N Ostrovsky rivela socialmente tipico. Percorso creativo e di vita di Ostrovsky Alexander Nikolaevich. Vocabolario letterario del XVIII secolo con tendenze Lomonosov-Derzhavin

1. AN Ostrovsky rivela le proprietà socio-tipiche e individuali dei personaggi di un determinato ambiente sociale, quale:

1. Manor-nobile

2. Commerciante

3. Aristocratico

4. Gente

2. In quale rivista all'inizio della sua attività (fino al 1856) collaborò AN Ostrovsky:

1. "Moskvityanin"

2. "Note domestiche"

3. "Contemporaneo"

4. "Biblioteca per la lettura"

3. AN Ostrovsky considerava il realismo e la nazionalità nella letteratura il più alto criterio di abilità artistica. Cosa intendi con il termine "persone"?

1. Una proprietà speciale delle opere letterarie in cui l'autore riproduce nel suo mondo artistico ideali nazionali, carattere nazionale, vita delle persone

2. Opere letterarie che raccontano la vita delle persone

3. La manifestazione nell'opera della tradizione letteraria nazionale, su cui l'autore fa affidamento nelle sue opere.

4. Scegli la formulazione esatta che caratterizza il ruolo del paesaggio nella commedia "Temporale":

1. Il paesaggio crea un senso di plausibilità degli eventi descritti

2. Il paesaggio è "autonomo" rispetto agli eventi descritti

3. Il paesaggio aiuta a sottolineare la natura selvaggia e l'ignoranza degli abitanti della città di Kalinov

5. A quale genere letterario può essere attribuita la commedia "Temporale" (come determinato dall'autore):

1. Commedia

2. Dramma

3. Tragedia

4. Commedia lirica

5. Tragicommedia

6. Qual è il conflitto principale nella commedia "Temporale":

1. Questo è un conflitto tra generazioni (Tikhon e Marfa Ignatievna)

2. Si tratta di un conflitto intrafamiliare tra una suocera dispotica e una nuora recalcitrante.

3. Questo è uno scontro tra i tiranni della vita e le loro vittime

4. Questo è un conflitto tra Tikhon e Katerina

7. La commedia "Temporale" inizia con un'esposizione lunga e un po' prolungata per:

1. Incuriosire il lettore

2. Presenta gli eroi direttamente coinvolti nell'intrigo

3.Creare un'immagine del mondo in cui vivono i personaggi

4. Rallentare il tempo della fase

8. L'azione dell'opera teatrale “Il temporale si svolge nella città di Kalinov. Tutti gli eroi appartengono (per nascita e educazione) al mondo di Kalinov? Assegna un nome a un personaggio che non è uno di loro:

1. Kuligin

2. Shakin

3. Selvaggio

4. Boris

5. Barbara

9. Quali personaggi sono (in termini di conflitto) centrali nell'opera:

1. Boris e Katerina

2. Katerina e Tikhon

3. Selvaggio e Cinghiale

4. Marfa Ignatievna Kabanova e Katerina

5. Boris e Tikhon

10. N.A. Dobrolyubov nell'articolo "Un raggio di luce nel regno oscuro" ha definito Boris "un Tikhon istruito" perché:

1. Boris e Tikhon appartengono allo stesso patrimonio

2. Boris differisce solo esternamente da Tikhon

3. Boris è molto diverso da Tikhon

11. Ostrovsky ha utilizzato molti degli espedienti letterari introdotti nel dramma dai suoi predecessori. Si può sostenere che lo scrittore abbia combinato realismo e:

1. Romanticismo

2.Classicismo

12. La commedia "Temporale" mostra la vita della classe mercantile patriarcale, selvaggia, limitata, ignorante. C'è una persona a Kalinov in grado di resistere alle leggi di questa vita? Nominalo:

1. Kuligin

2. Ricci

3. Barbara

4. Boris

5. Katerina

1. Fekusha

2. Kuligin

3. Ricci

4. Boris

5. Katerina

14. Perché gli eventi della commedia "Temporale" si svolgono in una città immaginaria?

15. Savel Prokofievich Dikoi non partecipa al conflitto principale dell'opera teatrale "Temporale". Perché Ostrovsky ha introdotto questo personaggio?

1. Per opporsi a Marfa Ignatievna Kabanova

2. Creare un'immagine olistica del "regno oscuro"

3. Per dare vita allo spettacolo

4. Sottolineare l'abilità e la portata dei mercanti russi

16. Quale critico letterario ha caratterizzato in modo più completo (articolo "Dark Kingdom") la "tirannia" come un fenomeno sociale?

1.NGChernyshevsky

2.D.I Pisarev

3. AI Herzen

4. AI Goncharov

5. N.A. Dobrolyubov

17. SP Dikoy una volta ha ammesso a M.I. Kabanova che "mi sono inchinato ai piedi di un contadino ... qui nel cortile, nel fango, mi sono inchinato a lui, mi sono inchinato a lui davanti a tutti". Cosa ha spinto Diky a chiedere perdono al contadino?

1. Wild si sentiva sbagliato

2. L'uomo ha spostato il selvaggio

3. Rimorso di coscienza - invano ha offeso una persona

4. Paura della punizione di Dio

18. Quale scena della commedia "Temporale" fornisce la chiave per comprendere l'intera opera (secondo Dobrolyubov)?

1. La scena di un appuntamento tra Katerina e Boris in giardino

2.Scena con la chiave (Katerina e Barbara)

3. Scena in cui Tikhon piange la morte di Katerina

4. La scena della confessione di Katerina di un peccato commesso

5. La scena dell'addio di Katerina a Tikhon prima della sua partenza

19. Qual è il significato dell'immagine di Feklusha nella commedia "Temporale"?

1. Parodia di "errare"

2. Approfondire le caratteristiche del "regno oscuro"

3. Feklusha come antipodo di MI Kabanova

4. Feklusha - una persona che protesta contro la tirannia

20. N.A. Dobrolyubov nell'articolo "A Ray of Light in the Dark Kingdom" e DI Pisarev nell'articolo "Motives of Russian Drama" hanno valutato l'atto di Katerina in modo molto contraddittorio. Era chiamato:

1. Differenze di opinioni: Pisarev era un liberale, Dobrolyubov era un democratico

2. Cambiamento della situazione in Russia: l'articolo di Pisarev è stato scritto nel 1864, dopo il rallentamento della situazione rivoluzionaria

3. L'incomprensione di Pisarev dell'idea dell'opera

21. A quale classe appartenevano i genitori di Katerina Kabanova?

1. Nobili

2. Filistei

3. Contadini

4. Commercianti

5. Raznochintsy

22. Katerina confessa pubblicamente il suo "peccato" a Tikhon. Cosa l'ha spinta a farlo?

1. Sensazione di vergogna

2. Paura della suocera

3. Desiderio di espiare la colpa davanti a Dio e rimorsi di coscienza mediante il riconoscimento

4. Desiderio di partire con Boris

23. N.A. Dobrolyubov ha definito uno degli eroi della commedia "Temporale" "un raggio di luce nel regno oscuro". Questo:

1. Kuligin

2. Marfa Ignat'evna

3. Katerina

4. Tikhon

5. Boris

24. Il culmine della commedia "Thunderstorm" può essere considerato l'episodio:

1. Separazione di Katerina e Tikhon

2. Riconoscimento di Katerina davanti agli abitanti della città di Kalinov nell'infedeltà a suo marito

3. Incontro con Boris

4. Addio a Boris

5. Episodio con la chiave

Risposte

1 - 2 13. – 2

2. – 1 14. – 3

3. – 1 15. – 2

4. – 3 16. – 5

5. – 2 17. – 4

6. – 3 18. – 3

7. – 3 19. – 2

8. – 4 20. – 2

9. – 4 21. – 4

10. –2 22. – 3

11. –2 23. – 3

12. – 5 24. – 2

Riferimenti

1. Aliyeva L.Yu. Test. Domande di controllo. Preparazione agli esami. Seconda metà del XIX secolo. Grado 10. Mosca: Scuola di editoria, 1998

2. Test. Letteratura. 9-11 gradi. Mosca: Otarda, 1997

Compito 1 A.N. Ostrovsky rivela le proprietà socio-tipiche e individuali dei personaggi di un certo ambiente sociale, quale:

• 1. Proprietario terriero-nobile

• 2. Commerciante

• 3. Aristocratico

• 4. Gente

Attività 2 In quale rivista A.N. Ostrovsky

• 1. "Moskvityanin"

• 2. "Note domestiche"

• 3. "Contemporaneo"

• 4. "Biblioteca per la lettura"

Compito 3 Il più alto criterio di abilità artistica A.N. Ostrovsky credeva nel realismo e nella nazionalità nella letteratura. Cosa intendi con il termine "persone"?

• 1. Una proprietà speciale delle opere letterarie in cui l'autore riproduce nel suo mondo artistico ideali nazionali, carattere nazionale, vita delle persone

• 2. Opere letterarie che raccontano la vita delle persone

• 3. La manifestazione nell'opera della tradizione nazionale, su cui l'autore fa affidamento nelle sue opere

Attività 4. L'articolo "Dark Kingdom" è stato scritto da:

• 1. N.G. Chernyshevsky

• 2. V.G. Belinsky

• I.A. Goncharov

• 4. N.A. Dobrolyubov

Compito 5 Creatività A. N. Ostrovsky può essere suddiviso in tre periodi. Trova la corrispondenza tra i titoli delle opere e i principali conflitti che li sottendono

• 1 ° periodo: creazione di immagini nettamente negative, giochi accusatori nello spirito della tradizione Gogol

• 2 periodo: opere teatrali che riflettono la vita della Russia post-riforma - su nobili in rovina e uomini d'affari di un nuovo tipo

• 3 ° periodo: commedie sul tragico destino di una donna nelle condizioni di capitalizzazione della Russia, su raznochintsy, attori

• "Soldi pazzi"

• "Proprie persone - andiamo d'accordo"

• "Dote"

Compito 6 I brillanti rappresentanti del "regno oscuro" nella commedia "Temporale" sono (trova quello strano)

• 1. Tikhon

• 2. selvaggio

• 3. Cinghiale

• 4. Kuligin

Compito 7 Quale degli eroi della commedia dimostra chiaramente il crollo del "regno oscuro" negli anni precedenti la riforma:

• 1. Tikhon

• 2. Barbara

• 3. Fekusha

• 4. Kabanova

Compito 8 La denuncia satirica è combinata nello spettacolo con l'approvazione di nuove forze che si alzano per lottare per i diritti umani. Su quale degli eroi della commedia ripone le sue speranze

• 1. Katerina Kabanova

• 2. Tikhon Kabanova

• 3. Barbara Kabanova

• 4. Boris

Compito 9 Chi N.A. Dobrolyubov ha definito "un raggio di luce nel regno oscuro":

• 1. Barbara

• 2. Caterina

• 3. Tikhon

• 4. Kuligina

Compito 10 Il finale dello spettacolo è tragico. Il suicidio di Katerina, secondo N.A. Dobrolyubov, è una manifestazione di:

• 1. Forza spirituale e coraggio

• 2. Debolezza spirituale e impotenza

• Esplosione emotiva istantanea

Compito 11 La caratteristica del discorso è una vivida dimostrazione del carattere dell'eroe. Trova la corrispondenza tra il discorso dei personaggi nel gioco:

• 1. “Ero così! Ho vissuto, non ho pensato a niente, come un uccello allo stato brado! ”,“ Venti violenti, gli trasferisci tristezza e desiderio ”

• 2. "Bla-alepie, caro, blah-alepie! .. Vivete tutti nella terra promessa1 E i mercanti sono tutti un popolo pio, adornato di molte virtù"

• 3. “Non ho sentito, amico mio, non ho sentito, non voglio mentire. Se solo avessi sentito, ti avrei parlato, mia cara, quindi non parlerei così ".

• Cinghiale

• Caterina

• Feklush

Compito 12 Nel discorso degli eroi della commedia c'è (trova una corrispondenza):

• 1. Vocabolario ecclesiastico, saturo di arcaismi e vernacolo

• 2. Vocabolario folk-poetico, colloquiale, emotivo

• 3. Volgare mercantile filisteo, maleducazione

• 4. Vocabolario letterario del XVIII secolo con tendenze Lomonosov-Derzhavin

• Caterina

• Kuligin

• Cinghiale

• selvaggio

Compito 13 Trova la corrispondenza delle caratteristiche date agli eroi dell'opera:

• 1. “Chi ... per favore, se tu .. Tutta la vita si basa sul giuramento? E soprattutto per i soldi; non si può fare un solo calcolo senza rimproverare ... E il guaio è che se al mattino ... qualcuno si infastidirà! Se la prende con tutti tutto il giorno.

• 2. “L'ipocrita, signore! Dà vestiti ai poveri e mangia la casa (ha mangiato (a) completamente "

• selvaggio

• Cinghiale

Compito 14 Quale delle eroine della commedia possiede le parole che caratterizzano vividamente:

• “Dico: perché le persone non volano come uccelli? Sai, a volte mi sento come se fossi un uccello. Quando ti trovi su una montagna, sei attratto dal volo. È così che sarei fuggito, alzato le mani e volato"

• barbaro

• Caterina

• Glasha

• Feklush

UN. Ostrovsky ha lavorato a stretto contatto con il teatro, sul palcoscenico del quale sono state rappresentate quasi tutte le opere del drammaturgo. Come si chiama questo teatro?

• 1. Teatro d'arte

• 2. Teatro Maly

• 3. Teatro Sovremennik

• Gran Teatro

AN Ostrovsky nacque il 31 marzo (12 aprile) 1823 a Mosca, nella famiglia di un sacerdote, un funzionario e successivamente un avvocato del tribunale commerciale di Mosca. La famiglia Ostrovsky viveva a Zamoskvorechye, un quartiere mercantile e piccolo-borghese della vecchia Mosca. Per natura, il drammaturgo era un casalingo: ha vissuto quasi tutta la sua vita a Mosca, nella parte di Yauza, partendo regolarmente, ad eccezione di diversi viaggi in Russia e all'estero, solo nella tenuta di Shchelykovo nella provincia di Kostroma. Qui morì il 2 (14) giugno 1886, nel bel mezzo del lavoro sulla traduzione dell'opera di Shakespeare Antonio e Cleopatra.

All'inizio degli anni 1840. Ostrovsky studiò alla facoltà di giurisprudenza dell'Università di Mosca, ma non completò il corso, essendo entrato nel 1843 per prestare servizio presso l'ufficio del Tribunale di coscienza di Mosca. Due anni dopo fu trasferito al tribunale commerciale di Mosca, dove prestò servizio fino al 1851. La pratica legale ha fornito al futuro scrittore materiale ampio e vario. In quasi tutte le sue prime commedie sulla modernità, vengono sviluppate o delineate trame criminali. Ostrovsky ha scritto la sua prima storia all'età di 20 anni e la sua prima commedia all'età di 24 anni. Dopo il 1851 la sua vita fu legata alla letteratura e al teatro. I suoi eventi principali sono stati contenziosi con censura, elogi e rimproveri di critici, anteprime, controversie tra attori sui ruoli nelle commedie.

Per quasi 40 anni di attività creativa, Ostrovsky ha creato il repertorio più ricco: circa 50 opere originali, diversi brani scritti in collaborazione. È stato anche impegnato in traduzioni e adattamenti di opere teatrali di altri autori. Tutto ciò costituisce il "Teatro Ostrovsky": è così che I.A. Goncharov ha definito la scala del teatro creato dal drammaturgo.

Ostrovsky amava appassionatamente il teatro, considerandolo la forma d'arte più democratica ed efficace. Tra i classici della letteratura russa, fu il primo e rimase l'unico scrittore che si dedicò interamente alla drammaturgia. Tutte le opere da lui create non erano "opere da leggere", erano scritte per il teatro. La rappresentazione teatrale per Ostrovsky è una legge immutabile della drammaturgia, quindi le sue opere appartengono ugualmente a due mondi: il mondo della letteratura e il mondo del teatro.

Le opere di Ostrovsky furono pubblicate su riviste quasi contemporaneamente alle loro rappresentazioni teatrali e furono percepite come fenomeni luminosi della vita sia letteraria che teatrale. Negli anni '60 dell'Ottocento suscitarono lo stesso vivace interesse pubblico dei romanzi di Turgenev, Goncharov e Dostoevskij. Ostrovsky ha reso la drammaturgia "vera" letteratura. Prima di lui, nel repertorio dei teatri russi c'erano solo poche commedie che, per così dire, scendevano sul palco dalle vette della letteratura e rimanevano sole ("Woe from Wit" di A.S. Griboedov, "The Inspector General" e "Matrimonio" di N.V. Gogol). Il repertorio teatrale era pieno di traduzioni o opere che non differivano per notevoli meriti letterari.

Negli anni 1850-1860. i sogni degli scrittori russi che il teatro diventasse una potente forza educativa, un mezzo per plasmare l'opinione pubblica, trovarono terreno reale. Il teatro ha un pubblico più vasto. La cerchia delle persone alfabetizzate si è ampliata, sia i lettori che coloro per i quali la lettura seria era ancora inaccessibile, ma il teatro è accessibile e comprensibile. Si stava formando un nuovo strato sociale: l'intellighenzia Raznochinskaya, che mostrava un crescente interesse per il teatro. Il nuovo pubblico, democratico e variegato rispetto al pubblico della prima metà dell'Ottocento, ha dato un "ordine sociale" alla drammaturgia sociale della vita russa.

L'unicità della posizione di Ostrovsky come drammaturgo è che, creando opere teatrali basate su nuovo materiale, non solo ha soddisfatto le aspettative di un nuovo pubblico, ma ha anche combattuto per la democratizzazione del teatro: dopotutto, il teatro è il più imponente di occhiali - negli anni '60 dell'Ottocento. rimase ancora elitario, non esisteva ancora un teatro pubblico a buon mercato. Il repertorio dei teatri di Mosca e San Pietroburgo dipendeva dai funzionari della Direzione dei teatri imperiali. Ostrovsky, riformando la drammaturgia russa, ha riformato anche il teatro. Il pubblico delle sue commedie, voleva vedere non solo l'intellighenzia e i mercanti illuminati, ma anche "proprietari di stabilimenti artigianali" e "artigiani". Il frutto dell'ingegno di Ostrovsky è stato il Teatro Maly di Mosca, che incarnava il suo sogno di un nuovo teatro per un pubblico democratico.

Ci sono quattro periodi nello sviluppo creativo di Ostrovsky:

1) Primo periodo (1847-1851)- il tempo dei primi esperimenti letterari. Ostrovsky iniziò abbastanza nello spirito del tempo, con la prosa narrativa. Nei saggi sulla vita e sui costumi di Zamoskvorechie, il debuttante si è affidato alle tradizioni di Gogol e all'esperienza creativa della "scuola naturale" degli anni Quaranta dell'Ottocento. In questi anni furono create le prime opere drammatiche, tra cui la commedia "Bankrut" ("La nostra gente - ci sistemeremo!"), Che divenne l'opera principale del primo periodo.

2) Secondo periodo (1852-1855) chiamato "Moskvityaninsky", poiché in questi anni Ostrovsky si avvicinò ai giovani dipendenti della rivista "Moskvityanin": A.A. Grigoriev, T.I. Filippov, B.N. Almazov e EN Edelson. Il drammaturgo ha sostenuto il programma ideologico dei "giovani redattori", che ha cercato di fare della rivista un organo di una nuova tendenza nel pensiero sociale - "pochvennichestvo". Durante questo periodo furono scritte solo tre commedie: "Non sederti sulla tua slitta", "La povertà non è un vizio" e "Non vivere come vuoi".

3) Terzo periodo (1856-1860) segnato dal rifiuto di Ostrovsky di cercare inizi positivi nella vita della classe mercantile patriarcale (questo era tipico delle opere teatrali scritte nella prima metà degli anni Cinquanta dell'Ottocento). Il drammaturgo, che ha percepito con sensibilità i cambiamenti nella vita sociale e ideologica della Russia, si è avvicinato ai leader della democrazia raznochinskaya, lo staff della rivista Sovremennik. Il risultato creativo di questo periodo furono le commedie "Una sbornia nella festa di qualcun altro", "Luogo redditizio" e "Temporale", "il più decisivo", secondo N.A. Dobrolyubov, opera di Ostrovsky.

4) Quarto periodo (1861-1886)- il periodo più lungo dell'attività creativa di Ostrovsky. La gamma di generi si espanse, la poetica delle sue opere divenne più diversificata. Per vent'anni sono state create opere teatrali che possono essere suddivise in diversi gruppi tematici di genere: 1) commedie della vita mercantile ("Non tutto è Shrovetide per un gatto", "La verità è buona, ma la felicità è migliore", "Il cuore non è una pietra"), 2) commedie satiriche ("C'è abbastanza semplicità in ogni saggio", "Hot Heart", "Mad Money", "Wolves and Sheep", "Forest"), 3) suona, che Ostrovsky stesso chiamava “immagini della vita di Mosca” e “scene della vita dell'entroterra”: sono accomunate dal tema della “piccola gente” (“Un vecchio amico è meglio di due nuovi”, “Hard Days”, “Jokers " e una trilogia su Balzaminov), 4) cronache storiche ("Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk", "Tushino" ecc.) e, infine, 5) drammi psicologici ("Dowry", "The Last Victim", ecc. ). L'opera fiabesca "The Snow Maiden" si distingue.

Le origini del lavoro di Ostrovsky risalgono alla "scuola naturale" degli anni Quaranta dell'Ottocento, sebbene lo scrittore moscovita non fosse collegato dal punto di vista organizzativo con la comunità creativa dei giovani realisti di San Pietroburgo. Partendo dalla prosa, Ostrovsky si rese presto conto che la sua vera vocazione era la drammaturgia. Già i primi esperimenti in prosa vengono "messi in scena", nonostante le descrizioni più dettagliate della vita e dei costumi, caratteristiche dei saggi della "scuola naturale". Ad esempio, la base del primo saggio, "The Tale of How the Quarter Warden Started to Dance, or One Step from the Great to the Ridiculous" (1843), è una scena aneddotica con una trama completamente finita.

Il testo di questo saggio è stato utilizzato nella prima opera pubblicata - "Appunti di un residente di Zamoskvoretsky" (pubblicato nel 1847 sul quotidiano "Foglio della città di Mosca"). Fu nelle Note... che Ostrovsky, chiamato dai suoi contemporanei "Colombo di Zamoskvorechye", scoprì un "paese" precedentemente sconosciuto alla letteratura, abitato da mercanti, piccoli borghesi e piccoli funzionari. “Fino ad ora si conosceva solo la posizione e il nome di questo paese”, ha osservato lo scrittore, “quanto ai suoi abitanti, cioè il loro modo di vivere, lingua, costumi, grado di istruzione, tutto questo era coperto dall'oscurità dell'oscurità”. Un'eccellente conoscenza del materiale vitale ha aiutato Ostrovsky, lo scrittore di prosa, a creare uno studio dettagliato della vita mercantile e dell'agricoltura, che ha preceduto le sue prime commedie sulla classe mercantile. Due tratti caratteristici del lavoro di Ostrovsky sono stati delineati in Appunti di un residente di Zamoskvoretsk: l'attenzione all'ambiente quotidiano, che determina la vita e la psicologia dei personaggi "cancellati dalla natura", e un carattere speciale, drammatico, della rappresentazione della vita quotidiana . Lo scrittore ha potuto vedere nelle storie della vita di tutti i giorni materiale potenziale e inutilizzato per il drammaturgo. Le prime commedie seguirono i saggi sulla vita di Zamoskvorechie.

Ostrovsky considerava il 14 febbraio 1847 il giorno più memorabile della sua vita: in questo giorno, la sera al famoso professore slavofilo S.P. Shevyrev, lesse il suo primo cortometraggio, The Family Picture. Ma il vero debutto del giovane drammaturgo è la commedia "We'll Settle Our Own People!" (titolo originale - "Bankrut"), su cui lavorò dal 1846 al 1849. La censura teatrale bandì immediatamente lo spettacolo, ma, come "Woe from Wit" di A.S. Griboedov, divenne subito un grande evento letterario e con successo fu letto in Case di Mosca nell'inverno del 1849/50. dall'autore stesso e dai principali attori: P.M. Sadovsky e M.S. Shchepkin. Nel 1850 la commedia fu pubblicata dalla rivista Moskvityanin, ma solo nel 1861 fu messa in scena.

L'accoglienza entusiastica della prima commedia della vita mercantile è stata causata non solo dal fatto che Ostrovsky, "Colombo di Zamoskvorechye", ha utilizzato materiale completamente nuovo, ma anche dalla straordinaria maturità della sua abilità drammatica. Avendo ereditato le tradizioni di Gogol il comico, il drammaturgo allo stesso tempo ha definito chiaramente la sua visione dei principi della rappresentazione dei personaggi e della trama e dell'incarnazione compositiva del materiale quotidiano. La tradizione di Gogol si fa sentire nella natura stessa del conflitto: la frode del mercante Bolshov è un prodotto della vita mercantile, della moralità proprietaria e della psicologia degli eroi canaglia. Bolynov si dichiara fallito, ma si tratta di un falso fallimento, frutto della sua collusione con l'impiegato Podkhalyuzin. La transazione si concluse inaspettatamente: il proprietario, che sperava di aumentare il proprio capitale, fu ingannato dall'impiegato, che si rivelò un truffatore ancora più grande. Di conseguenza, Podkhalyuzin ricevette sia la mano della figlia del mercante Lipochka che la capitale. L'inizio gogoliano è palpabile nell'omogeneità del mondo comico dell'opera: non ci sono personaggi positivi in ​​​​essa, come nelle commedie di Gogol, l'unico "eroe" del genere può essere chiamato risata.

La principale differenza tra la commedia di Ostrovsky e le commedie del suo grande predecessore sta nel ruolo dell'intrigo comico e nell'atteggiamento dei personaggi nei suoi confronti. Ci sono personaggi e intere scene in "Inside Your Own People" che non solo non servono per lo sviluppo della trama, ma, al contrario, la rallentano. Tuttavia, queste scene non sono meno importanti per comprendere il lavoro dell'intrigo basato sull'immaginario fallimento di Bolshov. Sono necessari per descrivere più a fondo la vita e le usanze dei mercanti, le condizioni in cui si svolge l'azione principale. Per la prima volta, Ostrovsky utilizza una tecnica che viene ripetuta in quasi tutte le sue opere, tra cui The Thunderstorm, The Forest e The Dowry, un'esposizione al rallentatore ampliata. Alcuni personaggi non vengono affatto introdotti per complicare il conflitto. Queste "persone ambientate" (nella commedia "Our People - Let's Settle!" - il sensale di matrimoni e Tishka) sono interessanti di per sé, in quanto rappresentanti dell'ambiente domestico, dei costumi e dei costumi. La loro funzione artistica è simile alla funzione dei dettagli domestici nelle opere narrative: completano l'immagine del mondo del mercante con tocchi piccoli, ma luminosi e colorati.

Il quotidiano, il familiare, interessa Ostrovsky il drammaturgo non meno di qualcosa fuori dall'ordinario, ad esempio la truffa di Bolshov e Podkhalyuzin. Trova un modo efficace di rappresentare drammaturgicamente la quotidianità, sfruttando al meglio le possibilità della parola che risuona dalla scena. Le conversazioni di madre e figlia su abiti e corteggiatori, il litigio tra loro, il brontolio della vecchia tata trasmettono perfettamente la solita atmosfera di una famiglia di mercanti, la gamma di interessi e sogni di queste persone. Il discorso orale dei personaggi è diventato un accurato "specchio" della vita e dei costumi.

Sono le conversazioni dei personaggi su argomenti quotidiani, come se "spente" dall'azione della trama, che svolgono un ruolo eccezionale in tutte le opere di Ostrovsky: interrompendo la trama, ritirandosi da essa, immergono il lettore e lo spettatore nel mondo di relazioni umane ordinarie, dove il bisogno di comunicazione verbale non è meno importante del bisogno di cibo, cibo e vestiti. Sia nella prima commedia che nelle commedie successive, Ostrovsky rallenta spesso consapevolmente lo sviluppo degli eventi, ritenendo necessario mostrare a cosa pensano i personaggi, in quale forma verbale sono rivestite le loro riflessioni. Per la prima volta nella drammaturgia russa, i dialoghi dei personaggi sono diventati un importante mezzo di descrizione morale.

Alcuni critici consideravano l'uso estensivo di dettagli quotidiani una violazione delle leggi della scena. La giustificazione, secondo loro, poteva essere solo che il drammaturgo alle prime armi era lo scopritore della vita mercantile. Ma questa "violazione" divenne la legge della drammaturgia di Ostrovsky: già nella prima commedia univa la nitidezza dell'intrigo a numerosi dettagli quotidiani e non solo non abbandonò in seguito questo principio, ma lo sviluppò anche, ottenendo il massimo impatto estetico di entrambi componenti dell'opera: una trama dinamica e scene statiche "colloquiali".

"La propria gente - sistemiamoci!" - commedia accusatoria, satira sulle buone maniere. Tuttavia, nei primi anni 1850 il drammaturgo è giunto all'idea della necessità di abbandonare la critica dei mercanti, dalla "direzione accusatoria". A suo avviso, la visione della vita espressa nella prima commedia era "giovane e troppo dura". Ora sostiene un approccio diverso: un russo dovrebbe rallegrarsi di vedersi sul palco e non desiderare. "I riformatori saranno trovati anche senza di noi", ha sottolineato Ostrovsky in una delle sue lettere. - Per avere il diritto di correggere le persone senza offenderle, è necessario mostrare loro che conosci il bene che c'è dietro di loro; questo è quello che sto facendo ora, combinando lo sballo con il comico. "Alti", a suo avviso, sono gli ideali, le verità del popolo, ottenuti dal popolo russo durante molti secoli di sviluppo spirituale.

Il nuovo concetto di creatività ha avvicinato Ostrovsky ai giovani dipendenti della rivista Moskvityanin (pubblicata dal famoso storico M.P. Pogodin). Nelle opere dello scrittore e critico AA Grigoriev si formò il concetto di "pochvennichestvo", un'influente tendenza ideologica degli anni 1850-1860. La base di "pochvennichestvo" è l'attenzione alle tradizioni spirituali del popolo russo, alle forme tradizionali di vita e cultura. Di particolare interesse per la "giovane edizione" di "Moskvityanin" era la classe mercantile: dopotutto, questa classe è sempre stata finanziariamente indipendente, non ha subito l'influenza perniciosa della servitù, che i "pochvenniki" consideravano la tragedia del popolo russo . Era nell'ambiente mercantile, secondo l'opinione dei "moscoviti", che si dovevano cercare autentici ideali morali sviluppati dal popolo russo, non distorti dalla schiavitù, come i servi, e dalla separazione dal "suolo" del popolo, come il nobiltà. Nella prima metà del 1850. Ostrovsky è stato fortemente influenzato da queste idee. Nuovi amici, in particolare A.A. Grigoriev, lo spinsero a esprimere nelle sue commedie sulla classe mercantile "la visione russa fondamentale".

Nelle commedie del periodo creativo "moscovita" - "Non sederti sulla tua slitta", "La povertà non è un vizio" e "Non vivere come vuoi" - l'atteggiamento critico di Ostrovsky nei confronti dei mercanti non è scomparso, ma è stato molto ammorbidito. È emersa una nuova tendenza ideologica: il drammaturgo ha ritratto i costumi dei mercanti moderni come un fenomeno storicamente mutevole, cercando di scoprire cosa è stato preservato in questo ambiente dalla più ricca esperienza spirituale accumulata dal popolo russo nel corso dei secoli, e cosa è stato deformato o scomparso .

Uno dei picchi del lavoro di Ostrovsky è la commedia "La povertà non è un vizio", la cui trama è basata su un conflitto familiare. Gordey Tortsov, un prepotente mercante tiranno, il predecessore di Diky di Groza, sogna di sposare sua figlia Lyuba con Afrikan Korshunov, un mercante di una nuova formazione "europea". Ma il suo cuore appartiene a un altro: il povero impiegato Mitya. Il fratello di Gordey, Lyubim Tortsov, aiuta a sconvolgere il matrimonio con Korshunov, e il padre ipocrita, in un impeto di rabbia, minaccia di dare in sposa la figlia ribelle alla prima persona che incontra. Per una felice coincidenza, si è rivelato essere Mitya. Una trama comica di successo per Ostrovsky è solo un "guscio" movimentato che aiuta a comprendere il vero significato di ciò che sta accadendo: lo scontro della cultura popolare con la "semicultura" che si è sviluppata tra i mercanti sotto l'influenza della moda "per Europa". Korshunov, il difensore del principio patriarcale del "suolo", Lyubim Tortsov, il personaggio centrale dell'opera, è il portavoce della falsa cultura del mercante nell'opera.

Lyubim Tortsov, un ubriacone che difende i valori morali, attira lo spettatore con la sua buffoneria e follia. L'intero corso degli eventi della commedia dipende da lui, aiuta tutti, anche contribuendo alla "guarigione" morale del fratello tiranno. Ostrovsky gli ha mostrato il "più russo" di tutti gli attori. Non ha pretese di istruzione, come Gordey, pensa solo in modo sensato e agisce secondo la sua coscienza. Dal punto di vista dell'autore, questo è abbastanza per distinguersi dall'ambiente mercantile, per diventare "la nostra persona sul palco".

Lo stesso scrittore credeva che un nobile impulso fosse in grado di rivelare qualità morali semplici e chiare in ogni persona: coscienza e gentilezza. Contrapponeva la moralità "patriarcale" russa all'immoralità e alla crudeltà della società moderna, quindi il mondo delle commedie del periodo "moscovita", nonostante l'accuratezza della "strumentazione" quotidiana abituale per Ostrovsky, è in gran parte condizionato e persino utopico. Il risultato principale del drammaturgo è stata la sua versione di un personaggio popolare positivo. L'immagine dell'araldo ubriaco della verità, Lyubim Tortsov, non è stata affatto creata secondo stampini che fanno rabbrividire i denti. Questa non è un'illustrazione per gli articoli di Grigoriev, ma un'immagine artistica purosangue, non per niente il ruolo di Lyubim Tortsov ha attratto attori di molte generazioni.

Nella seconda metà del 1850. Ostrovsky fa ripetutamente riferimento al tema della classe mercantile, ma il suo atteggiamento nei confronti di questa classe è cambiato. Dalle idee "moscoviti" ha fatto un passo indietro, tornando a una critica tagliente all'inerzia dell'ambiente mercantile. Un'immagine vivida del mercante-tiranno Tit Titych ("Kita Kitych") Bruskov, il cui nome è diventato un nome familiare, è stata creata nella commedia satirica Una notte da leoni a uno strano banchetto (1856). Tuttavia, Ostrovsky non si è limitato alla "satira sui volti". Le sue generalizzazioni sono diventate più ampie: l'opera descrive uno stile di vita che resiste ferocemente a tutto ciò che è nuovo. Questo, secondo il critico N.A. Dobrolyubov, è un "regno oscuro" che vive secondo le sue leggi crudeli. Difendendo ipocritamente il patriarcato, i piccoli tiranni difendono il loro diritto all'arbitrarietà illimitata.

La gamma tematica delle opere di Ostrovsky si espanse, nel suo campo visivo apparvero rappresentanti di altri ceti e gruppi sociali. Nella commedia Profitable Place (1857), si rivolse per la prima volta a uno dei temi preferiti dei comici russi: la rappresentazione satirica della burocrazia, e nella commedia The Pupil (1858) scoprì la vita del proprietario terriero. In entrambe le opere sono facilmente visibili i parallelismi con le commedie "mercanti". Pertanto, l'eroe di "Profitable Place" Zhadov, un accusatore della venalità dei funzionari, è tipologicamente vicino al cercatore di verità Lyubim Tortsov, e i personaggi di "The Pupil" - la piccola proprietaria terriera Ulanbekova e la sua vittima, l'allieva Nadya - assomigliano ai personaggi delle prime commedie di Ostrovsky e alla tragedia Thunderstorm scritta un anno dopo. »: Kabanikh e Katerina.

Riassumendo i risultati del primo decennio del lavoro di Ostrovsky, A.A. Grigoriev, che ha discusso con l'interpretazione di Dobrolyubov di Ostrovsky come accusatore dei tiranni e del "regno oscuro", ha scritto: "Il nome di questo scrittore, per un così grande scrittore, nonostante i suoi difetti, non è un satirico, ma un poeta popolare. La parola per svelare le sue attività non è "tirannia", ma "nazionalità". Solo questa parola può essere la chiave per comprendere le sue opere. Qualsiasi altra cosa - più o meno ristretta, più o meno teorica, arbitraria - restringe il cerchio della sua creatività.

The Thunderstorm (1859), che seguì tre commedie accusatorie, divenne l'apice della drammaturgia del periodo pre-riforma di Ostrovsky. Tornando all'immagine della classe mercantile, lo scrittore ha creato la prima e unica tragedia sociale della sua opera.

Il lavoro di Ostrovsky negli anni 1860-1880 estremamente vario, sebbene nella sua visione del mondo e nelle sue visioni estetiche non ci fossero fluttuazioni così brusche come prima del 1861. La drammaturgia di Ostrovsky colpisce per l'ampiezza dei problemi shakespeariani e la perfezione classica delle forme artistiche. Si possono notare due tendenze principali che si manifestano chiaramente nelle sue opere: il rafforzamento del suono tragico delle trame comiche tradizionali per lo scrittore e la crescita del contenuto psicologico di conflitti e personaggi. Il "Teatro Ostrovsky", dichiarato drammaturgo "obsoleto", "conservatore" della "nuova ondata" negli anni 1890-1900, sviluppò in realtà esattamente quelle tendenze che divennero protagoniste nel teatro dell'inizio del XX secolo. Non è affatto un caso che, a partire da The Thunderstorm, le commedie quotidiane e moralistiche di Ostrovsky fossero ricche di simboli filosofici e psicologici. Il drammaturgo ha sentito acutamente l'insufficienza del realismo "quotidiano" del palcoscenico. Senza violare le leggi naturali del palcoscenico, mantenendo la distanza tra attori e spettatori - base delle fondamenta del teatro classico, nelle sue migliori opere si è avvicinato al suono filosofico e tragico dei romanzi creati negli anni '60-'70 dell'Ottocento. dai suoi contemporanei Dostoevskij e Tolstoj, alla saggezza e alla forza organica dell'artista, di cui Shakespeare fu per lui un modello.

Le aspirazioni innovative di Ostrovsky sono particolarmente evidenti nelle sue commedie satiriche e nei suoi drammi psicologici. Quattro commedie sulla vita della nobiltà post-riforma - Abbastanza stupidità per ogni uomo saggio, Lupi e pecore, Soldi pazzi e La foresta - sono legate da un tema comune. L'oggetto del ridicolo satirico in loro è un'incontrollabile sete di profitto, che ha colto sia i nobili, che hanno perso il loro punto d'appoggio - il lavoro forzato dei servi e il "denaro pazzo", sia le persone di nuova formazione, uomini d'affari che fanno il loro capitale sul rovine della servitù crollata.

Nelle commedie vengono create immagini vivide di "uomini d'affari", per i quali "i soldi non hanno odore" e la ricchezza diventa l'unico obiettivo della vita. Nella commedia Enough Simplicity for Every Wise Man (1868), una persona del genere era il nobile impoverito Glumov, che tradizionalmente sogna di ricevere un'eredità, una sposa ricca e una carriera. Il suo cinismo e il suo senso degli affari non contraddicono il modo di vivere della vecchia nobile burocrazia: lui stesso è un brutto prodotto di questo ambiente. Glumov è intelligente rispetto a quelli davanti ai quali è costretto a piegarsi - Mamaev e Krutitsky, non è contrario a deridere la loro stupidità e arroganza, sa vedersi dall'esterno. "Sono intelligente, arrabbiato, invidioso", confessa Glumov. Non cerca la verità, ma semplicemente trae profitto dalla stupidità di qualcun altro. Ostrovsky mostra un nuovo fenomeno sociale caratteristico della Russia post-riforma: non la "moderazione e accuratezza" dei Molchalin portano a "denaro pazzo", ma la mente caustica e il talento dei Chatsky.

Nella commedia "Mad Money" (1870), Ostrovsky ha continuato il suo "Moscow Chronicle". Egor Glumov vi riappare con i suoi epigrammi “per tutta Mosca”, oltre a un caleidoscopio di tipi moscoviti satirici: tizi laici che hanno vissuto diverse fortune, signore pronte a farsi mantenere da “milionari”, amanti dell'alcool gratis , fannulloni e voluttuari. Il drammaturgo ha creato un ritratto satirico di uno stile di vita in cui l'onore e l'integrità sono sostituiti da un desiderio sfrenato di denaro. Il denaro determina tutto: le azioni e il comportamento dei personaggi, i loro ideali e la psicologia. Il personaggio centrale dell'opera è Lydia Cheboksarova, che vende sia la sua bellezza che il suo amore. Non le importa chi essere: una moglie o una donna mantenuta. L'importante è scegliere un sacco di soldi più spesso: dopotutto, secondo lei, "non puoi vivere senza oro". L'amore venale di Lydia in Crazy Money è lo stesso mezzo per fare soldi della mente di Glumov nella commedia Enough Simplicity for Every Wise Man. Ma la cinica eroina, che sceglie una vittima più ricca, si trova nella posizione più stupida: sposa Vasilkov, sedotta dai pettegolezzi sulle sue miniere d'oro, viene ingannata con Telyatev, la cui fortuna è solo un mito, non disdegna le carezze di " papà" Kuchumov, facendogli perdere i soldi. L'unico antipodo dei cacciatori di "soldi pazzi" nella commedia è il "nobile" uomo d'affari Vasilkov, che parla di soldi "intelligenti" ottenuti con un lavoro onesto, risparmiati e spesi con saggezza. Questo eroe è un nuovo tipo di borghese "onesto" indovinato da Ostrovsky.

La commedia "Foresta" (1871) è dedicata al popolare nella letteratura russa degli anni '70 dell'Ottocento. il tema dell'estinzione dei “nidi nobili”, in cui vivevano gli “ultimi Mohicani” dell'antica nobiltà russa.

L'immagine della "foresta" è una delle immagini simboliche più capienti di Ostrovsky. La foresta non è solo lo sfondo su cui si svolgono gli eventi nella tenuta, situata a cinque miglia dal capoluogo. Questo è l'oggetto di un accordo tra l'anziana signora Gurmyzhskaya e il mercante Vosmibratov, che acquista le loro terre ancestrali dai nobili impoveriti. La foresta è un simbolo di stagni spirituali: il risveglio delle capitali non raggiunge quasi mai la tenuta forestale di Penki, qui regna ancora il “silenzio secolare”. Il significato psicologico del simbolo si rivela se mettiamo in relazione la "foresta" con la "selvaggia" dei sentimenti grossolani e degli atti immorali degli abitanti della "nobile foresta", attraverso la quale nobiltà, cavalleria e umanità non possono sfondare. “... - E davvero, fratello Arkady, come siamo entrati in questa foresta, in questa fitta foresta umida? - dice il tragico Neschastlivtsev alla fine della commedia, - Perché noi, fratello, abbiamo spaventato gufi e gufi? Cosa c'è per fermarli! Lasciali vivere come vogliono! Tutto è in ordine qui, fratello, come dovrebbe essere nella foresta. Le donne anziane sposano studenti delle scuole superiori, le ragazze si annegano per l'amara vita dei loro parenti: foresta, fratello ”(D. 5, yavl. IX).

La foresta è una commedia satirica. La commedia si manifesta in una varietà di situazioni della trama e turni d'azione. Il drammaturgo ha creato, ad esempio, una caricatura sociale piccola ma molto attuale: quasi i personaggi di Gogol parlano delle attività degli zemstvos, popolari nei tempi post-riforma: il cupo proprietario terriero misantropo Bodaev, che ricorda Sobakevich, e Milonov, tanto di buon cuore quanto Manilov. Tuttavia, l'oggetto principale della satira di Ostrovsky è la vita e i costumi della "nobile foresta". Lo spettacolo utilizza una mossa della trama collaudata: la storia di un povero allievo Aksyusha, oppresso e umiliato dall'ipocrita "benefattore" Gurmyzhskaya. Parla costantemente della sua vedovanza e purezza, anche se in realtà è viziosa, voluttuosa e vanitosa. Le contraddizioni tra le affermazioni di Gurmyzhskaya e la vera essenza del suo personaggio sono la fonte di situazioni comiche inaspettate.

Nel primo atto, Gurmyzhskaya mette in scena una specie di spettacolo: per dimostrare la sua virtù, invita i suoi vicini a firmare il suo testamento. Secondo Milonov, “Raisa Pavlovna adorna tutta la nostra provincia con la severità della sua vita; la nostra atmosfera morale, per così dire, è profumata delle sue virtù. "Avevamo tutti paura della tua virtù qui", gli fa eco Bodaev, ricordando come diversi anni fa si aspettavano il suo arrivo nella tenuta. Nel quinto atto, i vicini vengono a conoscenza di una metamorfosi inaspettata avvenuta con Gurmyzhskaya. La cinquantenne, che ha parlato languidamente di brutti presentimenti e morte imminente (“se ​​non muoio oggi, non domani, almeno presto”), annuncia la sua decisione di sposare lo studente liceale mezzo istruito Alexis Bulanov . Considera il matrimonio un sacrificio di sé, "per sistemare il patrimonio e in modo che non cada nelle mani sbagliate". Tuttavia, i vicini non si accorgono della commedia nel passaggio dal testamento morente all'unione matrimoniale di "virtù incrollabile" con "tenera, giovane industria di un nobile vivaio". “Questa è un'impresa eroica! Sei un'eroina!" - esclama pateticamente Milonov, ammirando la matrona ipocrita e depravata.

Un altro nodo nella trama della commedia è la storia di mille rubli. I soldi giravano in tondo, il che ha permesso di aggiungere tocchi importanti ai ritratti di un'ampia varietà di persone. Il commerciante Vosmibratov ha cercato di intascare mille, pagando il legname acquistato. Neschastlivtsev, avendo coscienziosamente e "goduto" il commerciante ("l'onore è infinito. E tu non ce l'hai"), lo ha spinto a restituire i soldi. Gurmyzhskaya ha dato i mille "pazzi" a Bulanov per un vestito, poi il tragico, minacciando lo sfortunato giovane con una pistola finta, ha portato via questi soldi, con l'intenzione di sperperarli con Arkady Schastlivtsev. Alla fine, mille divennero la dote di Aksyusha e ... tornarono a Vosmibratov.

La situazione comica abbastanza tradizionale del "cambio" ha permesso di opporsi alla sinistra commedia degli abitanti della "foresta" con un'alta tragedia. Il miserabile "comico" Neschastlivtsev, nipote di Gurmyzhskaya, si è rivelato un orgoglioso romantico che guarda sua zia e i suoi vicini con gli occhi di un uomo nobile, scioccato dal cinismo e dalla volgarità di "gufi e gufi". Coloro che lo trattano con disprezzo, considerandolo un perdente e un rinnegato, si comportano come cattivi attori e giullari pubblici. "Comici? No, siamo artisti, artisti nobili e voi siete i comici, - Neschastsev li lancia con rabbia in faccia. - Se amiamo, amiamo tanto; se non amiamo, litighiamo o litighiamo; se aiutiamo, quindi l'ultimo centesimo di lavoro. E tu? Per tutta la vita hai parlato del bene della società, dell'amore per l'umanità. Che cosa hai fatto? Chi è stato nutrito? Chi è stato consolato? Ti diverti solo te stesso, ti diverti. Siete comici, giullari, non noi” (D. 5, yavl. IX).

Ostrovsky confronta la cruda farsa interpretata da Gurmyzhsky e Bulanov con la percezione veramente tragica del mondo rappresentata da Neschastlivtsev. Nel quinto atto, la commedia satirica si trasforma: se prima il tragico si comportava con aria di sfida con i "giullari" in modo buffone, sottolineando il suo disprezzo per loro, deridendo maliziosamente le loro azioni e parole, poi nel finale dello spettacolo il palcoscenico, senza cessare di essere uno spazio per un'azione comica, si trasforma in un teatro tragico di un attore, che inizia il suo monologo finale come un artista "nobile" scambiato per un giullare, e finisce come un "nobile ladro" del dramma di F. Schiller - nelle famose parole di Karl Moor. La citazione di Schiller parla ancora della "foresta", più precisamente di tutti gli "abitanti assetati di sangue delle foreste". Il loro eroe vorrebbe "essere furioso contro questa generazione infernale", che ha incontrato in una tenuta nobiliare. La citazione, non riconosciuta dagli ascoltatori di Neschastlivtsev, sottolinea il significato tragicomico di quanto sta accadendo. Dopo aver ascoltato il monologo, Milonov esclama: "Ma scusami, per queste parole puoi essere ritenuto responsabile!" «Sì, solo al campo. Siamo tutti testimoni ”, risponde come un'eco Bulanov,“ nato per comandare ”.

Neschastlivtsev è un eroe romantico, ha molto Don Chisciotte, "un cavaliere dall'immagine triste". Si esprime pomposamente, teatralmente, come se non credesse al successo della sua battaglia con i "mulini a vento". "Dove mi stai parlando", Neschastvetsev si rivolge a Milonov. "Io sento e parlo come Schiller, e tu come un impiegato." Giocando comicamente sulle parole appena pronunciate di Karl Moor sugli "abitanti della foresta assetati di sangue", rassicura Gurmyzhskaya, che si è rifiutata di dargli la mano per un bacio d'addio: "Non morderò, non aver paura". Può solo allontanarsi da persone che, secondo lui, sono peggio dei lupi: “Mano, compagno! (Dà la mano a Schastlivtsev e se ne va). Le ultime parole e il gesto di Neschastlivtsev sono simbolici: dà la mano al suo amico, il “comico”, e si allontana con orgoglio dagli abitanti della “nobile foresta”, con i quali non è in cammino.

L'eroe di "The Forest" è uno dei primi "break out", "bambini prodighi" della sua classe nella letteratura russa. Ostrovsky non idealizza Neschastlivtsev, sottolineando i suoi difetti mondani: lui, come Lyubim Tortsov, non è contrario alle baldorie, è incline a barare e si comporta come un gentiluomo arrogante. Ma la cosa principale è che è Neschastlivtsev, uno degli eroi più amati del "teatro Ostrovsky", che esprime alti ideali morali, completamente dimenticati dai giullari e dai farisei della tenuta forestale. Le sue idee sull'onore e la dignità di una persona sono vicine all'autore stesso. Come se rompesse lo "specchio" della commedia, Ostrovsky, per bocca di un tragico provinciale dal triste cognome Neschastlivtsev, voleva ricordare alla gente il pericolo delle bugie e della volgarità, che sostituiscono facilmente la vita reale.

Uno dei capolavori di Ostrovsky, il dramma psicologico The Dowry (1878), come molte delle sue opere, è un'opera "mercante". Il posto di primo piano in esso è occupato dai motivi preferiti del drammaturgo (denaro, commercio, "coraggio" del mercante), tipi tradizionali che si trovano in quasi tutte le sue opere (mercanti, un piccolo funzionario, una ragazza da sposare e sua madre, che cercano di "vendere" sua figlia a un prezzo più alto, un attore di provincia). L'intrigo ricorda anche le mosse della trama usate in precedenza: diversi rivali stanno combattendo per Larisa Ogudalova, ognuno dei quali ha il proprio "interesse" per la ragazza.

Tuttavia, a differenza di altre opere, come la commedia "Forest", in cui il povero allievo Aksyusha era solo una "persona situazionale" e non prendeva parte attiva agli eventi, l'eroina di "Dowry" è il personaggio centrale del giocare. Larisa Ogudalova non è solo una bella "cosa" spudoratamente messa all'asta da sua madre Harita Ignatievna e "acquistata" da ricchi mercanti nella città di Bryakhimov. È una persona riccamente dotata, che pensa, sente profondamente, comprende l'assurdità della sua posizione e, allo stesso tempo, una natura contraddittoria, che cerca di inseguire "due lepri": vuole sia un amore alto che una vita ricca e bella. In esso coesistono idealismo romantico e sogni di felicità filisteo.

La principale differenza tra Larisa e Katerina Kabanova, con cui viene spesso paragonata, è la libertà di scelta. Lei stessa deve fare la sua scelta: diventare la donna mantenuta del ricco mercante Knurov, una partecipante all'audace intrattenimento del "brillante gentiluomo" Paratov, o la moglie di un'orgogliosa nullità - un funzionario "con ambizioni" Karandyshev. La città di Briakhimov, come Kalinov in The Thunderstorm, è anche una città "sull'alta sponda del Volga", ma questo non è più il "regno oscuro" di una forza malvagia e tirannica. I tempi sono cambiati: i "nuovi russi" illuminati di Bryakhimov non sposano donne senzatetto, ma le comprano. L'eroina stessa può decidere se partecipare o meno all'affare. Davanti a lei passa un'intera "parata" di corteggiatori. A differenza della Katerina non corrisposta, l'opinione di Larisa non viene trascurata. In una parola, sono arrivati ​​\u200b\u200bgli "ultimi tempi", di cui Kabanikha aveva tanta paura: l'ex "ordine" è crollato. Larisa non ha bisogno di implorare il suo fidanzato Karandyshev, come Katerina implorava Boris ("Portami con te da qui!"). Lo stesso Karandyshev è pronto a portarla via dalle tentazioni della città - nel remoto Zabolotye, dove vuole diventare un giudice di pace. La palude, che sua madre immagina come un luogo dove, a parte la foresta, il vento e l'ululato dei lupi, non c'è niente, sembra a Larisa un idillio di villaggio, una sorta di "paradiso" paludoso, un "angolo tranquillo". Nel drammatico destino dell'eroina, lo storico e il mondano, la tragedia dell'amore insoddisfatto e la farsa piccolo-borghese, il sottile dramma psicologico e il patetico vaudeville si intrecciano. Il motivo principale dell'opera non è il potere dell'ambiente e delle circostanze, come in The Thunderstorm, ma il motivo della responsabilità di una persona per il proprio destino.

"Dowry" è principalmente un dramma sull'amore: è stato l'amore a diventare la base dell'intrigo della trama e la fonte delle contraddizioni interne dell'eroina. L'amore in "Dowry" è un concetto simbolico e polisemantico. "Cercavo l'amore e non l'ho trovato" - una conclusione così amara fa Larisa alla fine della commedia. Significa amore-simpatia, amore-comprensione, amore-commiserazione. Nella vita di Larisa, il vero amore è stato soppiantato dall '"amore" messo in vendita, l'amore è una merce. La contrattazione nella commedia va proprio a causa sua. Solo chi ha più soldi può comprare tale "amore". Per i mercanti "europeizzati" Knurov e Vozhevatov, l'amore di Larisa è un oggetto di lusso che viene acquistato per arredare la propria vita con chic "europeo". La meschinità e la prudenza di questi "figli" di Diky si manifesta non in abusi disinteressati a causa di un centesimo, ma in un brutto affare d'amore.

Sergei Sergeevich Paratov, il più stravagante e spericolato tra i mercanti raffigurati nella commedia, è una figura parodica. Questo è il "mercante Pechorin", un rubacuori con un debole per gli effetti melodrammatici. Considera la sua relazione con Larisa Ogudalova un esperimento d'amore. "Voglio sapere quanto presto una donna dimentica una persona appassionatamente amata: il giorno dopo essersi separata da lui, una settimana o un mese dopo", confessa Paratov. L'amore, secondo lui, è adatto solo per "uso domestico". La "cavalcata sull'isola dell'amore" di Paratov con la dote Larisa fu di breve durata. Fu sostituita da rumorose baldorie con zingari e matrimonio con una ricca sposa, o meglio, con la sua dote: miniere d'oro. “Io, Moky Parmenych, non ho nulla di caro; Troverò un profitto, quindi venderò tutto, qualsiasi cosa” - questo è il principio di vita di Paratov, il nuovo “eroe del nostro tempo” con i modi di un impiegato distrutto di un negozio alla moda.

Il fidanzato di Larisa, l '"eccentrico" Karandyshev, diventato il suo assassino, è una persona pietosa, comica e allo stesso tempo sinistra. Si mescola in un'assurda combinazione di "colori" di varie immagini sceniche. Questa è una caricatura di Otello, una parodia del "nobile" rapinatore (a una festa in maschera si è "vestito da ladro, ha preso un'ascia tra le mani e ha lanciato sguardi brutali a tutti, specialmente a Sergei Sergeyich") e allo stesso tempo "un commerciante nella nobiltà". Il suo ideale è una "carrozza con musica", un appartamento lussuoso e cene. Questo è un funzionario ambizioso che è caduto in una sfrenata festa mercantile, dove ha ottenuto un premio immeritato: la bella Larisa. L'amore di Karandyshev, lo sposo "di riserva", è amore-vanità, amore-protezione. Per lui Larisa è anche una “cosa”, di cui si vanta, presentandosi a tutta la città. L'eroina stessa della commedia percepisce il suo amore come un'umiliazione e un insulto: “Quanto mi fai schifo, se solo lo sapessi!... Per me l'insulto più grave è il tuo patrocinio; Non ho ricevuto altri insulti da nessuno”.

La caratteristica principale che emerge nell'aspetto e nel comportamento di Karandyshev è piuttosto “cechoviana”: è la volgarità. È questa caratteristica che conferisce alla figura del funzionario un sapore cupo e sinistro, nonostante la sua mediocrità rispetto agli altri partecipanti al patto d'amore. Larisa viene uccisa non dal provinciale Otello, non dal pietoso comico che cambia facilmente maschera, ma dalla volgarità incarnata in lui, che - ahimè! - divenne per l'eroina l'unica alternativa al paradiso dell'amore.

Non un singolo tratto psicologico in Larisa Ogudalova ha raggiunto il completamento. La sua anima è piena di impulsi e passioni oscuri e vaghi che lei stessa non comprende appieno. Non è in grado di fare una scelta, accettare o maledire il mondo in cui vive. Pensando al suicidio, Larisa non è mai riuscita a precipitarsi nel Volga, come Katerina. A differenza della tragica eroina di The Thunderstorm, è solo una partecipante a un dramma volgare. Ma il paradosso della commedia è che è stata la volgarità che ha ucciso Larissa a renderla, negli ultimi istanti della sua vita, anche un'eroina tragica, che sovrasta tutti i personaggi. Nessuno l'ha amata come avrebbe voluto - muore con parole di perdono e amore, mandando un bacio a persone che l'hanno quasi costretta a rinunciare alla cosa più importante della sua vita - l'amore: “Tu devi vivere, ma io ho bisogno di ... morire. Non mi lamento di nessuno, non mi offendo con nessuno ... siete tutte brave persone ... vi amo tutti ... tutti ... amore ”(Invia un bacio). Solo il "forte coro zingaro", simbolo dell'intero stile di vita "zingaro" in cui viveva, ha risposto a questo ultimo, tragico sospiro dell'eroina.

(1843 – 1886).

Alexander Nikolaevich "Ostrovsky è un "gigante della letteratura teatrale" (Lunacharsky), ha creato il teatro russo, un intero repertorio su cui sono cresciute molte generazioni di attori, le tradizioni dell'arte scenica sono state rafforzate e sviluppate. È difficile sopravvalutare il suo ruolo nella storia dello sviluppo del dramma russo e dell'intera cultura nazionale.Ha fatto tanto per lo sviluppo della drammaturgia russa quanto Shakespeare ha fatto in Inghilterra, Lope de Vega in Spagna, Molière in Francia, Goldoni in Italia e Schiller in Germania.

"La storia ha lasciato il nome del grande e del geniale solo per quegli scrittori che hanno saputo scrivere per tutto il popolo, e solo quelle opere sono sopravvissute ai secoli che erano veramente popolari in patria; tali opere alla fine diventano comprensibili e preziose per altri popoli, e finalmente, e per il mondo intero». Queste parole del grande drammaturgo Alexander Nikolayevich Ostrovsky possono essere attribuite al suo stesso lavoro.

Nonostante le vessazioni inflitte dalla censura, dal comitato teatrale e letterario e dalla direzione dei teatri imperiali, nonostante le critiche dei circoli reazionari, la drammaturgia di Ostrovsky guadagnava ogni anno sempre più simpatia sia tra gli spettatori democratici che tra gli artisti.

Sviluppando le migliori tradizioni dell'arte drammatica russa, utilizzando l'esperienza della drammaturgia straniera progressista, apprendendo instancabilmente la vita del suo paese natale, comunicando costantemente con la gente, connettendosi strettamente con il pubblico contemporaneo più progressista, Ostrovsky divenne un'eccezionale rappresentazione della vita del suo tempo, che incarnava i sogni di Gogol, Belinsky e altre figure progressiste, la letteratura sull'apparizione e il trionfo sulla scena nazionale dei personaggi russi.

L'attività creativa di Ostrovsky ha avuto una grande influenza sull'intero ulteriore sviluppo del dramma progressista russo. È stato da lui che hanno studiato i nostri migliori drammaturghi, ha insegnato. Fu a lui che gli aspiranti scrittori drammatici furono attratti ai loro tempi.

La forza dell'influenza di Ostrovsky sugli scrittori del suo tempo può essere evidenziata da una lettera alla poetessa drammaturga A. D. Mysovskaya. “Sai quanto è stata grande la tua influenza su di me? Non è stato l'amore per l'arte a farmi capire e apprezzare: al contrario, mi hai insegnato ad amare e rispettare l'arte. Sono in debito solo con te per il fatto che ho resistito alla tentazione di cadere nell'arena della miserabile mediocrità letteraria, non ho inseguito allori da quattro soldi lanciati dalle mani di semicolti in agrodolce. Tu e Nekrasov mi avete fatto innamorare del pensiero e del lavoro, ma Nekrasov mi ha dato solo il primo impulso, tu sei la direzione. Leggendo le tue opere, mi sono reso conto che la rima non è poesia, e un insieme di frasi non è letteratura, e che solo elaborando la mente e la tecnica, l'artista sarà un vero artista.

Ostrovsky ha avuto un forte impatto non solo sullo sviluppo del dramma domestico, ma anche sullo sviluppo del teatro russo. La colossale importanza di Ostrovsky nello sviluppo del teatro russo è ben sottolineata in una poesia dedicata a Ostrovsky e letta nel 1903 da M. N. Yermolova dal palcoscenico del Teatro Maly:

Sul palco, la vita stessa, dal palco soffia la verità,

E il sole splendente ci accarezza e ci riscalda...

Suona il discorso dal vivo di persone comuni e viventi,

Sul palco, non un "eroe", non un angelo, non un cattivo,

Ma solo un uomo ... Attore felice

In fretta per rompere rapidamente le pesanti catene

Condizioni e bugie. Parole e sentimenti sono nuovi

Ma nei segreti dell'anima, la risposta suona loro, -

E tutte le bocche sussurrano: beato il poeta,

Ho strappato le squallide copertine di orpelli

E getta una luce brillante nel regno delle tenebre

La famosa attrice ha scritto più o meno lo stesso nel 1924 nelle sue memorie: “Insieme a Ostrovsky, la verità stessa e la vita stessa sono apparse sul palco ... È iniziata la crescita del dramma originale, pieno di risposte alla modernità ... Hanno iniziato a parlare del poveri, gli umiliati e gli insultati”.

La direzione realistica, attutita dalla politica teatrale dell'autocrazia, continuata e approfondita da Ostrovsky, ha trasformato il teatro sulla via dello stretto legame con la realtà. Solo che ha dato vita al teatro come teatro popolare nazionale, russo.

“Hai portato in dono alla letteratura un'intera biblioteca di opere d'arte, hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Tu solo hai completato l'edificio, alla base del quale sono state poste le pietre angolari di Fonvizin, Griboedov, Gogol. Questa meravigliosa lettera è stata ricevuta tra le altre congratulazioni nell'anno del trentacinquesimo anniversario dell'attività letteraria e teatrale, Alexander Nikolaevich Ostrovsky da un altro grande scrittore russo - Goncharov.

Ma molto prima, sulla primissima opera dell'ancora giovane Ostrovsky, pubblicata su Moskvityanin, un sottile conoscitore dell'eleganza e un sensibile osservatore V. F. Odoevsky scriveva: quest'uomo è un grande talento. Considero tre tragedie in Rus': "Undergrowth", "Woe from Wit", "Inspector". Ho messo il numero quattro su Bankrupt.

Da una prima valutazione così promettente alla lettera per l'anniversario di Goncharov: una vita piena e impegnata; lavoro, e ha portato a un rapporto così logico di valutazioni, perché il talento richiede, prima di tutto, un grande lavoro su se stesso, e il drammaturgo non ha peccato davanti a Dio - non ha seppellito il suo talento nel terreno. Dopo aver pubblicato la prima opera nel 1847, Ostrovsky da allora ha scritto 47 opere teatrali e tradotto più di venti opere teatrali dalle lingue europee. E in totale, nel teatro popolare da lui creato, ci sono circa mille attori.

Poco prima della sua morte, nel 1886, Alexander Nikolayevich ricevette una lettera da L. N. Tolstoy, in cui il brillante scrittore di prosa ammetteva: “So per esperienza come le persone leggono, ascoltano e ricordano le tue cose, e quindi vorrei aiutarti ad avere ora diventa rapidamente in realtà quello che sei, senza dubbio, uno scrittore di tutto il popolo nel senso più ampio.

Anche prima di Ostrovsky, la drammaturgia russa progressista aveva opere magnifiche. Ricordiamo "Undergrowth" di Fonvizin, "Woe from Wit" di Griboedov, "Boris Godunov" di Pushkin, "Inspector General" di Gogol e "Masquerade" di Lermontov. Ognuna di queste commedie potrebbe arricchire e abbellire, come ha giustamente scritto Belinsky, la letteratura di qualsiasi paese dell'Europa occidentale.

Ma queste commedie erano troppo poche. E non hanno determinato lo stato del repertorio teatrale. In senso figurato, torreggiavano al di sopra del livello della drammaturgia di massa come montagne solitarie e rare in un'infinita pianura desertica. La stragrande maggioranza delle opere teatrali che riempivano l'allora scena teatrale erano traduzioni di vaudeville vuote e frivole e melodrammi sentimentali intessuti di orrori e crimini. Sia il vaudeville che il melodramma, terribilmente lontani dalla vita, non ne erano nemmeno l'ombra.

Nello sviluppo della drammaturgia russa e del teatro domestico, l'apparizione delle commedie di AN Ostrovsky costituì un'intera era. Hanno riportato bruscamente la drammaturgia e il teatro alla vita, alla sua verità, a ciò che ha veramente toccato ed emozionato le persone dello strato non privilegiato della popolazione, i lavoratori. Creando "drammi della vita", come li chiamava Dobrolyubov, Ostrovsky ha agito come un impavido cavaliere della verità, un instancabile combattente contro l'oscuro regno dell'autocrazia, uno spietato esponente delle classi dominanti: la nobiltà, la borghesia e i funzionari che servivano fedelmente loro.

Ma Ostrovsky non si limitava al ruolo di accusatore satirico. Ha raffigurato in modo vivido e comprensivo le vittime del dispotismo socio-politico e domestico, lavoratori, cercatori di verità, illuminanti, protestanti affettuosi contro l'arbitrarietà e la violenza.

Il drammaturgo non solo ha reso le persone del lavoro e del progresso, portatrici della verità e della saggezza del popolo, gli eroi positivi delle sue opere, ma ha anche scritto a nome del popolo e per il popolo.

Ostrovsky ha interpretato nelle sue commedie la prosa della vita, la gente comune nelle circostanze quotidiane. Prendendo i problemi universali del male e del bene, della verità e dell'ingiustizia, della bellezza e della bruttezza come contenuto delle sue opere, Ostrovsky è sopravvissuto al suo tempo ed è entrato nella nostra epoca come suo contemporaneo.

Il percorso creativo di AN Ostrovsky è durato quattro decenni. Scrisse le sue prime opere nel 1846 e le ultime nel 1886.

Durante questo periodo, ha scritto 47 commedie originali e diverse commedie in collaborazione con Solovyov ("Il matrimonio di Balzaminov", "Savage", "Brilla ma non si scalda", ecc.); ha fatto molte traduzioni dall'italiano, spagnolo, francese, inglese, indiano (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 drammi). Ci sono 728 ruoli, 180 atti nelle sue commedie; tutta la Rus' è rappresentata. Varietà di generi: commedie, drammi, cronache drammatiche, scene familiari, tragedie, schizzi drammatici sono presentati nella sua drammaturgia. Agisce nel suo lavoro come romantico, capofamiglia, tragico e comico.

Naturalmente, qualsiasi periodizzazione è in una certa misura condizionata, ma per navigare meglio nella diversità del lavoro di Ostrovsky, divideremo il suo lavoro in più fasi.

1846 - 1852 - la fase iniziale della creatività. Le opere più importanti scritte in questo periodo: "Note di un residente di Zamoskvoretsky", le commedie "A Picture of Family Happiness", "Own People - Let's Settle", "The Poor Bride".

1853 - 1856 - il cosiddetto periodo "slavofilo": "Non salire sulla tua slitta". "La povertà non è un vizio", "Non vivere come vuoi".

1856 - 1859 - riavvicinamento alla cerchia di Sovremennik, ritorno a posizioni realistiche. Le commedie più importanti di questo periodo: "Un posto redditizio", "L'allievo", "Una sbornia al banchetto di qualcun altro", "La trilogia di Balzaminov" e, infine, creata durante il periodo della situazione rivoluzionaria, "Temporale" .

1861 - 1867 - approfondendo lo studio della storia nazionale, il risultato sono le cronache drammatiche di Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk, Dmitry the Pretender e Vasily Shuisky, Tushino, il dramma Vasilisa Melentievna, la commedia Voyevoda o Dream on the Volga.

1869 - 1884 - le commedie create durante questo periodo di creatività sono dedicate alle relazioni sociali e domestiche che si sono sviluppate nella vita russa dopo la riforma del 1861. Le commedie più importanti di questo periodo: "Basta semplicità per ogni uomo saggio", "Hot Heart", "Mad Money", "Forest", "Wolves and Sheep", "Last Victim", "Late Love", "Talents and Ammiratori”, “ Colpevole senza colpa”.

Le commedie di Ostrovsky non sono apparse dal nulla. Il loro aspetto è direttamente collegato alle commedie di Griboedov e Gogol, che hanno assorbito tutto ciò di prezioso che la commedia russa che li ha preceduti ha ottenuto. Ostrovsky conosceva bene l'antica commedia russa del XVIII secolo, studiò in particolare le opere di Kapnist, Fonvizin, Plavilshchikov. D'altra parte - l'influenza della prosa della "scuola naturale".

Ostrovsky arrivò alla letteratura alla fine degli anni Quaranta, quando la drammaturgia di Gogol fu riconosciuta come il più grande fenomeno letterario e sociale. Turgenev ha scritto: "Gogol ha mostrato come andrà la nostra letteratura drammatica con il tempo". Ostrovsky, fin dai primi passi della sua attività, si è realizzato come successore delle tradizioni di Gogol, la "scuola naturale", si considerava tra gli autori di "una nuova tendenza nella nostra letteratura".

Gli anni 1846-1859, quando Ostrovsky lavorò alla sua prima grande commedia "Our People - Let's Settle", furono gli anni della sua formazione come scrittore realista.

Il programma ideologico e artistico di Ostrovsky, il drammaturgo, è chiaramente esposto nei suoi articoli e recensioni critici. L'articolo "Mistake", la storia di Madame Tour" ("Moskvityanin", 1850), un articolo incompiuto sul romanzo di Dickens "Dombey and Son" (1848), una recensione della commedia di Menshikov "Fads", ("Moskvityanin" 1850 ), "Nota sulla situazione dell'arte drammatica in Russia al tempo presente" (1881), "Una parola da tavola su Pushkin" (1880).

Le opinioni socio-letterarie di Ostrovsky sono caratterizzate dalle seguenti disposizioni principali:

In primo luogo, crede che il dramma dovrebbe essere un riflesso della vita delle persone, della coscienza delle persone.

Le persone per Ostrovsky sono, prima di tutto, la massa democratica, le classi inferiori, la gente comune.

Ostrovsky ha chiesto allo scrittore di studiare la vita delle persone, quei problemi che riguardano le persone.

“Per essere uno scrittore popolare”, scrive, “non basta l'amore per la propria terra… bisogna conoscere bene la propria gente, andare d'accordo con loro, imparentarsi. La migliore scuola per talenti è lo studio della propria nazionalità.

In secondo luogo, Ostrovsky parla della necessità dell'identità nazionale per la drammaturgia.

La nazionalità della letteratura e dell'arte è intesa da Ostrovsky come una conseguenza integrale della loro nazionalità e democrazia. "Solo quell'arte è nazionale, che è popolare, perché il vero portatore di nazionalità è la massa popolare e democratica".

Nella "Parola da tavolo su Pushkin" - un esempio di tale poeta è Pushkin. Pushkin è un poeta popolare, Pushkin è un poeta nazionale. Pushkin ha svolto un ruolo enorme nello sviluppo della letteratura russa perché "ha dato allo scrittore russo il coraggio di essere russo".

E, infine, la terza disposizione riguarda la natura socialmente accusatoria della letteratura. “Più popolare è l'opera, più elemento accusatorio in essa, perché la “caratteristica distintiva del popolo russo” è “l'avversione per tutto ciò che è nettamente definito”, la riluttanza a tornare alle “vecchie forme di vita già condannate”, il desiderio di “cercare il meglio”.

Il pubblico si aspetta che l'arte denunci i vizi e le mancanze della società, che giudichi la vita.

Condannando questi vizi nelle sue immagini artistiche, lo scrittore suscita disgusto nel pubblico, le rende migliori, più morali. Pertanto, "la direzione sociale e denunciatrice può essere definita morale e pubblica", sottolinea Ostrovsky. Parlando della direzione sociale accusatoria o morale-pubblica, intende:

critica accusatoria del modo di vivere dominante; protezione dei principi morali positivi, ad es. proteggere le aspirazioni della gente comune e il loro perseguimento della giustizia sociale.

Pertanto, il termine "direzione morale accusatoria" nel suo significato oggettivo si avvicina al concetto di realismo critico.

Le opere di Ostrovsky, scritte da lui tra la fine degli anni '40 e l'inizio degli anni '50, "A Picture of Family Happiness", "Notes of a Zamoskvoretsky Resident", "Our People - Let's Settle", "The Poor Bride - sono organicamente connesse con il letteratura della scuola naturale.

"L'immagine della felicità familiare" ha in gran parte la natura di un saggio drammatizzato: non è diviso in fenomeni, non c'è completamento della trama. Ostrovsky si è posto il compito di rappresentare la vita dei mercanti. L'eroe interessa Ostrovsky esclusivamente come rappresentante del suo patrimonio, del suo modo di vivere, del suo modo di pensare. Va oltre la scuola naturale. Ostrovsky rivela lo stretto legame tra la moralità dei suoi personaggi e la loro esistenza sociale.

Mette la vita familiare dei mercanti in diretta connessione con le relazioni monetarie e materiali di questo ambiente.

Ostrovsky condanna completamente i suoi eroi. I suoi eroi esprimono le loro opinioni sulla famiglia, il matrimonio, l'educazione, come se dimostrassero la natura selvaggia di queste opinioni.

Questa tecnica era comune nella letteratura satirica degli anni '40: il metodo dell'autoesposizione.

L'opera più significativa di Ostrovsky 40-ies. - arrivò la commedia "La nostra gente - sistemiamoci" (1849), percepita dai contemporanei come una grande conquista della scuola naturale nel teatro.

"Ha iniziato in modo straordinario", scrive Turgenev di Ostrovsky.

La commedia attirò immediatamente l'attenzione delle autorità. Quando la censura ha sottoposto l'opera allo zar per esame, Nicola I ha scritto: “Stampato invano! Per giocare lo stesso divieto, in ogni caso.

Il nome di Ostrovsky è stato inserito nell'elenco delle persone inaffidabili e il drammaturgo è stato posto sotto sorveglianza segreta della polizia per cinque anni. Il "caso dello scrittore Ostrovsky" è stato aperto.

Ostrovsky, come Gogol, critica i fondamenti stessi delle relazioni che dominano la società. È critico nei confronti della vita sociale contemporanea e in questo senso è un seguace di Gogol. E allo stesso tempo, Ostrovsky si è subito definito uno scrittore, un innovatore. Confrontando le opere della prima fase del suo lavoro (1846-1852) con le tradizioni di Gogol, vediamo quali novità ha portato Ostrovsky alla letteratura.

L'azione della "commedia alta" di Gogol si svolge come in un mondo di realtà irragionevole: "L'ispettore del governo".

Gogol ha messo alla prova una persona nel suo atteggiamento nei confronti della società, del dovere civico - e ha dimostrato - ecco come sono queste persone. Questo è il centro dei vizi. Non si preoccupano affatto della società. Sono guidati nel loro comportamento da calcoli strettamente egoistici, interessi egoistici.

Gogol non si concentra sulla vita di tutti i giorni: risate tra le lacrime. La burocrazia per lui non agisce come uno strato sociale, ma come una forza politica che determina la vita della società nel suo insieme.

Ostrovsky ha qualcosa di completamente diverso: un'analisi approfondita della vita sociale.

Come gli eroi dei saggi della scuola naturale, gli eroi di Ostrovsky sono rappresentanti ordinari e tipici del loro ambiente sociale, condiviso dalla loro vita quotidiana ordinaria, tutti i suoi pregiudizi.

a) Nella commedia "La nostra gente - ci sistemeremo" Ostrovsky crea una tipica biografia di un commerciante, parla di come si accumula il capitale.

Bolshov vendeva torte da una bancarella da bambino e poi divenne uno dei primi uomini ricchi di Zamoskvorechye.

Podkhalyuzin ha costituito il suo capitale derubando il proprietario e, infine, Tishka è un fattorino, ma sa già come accontentare il nuovo proprietario.

Qui sono date, per così dire, tre fasi della carriera di un commerciante. Attraverso il loro destino, Ostrovsky ha mostrato come è composto il capitale.

b) La particolarità della drammaturgia di Ostrovsky era che ha mostrato questa domanda - come si compone il capitale in un ambiente mercantile - attraverso la considerazione delle relazioni intrafamiliari, quotidiane, ordinarie.

È stato Ostrovsky il primo nel dramma russo a considerare filo per filo la rete delle relazioni quotidiane e quotidiane. Fu il primo a introdurre nella sfera dell'arte tutte queste sciocchezze della vita, segreti di famiglia, meschini affari economici. Un posto enorme è occupato da scene quotidiane apparentemente prive di significato. Molta attenzione è prestata alle pose, ai gesti dei personaggi, ai loro modi di parlare, al loro stesso modo di parlare.

Le prime commedie di Ostrovsky sembravano al lettore insolite, non per il palcoscenico, più simili a opere narrative piuttosto che drammatiche.

Il cerchio delle opere di Ostrovsky, direttamente legate alla scuola naturale degli anni '40, si chiude con la commedia La povera sposa (1852).

In esso, Ostrovsky mostra la stessa dipendenza di una persona dalle relazioni economiche e monetarie. Diversi pretendenti cercano la mano di Marya Andreevna, ma chi la ottiene non ha bisogno di fare alcuno sforzo per raggiungere l'obiettivo. Per lui funziona la ben nota legge economica di una società capitalista, dove tutto è deciso dal denaro. L'immagine di Marya Andreevna inizia nell'opera di Ostrovsky, un nuovo argomento per lui, la posizione di una povera ragazza in una società dove tutto è determinato dal calcolo commerciale. ("Foresta", "Alunno", "Dote").

Quindi, per la prima volta in Ostrovsky (a differenza di Gogol) non appare solo il vizio, ma anche vittima del vizio. Oltre ai padroni della società moderna, c'è chi si oppone a loro, aspirazioni le cui esigenze sono in conflitto con le leggi e le usanze di questo ambiente. Ciò ha comportato nuovi colori. Ostrovsky ha scoperto nuovi aspetti del suo talento: il drammatico satirismo. "Proprie persone - conteremo" - satira.

Il modo artistico di Ostrovsky in questa commedia è ancora più diverso dalla drammaturgia di Gogol. La trama perde qui il suo vantaggio. Si basa su un caso ordinario. Il tema che è stato espresso in "Matrimonio" di Gogol e ha ricevuto copertura satirica - la trasformazione del matrimonio in acquisto e vendita, qui ha acquisito un suono tragico.

Ma allo stesso tempo, questa è una commedia in termini di caratterizzazione, in termini di posizioni. Ma se gli eroi di Gogol provocano risate e condanne del pubblico, allora in Ostrovsky lo spettatore ha visto la sua vita quotidiana, ha provato una profonda simpatia per alcuni - ha condannato altri.

La seconda tappa delle attività di Ostrovsky (1853 - 1855) è segnata dal sigillo delle influenze slavofile.

Innanzitutto, questo passaggio di Ostrovsky a posizioni slavofile va spiegato con l'intensificarsi dell'atmosfera, la reazione che si instaura nei "cupi sette anni" del 1848-1855.

In che modo specifico è apparsa questa influenza, quali idee degli slavofili si sono rivelate vicine a Ostrovsky? Prima di tutto, il riavvicinamento di Ostrovsky con i cosiddetti "giovani redattori" di The Moskvityanin, il cui comportamento dovrebbe essere spiegato dal loro caratteristico interesse per la vita nazionale russa, l'arte popolare e il passato storico del popolo, che era molto vicino a Ostrovsky .

Ma Ostrovsky non ha saputo distinguere in questo interesse il principale principio conservatore, che si è manifestato nelle contraddizioni sociali prevalenti, in un atteggiamento ostile nei confronti del concetto di progresso storico, nell'ammirazione per tutto ciò che è patriarcale.

Gli slavofili, infatti, agivano come ideologi degli elementi socialmente arretrati della piccola e media borghesia.

Uno degli ideologi più importanti della "Young Edition" di "Moskvityanin" Apollon Grigoriev ha sostenuto che esiste un unico "spirito nazionale" che costituisce la base organica della vita delle persone. Catturare questo spirito nazionale è la cosa più importante per uno scrittore.

Contraddizioni sociali, lotta di classe: sono stratificazioni storiche che saranno superate e che non violano l'unità della nazione.

Lo scrittore deve mostrare gli eterni principi morali del carattere delle persone. Il portatore di questi eterni principi morali, lo spirito del popolo, è la classe "media, industriale, mercantile", perché è stata questa classe a preservare il patriarcato delle tradizioni dell'antica Rus', a conservare la fede, i costumi e la lingua dei padri. Questa classe non è stata toccata dalla falsità della civiltà.

Il riconoscimento ufficiale di questa dottrina da parte di Ostrovsky è la sua lettera del settembre 1853 a Pogodin (l'editore di Moskvityanin), in cui Ostrovsky scrive di essere ora diventato un sostenitore della "nuova direzione", la cui essenza è fare appello ai principi positivi di vita quotidiana e di carattere popolare.

La precedente visione delle cose ora gli sembra "giovane e troppo crudele". La denuncia dei vizi sociali non sembra essere il compito principale.

“I correttori si troveranno anche senza di noi. Per avere il diritto di correggere le persone senza offenderle, bisogna mostrare loro che si conosce il bene che c'è dietro di loro” (settembre 1853), scrive Ostrovsky.

Una caratteristica distintiva del popolo russo di Ostrovsky in questa fase non è la sua disponibilità a rinunciare alle norme di vita obsolete, ma il patriarcato, l'adesione alle condizioni di vita immutate e fondamentali. Ostrovsky ora vuole combinare "l'alto con il fumetto" nelle sue opere teatrali, comprendendo dall'alto le caratteristiche positive della vita mercantile e dal "comico" - tutto ciò che si trova al di fuori del circolo mercantile, ma esercitando la sua influenza su di esso.

Queste nuove visioni di Ostrovsky hanno trovato la loro espressione in tre cosiddette commedie "slavofile" di Ostrovsky: "Non sederti sulla tua slitta", "La povertà non è un vizio", "Non vivere come vuoi".

Tutte e tre le opere slavofile di Ostrovsky hanno un inizio determinante: un tentativo di idealizzare le basi patriarcali della vita e la moralità familiare della classe mercantile.

E in queste commedie, Ostrovsky si rivolge a soggetti familiari e quotidiani. Ma dietro di loro non ci sono più relazioni economiche, sociali.

La famiglia, le relazioni domestiche sono interpretate in termini puramente morali: tutto dipende dalle qualità morali delle persone, dietro questo non ci sono interessi materiali e monetari. Ostrovsky cerca di trovare un modo per risolvere le contraddizioni in termini morali, nella rinascita morale dei personaggi. (L'illuminazione morale di Gordey Tortsov, la nobiltà dell'anima di Borodkin e Rusakov). La tirannia è giustificata non tanto dall'esistenza del capitale, delle relazioni economiche, ma dalle proprietà personali di una persona.

Ostrovsky raffigura quegli aspetti della vita mercantile, in cui, come gli sembra, si concentra il nazionale, il cosiddetto "spirito nazionale". Si concentra quindi sui lati poetici e luminosi della vita mercantile, introduce motivi rituali, folcloristici, mostrando l'inizio "folk-epico" della vita degli eroi a scapito della loro certezza sociale.

Ostrovsky ha sottolineato nelle commedie di questo periodo la vicinanza dei suoi eroi-mercanti al popolo, i loro legami sociali e domestici con i contadini. Dicono di se stessi che sono persone "semplici", "maleducate", che i loro padri erano contadini.

Dal punto di vista artistico, queste opere sono chiaramente più deboli delle precedenti. La loro composizione è deliberatamente semplificata, i personaggi si sono rivelati meno chiari e l'epilogo meno giustificato.

Le commedie di questo periodo sono caratterizzate dal didatticismo, contrastano apertamente principi chiari e oscuri, i personaggi sono nettamente divisi in “buoni” e “cattivi”, il vizio viene punito all'epilogo. Le commedie del "periodo slavofilo" sono caratterizzate da aperta moralità, sentimentalismo ed edificazione.

Allo stesso tempo, va detto che durante questo periodo Ostrovsky, in generale, rimase su una posizione realistica. Secondo Dobrolyubov, "anche qui il potere del sentimento artistico diretto non poteva lasciare l'autore, e quindi le posizioni private e i personaggi individuali si distinguono per la verità genuina".

Il significato delle commedie di Ostrovsky scritte in questo periodo risiede, prima di tutto, nel fatto che continuano a ridicolizzare e condannare la tirannia in qualunque forma si manifesti /Lubim Tortsov/. (Se Bolshov - in modo sgarbato e schietto - è un tipo di tiranno, allora Rusakov è ammorbidito e mansueto).

Dobrolyubov: "In Bolshov abbiamo visto una natura vigorosa, influenzata dalla vita mercantile, in Rusakov ci sembra: ma è così che escono con lui anche nature oneste e gentili".

Bolshov: "Cosa dobbiamo fare io e mio padre se non do ordini?"

Rusakov: "Non darò per colui che ama, ma per colui che amo".

La glorificazione della vita patriarcale in queste commedie è contraddittoria unita alla formulazione di acute questioni sociali e al desiderio di creare immagini che incarnino ideali nazionali (Rusakov, Borodkin), con simpatia per i giovani che portano nuove aspirazioni, opposizione a tutto patriarcale, antico. (Mitya, Lyubov Gordeevna).

In queste commedie si esprimeva il desiderio di Ostrovsky di trovare un inizio luminoso e positivo nella gente comune.

Nasce così il tema dell'umanesimo popolare, l'ampiezza della natura di una persona semplice, che si esprime nella capacità di guardare con coraggio e autonomia all'ambiente e nella capacità di sacrificare talvolta i propri interessi per il bene degli altri.

Questo tema è stato poi suonato in opere centrali di Ostrovsky come "Thunderstorm", "Forest", "Dowry".

L'idea di creare uno spettacolo popolare - uno spettacolo didattico - non era estranea a Ostrovsky quando creò "La povertà non è un vizio" e "Non vivere come vuoi".

Ostrovsky ha cercato di trasmettere i principi etici del popolo, la base estetica della sua vita, per evocare una risposta da parte dello spettatore democratico alla poesia della sua vita nativa, l'antichità nazionale.

Ostrovsky è stato guidato in questo dal nobile desiderio di "dare allo spettatore democratico una prima vaccinazione culturale". Un'altra cosa è l'idealizzazione dell'umiltà, dell'umiltà, del conservatorismo.

La valutazione delle commedie slavofile negli articoli di Chernyshevsky "La povertà non è un vizio" e "Dark Kingdom" di Dobrolyubov è curiosa.

Chernyshevsky pubblicò il suo articolo nel 1854, quando Ostrovsky era vicino agli slavofili e c'era il pericolo che Ostrovsky si allontanasse da posizioni realistiche. Chernyshevsky definisce "false" le commedie di Ostrovsky "La povertà non è un vizio" e "Non sederti sulla tua slitta", ma continua: "Ostrovsky non ha ancora rovinato il suo meraviglioso talento, ha bisogno di tornare a una direzione realistica". "In verità, il potere del talento, una direzione errata distrugge anche il talento più forte", conclude Chernyshevsky.

L'articolo di Dobrolyubov fu scritto nel 1859, quando Ostrovsky si liberò dalle influenze slavofile. Era inutile ricordare precedenti idee sbagliate e Dobrolyubov, limitandosi a un noioso accenno a questa partitura, si concentra sul rivelare l'inizio realistico di queste stesse commedie.

Le valutazioni di Chernyshevsky e Dobrolyubov si completano a vicenda e sono un esempio dei principi della critica democratica rivoluzionaria.

All'inizio del 1856 iniziò una nuova fase nell'opera di Ostrovsky.

Il drammaturgo si avvicina agli editori di Sovremennik. Questo riavvicinamento coincide con il periodo dell'ascesa delle forze sociali progressiste, con la maturazione di una situazione rivoluzionaria.

Lui, come se seguisse il consiglio di Nekrasov, ritorna sul percorso dello studio della realtà sociale, il percorso della creazione di giochi analitici in cui vengono fornite immagini della vita moderna.

(In una recensione dell'opera teatrale "Non vivere come vuoi", Nekrasov gli consigliò, abbandonando tutte le idee preconcette, di seguire il percorso che avrebbe portato il suo talento: "dai libero sviluppo al tuo talento" - il percorso di raffigurante la vita reale).

Chernyshevsky sottolinea il "talento meraviglioso, il forte talento di Ostrovsky. Dobrolyubov - "il potere dell'estro artistico" del drammaturgo.

Durante questo periodo, Ostrovsky ha creato commedie significative come "The Pupil", "Profitable Place", la trilogia su Balzaminov e, infine, durante il periodo della situazione rivoluzionaria - "Thunderstorm".

Questo periodo del lavoro di Ostrovsky è caratterizzato, prima di tutto, dall'espansione della portata dei fenomeni della vita, dall'espansione degli argomenti.

In primo luogo, nel campo della sua ricerca, che comprende il padrone di casa, l'ambiente della gleba, Ostrovsky ha dimostrato che la proprietaria terriera Ulanbekova ("L'allieva") prende in giro le sue vittime con la stessa crudeltà dei mercanti analfabeti e ignoranti.

Ostrovsky mostra che la stessa lotta tra ricchi e poveri, anziani e giovani, è in corso nell'ambiente del proprietario terriero-nobile, così come in quello mercantile.

Inoltre, nello stesso periodo, Ostrovsky solleva il tema del filisteismo. Ostrovsky è stato il primo scrittore russo a notare e scoprire artisticamente il filisteismo come gruppo sociale.

Il drammaturgo ha scoperto nel filisteismo un interesse predominante e che mette in ombra tutti gli altri interessi per il materiale, quello che Gorky in seguito definì "un brutto senso di proprietà sviluppato".

Nella trilogia su Balzaminov ("Sonno festivo - prima di cena", "I tuoi cani mordono, non infastidire qualcun altro", "Quello che cerchi, lo troverai") / 1857-1861 /, Ostrovsky denuncia il meschino- modo di esistere borghese, con la sua mentalità, limiti, volgarità, avidità, sogni ridicoli.

Nella trilogia su Balzaminov non viene rivelata solo l'ignoranza o la ristrettezza mentale, ma una sorta di miseria intellettuale, l'inferiorità di un commerciante. L'immagine è costruita sull'opposizione di questa inferiorità mentale, insignificanza morale - e compiacenza, fiducia nei propri diritti.

In questa trilogia ci sono elementi di vaudeville, buffonate, tratti di commedia esterna. Ma in essa prevale la commedia interna, poiché la figura di Balzaminov è internamente comica.

Ostrovsky ha mostrato che il regno dei filistei è lo stesso regno oscuro di impenetrabile volgarità, ferocia, che è diretto verso un obiettivo: il profitto.

La commedia successiva - "Profitable Place" - testimonia il ritorno di Ostrovsky sulla via della drammaturgia "morale e accusatoria". Nello stesso periodo, Ostrovsky fu lo scopritore di un altro regno oscuro: il regno dei funzionari, la burocrazia reale.

Durante gli anni dell'abolizione della servitù, la denuncia degli ordini burocratici aveva uno speciale significato politico. La burocrazia era l'espressione più compiuta del sistema autocratico-feudale. Incarnava l'essenza di sfruttamento-predatore dell'autocrazia. Non era più solo arbitrarietà domestica, ma violazione di interessi comuni in nome della legge. È in connessione con questa commedia che Dobrolyubov amplia il concetto di "tirannia", intendendolo come autocrazia in generale.

"Profitable Place" ricorda la commedia di N. Gogol "Inspector General" in termini di problemi. Ma se ne L'ispettore generale i funzionari che commettono illegalità si sentono in colpa e temono ritorsioni, i funzionari di Ostrovsky sono intrisi della consapevolezza della loro correttezza e impunità. La corruzione, l'abuso, sembrano loro e altri la norma.

Ostrovsky ha sottolineato che la distorsione di tutte le norme morali nella società è la legge e la legge stessa è qualcosa di illusorio. Sia i funzionari che le persone da loro dipendenti sanno che le leggi sono sempre dalla parte di chi ha il potere.

Pertanto, i funzionari - per la prima volta in letteratura - Ostrovsky vengono mostrati come una specie di spacciatori della legge. (Il funzionario può trasformare la legge come vuole).

Nella commedia di Ostrovsky è arrivato anche un nuovo eroe: un giovane funzionario Zhadov, che si era appena laureato all'università. Il conflitto tra i rappresentanti della vecchia formazione e Zhadov acquista la forza di una contraddizione inconciliabile:

a / Ostrovsky è riuscito a mostrare il fallimento delle illusioni su un funzionario onesto come forza capace di fermare gli abusi dell'amministrazione.

b/ lotta contro lo "yusovismo" o compromesso, tradimento degli ideali - Zhadov non ha altra scelta.

Ostrovsky ha denunciato quel sistema, quelle condizioni di vita che danno origine a tangenti. Il significato progressivo della commedia sta nel fatto che in essa l'inconciliabile negazione del vecchio mondo e dello "yusovismo" si fondeva con la ricerca di una nuova moralità.

Zhadov è un uomo debole, non sopporta la lotta, va anche a chiedere una "posizione redditizia".

Chernyshevsky credeva che lo spettacolo sarebbe stato ancora più forte se si fosse concluso con il quarto atto, cioè con il grido di disperazione di Zhadov: "Andiamo dallo zio a chiedere un lavoro redditizio!" Nel quinto, Zhadov si confronta con l'abisso che lo ha quasi rovinato moralmente. E, sebbene la fine di Vyshimirsky non sia tipica, c'è un elemento di fortuna nella salvezza di Zhadov, nelle sue parole, nella sua convinzione che "da qualche parte ci sono altre persone più persistenti e degne" che non scenderanno a compromessi, non si riconcilieranno, non arrendersi, parlare della prospettiva di un ulteriore sviluppo di nuove relazioni sociali. Ostrovsky prevedeva l'imminente impennata sociale.

Il rapido sviluppo del realismo psicologico, che osserviamo nella seconda metà del XIX secolo, si è manifestato anche nella drammaturgia. Il segreto della scrittura drammatica di Ostrovsky non risiede nelle caratteristiche unidimensionali dei tipi umani, ma nel desiderio di creare personaggi umani purosangue, le cui contraddizioni e lotte interne servono da potente impulso per il movimento drammatico. GA Tovstonogov ha parlato bene di questa caratteristica del modo creativo di Ostrovsky, riferendosi, in particolare, a Glumov della commedia Enough Simplicity for Every Wise Man, un personaggio tutt'altro che ideale: “Perché Glumov è affascinante, sebbene commetta una serie di azioni vili? è antipatico con noi, quindi non c'è spettacolo.Ciò che lo rende affascinante è l'odio per questo mondo, e noi giustifichiamo interiormente il suo modo di vendicarsi con lui.

L'interesse per la personalità umana in tutti i suoi stati ha costretto gli scrittori a cercare mezzi per esprimerli. Nel dramma, il principale mezzo di questo tipo era l'individualizzazione stilistica del linguaggio dei personaggi, ed è stato Ostrovsky a svolgere il ruolo principale nello sviluppo di questo metodo. Inoltre, nello psicologismo, Ostrovsky ha tentato di andare oltre, sulla strada per dare ai suoi personaggi la massima libertà possibile nell'ambito dell'intenzione dell'autore: il risultato di un simile esperimento è stata l'immagine di Katerina in The Thunderstorm.

In "Thunderstorm" Ostrovsky è salito all'immagine di una tragica collisione di sentimenti umani viventi con la vita mortale della costruzione di case.

Nonostante la varietà di tipi di conflitti drammatici presentati nelle prime opere di Ostrovsky, la loro poetica e la loro atmosfera generale erano determinate, prima di tutto, dal fatto che la tirannia era data in esse come un fenomeno naturale e inevitabile della vita. Anche le cosiddette commedie "slavofile", con la loro ricerca di principi luminosi e buoni, non hanno distrutto e non hanno violato l'atmosfera opprimente della tirannia. Anche la commedia "The Thunderstorm" è caratterizzata da questa colorazione generale. E allo stesso tempo, c'è una forza in lei che si oppone risolutamente alla routine terribile e mortale: questo è l'elemento popolare, espresso sia nei personaggi popolari (Katerina, prima di tutto, Kuligin e persino Kudryash), sia nella natura russa, che diventa un elemento essenziale dell'azione drammatica. .

L'opera teatrale "Temporale", che ha sollevato le complesse questioni della vita moderna ed è apparsa sulla stampa e sul palco proprio alla vigilia della cosiddetta "liberazione" dei contadini, ha testimoniato che Ostrovsky era libero da ogni illusione sui modi del sociale sviluppo in Russia.

Anche prima che la pubblicazione di "Thunderstorm" apparisse sulla scena russa. La prima ebbe luogo il 16 novembre 1859 al Maly Theatre. Magnifici attori sono stati coinvolti nello spettacolo: S. Vasiliev (Tikhon), P. Sadovsky (Wild), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) e altri. La produzione è stata diretta dallo stesso N. Ostrovsky. La prima è stata un enorme successo e le esibizioni successive sono state trionfanti. Un anno dopo la brillante prima di The Thunderstorm, lo spettacolo ha ricevuto il più alto riconoscimento accademico: il Great Uvarov Prize.

In The Thunderstorm, il sistema sociale della Russia viene duramente denunciato e la morte della protagonista viene mostrata dalla drammaturga come una diretta conseguenza della sua situazione senza speranza nel "regno oscuro". Il conflitto in The Thunderstorm è costruito sull'inconciliabile collisione dell'amante della libertà Katerina con il terribile mondo dei cinghiali selvaggi e selvaggi, con leggi bestiali basate su "crudeltà, bugie, scherno, umiliazione della persona umana. Katerina è andata contro la tirannia e l'oscurantismo , armata solo del potere dei suoi sentimenti, consapevole del diritto alla vita, alla felicità e all'amore. Secondo la giusta osservazione di Dobrolyubov, "sente l'opportunità di soddisfare la sete naturale della sua anima e non può più rimanere immobile: desidera ardentemente per una nuova vita, anche se doveva morire in questo impulso."

Fin dall'infanzia, Katerina è cresciuta in un ambiente particolare che si è sviluppato nel suo sogno romantico, religiosità e sete di libertà. Questi tratti caratteriali determinarono ulteriormente la tragedia della sua posizione. Cresciuta in uno spirito religioso, comprende tutta la "peccaminosità" dei suoi sentimenti per Boris, ma non può resistere all'attrazione naturale e si arrende completamente a questo impulso.

Katerina si oppone non solo ai "concetti di moralità di Kabanov". Protesta apertamente contro gli immutabili dogmi religiosi che affermavano l'inviolabilità categorica del matrimonio in chiesa e condannavano il suicidio come contrario all'insegnamento cristiano. Tenendo presente questa pienezza della protesta di Katerina, Dobrolyubov ha scritto: “Ecco la vera forza di carattere, su cui in ogni caso puoi fare affidamento! Questa è l'altezza a cui raggiunge la nostra vita popolare nel suo sviluppo, ma a cui pochissimi nella nostra letteratura sono riusciti a salire, e nessuno è stato in grado di trattenerla come Ostrovsky.

Katerina non vuole sopportare la situazione mortale circostante. "Non voglio vivere qui, quindi non lo farò, anche se mi tagli!", dice a Varvara. E si suicida. Il carattere di Katerina è complesso e sfaccettato. Questa complessità è evidenziata in modo più eloquente, forse, da il fatto che molti interpreti eccezionali, partendo da dominanti apparentemente completamente opposte del personaggio del personaggio principale, non sono stati in grado di esaurirlo fino alla fine Tutte queste varie interpretazioni non hanno rivelato completamente la cosa principale nel personaggio di Katerina: il suo amore, a cui si dona con tutta l'immediatezza di una giovane natura.La sua esperienza di vita è trascurabile, soprattutto nella sua natura si sviluppa un senso di bellezza, una percezione poetica della natura.Tuttavia, il suo carattere è dato in movimento, in sviluppo.Uno la contemplazione della natura, come sappiamo dalla commedia, non le basta. Abbiamo bisogno di altre aree di applicazione delle forze spirituali. Anche la preghiera, il servizio, i miti sono mezzi per soddisfare la poesia sensazione di tic del personaggio principale.

Dobrolyubov ha scritto: “Non sono i rituali che la occupano nella chiesa: non sente affatto quello che cantano e leggono lì; ha altra musica nell'anima, altre visioni, per lei il servizio finisce impercettibilmente, come in un secondo. È occupata con alberi stranamente disegnati su immagini, e immagina un intero paese di giardini, dove ci sono tutti questi alberi, e tutto è in fiore, profumato, tutto è pieno di canto celeste. Altrimenti, in una giornata di sole, vedrà come "un pilastro così luminoso scende dalla cupola, e il fumo cammina in questo pilastro, come nuvole", e ora vede già, "come se gli angeli volassero e cantassero in questo pilastro." A volte si presenterà: perché non dovrebbe volare? E quando si trova su una montagna, è attratta dal volo così: così scapperebbe, alzerebbe le mani e volerebbe ... ".

Una nuova, ma inesplorata, sfera di manifestazione dei suoi poteri spirituali era il suo amore per Boris, che alla fine divenne la causa della sua tragedia. "La passione di una donna nervosa e appassionata e la lotta con il debito, la caduta, il pentimento e la pesante espiazione della colpa - tutto questo è pieno del più vivo interesse drammatico ed è condotto con straordinaria arte e conoscenza del cuore", ha giustamente osservato I. A. Goncharov .

Quante volte viene condannata la passione, l'immediatezza della natura di Katerina e la sua profonda lotta spirituale è percepita come una manifestazione di debolezza. Nel frattempo, nelle memorie dell'artista E. B. Piunova-Shmidthof troviamo la curiosa storia di Ostrovsky sulla sua eroina: “Katerina”, mi ha detto Alexander Nikolayevich, “è una donna con una natura passionale e un carattere forte. Lo ha dimostrato con il suo amore per Boris e il suicidio. Katerina, sebbene sopraffatta dall'ambiente, alla prima occasione si abbandona alla sua passione, dicendo prima: "Qualunque cosa accada, ma vedrò Boris!" Di fronte all'immagine dell'inferno, Katerina non si arrabbia e non è isterica, ma solo con il suo viso e tutta la sua figura deve ritrarre la paura mortale. Nella scena dell'addio a Boris, Katerina parla piano, come una paziente, e solo le ultime parole: “Amica mia! La mia gioia! Arrivederci!" - Parla il più forte possibile. La posizione di Katherine è diventata senza speranza. Non puoi vivere a casa di tuo marito ... Non c'è nessun posto dove andare. Ai genitori? Sì, a quel punto l'avrebbero legata e portata da suo marito. Katerina giunse alla conclusione che era impossibile vivere come viveva prima e, avendo una forte volontà, si annegò ... ".

“Senza paura di essere accusato di esagerazione”, ha scritto I. A. Goncharov, “posso dire onestamente che nella nostra letteratura non esisteva un'opera come un dramma. Indubbiamente occupa e probabilmente occuperà per molto tempo il primo posto nelle bellezze classiche. Da qualunque parte venga presa, sia dal lato del piano della creazione, o del movimento drammatico, o, infine, dei personaggi, è ovunque impressa con il potere della creatività, la sottigliezza dell'osservazione e l'eleganza della decorazione. In The Thunderstorm, secondo Goncharov, "un quadro generale della vita e dei costumi nazionali si è placato".

Ostrovsky ha concepito The Thunderstorm come una commedia e poi l'ha definita un dramma. N. A. Dobrolyubov ha parlato molto attentamente della natura del genere di The Thunderstorm. Ha scritto che "i rapporti reciproci di tirannia e mancanza di voce sono portati alle conseguenze più tragiche".

Entro la metà del XIX secolo, la definizione di Dobrolyubov del "gioco della vita" si rivelò più capiente della tradizionale suddivisione dell'arte drammatica, che era ancora sotto il peso delle norme classiciste. Nel dramma russo, c'è stato un processo di convergenza della poesia drammatica con la realtà quotidiana, che ha naturalmente influenzato la loro natura di genere. Ostrovsky, ad esempio, ha scritto: “La storia della letteratura russa ha due rami che si sono finalmente fusi: un ramo è innestato ed è figlio di un seme straniero, ma ben radicato; va da Lomonosov attraverso Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky e così via. a Pushkin, dove comincia a convergere con un altro; l'altro - da Kantemir, attraverso le commedie dello stesso Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboedov a Gogol; in lui entrambi sono completamente fusi; il dualismo è finito. Da un lato: odi elogiative, tragedie francesi, imitazioni degli antichi, la sensibilità del tardo Settecento, il romanticismo tedesco, la frenetica letteratura giovanile; e d'altra parte: satire, commedie, commedie e "Dead Souls", la Russia, come se allo stesso tempo, nella persona dei suoi migliori scrittori, vivesse periodo dopo periodo la vita delle letterature straniere e innalzasse la propria a umano universale significato.

La commedia, quindi, si è rivelata la più vicina ai fenomeni quotidiani della vita russa, ha risposto con sensibilità a tutto ciò che preoccupava il pubblico russo, ha riprodotto la vita nelle sue manifestazioni drammatiche e tragiche. Ecco perché Dobrolyubov si è aggrappato così ostinatamente alla definizione di "gioco della vita", vedendovi non tanto un significato di genere convenzionale quanto il principio stesso di riprodurre la vita moderna nel dramma. In realtà, Ostrovsky ha parlato dello stesso principio: “Molte regole condizionali sono scomparse e altre scompariranno. Ora le opere drammatiche non sono altro che una vita drammatizzata ". Questo principio ha determinato lo sviluppo dei generi drammatici nei decenni successivi del XIX secolo. In termini di genere, The Thunderstorm è una tragedia sociale.

AI Revyakin osserva giustamente che la caratteristica principale della tragedia - "l'immagine delle contraddizioni inconciliabili della vita che causano la morte del protagonista, che è una persona eccezionale" - è evidente in The Thunderstorm. La rappresentazione della tragedia popolare, ovviamente, ha portato a nuove forme costruttive originali della sua incarnazione. Ostrovsky si è ripetutamente espresso contro il modo inerte e tradizionale di costruire opere drammatiche. Anche Thunderstorm è stato innovativo in questo senso. Ne parlò, non senza ironia, in una lettera a Turgenev del 14 giugno 1874, in risposta a una proposta di stampare The Thunderstorm in traduzione francese: “Non interferisce con la stampa di The Thunderstorm in una buona traduzione francese, può impressionare con la sua originalità; ma se dovrebbe essere messo in scena - ci si può pensare. Apprezzo molto la capacità dei francesi di fare giochi e temo di offendere il loro gusto delicato con la mia terribile inettitudine. Dal punto di vista francese la costruzione del Temporale è brutta, ma bisogna ammettere che in genere è poco coerente. Quando ho scritto The Thunderstorm, sono stato portato via finendo i ruoli principali e, con imperdonabile frivolezza, "ho reagito alla forma, e allo stesso tempo avevo fretta di tenere il passo con la performance di beneficenza del defunto Vasiliev".

Il ragionamento di AI Zhuravleva sull'originalità del genere di "Thunderstorm" è curioso: “Il problema dell'interpretazione del genere è il più importante nell'analisi di questa commedia. Se ci rivolgiamo alle tradizioni scientifico-critiche e teatrali dell'interpretazione di questa commedia, possiamo distinguere due tendenze prevalenti. Uno di questi è dettato dalla comprensione di The Thunderstorm come un dramma sociale e domestico, in cui la vita quotidiana è di particolare importanza. L'attenzione dei registi e, di conseguenza, degli spettatori è, per così dire, equamente distribuita tra tutti i partecipanti all'azione, ogni persona riceve uguale importanza.

Un'altra interpretazione è determinata dalla comprensione di "Temporale" come tragedia. Zhuravleva ritiene che tale interpretazione sia più profonda e abbia "maggiore supporto nel testo", nonostante il fatto che l'interpretazione di "Temporale" come dramma si basi sulla definizione di genere dello stesso Ostrovsky. Il ricercatore osserva giustamente che "questa definizione è un omaggio alla tradizione". In effetti, l'intera storia precedente della drammaturgia russa non ha fornito esempi di una tragedia in cui gli eroi sarebbero stati privati ​​​​e non personaggi storici, anche leggendari. Il "temporale" in questo senso è rimasto un fenomeno unico. Il punto chiave per comprendere il genere di un'opera drammatica in questo caso non è lo "status sociale" dei personaggi, ma, soprattutto, la natura del conflitto. Se intendiamo la morte di Katerina come risultato di uno scontro con sua suocera, per vederla vittima dell'oppressione familiare, allora la scala degli eroi sembra davvero piccola per una tragedia. Ma se vedi che il destino di Katerina è stato determinato dallo scontro di due epoche storiche, allora la natura tragica del conflitto sembra del tutto naturale.

Un segno tipico della struttura tragica è la sensazione di catarsi vissuta dal pubblico durante l'epilogo. Con la morte, l'eroina viene liberata sia dall'oppressione che dalle contraddizioni interne che la tormentano.

Così, il dramma sociale della vita della classe mercantile si trasforma in una tragedia. Ostrovsky è stato in grado di mostrare la svolta epocale che sta avvenendo nella coscienza della gente comune attraverso una collisione amore-quotidiana. Il risveglio del senso della personalità e un nuovo atteggiamento nei confronti del mondo, basato non sulla volontà individuale, si sono rivelati in inconciliabile antagonismo non solo con lo stato reale, mondano e affidabile del moderno stile di vita patriarcale di Ostrovsky, ma anche con l'idea ideale di moralità insita in un'eroina alta.

Questa trasformazione del dramma in tragedia è dovuta anche al trionfo dell'elemento lirico in The Thunderstorm.

Il simbolismo del titolo dell'opera è importante. Prima di tutto, la parola "temporale" ha un significato diretto nel suo testo. L'immagine del titolo è inclusa dal drammaturgo nello sviluppo dell'azione, vi partecipa direttamente come fenomeno naturale. Il motivo di un temporale si sviluppa nella commedia dal primo al quarto atto. Allo stesso tempo, anche l'immagine di un temporale è stata ricreata da Ostrovsky come paesaggio: nuvole scure piene di umidità ("come se una nuvola si arricciasse in una palla"), sentiamo soffocamento nell'aria, sentiamo il tuono, noi congelare davanti alla luce del lampo.

Anche il titolo dell'opera ha un significato figurativo. La tempesta infuria nell'anima di Katerina, si riflette nella lotta di principi creativi e distruttivi, nello scontro di presentimenti luminosi e cupi, sentimenti buoni e peccaminosi. Le scene con Grokha sembrano portare avanti l'azione drammatica dell'opera.

Il temporale nell'opera assume anche un significato simbolico, esprimendo l'idea dell'intera opera nel suo insieme. L'apparizione nel regno oscuro di persone come Katerina e Kuligin è un temporale su Kalinov. Il temporale nell'opera trasmette la natura catastrofica della vita, lo stato del mondo diviso in due. La poliedricità e la versatilità del titolo dell'opera diventano una sorta di chiave per una comprensione più profonda della sua essenza.

"Nella commedia del signor Ostrovsky, che porta il nome di "Temporale", ha scritto A. D. Galakhov, "l'azione e l'atmosfera sono tragiche, anche se molti luoghi suscitano risate". The Thunderstorm combina non solo il tragico e il comico, ma, cosa particolarmente importante, l'epico e il lirico. Tutto ciò determina l'originalità della composizione dell'opera. VE Meyerhold ha scritto in modo eccellente su questo: “La particolarità della costruzione del Temporale è che Ostrovsky dà il punto più alto di tensione nel quarto atto (e non nella seconda immagine del secondo atto), e il rafforzamento è notato nella sceneggiatura non è graduale (dal secondo atto attraverso il terzo al quarto), ma con una spinta, anzi, con due spinte; la prima ascesa è indicata nel secondo atto, nella scena dell'addio di Katerina a Tikhon (l'ascesa è forte, ma non ancora molto), e la seconda ascesa (molto forte - questa è la spinta più sensibile) nel quarto atto, al momento del pentimento di Katerina.

Tra questi due atti (posti come sulle cime di due colline disuguali ma in forte ascesa) - il terzo atto (con entrambe le immagini) si trova, per così dire, in una valle.

È facile vedere che lo schema interno della costruzione di The Thunderstorm, sottilmente rivelato dal regista, è determinato dalle fasi di sviluppo del personaggio di Katerina, dalle fasi del suo sviluppo, dai suoi sentimenti per Boris.

A. Anastasiev osserva che l'opera di Ostrovsky ha un suo destino speciale. Per molti decenni, "Thunderstorm" non ha lasciato il palcoscenico dei teatri russi, N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasilyev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova sono diventati famosi per le loro interpretazioni dei ruoli principali, P. A. Strepetova, O. O. Sadovskaya, A. Koonen, VN Pashennaya. E allo stesso tempo, "gli storici del teatro non hanno assistito a spettacoli integrali, armoniosi, eccezionali". Il mistero irrisolto di questa grande tragedia risiede, secondo il ricercatore, "nelle sue molteplici idee, nella più forte lega di verità storica innegabile, incondizionata, concreta e simbolismo poetico, nella combinazione organica di azione reale e inizio lirico profondamente nascosto. "

Di solito, quando parlano del lirismo di "Temporale", intendono, prima di tutto, il sistema lirico della visione del mondo del personaggio principale dell'opera, parlano anche del Volga, che si oppone nella sua forma più generale a lo stile di vita "fienile" e che provoca le effusioni liriche di Kuligin . Ma il drammaturgo non poteva - in virtù delle leggi del genere - includere il Volga, i bellissimi paesaggi del Volga, in generale, la natura nel sistema dell'azione drammatica. Ha mostrato solo il modo in cui la natura diventa un elemento integrante dell'azione scenica. La natura qui non è solo oggetto di ammirazione e ammirazione, ma anche il criterio principale per valutare tutto ciò che esiste, permettendo di vedere l'alogismo, l'innaturalità della vita moderna. “Ostrovsky ha scritto Temporale? "Temporale" ha scritto Volga! - esclamò il famoso critico teatrale e critico S. A. Yuryev.

"Ogni vero lavoratore quotidiano è allo stesso tempo un vero romantico", dirà in seguito il noto personaggio teatrale A. I. Yuzhin-Sumbatov, riferendosi a Ostrovsky. Romantico nel senso ampio del termine, sorpreso dalla correttezza e dalla severità delle leggi della natura e dalla violazione di queste leggi nella vita pubblica. Ostrovsky ne ha parlato in una delle sue prime annotazioni di diario dopo essere arrivato nei luoghi di Kostroma: “E dall'altra parte del Volga, proprio di fronte alla città, ci sono due villaggi; uno è particolarmente pittoresco, da cui il boschetto più riccio si estende fino al Volga, il sole al tramonto in qualche modo vi è salito miracolosamente, dalla radice, e ha fatto molti miracoli.

Partendo da questo schizzo del paesaggio, Ostrovsky ha ragionato:

“Sono esausto guardando questo. Natura: sei un amante fedele, solo terribilmente lussurioso; non importa quanto ti ami, sei ancora insoddisfatto; la passione insoddisfatta ribolle nei tuoi occhi, e per quanto giuri di non essere in grado di soddisfare i tuoi desideri, non ti arrabbi, non ti allontani, ma guardi tutto con i tuoi occhi appassionati, e questi occhi pieni di aspettativa sono l'esecuzione e tormento per una persona.

Il lirismo di The Thunderstorm, così specifico nella forma (Ap. Grigoriev ha sottilmente osservato al riguardo: "... come se non fosse un poeta, ma un intero popolo creato qui ..."), è nato proprio sulla base della vicinanza di il mondo dell'eroe e dell'autore.

Negli anni Cinquanta e Sessanta, l'orientamento verso un sano inizio naturale divenne il principio sociale ed etico non solo di Ostrovsky, ma di tutta la letteratura russa: da Tolstoj e Nekrasov a Cechov e Kuprin. Senza questa peculiare manifestazione della voce "dell'autore" nelle opere drammatiche, non possiamo comprendere appieno lo psicologismo di "The Poor Bride", e la natura del testo in "Thunderstorm" e "Dowry", e la poetica del nuovo dramma di la fine del XIX secolo.

Alla fine degli anni '60, il lavoro di Ostrovsky si stava espandendo tematicamente. Mostra come il nuovo si mescola al vecchio: nelle solite immagini dei suoi mercanti vediamo lucentezza e laicità, educazione e maniere "piacevoli". Non sono più stupidi despoti, ma acquirenti predatori, che tengono in pugno non solo una famiglia o una città, ma intere province. In conflitto con loro ci sono le persone più diverse, la loro cerchia è infinitamente ampia. E il pathos accusatorio delle commedie è più forte. I migliori: "Hot Heart", "Mad Money", "Forest", "Wolves and Sheep", "Last Victim", "Dowry", "Talents and Admirers".

I cambiamenti nell'opera di Ostrovsky dell'ultimo periodo sono molto chiaramente visibili, se confrontiamo, ad esempio, "Hot Heart" con "Thunderstorm". Il mercante Kuroslepov è un eminente mercante della città, ma non formidabile come Wild, è piuttosto un eccentrico, non capisce la vita ed è impegnato con i suoi sogni. La sua seconda moglie, Matryona, ha chiaramente una relazione con l'impiegato Narkis. Entrambi rapinano il proprietario e Narkis vuole diventare lui stesso un commerciante. No, il "regno oscuro" non è monolitico adesso. Lo stile di vita di Domostroevsky non salverà più l'ostinazione del sindaco Gradoboev. La baldoria sfrenata del ricco mercante Khlynov è un simbolo del rogo della vita, del decadimento, delle sciocchezze: Khlynov ordina che le strade vengano versate con lo champagne.

Parasha è una ragazza dal "cuore caldo". Ma se Katerina in The Thunderstorm risulta essere vittima di un marito non corrisposto e di un amante volitivo, allora Parasha è consapevole della sua potente forza spirituale. Vuole anche volare. Ama e maledice la debolezza del personaggio, l'indecisione del suo amante: "Che tipo di ragazzo è questo, che tipo di piagnucolone mi ha imposto ... A quanto pare, io stesso dovrei pensare alla mia testa".

Con grande tensione, lo sviluppo dell'amore di Yulia Pavlovna Tugina per il suo indegno giovane festaiolo Dulchin viene mostrato in The Last Victim. Negli ultimi drammi di Ostrovsky, c'è una combinazione di situazioni piene di azione con una dettagliata descrizione psicologica dei personaggi principali. Grande enfasi è posta sulle vicissitudini del tormento che sperimentano, in cui la lotta dell'eroe o dell'eroina con se stesso, con i propri sentimenti, errori e presupposti inizia a occupare un posto importante.

A questo proposito, "Dowry" è caratteristico. Qui, forse, per la prima volta, l'autore si concentra sul sentimento stesso dell'eroina, sfuggita alle cure della madre e al vecchio modo di vivere. In questa commedia non c'è una lotta tra luce e oscurità, ma la lotta dell'amore stesso per i suoi diritti e la sua libertà. La stessa Larisa Paratova preferiva Karandysheva. Le persone intorno a lei hanno cinicamente abusato dei sentimenti di Larissa. La madre che voleva "vendere" sua figlia, una "senza dote" per un uomo di soldi, presuntuosa che sarebbe stata la proprietaria di un tale tesoro, era indignata. Paratov ha abusato di lei, ingannando le sue migliori speranze e considerando l'amore di Larisa uno dei piaceri fugaci. Anche Knurov e Vozhevatov hanno abusato, interpretando Larisa in un lancio tra di loro.

In che tipo di cinici, pronti a falsificare, ricattare, corrompere per scopi egoistici, si sono trasformati i proprietari terrieri nella Russia post-riforma, impariamo dalla commedia "Pecore e lupi". I "lupi" sono il proprietario terriero Murzavetskaya, il proprietario terriero Berkutov, e le "pecore" sono la giovane ricca vedova Kupavina, l'anziano signore volitivo Lynyaev. Murzavetskaya vuole sposare il nipote dissoluto con Kupavina, "spaventandola" con i vecchi conti del suo defunto marito. In effetti, i conti sono stati falsificati da un fidato avvocato, Chugunov, che serve anche Kupavina. Berkutov è arrivato da San Pietroburgo, un proprietario terriero e un uomo d'affari, più vile dei mascalzoni locali. Capì subito qual era il problema. Kupavina con le sue enormi capitali ha preso il sopravvento, senza parlare di sentimenti. Abilmente "pappagallo" Murzavetskaya smascherando il falso, ha subito concluso un'alleanza con lei: è importante per lui vincere il ballottaggio alle elezioni per i capi della nobiltà. È un vero "lupo" e lo è, tutti gli altri accanto a lui sono "pecore". Allo stesso tempo, non c'è una netta divisione in furfanti e innocenti nel dramma. Tra i "lupi" e le "pecore" sembra esserci una specie di vile cospirazione. Tutti giocano la guerra l'uno con l'altro e allo stesso tempo sopportano facilmente e trovano un vantaggio comune.

Una delle migliori commedie dell'intero repertorio di Ostrovsky, a quanto pare, è la commedia Guilty Without Guilt. Combina i motivi di molte opere precedenti. L'attrice Kruchinina, la protagonista, donna di alta cultura spirituale, ha vissuto una grande tragedia della vita. È gentile e generosa di cuore e la saggia Kruchinina è all'apice della bontà e della sofferenza. Se vuoi, lei e il “raggio di luce” nel “regno oscuro”, lei e “l'ultima vittima”, lei e il “cuore caldo”, lei e la “dote”, intorno a lei sono “ammiratori”, che è, "lupi" predatori, estirpatori di denaro e cinici. Kruchinina, non dando ancora per scontato che Neznamov sia suo figlio, lo istruisce nella vita, rivela il suo cuore indurito: “Sono più esperta di te e ho vissuto di più nel mondo; So che nelle persone c'è molta nobiltà, molto amore, altruismo, specialmente nelle donne.

Questa commedia è un panegirico per la donna russa, l'apoteosi della sua nobiltà e del suo sacrificio. Questa è l'apoteosi dell'attore russo, la cui vera anima Ostrovsky conosceva bene.

Ostrovsky ha scritto per il teatro. Questa è la particolarità del suo dono. Le immagini e le immagini della vita che ha creato sono destinate al palcoscenico. Ecco perché il discorso dei personaggi di Ostrovsky è così importante, ecco perché le sue opere suonano così brillanti. Non c'è da stupirsi che Innokenty Annensky lo abbia definito un "auditor realista". Senza messa in scena sul palco, le sue opere erano come se non fossero state completate, motivo per cui Ostrovsky ha preso così duramente il divieto delle sue opere da parte della censura teatrale. (La commedia "Our People - Let's Settle" è stata autorizzata a essere messa in scena a teatro solo dieci anni dopo che Pogodin è riuscito a pubblicarla su una rivista.)

Con un sentimento di palese soddisfazione, A. N. Ostrovsky scrisse il 3 novembre 1878 al suo amico, artista del Teatro Alexandrinsky A. F. Burdin: "The Dowry" è stato riconosciuto all'unanimità come il migliore di tutti i miei lavori.

Ostrovsky viveva "Dote", a volte solo su di lei, la sua quarantesima cosa, dirigeva "la sua attenzione e la sua forza", volendo "finirla" nel modo più completo. Nel settembre 1878 scrive a un suo conoscente: "Sto lavorando con tutte le mie forze alla mia commedia; sembra che non andrà male".

Già un giorno dopo la prima, il 12 novembre, Ostrovsky ha potuto scoprire, e senza dubbio ha appreso da Russkiye Vedomosti, come è riuscito a "stancare l'intero pubblico, anche gli spettatori più ingenui". Perché lei - il pubblico - ha chiaramente "superato" quegli spettacoli che le offre.

Negli anni '70 il rapporto di Ostrovsky con critici, teatri e pubblico si fa sempre più complicato. Il periodo in cui godette di un riconoscimento universale, da lui conquistato tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio degli anni Sessanta, fu sostituito da un altro, che cresceva sempre di più in diversi circoli di raffreddamento nei confronti del drammaturgo.

La censura teatrale era più severa della censura letteraria. Questa non è una coincidenza. In sostanza, l'arte teatrale è democratica, è più diretta della letteratura, si rivolge al grande pubblico. Ostrovsky nella sua "Nota sulla situazione dell'arte drammatica in Russia al tempo presente" (1881) scrisse che "la poesia drammatica è più vicina alle persone rispetto ad altri rami della letteratura. Tutte le altre opere sono scritte per persone istruite, e drammi e commedie - per tutto il popolo; gli scrittori drammatici devono ricordarselo sempre, devono essere chiari e forti. Questa vicinanza al popolo non umilia minimamente la poesia drammatica, ma, al contrario, ne raddoppia la forza e le impedisce di diventare volgare e trascurabile." Ostrovsky parla nella sua "Nota" di come il pubblico teatrale in Russia si espanse dopo il 1861. Ostrovsky scrive di un nuovo spettatore, non esperto d'arte: “La letteratura raffinata è ancora noiosa per lui e incomprensibile, anche la musica, solo il teatro gli dà pieno piacere, lì vive tutto ciò che accade sul palco come un bambino, simpatizza con il bene e riconosce il male, chiaramente presentato." Per un "pubblico fresco", ha scritto Ostrovsky, "sono richiesti un dramma forte, una grande commedia, risate provocatorie, franche, forti, sentimenti caldi e sinceri". È il teatro, secondo Ostrovsky, che affonda le sue radici nello spettacolo popolare, ha la capacità di influenzare direttamente e fortemente le anime delle persone. Due decenni e mezzo dopo, Alexander Blok, parlando di poesia, scriverà che la sua essenza sta nelle verità principali, "camminanti", nella capacità di trasmetterle al cuore del lettore.

Andate avanti, ronzini in lutto!

Attori, padroneggiate il mestiere,

A dalla verità ambulante

Tutti si sentivano male e leggeri!

("Balagan"; 1906)

La grande importanza che Ostrovsky attribuiva al teatro, i suoi pensieri sull'arte teatrale, sulla posizione del teatro in Russia, sul destino degli attori - tutto ciò si rifletteva nelle sue opere.

Nella vita dello stesso Ostrovsky, il teatro ha avuto un ruolo enorme. Ha preso parte alla produzione delle sue opere teatrali, ha lavorato con attori, è stato amico di molti di loro, ha corrisposto. Ha fatto molti sforzi per difendere i diritti degli attori, cercando di creare una scuola di teatro in Russia, il suo repertorio.

Ostrovsky conosceva bene la vita interiore, nascosta agli occhi del pubblico, dietro le quinte del teatro. A partire da "The Forest" (1871), Ostrovsky sviluppa il tema del teatro, crea immagini di attori, ne descrive il destino - questa commedia è seguita da "Comedian of the 17th century" (1873), "Talents and Admirers" (1881 ), "Colpevole senza colpa" ( 1883).

Il teatro a immagine di Ostrovsky vive secondo le leggi di quel mondo, che è familiare al lettore e allo spettatore dalle altre sue opere. Il modo in cui si formano i destini degli artisti è determinato dai costumi, dai rapporti, dalle circostanze della vita "comune". La capacità di Ostrovsky di ricreare un'immagine accurata e vivace del tempo si manifesta pienamente anche nelle commedie sugli attori. Questa è Mosca dell'era dello zar Alexei Mikhailovich ("Comico del XVII secolo"), una città di provincia moderna di Ostrovsky ("Talenti e ammiratori", "Colpevole senza colpa"), una tenuta nobiliare ("Foresta").

Nella vita del teatro russo, che Ostrovsky conosceva così bene, l'attore era una persona forzata, che era in molte dipendenze. "Poi c'era un tempo per i favoriti, e tutta la diligenza manageriale dell'ispettore del repertorio consisteva nelle istruzioni al direttore capo di prestare ogni possibile cura durante la compilazione del repertorio in modo che i favoriti che ricevono una grande paga per spettacolo suonassero ogni giorno e, se possibile , in due teatri", scrisse Ostrovsky in "A Note on Draft Rules on Imperial Theatres for Dramatic Works" (1883).

Nella rappresentazione di Ostrovsky, gli attori potrebbero rivelarsi quasi mendicanti, come Neschastlivtsev e Schastlivtsev in The Forest, umiliati, che perdono la loro forma umana a causa dell'ubriachezza, come Robinson in The Dowry, come Shmaga in Guilty Without Guilt, come Erast Gromilov in Talenti e ammiratori", "Noi, gli artisti, il nostro posto è nel buffet", - dice Shmaga con sfida e maliziosa ironia.

Il teatro, la vita delle attrici di provincia alla fine degli anni '70, all'incirca nel periodo in cui Ostrovsky scriveva opere teatrali sugli attori, mostra M.E. Saltykov-Shchedrin nel romanzo "Gentlemen Golovlyov". Le nipoti di Yudushka, Lyubinka e Anninka, diventano attrici, sfuggendo alla vita di Golovlev, ma finiscono in un presepe. Non avevano talento, nessuna formazione, non avevano studiato recitazione, ma tutto questo non era richiesto sulla scena provinciale. La vita degli attori appare nelle memorie di Anninka come un inferno, come un incubo: "Ecco una scena con scenari fuligginosi, catturati e scivolosi per l'umidità; qui lei stessa gira sul palco, gira solo, immaginando di recitare ... Notti ubriache e combattive; passanti proprietari terrieri che ne estraggono frettolosamente uno verde dai portafogli magri; presa mercantile che acclama gli “attori” quasi con una frusta in mano. E la vita nel backstage è brutta, e quella che si recita sul palco è brutta: "... E la duchessa di Gerolstein, splendida con un mentico ussaro, e Cleretta Ango, in abito da sposa, con uno spacco davanti fino alla vita , e Bella Elena, con uno spacco davanti, dietro e da tutti i lati... Nient'altro che sfacciataggine e nudità... ecco com'è stata la vita!" Questa vita spinge Lubinka al suicidio.

Le coincidenze tra Shchedrin e Ostrovsky nella rappresentazione del teatro provinciale sono naturali: entrambi scrivono di ciò che sapevano bene, scrivono la verità. Ma Shchedrin è uno spietato satirico, esagera così tanto, l'immagine diventa grottesca, mentre Ostrovsky dà un'immagine obiettiva della vita, il suo "regno oscuro" non è senza speranza - non per niente N. Dobrolyubov ha scritto di un "raggio di leggero".

Questa caratteristica di Ostrovsky è stata notata dalla critica anche quando sono apparse le sue prime opere teatrali. "... La capacità di rappresentare la realtà così com'è - "fedeltà matematica alla realtà", assenza di qualsiasi esagerazione ... Tutti questi non sono i tratti distintivi della poesia di Gogol; tutti questi sono i tratti distintivi della nuova commedia", B. . Almazov ha scritto nell'articolo "Sogno in occasione di una commedia. Già ai nostri tempi, il critico letterario A. Skaftymov nella sua opera "Belinsky e la drammaturgia di A.N. Ostrovsky" osservava che "la differenza più evidente tra le opere di Gogol e Ostrovsky è che Gogol non ha una vittima del vizio, e Ostrovsky ha sempre una vittima sofferente vizio... Raffigurando il vizio, Ostrovsky protegge qualcosa da esso, protegge qualcuno... Pertanto, l'intero contenuto dell'opera cambia per mettere in primo piano la legittimità interiore, la verità e la poesia della genuina umanità, oppressi e cacciati in un'atmosfera di egoismo dominante e inganno. L'approccio di Ostrovsky alla rappresentazione della realtà, diverso da quello di Gogol, è spiegato, ovviamente, dall'originalità del suo talento, dalle proprietà "naturali" dell'artista, ma anche (questo non va trascurato) dal tempo cambiato: maggiore attenzione alla persona, ai suoi diritti, riconoscimento del suo valore.

IN E. Nemirovich-Danchenko nel suo libro "La nascita del teatro" scrive di ciò che rende particolarmente scenografiche le opere di Ostrovsky: "l'atmosfera di gentilezza", "chiara, ferma simpatia da parte dell'offeso, a cui la sala del teatro è sempre estremamente sensibile ."

Nelle commedie sul teatro e sugli attori, Ostrovsky ha certamente l'immagine di un vero artista e di una persona meravigliosa. Nella vita reale, Ostrovsky conosceva molte persone eccellenti nel mondo del teatro, le apprezzava molto e le rispettava. Un ruolo importante nella sua vita è stato interpretato da L. Nikulina-Kositskaya, che ha interpretato brillantemente Katerina in The Thunderstorm. Ostrovsky era amico dell'artista A. Martynov, apprezzava molto N. Rybakov, G. Fedotova, M. Yermolova recitava nelle sue opere; P. Strepetova.

Nella commedia Guilty Without Guilt, l'attrice Elena Kruchinina dice: "So che le persone hanno molta nobiltà, molto amore, altruismo". E la stessa Otradina-Kruchinina appartiene a persone così meravigliose e nobili, è un'artista meravigliosa, intelligente, significativa, sincera.

"Oh, non piangere; non valgono le tue lacrime. Sei una colomba bianca in uno stormo nero di torri, quindi ti beccano. Il tuo candore, la tua purezza sono offensivi per loro", dice Narokov a Sasha Negina in Talenti e ammiratori.

L'immagine più vivida di un nobile attore creata da Ostrovsky è il tragico Neschastlivtsev in The Forest. Ostrovsky raffigura una persona "viva", con un destino difficile, con una triste storia di vita. Neschastlivtsev, che beve molto, non può essere definito una "colomba bianca". Ma cambia durante lo spettacolo, la situazione della trama gli dà l'opportunità di rivelare appieno le migliori caratteristiche della sua natura. Se all'inizio il comportamento di Neschastlivtsev mostra attraverso l'atteggiamento insito nel tragico provinciale, una predilezione per la recitazione pomposa (in questi momenti è ridicolo); se, interpretando il maestro, si trova in situazioni ridicole, allora, avendo capito cosa sta succedendo nella tenuta Gurmyzhskaya, che spazzatura è la sua padrona, prende una parte ardente al destino di Aksyusha, mostra eccellenti qualità umane. Si scopre che il ruolo di un nobile eroe è organico per lui, questo è davvero il suo ruolo - e non solo sul palco, ma anche nella vita.

A suo avviso, arte e vita sono indissolubilmente legate, l'attore non è un ipocrita, non un pretendente, la sua arte si basa su sentimenti genuini, esperienze autentiche, non dovrebbe avere nulla a che fare con la finzione e le bugie nella vita. Questo è il significato dell'osservazione che Gurmyzhskaya e tutta la sua compagnia di Neschastlivtsev lanciano: "... Siamo artisti, artisti nobili e comici siete voi".

Gurmyzhskaya risulta essere il comico principale nello spettacolo dal vivo che si svolge in The Forest. Sceglie per sé un ruolo attraente e grazioso di una donna dalle rigide regole morali, una generosa filantropa che si è dedicata a buone azioni ("Signori, vivo per me stessa? Tutto quello che ho, tutto il mio denaro appartiene ai poveri. Sono solo un impiegato con i miei soldi, e il loro padrone è ogni povero, ogni sfortunato", ispira coloro che la circondano). Ma tutto questo è ipocrisia, una maschera che nasconde il suo vero volto. Gurmyzhskaya inganna, finge di essere di buon cuore, non ha nemmeno pensato di fare qualcosa per gli altri, aiutare qualcuno: “Perché mi sono emozionata! Gurmyzhskaya non solo interpreta un ruolo che le è completamente estraneo, ma costringe anche gli altri a recitare con lei, impone loro ruoli che dovrebbero presentarla nella luce più favorevole: Neschastlivtsev è incaricato di interpretare il ruolo di un nipote riconoscente e amorevole . Aksyusha - il ruolo della sposa, Bulanov - lo sposo di Aksyusha. Ma Aksyusha si rifiuta di rompere una commedia per lei: "Non lo sposerò, quindi perché questa commedia?" Gurmyzhskaya, non nascondendo più il fatto di essere la regista della commedia in scena, mette sgarbatamente Aksyusha al suo posto: "Commedia! Come ti permetti? Ma anche una commedia; ti nutro e ti vesto, e ti farò recitare un commedia."

Il comico Schastlivtsev, che si è rivelato più perspicace del tragico Neschastlivtsev, che all'inizio ha accettato la performance di Gurmyzhskaya sulla fede, ha capito la vera situazione davanti a lui, dice a Neschastlivtsev: “Lo studente delle superiori, a quanto pare, è più intelligente; ruolo migliore qui del tuo ... Lui è un amante, e tu sei ... un sempliciotto.

Davanti allo spettatore appare la vera, senza una maschera farisaica protettiva, Gurmyzhskaya - una donna avida, egoista, ingannevole e depravata. La performance che ha interpretato ha perseguito obiettivi bassi, vili e sporchi.

Molte delle opere di Ostrovsky presentano un "teatro" della vita così falso. Podkhalyuzin nella prima commedia di Ostrovsky "Our People - Let's Settle" interpreta il ruolo del proprietario più devoto e fedele di una persona e raggiunge così il suo obiettivo: avendo ingannato Bolshov, diventa lui stesso il proprietario. Glumov nella commedia "Basta stupidità per ogni saggio" costruisce la sua carriera su un gioco complesso, indossando l'una o l'altra maschera. Solo il caso gli ha impedito di raggiungere il suo obiettivo nell'intrigo che aveva iniziato. In "Dowry" non solo Robinson, intrattenendo Vozhevatov e Paratov, appare come un signore. Il divertente e pietoso Karandyshev cerca di sembrare importante. Essendo diventato il fidanzato di Larisa, "... ha alzato la testa così in alto da inciampare in qualcuno. E per qualche motivo si è messo gli occhiali, ma non li ha mai indossati. Si inchina - annuisce a malapena", dice Vozhevatov. Tutto ciò che fa Karandyshev è artificiale, tutto è per lo spettacolo: il miserabile cavallo che ha ottenuto, il tappeto con armi da quattro soldi sul muro e la cena che organizza. L'uomo di Paratov - prudente e senz'anima - interpreta il ruolo di una natura calda e sfrenata.

Teatro nella vita, maschere imponenti nascono dal desiderio di camuffare, nascondere qualcosa di immorale, vergognoso, spacciare il nero per bianco. Dietro una tale prestazione di solito c'è il calcolo, l'ipocrisia, l'interesse personale.

Neznamov nella commedia "Guilty Without Guilt", essendo vittima dell'intrigo iniziato da Korinkina, e credendo che Kruchinina fingesse solo di essere una donna gentile e nobile, dice con amarezza: "Attrice! attrice! quindi recita sul palco. Pagano soldi per una buona finzione E per giocare nella vita su cuori semplici, creduloni che non hanno bisogno di un gioco, che chiedono la verità... dovrebbero essere giustiziati per questo... non abbiamo bisogno dell'inganno! , la pura verità!" L'eroe dell'opera qui esprime un'idea molto importante per Ostrovsky sul teatro, sul suo ruolo nella vita, sulla natura e lo scopo della recitazione. Ostrovsky contrappone la commedia e l'ipocrisia nella vita con l'arte piena di verità e sincerità sul palco. Un vero teatro, un'opera ispirata di un artista è sempre morale, porta del bene, illumina una persona.

Le commedie di Ostrovsky su attori e teatro, che riflettevano accuratamente le circostanze della realtà russa negli anni '70 e '80, contengono pensieri sull'arte che sono ancora vivi oggi. Sono pensieri sul destino difficile, a volte tragico di un vero artista, che, realizzando se stesso, si spende, si brucia, sulla felicità che trova nella creatività, nel dono completo di sé, sull'alta missione dell'arte, che afferma la bontà e umanità. Lo stesso Ostrovsky si è espresso, ha rivelato la sua anima nelle commedie che ha creato, forse soprattutto francamente nelle commedie sul teatro e sugli attori. Molto in essi è in sintonia con ciò che il poeta del nostro secolo scrive in meravigliosi versi:

Quando il sentimento detta la linea

Manda uno schiavo sul palco,

Ed è qui che finisce l'arte.

E il suolo e il destino respirano.

(B.Pasternak " Ah lo saprei

che succede... ").

Intere generazioni di straordinari artisti russi sono cresciute sulle produzioni delle opere di Ostrovsky. Oltre ai Sadovsky, ci sono anche Martynov, Vasiliev, Strepetov, Yermolov, Massalitinov, Gogolev. Le mura del Teatro Maly hanno visto dal vivo il grande drammaturgo e le sue tradizioni stanno ancora crescendo sul palco.

L'abilità drammatica di Ostrovsky è proprietà del teatro moderno, oggetto di attento studio. Non è affatto obsoleto, nonostante alcune tecniche antiquate. Ma questa antiquata è esattamente la stessa del teatro di Shakespeare, Molière, Gogol. Questi sono diamanti vecchi e genuini. Le opere di Ostrovsky contengono possibilità illimitate per la performance sul palco e la crescita della recitazione.

Il principale punto di forza del drammaturgo è la verità che conquista tutto, la profondità della tipizzazione. Dobrolyubov ha anche notato che Ostrovsky raffigura non solo tipi di mercanti, proprietari terrieri, ma anche tipi universali. Davanti a noi ci sono tutti i segni dell'arte più alta, che è immortale.

L'originalità della drammaturgia di Ostrovsky, la sua innovazione si manifesta particolarmente chiaramente nella tipizzazione. Se idee, temi e trame rivelano l'originalità e l'innovazione del contenuto della drammaturgia di Ostrovsky, allora i principi di tipizzazione dei personaggi si riferiscono già alla sua rappresentazione artistica, alla sua forma.

A. H. Ostrovsky, che ha continuato e sviluppato le tradizioni realistiche del dramma dell'Europa occidentale e russo, era attratto, di regola, non da personalità eccezionali, ma da personaggi sociali ordinari e ordinari di maggiore o minore tipicità.

Quasi tutti i personaggi di Ostrovsky sono originali. Allo stesso tempo, l'individuo nelle sue opere non contraddice il sociale.

Individuando i suoi personaggi, il drammaturgo scopre il dono della più profonda penetrazione nel loro mondo psicologico. Molti episodi delle opere di Ostrovsky sono capolavori di rappresentazione realistica della psicologia umana.

“Ostrovsky”, ha giustamente scritto Dobrolyubov, “sa guardare nel profondo dell'anima di una persona, sa distinguere la natura da tutte le deformità e le escrescenze accettate esternamente; ecco perché l'oppressione esterna, la pesantezza dell'intera situazione che schiaccia una persona, si fa sentire nelle sue opere molto più fortemente che in molte storie, terribilmente oltraggiose nel contenuto, ma il lato esterno, ufficiale della questione oscura completamente l'interno, lato umano. Dobrolyubov ha riconosciuto una delle principali e migliori proprietà del talento di Ostrovsky nella capacità di "notare la natura, penetrare nelle profondità dell'anima di una persona, cogliere i suoi sentimenti, indipendentemente dall'immagine delle sue relazioni ufficiali esterne".

Lavorando sui personaggi, Ostrovsky ha costantemente migliorato i metodi della sua abilità psicologica, ampliando la gamma di colori utilizzati, complicando i colori delle immagini. Nella sua primissima opera, abbiamo davanti a noi caratteri luminosi, ma più o meno unilineari dei personaggi. Ulteriori lavori sono esempi di una divulgazione più approfondita e complicata delle immagini umane.

Nella drammaturgia russa, la scuola di Ostrovsky è designata in modo del tutto naturale. Comprende I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya. Soloviev, P. M. Nevezhin e A. Kupchinsky. Imparando da Ostrovsky, I. F. Gorbunov ha creato scene meravigliose della vita mercantile e artigiana piccolo-borghese. Seguendo Ostrovsky, A. A. Potekhin ha rivelato nelle sue commedie l'impoverimento della nobiltà ("The Newest Oracle"), l'essenza predatoria della ricca borghesia ("Guilty"), la corruzione, il carrierismo della burocrazia ("Tinsel"), la bellezza spirituale dei contadini ("Pelliccia di pecora - l'anima umana"), l'emergere di nuove persone di un magazzino democratico ("Cut off chunk"). Il primo dramma di Potekhin, The Judgment of Man Not God, apparso nel 1854, ricorda le opere di Ostrovsky scritte sotto l'influenza dello slavofilismo. Alla fine degli anni Cinquanta e all'inizio degli anni Sessanta, le opere teatrali di I. E. Chernyshev, artista del Teatro Alexandrinsky e collaboratore permanente della rivista Iskra, erano molto popolari a Mosca, San Pietroburgo e provincia. Queste commedie, scritte in uno spirito liberal-democratico, imitando chiaramente lo stile artistico di Ostrovsky, hanno impressionato con l'esclusività dei personaggi principali, la nitida formulazione di questioni morali e domestiche. Ad esempio, nella commedia The Bridegroom from the Debt Office (1858) si raccontava di un povero uomo che cercava di sposare un ricco proprietario terriero, nella commedia Happiness Is Not in Money (1859), viene raffigurato un predatore-mercante senz'anima, nel dramma Father of the Family (1860) tiranno-padrone di casa, e nella commedia "Spoiled Life" (1862) raffigura un funzionario estremamente onesto e gentile, la sua ingenua moglie e un velo disonorevolmente traditore che violava la loro felicità.

Sotto l'influenza di Ostrovsky, successivamente, tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, drammaturghi come A. I. Sumbatov-Yuzhin, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naidenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich e molti altri.

L'indiscutibile autorità di Ostrovsky come primo drammaturgo del paese è stata riconosciuta da tutte le figure letterarie progressiste. Apprezzando molto la drammaturgia di Ostrovsky come "nazionale", ascoltando i suoi consigli, L. N. Tolstoy gli inviò la commedia "The First Distiller" nel 1886. Definendo Ostrovsky il "padre della drammaturgia russa", l'autore di "Guerra e pace" gli ha chiesto in una lettera di accompagnamento di leggere la commedia ed esprimere il "verdetto di suo padre" al riguardo.

Le commedie di Ostrovsky, le più progressiste nella drammaturgia della seconda metà dell'Ottocento, costituiscono un passo avanti nello sviluppo dell'arte drammatica mondiale, un capitolo indipendente e importante.

L'enorme influenza di Ostrovsky sulla drammaturgia dei popoli russo, slavo e di altri è indiscutibile. Ma il suo lavoro è connesso non solo con il passato. Vive attivamente nel presente. Con il suo contributo al repertorio teatrale, che è espressione della vita attuale, il grande drammaturgo è nostro contemporaneo. L'attenzione al suo lavoro non diminuisce, ma aumenta.

Ostrovsky attirerà a lungo i cuori e le menti degli spettatori nazionali e stranieri con il pathos umanistico e ottimista delle sue idee, la profonda e ampia generalizzazione dei suoi eroi, il bene e il male, le loro proprietà umane universali, l'unicità della sua originale abilità drammatica.

Zaitseva Larissa Nikolaevna, insegnante di lingua e letteratura russa.MB OU Gasdotto scuola secondaria con. Pochinki, distretto di Pochinkovsky,Regione di Nižnij Novgorod.Articolo: letteratura Classe: 10 Soggetto: Prova per il grado 10 "A. N. Ostrovsky "Temporale"
1. L'articolo "Dark Kingdom" è stato scritto da: A) N. G. Chernyshevsky;B) V. G. Belinsky;C) N. A. Dobrolyubov.
2. Rappresentanti brillanti del "regno oscuro" sono: A) Tikhon; c) Cinghiale;B) selvaggio; d) Kuligin.
3. Quale degli eroi dell'opera teatrale dimostra chiaramente il crollo del "regno oscuro" negli anni precedenti la riforma: A) Tikhon; c) Feklusha;b)Barbara; d) Kabanova.
4. Una denuncia satirica è combinata nel dramma con l'affermazione di una nuova forza che sorge per lottare per i diritti umani. Su chi si basa l'autore? R) Caterina B) Tikhon; B) Boris.
5. Chi ha chiamato N. A. Dobrolyubov "un raggio di luce in un regno oscuro"? R)Barbara c) Tikhon;B) Caterina; d) Kuligin.

6. Il finale dell'opera è tragico. Il suicidio di Katerina, secondo Dobrolyubov, è una manifestazione di: A) forza spirituale e coraggio;B) debolezza e impotenza spirituale;C) momentaneo sfogo emotivo.
7. La caratteristica del discorso è una vivida dimostrazione del carattere dell'eroe. Trova la corrispondenza tra il discorso dei personaggi nel gioco:A) Era così? Ho vissuto, non mi sono addolorato per nulla, come un uccello allo stato brado! "I venti sono violenti, trasferisci la mia tristezza e il mio desiderio su di lui!"B) "Bla-alepie, tesoro, bla-alepie! (...)Vivi nella terra promessa! E i mercanti sono tutte persone pie, adornate di molte virtù.C) “Non ho sentito, amico mio, non ho sentito. Non voglio mentire. Come ho sentito, allora non parlerei con te, mia cara.(Kabanikha; Katerina; Feklusha.)
8. Nel discorso degli eroi c'è (trova una corrispondenza): A) vocabolario ecclesiastico, saturo di arcaismi e vernacolo;B) vocabolario folk-poetico, colloquiale, emotivo;C) volgare piccolo-borghese-mercantile, maleducazione;D) vocabolario letterario del XVIII secolo con tradizioni Lomonosov e Derzhavin.
9. Trova la corrispondenza delle caratteristiche date agli eroi dell'opera: A) “Chi ... piacerà, se ... tutta la vita è basata sul giuramento? E soprattutto a causa dei soldi, nessun accordo può fare a meno di rimproverare ... E il guaio è che se al mattino ... qualcuno ti farà arrabbiare! Se la prende con tutti tutto il giorno".B) “Caccia, signore! I mendicanti sono vestiti, ma la famiglia è bloccata (bloccata) completamente. (Cinghiale).
10. Chi dice queste parole? “Dico: perché le persone non volano come uccelli? Sai, a volte mi sento come se fossi un uccello. Quando ti trovi su una montagna, sei attratto dal volo. È così che vorrei correre, alzare le mani e volare.R)Barbara c) Glasha;B) Caterina; d) Fekusha.

11.A. N. Ostrovsky rivela le proprietà sociali tipiche e individuali dei personaggi in un determinato ambiente sociale. Quale?A) padrone di casa-nobile; B) commerciante; b) aristocratico D) popolare. 12. A quale rivista all'inizio della sua attività (fino al 1856) collaborò A. N. Ostrovsky? A) "Moskvityanin";B) "Note domestiche";B) "Contemporaneo";D) "Biblioteca per la lettura".
13. A. N. Ostrovsky considerava il realismo e il folk in letteratura il più alto criterio di abilità artistica. Cos'è una "nazione"? A) una proprietà speciale di un'opera letteraria in cui l'autore riproduce nel suo mondo artistico ideali nazionali, carattere nazionale, vita delle persone;B) un'opera letteraria che racconta la vita delle persone;C) la manifestazione nell'opera della tradizione letteraria nazionale, alla quale l'autore fa affidamento nella sua opera.
14.A. N. Ostrovsky ha lavorato a stretto contatto con il teatro, sul palcoscenico del quale sono state rappresentate quasi tutte le opere del drammaturgo. Come si chiama questo teatro? A) Teatro d'Arte; B) Teatro Maly; C) teatro "Sovremennik"; D) Teatro Bolshoi.

Chiavi di prova: 1-c). 2-b), c). 3-b). 4-a). 5B). 6-a). 7 - a) Caterina; b) Feklusha; c) Cinghiale.8 – a) Verro; b) Caterina; c) selvatico; d) Kuligin.9 - a) Selvaggio; b) Cinghiale. 10 -b). 11 -b). 12 bis). 13 bis). 14 -b).