta il cosiddetto Premio Turner- Premio Turner. Viene assegnato agli artisti che creano nel Regno Unito. L'esposizione è aperta dal lunedì al sabato dalle 10:00 alle 18:00, ma l'ingresso è chiuso alle 17:45 (o gli inglesi credono che 15 minuti siano sufficienti per tutto questo, oppure questo è il tempo durante il quale puoi correre fino all'estremo angolo della galleria e ritorno). Ma ogni primo venerdì del mese non devi correre: le sale sono aperte fino alle 22:00. La galleria è chiusa il 24, 25, 26 dicembre, ma il 1 gennaio funziona come se niente fosse! Ci sono visite guidate gratuite nei fine settimana. L'ingresso alla galleria è gratuito a meno che non ci siano mostre speciali. La galleria dispone di un negozio di souvenir, tra cui riproduzioni e cartoline delle opere esposte, oltre a una caffetteria e un ristorante. Il ristorante ha anche opzioni vegetariane!
7 maggio 2014 09:28
In meno di cinque giorni nella capitale della Gran Bretagna, sono riuscito a visitare, tra cui nove musei. Di uno di loro - la galleria Tate Modern - vorrei raccontare in questo post. Ebbene, per non spaventare le persone con un'arte a tutti gli effetti, la storia sarà diluita con riflessioni sul mutevole aspetto architettonico della città, foto notturne, una leggera deviazione verso i Pink Floyd e la copertina preferita del disco, oltre a una conversazione sull'economia e pensieri pesanti su ciò in cui vale la pena investire. milioni guadagnati duramente.
La Tate Modern è ospitata nell'ex Bankside Power Station sulla riva sud del Tamigi.
L'architetto dell'edificio è Sir Giles Gilbert Scott, che ha anche progettato la Cattedrale di Liverpool (di cui parleremo a parte), il Waterloo Bridge, il progetto della famosa cabina telefonica rossa e, soprattutto, la Battersea Power Station, una centrale elettrica a carbone pianta che divenne famosa dopo essere apparsa sulla copertina del leggendario album dei Pink Floyd, Animals
Ero più amichevole con i Floyds - una delle mie band preferite della mia giovinezza - ma ultimamente Waters ha fatto davvero casino con le sue richieste a tutti i musicisti di boicottare Israele, e sento che presto dovrò boicottare il loro gruppo in risposta. Tuttavia, forse morirà prima e mi risparmierà la necessità di vedere il suo muso arrogante al telegiornale. Tuttavia, sto divagando un po '.
La centrale elettrica di Battersea è apparsa anche in molte altre opere culturali - ad esempio, nel film dei Beatles Help!, la serie cult inglese Doctor Who, l'episodio di Sherlock "A Scandal in Belgravia", nella versione britannica del film 1984 , e anche nel film su Batman "The Dark Knight" (Dark Knight). La primissima apparizione "pubblica" della centrale elettrica al cinema avvenne nel 1936 nel film "Sabotaggio" di Alfred Hitchcock. Come si è scoperto, Hitchcock e poi si è trovato davanti agli altri)
Tornando ai nostri affari, l'unica clausola che l'architetto fece riguardo alla centrale elettrica di Bankside fu che la ciminiera fosse più bassa della guglia della cattedrale di St. Paul di fronte.
Non parlerò della cattedrale - in qualche modo non è comme il faut, ma ti mostrerò alcune foto.
Probabilmente tutti sanno che negli ultimi anni dalla Cattedrale di S. Paul, situato su una sponda, fu condotto alla Tate Modern sull'altra sponda dal Millennium Bridge. Quando è stato costruito esattamente il ponte, spero non sia necessario spiegare)
A proposito, durante la mia ultima visita a Londra (2003), questo ponte mi ha causato un terribile panico (ho paura delle altezze, dei ponti, dell'acqua, delle persone e in generale di tutto - un tipico ebreo in generale), ma questa visita era in qualche modo più sicuro. Mi sono mosso in modo imponente lungo il ponte e ne ho persino ricavato una serie di fotogrammi, che ti dimostrerò sicuramente.
Ecco la vista dal Millennium Bridge alla moderna Londra. Al centro si vede il Tower Bridge, che spero non abbia bisogno di presentazioni. A destra - The Shard o "Shard". L'edificio più alto di Londra (306 metri), e fino a poco tempo fa l'edificio più alto d'Europa (ora la Mercury Tower di Mosca detiene il palmo). Come tutti i grattacieli di Londra, ha un aspetto terribile e fuori tema, soprattutto considerando il fatto che la Torre millenaria si trova molto vicino. La costruzione dello Shard ha suscitato molte polemiche, ma i soldi hanno vinto, e ora chi va all'antica Torre Bianca può assistere al caos della moderna City senza uscire dalla biglietteria.
A sinistra ci sono alcuni grattacieli più terribili. Al centro - 122 Leadenhall Street, popolarmente soprannominato "Cheese Grater" (con gli inglesi, tutto è in ordine con l'umorismo - a differenza del senso del paesaggio). 225 metri, il quarto più alto di Londra. Brutto come la mia vita. Aperto proprio nei giorni della mia permanenza in città. A sinistra, è in fase di completamento un altro mostro, popolarmente noto come Voki-Toki (Radio). 160 metri, il quinto grattacielo più alto di Londra. Terribile, e non vi parlerò nemmeno del famoso cetriolo (per fortuna non si vede in queste fotografie, grazie a tutti i santi).
Non volevo assolutamente portare questo argomento qui - ci sarà un post a parte sulla moderna London City - ma sembra che, come nel caso di New York, nessuno sia stato seriamente coinvolto nella pianificazione di queste megalopoli. Una volta abbiamo discusso di questo problema con mio cugino quando ero in America, e ha detto che nessuno pensava a New York come sarebbe stato un edificio accanto a un altro (a differenza, ad esempio, di San Diego). Tutti gli stili di fila hanno appena battuto, e ora la città sembra assolutamente caotica -. La stessa sensazione si crea a Londra. Quella è la Torre millenaria, o una chiesa gotica, e accanto c'è un grattacielo di vetro o una carcassa di mattoni. A volte vedi intere strade nello stesso stile, ma questo è molto raro. Tuttavia, questo non toglie nulla al fascino della capitale britannica: Londra ne assume un altro.
Bene, torneremo ancora all'arte alta e attraverseremo il ponte dalla Cattedrale di San Pietroburgo. Paolo
Alla Tate Modern. Tutto quanto sopra era solo un preludio: mi è stato detto più di una volta in passato che l'arte delle persone è stancante e che non si dovrebbe essere troppo elitari e altisonanti, quindi ho deciso di mostrare un po 'l'ambiente circostante e discutere questioni urgenti. Ma ora tira fuori i cuscini, perché stiamo entrando nel museo!
A proposito, l'edificio della stazione del carbone è stato minacciato di demolizione per molti anni, fino a quando non è stato trasformato nel più famoso museo di arte moderna del mondo. In questi giorni stanno avvenendo grandi cambiamenti e al vecchio edificio viene aggiunta una nuova ala ultramoderna.
Qui puoi vedere un po' meglio il progetto: un edificio bianco proprio dietro il tubo. Sembra buono, ma nel complesso sarà come con l'intera nuova Londra - assolutamente fuori tema. Il contrasto tra vecchio e nuovo e la completa confusione di stili non funziona in questa città, IMHO.
Bene, ora tutto riguarda il museo stesso. In questi giorni, la Tate Modern ospita una mostra di Matisse estremamente popolare (nonostante il prezzo poco gentile). Tuttavia, ho visto abbastanza Matisse a Copenaghen, quindi ti parlerò della collezione permanente del museo. Inoltre, contiene uno dei dipinti più costosi al mondo: Nudo, foglie verdi e un busto, di Picasso.
L'immagine, che raffigura Marie-Therese, Walter Picasso dipinse nel 1932 - in un giorno. Nel 2010 è stato recentemente venduto per 106 (!) Milioni di dollari (negli ultimi anni sembra che il commercio di opere d'arte sia più redditizio del petrolio). Questo è anche il prezzo più alto ricevuto all'asta. Si ritiene che questa immagine simboleggi l'apice dell'energia creativa dell'artista.
Un altro ritratto di Marie-Therese Walter, "Donna nuda su una poltrona rossa". Qui la donna è presentata come somma di cerchi sensuali. Anche i braccioli della sedia sono particolarmente alti per enfatizzare le forme rotonde. Il volto può essere visto sia come una metamorfosi in atto con la figura, sia come una doppia figura: il lato destro può essere interpretato come il volto di un amante che bacia una donna sulle labbra.
Picasso è generalmente ben rappresentato nella Tate Gallery (tuttavia, lo spagnolo era un artista prolifico ed è ben rappresentato in dozzine di musei in tutto il mondo, incluso in Israele. Per qualche ragione, è rappresentato peggio nel Museo Picasso di Barcellona) . Uno dei suoi dipinti più famosi - Guernica (non l'ho ancora vista) - è diventato un simbolo degli orrori della seconda guerra mondiale. Poi, per molti mesi, Picasso dipinse dipinti di continuazione basati sulle figure di Guernica. Un murale raffigurante il bombardamento nazista di una città spagnola include una donna in lacrime che tiene in braccio un bambino morto. Questo dipinto sequel è l'ultimo della serie, il più dettagliato e dettagliato. La modella era Dora Maar, un'altra amante di Picasso.
Un altro "ritratto" di Dora Maar, dipinto il 5 maggio 1944. La complessa configurazione riflette l'atmosfera degli ultimi mesi dell'occupazione di Parigi da parte dei nazisti. Tensione e rigidità sono i sentimenti principali che Picasso ha cercato di esprimere in questa tela. Inoltre, due dei più stretti amici ebrei dell'artista - i poeti Robert Desnos e Max Jacob - furono deportati. Desnos in seguito morì di tifo nel campo di concentramento di Terezin e Jacob, essendo anche lui omosessuale, morì nel campo di Drancy. Tuttavia, c'è un barlume di speranza nella foto: a marzo, Dora Maar, insieme a Sartre e Simone de Beauvoir, ha preso parte all'opera di Picasso, messa in scena da Albert Camus. Su questo argomento considero Picasso aperto, alla fine - solo il suo dipinto, che mi piace - "Tre ballerini".
Questo dipinto è il ricordo di Picasso del triangolo amoroso che si concluse con il suicidio del suo amico Carlos Casagemas. Sulla tela, appena spruzzata di energia, amore, sesso e morte si intrecciano in una danza estatica. Il ballerino a sinistra è generalmente in uno stato di follia dionisiaca. Il suo viso simboleggia una maschera della Nuova Guinea, che indica la connessione di Picasso con l'arte africana e la sua influenza - specialmente in tutto ciò che riguarda la sessualità e l'autoespressione - sull'artista.
Bene, ora su tutto in ordine. Il dibattito sull'arte contemporanea è, nel complesso, eterno. Anche nei miei post è capitato di discutere - - soprattutto quando si tratta di Warhol o Basquiat. Anche Mondrian, la cui immagine è presentata sopra, lascia perplessi molti. Alcuni quadrati, che, infatti, non richiedono particolari abilità per disegnare (a proposito, uno dei suoi dipinti più famosi è nel nostro museo d'arte di Tel Aviv). Tuttavia, l'olandese è uno degli artisti più famosi e ricercati del nostro tempo. Quindi qual è l'idea?
Nell'era tra le due guerre mondiali, gli artisti svilupparono nuove forme di arte astratta basate sull'idealismo estetico e sul desiderio di una società più ideale. Mondrian e altri artisti vissuti in un'epoca di infinite guerre e rivoluzioni furono costretti ad allontanarsi dall'individualismo e si rivolsero all'armonia delle forme geometriche. È questo tipo di quadrati e linee che sono diventati per molti artisti la forma ideale del nuovo mondo. Nahum Gabo (Nechemia Berkovich Pevzner), uno dei leader del costrutinismo che ha sperimentato tutte le delizie della rivoluzione russa, ha affermato che "la decostruzione della materia che ha avuto luogo nel nostro tempo non ci priva dell'ottimismo, poiché ci stiamo muovendo verso una nuova era chiamata ricostruzione".
I cambiamenti sono avvenuti anche nell'ingegneria, nell'architettura e soprattutto nella scultura (questo può essere visto ovunque in questi giorni - da Tumarkin in Rabin Square a Henry Moore). Per quanto riguarda l'arte stessa, la sobrietà e l'accuratezza delle forme hanno sostituito il tripudio di colori. Il bianco iniziò a predominare nei dipinti, come simbolo di purezza e innocenza (anche il colore principale di tutta l'architettura moderna, il cui padre era La Corbusier).
Per quanto riguarda i due dipinti sopra riportati - In linea con le tendenze attuali, Mondrian ha deciso di ridurre la sua tavolozza ai colori primari. Nonostante l'apparente casualità, l'artista ha cercato un "equilibrio dinamico". Tutte le linee, sebbene non dividano lo spazio in parti chiare e uguali, hanno uno scopo e uno scopo chiari.
"Albero" - presumibilmente non proprio un dipinto standard di Mondrian. Tuttavia, anche qui l'artista trasforma qualcosa di vivo in una chiara forma uniforme. Rami e tronco sono ridotti a una rete di verticali e orizzontali, nel tentativo di indicare un ordine in natura. "Voglio andare a fondo delle cose, e fino a quando ciò non accadrà, intendo trasformare tutto, anche gli elementi più viventi in un astratto", ha detto Mondrian.
Forme all'interno di forme o il riflesso di un'immagine all'interno di un'immagine. Il mio tentativo di inquadrare un significato.
Questa installazione luminosa è stata creata sotto l'influenza diretta di Mondrian. L'artista era deliziato dalle chiare forme geometriche dell'olandese, ma ha deciso di introdurre influenze precedenti di altri maestri, in questo caso espressionismo e colore.
Come si è scoperto, anche Diego Rivera ha disegnato ogni sorta di assurdità. L'artista messicano, impegnato principalmente nella produzione di murales realisti su larga scala a tema comunista e scherzi con numerose donne, fu influenzato dal cubismo e da Jun Gris mentre viveva a Parigi tra il 1913 e il 1917. Particolarmente degna di nota è la presenza nell'immagine della copertina del libro di Nietzsche "Merry Science", in cui annuncia la morte di Dio. Il significato è interpretato in due modi: qualcuno sostiene che Rivera proclami così o la morte del vecchio regime nell'era della guerra e della rivoluzione, o la morte della vecchia arte a favore di nuove tendenze e tendenze.
Nessun museo può farne a meno ora - Francis Bacon. Quasi tutti i dipinti di Bacon sono un tentativo di esplorare l'uomo e la sua anima. In questa immagine, il volto è distorto, quindi non possiamo determinare l'identità della persona. A differenza di Mondrian, nei dipinti di Bacon c'è un caos completo: in questo particolare ritratto, oltre alla deformazione del viso, possiamo osservare anche la deformazione dello spazio. I contorni della scatola o della scatola (marchio di fabbrica di Bacon) in cui si trova la figura simboleggiano l'essenza umana nel mondo moderno, che è tornato al caos, dominato dall'isolamento e dalla claustrofobia.
Leon Kossof - "Uomo seduto su una sedia a rotelle". Ultimamente mi piace sempre di più questo ebreo dalla Russia, che è fuggito nel Regno Unito. Kossof appartiene alla London School, una tendenza postbellica di pittori inglesi che hanno lavorato non solo nello stile dell'arte astratta, ma si sono anche rivolti alla tradizionale forma d'arte figurativa.
Lee Krasner è la moglie del famoso artista americano Jackson Pollock. Dal momento che ha trascorso la maggior parte del suo tempo con il marito follemente talentuoso ma completamente sfortunato, i suoi dipinti sono molto meno conosciuti. Il dipinto si chiama "Paesaggio gotico" - ovviamente perché le linee verticali che dominano il centro della tela possono essere viste come alberi. Il dipinto è stato dipinto dopo la morte del marito nel 1956 e molti credono che i tratti crudeli, aspri ed espressivi riflettano il dolore dell'artista. Ed ecco lo stesso Pollock.
È stato Pollock a mettere a punto il sistema per disegnare senza toccare la tela (cosa che ha fatto arrabbiare tutte le femministe di questo mondo - meglio tacere sul motivo). Era questo metodo, secondo lui, che lo rendeva libero e più intuitivo rispetto al proprio "io". Nel caso di questo dipinto, Pollock ha semplicemente versato vernice nera sulla tela e poi l'ha sollevata, permettendo alla vernice di drenare e assumere una forma astratta. Poi ha aggiunto il giallo e il viola.
Marco Rothko. Onestamente, ho difficoltà con questo artista). Il dipinto è stato dipinto sotto l'influenza di Michelangelo (??). L'artista credeva che lo spettatore dovesse fondersi completamente nell'immagine, e solo allora arriverà una sorta di consapevolezza o comprensione, ma se gli stimoli esterni non mi hanno permesso questa unità spirituale, o se sono troppo critico in questo caso, non lo faccio' non lo so.
Un po' di surrealismo, e il mio De Chirico preferito. A proposito, il dipinto mi ricorda la "Torre Rossa" nel Museo Guggenheim. Si chiama "L'incertezza del poeta". Lo stesso De Chirico ha descritto i suoi dipinti come "metafisici" - la capacità di combinare scene della vita quotidiana e fantasia sul mondo antico in un'unica composizione, creando così una "realtà fantastica" molto complessa. I surrealisti adoravano questo tipo di immagini misteriose con una prospettiva distorta. "Queste piazze sono molto simili alle piazze esistenti, eppure non abbiamo mai visto niente di simile. Siamo in un mondo incomprensibile", ha detto il poeta Paul Eluard. E così non sei affatto confuso - un altro Kiriko.
Qui il titolo spiega di più - "The Melancholy of Parting") La finestra e la mappa con un percorso tratteggiato suggeriscono un viaggio e un tentativo di fuga da uno studio chiuso e claustrofobico. Chirico, un italiano che viveva in Grecia, si sentiva tagliato fuori da ciò che lo circondava e si paragonava agli Argonauti del famoso mito greco. Il loro viaggio gli sembrava un'eterna solitudine, attraversando oceani infiniti.
E questo quadro è stato dipinto sotto l'influenza di Chirico dall'inglese Tristram Hillier, che, come Nan e Wadsworth, adorava le figure misteriose del greco-italiano. L'enorme ancora colpisce e fa pensare al significato di questo strano monumento. Ebbene, visto che stiamo parlando dei surrealisti, non c'è nessun posto dove andare senza quello principale.
"Metamorfosi di Narciso". Non riesco nemmeno a provare a spiegare i dipinti di Dalì. Altri due per risolvere l'argomento e andare avanti.
Cannibalismo autunnale. Disegnato subito dopo l'inizio della guerra civile spagnola nel 1936. Raffigura una coppia in una sorta di atto cannibalistico. Si siedono su un tavolo che si fonde con i toni del tipico paesaggio spagnolo. Il conflitto si riflette nella forma di una mela, un riferimento alla leggenda di Guglielmo Tell in cui un padre fu costretto a sparare al proprio figlio.
In questa immagine puoi vedere l'intera dualità dei simboli di Dalì: il fiume può anche essere visto come un pesce, una dualità progettata per dubitare della razionalità di ciò che sta accadendo. La tela ha implicazioni sia personali che pubbliche: i genitori di Dalì hanno visitato questo fiume dopo la morte del loro primo figlio, anch'egli chiamato Salvador, e si credeva che l'artista fosse ossessionato dall'immagine del fratello morto, che non aveva mai visto. Inoltre, il telefono scollegato simboleggia il rapporto tra il primo ministro britannico Chamberlain e Hitler dopo l'annessione dei Sudeti nel 1938.
Un'altra immagine sull'influenza del nazismo. Max Ernst - L'intera città. La città incombe sotto una luna splendente, esprimendo pessimismo per la conquista nazista della Germania. Utilizzando una nuova tecnica - Scrapping, "raschietto", Ernst mostra un paesaggio in rovina, una città affollata senza persone e senza ottimismo.
Potresti pensare che questo sia Basquiat, ma no. Solo un'immagine che mi è piaciuta, che riflette bene l'influenza dei miti africani sull'arte occidentale.
E questa è solo una bella foto scattata dal fotografo armeno Sargsyan durante la guerra in Siria. Mi è piaciuta l'enorme scritta "TsUM" al centro di Aleppo)) Sotto c'è un altro negozio russo - è un peccato che tu non possa vederlo in questa foto)
E questo è Matisse della mostra permanente. Bel ritratto tranquillo e calmo. È raffigurata Greta Moll: lei e suo marito Osacre sono stati tra i primi dieci studenti dell'Accademia d'arte Matisse. Fornisco qui come contrasto)
Il mio preferito è Emil Nolde. L'artista ha dipinto questo paesaggio marino durante il suo soggiorno sull'isola di Sylt in Germania. Le pennellate espressive e i colori vivaci del kakbe alludono a una tempesta in arrivo. Nelle sue memorie, Nolde ha scritto: "Volevo vedere ancora una volta il mare in tutto il suo selvaggio splendore. Nubi temporalesche, un temporale che si riversa nel mare - ho sei di questi paesaggi, su cui ho lavorato in uno stato di completa estasi". Ho scritto molto su Nold durante un viaggio in Scandinavia -. In questo link sul miglior museo del mondo, tra l'altro, c'è anche Chirico, Mondrian e molti altri. Raccomando.
Il mio preferito è Paul Klee. Una serie di vele triangolari che si chiudono l'una nell'altra creano un'unica linea di barche in un movimento elegante e ondulato. La composizione ritmica ricorda il diagramma tracciato da Klee in una delle sue lezioni sul Bauhaus, in cui parlava di "una linea attiva limitata nel movimento da punti fissi". A proposito del suo Angelo della storia, anch'esso conservato nel nostro Museo di Israele, ho scritto anche più di una volta -.
Leonora Carrington. L'immagine si chiama Elohim - Dio in ebraico. L'artista mescola i miti tradizionali irlandesi che la sua tata le raccontava da bambina e il mondo inventato da sua madre. Ma soprattutto nei suoi dipinti puoi spesso vedere creature mitologiche. E infine - alcuni poster dei nostri amati tempi sovietici)
A proposito, quest'anno la Tate Modern ospiterà una retrospettiva di dipinti di Kazimir Malevich
Quindi il tema russo-sovietico nel museo è presentato perfettamente
