La musica ha un potere straordinario di influenzare una persona e quindi è uno dei mezzi meravigliosi e molto potenti del suo sviluppo interiore. Sperimenta la musica come potrebbe vivere eventi reali nella sua vita, e l'esposizione alla musica è un'opportunità per esperienze di vita positive.
"Qualsiasi forma di comunicazione con la musica ti insegna ad ascoltare la musica, migliorando continuamente la capacità di ascoltarla e di pensarci", ha detto il famoso insegnante D.B. Kabalevskij. Ma la forma più attiva e accessibile di comunicazione con la musica, risvegliando pensieri e sentimenti, sono i momenti in cui una persona agisce come ascoltatore. È in questi momenti che gli viene richiesta la massima attenzione, concentrazione e tensione della forza mentale. "Ascoltare" è il tipo principale di attività musicale. E quindi è necessario sfruttare ogni opportunità per sviluppare il gusto musicale, la capacità di confrontare, contrastare, distinguere e riconoscere ciò che è stato ascoltato.
Raffaello. Parnaso. Apollo e le Muse.
Cosa puoi sentire nella musica oltre alla musica stessa? Se chiedi: cosa si può vedere nel dipinto dell’artista? Cosa puoi leggere nel libro? Cosa puoi vedere nel film? In tutti questi casi la risposta sarà più o meno specifica, perché il contenuto di queste opere d'arte è ben definito. Riflette alcuni aspetti della vita delle persone, lo stato della natura che li circonda, può essere raccontato a parole.
Ma se immagini un'esibizione di un'orchestra o di un musicista che esegue un brano strumentale. È giusto chiedersi: a cosa stanno giocando? Una domanda che non vale per la musica. Perché allora, per cosa e per chi viene suonata la musica? Ovviamente per chi lo ascolta. Ciò significa che puoi sentire qualcosa nella musica. Questo è ciò che attrae una persona verso di lei.
Come ogni altra opera d'arte, la musica ci emoziona, a volte provando sentimenti insoliti e forti. Se la musica fosse un vuoto gioco di suoni, non troverebbe una risposta spirituale, una persona rimarrebbe indifferente, indifferente ad essa. Ciò significa che la musica contiene qualcosa di importante, significativo per una persona, cioè è significativa.
In cosa consistono questi contenuti e come si manifestano? Prima di tutto, la musica è in grado di trasmettere l'uno o l'altro stato mentale di una persona, esprimendo i suoi sentimenti ed esperienze. A volte il compositore introduce gli ascoltatori nel suo piano. Quindi spiega il contenuto dell'opera in un modo o nell'altro, ad esempio, dandogli un titolo appropriato. Se il contenuto delle opere per strumenti o orchestra è trasmesso principalmente solo dai mezzi espressivi della musica stessa, di cui cercherò di parlare separatamente, allora nelle opere vocali e teatrali sia la parola, sia l'azione, sia la danza, e a ciò partecipa già la progettazione artistica della scena.
Quanto si può esprimere utilizzando solo i suoni? Che cosa esattamente? Sono in grado di dipingere un quadro, trasmettere movimento, raccontare la vita delle persone? Per fare questo, devi rivolgerti alla musica stessa e provare a “ascoltare” il contenuto presente in ogni opera.
T.A. Chekhova nel suo lavoro offre i seguenti consigli ai principianti e agli ascoltatori non molto esperti:
1. All'inizio è meglio scegliere opere brevi finché non si è sviluppata l'abilità di “seguire i suoni” con le orecchie.
2. Per l'ascolto è necessario scegliere composizioni di musica sia vocale (per la voce) che strumentale (per vari strumenti musicali). Va ricordato che il testo nelle opere vocali aiuta a comprendere il contenuto, e le opere di musica strumentale a programma con una certa trama, espressa nel titolo della composizione, sono più facili da percepire ed è meglio iniziare a acquisire esperienza nell'ascolto alla musica da loro.
3. Durante l'audio, devi monitorare attentamente ciò che accade nella musica dall'inizio alla fine, coprendo le tue orecchie suono per suono, senza perdere di vista nulla.
4. Di tanto in tanto, dovresti assolutamente tornare ad ascoltare opere familiari per imparare a riconoscerle facilmente e rapidamente, a immaginare mentalmente il loro suono (voce interiore).
5. In alcuni casi, puoi scegliere un'illustrazione che si adatti al tuo umore in base a ciò che hai sentito o disegnare la tua "immagine musicale". Anche i versi di opere letterarie, soprattutto poetiche, che si possono trovare in grande varietà di scrittori e poeti famosi, aiuteranno a risvegliare la fantasia e l'immaginazione. Riflettere sul motivo per cui questi versi e non altri sono così in sintonia con la musica ti aiuterà anche a sentire di più.
6. Alcune composizioni musicali hanno gli stessi nomi, ma nel loro umore e sentimenti sono completamente diversi. Dovresti soprattutto ascoltare il suono di tali opere, memorizzarle e notare tu stesso questa dissomiglianza. (Prova a distinguere tra personaggi e immagini).
P. Picasso. Tre musicisti
Per determinare la natura di un'opera, la sua percezione emotiva e figurativa, puoi prima utilizzare il dizionario delle emozioni estetiche che esistono nella musica come segni della natura del suono, offerto dallo scienziato, insegnante e psicologo V.G. Razhnikov.
GIOIOSO: allegro, festoso, chiassoso, frizzante, vigoroso, vivace, pimpante, luminoso, radioso
SOLENNE: maestoso, vittorioso, invitante, entusiasta, aggraziato, affermativo
TENERAMENTE: affettuosamente, cordialmente, toccante, affabilmente, con fiducia, dolcemente, gentilmente
CALMO: pacifico, sereno, di buon carattere, leggero, trasparente, benevolo
EMOZIONATO: ansioso, preoccupato
PESANTE: goffo, spigoloso
GROZNO: dinamico, tragico
Poetico: sognante, melodioso, pieno di sentimento, riverente, sentito
Un buon esempio qui potrebbe essere, ad esempio, l'album "Seasons" di P.I. Čajkovskij. Dove ogni mese ha il suo carattere e il suo umore. Le immagini sonore della natura create da compositori di talento possono essere paragonate a paesaggi di artisti famosi, con descrizioni della bellezza del mondo circostante in poesia. Un'accattivante notte di luna, piena di fascino magico, misteriosa ed enigmatica: questa è l'immagine dell'opera teatrale “Moonlight” di C. Debussy. Il piacevole approccio del mattino è trasmesso dall'introduzione all'opera di Mussorgsky - "L'alba sul fiume Moscova".
La musica ha accesso sia al mondo delle fiabe, della fantasia che al mondo reale, in cui le persone vivono, si verificano eventi quotidiani e vengono eseguite varie azioni. Come viene rappresentato nella musica? Nel primo caso, le opere del compositore e narratore musicale russo Rimsky-Korsakov sarebbero molto adatte. Ad esempio, le sue opere "La storia dello zar Saltan", "Sadko", "Snow Maiden", "Il galletto d'oro" e la suite "Scheherazade". Ci sono molte immagini fiabesche tra le opere di Mussorgsky, riunite sotto il titolo generale "Immagini di un'esposizione" e il film fiabesco di Anatoly Lyadov "Il lago magico".
I. Levitan. Lago della foresta
La musica è capace di trasmettere il carattere di una persona? Per cominciare, puoi conoscere i personaggi di "Carnevale" del compositore tedesco Schumann. Se si confrontano i ritratti musicali di Florestan ed Eusebio, diventa chiaro quanto siano opposti: Florestan è impetuoso, sempre in movimento, mentre Eusebio è calmo e incline a sognare ad occhi aperti. Al carnevale compaiono anche maschere familiari: il Pierrot spigoloso e leggermente divertente e l'Arlecchino dall'andatura leggera e saltellante.
Eusebio (da Carnevale) - Eusebio
Un altro carnevale è conosciuto anche nella letteratura musicale… Il compositore francese Saint-Saëns lo chiamò “Carnevale degli animali”.
E nell'opera orchestrale di O. Messiaen “Il risveglio degli uccelli” i vari suoni di una foresta estiva piena delle voci degli uccelli vengono trasmessi in modo molto accurato, sono stati creati ritratti di “cantanti della foresta”.
Anton Arensky ha una suite "Silhouettes". La suite comprende cinque schizzi di ritratti, scritti in modo elegante e rilassato, che attraggono con la sottigliezza e l'arguzia delle loro immagini sonore.
La musica può fornire informazioni su un evento? Da un brano musicale puoi anche conoscere eventi del lontano passato. Uno di loro è stato catturato nella musica da Rimsky-Korsakov. La sua "Battaglia a Kerzhenets" è un'immagine vivida di una battaglia brutale.
Ascoltare e sentire la musica sono due cose diverse. Il contenuto della musica è ricco e vario quanto il contenuto di altre forme d'arte. Si rivela solo con l'aiuto di mezzi espressivi caratteristici della musica. A differenza dei suoni non musicali, i suoni musicali hanno un tono esatto e una certa durata. Inoltre, possono avere colori diversi, suonare ad alto o basso ed essere eseguiti rapidamente o lentamente. Melodia e accompagnamento, modo e armonia, metro e ritmo, registro e timbro, dinamica e tempo: tutti questi sono i mezzi espressivi dell'arte musicale. Imparare a sentirli e a distinguerli, a comprendere il linguaggio musicale con cui il compositore si rivolge all'ascoltatore, è necessario tanto quanto comprendere un testo letterario e i mezzi della pittura. Allora il contenuto delle opere d'arte musicale si rivelerà in tutta la sua ricchezza.
Quindi, la nostra attenzione oggi è sulle opere musicali classiche più famose. La musica classica entusiasma i suoi ascoltatori da diversi secoli, facendoli provare tempeste di sentimenti ed emozioni. Fa parte della storia da tempo e si intreccia con il presente con fili sottili.
Indubbiamente, in un lontano futuro, la musica classica non sarà meno richiesta, poiché un tale fenomeno nel mondo musicale non può perdere la sua rilevanza e significato.
Dai un nome a qualsiasi opera classica: sarà degna del primo posto in qualsiasi classifica musicale. Ma poiché non è possibile confrontare tra loro le opere musicali classiche più famose, a causa della loro unicità artistica, le opere qui nominate sono presentate solo come opere di riferimento.
"Serenata al chiaro di luna"
Ludwig van Beethoven
Nell'estate del 1801 fu pubblicata la brillante opera di L.B. Beethoven, destinato a diventare famoso in tutto il mondo. Il titolo di quest'opera, "Moonlight Sonata", è noto a tutti, dai vecchi ai giovani.
Ma inizialmente l'opera aveva il titolo “Quasi una fantasia”, che l'autore dedicò alla sua giovane allieva, la sua amata Giulietta Guicciardi. E il nome con cui è conosciuto fino ad oggi è stato inventato dal critico musicale e poeta Ludwig Relstab dopo la morte di L.V. Beethoven. Quest'opera è una delle opere musicali più famose del compositore.
A proposito, un'eccellente raccolta di musica classica è rappresentata dalle pubblicazioni del quotidiano "Komsomolskaya Pravda" - libri compatti con dischi per ascoltare musica. Puoi leggere e ascoltare la sua musica: molto comodo! Noi raccomandiamo ordina CD di musica classica direttamente dalla nostra pagina : clicca sul pulsante “acquista” e vai subito al negozio.
"Marcia turca"
Wolfgang Amadeus Mozart
Quest'opera è il terzo movimento della Sonata n. 11, nasce nel 1783. Inizialmente si chiamava “Rondò turco” ed era molto popolare tra i musicisti austriaci, che in seguito lo ribattezzarono. Il nome "Marcia turca" è stato assegnato all'opera anche perché è in sintonia con le orchestre dei giannizzeri turchi, per le quali il suono delle percussioni è molto caratteristico, che può essere visto nella "Marcia turca" di V.A. Mozart.
"Ave Maria"
Franz Schubert
Lo stesso compositore ha scritto quest'opera per la poesia “La Vergine del Lago” di W. Scott, o meglio per il suo frammento, e non intendeva scrivere una composizione così profondamente religiosa per la Chiesa. Qualche tempo dopo la comparsa dell'opera, un musicista sconosciuto, ispirato dalla preghiera "Ave Maria", ne adattò il testo alla musica del brillante F. Schubert.
"Fantasy improvvisato"
Federico Chopin
F. Chopin, il genio del periodo romantico, dedicò quest'opera al suo amico. E fu proprio lui, Giuliano Fontana, a disobbedire alle indicazioni dell’autore e a pubblicarlo nel 1855, sei anni dopo la morte del compositore. F. Chopin credeva che il suo lavoro fosse simile all'improvvisato di I. Moscheles, uno studente di Beethoven, famoso compositore e pianista, motivo per cui si rifiutò di pubblicare "Fantasia-Impromptus". Tuttavia, nessuno ha mai considerato plagio questo brillante lavoro, tranne l'autore stesso.
"Il volo del calabrone"
Nikolaj Rimskij-Korsakov
Il compositore di quest'opera era un fan del folklore russo: era interessato alle fiabe. Ciò ha portato alla creazione dell'opera "La storia dello zar Saltan" basata sulla storia di A.S. Puškin. Parte di quest'opera è l'intermezzo “Il volo del calabrone”. Magistralmente, incredibilmente vividamente e brillantemente, N.A. ha imitato i suoni del volo di questo insetto nell'opera. Rimskij-Korsakov.
"Caprizio n. 24"
Niccolò Paganini
Inizialmente, l'autore ha composto tutti i suoi capricci esclusivamente per migliorare e affinare le sue capacità di suonare il violino. Alla fine, hanno portato molte cose nuove e precedentemente sconosciute alla musica per violino. E il 24esimo capriccio - l'ultimo dei capricci composti da N. Paganini, porta una rapida tarantella con intonazioni popolari, ed è anche riconosciuto come una delle opere mai create per il violino, che non ha eguali in complessità.
"Vocalizzare, opus 34, n. 14"
Sergei Vasilyevich Rahmaninov
Quest'opera conclude la 34a opera del compositore, che combina quattordici canzoni scritte per voce con accompagnamento di pianoforte. Vocalise, come previsto, non contiene parole, ma viene eseguito su un suono vocale. S.V. Rachmaninov lo dedicò ad Antonina Nezhdanova, una cantante d'opera. Molto spesso questo lavoro viene eseguito al violino o al violoncello accompagnato dall'accompagnamento del pianoforte.
"Chiaro di luna"
Claude Debussy
Quest'opera è stata scritta dal compositore sotto l'impressione dei versi di una poesia del poeta francese Paul Verlaine. Il titolo trasmette molto chiaramente la morbidezza e la commozione della melodia, che colpisce l'anima dell'ascoltatore. Questa popolare opera del brillante compositore C. Debussy è stata ascoltata in 120 film di diverse generazioni.
Come sempre, la migliore musica è nel nostro gruppo in contatto .
La musica ha un potere straordinario di influenzare una persona e quindi è uno dei mezzi meravigliosi e molto potenti del suo sviluppo interiore. Sperimenta la musica come potrebbe vivere eventi reali nella sua vita, e l'esposizione alla musica è un'opportunità per esperienze di vita positive.
"Qualsiasi forma di comunicazione con la musica ti insegna ad ascoltare la musica, migliorando continuamente la capacità di ascoltarla e di pensarci", ha detto il famoso insegnante D.B. Kabalevskij. Ma la forma più attiva e accessibile di comunicazione con la musica, risvegliando pensieri e sentimenti, sono i momenti in cui una persona agisce come ascoltatore. È in questi momenti che gli viene richiesta la massima attenzione, concentrazione e tensione della forza mentale. "Ascoltare" è il tipo principale di attività musicale. E quindi è necessario sfruttare ogni opportunità per sviluppare il gusto musicale, la capacità di confrontare, contrastare, distinguere e riconoscere ciò che è stato ascoltato.
Raffaello. Parnaso. Apollo e le Muse.
Cosa puoi sentire nella musica oltre alla musica stessa? Se chiedi: cosa si può vedere nel dipinto dell’artista? Cosa puoi leggere nel libro? Cosa puoi vedere nel film? In tutti questi casi la risposta sarà più o meno specifica, perché il contenuto di queste opere d'arte è ben definito. Riflette alcuni aspetti della vita delle persone, lo stato della natura che li circonda, può essere raccontato a parole.
Ma se immagini un'esibizione di un'orchestra o di un musicista che esegue un brano strumentale. È giusto chiedersi: a cosa stanno giocando? Una domanda che non vale per la musica. Perché allora, per cosa e per chi viene suonata la musica? Ovviamente per chi lo ascolta. Ciò significa che puoi sentire qualcosa nella musica. Questo è ciò che attrae una persona verso di lei.
Come ogni altra opera d'arte, la musica ci emoziona, a volte provando sentimenti insoliti e forti. Se la musica fosse un vuoto gioco di suoni, non troverebbe una risposta spirituale, una persona rimarrebbe indifferente, indifferente ad essa. Ciò significa che la musica contiene qualcosa di importante, significativo per una persona, cioè è significativa.
In cosa consistono questi contenuti e come si manifestano? prima di tutto quello. che la musica è in grado di trasmettere l'uno o l'altro stato mentale di una persona, esprimendo i suoi sentimenti ed esperienze. A volte il compositore introduce gli ascoltatori nel suo piano. Quindi spiega il contenuto dell'opera in un modo o nell'altro, ad esempio, dandogli un titolo appropriato. Se il contenuto delle opere per strumenti o orchestra è trasmesso principalmente solo dai mezzi espressivi della musica stessa, di cui cercherò di parlare separatamente, allora nelle opere vocali e teatrali sia la parola, sia l'azione, sia la danza, e a ciò partecipa già la progettazione artistica della scena.
Quanto si può esprimere utilizzando solo i suoni? Che cosa esattamente? Sono in grado di dipingere un quadro, trasmettere movimento, raccontare la vita delle persone? Per fare questo, devi rivolgerti alla musica stessa e provare a “ascoltare” il contenuto presente in ogni opera.
T.A. Chekhova nel suo lavoro offre i seguenti consigli ai principianti e agli ascoltatori non molto esperti:
1. All'inizio è meglio scegliere opere brevi finché non si è sviluppata l'abilità di “seguire i suoni” con le orecchie.
2. Per l'ascolto è necessario scegliere composizioni di musica sia vocale (per la voce) che strumentale (per vari strumenti musicali). Va ricordato che il testo nelle opere vocali aiuta a comprendere il contenuto, e le opere di musica strumentale a programma con una certa trama, espressa nel titolo della composizione, sono più facili da percepire ed è meglio iniziare a acquisire esperienza nell'ascolto alla musica da loro.
3. Durante l'audio, devi monitorare attentamente ciò che accade nella musica dall'inizio alla fine, coprendo le tue orecchie suono per suono, senza perdere di vista nulla.
4. Di tanto in tanto, dovresti assolutamente tornare ad ascoltare opere familiari per imparare a riconoscerle facilmente e rapidamente, a immaginare mentalmente il loro suono (voce interiore).
5. In alcuni casi, puoi scegliere un'illustrazione che si adatti al tuo umore in base a ciò che hai sentito o disegnare la tua "immagine musicale". Anche i versi di opere letterarie, soprattutto poetiche, che si possono trovare in grande varietà di scrittori e poeti famosi, aiuteranno a risvegliare la fantasia e l'immaginazione. Riflettere sul motivo per cui questi versi e non altri sono così in sintonia con la musica ti aiuterà anche a sentire di più.
6. Alcune composizioni musicali hanno gli stessi nomi, ma nel loro umore e sentimenti sono completamente diversi. Dovresti soprattutto ascoltare il suono di tali opere, memorizzarle e notare tu stesso questa dissomiglianza. (Prova a distinguere tra personaggi e immagini).
P. Picasso. Tre musicisti
Per determinare la natura di un'opera, la sua percezione emotiva e figurativa, puoi prima utilizzare il dizionario delle emozioni estetiche che esistono nella musica come segni della natura del suono, offerto dallo scienziato, insegnante e psicologo V.G. Razhnikov.
GIOIOSO: allegro, festoso, chiassoso, frizzante, vigoroso, vivace, pimpante, luminoso, radioso
SOLENNE: maestoso, vittorioso, invitante, entusiasta, aggraziato, affermativo
TENERAMENTE: affettuosamente, cordialmente, toccante, affabilmente, con fiducia, dolcemente, gentilmente
CALMO: pacifico, sereno, di buon carattere, leggero, trasparente, benevolo
EMOZIONATO: ansioso, preoccupato
PESANTE: goffo, spigoloso
GROZNO: dinamico, tragico
Poetico: sognante, melodioso, pieno di sentimento, riverente, sentito
Un buon esempio qui potrebbe essere, ad esempio, l'album "Seasons" di P.I. Čajkovskij. Dove ogni mese ha il suo carattere e il suo umore. Le immagini sonore della natura create da compositori di talento possono essere paragonate a paesaggi di artisti famosi, con descrizioni della bellezza del mondo circostante in poesia. Un'accattivante notte di luna, piena di fascino magico, misteriosa ed enigmatica: questa è l'immagine dell'opera teatrale “Moonlight” di C. Debussy. Il piacevole approccio del mattino è trasmesso dall'introduzione all'opera di Mussorgsky - "L'alba sul fiume Moscova".
Debussy – Chiaro di luna
La musica ha accesso sia al mondo delle fiabe, della fantasia che al mondo reale, in cui le persone vivono, si verificano eventi quotidiani e vengono eseguite varie azioni. Come viene rappresentato nella musica? Nel primo caso, le opere del compositore e narratore musicale russo Rimsky-Korsakov sarebbero molto adatte. Ad esempio, le sue opere "La storia dello zar Saltan", "Sadko", "Snow Maiden", "Il galletto d'oro" e la suite "Scheherazade". Ci sono molte immagini fiabesche tra le opere di Mussorgsky, riunite sotto il titolo generale "Immagini di un'esposizione" e il film fiabesco di Anatoly Lyadov "Il lago magico".
I. Levitan. Lago della foresta
La musica è capace di trasmettere il carattere di una persona? Per cominciare, puoi conoscere i personaggi di "Carnevale" del compositore tedesco Schumann. Se confrontiamo i ritratti musicali di Florestan ed Eusebio, diventerà chiaro quanto siano opposti: Florestan è impetuoso, sempre in movimento. mentre Eusebio è calmo e incline a sognare ad occhi aperti. Al carnevale compaiono anche maschere familiari: il Pierrot spigoloso e leggermente divertente e l'Arlecchino dall'andatura leggera e saltellante.
Eusebio (da Carnevale) - Eusebio
Un altro carnevale è conosciuto anche nella letteratura musicale… Il compositore francese Saint-Saëns lo chiamò “Carnevale degli animali”.
E nell'opera orchestrale di O. Messiaen “Il risveglio degli uccelli” i vari suoni di una foresta estiva piena delle voci degli uccelli vengono trasmessi in modo molto accurato, sono stati creati ritratti di “cantanti della foresta”.
Anton Arensky ha una suite "Silhouettes". La suite comprende cinque schizzi di ritratti, scritti in modo elegante e rilassato, che attraggono con la sottigliezza e l'arguzia delle loro immagini sonore.
La musica può fornire informazioni su un evento? Da un brano musicale puoi anche conoscere eventi del lontano passato. Uno di loro è stato catturato nella musica da Rimsky-Korsakov. La sua "Battaglia a Kerzhenets" è un'immagine vivida di una battaglia brutale.
"Battaglia a Kerzhenets"
Ascoltare e sentire la musica sono due cose diverse. Il contenuto della musica è ricco e vario quanto il contenuto di altre forme d'arte. Si rivela solo con l'aiuto di mezzi espressivi caratteristici della musica. A differenza dei suoni non musicali, i suoni musicali hanno un tono esatto e una certa durata. Inoltre, possono avere colori diversi, suonare ad alto o basso ed essere eseguiti rapidamente o lentamente. Melodia e accompagnamento, modo e armonia, metro e ritmo, registro e timbro, dinamica e tempo: tutti questi sono i mezzi espressivi dell'arte musicale. Imparare a sentirli e a distinguerli, a comprendere il linguaggio musicale con cui il compositore si rivolge all'ascoltatore, è necessario tanto quanto comprendere un testo letterario e i mezzi della pittura. Allora il contenuto delle opere d'arte musicale si rivelerà in tutta la sua ricchezza.
Concerti per solisti e orchestra
Ogni parte di questo elenco è accompagnata da una playlist con tutte le opere in essa menzionate
Johann Sebastian Bach
Concerti di Brandeburgo
Un ciclo allo stesso tempo ampio e compatto di sei capitoli che vanno dai dieci ai venti minuti di lunghezza. Sei concerti completamente diversi, uniti dalla pura gioia di vivere di Bach, ognuno dei quali è diventato il primo nel suo genere: ad esempio, il Quinto Brandeburgo, il primo concerto in assoluto per clavicembalo e orchestra.
Alban Berg
"In memoria di un angelo"
Se l'opera Wozzeck è uno dei risultati più alti della nuova scuola viennese nel campo del dramma musicale, allora il Concerto per violino è un capolavoro di espressione lirica. Non ti lascerà indifferente, anche se non ci sono melodie memorabili; ma il finale del concerto si basa su una citazione di Bach, organicamente intrecciata nel tessuto dell'opera.
Ludwig van Beethoven
Concerto per violino e orchestra
Dimentica tutto quello che hai sentito sulla pesantezza delle sinfonie di Beethoven: questo concerto sembra parlarti personalmente e non contiene un centesimo. Se ti annoi a metà, sarai ricompensato nel finale: ti regalerà una melodia così bella e triste che difficilmente riuscirai a trattenerti dalle lacrime di gratitudine. Uno dei più grandi concerti per violino del mondo.
Johannes Brahms
Concerto per violino e violoncello e orchestra
Se non vengono creati tanti concerti per violoncello e orchestra quanti per violino o pianoforte, allora ce ne sono ancora meno concerti per violino e violoncello, e più ognuno di essi è prezioso. Il più brillante tra questi è il Doppio Concerto di Brahms, che incorpora le migliori caratteristiche delle sue opere sinfoniche e da camera. Pieno delle melodie più belle e, nonostante tutta la moderazione esteriore, insolitamente emozionante.
Antonio Vivaldi
"Le stagioni"
Una delle opere più apprezzate della musica classica, un successo assoluto, noto a tutti. Quattro stagioni: quattro concerti per violino, uno migliore dell'altro.
George Gershwin
Rapsodia nel blues
Il primo tentativo riuscito di incrociare classica e jazz, che ha dato origine a più di una nuova direzione e tuttavia è rimasto unico.
Antonin Dvorak
Concerto per violoncello e orchestra
Uno dei primi lavori su larga scala con il violoncello nel ruolo principale, dove l'armonia e la raffinatezza della composizione si uniscono all'incredibile accessibilità delle melodie che cadono all'orecchio senza alcuno sforzo.
Felix Mendelssohn
Concerto per violino e orchestra in mi minore
Tutti conoscono la marcia nuziale del Sogno di una notte di mezza estate, anche se non è affatto la composizione principale di Mendelssohn. Possiede eccellenti sinfonie italiane e scozzesi, bellissimi trii, quartetti e oratori, nonché il Concerto per violino: non meno importante di quello di Beethoven, ma molto più intelligibile.
Sergei Rachmaninov
Concerto per pianoforte e orchestra n. 3
La musica di Rachmaninoff e Mahler non hanno molto in comune, ma fu Mahler a dirigere una delle prime esecuzioni del concerto. Sebbene il Terzo Concerto sia rimasto inizialmente all'ombra del famoso Secondo, si colloca anche tra i più alti risultati del genere ed è una delle prove più serie per i partecipanti ai concorsi pianistici. E il suo tema principale è una delle migliori melodie di tutta la letteratura musicale.
Jean Sibelius
Concerto per violino e orchestra
Alla fine del XIX secolo, il primato della tradizione austro-tedesca nella musica era in discussione: una dopo l'altra si dichiararono nuove scuole nazionali: ungherese, ceca, polacca. Il fondatore di un altro, il finlandese, oggi uno dei più avanzati al mondo, è stato Sibelius, il cui concerto è diverso da tutti gli altri e tuttavia colpisce il cuore.
Opera: da Monteverdi a Bizet e capolavori del Novecento
Georges Bizet
"Carmen"
È difficile credere che la prima di Carmen non sia stata un successo: i successi qui si susseguono con una densità tale che nessun'altra grande opera può vantarsi. Ouverture, habanera, distici Toreador, seguidilla, "Gypsy Dance" - solo per citarne alcuni. Si può solo invidiare chi non li ha ancora ascoltati.
Riccardo Wagner
"Tannhäuser"
Probabilmente da bambino hai tremato al suono della “Cavalcata delle Valchirie” e hai sentito molte cose spiacevoli su Wagner. Prova a formarti una tua opinione sulla sua musica; Se le opere di Wagner vi sembrano troppo lunghe, i frammenti orchestrali saranno sufficienti come punto di partenza. L'ouverture incredibilmente bella dell'opera “Tannhäuser” è di per sé un prezioso capolavoro, che sicuramente apprezzerai, indipendentemente dalla tua simpatia per le opinioni socio-politiche dell'autore.
GiuseppeVerdi
"La Traviata"
“Don Giovanni”, “Carmen” e “La Traviata” sono una delle tre migliori opere del mondo. È impossibile resistere al fascino de La Traviata, anche se sei indifferente all'opera italiana: la musica è così deliziosa, brillante e allo stesso tempo permeata di un presentimento di disastro. Una famosa storia d'amore che nasce e muore davanti ai nostri occhi.
Claudio Monteverdi
"Orfeo"
Non ha senso inserire nessuna delle tre opere di Monteverdi in una lista delle migliori opere: questo genio italiano, che di fatto ha fondato l'opera come genere, è così originale. Inizia con “Orfeo”, soprattutto perché la toccata che lo apre suona da ogni parte e probabilmente ti è familiare: non riuscirai a staccartene.
Wolfgang Amadeus Mozart
"Don Juan"
Opera delle opere, la principale per tutti i tempi e tutti i popoli. Nessun'altra grande opera ha mantenuto un tale equilibrio tra il tragico e il comico, l'alto e il basso, la volontà di vivere e l'inevitabilità della morte. Come ha detto Svyatoslav Richter, “Così fan tutte” è un misticismo maggiore di “Don Juan”. Lì è tutta colpa della statua se ha preso vita... Ma qui è innanzitutto colpa della donna se è nata”.
Wolfgang Amadeus Mozart
“Questo è quello che fanno tutte le donne” (“Così fan tutte”)
Il cinico di mezza età Don Alfonso si impegna a dimostrare a due giovani che la fedeltà delle loro spose è un concetto relativo. Si suppone che i ragazzi vadano in guerra, ritornino sotto le sembianze di stranieri innamorati e ciascuno corteggi la sposa dell’altro. Le ragazze, non senza piacere, si sottomettono al nuovo destino e si sposano, ma poi ritornano i veri corteggiatori. Due matrimoni decidono di andare avanti, anche se nessuno sembra felice. L'opera parla del fatto che le donne sono più misteriose e imprevedibili degli uomini.
Leos Janacek
"Le avventure di una volpe ingannatrice"
Secondo lo scrittore Milan Kundera, Janáček ha compiuto un'impresa aprendo il mondo della prosa all'opera. In effetti, le melodie di Janáček si basano sul linguaggio umano in tutta la pienezza delle sue sfumature psicologiche. "Le avventure della volpe ingannatrice" è l'opera più lirica del compositore ceco, che racconta la coesistenza di due mondi - il mondo umano e il mondo animale - e chiede il loro riavvicinamento.
Alban Berg
"Wozzeck"
Musica diversa da qualsiasi cosa tu abbia mai sentito prima. Al secondo o terzo tentativo scoprirai che il linguaggio di quest'opera su un soldato pazzo non è così strano: il compositore semplicemente non compone melodie, ma basa la musica sulle intonazioni naturali del linguaggio umano. La differenza con Janacek, secondo Kundera, è evidente: “L'espressionismo tedesco si distingue per il suo atteggiamento preferenziale verso gli stati mentali eccessivi, il delirio, la follia. L’espressionismo di Janáček è un ricco ventaglio di emozioni, una stretta opposizione tra tenerezza e maleducazione, rabbia e calma”.
Kurt Weill
"L'opera da tre soldi"
La composizione, che formalmente appartiene ai classici del 20 ° secolo, è stata esaurita in successi, interpretata decine di volte, a cominciare dal brillante "Macky Knife" - uno dei simboli melodici del secolo. Sebbene Weill sia un grande innovatore nel campo della musica accademica, nessun compositore della sua generazione ha ricevuto tanta attenzione da parte di artisti pop e rock.
Igor Stravinskij
"Edipo re"
Il dissimile “Petrushka” e “La sagra della primavera” non sembrano ancora essere opere di due autori diversi, mentre nell'opera-oratorio “Oedipus Rex” non riconoscerete certamente il creatore di “Petrushka”. Non è un caso che Stravinsky fosse definito un camaleonte e un uomo dai 1001 stili. In "Edipo" cantano in latino, e la musica - forse la più bella di Stravinskij - risale al tardo barocco: niente arcaismo russo, niente frittelle.
Dmitri Shostakovich
"Lady Macbeth di Mcensk"
I temi principali di una delle opere chiave del XX secolo furono il sesso e la violenza; ecco perché, poco dopo la sua trionfante prima nel 1934, fu ufficialmente bandito dallo stesso Stalin nel 1936. Presta particolare attenzione alle danze degli ospiti nel terzo atto e al canto dei condannati nel quarto: una volta ascoltato, non è più possibile dimenticarlo.
Richard Strauss
"Elettra"
L'opera è basata sulla storia della morte del re Agamennone, ucciso dalla moglie e dal suo amante. La figlia del re odia sua madre e vive nella speranza di una punizione. Spinta da nobili motivazioni, l'eroina si sente uno strumento nelle mani di Dio, e questa ossessione la trasforma in un mostro. Nel primissimo momento di una storia così cupa, l'orchestra scatena una musica così disperata sugli ascoltatori da far rizzare i capelli. L'opera, che dura quasi due ore senza intervallo, è come una grandiosa sinfonia dalla quale non puoi staccarti.
Assolo. Pianoforte e violino
Carlo Ives
"Sonata "Concord"
Più che una sonata, un intero studio sul tema: può la musica esprimere qualcosa oltre ciò che suona? Una delle opere pianistiche più importanti del XX secolo è rimasta incompiuta solo perché così ha deciso lo stesso autore: “La Sonata mi sembra incompiuta ogni volta che la suono. Forse non mi negherò il piacere di non finirlo affatto”. La sonata è intrisa del “tema del destino” di Beethoven, ripristinando l’ordine nel mezzo del caos o trasformando la narrazione di 180 gradi.
Johann Sebastian Bach
“Il clavicembalo ben temperato” (HTK)
Probabilmente l'opera più perfetta della storia della musica: due cicli di 24 preludi e fughe in tutte le tonalità esistenti sono come due colossali cattedrali gotiche, una più bella dell'altra. Il primo Preludio in do maggiore può essere suonato quasi da chiunque al pianoforte; tuttavia, il ciclo diventa gradualmente più complesso. E tutto diventa più interessante.
Johann Sebastian Bach
Sonate e partite per violino solo
Non è noioso ascoltare a lungo un violino solitario? Niente affatto: può fare molto più di quanto possiamo immaginare. Per lo meno, Bach si sforza di abbracciare pienamente le sue possibilità. La perla del ciclo è la famosa ciaccona, più penetrante di cui non esiste musica al mondo.
Ludwig van Beethoven
Sonata per pianoforte n. 14
Tra le 32 sonate per pianoforte di Beethoven, "Moonlight" potrebbe non essere la migliore, ma è sicuramente la più famosa; è stato citato da molti, da Shostakovich ai Beatles. Poche opere al mondo hanno oltrepassato i propri confini a tal punto, diventando simbolo di un amore non corrisposto.
Claude Debussy
Preludi
Un'enciclopedia condensata dell'opera del grande compositore, una bizzarra combinazione di romanticismo e impressionismo, lunghe tradizioni della musica per pianoforte e paradossi del XX secolo. I titoli di ogni preludio sono posti non all'inizio, ma alla fine delle note, come se ponessero enigmi all'ascoltatore, controllando se ha colto correttamente lo stato d'animo del pezzo, che si tratti di "Vele", "Passi nella neve" , “Nebbie” o “Fuochi d'artificio”.
Olivier Messiaen
"Venti vedute di Gesù Bambino"
Una delle opere principali di Messiaen, anche nell’anno del suo centenario, veniva spesso suonata in frammenti che nella sua interezza: questo ciclo richiede troppa dedizione. La più grande opera per pianoforte dell’epoca, alla quale possono essere paragonati solo i 24 preludi e fughe di Shostakovich, è una creazione atipica per la metà del XX secolo: dov’è l’ironia e la riflessione, dov’è il rigore e il calcolo? Questa è una preghiera grandiosa, due ore e un quarto di musica prevalentemente importante con numerose ripetizioni.
Wolfgang Amadeus Mozart
Sonata per pianoforte n. 11
Il famoso Rondò turco infatti non è un pezzo autonomo, ma il finale di una delle sonate di Mozart, le cui altre parti non sono meno deliziose. Come, del resto, le altre sonate per pianoforte di Mozart, per non parlare delle sue “Fantasie”.
Musorgskij modesto
"Quadri di una mostra"
Questo ciclo è meglio conosciuto per la sua orchestrazione di Maurice Ravel, che oggi è percepita come un successo brillante, ma molto pop. Ascolta la versione originale di "Pictures", originariamente scritta per pianoforte: rimarrai scioccato da quanto sia insolita e per niente una musica di successo.
Niccolò Paganini
24 capricci per violino solo
Una parola nuova nella scoperta delle possibilità del violino e dei violinisti, che è rimasta una prova di virtuosismo per il terzo secolo. L'ultimo, il ventiquattresimo capriccio è più conosciuto di altri: un tema breve ma brillante, variazioni su cui hanno scritto molti grandi compositori.
Erik Sati
Gimnopedie e altre opere per pianoforte
Sebbene Satie sia un compositore del XX secolo, molte delle sue opere sono apparse nel secolo precedente: nel 1888 furono scritte delle gimnopedie che anticiparono il genere del facile ascolto. Satie aveva anche l'idea della musica come sottofondo discreto: oggi non c'è nessun posto dove scappare, ma cento anni fa era una novità.
Federico Chopin
24 preludi per pianoforte
Un'enciclopedia del romanticismo musicale e allo stesso tempo un eterogeneo caleidoscopio di generi: elegia, mazurca, marcia, canzone senza parole e molto altro. Il principale mezzo espressivo che attira l’attenzione dell’ascoltatore è il contrasto tra maggiore e minore in ciascuna coppia adiacente di preludi.
Roberto Schumann
"Kreysleriana"
Un ciclo di opere fantastiche, il cui nome è stato dato dall'immagine di Johannes Kreisler, un pazzo direttore d'orchestra inventato da Hoffmann, che spaventava chi lo circondava con la sua devozione alla musica. Una delle migliori opere di Schumann, il compositore più romantico che sia mai vissuto.
Capolavori della musica vocale
Johann Sebastian Bach
Cantate
Oltre alla magnifica “Passione” e alla Messa in si minore, Bach scrisse oltre duecento cantate. Ancor più dell’intera lista, meritano le parole “la migliore musica del mondo”. Riempirai una playlist per i mesi a venire se decidi di ascoltarli tutti uno per uno. Poiché è impossibile distinguere il meglio dal meglio, ne noteremo tre: "Il cielo si rallegra, la terra si rallegra" (BWV 31) con un magnifico assolo di tromba nel finale, "Chi crederà e sarà battezzato" (BWV 37) con la meravigliosa aria “La fede ci dà le ali per l’anima” e la più famosa è probabilmente “Ne ho abbastanza” (BWV 82).
Luciano Berio
Canzoni folk
Una composizione davvero universale; Berio, il più importante artista d'avanguardia della seconda metà del Novecento, ha elaborato alcuni brani originali provenienti dall'Europa e dall'Asia, aggiungendovi un paio di suoi. Un ascoltatore lontano dalle avanguardie sarà contento che anche gli artisti d'avanguardia abbiano opere che sembrano semplici e comprensibili.
Benjamin Britten
Requiem di guerra
Composizione insolita: due orchestre con due direttori, due cori, tre solisti e un organo. Un tenore, un baritono e un'orchestra da camera sono responsabili della parte “militare” del requiem, basata sulle poesie di un poeta morto durante la prima guerra mondiale. Un'orchestra sinfonica, un coro e un soprano eseguono le parti tradizionali del requiem da "Requiem æternam" e "Dies irae" a "Agnus Dei" e "Libera me". Un risultato sorprendente, a differenza sia delle messe funebri delle epoche precedenti che dei requiem non convenzionali del Novecento.
Antonio Vivaldi
Arie da opere
Dovreste ascoltarlo almeno per sapere: “Le Stagioni” non è l'unica e, forse, nemmeno la migliore opera di Vivaldi. Per lo meno, una raccolta delle sue arie eseguite da Magdalena Kozena vi farà dimenticare per un po' il successo sempreverde.
Valery Gavrilin
“Quaderno russo. Quaderni tedeschi"
Il "Quaderno russo" rifletteva l'esperienza del folclorista Gavrilin, e quest'opera profondamente nazionale è un analogo dei grandi cicli di Schubert e Schumann. Ma con cosa possiamo paragonare i "Quaderni tedeschi", scritti sulle poesie di Heine, il materiale più schumanniano? Come spiegare la comparsa di un ciclo così meraviglioso come “Il primo taccuino tedesco” da parte di uno studente del secondo anno al quale il professore, sotto la minaccia di un brutto voto, chiede “qualcosa di vocale”? Probabilmente solo per miracolo.
Giorgio Frideric Händel
"Messia"
Alla vigilia delle festività religiose, in tutto il mondo viene rappresentato il “Messia”; A questo è collegata una storia vera su un membro dell'orchestra. Alla domanda “Cosa ti è successo?” lui rispose: “Ho avuto un incubo! Ho sognato che stavo giocando di nuovo a "Messiah"! Inoltre, quando mi sono svegliato, si è scoperto che era vero!” Le migliori esecuzioni di “Messiah” non hanno nulla in comune con questa realtà; è musica veramente divina. Dopo aver completato il Messia in tre settimane, Händel disse: “Pensavo che il cielo si fosse aperto e vidi il Creatore”.
Gustav Mahler
Canzoni sui bambini morti
Una delle composizioni più terribili della storia della musica: che si creda o meno al destino, però, poco dopo la creazione di questo ciclo vocale, Mahler perse la sua amata figlia. Cinque canzoni incredibilmente belle e indicibilmente tristi.
Gustav Mahler
"Il canto della terra"
La prima sinfonia, dove cantano dall'inizio alla fine, e la grande orchestra suona come una camera, in modo che tutti gli strumenti possano essere ascoltati. L'autore ha considerato l'ultima parte - "Addio" - suicida, ma voglio tornarci ancora e ancora.
Olivier Messiaen
Tre piccole liturgie della Divina Presenza
Cattolicesimo, studio del linguaggio degli uccelli e attenzione alle culture extraeuropee: queste sono le caratteristiche che compongono l'opera di Messiaen, una direzione separata nella musica del XX secolo. Sebbene la lingua di Messiaen sia diversa da quella di chiunque altro, la sua musica è insolitamente contagiosa: ascolta le liturgie almeno una volta e ti ritroverai a canticchiarle.
Alfred Schnittke
"La storia del dottor Johann Faust"
La cantata di Schnittke non ha nulla in comune con il “Faust” di Goethe: si basa sul “Libro popolare del Faust” del XVI secolo. Una scoperta geniale: Mefistofele, che appare in due forme: il diavolo seducente (controtenore), il diavolo beffardo e punitivo (contralto). Anche se la prevista partecipazione di Alla Pugacheva alla première di Mosca è stata annullata, fuori dalla sala era in servizio la polizia a cavallo. L'umiliazione dell'eroe raggiunge il suo apice in un allegro tango con i sassofoni, che inaspettatamente invade la musica aspra.
Dmitri Shostakovich
Sinfonia n. 14
Sebbene la penultima sinfonia di Shostakovich sia dedicata a Britten, è più strettamente associata a Mahler. Essenzialmente una continuazione del suo Canto della Terra, una cantata sinfonica a due cantanti interamente dedicata alla morte. Anche tra le cupe sinfonie di Shostakovich, questa in particolare è piena di depressione e senso di solitudine. Le due voci si uniscono solo per cantare nel finale: “La morte è sovrana. Lei è di guardia e in un'ora felice.
Franz Schubert
"Ritiro invernale"
L'apice della musica vocale mondiale: 24 canzoni unite da uno stato d'animo amaro comune e immagini cupe della natura. L'ultima, "The Organ Grinder", è una delle canzoni più disperate di Schubert (e ne ha circa 600!): una melodia malinconica risuona sullo sfondo dei suoni sordi e monotoni di un suonatore d'organo.
Grandi sinfonie
Ettore Berlioz
Sinfonia fantastica
Uno dei primi - forse il più sorprendente - esempi di musica a programma: cioè musica preceduta da uno scenario specifico. La storia dell'amore non corrisposto di Berlioz per l'attrice irlandese Harriet Smithson ha costituito la base di un capolavoro, che comprende "Reverie", "Ball", "Scene in the Fields" e "Procession to Execution", e persino "Dream on la notte del sabato».
Ludwig van Beethoven
Sinfonia n. 7
Delle tre sinfonie più famose di Beethoven, è meglio non iniziare né con la Quinta con il suo "tema del destino", né con la Nona con il suo finale "Abbraccio, milioni". Nel Settimo c'è molto meno pathos e più umorismo, e la brillante seconda parte è familiare anche agli ascoltatori lontani dai classici dell'arrangiamento del gruppo Deep Purple.
Johannes Brahms
Sinfonia n. 3
La prima sinfonia di Brahms fu chiamata la Decima Sinfonia di Beethoven, in riferimento alla continuità della tradizione. Ma se le nove sinfonie di Beethoven non sono uguali, allora ciascuna delle quattro sinfonie di Brahms è un capolavoro. Il pomposo inizio della Terza è solo una brillante copertura per un'affermazione profondamente lirica, che raggiunge il suo culmine in un allegretto indimenticabile.
Anton Bruckner
Sinfonia n. 7
Mahler è considerato il successore di Bruckner; Rispetto alle sue tele simili a montagne russe, le sinfonie di Bruckner possono sembrare un po' noiose, soprattutto i loro infiniti adagi. Tuttavia, ogni adagio è seguito da uno scherzo emozionante, e la Settima Sinfonia non ti farà annoiare fin dal primo movimento, premuroso e prolungato. Non meno belli il finale, lo scherzo e l'adagio dedicati alla memoria di Wagner.
Giuseppe Haydn
Sinfonia n. 45 “Addio”
Sembra impossibile scrivere in modo più semplice di Haydn, ma in questa ingannevole semplicità risiede il segreto principale della sua maestria. Delle sue centoquattro sinfonie, solo undici sono state scritte in tonalità minore, e la migliore tra queste è "Farewell", al termine della quale i musicisti lasciano il palco uno per uno. Fu da Haydn che il gruppo Nautilus Pompilius prese in prestito questa tecnica per eseguire la canzone “Goodbye, America”.
Giuseppe Haydn
Sinfonia n. 90
Rispetto all'impetuosa Farewell, le ultime sinfonie di Haydn sono molto più equilibrate e positive. Sono pieni di calore speciale, bellezza spontanea e armonia. E, naturalmente, umorismo: l'ultima parte della sinfonia è coronata da un finale “falso”, che anche il pubblico sofisticato scambia per vero e inizia ad applaudire mentre l'orchestra sta ancora suonando.
Antonin Dvorak
Sinfonia n. 9 “Dal Nuovo Mondo”
Raccogliendo materiale per la sinfonia, Dvorak ha studiato la musica nazionale americana, ma ha fatto a meno di citare, cercando principalmente di incarnarne lo spirito. La sinfonia per molti versi risale sia a Brahms che a Beethoven, ma è priva della pomposità insita nelle loro opere.
Gustav Mahler
Sinfonia n. 5
Le due migliori sinfonie di Mahler sembrano simili tra loro solo all'inizio. La confusione dei primi movimenti della Quinta porta ad un adagietto da manuale, pieno di languore, più volte utilizzato nel cinema e nel teatro. E la minacciosa fanfara dell'introduzione incontra un finale ottimista del tutto tradizionale.
Gustav Mahler
Sinfonia n. 6
Chi avrebbe mai pensato che la prossima sinfonia di Mahler avrebbe rappresentato la musica più oscura e senza speranza del mondo! Il compositore sembra essere in lutto per tutta l'umanità: un tale stato d'animo si instaura fin dalle prime note e peggiora solo verso il finale, che non contiene un raggio di speranza. Non per i deboli di cuore.
Gustav Mahler
Sinfonia n. 7
La trilogia si conclude con una sinfonia misteriosa. È generalmente considerata scomoda da eseguire e da percepire, nonostante sia una vera e propria celebrazione della musica: se nel resto delle sinfonie di Mahler si cerca ancora il conflitto, volenti o nolenti, qui è quasi impossibile trovarlo. Si può solo immaginare perché tra i movimenti esterni della Settima ci sia, per così dire, un'altra sinfonia interna di due ottavi e uno scherzo centrale.
Wolfgang Amadeus Mozart
Sinfonia n. 25
Delle quaranta e più sinfonie di Mozart, solo due sono state scritte in tonalità minore, e nella stessa tonalità: Sol minore unisce alcune delle sue opere chiave. Il venticinquesimo e il quaranta sono separati da quindici anni, nel caso di Mozart, quasi metà della sua vita. Entrambi sono ugualmente tristi, ma mentre il Quarantesimo si svolge in modo ponderato e piacevole, il Venticinquesimo ti arriva con tutta la velocità dell'era Sturm und Drang.
Wolfgang Amadeus Mozart
Sinfonia n. 40
Un altro super colpo, l'inizio del quale provoca irritazione involontaria. Provate ad accordare le vostre orecchie come se ascoltaste il Quarantesimo per la prima volta (meglio ancora se lo siete): questo vi aiuterà a vivere la brillante, anche se del tutto banale, prima parte e a sapere che è seguita da una seconda non meno meravigliosa, terzo e quarto.
Sergej Prokofiev
Sinfonia classica
Prokofiev ha spiegato il nome della sinfonia in questo modo: "Per malizia, per stuzzicare le oche, e nella segreta speranza che ... la batterò se col tempo la sinfonia si rivelerà un così classico". Dopo una serie di composizioni audaci che entusiasmarono il pubblico, Prokofiev compose una sinfonia nello spirito di Haydn; divenne quasi subito un classico, anche se le altre sue sinfonie non hanno nulla in comune con essa.
Pyotr Čajkovskij
Sinfonia n. 5
La Quinta Sinfonia di Čajkovskij non è così popolare come i suoi balletti, sebbene il suo potenziale melodico non sia da meno; Due o tre minuti qualsiasi potrebbero essere trasformati in un successo, ad esempio, da Paul McCartney. Se vuoi capire cos’è una sinfonia, ascolta la Quinta di Čajkovskij, uno degli esempi migliori e più completi del genere.
Dmitri Shostakovich
Sinfonia n. 5
Nel 1936 Shostakovich fu diffamato a livello statale. In risposta, chiedendo aiuto alle ombre di Bach, Beethoven, Mahler e Mussorgsky, il compositore ha creato un'opera che è diventata un classico al momento della sua prima. Secondo la leggenda, Boris Pasternak disse della sinfonia e del suo autore: "Ha detto tutto quello che voleva - e non aveva niente per questo".
Dmitri Shostakovich
Sinfonia n. 7
Uno dei simboli musicali del Novecento e sicuramente il principale simbolo musicale della Seconda Guerra Mondiale. Un sottile colpo di tamburo dà inizio al famoso “tema dell’invasione”, illustrando non solo il fascismo o lo stalinismo, ma qualsiasi epoca storica basata sulla violenza.
Franz Schubert.** Sinfonia incompiuta
L'Ottava Sinfonia è chiamata la Sinfonia Incompiuta: invece di quattro movimenti ce ne sono solo due; tuttavia, sono così ricchi e forti da essere percepiti come un insieme completo. Dopo aver interrotto il lavoro sull'opera, il compositore non l'ha più toccata.
Bela Bartòk.
Concerto per orchestra
Bartok è conosciuto soprattutto come autore di innumerevoli opere teatrali per le scuole di musica. Il fatto che questo non sia tutto Bartok è evidenziato dal suo concerto, dove la parodia è accompagnata da severità e la tecnica sofisticata è accompagnata da allegre melodie popolari. In realtà è la sinfonia d’addio di Bartók, così come le “Danze sinfoniche” di Rachmaninoff.
Sergei Rachmaninov
"Danze sinfoniche"
L'ultima opera di Rachmaninov è un capolavoro di potenza senza precedenti. L'inizio sembra avvertire di un terremoto: è allo stesso tempo un presagio degli orrori della guerra e una consapevolezza della fine dell'era romantica nella musica. Rachmaninov ha definito “Dances” la sua composizione migliore e preferita.
Tesori della musica da camera
Johannes Brahms
Sonata per violino e pianoforte n. 3
Un ensemble da camera è uno dei modi più sottili di fare musica: una sonata per violino, un trio con pianoforte o un quartetto d'archi può spesso esprimere molto più di un balletto o una sinfonia. Sinonimo di musica da camera è il nome di Brahms, di cui ogni composizione da camera è un capolavoro. Compresa questa sonata, il cui inizio indimenticabile nasce da una frase, come interrotta a metà frase.
Ludwig van Beethoven
Quartetto d'archi n. 11 “Serioso”
Gli ultimi quartetti di Beethoven sono uno dei vertici della musica da camera. Prima di questo, il compositore non li scriveva da quasi quindici anni, prendendosi una pausa dopo il brillante quartetto in fa minore con il sottotitolo “Serioso” - “Serio”. Nonostante la sua brevità, è incredibilmente ricco di idee e cambiamenti di umore, soprattutto la parte veloce, la cui intonazione corre costantemente tra l'interrogativo e l'affermativo.
Johannes Brahms.
Quartetto per pianoforte, violino, viola e violoncello n. 1
Un’altra chicca, dove ognuno dei capitoli è pieno di sorprese, soprattutto gli ultimi due: non sorprende quella marcia giubilante nel mezzo della parte lirica? Il "Rondò allo stile ungherese" finale non lascia forse indietro nessuna delle "Danze ungheresi"? Il quartetto fu creato da Brahms molto prima della sua Prima Sinfonia, ma ai quattro strumenti fu data una tale ricchezza di melodie e armonie che sarebbe sufficiente per un'intera orchestra.
Antonin Dvorak
Quintetto per pianoforte, due violini, viola e violoncello n. 2
Il secondo quintetto di Dvorak fu creato nel 1887, un quarto di secolo dopo il quartetto di Brahms. Un'altra composizione tardo-romantica, ancora più contrastante e ancora più densamente aromatizzata con motivi dell'Europa orientale: c'è posto sia per la duma ucraina che per le danze boeme. Tre sono i protagonisti principali: il violoncello e la viola, i cui assoli aprono il primo e il secondo movimento, così come il pianoforte, che collega il tessuto del quintetto con fili invisibili.
Wolfgang Amadeus Mozart
Sonata per violino e pianoforte n. 21
La musica più triste del mondo.
Cesare Frank
Sonata per violino e pianoforte
Una delle migliori sonate per violino mai scritte è una composizione completamente romantica, che cerca con tutte le sue forze di andare oltre i confini del romanticismo. Senza dubbio, ricorderai la prima frase, incredibilmente bella, la prima volta, e non solo.
Pyotr Čajkovskij
"In ricordo del grande artista"
Per molti Čajkovskij è “Lo Schiaccianoci”, “La Bella Addormentata”, Primo Concerto per pianoforte. Il trio "In Memory of the Great Artist" non ha nulla in comune con queste opere: un'affermazione tragica, profondamente intima, priva di pesantezza o sfarzo. Non hai mai sentito Čajkovskij così prima.
Dmitri Shostakovich
Quartetto d'archi n. 8
Il titolo “In memoria delle vittime del fascismo e della guerra” è solo una copertura per il vero titolo che Shostakovich aveva in mente: “In memoria dell’autore di questo quartetto”. Lungi dall'essere l'ultima opera del compositore, divenne comunque il suo monumento a se stesso: un triste epitaffio, stratificato con citazioni delle migliori opere di Shostakovich.
Franz Schubert
Trio con pianoforte n. 2
Le opere da camera di Schubert non sono meno espressive e piene di sentimento di quelle vocali. Un esempio di ciò è il trio per pianoforte, violino e violoncello: il tema principale del suo secondo movimento viene ricordato la prima volta e per il resto della vita, ascoltalo.
Classici del 20° secolo
Carlo Ives
"La domanda senza risposta"
Un piccolo capolavoro è la chiave di tutta la musica del Novecento: gli archi suonano una cosa, i flauti un'altra, la tromba un'altra. Non c'è una melodia memorabile, ma suona bella e ammaliante.
Arnold Schönberg
Serenata
Un altro esempio, insieme a “Wozzeck”, di “dodecafonia dal volto umano”. Anche se quasi nessuno sarà in grado di cantare qualche battuta della serenata, è piena di slancio e umorismo: tra gli strumenti ci sono una chitarra e un mandolino, che conferiscono al suono freddo dell'ensemble una certa informalità e persino nazionalità.
Arnold Schönberg
"Pierrot lunare"
Se la serenata è un esempio di uno stile rigoroso e consolidato, allora Pierrot Lunaire è solo la sua ricerca: Schönberg non aveva ancora scoperto la dodecafonia, ma aveva già abbandonato la tonalità, maggiore e minore. Con l'accompagnamento di un piccolo ensemble, la parte vocale suona come un canto vocale, a metà strada tra il canto e il discorso umano eccitato. Una delle opere più rivoluzionarie del Novecento.
Pierre Boulez
"Un martello senza padrone"
Il musicista che ha realizzato le registrazioni master delle opere di Schönberg ha risposto alla sua morte con un articolo dal titolo provocatorio "Schoenberg è morto". E tre anni dopo apparve “The Hammer without a Master” per voce e ensemble, una sorta di “Pierrot Lunaire” della seconda metà del XX secolo. Stravinsky, che definì “Pierrot Lunaire” come il plesso solare della nuova musica, in seguito definì senza esitazione “Il martello senza padrone” la migliore composizione moderna, suonando “come se i cubetti di ghiaccio tintinnassero quando si scontrarono in un bicchiere”.
Claude Debussy
"Pomeriggio di un Fauno"
Il giorno della prima della composizione, il 22 dicembre 1894, divenne il compleanno dell'impressionismo musicale. “Faun” inizia con un indimenticabile assolo di flauto che ha aperto nuovi orizzonti nella musica mondiale.
Zoltan Kodaly
"Danze di Galanta"
Un pezzo spettacolare basato su autentiche melodie popolari, dove i tempi lenti sono sostituiti da tempi così veloci da togliere il fiato. Questo cambio di ritmo è un tratto caratteristico del Verbunkos, una danza ungherese eseguita nei punti di reclutamento e in occasione dell'addio all'esercito. Quindici minuti di pura gioia.
Dario Milhaud
"Creazione del mondo"
I compositori francesi dei Sei offrirono una versione europea di ciò che Gershwin aveva realizzato: unire la tradizione classica con il jazz e le sonorità delle grandi città, ricorrendo a forme semplici e melodie orecchiabili. Milhaud ha avuto particolare successo con i suoi balletti Bull on the Roof e La creazione del mondo. "Cosa, anche questo è un classico!?" - tu chiedi. Assolutamente si.
Arthur Honegger
"Pacifico 231"
Un altro simbolo musicale del Novecento in generale e del progresso tecnologico in particolare. Dopo aver terminato l'energico pezzo orchestrale, l'autore, per scherzo, gli ha dato il nome della locomotiva a vapore più potente del mondo. Il pubblico ha preso sul serio lo scherzo, ascoltando in Pacifica un ritratto sonoro di una locomotiva a vapore che accelera, ronza e poi frena; ottima musica che dà molto spazio all'immaginazione.
Krzysztof Penderecki
"Piangiamo per le vittime di Hiroshima"
Lo spettacolo, come Pacific 231, è stato reso famoso principalmente dal suo titolo. Scritta nella lingua più avanzata per la metà del XX secolo, la partitura non ebbe successo con il suo nome originale "8.37", ma con il nuovo nome divenne molto popolare, sebbene non fosse cambiata una sola nota. Per quanto positivo sia "Pacific", "Crying" è altrettanto deprimente, anche se dovresti assolutamente conoscerlo.
Sergej Prokofiev
"Romeo e Giulietta"
La migliore delle incarnazioni musicali della tragedia di Shakespeare, che conta numerosi successi - prima di tutto, il noto tema "Dance of the Knights" (popolare sotto il nome di "Montagues and Capulets"). È sorprendente che il Teatro Bolshoi, committente del balletto, lo abbia inizialmente rifiutato, ritenendo la musica non scenica e impensabile per il teatro.
Maurizio Ravel
"Bolero"
Il rullo di tamburi e il flauto suonano un tema apparentemente semplice, che viene gradualmente ripreso dagli altri strumenti dell'orchestra. Sembra uno schema semplice, ma l'ascoltatore rimarrà comunque a bocca aperta, anche se conosce “Bolero” a memoria.
Maurizio Ravel
Valzer
Dal vago ronzio emerge gradualmente un tipico valzer viennese. I ballerini girano sempre più velocemente e alla fine la molla di questo carillon infuriato scoppia. Una rappresentazione inquietante e perfetta della fine di un'era meravigliosa, sostituita da un secolo di guerre mondiali.
Arvo Pärt
"Frate"
Pärt è il compositore contemporaneo più eseguito, le sue opere vengono ascoltate centinaia di volte l'anno in tutto il mondo. A metà degli anni '70 Pärt passò dall'avanguardia alla musica tranquilla e lenta, che si rivelò incredibilmente richiesta: molti amanti di Pärt sono lontani dai classici e percepiscono le sue opere come una sorta di sedativo musicale. La composizione di riferimento è “Fratres”, che suona diversa in ciascuna delle numerose edizioni, ma non perde l'intonazione di un triste punto interrogativo.
Steve Reich
"Treni diversi"
Un altro classico vivente, un tempo considerato un artista d'avanguardia. “Altri treni” è un monumento alle vittime dell'Olocausto: Reich contrappone i treni della sua infanzia, sui quali attraversò più volte l'America, ad altri che mandarono i suoi coetanei europei nei campi di concentramento. L'opera è stata scritta per un quartetto d'archi e una colonna sonora che include il suono delle ruote, i fischi delle locomotive e le storie dei sopravvissuti all'Olocausto. Frammenti del linguaggio umano, registrati in note, divennero la base delle parti strumentali. Ideale per il tuo primo incontro con Reich.
Igor Stravinskij
"Prezzemolo"
Una delle espressioni più perfette dello spirito russo nella musica: Maslenitsa, organetto, fisarmonica, zingari, orso ammaestrato, "Lungo la via Piterskaya", "Oh tu, il mio baldacchino, baldacchino", carnevale, divertimento, frittelle.
Igor Stravinskij
"Primavera sacra"
L'esatto opposto di "Petrushka": paganesimo, paura della morte, danze lente e oscure, sacrificio nella speranza di placare gli elementi, armonie completamente strabilianti - una delle partiture più rivoluzionarie e scandalose nella storia della musica.
Alfred Schnittke
Concerto grosso №1
Il biglietto da visita del principale compositore sovietico dopo Shostakovich: elementi di stili reciprocamente esclusivi si fondono qui in un unico insieme. "All'interno del Concerto grosso, ho introdotto un vivace corale infantile, una serenata nostalgico-atonale - un trio garantito come un autentico Corelli (prodotto in URSS) e il tango preferito di mia nonna, suonato dalla sua bisnonna al clavicembalo."
Alfred Schnittke
"Racconto di revisione"
Un'introduzione ideale alla musica di Schnittke per coloro che la trovano troppo difficile. La combinazione del clavicembalo con gli strumenti pop crea uno spazio sfaccettato dove c'è posto per il "tema del destino" di Beethoven, una parodia di Haydn, le cui intonazioni sono portate al limite della dolcezza, e le ombre di Mozart e Čajkovskij che ballano il tango e cancan.
Semplicemente capolavori
Johann Sebastian Bach
Suite per orchestra n. 2 e 3
Rispetto a HTC, le due suite suonano come musica leggera, soprattutto perché ciascuna contiene almeno un super successo: rispettivamente "Joke" e "Aria", che da tempo vengono distribuiti come suonerie e screensaver TV e radio. Tuttavia, ciò potrebbe accadere anche con altri frammenti di queste suite, piene di melodie luminose.
Johannes Brahms
"Danze ungheresi"
Se un'orchestra sinfonica esegue il bis, in un caso su tre il direttore sceglierà la Prima “Danza Ungherese”; come ultima risorsa: la quinta. Sulla base di autentiche melodie ungheresi furono create due dozzine di miniature per due pianoforti, successivamente arrangiate per orchestra; risultato: 21 bis esemplari.
Edvard Grieg
"Peer Gynt"
Il dramma di Ibsen "Peer Gynt" è famoso in tutto il mondo, e la musica di Grieg, scritta per la sua prima, è ancora più popolare: "La canzone di Solveig" e "Nella caverna del re della montagna" sicuramente conosci. Non negarti il piacere di ascoltare “Peer Gynt” nella sua interezza.
Aleksandr Scriabin
"Prometeo"
Nella sua ultima e forse più significativa opera sinfonica, Scriabin ha cercato di esprimere l'idea del trionfo dello spirito, per raggiungere il massimo splendore. Pertanto, "Prometheus" (noto anche come "Poema del fuoco") è stato scritto non solo per orchestra, pianoforte, organo e coro, ma anche per una tastiera leggera, immergendo la sala da concerto nello splendore di un colore o di un altro. Tuttavia, la musica stessa di “Prometheus” è letteralmente traboccante di luce solare.
Bedřich Smetana
"La mia patria"
Il ciclo dei poemi sinfonici è un ritratto musicale della Repubblica Ceca, della sua storia, della sua natura e delle sue leggende. Particolarmente popolare è la "Vltava", in cui si sente lo scorrere del fiume, la caccia nella foresta sulle sue rive e le danze notturne delle sirene. Il tema principale deriva dalla canzone italiana del XVII secolo "La Mantovana". Successivamente, la stessa melodia costituì la base dell'inno israeliano.
Nikolaj Rimskij-Korsakov
"Scheherazade"
Innanzitutto, l'autore ha dato alle parti dei nomi della suite: "Il mare e la nave di Sinbad", "La fantastica storia del principe Kalender", "Il principe e la principessa", "Le vacanze a Baghdad". Mare. La nave si schianta contro una roccia con un cavaliere di bronzo. Conclusione”, ma in seguito ha deciso di rimuoverli. Tuttavia, sono ben noti e, ascoltando la musica, associamo involontariamente il violino alla voce di Scheherazade, le esclamazioni dei venti alla tempesta in mare, il flauto solista alla nave di Sinbad il marinaio. Uno dei migliori esempi di musica a programma.
Richard Strauss
"Don Chisciotte"
L'opera più famosa di Strauss è la poesia “Così parlò Zarathustra”, la cui introduzione funge da intro per il programma “Cosa? Dove? Quando?". Tuttavia, "Don Chisciotte", dove il violoncello canta per conto del famoso cavaliere, è molto più ricco di svolte inaspettate e, come poca altra musica al mondo, ricorda un film emozionante.
L'alfabeto musicale ovvero il paese dove vivono i suoni: Maggiore e Minore
Asya si sedette al pianoforte e cercò di trovare sulla tastiera dove erano nascosti tutti i toni e i mezzitoni. Premette i tasti e pensò: "Si producono così tanti suoni e appena li si controlla, è così difficile comporre una melodia da tutti questi suoni!", pensò e sentì subito la voce di Solmina.
So come aiutarti a trovare tutti i toni e i mezzitoni e a mettere ordine nei tuoi suoni. Ascolta la storia di due fratelli che hanno aiutato il re di Soundland e ti aiuteranno...
Nei tempi antichi, in un paese da favola chiamato Soundland, governava il re Ding-Dong il Settimo. Più di ogni altra cosa, amava dormire e annoiarsi. Una volta si sedeva sul trono e si annoiava...
Sta dondolando le gambe per noia,
Per noia ordinerà che gli vengano serviti dei biscotti,
E che i soldati cantino una canzone.
I suoi soldati erano insoliti -
Sono tutti ottimi cantanti.
E per questo, tra l'altro,
Dean e Don iniziarono a chiamarli Suoni.
I Suoni canteranno una canzone, poi un'altra, al re.
Il re russerà e anche i suoni andranno di lato.
Dormono fino al mattino.
Al mattino si alzeranno e grideranno: "Evviva!"
Il re si sveglierà
Girerà da una parte all'altra,
E tutto ricomincerà:
La noia, i biscotti, il canto dei soldati.
Da questa vita i suoni sono diventati così pigri,
Hanno completamente dimenticato come cantare correttamente.
Il re era terribilmente turbato.
Ha persino smesso di annoiarsi.
Li fa cantare in questo modo e in quello,
Ma non vogliono.
E poi un giorno due fratelli arrivarono a Soundland dal lontano paese di Ladiya - Lada. Due fratelli, ma quanto erano diversi. Uno era un ballerino allegro e ridente, l'altro era triste e pensieroso. Quello allegro si chiamava Maggiore e quello triste era Minore. Il maggiore e il minore vennero a conoscenza dei guai del re. Le notizie viaggiano veloci nel Regno. Decisero di aiutare il re...
Sono venuti al palazzo
Il re si inchinò come previsto.
"Ciao, Ding-Dong", dicono.
Vogliamo ascoltare i tuoi soldati.
"Vieni", ordinò il re ai suoni.
- Canta tutto, per favore! Uno due! Uno due!
I Suoni cantavano, alcuni nella foresta, altri per la legna da ardere.
I fratelli non sopportavano questa musica,
Gridarono a due voci: “Basta!”
"Dai", dicono, "Ding-Dong, ti aiuteremo e metteremo insieme una bella canzone dai tuoi suoni".
Allineati i suoni principali in fila -
Il risultato è stato un SOUND SCORDER.
Il Maggiore comandò loro: “Calcola per tono-semitono!” I suoni furono rapidamente calcolati:
Tono, tono, semitono,
Tono, tono, tono, semitono.
"Canta", ordinò il Maggiore. I suoni iniziarono a cantare.
Eravamo tutti in fila insieme.
Il risultato è stato una scala.
Non semplice: MAGGIORE
Gioioso, vivace.
Quando abbiamo finito di cantare i Suoni, Minor si è fatto avanti. Comandato: Calcola per tono-semitono! Per qualche ragione i suoni mi resero immediatamente triste e con riluttanza mi calmai.
Tono, semitono,
Tono, tono, semitono.
Tono, tono.
Inizia a cantare! - Minore comandato. I suoni cantavano:
Siamo una scala MINORE,
C'è una lunga fila di suoni tristi.
Canterò una canzone triste,
E ora ruggiremo.
Da allora, l'ordine è arrivato a Soundland...
Dean - Don cominciò a vivere diversamente,
Ho smesso di dormire con nuova musica,
Sarà triste - apparirà Minore,
Se vuole divertirsi, apparirà il Maggiore.
I suoni iniziarono a vivere.
E le canzoni suonavano fluide.
Che favola interessante", disse Asya quando Solmina finì di leggere.
Il racconto è davvero interessante. Ti sono piaciuti i fratelli del lontano paese di Ladia?
Naturalmente ci è piaciuto. "I due fratelli sono in qualche modo simili, ma comunque così diversi", disse Asya pensierosa.
Domande e compiti:
1. Cerca di ricordare: come distinguere i fratelli?
2. Quali erano le rime per ciascuno dei fratelli?
Maggiore e minore
C'era una volta un signore,
Il suo nome era Maggiore.
Sorrisi, rise,
Non mi sono mai sentito triste.
Un altro signor abitava nelle vicinanze,
Si chiamava Minore,
Piangeva spesso, era triste,
Non ho riso, non ho scherzato.
Due vicini vivevano insieme
Entrambi servivano musica
Solo ognuno, come meglio poteva,
Entrambi hanno molto da fare.
Domande e compiti:
Disegna divertenti ritratti di due gentiluomini.
Quali strumenti musicali associ maggiormente al minore o al maggiore?
Cosa nella vita può essere maggiore o minore? (Umore, giorno, tempo, colore.)
Sei più vicino a uno stato d'animo minore o maggiore?
I bambini sono divisi in coppie. Uno in una coppia è maggiore, l'altro è minore. In una scenetta dialogata, i bambini si raccontano quali sono le cose più importanti per il maggiore e il minore.
Inventa una fiaba su come un giorno un maggiore e un minore hanno deciso di fare regali musicali per le persone.
Suoni della musica
Robert Schumann non era solo un compositore eccezionale, ma anche un pianista, direttore d'orchestra e insegnante. Dall'età di 7 anni, Robert Schumann ha studiato pianoforte, composizione, studiato in palestra e successivamente all'università. All'età di 20 anni ascoltò l'opera del grande violinista italiano di fama mondiale Niccolò Paganini. Il modo di suonare di N. Paganini ha fatto un'impressione così vivida su R. Schumann che ha deciso di dedicarsi alla musica per sempre. Sapeva vedere il meraviglioso, lo straordinario nella vita, nascosto alla vista degli altri, e tradurre in suoni tutto ciò che sperimentava. R. Schumann ha scritto molta musica varia: sinfonie, musica corale, opera, romanzi, brani per pianoforte; Sorprendentemente, ha creato ritratti di persone nella musica, trasmettendo i loro sentimenti e stati d'animo.
Sognatore e inventore, Robert Schumann amava moltissimo i bambini e scriveva molto per loro. Nel suo "Album per la gioventù" rivela il mondo delle gioie e dei dolori dei bambini e il meraviglioso mondo delle fiabe.
I compositori russi apprezzavano molto il lavoro di Robert Schumann. Pyotr Ilyich Tchaikovsky lo amava particolarmente. Sotto l'impressione del suo "Album per la gioventù", Pyotr Ilyich Tchaikovsky ha scritto il suo meraviglioso "Album per bambini".
Più di 200 anni fa in Germania, il grande compositore Ludwig van Beethoven nacque in una famiglia povera e quasi indigente. Suo padre era un uomo degenerato, un ubriacone, scortese e crudele nel trattare la moglie e i figli esausti. Malattie gravi e debilitanti perseguitarono Beethoven per tutta la vita, minando la sua salute. Non aveva ancora 30 anni quando avvertì i primi segni di avvicinamento alla sordità, che poi lo separò dal mondo esterno con un muro impenetrabile. Beethoven era infelice nell'amore: sognava un buon amico, una moglie fedele e amata, ma morì solo. Nato in una famiglia semplice discendente da contadini, Beethoven odiava i ricchi e i nobili, senza cuore, incapaci di apprezzare la vera arte degli aristocratici, e comprendeva i bisogni della gente semplice e piccola che aveva difficoltà a procurarsi un pezzo di pane.
A quel tempo si poteva spesso trovare un suonatore di organo che suonava per strada. Un organetto è uno strumento musicale. Un vecchio entrava nel cortile con una scatola dipinta a colori sulla spalla, spesso con una scimmia o un altro animale seduto sopra. Era un suonatore d'organo. Il nostro suonatore d'organo è arrivato con una marmotta.
Domande e compiti:
1. Ascolta l'opera di R. Schumann "L'allegro contadino che ritorna dal lavoro". Qual è l'atmosfera nella musica? Corrisponde allo stato d'animo del dipinto “Peasant Dance”?
2. Qual è la differenza tra le opere teatrali “L'allegro contadino...” e “La marmotta”?
3. Ricorda le opere musicali che conosci, scritte in maggiore e minore.
Presentazione
Incluso:
1. Presentazione: 15 diapositive, ppsx;
2. Suoni della musica:
Beethoven. Marmot (eseguita dal Big Children's Choir), mp3;
Beethoven. Marmot (strumentale) - 2 versioni, mp3;
Rachmaninov. Polka italiana, mp3;
Schumann. Contadino allegro, mp3;
3. Articolo per la lezione “Maggiore e Minore”, docx;
5. Maggiore e minore. Poesia, doc.