Come già sapete, a cavallo tra il XIX e il XX secolo, il sistema estetico del realismo russo è stato notevolmente aggiornato. Il realismo tradizionale, nella forma in cui si era sviluppato nel secolo precedente, è stato travolto da fenomeni di crisi. Ma la crisi è stata fruttuosa in questo caso, e l'estetica realistica ne è uscita rinnovata. Il realismo del XX secolo ha cambiato il sistema tradizionale di motivazione del personaggio. La comprensione dell'ambiente che forma la personalità si è espansa al massimo: la storia, i processi storici globali ora agivano come circostanze tipiche. L'uomo (e l'eroe letterario) era ora faccia a faccia con la storia stessa. Ciò ha influito sulla fiducia degli artisti realisti nell'individuo. Allo stesso tempo, nel processo di assimilazione artistica del mondo che cambia, sono stati rivelati i pericoli che la personalità deve affrontare. La cosa più importante per una persona si è rivelata minacciata: il suo essere privato.
Nel XX secolo è stato messo in discussione il diritto alla vita privata. Una persona si è rivelata attratta dalla realtà nel ciclo degli eventi storici, spesso contro la sua stessa volontà. La storia stessa, per così dire, formava circostanze tipiche, l'influenza aggressiva di cui era soggetto l'eroe letterario.
Nella letteratura dell'Ottocento il diritto all'esistenza privata era dichiarato naturale e inalienabile: del resto era la “persona in più” come Onegin o Pechorin ad affermarlo con il suo destino e il suo comportamento sociale; Lo sosteneva Ilya Ilyich Oblomov, preferendo un divano in una casa in Gorokhovaya Street alla prospettiva del servizio pubblico; fu rivendicato da Fyodor Ivanovich Lavretsky, che si ritirò in un nobile nido dalle difficoltà che lo colpirono.
M. Gorky ha svolto un ruolo importante nello sviluppo del realismo all'inizio del XX secolo. Forse per la prima volta nella storia della letteratura russa, questo scrittore ha privato il suo eroe letterario del diritto di essere Robinson, di essere nella società e allo stesso tempo fuori dalla società. Il tempo storico è diventato il fattore più importante che influenza il personaggio nell'epopea di Gorky. Interazione con lui - a volte positiva, a volte distruttiva - nessuno dei suoi eroi poteva evitare. Tolstoj aveva anche personaggi che, per così dire, non si accorgevano dell'ambiente circostante, salendo la scala della carriera: Bergi, Drubetsky, Helen. Ma se i Bergis ei Kuragin potevano chiudersi entro i limiti del loro clan sociale, allora Gorky non lasciava più un tale diritto ai suoi eroi. I suoi personaggi non possono sfuggire alla realtà, anche se lo vogliono davvero.
Klim Samghin, l'eroe dell'epopea in quattro volumi "La vita di Klim Samghin", sperimenta la forza opprimente delle circostanze sociali, la vera violenza del processo storico, la guerra, la rivoluzione. Tuttavia, questa "violenza" storica, studiata dallo scrittore, divenne solo un fattore che modificò il realismo, dandogli nuovi e potentissimi impulsi di auto-rinnovamento. Sopravvissuto alla dolorosa crisi dell'inizio del secolo, il realismo non ha affatto rinunciato alle sue posizioni nella letteratura, al contrario, ha portato a sorprendenti scoperte artistiche, senza le quali non solo la cultura russa, ma anche quella europea del nuovo secolo è inconcepibile. Il realismo è diventato completamente diverso rispetto al secolo scorso. Il rinnovamento del realismo si è manifestato principalmente nell'interpretazione della questione dell'interazione di personaggi e circostanze, che è primordiale per questa corrente letteraria.
Questa interazione diventa veramente bidirezionale. Ora non solo il personaggio sperimenta l'influenza dell'ambiente: si afferma la possibilità e persino la necessità di un'influenza "inversa" - l'eroe sull'ambiente. Si sta formando un nuovo concetto di personalità: una persona non riflessiva, ma creativa, che si realizza non nella sfera degli intrighi privati, ma nell'arena pubblica.
Le prospettive per una buona ricreazione del mondo si sono aperte davanti all'eroe e davanti all'artista. Ma queste speranze non erano sempre destinate a realizzarsi. Forse i futuri storici della letteratura russa chiameranno il periodo degli anni '20 e '30 un periodo di speranze non realizzate, che furono amaramente deluse nella seconda metà del secolo. Pur affermando i diritti dell'individuo a trasformare il mondo, la nuova letteratura ha anche affermato i diritti dell'individuo alla violenza in relazione a questo mondo, anche se è stata eseguita per buoni scopi.
La linea di fondo è che la rivoluzione è stata concepita come la forma più accessibile e naturale di questa trasformazione. Il passo logico successivo è stato giustificare la violenza rivoluzionaria non solo in relazione a un'altra persona, ma anche in relazione ai fondamenti generali dell'essere. La violenza era giustificata da un fine alto: sulle rovine del vecchio mondo ingiusto, doveva creare un mondo nuovo, ideale, un mondo basato sulla bontà e sulla giustizia.
Un tale cambiamento nell'estetica realistica è stato associato a un tentativo del realismo di adattarsi alla visione del mondo di una persona del 20 ° secolo, a nuove realtà filosofiche, estetiche e semplicemente quotidiane. E il rinnovato realismo, come lo chiameremo condizionatamente, ha affrontato questo compito, è diventato adeguato al pensiero di un uomo del XX secolo. Negli anni '30 raggiunse il suo apice artistico: i poemi epici di M. Gorky "La vita di Klim Samgin", M. Sholokhov "The Quiet Don", A. Tolstoy "Walking Through the Pains", romanzi di L. Leonov, K. Apparvero Fedin e altri realisti.
Ma accanto al rinnovato realismo negli anni '20, sorge un'estetica diversa da esso, geneticamente, però, anch'essa ascendente al realismo. Negli anni '20 non dominava ancora, ma si sviluppava attivamente, per così dire, all'ombra di un rinnovato realismo, la cui formazione dà indubbi risultati artistici. Ma è stata la nuova direzione che ha portato alla letteratura, prima di tutto, il pathos antiumanistico della violenza contro l'individuo, la società, il desiderio di distruggere tutto il mondo che lo circonda in nome dell'ideale rivoluzionario.
Le funzioni di ricerca, tradizionali per il realismo, lasciano il posto a funzioni puramente illustrative, quando la missione della letteratura è vista nella creazione di un modello ideale del mondo sociale e naturale. La fede nell'ideale di domani è così forte che una persona colpita da un'idea utopica è pronta a sacrificare il passato e il presente solo perché non corrispondono all'ideale del futuro. I principi della tipizzazione artistica stanno cambiando: non è più uno studio di caratteri tipici nella loro interazione con un ambiente realistico, ma l'affermazione di caratteri normativi (dovrebbe essere dal punto di vista di un certo ideale sociale) in circostanze normative. Questo sistema estetico, fondamentalmente diverso dal nuovo realismo, lo chiameremo normativismo.
Il paradosso della situazione stava nel fatto che né nella coscienza pubblica, né nella vita quotidiana della critica letteraria, queste due tendenze non differivano. Al contrario, sia il rinnovato realismo che il normativismo furono compresi in modo indiviso, come un'unica letteratura sovietica. Nel 1934, questa indistinguibilità fu consolidata dal termine generale: realismo socialista. Da allora, due diversi sistemi estetici, normativo e realistico, per molti aspetti opposti l'uno all'altro, sono stati concepiti come un'unità ideologica ed estetica.
Inoltre, a volte coesistevano nell'opera dello stesso autore o addirittura nella stessa opera. Un esempio di quest'ultimo è il romanzo di A. Fadeev "The Rout" (1927).
Come il Pavel Vlasov di Gorky, i personaggi preferiti di Fadeev sono sulla via di una rinascita morale. Avendo visto solo cose brutte e sporche nella vita, Morozka si è unito al distaccamento partigiano, come dice lui stesso, non per amore dei begli occhi del comandante, ma per costruire una vita migliore e giusta. Alla fine del romanzo, si sbarazza del suo innato anarchismo, per la prima volta prova un inaspettato sentimento d'amore per Vara. La squadra gli è diventata cara e Frost, senza esitazione, dà la vita per i suoi compagni, avvertendo il distaccamento del pericolo. Lo scout Metelitsa, che credeva che le persone gli fossero profondamente indifferenti, difende il pastorello e, prima della sua morte, scopre da solo di amare le persone che lo circondano.
A. Fadeev affida il ruolo di attivo educatore delle masse al comandante del distaccamento Levinson, dietro il cui fragile aspetto vede forza spirituale, convinzione nella necessità di trasformare il mondo in modo rivoluzionario.
È abbastanza tradizionale per la letteratura realistica russa che A. Fadeev sfata l'individualista Mechi-ka. Il massimalismo romantico di Mechik, il suo elevarsi al di sopra della realtà, la sua costante ricerca dell'eccezionale - sia nella vita privata che sociale - lo portano a negare la vita reale, mostrare disattenzione all'essenziale, incapacità di apprezzarlo e vedere la bellezza. Quindi rifiuta l'amore di Varya in nome di un bellissimo sconosciuto nella fotografia, rifiuta l'amicizia dei normali partigiani e, di conseguenza, rimane un romantico in uno splendido isolamento. In sostanza, l'autore lo punisce con il tradimento proprio per questo (oltre che, però, per la sua alienazione sociale dai comuni partigiani).
È caratteristico che i passaggi più forti del romanzo contengano un'analisi psicologica del comportamento dei personaggi. Non è un caso che i critici abbiano notato all'unanimità l'influenza delle tradizioni di L. Tolstoy sul giovane scrittore sovietico.
Allo stesso tempo, l'idea di "umanesimo sociale", quando una persona, una persona può essere sacrificata in nome di un obiettivo più alto, avvicina il romanzo di A. Fadeev al normativismo.
Se la rivoluzione viene fatta in nome e per i lavoratori, allora perché l'arrivo del distaccamento di Levinson promette la fame al contadino coreano ea tutta la sua famiglia? Perché la più alta necessità sociale (alimentare il distaccamento e continuare il viaggio verso il proprio) è più importante dell '"umanesimo astratto": la vita dei membri del distaccamento significa più della vita di un coreano (o anche della sua intera famiglia) . Sì, c'è l'aritmetica! - Voglio esclamare dopo Raskolnikov.
Il dottor Stashinsky e Levinson giungono all'idea della necessità di finire il partigiano ferito Frolov. La sua morte è inevitabile: la ferita è fatale ed è impossibile portarlo con te: questo rallenterà il movimento del distaccamento e può uccidere tutti. Vattene: cadrà sui giapponesi e subirà una morte ancora più terribile. Facilitando la decisione del suo eroe, Fadeev costringe lo stesso Frolov a prendere il veleno, che sembra quasi un suicidio.
In questa parte del romanzo, Fadeev ha rotto con la tradizione umanistica del realismo russo, dichiarando un sistema etico fondamentalmente nuovo basato su un atteggiamento rigidamente razionale nei confronti sia dell'uomo che del mondo nel suo insieme.
Anche il finale del romanzo suona meno ambiguo. Levinson vivrà "e adempirà ai suoi doveri". Per raccogliere un altro distaccamento dalle persone lontane che vede dopo la morte del distaccamento, gente che lavora la terra, trebbia il pane. L'idea di Levinson sembra indiscutibile a Fadeev "di rendere [questi contadini] il più vicino possibile a quei diciotto che seguirono silenziosamente" e condurli lungo le strade della guerra civile - verso una nuova sconfitta, perché in una guerra del genere non ci sono vincitori e la distruzione generale finale è inevitabile.
Tuttavia, è possibile che l'artista abbia trionfato nella politica di Fadeev. Dopotutto, il romanzo si chiama "Sconfitta", non "Vittoria".
Se il libro di A. Fadeev porta sia le caratteristiche del vero realismo che del normativismo, allora la storia di Y. Libedinsky "The Week" (1922) è stata scritta esclusivamente nelle tradizioni del normativismo e dell'utopismo. Uno dei suoi eroi, il bolscevico Stelmakhov, pronuncia il seguente monologo-confessione: "Odiavo la rivoluzione prima di innamorarmi ... E solo allora, dopo essere stato picchiato per l'agitazione bolscevica, dopo essere stato a Mosca, in ottobre , ha preso d'assalto il Cremlino e ha sparato ai cadetti, quando non ero ancora nel partito e non capivo niente di politica, poi nei momenti di stanchezza ho cominciato a immaginare un lontano riposo davanti, ecco come il regno dei cieli per un cristiano, lontano, ma certamente promesso, se non a me, allora alle persone future, ai miei figli o nipoti... Ecco cosa sarà il comunismo... Non so come sarà...”
Gli eroi della storia danno tutta la loro forza al servizio di un futuro mitico bello, ma completamente oscuro. Questa idea dà loro la forza per superare i sentimenti umani naturali, come, ad esempio, la pietà per un nemico sconfitto, il disgusto per la crudeltà, la paura dell'omicidio: la mia calda parola è comunismo, ed esattamente chi mi agiterà un fazzoletto rosso.
Dietro questa mostruosa confessione, che l'eroe e l'autore percepiscono come sublimemente romantica, c'è una visione del mondo utopica nella sua forma più terribile e crudele. Fu questo che divenne la giustificazione ideologica del realismo socialista.
La realtà nella nuova estetica era percepita come un inizio ostile, inerte, conservatore, bisognoso di una radicale alterazione. Il valore più alto per lo scrittore della nuova direzione era il futuro, ideale e privo di contraddizioni, esistente, ovviamente, solo nel progetto. Anche questo progetto era poco dettagliato, ma giustificava qualsiasi violenza contro il presente.
Com'è stata la formazione di una nuova visione del mondo nel realismo socialista? Innanzitutto va notato che nella letteratura degli anni '20 è emerso un nuovo concetto di personalità. L'inclusione di una persona nel processo storico, l'affermazione dei suoi contatti diretti con il "macro ambiente" svaluta paradossalmente l'eroe, sembra essere privato del valore intrinseco e risulta significativo solo nella misura in cui contribuisce alla movimento storico in avanti. Tale svalutazione è possibile a causa della concezione finalista della storia, che si sta sempre più diffondendo nella società. La storia in questa interpretazione acquista significato e significato solo nella misura in cui si muove verso una "età dell'oro", localizzata da qualche parte molto più avanti.
Inoltre, l'eroe stesso è consapevole del valore assoluto del futuro e del valore molto relativo della propria personalità, è pronto a sacrificarsi consapevolmente e completamente con calma. La forma estrema di una tale posizione antiumanista è stata incarnata (in modo abbastanza comprensivo rispetto alle idee dell'eroe) dallo scrittore A. Tarasov-Rodionov nella storia "Chocolate", che racconta come il Chekist Zudin decide di sacrificare la sua vita , ma per non gettare nemmeno una piccola ombra sull'uniforme della Cheka. Accusato di corruzione, Zudin è stato condannato a morte. E per i suoi compagni, fiduciosi nella sua innocenza, ma comunque condannati a morte, e per se stesso questa decisione sembra essere l'unica vera: è meglio sacrificare la vita che dare anche la minima ragione alle voci filistee.
La romanticizzazione del futuro, la sua netta opposizione al presente e, in definitiva, la creazione del mito dell '"età dell'oro" sono le caratteristiche più importanti dell'estetica del realismo socialista. Nella forma più nuda, questa idea è stata affermata da A. V. Lunacharsky nell'articolo "Realismo socialista".
Solo il futuro, dal punto di vista del teorico marxista, è l'unico soggetto degno di rappresentazione. "Immagina", dice A. V. Lunacharsky, come se confermasse i principi estetici dell '"età dell'oro", che si sta costruendo una casa e, quando sarà costruita, sarà un magnifico palazzo. Ma è ancora incompiuto, e lo disegnerai in questa forma e dirai: "Ecco il tuo socialismo", ma non c'è tetto. Sarai, certo, un realista, dirai la verità: ma è subito evidente che questa verità in realtà non è vera. La verità socialista può essere detta solo da chi capisce che tipo di casa si sta costruendo, come si sta costruendo, chi capisce che avrà un tetto. Una persona che non comprende lo sviluppo non vedrà mai la verità, perché la verità non è come se stessa, non sta ferma, la verità vola, la verità è sviluppo, la verità è un conflitto, la verità è una lotta, la verità è domani, e bisogna vederlo così, e chi non lo vede così è un realista borghese, e quindi un pessimista, un piagnucolone e spesso un imbroglione e un falsificatore, e comunque un volontario o controrivoluzionario involontario e peste.
Questa citazione è molto importante per comprendere l'idea di base del realismo socialista. Innanzitutto si affermano nuove funzioni dell'arte rispetto al realismo tradizionale: non lo studio dei conflitti reali e delle contraddizioni del tempo, ma la creazione di un modello di un futuro ideale, un modello di “magnifico palazzo”. La funzione di ricerca, conoscitiva della letteratura va in secondo piano o addirittura al terzo piano; la funzione principale è quella di promuovere ciò che un giorno sarà costruita una bella casa sul sito di abitazioni reali, ora esistenti.
Queste idee, immediatamente incorporate nel programma della nuova direzione, risvegliandosi e sviluppandosi sempre più attivamente, si sono rivelate una sorta di "cellule tumorali" della nuova arte. Furono loro a portare alla rinascita del nuovo realismo in un'estetica normativa non realistica durante gli anni '20 e '50. È l'ordine di vedere non la realtà, ma un progetto, non ciò che è, ma ciò che dovrebbe essere, che porta alla perdita dei principi realistici di tipizzazione: l'artista non esplora più i personaggi, ma li crea secondo la norma prescritta, e quindi li trasforma in primitive maschere sociali (nemico, amico, comunista, filisteo, contadino medio, kulak, specialista, parassita, ecc.).
La normatività trasforma il concetto stesso di verità artistica. Il monopolio della verità ora appartiene a coloro che possono vedere la "verità di domani". E chi non può farlo dipinge la realtà così com'è - "spesso un truffatore e un falsificatore, e comunque un controrivoluzionario e un sabotatore volontario o involontario". La normatività è interpretata non solo come estetica, ma anche come esigenza politica.
L'arte si rivela così uno strumento per creare un mito artistico capace di organizzare la società e distrarla dai veri problemi della vita. Il suo obiettivo è definito con precisione: è la violenza contro la realtà con l'obiettivo della sua riorganizzazione, "educazione di una nuova persona", perché "l'arte non ha solo la capacità di orientare, ma anche di formare". Successivamente, nel 1934, questa disposizione sarà inclusa in forma modificata nella Carta dell'Unione degli scrittori dell'URSS: "il compito di rimodellare ideologicamente ed educare i lavoratori nello spirito del socialismo" sarà dichiarato come il più importante per realismo socialista.
Un posto speciale nell'estetica normativa era occupato dalla questione della libertà creativa dell'artista. "Il realismo socialista offre alla creatività artistica un'opportunità eccezionale per la manifestazione dell'iniziativa creativa, la scelta di diverse forme, stili, generi", affermava la Carta dell'Unione degli scrittori. Tipicamente, la libertà dell'artista è localizzata solo nella sfera della forma, ma non nel contenuto. La sfera del contenuto è strettamente regolata dalle idee sulle funzioni dell'arte, che si vedono nella creazione di un'immagine idealizzata del futuro. Un tale super-compito determina lo stile di un'opera particolare, la sua intera poetica. Il conflitto è predeterminato, le modalità della sua risoluzione. I ruoli sociali dei personaggi sono predeterminati: un leader, uno specialista, un comunista, un nemico furtivo, una donna che guadagna la sua dignità umana...
Alla fine dell'Ottocento e all'inizio del Novecento, la lotta tra le correnti realistiche e decadentiste raggiunse il suo apice nella vita culturale dei paesi europei. La gente non accettava opere create nello spirito della decadenza, poiché c'era bisogno di opere realistiche che riflettessero la vita in modo chiaro e veritiero.
Gli scrittori realisti si sono battuti per un riflesso audace e veritiero della realtà circostante. Pertanto, questo periodo è stato chiamato realismo o realismo critico. Durante questo periodo, i rappresentanti della letteratura russa F.M. Dostoevskij, L.N. Tolstoj, A.P. Cechov ha aperto nuove possibilità di creatività realistica per i contemporanei stranieri.
Guy de Maupassant è un creatore incomparabile che, nelle sue opere "Life", "Dear Friend", "MontAuriol" e altre, ha abilmente esposto i problemi sociali della società francese.
Il lavoro dello scrittore americano J. London si distingueva per gli stati d'animo radicali. Il suo romanzo utopico The Iron Heel contiene un avvertimento di catastrofe e terribile tormento, forse in attesa dell'umanità. Nell'opera autobiografica Martin Eden, lo scrittore rivela scontri nel campo dell'arte.
Nei romanzi dello scrittore americano T. Dreiser "The Financier", "Titan" viene trasmessa un'immagine generalizzata di un tipico monopolista americano, re senza corona, uomo ricco Cowperwood, che usa metodi fraudolenti, bugie e corruzione nella lotta per l'arricchimento .
R. Rolland nel suo romanzo in più volumi Jean Christophe mostra la disintegrazione della società borghese francese e tedesca. Il suo eroe - il compositore Christoph - soffre, vedendo meschinità, ipocrisia, carrierismo.
Il libro di questo ciclo, La fiera in piazza, si distingue per la sua tagliente denuncia con mezzi satirici di ministri corrotti,
Durante questo periodo, la satira era di particolare importanza. Il romanzo del satirico tedesco G. Mann "The Loyal Subject" e la trilogia "Empire" hanno un grande potere accusatorio. Sulle pagine di queste opere si possono vedere re e cancellieri, aristocratici e funzionari che hanno tradito il loro popolo e persino l'imperatore Guglielmo II.
Un grande maestro che ha ridicolizzato il sistema esistente è stato lo scrittore francese A. France. Nella sua opera "Il crimine di Sylvester Bonnard" i vizi della Terza Repubblica, il decadimento morale dei circoli dominanti, la corruzione dei politici, gli intrighi dei monarchi vengono ridicolizzati in modo netto e aperto. Romanzi, storie, articoli del noto scrittore satirico americano M. Twain sono pieni di verità amara e arrabbiata. Il titolo dell'articolo di M. Twain "The Lynching United States" o definizioni taglienti: "Un senatore è una persona che fa leggi nel suo tempo libero dalla prigione", "Servi del popolo - persone elette alle loro posizioni per distribuire tangenti" - parlano già da soli.
Letteratura democratica
I creatori della letteratura democratica credevano nella vittoria dei principi di uguaglianza e giustizia, nel potere creativo dell'uomo, nella sua capacità di cambiare il mondo. Uno dei rappresentanti di questa letteratura è lo scrittore americano G. Beecher Stowe. Il romanzo di Beecher Stowe "Tom's Cabin" è un capolavoro della letteratura mondiale. Illumina davvero la vita degli schiavi e dei proprietari di schiavi d'America nel XIX secolo, le contraddizioni tra loro, la rivolta dei negri contro la schiavitù. Nelle opere "Io e mia moglie", "Noi e i nostri vicini" viene descritta in modo veritiero anche la vita americana.
"Maggiore Barbara", insieme alla critica dei vizi della società, si oppone alla violenza delle forze che servono lo sviluppo sociale e la giustizia. Rabindranath Tagore
Lo scrittore francese Victor Hugo nelle sue opere "The Terrible Year", "Les Miserables", "93rd Year" protesta contro la tirannia, l'ignoranza e l'ingiustizia. L'odio per il colonialismo, la simpatia per le persone in lotta, la sua tragica vita e la lotta del lavoratore emarginato: questi sono i temi principali delle sue opere.
Lo scrittore francese Jules Verne è il massimo esponente del romanzo di fantascienza. Gli eroi delle opere dello scrittore "Cinque settimane in mongolfiera", "Viaggio al centro della terra", "I figli del capitano Grant", "Capitano di quindici anni" sono persone coraggiose e coraggiose che sfidano il destino e superano le difficoltà .
Lo scrittore russo L.N. Tolstoj negli ultimi anni della sua vita ha criticato gli ordini economici e sociali, i fondamenti immorali dello stato e della chiesa. AP Cechov nelle commedie "Three Sisters" e "The Cherry Orchard" ha mostrato un'immagine tipica della realtà sociale.
I romanzi di questo periodo dei famosi scrittori giapponesi Roka Tokutomi "Kuroshivo", "Meglio non vivere", Naoe Kinoshita "Pilastro di fuoco" erano diretti contro i resti feudali, l'influenza dell'Europa sull'originalità della cultura giapponese.
Il poeta cinese Hua Zongxiang ha invitato il popolo a combattere gli stranieri nelle sue poesie.
Il metodo del realismo critico è stato utilizzato nelle loro opere da altri maestri della parola. Li Baojia è diventato famoso per il suo romanzo "Our Officials", W. Woiyao per il suo romanzo "For Twenty Years", Liu Ye per il suo romanzo "Jiao Sang's Journey", Zeng Pu per il suo romanzo "Flowers in the Angry Sea". Nelle loro opere gli scrittori hanno difeso la cultura nazionale dall'influenza straniera, hanno rivelato le contraddizioni sociali della vita sociale del Paese.
Naturalismo
Il naturalismo ha rivoluzionato la rappresentazione artistica della realtà. Un gruppo di artisti che ritrassero la vita di quel periodo con colori artistici fortemente satirici si definirono naturalisti. Il rappresentante di questa tendenza, il grande scrittore francese Emile Zola, si è prefissato l'obiettivo di mostrare lo status, lo stile di vita e la psicologia di tutte le classi e gruppi sociali in Francia. La serie in 20 volumi di Émile Zola "Rougon Macquart" è dedicata a rappresentare la vita e la storia sociale di una famiglia durante il periodo del Secondo Impero. I romanzi "Germinal" e "The Rout" sono considerati l'apice del suo lavoro.
Tra i rappresentanti del naturalismo in Italia si possono notare Luigi Capuana e Giovanni Vega. Nelle loro opere, con abilità artistica, hanno riflesso la dura vita della gente del Sud Italia e dei combattenti contro la sua oppressione. Tra i naturalisti americani, Stephen Crane in The Scarlet Badge of Courage e Frank Norris in The Octopus hanno sollevato difficili questioni sociali.
Il decadentismo ha trovato un'espressione distinta nella letteratura francese e ha avuto un'influenza estremamente forte sul simbolismo, che è stato dominato da P. Verlaine, A. Relebo, S. Mallarmé, soprannominati i "Dannati Poeti".
La letteratura democratica è una letteratura che non serve gli interessi delle classi dirigenti, ma gli interessi delle persone, il loro futuro, educando le persone allo spirito di fede in un futuro luminoso, che riflette fedelmente la realtà.
Decadenza (lat. decadentia - declino) è il nome generico per crisi, fenomeni decadenti nella cultura europea. Una tendenza che rifletteva il pessimismo, uno stato d'animo di disperazione, un'avversione per la vita.
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Letteratura. Il realismo critico tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento Aggiornato: 27 gennaio 2017 Da: admin
Il realismo del XX secolo è direttamente correlato al realismo del secolo precedente. E come si è sviluppato questo metodo artistico a metà del XIX secolo, avendo ricevuto il giusto nome di "realismo classico" e avendo subito varie modifiche nell'opera letteraria dell'ultimo terzo del XIX secolo, è stato influenzato da tendenze irrealistiche come naturalismo, estetismo, impressionismo.
Il realismo del Novecento prende forma nella sua storia definitiva e ha un destino. Se copriamo collettivamente il XX secolo, la creatività realistica si è manifestata nella diversità della natura, nella composizione multipla nella prima metà del XX secolo. In questo momento, è ovvio che il realismo sta cambiando sotto l'influenza del modernismo e della letteratura di massa. Si collega a questi fenomeni artistici come alla letteratura socialista rivoluzionaria. Nella seconda metà c'è una dissoluzione del realismo, che ha perso i suoi chiari principi estetici e la poetica della creatività nel modernismo e nel postmodernismo.
Il realismo del XX secolo continua le tradizioni del realismo classico a diversi livelli: dai principi estetici alle tecniche della poetica, le cui tradizioni erano inerenti al realismo del XX secolo. Il realismo del secolo scorso acquisisce nuove proprietà che lo distinguono da questo tipo di creatività del tempo precedente.
Il realismo del XX secolo è caratterizzato da un appello ai fenomeni sociali della realtà e alla motivazione sociale del carattere umano, alla psicologia dell'individuo e al destino dell'arte. Altrettanto evidente è il richiamo ai problemi dell'attualità sociale dell'epoca, che non sono disgiunti dai problemi della società e della politica.
L'arte realistica del XX secolo, come il realismo classico di Balzac, Stendhal, Flaubert, si distingue per un alto grado di generalizzazione e tipizzazione dei fenomeni. L'arte realistica cerca di mostrare il caratteristico e il regolare nella loro causalità e determinismo. Pertanto, il realismo è caratterizzato da una diversa incarnazione creativa del principio di raffigurare un personaggio tipico in circostanze tipiche, nel realismo del 20 ° secolo, che è fortemente interessato a una personalità umana separata. Carattere come persona vivente - e in questo personaggio l'universale e il tipico ha una rifrazione individuale, o è combinato con le proprietà individuali della personalità. Insieme a queste caratteristiche del realismo classico, sono evidenti anche nuove caratteristiche.
Prima di tutto, queste sono le caratteristiche che si sono manifestate nel realistico alla fine dell'Ottocento. La creatività letteraria in quest'epoca assume il carattere filosofico e intellettuale, quando le idee filosofiche sono alla base della modellazione della realtà artistica. Allo stesso tempo, la manifestazione di questo principio filosofico è inseparabile dalle varie proprietà dell'intellettuale. Dall'atteggiamento dell'autore alla percezione intellettualmente attiva dell'opera nel processo di lettura, quindi alla percezione emotiva. Un romanzo intellettuale, un dramma intellettuale, prende forma nelle sue proprietà specifiche. Un classico esempio di romanzo realistico intellettuale è fornito da Thomas Mann (La montagna incantata, La confessione dell'avventuriero Felix Krul). Questo è palpabile anche nella drammaturgia di Bertolt Brecht.
La seconda caratteristica del realismo nel XX secolo è il rafforzamento e l'approfondimento dell'inizio drammatico e più tragico. Ciò è evidente nel lavoro di F.S. Fitzgerald ("Tender is the Night", "The Great Gatsby").
Come sapete, l'arte del XX secolo vive del suo interesse speciale non solo per una persona, ma anche per il suo mondo interiore.
Il termine "romanzo intellettuale" è stato proposto per la prima volta da Thomas Mann. Nel 1924, nell'anno della pubblicazione del romanzo The Magic Mountain, lo scrittore notò nell'articolo "On Spengler's Teachings" che la "svolta storica e mondiale" del 1914-1923. con forza straordinaria, ha acuito nella mente dei contemporanei la necessità di comprendere l'epoca, e questo si è rifratto in un certo modo nella creatività artistica. Ai "romanzi intellettuali" T. Mann includeva anche le opere di p. Nietzsche. È stato il "romanzo intellettuale" a diventare il genere che per la prima volta ha realizzato uno dei nuovi tratti caratteristici del realismo del XX secolo: un acuto bisogno di interpretazione della vita, della sua comprensione, interpretazione, che ha superato il bisogno di " raccontare", l'incarnazione della vita in immagini artistiche. Nella letteratura mondiale, è rappresentato non solo dai tedeschi - T. Mann, G. Hesse, A. Döblin, ma anche dagli austriaci R. Musil e G. Broch, dal russo M. Bulgakov, dal ceco K. Chapek, gli americani W. Faulkner e T. Wolf, e molti altri. Ma T. Mann era alle sue origini.
Stratificazione, multicomposizione, la presenza in un unico insieme artistico di strati di realtà distanti tra loro è diventato uno dei principi più comuni nella costruzione dei romanzi del XX secolo. I romanzieri dividono la realtà. Lo dividono in vita nella valle e sulla Montagna Magica (T. Mann), il mare della vita e la rigida solitudine della Repubblica di Castalia (G. Hesse). Individuano la vita biologica, la vita istintiva e la vita dello spirito ("romanzo intellettuale" tedesco). Creano la provincia di Yoknapatofu (Faulkner), che diventa il secondo universo, rappresentando la modernità.
Prima metà del XX secolo proporre una comprensione speciale e un uso funzionale del mito. Il mito ha cessato di essere, come di consueto per la letteratura del passato, un abbigliamento condizionale del presente. Come molte altre cose, sotto la penna di scrittori del XX secolo. il mito acquisì tratti storici, fu percepito nella sua indipendenza e separazione - come un prodotto di una lontana antichità, che illuminava schemi ripetuti nella vita comune dell'umanità. Il richiamo al mito ha allargato i confini temporali dell'opera. Ma oltre a questo, il mito che riempiva l'intero spazio dell'opera ("Joseph and his brothers" di T. Mann) o appariva in richiami separati, e talvolta solo nel titolo ("Job" dell'austriaco I. Roth), ha reso possibili infiniti giochi artistici, innumerevoli analogie e parallelismi, "incontri" inaspettati, corrispondenze che illuminano la modernità e la spiegano.
Il "romanzo intellettuale" tedesco potrebbe essere definito filosofico, intendendo la sua evidente connessione con il tradizionale per la letteratura tedesca, a partire dai suoi classici, filosofeggiando nella creatività artistica. La letteratura tedesca ha sempre cercato di comprendere l'universo. Il Faust di Goethe è stato un solido supporto per questo. Raggiunto un livello non raggiunto dalla prosa tedesca per tutta la seconda metà dell'Ottocento, il "romanzo intellettuale" divenne un fenomeno unico nella cultura mondiale proprio per la sua originalità.
Il tipo stesso di intellettualismo o filosofare era qui di un tipo speciale. Nel "romanzo intellettuale" tedesco, tre dei suoi maggiori rappresentanti - Thomas Mann, Hermann Hesse, Alfred Döblin - si sforzano notevolmente di procedere da un concetto completo e chiuso dell'universo, un concetto ben congegnato della struttura cosmica, a le leggi di cui l'esistenza umana è "regolata". Ciò non significa che il "romanzo intellettuale" tedesco si librasse in distanze trascendentali e non fosse connesso con i problemi scottanti della situazione politica in Germania e nel mondo. Al contrario, gli autori sopra citati hanno dato l'interpretazione più profonda della modernità. Tuttavia, il "romanzo intellettuale" tedesco si è battuto per un sistema onnicomprensivo. (Al di fuori del romanzo, questa intenzione è evidente in Brecht, che ha sempre cercato di collegare l'analisi sociale più acuta con la natura umana, e nella prima poesia con le leggi della natura.)
Tuttavia, in effetti, il tempo è stato interpretato nel romanzo del ventesimo secolo. molto più vario. Nel "romanzo intellettuale" tedesco è discreto non solo nel senso dell'assenza di uno sviluppo continuo: il tempo è anche lacerato in "pezzi" qualitativamente diversi. In nessun'altra letteratura esiste un rapporto così teso tra il tempo della storia, l'eternità e il tempo personale, il tempo dell'esistenza umana.
L'immagine del mondo interiore di una persona ha un carattere speciale. Lo psicologismo in T. Mann e Hesse differisce in modo significativo dallo psicologismo, ad esempio, in Döblin. Tuttavia, il "romanzo intellettuale" tedesco nel suo insieme è caratterizzato da un'immagine ingrandita e generalizzata di una persona. L'immagine di una persona è diventata un condensatore e un ricettacolo di "circostanze" - alcune delle loro proprietà e sintomi indicativi. La vita spirituale dei personaggi ha ricevuto un potente regolatore esterno. Non è tanto l'ambiente quanto gli eventi della storia mondiale e lo stato generale del mondo.
La maggior parte dei "romanzi intellettuali" tedeschi ha continuato gli sviluppi che hanno avuto luogo sul suolo tedesco nel XVIII secolo. genere del romanzo educativo. Ma l'educazione era intesa secondo la tradizione (“Faust” di Goethe, “Heinrich von Ofterdingen” di Novalis) non solo come perfezione morale.
Thomas Mann (1875-1955) può essere considerato il creatore di un nuovo tipo di romanzo, non perché anticipasse altri scrittori: pubblicato nel 1924, il romanzo La montagna incantata fu non solo uno dei primi, ma anche il più definito esempio di una nuova prosa intellettuale.
Il lavoro di Alfred Döblin (1878-1957). Ciò che è altamente caratteristico di Döblin è ciò che non è caratteristico di questi scrittori: un interesse per il "materiale" stesso, per la superficie materiale della vita. È stato questo interesse a mettere in relazione il suo romanzo con molti fenomeni artistici degli anni '20 in vari paesi. Gli anni '20 videro la prima ondata di arte documentaria. Il materiale accuratamente registrato (in particolare un documento) sembrava garantire la comprensione della realtà. In letteratura, il montaggio è diventato una tecnica comune, spingendo la trama ("fiction"). Fu il montaggio il fulcro della tecnica di scrittura dell'americano Dos Passos, il cui romanzo Manhattan (1925) fu tradotto in Germania nello stesso anno e ebbe una certa influenza su Döblin. In Germania, il lavoro di Döblin è stato associato alla fine degli anni '20 allo stile della "nuova efficienza".
Come nei romanzi di Erich Kestner (1899-1974) e Hermann Kesten (nato nel 1900), due dei più grandi prosatori della "nuova efficienza", nel romanzo principale di Döblin "Berlino - Alexanderplatz" (1929) una persona è piena al limite con la vita. Se le azioni delle persone non avevano un'importanza decisiva, allora, al contrario, la pressione della realtà su di loro era di importanza decisiva.
I migliori esempi di romanzo sociale e storico in molti casi hanno sviluppato una tecnica vicina al "romanzo intellettuale".
Tra le prime vittorie del realismo del XX secolo. includono romanzi di Heinrich Mann scritti negli anni 1900-1910. Heinrich Mann (1871-1950) continuò la secolare tradizione della satira tedesca. Allo stesso tempo, come Weert e Heine, lo scrittore ha sperimentato un impatto significativo del pensiero sociale e della letteratura francese. È stata la letteratura francese ad aiutarlo a padroneggiare il genere del romanzo socialmente accusatorio, che ha acquisito caratteristiche uniche da G. Mann. Più tardi G. Mann scoprì la letteratura russa.
Il nome di G. Mann divenne ampiamente noto dopo la pubblicazione del romanzo "The Land of Jelly Coasts" (1900). Ma questo nome folcloristico è ironico. G. Mann introduce il lettore nel mondo della borghesia tedesca. In questo mondo tutti si odiano, sebbene non possano fare a meno l'uno dell'altro, essendo vincolati non solo da interessi materiali, ma anche dalla natura delle relazioni domestiche, dalle opinioni e dalla certezza che tutto nel mondo si compra e si vende.
Un posto speciale spetta ai romanzi di Hans Fallada (1893-1947). I suoi libri furono letti alla fine degli anni '20 da coloro che non avevano mai sentito parlare di Döblin, Thomas Mann o Hess. Sono stati acquistati con magri guadagni durante gli anni della crisi economica. Non distinti da alcuna profondità filosofica o speciale intuizione politica, hanno posto una domanda: come può sopravvivere una piccola persona? "Piccolo uomo, cosa c'è dopo?" - era il nome del romanzo pubblicato nel 1932, che era molto popolare.
Dipinti. Successivamente si sono verificati cambiamenti, causati principalmente da significativi cambiamenti sociali nella società, che hanno spostato l'attenzione nelle arti visive verso il realismo. Termine realismo apparve grazie allo scrittore francese Champfleury a metà del XIX secolo, quando l'artista Gustave Courbet, dopo che la sua opera (la Bottega dell'artista) fu respinta all'Esposizione Universale di Parigi, costruì la sua tenda accanto alla mostra e organizzò la sua , chiamato "Le Realism" (Le Realisme).
Bottega dell'artista
Caratteristiche
Lo stile della pittura realistica si è diffuso a quasi tutti i generi di belle arti, inclusi ritratti, paesaggi e storia.
Un soggetto preferito dagli artisti realisti sono scene di vita rurale e urbana, la vita della classe operaia, scene di strade, caffè e club, così come la franchezza nella rappresentazione dei corpi. Non sorprende che il metodo insolito abbia scioccato molte persone della classe media e alta sia in Francia che in Inghilterra, dove il realismo non ha mai preso piede.
Pavimentazione in parquet. Caillebotte.
La tendenza generale del realismo era il desiderio di allontanarsi dall '"ideale", come era consuetudine nella raffigurazione della mitologia antica da parte dei maestri del Rinascimento. In questo modo, i realisti hanno ritratto persone e situazioni comuni. In questo senso, il movimento riflette un cambiamento progressivo e molto influente nella definizione del significato dell'arte in generale. Lo stile rimane piuttosto popolare ai nostri tempi, nonostante sia diventato un precursore dell'impressionismo e della pop art.
I primi realisti
Interessanti rappresentanti del primo realismo sono: Jean-Francois Millet, Gustave Courbet, Honore Daumier. Inoltre, vale la pena menzionare Ilya Repin. Alcune delle opere di questo maestro russo sono riconosciute come eccezionali in questo genere.
Autoritratto di Courbet
Realismo del XX secolo
Dopo orribili guerre, depressione globale, test nucleari e altri eventi, i realisti del 20° secolo non hanno avuto carenza di trame e idee. In effetti, il realismo moderno si è manifestato in un'ampia varietà di forme, immagini e scuole, influenzando non solo la pittura, ma anche altre aree dell'arte.
Verismo (1890-1900)
Questo termine italiano si riferisce all'estremo realismo comune in Italia.
Silvestro Lega in spiaggia
Precisionismo (anni '20)
Un movimento nato in America. Gli appassionati di precisione dipingevano scene di ambienti urbani e industriali in chiave futurista. Artisti di spicco includono Charles Sheeler, Georgia O'Keeffe e Charles Demuth.
Realismo sociale (1920-1930)
Gli artisti del genere "realismo sociale" hanno descritto scene della vita degli americani durante la Grande Depressione e si sono concentrati su questioni ordinarie e complessità della vita quotidiana.
Realismo sociale in Russia (1925-1935)
Un tipo di arte pubblica approvato da Stalin durante l'industrializzazione del paese. Il realismo socialista ha celebrato l'uomo nuovo e il lavoratore sotto forma di colossali murales, manifesti e altre forme d'arte.
Surrealismo (1920-1930)
Costruzione morbida. Dalì.
La forma d'arte stravagante ha le sue radici a Parigi. I surrealisti, le cui idee erano originariamente basate sul lavoro di Sigmund Freud, cercarono di liberare il potenziale creativo della mente inconscia. Esistono due tipi principali di arte surrealista: la fantasia (gli artisti di questa tendenza includono Salvador Dalì, Rene Magritte) e l'automatismo (Juan Miro). Nonostante tutta la stranezza e il picco di popolarità relativamente breve, lo stile ha un impatto duraturo sui giorni nostri. Vale la pena notare il realismo magico, che combina immagini della realtà quotidiana e della fantasia.
Pittura americana e regionalismo (1925-1945)
Molti artisti, tra cui Grant Wood (autore del popolare American Gothic, scritto in questo genere), John Stuart Curry, Thomas Hart Benton, Andrew Wyeth e altri, hanno cercato di catturare specifiche immagini americane.
Il fotorealismo è apparso alla fine degli anni '60, quando alcuni dipinti sono diventati quasi identici alle fotografie. Gli oggetti della regia sono oggetti banali e poco interessanti magistralmente rappresentati dall'artista. Uno dei primi artisti del genere è stato Richard Estes. Il suo lavoro è sorprendente e dà un'idea di questo movimento.
iperrealismo
All'inizio degli anni '70 emerse una forma radicale di arte realistica, nota anche come superrealismo e iperrealismo.
Altre destinazioni
Naturalmente, questi non sono tutti stili e sottospecie di realismo, poiché esiste un numero enorme di sottogeneri basati, tra l'altro, sulle tradizioni e sulla cultura di una particolare area.
Realismo in pittura aggiornato: 15 settembre 2017 da: Gleb
La formazione del realismo come metodo avviene in un momento in cui i romantici svolgono un ruolo di primo piano nel processo letterario. Accanto a loro, nella corrente principale del romanticismo, Merimee, Stendhal, Balzac iniziano il loro percorso di scrittura.
La formazione del realismo come metodo avviene in un momento in cui i romantici svolgono un ruolo di primo piano nel processo letterario. Accanto a loro, nella corrente principale del romanticismo, iniziano il loro percorso di scrittura Mérimée, Stendhal, Balzac . Tutti loro sono vicini alle associazioni creative dei romantici e partecipano attivamente alla loro lotta contro i classicisti. Furono i classicisti dei primi decenni dell'Ottocento, patrocinati dal governo monarchico dei Borboni, che in questi anni furono i principali oppositori dell'emergente arte realistica.
Pubblicato quasi contemporaneamente il manifesto dei romantici francesi - "Prefazione" al dramma "Cromwell" V. Hugues circa e trattato estetico Stendhal "Racine e Shakespeare" hanno un focus critico comune, essendo due colpi decisivi al codice delle leggi dell'arte classica che è diventato da tempo obsoleto.In questi documenti storici e letterari più importanti, sia Hugo che Stendhal, rifiutando l'estetica del classicismo, propugnano l'ampliamento del tema della rappresentazione nell'arte, per l'abolizione delle trame proibite e quelle per la rappresentazione della vita in tutta la sua pienezza e inconsistenza. Allo stesso tempo, per entrambi, il modello più alto, che dovrebbe essere guidato nella creazione di nuova arte, è il grande maestro del Rinascimento Shakespeare (percepito, tuttavia, da Hugo e Stendhal in modi diversi). Infine, i primi realisti di Francia e i romantici degli anni '20 sono accomunati anche da un comune orientamento socio-politico, che si rivela non solo nell'opposizione alla monarchia borbonica, ma anche in una percezione critica dei rapporti borghesi che si instaurano prima della loro occhi.
Dopo la rivoluzione del 1830, che fu una pietra miliare significativa nella storia della Francia, i percorsi di realisti e romantici divergeranno, il che, in particolare, si rifletterà nelle loro polemiche dei primi anni '30 (vedi, ad esempio, due articoli critici di Balzac sul dramma di Hugo "Ernani" e il suo articolo "Akathisti romantici" ). Tuttavia, anche dopo il 1830, i contatti degli alleati di ieri nella lotta contro i classicisti furono conservati. Rimanendo fedeli ai principi fondamentali della loro estetica, i romantici padroneggeranno con successo l'esperienza delle scoperte artistiche dei realisti (soprattutto Balzac), sostenendoli in quasi tutte le più importanti imprese creative. I realisti, a loro volta, seguiranno con interesse l'opera dei romantici, incontrando con invariabile soddisfazione ogni loro vittoria (tali, in particolare, saranno i rapporti di Balzac con Hugo e J. Sand).
Realisti della seconda metà del XIX secolo. rimprovereranno ai loro predecessori il "romanticismo residuo" trovato in Merimee, ad esempio, nel suo culto dell'esotico (i cosiddetti romanzi esotici del tipo "Matteo Falcone", "Colombes" o "Carmen" ), con Stendhal - nella passione per la rappresentazione di personalità brillanti e passioni eccezionali nella loro forza ( "Convento di Parma", "Cronache Italiane" ), Balzac - nel desiderio di trame avventurose ( "La storia di tredici" ) e l'uso di tecniche di fantasia nelle storie filosofiche, nel romanzo "Pelle zigrinata".
Queste accuse non sono prive di fondamento. Il fatto è che tra il realismo francese del primo periodo - e questa è una delle sue caratteristiche specifiche - e il romanticismo esiste un complesso legame "familiare", che si rivela, in particolare, nell'eredità di tecniche caratteristiche dell'arte romantica e persino temi e motivi individuali (il tema delle illusioni perdute, il motivo della delusione, ecc.). L'importanza del romanticismo come precursore dell'arte realistica in Francia difficilmente può essere sopravvalutata. Furono i romantici i primi critici della società borghese contemporanea. Hanno anche il merito di aver scoperto un nuovo tipo di eroe che si confronta con questa società. La critica coerente e intransigente delle relazioni borghesi dalle alte posizioni dell'umanesimo sarà il lato più forte dei realisti francesi, che hanno ampliato e arricchito l'esperienza dei loro predecessori in questa direzione e, soprattutto, hanno dato alla critica antiborghese un nuovo carattere sociale .
Una delle conquiste più significative dei romantici si vede giustamente nella loro arte dell'analisi psicologica, nella loro scoperta dell'inesauribile profondità e complessità della personalità individuale, nella conoscenza del mondo interiore dell'uomo. Scoperte speciali in questa direzione dovevano essere fatte da Stendhal, che, basandosi sull'esperienza delle sue scienze naturali contemporanee, la medicina (in particolare la psichiatria), chiarirà in modo significativo la conoscenza della letteratura sul lato spirituale della vita umana e collegherà la psicologia dell'individuo con il suo essere sociale, e presentare il mondo interiore di una persona in dinamica, in evoluzione, a causa dell'influenza attiva sulla personalità dell'ambiente complesso in cui questa personalità risiede. Di particolare importanza in relazione al problema della continuità letteraria è il principio più importante dell'estetica romantica studiato dai realisti: il principio dello storicismo. È noto che questo principio implica la considerazione della vita umana come un processo continuo in cui tutte le sue fasi sono interconnesse dialetticamente, ognuna delle quali ha le sue specificità. Era lei, chiamata dai romantici colore storico, che gli artisti della parola erano chiamati a rivelare nelle loro opere.
Tuttavia, il principio dello storicismo nella letteratura degli anni '20 e '30 si formò in una feroce polemica con i classicisti. aveva un carattere specifico. Sulla base delle scoperte della scuola degli storici contemporanei ( Thierry, Michelet, Guizot ), che ha dimostrato che il motore principale della storia è la lotta delle classi, e la forza che decide l'esito di questa lotta è il popolo, i realisti hanno proposto una nuova lettura della storia. Questo è ciò che ha stimolato il loro interesse speciale sia per le strutture economiche della società che per la psicologia sociale delle grandi masse popolari (non è un caso che la Commedia umana di Balzac inizi con Chouans, e uno dei suoi ultimi romanzi è Contadini, queste opere riflettere l'esperienza dello studio artistico della psicologia dei contadini). Infine, parlando della complessa trasformazione del principio di storicismo scoperto dai romantici nell'arte della seconda metà dell'Ottocento, va sottolineato che questo principio viene messo in pratica nella raffigurazione non solo di epoche passate (che è tipico per romantici), ma anche la realtà moderna, mostrata come una certa tappa nello sviluppo storico della Francia.
I grandi realisti vedono il loro compito principale nella riproduzione artistica della realtà così com'è, nella conoscenza delle leggi interne di questa realtà, che ne determinano la dialettica e la varietà delle forme. "Lo storico stesso doveva essere la società francese, io dovevo essere solo il suo segretario", dice Balzac in "Prefazione a La commedia umana" ”, proclamando il principio di oggettività nell'approccio alla rappresentazione della realtà come il principio più importante dell'arte realistica.
Ma il riflesso oggettivo del mondo così com'è - nella comprensione degli scrittori della prima metà del XIX secolo. - non un riflesso a specchio passivo di questo mondo. Perché a volte, osserva Stendhal, "La natura presenta spettacoli insoliti, contrasti sublimi, possono rimanere incomprensibili allo specchio, che inconsapevolmente li riproduce". E, come riprendendo il pensiero di Stendhal, Balzac continua: "Lo scopo dell'arte non è copiare la natura, ma esprimerla!"
Il rifiuto categorico dell'empirismo planare (contro il quale peccherebbero alcuni scrittori della seconda metà dell'Ottocento) è una delle caratteristiche notevoli dell'arte classica degli anni Trenta e Quaranta dell'Ottocento. Ecco perché la più importante delle installazioni - la riproduzione della vita nelle forme della vita stessa - non esclude affatto per Balzac, Stendhal, Merimee dispositivi romantici come fantasia, grottesco, simbolo, allegoria. Il riflesso oggettivo della realtà nell'arte realistica include sempre organicamente il principio soggettivo, che si distingue principalmente nel concetto di realtà dell'autore. L'artista, secondo Balzac, non è solo un cronista della sua epoca. È un ricercatore della sua morale, uno scienziato-analista, un politico e un poeta. Pertanto, la questione della visione del mondo di uno scrittore realista rimane sempre la più importante per uno storico letterario che studia la sua opera. Succede che le simpatie personali dell'artista entrino in conflitto con la verità che scopre. La specificità e la forza di un realista sta nella capacità di superare questo soggettivo in nome della più alta verità della vita per lui.
Tra i lavori teorici dedicati a convalidare i principi dell'arte realistica, va sottolineato e gli scritti di Balzac negli anni Quaranta dell'Ottocento. "Lettere su letteratura, teatro e arte", "Studio su Bale" e soprattutto "Prefazione alla "Commedia umana"", che riassumono l'esperienza più ricca delle conquiste artistiche del romanticismo e del realismo, motivando in modo completo e convincente il suo codice estetico.
Realismo della seconda metà del XIX secolo, rappresentato dalla creatività Flaubert , differisce dal realismo del primo stadio. C'è una rottura definitiva con la tradizione romantica, dichiarata ufficialmente già nel romanzo "Madame Bovary" (1856) . E sebbene la realtà borghese rimanga l'oggetto principale della rappresentazione nell'arte, la scala ei principi della sua rappresentazione stanno cambiando. Per sostituire le brillanti personalità degli eroi del romanzo degli anni '30 e '40. Vengono persone ordinarie, poco straordinarie. Il mondo multicolore di passioni veramente shakespeariane, combattimenti feroci, drammi strazianti, catturato in "La commedia umana" Balzac, le opere di Stendhal e Merimee, lasciano il posto al "mondo del colore della muffa", l'evento più straordinario in cui è l'adulterio, l'adulterio volgare. Si evidenziano cambiamenti fondamentali, rispetto al realismo della prima fase, e al rapporto dell'artista con il mondo in cui vive e che è oggetto della sua immagine. Se Balzac, Stendhal, Merimee hanno mostrato un ardente interesse per il destino di questo mondo e costantemente, secondo Balzac, “sentirono il polso della loro epoca, ne sentirono le malattie, ne osservarono la fisionomia”, cioè. si sentivano artisti profondamente coinvolti nella vita della modernità, allora Flaubert dichiara un distacco fondamentale dalla realtà moderna per lui inaccettabile, che gli sembra il trionfo della mediacrazia. Tuttavia, ossessionato dal sogno di spezzare tutti i fili che lo legano al “mondo color muffa”, e, nascosto nella “torre d'avorio”, dedicandosi al servizio dell'alta arte, Flaubert è quasi fatalmente inchiodato alla sua modernità , rimanendone per tutta la vita il severo analista e giudice oggettivo.
È proprio la critica profonda e senza compromessi delle fondamenta disumane e socialmente ingiuste del sistema, stabilito sulle rovine della monarchia feudale, che costituisce la principale forza del realismo del XIX secolo. Non va però dimenticato che il principio dello storicismo, che ha costituito la base del metodo creativo dei grandi maestri del secolo scorso, determina sempre la rappresentazione della realtà in continuo divenire, movimento che comporta non solo una retrospettiva, ma anche una visualizzazione prospettica della vita.
Da qui la capacità di Balzac di vedere le persone del futuro nei repubblicani che lottano per la giustizia sociale contro l'oligarchia borghese e il principio di affermazione della vita che permea il suo lavoro. Con tutta l'importanza fondamentale che acquista l'analisi critica della realtà, uno dei problemi più importanti per i grandi maestri del realismo rimane il problema dell'eroe positivo. Caratteri negativi diversi e multicolori "La commedia umana" Balzac si confronta sempre con eroi positivi, a prima vista non molto bravi, forse "vincenti e accattivanti". È in loro che l'artista incarna la sua incrollabile fede nell'uomo, i tesori inesauribili della sua anima, le possibilità illimitate della sua mente, resistenza e coraggio, forza di volontà ed energia. È questa carica positiva che conferisce a The Human Comedy una forza morale speciale, a testimonianza delle caratteristiche specifiche del realismo nella sua versione classica.