La commedia (dal greco komos, ode - una canzone, una vacanza in onore di Dioniso) è un genere drammatico in cui personaggi, azioni, situazioni sono intrisi di comicità, presentati in forme divertenti. Per molto tempo (fino all'era del classicismo), la commedia è stata considerata un genere "basso". Caratteristiche del genere della commedia: la presenza dell'effetto sorpresa, la presenza di contraddizione comica, opposizione (il brutto - il bello, l'insignificante - il sublime, il falso - il vero, ecc.), la presenza di "risate" come l'invisibile volto positivo dell'opera, i personaggi in rilievo, la presenza di alogismi, giochi di parole, caricature, buffonerie, parodie, l'uso da parte dell'autore di iperboli, grottesche, posizioni e dialoghi comici. Tipi di fumetto: umorismo, satira, ironia, sarcasmo, risata carnevalesca, scherzo, presa in giro, gioco di parole. Esistono la commedia delle posizioni, la commedia degli intrighi, la commedia dei personaggi, la commedia dei costumi, la commedia delle idee, la commedia degli umori, la commedia buffonesca, la commedia quotidiana, la commedia lirica, la commedia satirica, la commedia eroica, la commedia sentimentale.
Lo scrittore di commedie antiche più famoso è Aristofane (11 commedie del 425-388 a.C. - Cavalieri, Nuvole, Lisistrata, Rane). Varietà di commedia antica - siciliana e attica (antica, media, nuova); inoltre, nella commedia romana (era vicina all'attico) è consuetudine individuare togata, palliata, atellana letteraria, mimo e commedia popolare. Proprietà delle commedie antiche: il predominio dell'atteggiamento personale dell'autore, il ridicolo di alcuni vizi umani, la natura normativa delle valutazioni, una chiara separazione tra bene e male, positivo e negativo.
Nel Medioevo apparvero la farsa, l'interludio, le centinaia, il fastnachtspiel.
Nel Rinascimento il punto di partenza delle commedie è la natura umana, l'idea dell'uomo come misura di tutte le cose. I drammaturghi rivelano le possibilità del fumetto: "la capacità di esplorare lo stato stesso del mondo". Crea magnifici esempi di commedie; W. Shakespeare ("Sogno di una notte di mezza estate", "La dodicesima notte", "La bisbetica domata", "Molto rumore per nulla"). Una delle idee delle commedie di Shakespeare è l'idea del potere indiviso della natura sull'anima umana.
La letteratura europea crea tipi stabili di commedia: la "commedia colta" italiana, la commedia dell'arte, la commedia spagnola "mantello e spada", la commedia del balletto, la commedia "alta" del classicismo francese.
Nell'era del classicismo, i vizi umani, i tratti opposti alle virtù, come l'ignoranza, l'ipocrisia, la misantropia (commedie di J.-B. Molière "Il commerciante della nobiltà", "Tartufo", "Malato immaginario") diventano l'oggetto di ridicolo. Il principale punto di riferimento dei classicisti sono le norme morali ed estetiche astratte.
Nell’Illuminismo il punto di partenza per i comici è il buon senso. Nell'era del romanticismo, “l'analisi della commedia procede da idee sulla perfezione irrealizzabile del mondo, con l'aiuto della quale viene valutata la personalità, e d'altra parte, da idee sulla perfezione irrealizzabile della personalità, con la quale il mondo è verificato. Il punto di partenza della critica si sposta costantemente dal mondo all’individuo e dall’individuo al mondo. L'ironia è sostituita dall'autoironia (ad esempio, in H. Heine), l'autoironia si sviluppa nello scetticismo mondiale. Lo scetticismo mondiale dell'ironia romantica è fratello del dolore mondiale della tragedia romantica.
Nel 19 ° secolo, il fumetto viene rifratto attraverso un ideale estetico dettagliato, che include idee popolari sulla vita e sull'uomo. Questa tendenza si riflette nella letteratura russa, dove vengono distribuite commedie satiriche e pubblicamente accusatorie (D.I. Fonvizin, A.S. Griboyedov, N.V. Gogol, A.N. Ostrovsky). Commedie sociali e liriche sono apparse nella letteratura del 20 ° secolo (V. Mayakovsky, M. Zoshchenko, M. Bulgakov).
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- cos'è la commedia nella definizione letteraria
Eroi della commedia
Gli eroi sono negativi
| Signora Prostakova | |
| Storia dell'educazione e dell'educazione | È cresciuta in una famiglia di estrema ignoranza. Non ho ricevuto alcuna istruzione. Non ho imparato alcuna regola morale fin dall'infanzia. Non c'è niente di buono nella sua anima. La servitù ha una forte influenza: la sua posizione di proprietaria sovrana dei servi. |
| Tratti principali del personaggio | Ruvido, sfrenato, ignorante. Se non incontra resistenza diventa arrogante. Ma se incontra la forza, diventa codarda. |
| Atteggiamento verso le altre persone | In relazione alle persone, è guidato da calcoli approssimativi, guadagno personale. Spietata verso coloro che sono in suo potere. È pronta a umiliarsi davanti a chi dipende, chi si rivela più forte di lei. |
| Atteggiamento verso l'istruzione | L'istruzione è superflua: "Senza le scienze, le persone vivono e vivono". |
| Prostakova come proprietario terriero | Fedele proprietaria di servi, considera i servi come sua completa proprietà. Sempre insoddisfatto dei suoi servi. È indignata anche dalla malattia di una serva. Ha derubato i contadini: “Dato che abbiamo portato via tutto ciò che avevano i contadini, non possiamo strappare nulla. Che disastro! |
| Dispotica e scortese nei confronti del marito, lo maltratta, non lo mette in mezzo a niente. | |
| Atteggiamento verso il figlio, Mitrofanushka | Lo ama, è tenera con lui. Prendersi cura della sua felicità e del suo benessere è il contenuto della sua vita. L'amore cieco, irragionevole e brutto per suo figlio non porta nulla di buono né a Mitrofan né alla stessa Prostakova. |
| Caratteristiche del discorso | A proposito di Trishka: "Truffatore, ladro, bestiame, boccale di ladri, stupido"; rivolgendosi al marito: “Perché sei così deluso oggi, padre mio?”, “Per tutta la vita, signore, cammini con le orecchie a sventola”; rivolgendosi a Mitrofanushka: “Mitrofanushka, amico mio; il mio amico del cuore; figlio". |
| Non ha concetti morali: le manca il senso del dovere, la filantropia, il senso della dignità umana. |
| Mitrofan (tradotto dal greco "rivelando sua madre") | |
| A proposito di educazione e istruzione | Abituato all'ozio, abituato al cibo abbondante e abbondante, trascorre il tempo libero sulla colombaia. |
| Tratti principali del personaggio | Un "figlio di mamma" viziato, cresciuto e cresciuto nell'ambiente ignorante della nobiltà terriera feudale. Non è privo di astuzia e ingegnosità per natura, ma allo stesso tempo scortese e capriccioso. |
| Atteggiamento verso le altre persone | Non rispetta le altre persone. Yeremeevna (tata) la definisce un “vecchio bastardo”, la minaccia di gravi rappresaglie; non parla con gli insegnanti, ma “abbaia” (come dice Tsyfirkin). |
| Atteggiamento verso l'istruzione | Lo sviluppo mentale è estremamente basso, sperimentando un'insormontabile avversione al lavoro e all'apprendimento. |
| Rapporto con i familiari | Mitrofan non conosce l'amore per nessuno, nemmeno per i più vicini: a sua madre, suo padre, la sua tata. |
| Caratteristiche del discorso | Si esprime in monosillabi, nella sua lingua sono presenti molti vernacoli, parole e frasi prese in prestito dai cortili. Il tono del suo discorso è capriccioso, sprezzante, a volte scortese. |
| Il nome Mitrofanushka è diventato un nome familiare. Questo è il nome dei giovani che non sanno nulla e non vogliono sapere nulla. |
| Skotinin - fratello di Prostakova | |
| A proposito di educazione e istruzione | È cresciuto in una famiglia estremamente ostile all'istruzione: "Non essere quello Skotinin, che vuole imparare qualcosa". |
| Tratti principali del personaggio | Ignorante, mentalmente sottosviluppato, avido. |
| Atteggiamento verso le altre persone | Questo è un feroce proprietario di servi che sa come "rubare" quitrent ai suoi servi, e non ci sono ostacoli per lui in questa occupazione. |
| Interesse principale nella vita | Fattoria di animali, allevamento di suini. Solo i maiali evocano in lui affetto e sentimenti calorosi, solo a loro mostra calore e cura. |
| Rapporto con la famiglia e gli amici | Per avere l'opportunità di sposarsi con profitto (viene a conoscenza delle condizioni di Sophia), è pronto a distruggere il suo rivale, il nipote di Mitrofan. |
| Caratteristiche del discorso | Il discorso inespressivo di una persona non istruita usa spesso espressioni maleducate, nel discorso ci sono parole prese in prestito dal cortile. |
| Questo è un tipico rappresentante dei piccoli proprietari terrieri-feudatari con tutti i loro difetti. |
| insegnanti | |
| Insegnante di matematica. | L'autore lo tratta con evidente simpatia. Gli conferisce una qualità come la diligenza: "Non mi piace vivere pigramente". |
| Insegnante di russo e slavo ecclesiastico. | Il seminarista semi-istruito "temeva l'abisso della saggezza". A modo suo, astuto, avido. |
| Un insegnante di storia. | Tedesco, ex cocchiere. Diventa insegnante, poiché non è riuscito a trovare un posto come cocchiere. Una persona ignorante che non può insegnare nulla al suo studente. |
| Gli insegnanti non fanno alcuno sforzo per insegnare nulla a Mitrofan. Più spesso assecondano la pigrizia del loro studente. In una certa misura, sfruttando l'ignoranza e la mancanza di istruzione della signora Prostakova, la ingannano, rendendosi conto che non sarà in grado di verificare i risultati del loro lavoro. |
| Eremeevna - La tata di Mitrofan | |
| Che posto occupa nella casa di Prostakova, le sue caratteristiche distintive | Presta servizio nella casa dei Prostakov-Skotinin da più di 40 anni. Devota altruisticamente ai suoi padroni, pedissequamente attaccata alla loro casa. |
| Atteggiamento nei confronti di Mitrofan | Non risparmiandosi, protegge Mitrofan: “Morirò sul colpo, ma non darò via il bambino. Sunsya, signore, fatti vedere, per favore. Gratterò quei walleyes." |
| Cosa è diventato Eremeevna durante i lunghi anni di servizio della gleba | Ha un senso del dovere molto sviluppato, ma nessun senso della dignità umana. Non solo non c’è odio per i loro disumani oppressori, ma nemmeno alcuna protesta. Vive nella paura costante, trema davanti alla sua amante. |
| Per la sua lealtà e devozione, Yeremeevna riceve solo percosse e sente solo appelli come "una bestia", "la figlia di un cane", "una vecchia strega", "un vecchio bastardo". Il destino di Eremeevna è tragico, perché non sarà mai apprezzata dai suoi padroni, non riceverà mai gratitudine per la sua lealtà. |
Gli eroi sono positivi
| Starodum | |
| Sul significato del nome | Una persona che pensa alla vecchia maniera, privilegiando le priorità dell'era precedente (di Pietro), preservando tradizioni e saggezza, esperienza accumulata. |
| Istruzione Starodum | Una persona illuminata e progressista. Cresciuto nello spirito del tempo di Pietro, i pensieri, i costumi e le attività delle persone di quel tempo gli sono più vicini e più accettabili. |
| Posizione civile dell'eroe | Questo è un patriota: per lui un servizio onesto e utile alla Patria è il primo e sacro dovere di un nobile. Richiede di limitare l'arbitrarietà dei proprietari terrieri feudali: "È illegale opprimere i propri simili con la schiavitù". |
| Atteggiamento verso le altre persone | Valuta una persona in base al suo servizio alla Patria, in base ai benefici che una persona apporta in questo servizio: “Calcolo il grado di nobiltà in base al numero di azioni che il grande maestro ha compiuto per la Patria ... senza azioni nobili , uno stato nobile non è niente”. |
| Quali qualità sono onorate come virtù umane | Un ardente difensore dell'umanità e dell'illuminazione. |
| Le riflessioni dell'eroe sull'educazione | Attribuisce più valore all'educazione morale che all'educazione: “La mente, se è solo la mente, la più piccola sciocchezza ... La buona moralità dà il prezzo diretto alla mente. Senza di essa, una persona intelligente è un mostro. La scienza in una persona depravata è un'arma feroce per fare il male. |
| Quali tratti nelle persone causano la giusta indignazione dell'eroe | Inerzia, ferocia, malevolenza, disumanità. |
| "Avere un cuore, abbi un'anima - e sarai un uomo in ogni momento." |
Caratteristiche artistiche della commedia
Caratteristiche della commedia del classicismo
Nello stile artistico della commedia, la lotta tra classicismo e realismo è evidente., cioè l'autore si impegna per la rappresentazione più veritiera della vita. Pertanto, nella commedia, si possono vedere le caratteristiche della tendenza realistica nella letteratura, che si manifestano in quanto segue:
La combinazione di immagini della vita quotidiana e la divulgazione delle opinioni dei personaggi.
I personaggi non solo dei personaggi principali, ma anche quelli secondari sono scritti con cura.
Ogni immagine rivela un certo lato della realtà.
L'autore non nasconde la sua disposizione e antipatia verso gli eroi (ne giustizia alcuni senza pietà con rabbiosa indignazione e risate caustiche omicide, tratta gli altri con allegra beffa, disegna il terzo con grande simpatia).
La vita spirituale dei personaggi, il loro atteggiamento nei confronti della vita, delle persone e delle azioni viene abilmente rivelata.
Ogni eroe (soprattutto quello negativo) è un tipico rappresentante della sua classe.
Ogni eroe è una persona vivente, e non uno schema, non la personificazione di alcuna qualità, come era prima.
Oltre all'azione principale, la trama è completata da scene correlate solo indirettamente.
Luminosità ed espressività del linguaggio.
Molière(1622-1673) - un genio unico nella storia della cultura. Era un uomo di teatro nel pieno senso della parola. Oggi è percepito principalmente come drammaturgo, perché altri aspetti della sua attività, per loro stessa natura, non sono stati preservati così chiaramente dal tempo: Molière è stato il creatore e direttore della migliore compagnia teatrale della sua epoca, il suo attore principale e uno dei migliori attori comici dell'intera storia del teatro, regista, innovatore e riformatore del teatro. Moliere ha aumentato il prestigio della professione di attore in Francia, ha organizzato la prima confraternita di recitazione.
Molière è il nome d'arte di Jean Baptiste Poquelin, figlio di un ricco borghese parigino che ricevette un'ottima educazione classica. Fu presto posseduto dalla passione per il teatro, organizzò la sua prima compagnia all'età di ventuno anni: fu il quarto teatro di Parigi, che presto fallì. Nel 1645, Moliere lasciò Parigi per dodici lunghi anni per la vita di un attore errante. Il paese in questi anni è scosso dagli eventi della guerra civile, della Fronda, e la troupe di Molière si sta progressivamente guadagnando una forte reputazione nelle province. Per ricostituire il repertorio della sua compagnia, Molière inizia a scrivere opere teatrali in cui sintetizza le tradizioni delle rozze farse popolari con l'influenza della commedia italiana, e tutto questo viene rifratto attraverso il prisma della sua mente e razionalismo francese. Moliere è un comico nato, tutte le commedie uscite dalla sua penna appartengono al genere della commedia: commedie divertenti, sitcom, commedie di costume, commedie-balletti, commedie "alte" - cioè classiche -. Presentando una delle sue prime commedie alla corte di Luigi XIV, conquistò uno dei suoi più devoti ammiratori, il re, e sotto il patronato del sovrano Moliere, con la sua compagnia altamente professionale, aprì nel 1658 il suo teatro a Parigi. Le commedie "Galletti divertenti" (1659), "Una lezione per le mogli" (1662) gli procurarono fama nazionale e molti nemici che si riconoscevano nelle immagini satiriche delle sue commedie. E anche l'influenza del re non salvò Moliere dalla proibizione delle sue migliori opere teatrali, create negli anni Sessanta: fu bandito due volte per il teatro pubblico "Tartuffe", rimosso dal repertorio di "Don Juan". Il fatto è che nell'opera di Molière la commedia ha cessato di essere un genere pensato solo per far ridere il pubblico; Molière è stato il primo a portare nella commedia contenuto ideologico e acutezza sociale.
Secondo la gerarchia classicista dei generi, la commedia è un genere basso, perché raffigura la realtà nella sua forma ordinaria e reale. Per Moliere, la commedia si colloca interamente nel mondo reale, molto spesso borghese. I suoi eroi hanno personaggi riconoscibili e nomi comuni nella vita; la trama ruota attorno alla famiglia, ai problemi amorosi; La vita privata di Moliere si basa sulla proprietà, eppure nelle sue migliori commedie il drammaturgo riflette la vita quotidiana dal punto di vista di un alto ideale umanistico, così la sua commedia acquisisce un inizio ideale, in altre parole, diventa una commedia purificatrice, educativa, classica. L'amico di Molière, Nicolas Boileau, il legislatore della poetica classica, in "Arte poetica" pone la sua opera ai massimi livelli, accanto agli autori antichi - Menandro e Plauto - proprio per il pathos morale delle creazioni di Molière.
Lo stesso Molière rifletté sulla sua innovazione nel genere della commedia in due commedie scritte in difesa della Scuola delle Mogli, Critica della Scuola delle Mogli e Impromptu di Versailles (1663). Attraverso le labbra dell'eroe della prima commedia, Chevalier Durant, Molière esprime il suo credo di comico:
Trovo molto più facile parlare di sentimenti elevati, combattere la fortuna in versi, incolpare il destino, maledire gli dei, piuttosto che guardare più da vicino le caratteristiche ridicole di una persona e mostrare sulla scena i vizi della società in questo modo che è divertente ... Quando ritrai persone comuni, qui è necessario scrivere dalla natura. I ritratti dovrebbero essere simili, e se le persone del tuo tempo non vengono riconosciute in essi, significa che non hai raggiunto il tuo obiettivo... Far ridere le persone perbene non è un compito facile...
Molière eleva così la commedia al livello di tragedia, affermando che il compito del comico è più difficile di quello dell'autore di tragedie.
Storia della commedia. La commedia si è sviluppata da un culto rituale che aveva un carattere serio e solenne. La parola greca kschUmpt ha la stessa radice della parola kshmmz - villaggio. Pertanto, si deve presumere che queste allegre canzoni - commedie - siano apparse nel villaggio. E infatti gli scrittori greci hanno indicazioni che gli inizi di questo tipo di opere, chiamate mimi (mümpt, imitazione), sorsero nei villaggi. Il significato etimologico di questa parola indica già la fonte da cui è stato ottenuto il contenuto dei meme. Se la tragedia prendesse in prestito il suo contenuto dai racconti di Dioniso, degli dei e degli eroi, dal mondo della fantasia, poi il mimo ha tratto questo contenuto dalla vita di tutti i giorni. I meme venivano cantati durante le festività dedicate ad un determinato periodo dell'anno e associate alla semina, alla vendemmia, alla vendemmia, ecc.
Tutte queste canzoni quotidiane erano improvvisazioni dal contenuto satirico giocoso, con la natura dell'argomento del giorno. Le stesse canzoni dihariche, cioè con due cantori, erano conosciuti dai romani col nome di atellan e festan. Il contenuto di queste canzoni era mutevole, ma, nonostante questa mutevolezza, assumevano una certa forma e costituivano qualcosa di intero, che a volte faceva parte della tetralogia greca, composta da tre tragedie su un eroe (l'Orestea di Eschilo consisteva nelle tragedie " Agamennone", Coefori, Eumenidi) e la quarta commedia satirica. Forma più o meno definita nel VI secolo. aC Nel V sec. aC, secondo Aristotele, era famoso il comico Chionide, di cui sono sopravvissuti solo i titoli di alcune commedie. Aristofane è così. successore di questo tipo di creatività. Sebbene Aristofane nelle sue commedie ridicolizzi Euripide, suo contemporaneo, costruisce le sue commedie secondo lo stesso piano sviluppato da Euripide nelle sue tragedie, e anche la costruzione esterna delle commedie non è diversa dalla tragedia. Nel IV secolo. aC Menandro viene alla ribalta tra i Greci. Abbiamo già parlato di Plauto, poiché le sue commedie imitano le commedie di Menandro. Oltre a ciò aggiungiamo che in Plauto la storia d'amore gioca un ruolo importante. Le commedie di Plauto e Terrence mancano di coro; era più importante in Aristofane che nella tragedia di Euripide e dei suoi predecessori. Coro nelle loro parabasi, cioè deviazioni dallo sviluppo dell'azione, rivolte al pubblico per interpretare e comprendere il significato dei dialoghi dei personaggi. Lo scrittore successivo a Plauto fu Terenzio. Lui, proprio come Plauto, imita Menandro e un altro scrittore greco Apollodoro. Le commedie di Terenzio non erano destinate alle masse, ma a una società aristocratica selezionata, quindi non possiede quell'oscenità e maleducazione che troviamo in abbondanza in Plauto. Le commedie di Terenzio si distinguono per il loro carattere moralizzante. Se in Plauto i padri vengono ingannati dai figli, in Terenzio sono loro i leader della vita familiare. Le ragazze sedotte di Terenzio, a differenza di Plauto, sposano i loro seduttori. Nella commedia pseudoclassica l'elemento moralizzante (il vizio viene punito, la virtù trionfa) viene da Terenzio. Inoltre, le commedie di questo comico si distinguono per una maggiore completezza nella rappresentazione dei personaggi rispetto a quelle di Plauto e Menandro, nonché per l'eleganza dello stile. Durante il Rinascimento in Italia si sviluppò un tipo speciale di commedia:
COMMEDIA DELL "ARTE all" improvviso - commedia interpretata da attori professionisti italiani non secondo un testo scritto, ma secondo un copione (scena o soggetto italiano) che delinea solo le tappe fondamentali del contenuto della trama, lasciando all'attore stesso il compito di rivestire il ruolo con le parole che gli dice: esperienza scenica, tatto, intraprendenza, ispirazione o educazione. Questo tipo di gioco fiorì in Italia intorno alla metà del XVI secolo. È difficile distinguere rigorosamente tra commedia improvvisata e commedia letteraria (sostenuta erudita): entrambi i generi erano in indubbia interazione e differivano principalmente nell'esecuzione; una commedia scritta a volte si trasformava in una sceneggiatura e viceversa, una commedia letteraria veniva scritta secondo la sceneggiatura; Ci sono chiare somiglianze tra i due personaggi. Ma in quello improvvisato, ancor più che in quello scritto, si congelano in tipologie definite e fisse. Tali sono i Pantalone avidi, innamorati e invariabilmente ingannati; il dottor Graziano, a volte avvocato, a volte medico, scienziato, pedante che inventa incredibili etimologie di parole (come pedante da pede ante, perché il maestro fa andare avanti gli alunni); capitano, un eroe nelle parole e un codardo nei fatti, fiducioso nella sua irresistibilità per ogni donna; inoltre, due tipi di servi (zanni): uno è intelligente e astuto, maestro di ogni sorta di intrighi (Pedrolino, Brighella, Scapino), l'altro è lo sciocco Arlecchino o ancora più stupido Medzetine, rappresentanti della commedia involontaria. Un po' in disparte da tutte queste figure comiche ci sono gli innamorati (innamorati). Ciascuno degli attori ha scelto per sé un ruolo e spesso gli è rimasto fedele per tutta la vita; grazie a ciò si è abituato al suo ruolo e ha raggiunto la perfezione in esso, lasciando su di esso l'impronta della sua personalità. Ciò ha impedito che le maschere si congelassero completamente nell'immobilità. I bravi attori avevano una grande scorta di concetti propri o presi in prestito, che tenevano a mente, per utilizzare l'uno o l'altro al momento giusto, a seconda delle circostanze e dell'ispirazione. Gli innamorati avevano a portata di mano i concetti di suppliche, gelosia, rimproveri, rapimenti, ecc.; hanno imparato molto da Petrarca. C'erano circa 10-12 attori in ciascuna troupe e, di conseguenza, lo stesso numero di ruoli in ogni scenario. Varie combinazioni di questi elementi quasi invariati creano una varietà di trame. L'intrigo di solito si riduce al fatto che i genitori, per avidità o rivalità, impediscono ai giovani di amare per scelta, ma il primo Zannt è dalla parte dei giovani e, tenendo tra le mani tutti i fili dell'intrigo, rimuove gli ostacoli al matrimonio. La forma è quasi senza eccezioni in tre atti. Scena in C.d. arte, come nella commedia letteraria italiana e nell'antica romana, raffigura una piazza su cui si affacciano due o tre case di personaggi, e su questa meravigliosa piazza senza passanti hanno luogo tutte le conversazioni, gli incontri.. Nella commedia delle maschere non c'è nulla cercare una ricca psicologia delle passioni, nel suo mondo condizionato non ha spazio per un vero riflesso della vita. Il suo vantaggio è nel movimento. L'azione si sviluppa facilmente e rapidamente, senza lungaggini, con l'aiuto dei consueti metodi condizionali di origliare, travestirsi, non riconoscersi nell'oscurità, ecc. Questo è esattamente ciò che Molière ha adottato dagli italiani. Il periodo di massima fioritura della commedia delle maschere cade nella prima metà del XVII secolo.
Nel XIX secolo la commedia dei personaggi stava diventando sempre più importante.
COMMEDIA. La commedia descrive una lotta drammatica che suscita risate, costringendoci ad avere un atteggiamento negativo nei confronti delle aspirazioni, delle passioni dei personaggi o dei metodi della loro lotta. L'analisi della commedia è collegata all'analisi della natura della risata. Secondo Bergson, ogni manifestazione umana è ridicola, il che, a causa della sua inerzia, contraddice le esigenze sociali. Ridicolo in una persona vivente è l'inerzia di una macchina, l'automatismo; poiché la vita richiede "tensione" ed "elasticità". Un altro segno del divertente: "Il vizio raffigurato non dovrebbe ferire molto i nostri sentimenti, perché la risata è incompatibile con l'eccitazione emotiva". Bergson indica i seguenti momenti di "automatismo" comico che provoca la risata: 1) ridere "trattando le persone come marionette"; 2) divertente meccanizzazione della vita, che si riflette in ripetute posizioni sceniche; 3) l'automatismo degli attori che seguono ciecamente la loro idea è ridicolo. Tuttavia, Bergson perde di vista il fatto che qualsiasi opera drammatica, sia commedia che tragedia, è formata da un unico, integrale desiderio del personaggio principale (o della persona che guida l'intrigo) - e che questo desiderio nella sua continua attività acquisisce il carattere dell'automatismo. Troviamo anche nella tragedia i segni indicati da Bergson. Non solo Figaro tratta le persone come marionette, ma anche Iago; tuttavia, questo appello non è divertente, ma terrificante. Per usare il linguaggio di Bergson, la “tensione” priva di “elasticità”, flessibilità, può essere tragica; la forte passione non è "elastica". Definendo i segni della commedia, va notato che la percezione del divertente è mutevole; Ciò che eccita uno può far ridere un altro. Poi: ci sono parecchie opere teatrali in cui scene e battute drammatiche (tragiche) si alternano a scene comiche. Tali, ad esempio, sono "Woe from Wit", alcune delle opere di Ostrovsky, ecc. Queste considerazioni, tuttavia, non dovrebbero interferire con la creazione di segni di commedia - stile commedia. Questo stile non è determinato dagli obiettivi verso i quali sono dirette le aspirazioni contrastanti e contrastanti dei personaggi: l'avarizia può essere rappresentata in termini comici e tragici (L'avaro di Molière e Il cavaliere avaro di Pushkin). Don Chisciotte è ridicolo, nonostante l'altezza delle sue aspirazioni. Il wrestling drammatico è divertente quando non evoca compassione. In altre parole, i personaggi della commedia non dovrebbero soffrire così tanto da offenderci. Bergson sottolinea giustamente l'incompatibilità della risata con l'eccitazione emotiva. Il wrestling comico non dovrebbe essere violento, la commedia in puro stile non dovrebbe avere situazioni sceniche terrificanti. Non appena l'eroe della commedia inizia a soffrire, la commedia si trasforma in dramma. Poiché la nostra capacità di compassione è legata alle nostre simpatie e antipatie, possiamo stabilire la seguente regola relativa: quanto più l'eroe di una commedia è disgustoso, tanto più può soffrire senza suscitare in noi pietà, senza uscire dal piano comico. La natura stessa degli eroi della commedia non è predisposta alla sofferenza. L'eroe comico si distingue o per l'estrema intraprendenza, la rapida intraprendenza, che lo salva nelle situazioni più ambigue - come, ad esempio, Figaro - o per la stupidità animale, che lo salva da una consapevolezza eccessivamente acuta della sua posizione (ad esempio, Calibano ). Questa categoria di personaggi della commedia comprende tutti gli eroi della satira quotidiana. Un altro segno distintivo della commedia è che la lotta comica è condotta con mezzi goffi, ridicoli o umilianti, o allo stesso tempo ridicoli e umilianti. Il wrestling comico è caratterizzato da: una valutazione errata della situazione, un riconoscimento inetto di persone e fatti, che porta a delusioni incredibili e prolungate (ad esempio, Khlestakov viene scambiato per un revisore dei conti), resistenza impotente, persino ostinata; astuzia goffa, non raggiungendo l'obiettivo - inoltre, privo di ogni scrupolosità, mezzi di meschino inganno, adulazione, corruzione (ad esempio, la tattica dei funzionari dell '"Ispettore"); la lotta è patetica, assurda, umiliante, buffonesca (e non crudele): questo è il tipo puro di lotta comica. Un effetto forte è prodotto da un'osservazione mescolata quando è data da una faccia buffa.
La forza di Shakespeare nella rappresentazione di Falstaff sta proprio nell'accostamento: un simpatico burlone. La commedia non tocca profondamente, però non concepiamo la vita senza morte e sofferenza; quindi, secondo la sottile osservazione di Bergson, la commedia dà l'impressione di essere irreale. Inoltre, ha bisogno di una colorazione quotidiana convincente, in particolare di una caratteristica della lingua ben sviluppata. Anche la finzione comica si distingue, per così dire, per un ricco sviluppo quotidiano: qui compaiono dettagli specifici della leggenda, per così dire, della vita di creature mitologiche (ad esempio, le scene di Calibano nella Tempesta di Shakespeare). Tuttavia, i personaggi comici non sono tipi come quelli del dramma quotidiano. Poiché la commedia in puro stile è caratterizzata da lotte inesperte e umilianti, i suoi personaggi non sono tipi, ma caricature, e quanto più caricature sono, tanto più brillante è la commedia. Il riso è ostile alle lacrime (Boileau). Va anche aggiunto che l'esito della lotta comica, vista la sua natura non violenta, non è significativo. La vittoria comica della volgarità, della bassezza, della stupidità – visto che abbiamo ridicolizzato i vincitori – ci tocca un po'. La sconfitta di Chatsky o di Neschastvittsev non ci provoca amarezza; la risata di per sé è una soddisfazione per noi. Pertanto, in una commedia, è accettabile anche un epilogo accidentale, almeno attraverso l'intervento della polizia. Ma dove la sconfitta minaccia qualcuno di vera sofferenza (ad esempio, Figaro e la sua amata), un finale del genere, ovviamente, è inaccettabile. Quanto insignificante sia l'epilogo in sé in una commedia è evidente dal fatto che ci sono commedie in cui può essere previsto in anticipo. Tali sono le innumerevoli commedie in cui gli innamorati non possono sposarsi a causa dei loro parenti crudeli e ridicoli; qui l'epilogo del matrimonio è predeterminato. Nella commedia siamo trascinati dal processo del ridicolo; tuttavia, l'interesse aumenta se l'epilogo è difficile da prevedere. L'epilogo è positivo, felice: ci sono: 1) satira, una commedia di alto stile diretta contro i vizi più pericolosi per la società, 2) una commedia quotidiana che mette in ridicolo i difetti caratteristici di una certa società, 3) una sitcom che diverte con situazioni sceniche divertenti, prive di un serio significato sociale.
Da un lato, quando si lavora su un dramma, vengono utilizzati i mezzi che sono nell'arsenale dello scrittore, ma, dall'altro, l'opera non dovrebbe essere letteraria. L'autore descrive gli eventi in modo tale che la persona che leggerà il test possa vedere tutto ciò che accade nella sua immaginazione. Ad esempio, invece di "sono rimasti seduti al bar per molto tempo" puoi scrivere "hanno bevuto sei birre a testa", ecc.
Nel dramma, ciò che sta accadendo viene mostrato non attraverso riflessioni interne, ma attraverso l'azione esterna. Inoltre, tutti gli eventi si svolgono nel tempo presente.
Inoltre, vengono imposte alcune restrizioni al volume del lavoro, perché. dovrà essere presentato sul palco entro il tempo assegnato (fino ad un massimo di 3-4 ore).
Le esigenze del dramma, come arte scenica, lasciano il segno nel comportamento, nei gesti, nelle parole dei personaggi, che sono spesso esagerati. Ciò che nella vita non può accadere in poche ore, nel dramma può benissimo. Allo stesso tempo, il pubblico non sarà sorpreso dalla convenzionalità, dall'implausibilità, perché questo genere inizialmente glielo consente fino a un certo punto.
Ai tempi dei libri costosi e inaccessibili a molti, il teatro (come spettacolo pubblico) era la forma principale di riproduzione artistica della vita. Tuttavia, con lo sviluppo della tecnologia di stampa, ha perso terreno rispetto ai generi epici. Tuttavia, anche oggi, le opere drammatiche rimangono richieste dalla società. Il pubblico principale del dramma sono, ovviamente, gli spettatori di teatro e di cinema. Inoltre, il numero di questi ultimi supera il numero dei lettori.
A seconda del metodo di messa in scena, le opere drammatiche possono assumere la forma di opere teatrali e sceneggiature. Tutte le opere drammatiche destinate ad essere rappresentate sul palcoscenico teatrale sono chiamate opere teatrali (francese pièce). Le opere drammatiche sulla base delle quali vengono realizzati i film sono sceneggiature. Sia le opere teatrali che le sceneggiature contengono le osservazioni dell'autore per indicare il tempo e il luogo dell'azione, indicare l'età, l'aspetto dei personaggi, ecc.
La struttura dell'opera o della sceneggiatura segue la struttura della storia. Di solito, le parti di un'opera teatrale sono designate come un atto (azione), un fenomeno, un episodio, un'immagine.
I principali generi di opere drammatiche:
- dramma,
- tragedia
- commedia
- tragicommedia
- palcoscenico
- vaudeville
- schizzo.
Dramma
Il dramma è un'opera letteraria che descrive un grave conflitto tra attori o tra attori e società. Il rapporto tra i personaggi (eroi e società) nelle opere di questo genere è sempre pieno di drammaticità. Nel corso dello sviluppo della trama c'è un'intensa lotta sia all'interno dei singoli personaggi che tra di loro.
Sebbene nel dramma il conflitto sia molto serio, può comunque essere risolto. Questa circostanza spiega l'intrigo, la tesa aspettativa del pubblico: se l'eroe (gli eroi) sarà in grado di uscire dalla situazione o meno.
Il dramma è caratterizzato da una descrizione della vita quotidiana reale, dalla formulazione di domande "mortali" sull'esistenza umana, da una profonda rivelazione dei personaggi, dal mondo interiore dei personaggi.
Esistono tipi di dramma come storico, sociale, filosofico. Il dramma è un melodramma. In esso, i personaggi sono chiaramente divisi in positivi e negativi.
Drammi ampiamente conosciuti: Otello di W. Shakespeare, At the Bottom di M. Gorky, Cat on a Hot Roof di T. Williams.
Tragedia
La tragedia (dal greco tragos ode - "canto della capra") è un'opera drammatica letteraria basata su un conflitto di vita inconciliabile. La tragedia è caratterizzata da un'intensa lotta di personaggi e passioni forti, che si conclude con un esito catastrofico per i personaggi (di solito la morte).
Il conflitto di una tragedia è solitamente molto profondo, ha un significato universale e può essere simbolico. Il protagonista, di regola, soffre profondamente (anche per la disperazione), il suo destino è infelice.
Il testo della tragedia suona spesso patetico. Molte tragedie sono scritte in versi.
Tragedie ampiamente conosciute: "Prometeo incatenato" di Eschilo, "Romeo e Giulietta" di W. Shakespeare, "Temporale" di A. Ostrovsky.
Commedia
La commedia (dal greco komos ode - "canzone allegra") è un'opera drammatica letteraria in cui personaggi, situazioni e azioni sono presentati in modo comico, usando umorismo e satira. Allo stesso tempo, i personaggi possono essere piuttosto tristi o tristi.
Di solito la commedia presenta tutto ciò che è brutto e ridicolo, divertente e imbarazzante, ridicolizza i vizi sociali o domestici.
La commedia si suddivide nella commedia delle maschere, delle posizioni, dei personaggi. Anche questo genere comprende farsa, vaudeville, spettacolo secondario, sketch.
Una commedia di situazioni (commedia di situazioni, commedia situazionale) è un'opera commedia drammatica in cui eventi e circostanze sono la fonte del divertente.
Una commedia di personaggi (commedia di buone maniere) è un'opera drammatica in cui la fonte dell'umorismo è l'essenza interiore dei personaggi (morale), l'unilateralità divertente e brutta, un tratto o una passione esagerata (vizio, difetto).
Una farsa è una commedia leggera che utilizza semplici tecniche comiche ed è progettata per un gusto ruvido. Di solito viene utilizzata una farsa in una lunata circense.
Vaudeville è una commedia leggera con un intrigo divertente, che ha un gran numero di numeri e canzoni di danza. Negli Stati Uniti, il vaudeville è chiamato musical. Nella Russia moderna è anche comune dire "musicale", che significa vaudeville.
Un intermezzo è una piccola scena comica che si svolge tra le azioni della performance o della performance principale.
Sketch (schizzo inglese - "schizzo, schizzo, schizzo") è una breve commedia con due o tre personaggi. Di solito, si ricorre alla presentazione di schizzi sul palco e in televisione.
Commedie ampiamente conosciute: "Le rane" di Aristofane, "L'ispettore governativo" di N. Gogol, "Guai dallo spirito" di A. Griboedov.
Famosi sketch televisivi: "Our Russia", "Town", "Monty Python's Flying Circus".
Tragicommedia
La tragicommedia è un'opera drammatica letteraria in cui una trama tragica è rappresentata in forma comica o è un miscuglio casuale di elementi tragici e comici. Nella tragicommedia gli episodi seri si uniscono a quelli divertenti, i personaggi sublimi sono messi in risalto da personaggi comici. Il metodo principale della tragicommedia è il grottesco.
Possiamo dire che "la tragicommedia è il divertente nel tragico" o viceversa "il tragico nel divertente".
Tragicommedie ampiamente conosciute: "Alcesti" di Euripide, "La tempesta" di V. Shakespeare, "Il giardino dei ciliegi" di A. Chekhov, i film "Forrest Gump", "Il grande dittatore", "Lo stesso Munchazen".
Informazioni più dettagliate su questo argomento possono essere trovate nei libri di A. Nazaikin