Quasi ogni opera d'arte significativa ha un mistero, un "doppio fondo" o una storia segreta che vuoi scoprire.

Musica sui glutei

Hieronymus Bosch, Il giardino delle delizie, 1500-1510.

Frammento di trittico

Le controversie sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa dell'artista olandese non si sono placate sin dalla sua apparizione. L'ala destra del trittico intitolato “Inferno musicale” raffigura peccatori che vengono torturati negli inferi con l'aiuto di strumenti musicali. Uno di loro ha dei biglietti impressi sulle natiche. Amelia Hamrick, studentessa dell'Oklahoma Christian University, che ha studiato il dipinto, ha tradotto la notazione del XVI secolo in un tocco moderno e ha registrato "una canzone infernale di 500 anni fa".

Monna Lisa nuda

La famosa "La Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", fu dipinta dal poco conosciuto artista Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti storici dell’arte sono sicuri che sia stato lui il modello per i dipinti di Leonardo “Giovanni Battista” e “Bacco”. Ci sono anche versioni in cui Salai, vestito con un abito da donna, fungeva da immagine della stessa Monna Lisa.

Vecchio Pescatore

Nel 1902 l’artista ungherese Tivadar Kostka Csontvary dipinse il dipinto “Il vecchio pescatore”. Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nell’immagine, ma Tivadar vi ha inserito un sottotesto che non è mai stato rivelato durante la vita dell’artista.

Poche persone hanno pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona può esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del Vecchio è duplicata).

C'era una balena?

Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".

Sembrava un paesaggio ordinario. Barche, persone sulla riva e il mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si radunavano sulla riva per un motivo: nell'originale stavano guardando la carcassa di una balena portata a riva.

Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha riscritto il dipinto.

Due “Colazioni sull’erba”

Edouard Manet, Colazione sull'erba, 1863.

Claude Monet, Colazione sull'erba, 1865.

Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte vengono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Monet prese persino in prestito il titolo di uno dei dipinti più famosi di Manet, “Colazione sull’erba”, e scrisse il suo “Colazione sull’erba”.

Gemelli all'Ultima Cena

Leonardo da Vinci, L'Ultima Cena, 1495-1498.

Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, attribuì particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando delle baby sitter per loro da molto tempo. Alla fine riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantanti. Per tre anni Leonardo non riuscì a trovare un modello per Giuda. Ma un giorno incontrò per strada un ubriaco che giaceva in un canale di scolo. Era un giovane invecchiato a causa del bere eccessivo. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a dipingere Giuda da lui. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Diversi anni fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo dipinse Cristo da lui.

"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?

Rembrandt, "Ronda di notte", 1642.

Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg", è rimasto appeso in stanze diverse per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano apparire su uno sfondo scuro, fu chiamata "Ronda di notte" e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.

E solo durante il restauro effettuato nel 1947, si scoprì che nell'atrio il dipinto era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne falsava il colore. Dopo aver ripulito il dipinto originale, è stato finalmente rivelato che la scena rappresentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra della mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.

Barca ribaltata

Henri Matisse, "La barca", 1937.

Il dipinto di Henri Matisse "La Barca" fu esposto al Museum of Modern Art di New York nel 1961. Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il dipinto era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo: la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non commettere errori su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe essere la parte superiore del dipinto e la punta della vela dovrebbe essere verso l'angolo in alto a destra.

L'inganno nell'autoritratto

Vincent van Gogh, "Autoritratto con la pipa", 1889.

Ci sono leggende secondo cui Van Gogh si sarebbe tagliato l'orecchio. Ora la versione più attendibile è che Van Gogh si sia danneggiato un orecchio in una piccola rissa che ha coinvolto un altro artista, Paul Gauguin.

L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato perché utilizzava uno specchio mentre lavorava. In effetti, è stato l'orecchio sinistro ad essere colpito.

Orsi alieni

Ivan Shishkin, "Mattina nella pineta", 1889.

Il famoso dipinto non appartiene solo a Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano "all'aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che dipinse paesaggi per tutta la vita, aveva paura che i suoi toccanti orsi non sarebbero andati come voleva. Pertanto, Shishkin si è rivolto al suo amico, l'artista degli animali Konstantin Savitsky.

Savitsky dipinse forse i migliori orsi nella storia della pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome fosse cancellato dalla tela, poiché tutto nel dipinto “dal concetto all'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, del metodo creativo peculiare di Shishkin.

La storia innocente di "Gothic"

Grant Wood, Gotico americano, 1930.

L'opera di Grant Wood è considerata una delle più strane e deprimenti della storia della pittura americana. L’immagine con il cupo padre e la figlia è piena di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e la natura retrograda delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una casetta in stile gotico e decise di raffigurare quelle persone che, a suo avviso, sarebbero ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista vengono immortalati come i personaggi da cui gli Iowan erano così offesi.

La vendetta di Salvador Dalì

Il dipinto "Figura alla finestra" fu dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. A quel tempo, Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e la sua musa ispiratrice era sua sorella Ana Maria. Il rapporto tra fratello e sorella si deteriorò quando in uno dei dipinti scrisse "a volte sputo sul ritratto di mia madre, e questo mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare un comportamento così scioccante.

Nel suo libro del 1949, Salvador Dalì attraverso gli occhi di una sorella, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare Salvador. Per altri dieci anni, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, apparve il dipinto “Una giovane vergine che si abbandona al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità”. La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la combinazione di colori del dipinto riecheggiano chiaramente “Figura alla finestra”. Esiste una versione in cui Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro.

Danae bifronte

Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.

Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, la sparatoria ha mostrato che in una prima versione il volto della principessa, che iniziò una storia d’amore con Zeus, era simile al volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, cominciò ad assomigliare al volto di Gertje Dirks, l’amante di Rembrandt, con la quale l’artista visse dopo la morte di sua moglie.

La camera gialla di Van Gogh

Vincent Van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.

Nel maggio 1888, Van Gogh acquistò un piccolo studio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere “La camera da letto di Van Gogh ad Arles”. Per l'artista il colore e il comfort della stanza erano molto importanti: tutto doveva evocare pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è disegnata in toni gialli allarmanti.

I ricercatori del lavoro di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta nei toni del verde e del giallo.

Perfezione senza denti

Leonardo da Vinci, "Ritratto di Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

L'opinione generalmente accettata è che la Gioconda sia la perfezione e il suo sorriso sia bello nel suo mistero. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dalla sua espressione facciale, l'eroina abbia perso molti denti. Studiando le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski scoprì anche cicatrici intorno alla bocca. "Lei "sorride" così proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."

Maggiore sul controllo del volto

Pavel Fedotov, "Il matrimonio del maggiore", 1848.

Il pubblico, che per primo ha visto il dipinto “Major's Matchmaking”, ha riso di cuore: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili al pubblico di quel tempo. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: si è presentato senza i bouquet richiesti per la sposa e sua madre. E i suoi genitori mercantili vestirono la sposa stessa con un abito da ballo da sera, anche se era giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza evidentemente ha provato per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.

Perché la Libertà è nuda?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, La libertà sulle barricate, 1830.

Secondo il critico d'arte Etienne Julie, Delacroix ha basato il volto della donna sul famoso rivoluzionario parigino: la lavandaia Anne-Charlotte, che andò sulle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e uccise nove guardie. L'artista l'ha raffigurata a torso nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di coraggio e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: il seno nudo mostra che la Libertà, come cittadino comune, non indossa un corsetto.

quadrato non quadrato

Kazimir Malevich, Piazza suprematista nera, 1915.

In effetti, il “Quadrato Nero” non è affatto nero e non è affatto quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno degli altri suoi lati, e a nessuno dei lati della cornice quadrata che incornicia l’immagine. E il colore scuro è il risultato della mescolanza di vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.

Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno scoperto l'iscrizione dell'autore sul famoso dipinto di Malevich. L'iscrizione recita: "Battaglia dei negri in una grotta buia". Questa frase si riferisce al titolo del dipinto umoristico del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais, "La battaglia dei negri in una caverna oscura nel cuore della notte", che era un rettangolo completamente nero.

Melodramma della Monna Lisa austriaca

Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.

Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinad Bloch-Bauer. Tutta Vienna ha discusso della tempestosa storia d'amore tra Adele e il famoso artista. Il marito ferito voleva vendicarsi delle sue amanti, ma scelse un metodo molto insolito: decise di ordinare a Klimt un ritratto di Adele e costringerlo a realizzare centinaia di schizzi finché l'artista non iniziò a vomitare da lei.

Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni, in modo che il soggetto potesse vedere come i sentimenti di Klimt stavano svanendo. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano calmati da tempo l'uno con l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai saputo che suo marito fosse a conoscenza della sua relazione con Klimt.

Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin

Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.

Il dipinto più famoso di Gauguin ha una particolarità: viene “letto” non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica umana: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola tra gli artigli in nell'angolo in basso a sinistra).

Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista fuggì più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e si recò in montagna a morire. Tuttavia, non calcolò la dose e il suicidio fallì. La mattina dopo, barcollò verso la sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari andarono in salita e nel suo lavoro iniziò un periodo più luminoso.

112 proverbi in un'unica immagine

Pieter Brueghel il Vecchio, “Proverbi olandesi”, 1559

Pieter Bruegel il Vecchio dipinse una terra abitata da immagini letterali dei proverbi olandesi di quei tempi. Ci sono circa 112 idiomi riconoscibili nel quadro dipinto. Alcuni di essi sono utilizzati ancora oggi, ad esempio: “nuotare contro corrente”, “sbattere la testa contro il muro”, “armati fino ai denti” e “il pesce grosso mangia il pesce piccolo”.

Altri proverbi riflettono la stupidità umana.

Soggettività dell'art

Paul Gauguin, Villaggio bretone sotto la neve, 1894

Il dipinto di Gauguin "Villaggio bretone nella neve" fu venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il nome "Cascate del Niagara". L'uomo che ha organizzato l'asta ha appeso accidentalmente il dipinto a testa in giù perché vi ha visto una cascata.

immagine nascosta

Pablo Picasso, La Sala Blu, 1901

Nel 2008, la radiazione infrarossa ha rivelato che nascosta sotto la Sala Blu c'era un'altra immagine: il ritratto di un uomo vestito con un abito con un papillon e con la testa appoggiata sulla mano. “Non appena Picasso ebbe una nuova idea, prese il pennello e la incarnò. Ma non aveva la possibilità di acquistare una nuova tela ogni volta che una musa lo visitava", spiega una possibile ragione di ciò, la storica dell'arte Patricia Favero.

Donne marocchine inaccessibili

Zinaida Serebryakova, “Nuda”, 1928

Un giorno Zinaida Serebryakova ricevette un'offerta allettante: intraprendere un viaggio creativo per rappresentare le figure nude delle fanciulle orientali. Ma si è scoperto che trovare modelli in quei luoghi era semplicemente impossibile. Il traduttore di Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la fidanzata. Nessuno prima o dopo è riuscito a immortalare donne orientali nude e chiuse.

Intuizione spontanea

Valentin Serov, “Ritratto di Nicola II in giacca”, 1900

Per molto tempo Serov non riuscì a dipingere un ritratto dello zar. Quando l'artista si arrese completamente, si scusò con Nikolai. Nikolai era un po' turbato, si sedette al tavolo, allungando le braccia davanti a sé... E poi l'artista si rese conto: ecco l'immagine! Un semplice militare con la giacca da ufficiale con gli occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore rappresentazione dell'ultimo imperatore.

Un altro diavolo

© Fedor Reshetnikov

Il famoso dipinto “Deuce Again” è solo la seconda parte di una trilogia artistica.

La prima parte è “Arrivati ​​in vacanza”. Ovviamente una famiglia benestante, vacanze invernali, uno studente gioioso e eccellente.

La seconda parte è "Ancora un diavolo". Una famiglia povera della periferia operaia, nel pieno dell'anno scolastico, un idiota abbattuto che prese ancora una volta un brutto voto. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Arrivato per le vacanze".

La terza parte è "Riesame". Una casa di campagna, estate, tutti camminano, un malizioso ignorante, che non ha superato l'esame annuale, è costretto a sedersi tra quattro mura e stipare. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Again deuce".

Come nascono i capolavori

Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844

Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e guardò per una decina di minuti. Incapace di contenere la curiosità, anche la donna aprì la finestra e cominciò a guardare avanti. Un anno dopo, in una mostra alla Royal Academy of Arts, scopre il dipinto “Rain, Steam and Speed” e vi riconosce lo stesso episodio sul treno.

Lezione di anatomia da Michelangelo

Michelangelo, La Creazione di Adamo, 1511

Una coppia di esperti americani di neuroanatomia ritiene che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in una delle sue opere più famose. Credono che sul lato destro dell'immagine sia raffigurato un enorme cervello. Sorprendentemente si possono trovare anche componenti complessi, come il cervelletto, i nervi ottici e l'ipofisi. E l'accattivante nastro verde si abbina perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.

"L'Ultima Cena" di Van Gogh

Vincent Van Gogh, Terrazza del caffè di notte, 1888

Il ricercatore Jared Baxter ritiene che il dipinto di Van Gogh “La terrazza del caffè di notte” contenga una dedica crittografata all’”Ultima Cena” di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con i capelli lunghi e che indossa una tunica bianca che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui ci sono esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira l'attenzione anche sulla croce situata direttamente dietro il cameriere in bianco.

L'immagine della memoria di Dalì

Salvador Dalì, "La persistenza della memoria", 1931

Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito su tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto “La persistenza della memoria” è stato dipinto a seguito di associazioni nate dalla vista del formaggio fuso.

Di cosa sta urlando Munch?

Edvard Munch, "L'urlo", 1893.

Munch ha parlato dell'idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: “Stavo camminando lungo un sentiero con due amici - il sole stava tramontando - all'improvviso il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato il recinto - ho guardato sangue e fiamme sul fiordo nero-bluastro e sulla città - i miei amici sono andati avanti, e io sono rimasto tremante per l'eccitazione, sentendo l'urlo infinito che trafiggeva la natura." Ma quale tipo di tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?

Esiste una versione secondo cui l'idea di "L'Urlo" è nata a Munch nel 1883, quando si verificarono diverse potenti eruzioni del vulcano Krakatoa, così potenti da cambiare la temperatura dell'atmosfera terrestre di un grado. Copiose quantità di polvere e cenere si diffusero in tutto il mondo, raggiungendo persino la Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di questi è diventato fonte di ispirazione per l'artista.

Uno scrittore tra la gente

Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.

Decine di modelli hanno posato per Alexander Ivanov per il suo dipinto principale. Uno di questi è conosciuto niente meno che l'artista stesso. Sullo sfondo, tra viaggiatori e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si vede un personaggio in tunica. Ivanov lo ha scritto da Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato a stretto contatto con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli durante il processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".

La gotta di Michelangelo

Raffaello Santi, "La Scuola di Atene", 1511.

Creando il famoso affresco "La Scuola di Atene", Raffaello immortalò i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di questi era Michelangelo Buonarotti “nei panni” di Eraclito. Per diversi secoli, l'affresco ha custodito i segreti della vita personale di Michelangelo, e i ricercatori moderni hanno suggerito che il ginocchio stranamente angoloso dell'artista indica che aveva una malattia articolare.

Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.

Specchio dei coniugi Arnolfini

Jan van Eyck, "Ritratto dei coniugi Arnolfini", 1434

Nello specchio dietro i coniugi Arnolfini si vedono riflesse altre due persone nella stanza. Molto probabilmente, questi sono testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è van Eyck, come testimonia l’iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: “Jan van Eyck era qui”. Questo è il modo in cui solitamente venivano stipulati i contratti.

Come uno svantaggio si è trasformato in un talento

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.

La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha fatto sì che l'artista fosse in grado di percepire la realtà in due dimensioni meglio delle persone con una vista normale. Questo fenomeno è chiamato “cecità stereo” – l’incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma poiché il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, proprio questo difetto di Rembrandt potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.

Venere senza peccato

Sandro Botticelli, "Nascita di Venere", 1482-1486.

Prima della comparsa della Nascita di Venere, l'immagine di un corpo femminile nudo nella pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli fu il primo dei pittori europei a non trovare nulla di peccaminoso in lui. Inoltre, gli storici dell'arte sono sicuri che la dea pagana dell'amore simboleggi un'immagine cristiana nell'affresco: il suo aspetto è un'allegoria della rinascita di un'anima che ha subito il rito del battesimo.

Suonatore di liuto o suonatore di liuto?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Il suonatore di liuto", 1596.

Per molto tempo il dipinto è stato esposto all'Ermitage con il titolo "Suonatore di liuto". Solo all'inizio del XX secolo gli storici dell'arte concordarono nel ritenere che il dipinto raffigurasse un giovane (probabilmente posò per lui un conoscente di Caravaggio, il pittore Mario Minniti): sulle note davanti al musicista si vede una registrazione del basso verso del madrigale di Jacob Arkadelt “Sai che ti amo” . Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo difficile per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all’estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile all’epoca di Caravaggio.

L'idea di rappresentare un orologio che scorre venne a Salvador Dalì durante la cena quando notò il Camembert che si scioglieva al sole.

Fu più tardi che a Dalì fu chiesto se la teoria della relatività di Einstein fosse criptata sulla tela, e lui rispose con uno sguardo intelligente: “Piuttosto, la teoria di Eraclito secondo cui il tempo è misurato dal flusso del pensiero. Ecco perché ho intitolato il dipinto "La persistenza della memoria". E all’inizio c’era il formaggio, il formaggio fuso”.

"L'ultima Cena"

Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, prestò particolare attenzione a due figure: Cristo e Giuda. Leonardo trovò un modello per il volto di Gesù in tempi relativamente brevi: il suo ruolo fu preso da un giovane che cantava nel coro della chiesa. Ma una persona capace di esprimere il vizio di Giuda, Leonardo cercava da tre anni. Un giorno, camminando per strada, il maestro vide un ubriaco nel canale di scolo. Da Vinci portò l'ubriacone in una taverna, dove iniziò subito a scrivere da lui a Giuda.

Quando l'ubriaco tornò sobrio, si ricordò che diversi anni fa aveva già posato per un artista. Questo era lo stesso cantante. Nel grande affresco di Leonardo, Gesù e Giuda hanno lo stesso volto.

"Ivan il Terribile e suo figlio Ivan"

Nel 1913, un artista malato di mente tagliò con un coltello il dipinto di Repin “Ivan il Terribile e suo figlio Ivan”. Solo grazie al magistrale lavoro dei restauratori il dipinto è stato restaurato. Lo stesso Ilya Repin venne a Mosca e ridisegnò la testa di Grozny in uno strano colore viola: nel corso di due decenni, le idee dell'artista sulla pittura sono cambiate notevolmente. I restauratori hanno rimosso queste modifiche e hanno riportato il dipinto a una corrispondenza esatta con le fotografie del museo. Repin, quando successivamente vide la tela restaurata, non notò le correzioni.

"Sogno"

Nel 2006, il collezionista americano Steve Wynn accettò di vendere "Il sogno" di Pablo Picasso per 139 milioni di dollari, una delle cifre più alte della storia. Ma quando parlava del dipinto, agitava le braccia in modo troppo espressivo e strappava l'arte con il gomito. Wynn lo considerò un segno dall'alto e decise di non vendere il dipinto dopo il restauro, che, tra l'altro, costò un bel soldo.

"Barca"

Un incidente meno distruttivo, ma non per questo meno curioso, è accaduto con un dipinto di Henri Matisse. Nel 1961, il Museum of Modern Art di New York presentò al pubblico il dipinto del maestro “La Barca”. La mostra è stata un successo. Ma solo sette settimane dopo, un conoscitore d'arte occasionale notò che il capolavoro era appeso a testa in giù. Durante questo periodo, 115mila persone sono riuscite a vedere l'arte e il libro delle recensioni è stato riempito con centinaia di commenti ammirati. L'imbarazzo si sparse su tutti i giornali.

"Battaglia dei negri nella grotta nel cuore della notte"

Il famoso "Quadrato Nero" non è stato il primo dipinto di questo genere. 22 anni prima di Malevich, nel 1893, l'artista e scrittore francese Allais Alphonse espose il suo capolavoro “La battaglia dei negri in una grotta nel cuore della notte” - una tela rettangolare completamente nera - alla Galleria Vivien.

"Festa degli Dei sull'Olimpo"

Negli anni '60 Uno dei dipinti più famosi di Peter Paul Rubens, “La festa degli dei sull’Olimpo”, è stato ritrovato a Praga. Per molto tempo la data della sua stesura rimase un mistero. La risposta è stata trovata nell'immagine stessa, inoltre, dagli astronomi. Hanno immaginato che le posizioni dei pianeti fossero sottilmente crittografate sulla tela. Ad esempio, il Duca di Mantova Gonzaga nell'immagine del dio Giove, Poseidone con il Sole e la dea Venere con Cupido riflettono la posizione di Giove, Venere e il Sole nello Zodiaco.

Inoltre, è chiaro che Venere si sta dirigendo verso la costellazione dei Pesci. Gli astrologi meticolosi scoprirono che una posizione così rara dei pianeti nel cielo veniva osservata nei giorni del solstizio d'inverno del 1602. Quindi è stata effettuata una datazione abbastanza accurata dell'immagine.

"Colazione sull'erba"

Edouard Manet, "Colazione sull'erba"

Claude Monet, "Colazione sull'erba"

Edouard Manet e Claude Monet sono confusi non solo dagli attuali candidati alla scuola d'arte, ma anche dai loro contemporanei. Entrambi vissero a Parigi alla fine del XIX secolo, comunicarono tra loro ed erano quasi omonimi. Così, nel film “Ocean’s Eleven” si svolge il seguente dialogo tra i personaggi di George Clooney e Julia Roberts:
- Confondo sempre Monet e Manet. Ricordo solo che uno di loro sposò la sua amante.
-Monet.
- Quindi Manet aveva la sifilide.
Ed entrambi scrivevano di tanto in tanto.
Ma gli artisti non facevano molta confusione con i nomi, inoltre prendevano attivamente in prestito idee gli uni dagli altri. Dopo che Manet presentò al pubblico il dipinto “Colazione sull’erba”, Monet, senza pensarci due volte, dipinse il suo con lo stesso nome. Come al solito, non c'è stata confusione.

"Madonna Sistina"

Osservando il dipinto di Raffaello “La Madonna Sistina”, è chiaramente visibile che Papa Sisto II ha sei dita sulla mano. Tra le altre cose, il nome Sisto si traduce come "sesto", il che alla fine ha dato origine a molte teorie. In effetti, il "mignolo inferiore" non è affatto un dito, ma parte del palmo. È evidente se guardi da vicino. Nessun misticismo e presagi segreti dell'Apocalisse, ma è un peccato.

"Mattina in una pineta"

I cuccioli d'orso del dipinto di Shishkin “Morning in a Pine Forest”, stampato dai pasticceri, non sono affatto opera di Shishkin. Ivan era un eccellente paesaggista, sapeva brillantemente come trasmettere il gioco di luci e ombre nella foresta, ma non era bravo con le persone e gli animali. Quindi, su richiesta dell’artista, i simpatici cuccioli di orso sono stati dipinti da Konstantin Savitsky e l’immagine stessa è stata firmata con due nomi. Ma Pavel Tretyakov, dopo aver acquistato il paesaggio per la sua collezione, cancellò la firma di Savitsky e tutti gli allori andarono a Shishkin.

Oggi in ogni museo puoi ascoltare meravigliose guide che ti racconteranno nel dettaglio la collezione e gli artisti in essa rappresentati. Allo stesso tempo, molti genitori sanno che è difficile per la maggior parte dei bambini trascorrere anche un'ora in un museo e le storie sulla storia della pittura li stancano abbastanza rapidamente. Per evitare che i bambini si annoino nel museo, offriamo un "cheat sheet" per i genitori: dieci storie divertenti sui dipinti della Galleria Tretyakov che interesseranno sia i bambini che gli adulti.

1. Ivan Kramskoj. "Sirene", 1871

Ivan Kramskoy è conosciuto principalmente come l'autore del dipinto “Sconosciuto” (spesso viene erroneamente chiamato “Lo Straniero”), così come una serie di bellissimi ritratti: Leo Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleev. Ma è meglio che i bambini inizino a conoscere il suo lavoro con il dipinto magico "Sirene", a cui è collegata una storia.
Nell'agosto del 1871, l'artista Ivan Kramskoy visitò la tenuta di campagna del suo amico, amante dell'arte e famoso filantropo Pavel Stroganov. Camminando la sera, ammirava la luna e ne ammirava la luce magica. Durante queste passeggiate, l'artista ha deciso di dipingere un paesaggio notturno e cercare di trasmettere tutto il fascino, tutta la magia di una notte illuminata dalla luna, per “catturare la luna” - secondo le sue stesse parole.
Kramskoy ha iniziato a lavorare sul dipinto. In una notte di luna apparve la riva del fiume, su di essa una collinetta e una casa circondata da pioppi. Il paesaggio era bellissimo, ma mancava qualcosa: la magia non era nata sulla tela. Il libro di Nikolai Gogol "Serate in una fattoria vicino a Dikanka" è venuto in aiuto dell'artista, o meglio una storia chiamata "La notte di maggio, o la donna annegata" - favolosa e un po 'inquietante. E poi nella foto sono apparse le ragazze sirene, illuminate dalla luce della luna.
L'artista ha lavorato così attentamente sul dipinto che ha iniziato a sognarlo e desiderava costantemente completare qualcosa in esso. Un anno dopo essere stato acquistato dal fondatore della Galleria Tretyakov, Pavel Tretyakov, Kramskoy ha voluto ancora una volta cambiarvi qualcosa e ha apportato piccole modifiche proprio nella sala espositiva.
La tela di Kramskoy divenne il primo dipinto “fiabesco” nella storia della pittura russa.

2. Vasily Vereshchagin. "Apoteosi della guerra", 1871


È successo così che le persone hanno sempre combattuto. Da tempo immemorabile, leader coraggiosi e potenti governanti equipaggiarono i loro eserciti e li mandarono in guerra. Naturalmente, volevano che i discendenti lontani venissero a conoscenza delle loro imprese militari, quindi i poeti scrivevano poesie e canzoni e gli artisti creavano bellissimi dipinti e sculture. In questi dipinti, la guerra di solito sembrava una vacanza: colori vivaci, guerrieri impavidi che andavano in battaglia...
L'artista Vasily Vereshchagin conosceva in prima persona la guerra - ha preso parte alle battaglie più di una volta - e ha dipinto molti dipinti in cui raffigurava ciò che vedeva con i propri occhi: non solo soldati coraggiosi e i loro comandanti, ma anche sangue, dolore e sofferenza .
Un giorno ha pensato a come mostrare tutti gli orrori della guerra in un'unica immagine, a come far capire agli spettatori che la guerra è sempre dolore e morte, a come lasciare che gli altri ne guardino i dettagli disgustosi? Si rese conto che non era sufficiente dipingere l'immagine di un campo di battaglia punteggiato di soldati morti: tele del genere esistevano già prima. Vereshchagin ha inventato un simbolo di guerra, un'immagine, solo guardandola, tutti possono immaginare quanto sia terribile ogni guerra. Dipinse un deserto bruciato, al centro del quale si erge una piramide di teschi umani. Intorno ci sono solo alberi secchi e senza vita e solo i corvi volano verso la loro festa. In lontananza si vede una città fatiscente e lo spettatore può facilmente intuire che anche lì non c'è più vita.

3. Alexey Savrasov. "I corvi sono arrivati", 1871


Tutti conoscono il dipinto "The Rooks Have Arrived" fin dall'infanzia, e probabilmente tutti ci hanno scritto saggi scolastici. E oggi gli insegnanti racconteranno sicuramente ai bambini dei paesaggi lirici di Savrasov e che già nel nome stesso di questa immagine si può sentire un gioioso presagio del mattino dell'anno e tutto in esso è pieno di un significato profondo vicino al cuore. Nel frattempo, pochi sanno che il famoso "Rooks...", così come tutte le altre opere di Savrasov, potrebbero non essere esistiti affatto.
Alexey Savrasov era il figlio di un piccolo merciaio di Mosca. Il desiderio del ragazzo di dedicarsi alla pittura non ha suscitato gioia nel genitore, ma Kondrat Savrasov ha comunque mandato suo figlio alla Scuola di pittura e scultura di Mosca. Sia gli insegnanti che i compagni di classe hanno riconosciuto il talento del giovane artista e gli hanno predetto un grande futuro. Ma si è scoperto che, senza nemmeno studiare per un anno, Alexey, apparentemente a causa della malattia di sua madre, è stato costretto a smettere di studiare. Il suo insegnante Karl Rabus ha chiesto aiuto al capo della polizia di Mosca, il maggiore generale Ivan Luzhin, che ha aiutato il giovane talentuoso a ricevere un'educazione artistica.
Se Luzhin non avesse preso parte al destino del giovane artista, uno dei dipinti più famosi della storia della pittura russa non sarebbe mai nato.

4. Vasily Polenov. "Cortile di Mosca", 1878


A volte, per dipingere un bel quadro, un artista viaggia molto, cerca a lungo e meticolosamente le viste più belle e alla fine trova il luogo prezioso e torna lì di volta in volta con un quaderno da disegno. E succede anche che per creare un'opera meravigliosa, deve solo andare alla sua finestra, guardare un cortile di Mosca del tutto normale - e accade un miracolo, appare un paesaggio straordinario, pieno di luce e aria.
Questo è esattamente il miracolo accaduto all'artista Vasily Polenov, che guardò fuori dalla finestra del suo appartamento all'inizio dell'estate del 1878 e dipinse abbastanza rapidamente ciò che vide. Le nuvole scivolano leggere nel cielo, il sole sorge sempre più in alto, scaldando la terra con il suo calore, illuminando le cupole delle chiese, accorciando le ombre fitte... Sembrerebbe un quadro semplice, che l'artista stesso non ha scattato sul serio all'inizio: l'ha scritto e quasi se ne è dimenticato. Ma poi è stato invitato a prendere parte alla mostra. Non aveva nulla di significativo e Polenov decise di esporre il "Cortile di Mosca".
Stranamente, è stata questa "immagine insignificante" a portare fama e gloria a Vasily Polenov: sia il pubblico che la critica l'hanno adorato: ha sia calore che colori vivaci, e i suoi personaggi possono essere considerati all'infinito, inventando una storia su ciascuno di essi.

5. Ivan Shishkin. "Mattino in una pineta", 1889

“Mattina in una pineta” di Ivan Shishkin è probabilmente il dipinto più famoso della collezione della Galleria Tretyakov. Nel nostro Paese tutti la conoscono, grazie alle riproduzioni nei libri di testo scolastici, o magari grazie ai cioccolatini Mishka kosolapy.
Ma non tutti sanno che Shishkin stesso ha dipinto solo una foresta mattutina in una foschia nebbiosa e non ha nulla a che fare con gli orsi. Questa immagine è il frutto del lavoro congiunto di Shishkin e del suo amico, l'artista Konstantin Savitsky.
Ivan Shishkin era un maestro insuperabile nel rappresentare ogni sorta di sottigliezze botaniche: il critico Alexander Benois lo rimproverò praticamente per la sua dipendenza dall'accuratezza fotografica, definì i suoi dipinti senza vita e freddi. Ma l'artista non era amico della zoologia. Dicono che questo sia il motivo per cui Shishkin si è rivolto a Savitsky chiedendogli di aiutarlo con gli orsi. Savitsky non ha rifiutato il suo amico, ma non ha preso sul serio il suo lavoro e non lo ha firmato.
Successivamente, Pavel Tretyakov acquistò questo dipinto da Shishkin e l'artista invitò Savitsky a lasciare una firma sul dipinto - dopotutto, ci lavorarono insieme. Savitsky lo fece, ma a Tretyakov non piacque. Dichiarando di aver acquistato il dipinto da Shishkin, ma di non voler sapere nulla di Savitsky, ha chiesto un solvente e ha rimosso la firma "extra" con le proprie mani. E così è successo che oggi la Galleria Tretyakov indica la paternità di un solo artista.

6. Viktor Vasnetsov. "Bogatiri", 1898


Viktor Vasnetsov è considerato l'artista più "favoloso" nella storia della pittura russa: è stato il suo pennello a produrre opere famose come "Alyonushka", "Il cavaliere al bivio", "Salto eroico" e molte altre. Ma il suo dipinto più famoso è "Bogatyrs", che raffigura i personaggi principali dell'epica russa.
L'artista stesso ha descritto l'immagine come segue: "Gli eroi Dobrynya, Ilya e Alyosha Popovich sono in un'uscita eroica - stanno notando sul campo se c'è un nemico da qualche parte, stanno offendendo qualcuno?"
Al centro, su un cavallo nero, Ilya Muromets guarda in lontananza da sotto il palmo, l'eroe ha una lancia in una mano e una mazza damascata nell'altra. A sinistra, su un cavallo bianco, Dobrynya Nikitich estrae la spada dal fodero. A destra, su un cavallo rosso, Alyosha Popovich tiene in mano un arco e delle frecce. C'è una storia curiosa legata agli eroi di questa immagine, o meglio ai loro prototipi.
Viktor Vasnetsov ha pensato a lungo a come dovrebbe apparire Ilya Muromets e per molto tempo non è riuscito a trovare il volto "giusto": coraggioso, onesto, che esprima forza e gentilezza. Ma un giorno, del tutto per caso, incontrò il contadino Ivan Petrov, che venne a Mosca per guadagnare soldi. L'artista è rimasto stupito: in una strada di Mosca ha visto il vero Ilya Muromets. Il contadino accettò di posare per Vasnetsov e... rimase per secoli.
Nei poemi epici, Dobrynya Nikitich è piuttosto giovane, ma per qualche motivo il dipinto di Vasnetsov raffigura un uomo di mezza età. Perché l'artista ha deciso di agire così liberamente con i racconti popolari? La soluzione è semplice: Vasnetsov si è ritratto nell’immagine di Dobrynya, basta confrontare l’immagine con i ritratti e le fotografie dell’artista.

7. Valentin Serov. “Ragazza con le pesche. Ritratto di V. S. Mamontova”, 1887

“La ragazza con le pesche” è uno dei ritratti più famosi nella storia della pittura russa, dipinto dall'artista Valentin Serov.
La ragazza nel ritratto è Verochka, la figlia del filantropo Savva Mamontov, la cui casa l'artista visitava spesso. È interessante notare che le pesche sul tavolo non sono state portate da regioni calde, ma sono cresciute non lontano da Mosca, proprio nella tenuta di Abramtsevo, cosa del tutto insolita nel XIX secolo. Mamontov aveva un mago giardiniere che lavorava per lui: nelle sue abili mani gli alberi da frutto fiorivano anche a febbraio e il raccolto veniva raccolto già all'inizio dell'estate.
Grazie al ritratto di Serov, Vera Mamontova è passata alla storia, ma l'artista stesso ha ricordato quanto sia stato difficile convincere una ragazza di 12 anni, che aveva un carattere insolitamente irrequieto, a posare. Serov ha lavorato al dipinto per quasi un mese e ogni giorno Vera sedeva tranquillamente nella sala da pranzo per diverse ore.
Il lavoro non è stato vano: quando l'artista ha presentato il ritratto alla mostra, il dipinto è piaciuto molto al pubblico. E oggi, più di cento anni dopo, "La ragazza con le pesche" delizia i visitatori della Galleria Tretyakov.

8. Ilya Repin. "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan, 16 novembre 1581", 1883–1885.


Guardando questa o quella foto, ti chiedi spesso quale sia stata la fonte di ispirazione dell'artista, cosa lo ha spinto a scrivere proprio un'opera del genere? Nel caso del dipinto di Ilya Repin "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan il 16 novembre 1581", non è affatto facile indovinare le vere ragioni.
Il dipinto raffigura un episodio leggendario della vita di Ivan il Terribile, quando in un impeto di rabbia inferse un colpo mortale a suo figlio Tsarevich Ivan. Tuttavia, molti storici ritengono che in realtà non ci sia stato alcun omicidio e che il principe sia morto di malattia, e per niente per mano di suo padre. Sembrerebbe: cosa può spingere un artista a rivolgersi a un episodio così storico?
Come ha ricordato l'artista stesso, l'idea di dipingere il dipinto "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan" gli è venuta dopo ... un concerto in cui ha ascoltato la musica del compositore Rimsky-Korsakov. Era la suite sinfonica "Antar". I suoni della musica hanno preso possesso dell'artista e ha voluto incarnare nella pittura l'atmosfera che ha creato sotto l'influenza di quest'opera.
Ma la musica non era l’unica fonte di ispirazione. Viaggiando in giro per l'Europa nel 1883, Repin partecipò a una corrida. La vista di questo spettacolo sanguinoso colpì l'artista, il quale scrisse che, “contagiato ... da questo sangue, all'arrivo a casa, mise subito in scena una scena sanguinosa“ Ivan il Terribile con suo figlio ”. E la foto del sangue è stata un grande successo."

9. Michail Vrubel. "Demone seduto", 1890


Come a volte il titolo di un dipinto significa molto. Cosa vede lo spettatore a prima vista nel dipinto di Mikhail Vrubel "Seated Demon"? Un giovane muscoloso si siede su una roccia e guarda tristemente il tramonto. Ma non appena pronunciamo la parola "demone", appare immediatamente l'immagine di una creatura magica e scortese. Nel frattempo, il demone di Mikhail Vrubel non è affatto uno spirito maligno. L'artista stesso ha ripetutamente affermato che il demone è uno spirito "non tanto malvagio quanto sofferente e triste, ma nonostante tutto uno spirito imperioso, ... maestoso".
Questo dipinto è interessante per la sua tecnica pittorica. L'artista applica la vernice sulla tela non con il solito pennello, ma con una sottile lastra d'acciaio: una spatola. Questa tecnica ti consente di combinare le tecniche di un pittore e di uno scultore, letteralmente “scolpire” un'immagine con l'aiuto dei colori. È così che si ottiene l'effetto "mosaico": sembra che il cielo, le rocce e il corpo stesso dell'eroe non siano dipinti con vernice, ma siano rivestiti con pietre accuratamente lucidate, forse anche preziose.

10. Alexander Ivanov. "L'apparizione di Cristo al popolo (L'apparizione del Messia)", 1837–1857.


Il dipinto di Alexander Ivanov "L'apparizione di Cristo al popolo" è un evento unico nella storia della pittura russa. Non è facile parlarne con i bambini, soprattutto quelli di 6-7 anni, ma devono vedere questa tela monumentale, su cui l'artista ha lavorato per più di 20 anni e che è diventata l'opera di tutta la sua vita. .
La trama dell'immagine è basata sul terzo capitolo del Vangelo di Matteo: Giovanni Battista, battezzando il popolo ebraico sulle rive del Giordano nel nome dell'atteso Salvatore, vede all'improvviso Colui che cammina nel nome del quale battezza le persone . Successivamente i bambini apprenderanno le caratteristiche compositive del dipinto, i suoi simboli e il linguaggio artistico. Durante il primo incontro vale la pena parlare di come un'immagine è diventata l'opera dell'intera vita dell'artista.
Dopo essersi diplomato all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, Alexander Ivanov è stato inviato "per uno stage" in Italia. “L’apparizione di Cristo al popolo” avrebbe dovuto essere un’opera di registrazione. Ma l'artista prende molto sul serio il suo lavoro: studia attentamente le Sacre Scritture, la storia, trascorre mesi alla ricerca del paesaggio giusto, un tempo infinito alla ricerca di un'immagine per ogni personaggio del quadro. I soldi che gli sono stati assegnati per il lavoro stanno finendo, Ivanov conduce un'esistenza mendicante. Il minuzioso lavoro sul dipinto ha portato a danneggiare la vista dell'artista e a doverlo sottoporre a cure a lungo termine.
Quando Ivanov completò la sua opera, il pubblico italiano accettò con entusiasmo il dipinto; questo fu uno dei primi casi di riconoscimento europeo di un artista russo. In Russia, non fu immediatamente apprezzato: solo dopo la morte dell'artista gli arrivò la vera fama.
Mentre lavorava al dipinto, Ivanov creò più di 600 schizzi. Nella sala dove è esposto se ne possono vedere alcuni. È interessante utilizzare questi esempi per tracciare il modo in cui l'artista ha lavorato sulla composizione, sul paesaggio e sulle immagini dei personaggi nel dipinto.

Selezione dei record

Le opere d'arte che tutti conoscono spesso racchiudono storie sconosciute e affascinanti.

Kazimir Malevich è stato il sesto artista a dipingere un quadrato nero, Shishkin ha co-scritto il suo "Morning in a Pine Forest", Dali ha subito un grave trauma psicosessuale e Pablo Picasso è sopravvissuto dopo una coraggiosa risposta alla Gestapo. Ammiriamo la bellezza dei dipinti più grandi, ma le storie accadute prima, durante o dopo la pittura dei capolavori spesso rimangono al di fuori della nostra attenzione. E completamente invano. A volte queste storie ti permettono di comprendere meglio l'artista o semplicemente di meravigliarti della stranezza della vita e della creatività.
Il Lato Positivo ha raccolto in questo articolo le storie più interessanti e sconosciute sui grandi dipinti.

"Quadrato nero", Kazimir Malevich

"Black Square" di Malevich - una delle opere d'arte più famose e discusse - non è una tale innovazione.
Gli artisti sperimentano il colore “tutto nero” sin dal XVII secolo. Robert Fludd, nel 1617, fu il primo a dipingere un'opera d'arte completamente nera chiamata "La Grande Tenebra", seguito nel 1843 da Bertal e la sua opera "Veduta di La Hougue (sotto la copertura della notte)". Più di duecento anni dopo. E poi quasi senza interruzione - "Storia del crepuscolo della Russia" di Gustave Dore nel 1854, "Lotta notturna di negri nel seminterrato" di Paul Bielhold nel 1882, assolutamente plagio "Battaglia di negri in una grotta nel cuore della notte" di Alphonse Allais. Fu solo nel 1915 che Kazimir Malevich presentò al pubblico la sua "Piazza suprematista nera", come viene chiamato per intero il dipinto. Ed è il suo quadro che è noto a tutti, mentre altri sono noti solo agli storici dell'arte.
Lo stesso Malevich dipinse almeno quattro versioni del suo "Quadrato suprematista nero", diverse per motivo, consistenza e colore, nella speranza di trovare l'assoluta "assenza di gravità" e il volo delle forme.

"Urlo", Edvard Munch

Come nel caso di Black Square, esistono quattro versioni di Scream nel mondo. Due versioni sono dipinte ad olio e due a pastello.
C'è un'opinione secondo cui Munch, che soffriva di psicosi maniaco-depressiva, lo scrisse più volte nel tentativo di sfogare tutta la sofferenza che copriva la sua anima. Ed è possibile che ci sarebbero stati più uomini strani che urlavano di tormento insopportabile se l'artista non fosse andato in clinica. Dopo un ciclo di cure, non tentò mai più di riprodurre il suo "Scream", che divenne un cult.

"Guernica", Pablo Picasso

L'enorme affresco “Guernica”, dipinto da Picasso nel 1937, racconta la storia di un'incursione di un'unità di volontari della Luftwaffe sulla città di Guernica, a seguito della quale la città di seimila abitanti fu completamente distrutta. Il dipinto è stato dipinto letteralmente in un mese: i primi giorni di lavoro sul dipinto, Picasso ha lavorato per 10-12 ore e già nei primi schizzi si poteva vedere l'idea principale.
Questo è uno dei migliori esempi dell'incubo del fascismo, nonché della crudeltà e del dolore umani. Guernica presenta scene di morte, violenza, brutalità, sofferenza e impotenza, senza specificarne le cause immediate, ma sono evidenti. E il momento più interessante in relazione a questa immagine avvenne nel 1940, quando Picasso fu convocato dalla Gestapo a Parigi. “Sei stato tu a fare questo?” gli chiesero i nazisti. "No, l'hai fatto tu."

"Il Grande Masturbatore", Salvador Dalì

In un film dal titolo strano e arrogante anche per i nostri tempi, in realtà non c’è alcuna sfida alla società. L'artista ha effettivamente raffigurato il suo subconscio e ha confessato allo spettatore.
La tela raffigura la moglie Gala, che amava appassionatamente; le locuste, di cui aveva terrore; frammento di un uomo con ginocchia tagliate, formiche e altri simboli di passione, paura e disgusto.
L'origine di questa immagine (ma soprattutto l'origine del suo strano disgusto e allo stesso tempo desiderio di sesso) risiedono nel fatto che da bambino Salvador Dalì guardò un libro sulle malattie veneree che suo padre aveva accidentalmente lasciato indietro.

"Ivan il Terribile e suo figlio Ivan, 16 novembre 1581", Ilya Repin

La tela storica, raccontando allo spettatore un momento drammatico della storia del nostro Paese, è stata infatti ispirata non tanto dal fatto dell'omicidio di suo figlio ed erede da parte dello zar Ivan Vasilyevich, ma dall'omicidio di Alessandro II da parte del terrorista rivoluzionari e, cosa più inaspettata, la corrida in Spagna. L'artista ha scritto di ciò che ha visto: "La sfortuna, la morte vivente, l'omicidio e il sangue costituiscono una forza attrattiva... E io, probabilmente contagiato da questa sanguinosità, appena arrivato a casa, mi sono subito messo al lavoro sulla scena sanguinosa".

"Mattina in una pineta", Ivan Shishkin

Il capolavoro, familiare a ogni bambino sovietico per le sue caramelle incredibilmente deliziose e rare, non appartiene solo a Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano "all'aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che dipinse paesaggi per tutta la vita, aveva paura che i suoi toccanti orsi non sarebbero andati come voleva. Pertanto, Shishkin si è rivolto al suo amico, l'artista degli animali Konstantin Savitsky.
Savitsky dipinse forse i migliori orsi nella storia della pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome fosse cancellato dalla tela, poiché tutto nel dipinto “dal concetto all'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, del metodo creativo peculiare di Shishkin.

Pubblicazioni nella sezione Musei

Un'antica tragedia romana che divenne il trionfo di Karl Bryullov

Il 23 dicembre 1799 nacque Karl Bryullov. Figlio dello scultore francese Paul Brulleau, Karl era uno dei sette figli della famiglia. Anche i suoi fratelli Pavel, Ivan e Fedor divennero pittori e suo fratello Alexander divenne un architetto. Tuttavia, il più famoso fu Karl, che nel 1833 dipinse “L’ultimo giorno di Pompei”, l’opera principale della sua vita. “Kultura.RF” ha ricordato come è stato creato questo dipinto.

Karl Brullov. Auto ritratto. 1836

Storia della creazione

Il dipinto fu dipinto in Italia, dove nel 1822 l'artista fece un viaggio di pensionamento di quattro anni dall'Accademia Imperiale delle Arti. Ma ha vissuto lì per 13 anni.

La trama racconta l'antica tragedia romana: la morte dell'antica città di Pompei, situata ai piedi del Vesuvio: 24 agosto 79 d.C. e. L'eruzione vulcanica costò la vita a duemila abitanti.

Nel 1748, l'ingegnere militare Rocque de Alcubierre iniziò gli scavi archeologici sul luogo della tragedia. La scoperta di Pompei fece scalpore e si rifletté nelle opere di varie persone. Così, nel 1825, apparve un'opera di Giovanni Pacini e nel 1834 un romanzo storico dell'inglese Edward Bulwer-Lytton, dedicato alla morte di Pompei.

Bryullov visitò per la prima volta il sito degli scavi nel 1827. Andando alle rovine, l'artista 28enne non aveva idea che questo viaggio si sarebbe rivelato fatale per lui: "Non puoi attraversare queste rovine senza provare dentro di te un sentimento completamente nuovo, che ti fa dimenticare tutto tranne il terribile incidente con questa città.", ha scritto l'artista.

I sentimenti che Karl Bryullov ha provato durante gli scavi non lo hanno lasciato. È così che è nata l'idea di una tela su un tema storico. Mentre lavorava alla trama, il pittore studiò fonti archeologiche e letterarie. “Ho preso questo scenario dal vero, senza ritirarmi né aggiungere nulla, stando con le spalle alle porte della città, in modo da vedere come motivo principale una parte del Vesuvio”.. I modelli per i personaggi erano italiani, discendenti degli antichi abitanti di Pompei.

All'incrocio tra classicismo e romanticismo

In quest'opera, Bryullov si rivela non come un classicista tradizionale, ma come un artista del movimento romantico. Pertanto, la sua trama storica è dedicata non a un eroe, ma alla tragedia di un intero popolo. E come trama, non ha scelto un'immagine o un'idea idealizzata, ma un fatto storico reale.

È vero, Bryullov costruisce la composizione del dipinto nelle tradizioni del classicismo - come un ciclo di singoli episodi racchiusi in un triangolo.

Sul lato sinistro dell'immagine, sullo sfondo, sono raffigurate diverse persone sui gradini del grande edificio della tomba di Scauro. Una donna guarda direttamente lo spettatore, con l'orrore negli occhi. E dietro di lei c'è un artista con una scatola di colori in testa: questo è un autoritratto di Bryullov, che vive una tragedia insieme ai suoi personaggi.

Più vicino allo spettatore c'è una coppia sposata con bambini che cerca di scappare dalla lava, e in primo piano una donna abbraccia le sue figlie... Accanto a lei c'è un prete cristiano che ha già affidato il suo destino a Dio ed è quindi calma. Nelle profondità dell'immagine vediamo un sacerdote romano pagano che cerca di scappare portando via oggetti di valore rituali. Qui Bryullov allude alla caduta dell'antico mondo pagano dei romani e all'inizio dell'era cristiana.

Sul lato destro dell'immagine, sullo sfondo, c'è un cavaliere su un cavallo che si impenna. E più vicino allo spettatore c'è lo sposo, colto dall'orrore, che cerca di tenere tra le braccia la sua sposa (indossa una ghirlanda di rose), che ha perso conoscenza. In primo piano, due figli portano in braccio il vecchio padre. E accanto a loro c'è un giovane che implora sua madre di alzarsi e correre più lontano da questo elemento divorante. A proposito, questo giovane non è altro che Plinio il Giovane, che in realtà scappò e lasciò i suoi ricordi della tragedia. Ecco un estratto dalla sua lettera a Tacito: “Mi guardo indietro. Una fitta nebbia nera, che si allargava come un ruscello sul terreno, ci raggiunse. Tutt'intorno era scesa la notte, a differenza di una notte senza luna o nuvolosa: fa così buio solo in una stanza chiusa a chiave con le luci spente. Si sentivano le urla delle donne, gli squittii dei bambini e le urla degli uomini; alcuni chiamavano i genitori, altri i figli o le mogli e cercavano di riconoscerli dalla voce. Alcuni piangevano la propria morte, altri la morte dei propri cari, altri, temendo la morte, pregavano per la morte; molti alzarono le mani agli dei; la maggioranza spiegava che non esistevano dei da nessuna parte e che per il mondo quella era l’ultima notte eterna”..

Non c'è il personaggio principale nella foto, ma ce ne sono quelli centrali: un bambino dai capelli dorati vicino al corpo prostrato della madre morta in una tunica gialla - un simbolo della caduta del vecchio mondo e della nascita di uno nuovo, questa è l'opposizione tra vita e morte - nelle migliori tradizioni del romanticismo.

In questa immagine, Bryullov si è anche mostrato come un innovatore, utilizzando due fonti di luce: la luce rossa calda sullo sfondo, che trasmette la sensazione di avvicinarsi alla lava, e la fredda blu-verdastra in primo piano, che aggiunge ulteriore drammaticità alla trama.

La colorazione brillante e ricca di questo dipinto viola anche le tradizioni classiche e ci permette di parlare dell'artista come di un romantico.

Dipinto del corteo trionfale

Karl Bryullov ha lavorato sulla tela per sei anni, dal 1827 al 1833.

Il dipinto fu presentato per la prima volta al pubblico nel 1833 in una mostra a Milano e suscitò immediatamente scalpore. L'artista fu onorato come un trionfo romano e sulla stampa furono scritte recensioni elogiative sul dipinto. Bryullov fu accolto per strada con applausi, e durante i suoi viaggi ai confini dei principati italiani non avevano bisogno del passaporto: si credeva che ogni italiano lo conoscesse già di vista.

Nel 1834 L'ultimo giorno di Pompei fu presentato al Salon di Parigi. La critica francese si è rivelata più contenuta di quella italiana. Ma i professionisti hanno apprezzato il lavoro, regalando a Bryullov una medaglia d'oro dell'Accademia francese delle arti.

La tela fece scalpore in Europa ed era attesa con impazienza in Russia. Nello stesso anno fu inviato a San Pietroburgo. Dopo aver visto il dipinto, Nicola I espresse il desiderio di incontrare personalmente l'autore, ma l'artista andò con il conte Vladimir Davydov in viaggio in Grecia e tornò in patria solo nel dicembre 1835.

L'11 giugno 1836, ospiti d'onore, membri dell'Accademia, artisti e semplici amanti dell'arte si riunirono nella Sala Rotonda dell'Accademia Russa delle Arti, dove fu esposto il dipinto “L'ultimo giorno di Pompei”. L'autore del dipinto, “il grande Carlo”, è stato portato in braccio nella sala tra le urla entusiaste degli ospiti. “Folle di visitatori, si potrebbe dire, irrompevano nelle sale dell’Accademia per guardare Pompei”., scrive un contemporaneo e testimone di quel successo, di cui nessun artista russo ha mai conosciuto l'eguale.

Il cliente e proprietario del dipinto, Anatoly Demidov, lo presentò all'imperatore e Nicola I lo collocò all'Ermitage, dove rimase per 60 anni. E nel 1897 fu trasferito al Museo Russo.

L'immagine ha letteralmente emozionato l'intera società russa e le migliori menti di quel tempo.

Trofei d'arte della pace
L'hai portato tu nel baldacchino di tuo padre.
E ci fu l'"Ultimo Giorno di Pompei"
Primo giorno per la spazzola russa! -

il poeta Evgeny Boratynsky ha scritto del dipinto.

Anche Alexander Pushkin le ha dedicato delle poesie:

Il Vesuvio aprì la bocca: il fumo si riversò in una nuvola, fiamme
Ampiamente sviluppata come bandiera di battaglia.
La terra è agitata - dalle colonne traballanti
Gli idoli cadono! Un popolo guidato dalla paura
Sotto la pioggia di pietre, sotto le ceneri ardenti,
Le folle, vecchi e giovani, stanno scappando dalla città.

Mikhail Lermontov menziona anche “L’ultimo giorno di Pompei” nel romanzo “La principessa Ligovskaya”: “Se ami l’arte, allora posso dirti un’ottima notizia: il dipinto di Bryullov “L’ultimo giorno di Pompei” andrà a San Pietroburgo. Tutta l’Italia sapeva di lei, i francesi la rimproveravano”., - Lermontov conosceva chiaramente le recensioni della stampa parigina.

Lo storico e viaggiatore russo Alexander Turgenev ha affermato che questa immagine era la gloria della Russia e dell'Italia.

E Nikolai Gogol ha dedicato un lungo articolo al dipinto, scrivendo: “Il suo pennello racchiude quella poesia che solo si sente e si riconosce sempre: i nostri sentimenti conoscono e vedono sempre anche i tratti distintivi, ma le parole non potranno mai raccontarli. Il suo colore è così brillante che non lo è quasi mai stato prima, i suoi colori bruciano e si riversano negli occhi. Sarebbero insopportabili se l’artista fosse apparso a un livello inferiore a Bryullov, ma con lui sono rivestiti di quell’armonia e respirano quella musica interiore di cui sono pieni gli oggetti viventi della natura”..