Nell'arte pittorica russa la natura morta è quasi sempre stata un genere secondario. E solo i critici d'arte sofisticati potranno nominare un pittore di nature morte domestiche. Ma, in un modo o nell'altro, la natura morta come genere indipendente iniziò a svilupparsi nel XIX secolo. Le prime "rondini" furono piccoli acquerelli e gouaches di F.P. Tolstoj e il lavoro di I.T. Krutsky. Queste erano le classiche nature morte europee con rigogliosi mazzi di fiori da giardino e cesti di frutta. Nonostante tutto il loro fascino artistico, queste opere avevano un valore molto limitato per lo sviluppo della pittura russa.

Appare l'interesse per la natura morta come genere di pittura indipendente Anni '80 del XIX secolo. I dipinti giocano un ruolo importante qui. I.I. Levitan (1860-1900). Di solito sono semplici nel design e non di grandi dimensioni e rappresentano mazzi di fiori familiari o di campo. In una natura morta Viole della foresta e nontiscordardime (1889) l'artista ha tradito sensibilmente la fragilità delle viole notturne e l'arietà dei nontiscordardime blu, la loro armonia con una semplice fiaschetta rustica. Vicino nel movente Denti di leone" e "Lilla bianco". I primi sono disegnati in una gamma calda, che sembra molto organica con l'argilla lattiginosa e i capolini gialli. Queste nature morte di Levitan sono piuttosto tradizionali: i mazzi di fiori sono raffigurati su uno sfondo neutro e isolati dallo spazio circostante. Il significato di questi dipinti è molto semplice: trasmettere la bellezza della natura scelta nel modo più accurato possibile. Tuttavia, allo stesso tempo nella creatività V.A. Serov e K.A. Korovin cominciarono ad apparire nuove tendenze che ebbero origine sulle tele degli impressionisti francesi. Gli impressionisti cercarono di collegare la natura morta con l'ambiente, sia nella trama che nella pittura. Per fare ciò, la "natura morta" viene portata all'aria aperta, associata al paesaggio o collegata all'interno della stanza. Con l'aiuto della natura morta, cercano di creare un riflesso dell'atteggiamento di una persona, del suo umore e del suo modo di vivere.

Tutte queste tendenze sono visibili nel dipinto di Korovin "At the Tea Table" (1888). La tela raffigura una società amichevole nel paese V.D. Polenova. Il quadro è stato dipinto sul terrazzo di una casa di campagna. L'artista sta cercando di trasmettere la sensazione di una giornata estiva, il fascino di una conversazione amichevole. La freschezza che emana dal verde e dai volti giovani è creata in una certa misura anche dalla natura morta: il contrasto delle bacche rosse versate in un piatto bianco, del latte in bicchieri alti trasparenti e del candore di una tovaglia fresca. L'unità emotiva dell'immagine è raggiunta principalmente dalla soluzione pittorica della tela. Tutto ciò che è raffigurato è scritto tenendo conto della luce circostante e dell'ambiente aereo. Nel famoso dipinto di Serov " Ragazza con le pesche" (1887) la natura morta con le pesche in primo piano a prima vista non gioca un ruolo importante nella composizione della tela. Tutta l'attenzione dell'artista è focalizzata su V. Mamontova, e i frutti completano solo l'immagine creata. Ma le pesche aiutano Serov a risolvere un importante problema artistico. I frutti, secondo l'artista, servono come chiave cromatica per la costruzione coloristica dell'immagine. Serov sceglie il proprio colore giallo per le pesche e lo contrappone al candore della tovaglia, al verde delle foglie d'acero e al giallo della luce che si riversa dalla finestra nel giardino. L'artista distingue i toni giallo limone, verdastro e giallo oro sui lati irregolari del frutto. La luce tangibile di una giornata estiva, che sembra formare delle pesche, determina l'intera struttura emotiva e pittorica del quadro.

In queste opere Serov e Korovin aprono una nuova fase nello sviluppo della natura morta russa. La natura analitica di questi dipinti è fondamentalmente diversa dal concetto di natura morta da salotto esistente a quel tempo. Il vantaggio principale di tali opere era considerato la massima somiglianza dell'immagine con il soggetto. Anche la facilità dei modi dello studio o l'accurata rifinitura della superficie pittoresca erano molto apprezzate. Più precisamente, tutti questi principi sono incorporati nel quadro generale. K. E. Makovsky "Nello studio dell'artista" (1881). L'opera colpisce per il cumulo di dettagli "natura morta": frutti esotici, tessuti pregiati, rarità antiche. Un enorme cane e un ragazzino non sembrano creature viventi, ma semplici reperti di questa esposizione di beni di lusso. Il nuovo concetto di natura morta presupponeva un'espansione completa dei confini del genere e la sua fusione con il ritratto, il paesaggio, la pittura d'interni e quella domestica. La natura morta cessa di essere una semplice immagine della "natura morta" e si trasforma in un mezzo per rivelare l'immagine.

Le nuove tendenze sono visibili nel famoso dipinto V.D. Polenov "Malato" (1886). L'interno e la figura dell'eroina sono immersi in un'ombra profonda: sono solo uno sfondo e il significato di ciò che sta accadendo viene rivelato con l'aiuto di un gruppo compatto di oggetti, illuminati da una lampada con luce verde ombra. Questa natura morta è molto istruttiva. Un paralume mezzo bruciato viene strappato all'oscurità da cuscini e lenzuola spiegazzati, una caraffa di vetro, un bicchiere d'acqua, fiale di medicinali e ricette mediche. A sinistra sono visibili libri logori con copertine rosse e blu, forse si tratta di rimedi casalinghi o album che hanno intrattenuto il paziente. Tale composizione è un simbolo del fatto che tutta la vita di questo paziente è incentrata attorno a questo tavolo e agli oggetti su di esso. Al lavoro, alla natura morta viene assegnato un ruolo attivo nella creazione dell'atmosfera. Abbastanza caratteristica è anche la natura morta, evidenziata nella foto K. Makovsky "Alekseich". Nella foto, sullo sfondo, dietro una natura morta, è già raffigurata la figura di un uomo. L'immagine di un vecchio benevolo si rivela nella gioia sincera con cui anticipa il suo solitario tea party. Una crosta di pane, un samovar bollente, marmellata in un barattolo di vetro, una scatola di zucchero e tè accuratamente coperta con un asciugamano: tutto ciò crea una sensazione di pace e calore che piace sinceramente a una persona senza pretese.

Cos'è la natura morta?

La natura morta è un genere di pittura che raffigura la natura inanimata. Il genere ha avuto origine nel XVII secolo.

La natura morta è principalmente sorprendente e interessante perché fa vedere alle persone la bellezza e l'armonia nelle cose quotidiane e noiose che ci circondano continuamente, ma non attirano la nostra attenzione su se stesse.

Il genere non è così semplice come sembra a prima vista: nella maggior parte di questi dipinti, gli artisti usano l'allegoria: cercano di dire alle persone qualcosa di importante attraverso un certo insieme di oggetti, la loro disposizione, i colori scelti, la composizione generale, per trasmettere ciò che li preoccupa, per raccontare i loro sentimenti e pensieri.

Nonostante la cupa traduzione "natura morta", le tele sono spesso piene di colori vivaci, deliziano lo spettatore con la loro originalità e stranezza, risvegliano il desiderio di vivere e ammirare il mondo che li circonda, di vederne la bellezza.

Esistono molti tipi e sottospecie di natura morta, ad esempio tematica della trama, creativa, educativa e creativa, educativa. Sono inoltre suddivisi in base ai colori utilizzati, illuminazione, colore, durata dello spettacolo, luogo, ecc.

I fondatori della natura morta come genere indipendente furono artisti olandesi e fiamminghi. Inizialmente, i dipinti apparivano per uso religioso. Anche nell'era dell'origine del genere, si diffusero dipinti di natura cupa con un profondo significato filosofico e toni scuri, al centro della composizione, che erano teschi, candele e alcuni altri attributi. Poi, sviluppandosi gradualmente, il genere ha assorbito sempre più nuove direzioni e ancora e ancora si è diffuso sempre più in tutti gli ambienti della società. Fiori, libri, frutta e verdura, frutti di mare, piatti e altri articoli per la casa: tutto si riflette nell'arte. Alcuni dei pittori di nature morte più famosi furono Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Briese.

In Russia, il genere è nato all'inizio del XVIII secolo, ma nessuno se ne è occupato seriamente, era considerato un genere “inferiore”. All'inizio del XX secolo la pittura di natura morta raggiunse il suo apice; gli artisti hanno creato i loro capolavori, si sono posti nuovi compiti e hanno raggiunto vette indicibili di maestria, hanno utilizzato tecniche insolite, hanno selezionato nuove immagini. La natura morta russa, a differenza di quella occidentale, non si è sviluppata gradualmente, ma a un ritmo accelerato. Creando in questo genere, artisti russi come K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov e molti altri.

Nella pittura moderna, la natura morta sta subendo una nuova impennata e ora occupa saldamente un posto a pieno titolo tra gli altri generi di belle arti. Ora è una delle direzioni più ricercate nella pittura. Avendo grande quantità opportunità di autorealizzazione nella creatività, gli artisti dipingono un'ampia varietà di nature morte. E gli spettatori, a loro volta, acquistano dipinti, con essi decorano i loro interni, ravvivando la loro casa e portandovi conforto e gioia. I musei sono costantemente riempiti di nature morte, sempre più nuove mostre si aprono in varie città e paesi, a cui arrivano folle di spettatori interessati all'arte. Diversi secoli dopo, dopo aver percorso un lungo percorso di sviluppo a tutti gli effetti, la natura morta è ancora rilevante e non ha perso il suo significato nella pittura mondiale.

La natura morta è un genere che divenne famoso nell'arte occidentale verso la fine del XVI secolo e da allora è rimasto un genere importante. I dipinti di natura morta sono classificati in base alla raffigurazione di oggetti comuni, che possono essere naturali, come fiori, frutti, ecc., o artificiali, come occhiali, strumenti musicali, ecc. Di seguito è riportato un elenco delle 10 nature morte più famose dipinti di artisti famosi tra cui Chardin, Paul Cezanne, Van Gogh e Giorgio Morandi.

N. 10 Serie di nature morte, artista Tom Wesselman

Il movimento pop art è nato negli anni '50 e utilizza immagini riconoscibili della cultura popolare. Tra le opere più popolari della pop art c'è una serie di nature morte di Tom Wesselmann. I suoi dipinti di nature morte raffigurano elementi del mondo moderno, piuttosto che frutta e verdura della precedente generazione di artisti di questo genere. Quest'opera (Still Life #30) è una combinazione di pittura, scultura e un collage di marchi che Tom ha visto per strada.

N. 9 Vanitas con violino e sfera di vetro

Illustratore: Peter Klas

Come genere di pittura indipendente, la natura morta è nata nel XVII secolo nelle opere di artisti fiamminghi e olandesi. Fino ad allora veniva riconosciuta solo la sua funzione utilitaristica e decorativa ed era esclusa la possibilità di conferire all'immagine un significato più profondo e filosofico.

Le prime nature morte sono caratterizzate dall'allegoria, il cui principale elemento compositivo è spesso un teschio umano, un simbolo di vita fugace e mortale, inevitabilmente sostituito dalla morte. Il vetro raffigurato nella foto era l'incarnazione dei pensieri sulla fragilità della vita e la pipa da fumo ricordava il momentaneo e l'inafferrabile dei piaceri terreni. Ma anche durante questo periodo, l'attenzione degli artisti alla pittoresca "natura morta": fiori, frutti, oggetti domestici non si è indebolita.

All'inizio del XVIII secolo, in Russia sorse anche la natura morta come genere indipendente, ma "inferiore". E se inizialmente era considerata una produzione educativa, già un secolo dopo cominciò ad acquisire una maggiore pienezza semantica. Un interesse genuino e vivo per esso appare tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, quando le nature morte degli artisti russi diventano l'incarnazione di una nuova visione e comprensione del genere. Le tele create riflettono la ricerca dei pittori di opportunità precedentemente inutilizzate nel campo della trama e della composizione, della forma e del colore.

Uno dei nomi principali associati al genere della natura morta russa appartiene a I.I. Levitan, che ha più volte affrontato il tema della "natura morta". Ma se le sue opere sono ancora piuttosto tradizionali, allora le nature morte dei famosi artisti K.A. Korovin e V.A. I Serov erano già scritti sotto l'influenza di nuove visioni e diventavano un mezzo per trasmettere la visione del mondo di un individuo.

Un'illustrazione di questa affermazione è l'immagine di K.A. Korovin "At the Tea Table", in cui i confini del genere sono praticamente cancellati. L'immagine dei piatti e degli altri elementi del pasto è abilmente combinata con il paesaggio, il ritratto e gli interni. La natura morta con frutta “Ragazza con le pesche” di V.A. Serov. I frutti presenti su di esso, rimanendo essenzialmente un accessorio, sono l'elemento determinante dell'intera trama pittorica ed emotiva del quadro.

Altri importanti rappresentanti del genere in tempi diversi furono I.E Grabar, K.S. Petrov-Vodkin, P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.T. Zverev, R.R. Falk.

E nell'arte moderna, la natura morta non perde la sua rilevanza, lasciando spazio ai maestri per l'ispirazione creativa.

Una visione individuale ed estremamente personale del genere è incarnata nei dipinti di G.A. Leman: armoniosamente bello, arioso, quasi senza peso.

Insieme ai paesaggi, la natura morta nell'opera dell'artista occupa uno dei posti importanti. Nasce come risultato dell'attenta e costante osservazione della natura da parte del pittore, dell'attenta scelta di motivi e significati, dell'instancabile disponibilità a incarnare sulla tela la sfuggente bellezza del mondo che lo circonda. Ogni immagine dell'artista è piena di freschezza, fragranza, aria e luce solare, motivo per cui un sentimento leggero e gioioso si insedia nell'anima.

Nature morte con fiori

Per G.A. Le nature morte con fiori di Leman sono una direzione molto speciale e allo stesso tempo personale nella creatività. I dipinti sono stati dipinti esclusivamente nella dacia del maestro a Tarusa, nella regione di Kaluga, dove viene a riposare e lavorare da molti anni.

Ogni natura morta ha la sua piccola storia familiare. Tutti i fiori raffigurati sulle tele sono stati coltivati ​​dalle mani premurose della moglie dell'artista, Tatyana Georgievna Leman, con la quale Georgy Alexandrovich ha vissuto felicemente per più di mezzo secolo.

L'attenzione del maestro si concentra proprio sui colori che circondano una persona per tutta la sua vita e simboleggiano per lui qualcosa di significativo e personale.

Per G.A. Leman non è solo una celebrazione di colori e sfumature naturali, ma uno scrigno di ricordi e sentimenti preziosi. Colori luminosi, saturi e pastello, delicati, rigogliosi bouquet primaverili-estivi e autunnali resuscitano il ricordo di momenti felici e gentili di cui è piena la vita di ogni persona.

Georgy Leman "Bouquet autunnale" 2005.
natura morta olio su tela

Natura morta G.A. "Autumn Bouquet" di Leman è stato scritto nel 2005 durante uno dei viaggi dell'artista nella dacia di Tarusa. La vista dello spettatore apre due piani dell'immagine: un caldo sfondo arancione-marrone, su cui risaltano capolini rossi e gialli, e una fresca superficie del tavolo bianco-blu con frutti succosi e una brocca di vetro per un bouquet.

Niente distoglie l'attenzione dello spettatore dalla contemplazione di un accogliente motivo autunnale. Il bouquet è un po' trascurato e una delle mele viene colta insieme a un ramoscello verde, il che dà l'impressione che siano state portate nella stanza solo un momento fa. In questa leggera imprecisione c'è naturalezza e uno speciale fascino familiare che vuoi tanto ammirare.

I. Mashkov "Natura morta" (1930)

La parola "natura morta" è tradotta dal francese come "natura morta" (fr. natura morta).

A proposito di natura morta

Tutto ciò che non vive più, non respira, ciò che viene strappato, tagliato, ma continua a compiacere una persona con la sua esistenza: tutto questo è oggetto di una natura morta.

Come genere di pittura indipendente, la natura morta inizia ad esistere nel XVII secolo. nell'opera degli artisti olandesi e fiamminghi. E prima era solo un ornamento e svolgeva una funzione utilitaristica.

Le prime nature morte contenevano spesso allegorie nascoste (allegorie), che si esprimevano attraverso oggetti quotidiani dotati di significato simbolico. A volte nelle nature morte veniva raffigurato un teschio, che avrebbe dovuto ricordare la caducità della vita e l'inevitabilità della morte.

Si chiamava la natura morta allegorica Vanità (lat. vanità lett.: "vanità, vanità"). Il suo centro compositivo è tradizionalmente un teschio umano.

Bartolomeo Brain il Vecchio (I metà del XVI secolo). Vanità

“Vanità delle vanità”, diceva l’Ecclesiaste, “vanità delle vanità, tutto è vanità!”

Willem Claesz Heda. Vanità

Il teschio simboleggia la fragilità della vita umana. Una pipa da fumo è un simbolo di piaceri terreni fugaci e sfuggenti. Il vetro simboleggia la fragilità della vita. Le chiavi sono il potere della casalinga che gestisce l'inventario. Il coltello ricorda la vulnerabilità di una persona e la sua mortalità. Un foglio di carta solitamente con una frase moralizzante (spesso pessimistica). Per esempio:

Hodie mihi cras tibi: oggi per me, domani per te;

Memento mori - Memento mori;

Aeterne pungit cito volat et occidit - la gloria delle gesta eroiche svanirà allo stesso modo di un sogno;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum - tutto è distrutto dalla morte, la morte è l'ultimo confine di tutte le cose;

Nil omne: tutto è niente.

Ma più spesso, nelle nature morte, si può sentire l'ammirazione dell'artista per gli oggetti: utensili da cucina, fiori, frutta, articoli per la casa - tali dipinti sono stati acquistati dai clienti per decorare gli interni delle loro case.

Dalla metà del XVII secolo. la natura morta nella pittura olandese si è già diffusa come genere indipendente. E una delle primissime fu la natura morta floreale, soprattutto nelle opere di Ambrosius Bosschaert il Vecchio e Balthasar van der Ast, per poi continuare il suo sviluppo nelle lussuose nature morte di Jan Davidsz de Heem nella seconda metà del XVII secolo. . La natura morta floreale è popolare anche tra gli artisti del nostro tempo.

Il tema delle nature morte è ampio: si tratta delle già citate nature morte di fiori, immagini di colazioni, tavole imbandite, nature morte di scienziati, che raffiguravano libri e altri oggetti dell'attività umana, strumenti musicali, ecc.

Consideriamo alcune delle nature morte più famose.

Willem Claesz Heda (1594-1682) "Natura morta con prosciutto e argenteria" (1649)

Willem Claesz Heda "Natura morta con prosciutto e argenteria" (1649)

In questa immagine è evidente l'abilità virtuosa dell'artista nel trasferimento di oggetti domestici ordinari e quotidiani. Kheda li raffigura in modo tale che è ovvio che lui stesso li ammira: si crea una sensazione di tangibilità di ciascuno degli oggetti.

Su un tavolino, coperto da una tovaglia ricca e pesante, vediamo un limone e ammiriamo la sua morbidezza ambrata, sentiamo l'odore del prosciutto fresco e sentiamo il suono dell'argento scintillante. La colazione è finita, quindi le stoviglie sulla tavola sono in naturale disordine.

Gli utensili d'argento significano ricchezza terrena, prosciutto - gioie sensuali, limone - bellezza esteriore, all'interno della quale è nascosta l'amarezza. L'immagine conclude una riflessione sulla necessità di prendersi cura non solo del corpo, ma anche dell'anima.

La natura morta è disegnata in un unico tono grigio-marrone, caratteristico di tutta la pittura olandese dell'epoca. La tela non è solo bella, racconta anche la "vita tranquilla" nascosta degli oggetti, vista dallo sguardo attento dell'artista.

La natura morta è nel Museo statale di belle arti. A. S. Pushkin a Mosca.

Paul Cezanne (1830-1906) Pesche e pere (1895)

Paul Cézanne "Pesche e pere" (1895)

Paul Cezanne è stato un importante artista francese della fine del XIX secolo. Avendo sperimentato l'influenza dell'impressionismo, Cézanne si oppose con il suo metodo. Si espresse contro il loro desiderio di seguire nell'arte solo la loro impressione visiva: era a favore di una trasmissione oggettiva della realtà, basata su modelli presenti in natura. Voleva vedere qualità non mutevoli, ma costanti. Cezanne disse: "Voglio restituire l'eternità alla natura". L'artista ha condotto le sue ricerche creative attraverso la sintesi di forma e colore, forma e spazio. Soprattutto questa ricerca può essere rintracciata nelle sue nature morte.

Ciascuno degli oggetti di questa natura morta è raffigurato da un punto di vista diverso. Vediamo la tavola dall'alto, la tovaglia e la frutta di lato, la tavola dal basso e la brocca da diversi punti di vista contemporaneamente. Cezanne si sforza di mostrare nel modo più completo possibile la forma e il volume caratteristici delle pesche e delle pere. La sua tecnica si basa su una legge ottica: i colori caldi (rosso, rosa, giallo, dorato) ci sembrano sporgere, mentre i colori freddi (blu, ciano, verde) recedono nelle profondità della tela.

La forma degli oggetti nelle nature morte di Cézanne non dipende dall'illuminazione casuale, ma diventa costante, inerente a ciascun oggetto. Pertanto, le nature morte di Cézanne sembrano monumentali.

Il dipinto si trova nel Museo statale di belle arti. A. S. Pushkin a Mosca.

Henri Matisse (1869-1954) Tovaglia blu (1909)

Henri Matisse "La tovaglia blu" (1909)

Il famoso artista francese Henri Matisse nell'arte straniera del XX secolo. occupa una delle posizioni di comando. Ma questo posto è speciale.

All'inizio del 20 ° secolo. Matisse divenne il capo del primo nuovo gruppo nella pittura europea, che fu chiamato Fauvismo(dal francese "selvaggio"). Una caratteristica di questa tendenza era la libertà di utilizzare qualsiasi colore scelto arbitrariamente dall'artista, il desiderio di vivacità decorativa. Questa era una sfida alle norme stabilite dell'arte ufficiale.

Ma dopo un po 'questo gruppo si sciolse e Matisse non apparteneva più a nessuna direzione, ma scelse la propria strada. Con la sua arte chiara e allegra, Matisse ha cercato di dare pace alle anime tormentate delle persone nell'atmosfera emotiva del XX secolo.

Nella natura morta Tovaglia blu, Matisse utilizza la sua tecnica compositiva preferita: il tessuto che scende dall'alto. La materia in primo piano, per così dire, chiude lo spazio della tela, rendendolo superficiale. Lo spettatore ammira il gioco stravagante dell'ornamento blu sullo sfondo turchese della tovaglia, le linee degli oggetti della natura morta. L'artista ha generalizzato le forme di una caffettiera dorata, una caraffa verde e mele rossastre in un vaso, hanno perso il loro volume e piccoli oggetti hanno obbedito al ritmo del tessuto, completando l'accento colorato dell'immagine.

La natura morta nella pittura russa

La natura morta come genere di pittura indipendente apparve in Russia all'inizio del XVIII secolo, ma inizialmente era considerata un genere “inferiore”. Molto spesso veniva utilizzato come ambiente educativo ed era consentito solo in senso limitato come dipinto di fiori e frutti.

Ma all'inizio del XX secolo. la natura morta nella pittura russa fiorì e per la prima volta divenne un genere uguale. Gli artisti cercavano nuove opportunità nel campo del colore, della forma, della composizione della natura morta. Tra i naturmoristi russi si può chiamare I.F. Krutsky, I.E. Grabar, P.P. Konchalovsky, I. Levitan, A. Osmerkin, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, V. Nesterenko e altri.

La natura morta più famosa di P. Konchalovsky è il suo Lilla.

P. Konchalovsky "Lilla" (1939)

P. Konchalovsky "Lilla" (1939)

P. Konchalovsky nella pittura era un seguace di Cezanne, cercava di esprimere la festività del colore, caratteristica dell'arte popolare russa, con l'aiuto del colore costruttivo di Paul Cezanne. L'artista divenne famoso proprio grazie alle sue nature morte, spesso eseguite in uno stile vicino al cubismo e al fauvismo.

La sua natura morta "Lilla" è piena di questo colore festoso, piacevole alla vista e all'immaginazione. Sembra che il profumo primaverile del lillà provenga dalla tela.

I grappoli di lillà sono raffigurati in modo generalizzato, ma la memoria interiore ci racconta i contorni di ogni fiore del grappolo, e quindi il dipinto di Konchalovsky sembra realistico.

I. Mashkov, contemporaneo di Konchalovsky, non è stato meno generoso nel rappresentare la materialità del mondo, la vivacità della tavolozza.

I. Mashkov "Bacche sullo sfondo di un vassoio rosso" (1910)

C'è anche un tripudio di colori in questa natura morta, la capacità di godersi ogni attimo che la vita regala, perché ogni attimo è bello.

Tutti i soggetti della natura morta ci sono familiari, ma si sente che l'artista ammira la generosità della natura, la ricchezza del mondo circostante e ci invita a condividere con lui questa gioia.

V. Nesterenko "Padre della Patria" (1997)

V. Nesterenko "Padre della Patria" (1997)

Questa è una natura morta dell'artista contemporaneo V. Nesterenko. Il tema del dipinto è espresso nel titolo e il contenuto si rivela nell'immagine di oggetti di natura morta - simboli del potere imperiale di Pietro I. Il ritratto dell'imperatore si trova sullo sfondo di una scena di battaglia, di cui ce ne furono molte nella sua vita. Non ha senso raccontare di nuovo tutte quelle gesta per le quali Pietro I è chiamato il padre della Patria. Puoi sentire opinioni diverse sulle attività del primo imperatore russo, ma in questo caso l'artista esprime la sua opinione, e questa opinione è espressa da lui in modo molto convincente.

La natura morta è al Cremlino, nella sala dei ricevimenti del Presidente della Federazione Russa.