Nel soggiorno principale del piano inferiore - un corridoio rettangolare che si estende dall'ingresso in profondità - c'erano sette composizioni stilisticamente omogenee, raggruppate in un insieme unitario di composizioni. Una (Iriarte la chiamava “Due vecchie che mangiano da piatti comuni” ) era posto sopra quello ricavato nella parete di fondo dell'atrio con porta d'ingresso a forma di desus de porte (dal francese dessus de porte, letteralmente “sopra la porta”) - una composizione decorativa posta sopra la porta. Altri sei riempivano tutte le pareti: sulla parete opposta all'ingresso c'erano composizioni verticali separate da una finestra, Saturno che divorava i suoi figli" (a sinistra della finestra) e Giuditta che tagliava la testa di Oloferne" (a destra); sulla parete longitudinale sinistra, incorniciata da due finestre o da due camini, è presente un fregio, “Il Sabba delle streghe”, e al contrario, sulla parete destra, incorniciata da due camini o stipetti, è presente un fregio, “Pellegrinaggio a Sant'Isidoro”, una rappresentazione di una festa popolare che si tiene ogni anno a Madrid il 15 maggio; infine, sulla parete all'ingresso a destra della porta (accanto a "Sabbath" e di fronte a "Saturno") - ancora un dipinto verticale, "Leocadia", in altre parole, un ritratto di Leocadia Weiss, che divenne la padrona della Casa dei Sordi, e a sinistra (adiacente a, Pellegrinaggio" e contro, Giuditta") - anche il dipinto verticale, Due vecchi." In una sala simile al piano superiore erano presenti otto tramezzi adatti alla pittura; qui le pareti longitudinali erano divise a metà da aperture di finestre e caminetti. Tuttavia, Goya ne dipinse solo sette. In fondo al corridoio, sulla parete di fondo a sinistra ea destra della finestra, c'erano dei pannelli verticali, stilisticamente legati ai dipinti del piano inferiore, “I Politici” e “Due Donne che Ridono”; sulla parete longitudinale sinistra ci sono "Bull Shepherds" e "Atropo", e a destra - "Promenade of the Inquisition" e "Asmodeus". Queste quattro composizioni orizzontali sono già stilisticamente molto diverse dalle prime due. Diverso da loro è anche il settimo dipinto (sempre verticale): il misterioso “Cane” a destra porta d'ingresso... A differenza del ciclo inferiore, quello superiore è rimasto incompiuto e non formava un unico insieme.
Saturno divora i suoi figli. 1820-1823
Tecnica mista, tela. Spostato dal rivestimento della parete.
Dimensioni: 143,5 - 81,4 centimetri.
In Saturno, lo sfondo del dipinto è un buco cosmico nero come il carbone, nelle profondità del quale la figura di un'antica divinità, la personificazione dell'elemento divorante del Tempo, si innalza come una nube addensata di cenere vulcanica. I suoi contorni, deliberatamente dispersi nello spazio, si riducono a uno spasmo di movimento frenetico: sembra che lei stia spingendo via l'oscurità circostante, rompendo i confini della sua cellula spaziale per irrompere nello spazio presente della sala. lei, inorganica e organica, preumana e primitiva-umana, sono visibilmente mescolate e trasformate l'una nell'altra fin dall'inizio.Le sue forme nodose ricordano uno strano intreccio di grossi rami di alberi; i suoi membri angolosi, divaricati e apparentemente articolati evocano nella nostra mente l'immagine di una tarantola gigante che afferra istantaneamente la sua vittima, e gli occhi sporgenti di Saturno sono come gli occhi di un pesce.
Giuditta taglia la testa di Oloferne.1820-1823.
Tecnica mista, tela. Spostato dal rivestimento della parete.
Dimensioni: 146-84 cm.
Donato dal barone Émile d'Erlanger, 1881
"Judith" emerge da un diverso tipo di oscurità - non cosmica, ma piuttosto terrena o, più precisamente, sotterranea, sotterranea, illuminata da una combinazione quasi irritante di gelido e freddo, dal nulla, la luce della luna che penetra qui e il tremolio leggermente caldo di un candela che è nascosta tra le braccia di una vecchia zitella che accompagna il guerriero biblico. Qui regna l'energia di un atto terreno, colto nella sua istantaneità. Appena saltati dal letto di Oloferne (poco visibile a destra), senza ancora riordinare sollevando i suoi vestiti arruffati, accartocciati dalle carezze d'amore, l'eroina alzò la spada sopra la testa del capo militare assiro addormentato e ora lui la taglierà fuori (qui nasce la prima corrispondenza visivo-semantica tra lei e Saturno - cominciò a divorare il suo vittima dalla testa). Il movimento di caduta in avanti di Giuditta, il suo viso, la spalla, la mano con una spada nettamente evidenziati - tutto questo sporge anche dal campo spaziale del dipinto, come le ginocchia, le mani e la testa di Saturno.
Il sabato delle streghe.1820-1823.
Dimensioni: 140,5-435,7 cm.
Donato dal barone Émile d'Erlanger, 1881
Il dipinto originale, “Il Sabato”, raffigurante un raduno di streghe che in massa adorano il Diavolo-Capro, ascoltano i suoi sermoni e gli presentano un giovane neofita, non era stato ancora tagliato ai bordi ed era invece allungato di quasi sei metri delle attuali quattro e poco. La folla delle streghe veniva allora abbracciata da un profondo ed esteso spazio oscuro dove il tempestoso cielo notturno si mescolava con il firmamento terrestre. Sul bordo di esse pendeva un gigantesco ellissoide di corpi appiccicati e brulicanti, i cui movimenti la sbilanciavano e la costringevano a girare come una galassia, catturando tangenzialmente anche lo spazio reale della sala.
Pellegrinaggio a Sant'Isidoro.1820-1823.
Dimensioni: 127-266 centimetri.
Donato nel 1881
Questo murale raffigura una festa celebrata ufficialmente a Madrid il 15 maggio, giorno di Sant'Isidoro il Contadino, patrono della città. Non si tratta più di una celebrazione estrema degli elementi e delle forze della terra, come nel murale precedente , ma la vita reale del popolo di Madrid - "una scena di morale", come un'impresa situata nelle vicinanze, Giuditta" non è un mito cosmogonico, ma una storia reale, anche se sacralizzata. Si tratta di persone che, al tramonto o prima di un temporale, lasciavano il posto e si mettevano in viaggio. Solo che sono guidati da un cieco dal torso potente, quasi quadrato. Solo più avanti (sulla parete opposta della sala, prima che i dipinti vengano rimossi) lo attende la follia di una festa delle streghe.
Leocadia.1820-1823.
Tecnica mista, tela, trasferito da rivestimento murale.
Dimensioni: 145,7-129,4 cm.
Donato nel 1881
Due vecchi (vecchie?) mangiano dallo stesso piatto, 1820-1823.
Tecnica mista, tela. Trasferito dal rivestimento della parete.
Dimensioni: 49,3-83,4 cm.
Donato nel 1881
Due monaci (vecchi).1820-1823.
Tecnica mista, tela, trasferito da rivestimento murale.
Dimensioni: 142,5-65,6 cm.
Donato nel 1881
Politici.1821-1823.
Tecnica mista, tela. Trasferito dal rivestimento murale.
Taglie:126-66cm.
Donato nel 1881
Camminata dell'Inquisizione.1821-1823.
Tecnica mista, tela. Trasferito dal rivestimento della parete.
Dimensioni: 127-266 centimetri.
Donato nel 1881
Rivoluzione, sordità, amore illecito, eremitaggio: in quali circostanze Goya realizzò un insolito ciclo di dipinti sulle pareti della propria casa
Studio fotografico mobile di Jean Laurent. 1872 Il fotografo Laurent ha scattato le prime fotografie degli affreschi della Casa dei Sordi. Archivio Ruiz Vernacci
Nel maggio 1814 Ferdinando VII, che era stato in esilio per diversi anni, tornò trionfalmente in Spagna. Abolì la Costituzione del 1812, sciolse le Cortes e restaurò il potere dei Borboni spagnoli. Molti deputati e intellettuali di mentalità liberale furono arrestati, molti furono impiccati o fucilati.
Goya era amico di molti liberali “illuminati”. Anche se inizialmente furono sollevati sospetti sulla collaborazione di Goya con i francesi e il governo del re José I fu rimosso, Ferdinando VII lo odiava e la posizione dell'artista rimase vulnerabile. Goya dovette nascondere molti dei suoi dipinti all'Accademia di San Fernando e lui stesso si allontanò dalla corte.
Nel febbraio 1819, l'artista settantaduenne acquistò per 60mila reais una casa rurale e 22 acri di terreno nella periferia di Madrid, oltre il ponte che porta a Segovia, dal prato di San Isidro (oggi è quasi il centro della città), e visse da eremita, senza accogliere nessuno. Per una strana coincidenza, in una casa vicina viveva un uomo che, come Goya, era sordo Goya perse l'udito a causa di una grave malattia subita nel 1792-1793. Presumibilmente si è trattato di avvelenamento da piombo (saturnismo), ma alcuni ricercatori sono propensi a credere che si sia trattato di un grave ictus., così la gente del posto chiamava la sua casa "quinta del sordo" - "casa dei sordi". Dopo la morte di Goya, la sua casa cominciò a chiamarsi così, che sfortunatamente non è sopravvissuta. Oggi al suo posto c'è una stazione della metropolitana che porta il nome dell'artista: "Goya".
L'artista vi si stabilì insieme alla sua “governante”, nonché amica e compagna di vita degli ultimi anni, Leocadia Zorrilla Weiss. Si incontrarono nell'estate del 1805 al matrimonio del figlio di Goya e, a quanto pare, divennero immediatamente amanti. La loro relazione non si interruppe nemmeno dopo che Leocadia sposò un certo uomo d'affari di origine tedesca, nato a Madrid, nel 1807. Nel 1812 il marito accusò Leocadia di infedeltà, divorziarono e nel 1814 nacque la figlia Rosario. La ragazza ricevette il cognome Weiss, anche se molti credono che fosse la figlia di Goya: in ogni caso, Goya la trattò come una figlia fino alla fine dei suoi giorni, dipinse e disegnò molto con lei (Rosario divenne un artista, dopo la morte di Goya morte fu addirittura vicina alla corte e diede lezioni di disegno alla regina Isabella II).
Goya viveva nella Casa dei Sordi da eremita, non riceveva nessuno, perché aveva paura delle accuse dell'Inquisizione non solo di opinioni liberali, ma anche di comportamento immorale. Come si è scoperto 50 anni dopo, lì dipinse le pareti della sua casa: prima dipinse diversi ampi paesaggi, e poi, presumibilmente nella primavera o nell'estate del 1823, intonacò le pareti sopra i vecchi affreschi e dipinse 14 o 15 quadri a olio. dipinti su di essi, che in seguito iniziarono a essere chiamati “pittura nera” (pinturas negras) per i loro colori cupi e soggetti che ricordano gli incubi. Queste opere non avevano analoghi nella pittura di quel tempo. Alcuni di essi erano scritti su temi religiosi, altri su soggetti mitologici, come “Saturno che divora suo figlio”. Tuttavia, per la maggior parte, si tratta di tragiche creazioni dell’immaginazione dell’artista.
Francisco Goya. Raduno. 1819–1823©Museo del Prado
Francisco Goya. Festa a San Isidro. 1819–1823©Museo del Prado
Francisco Goya. Asmodeus, o Visione Fantastica. 1819–1823©Museo del Prado
Francisco Goya. Due vecchi mangiano la zuppa. 1819–1823©Museo del Prado
Francisco Goya. Duello con i fiori. 1819–1823©Museo del Prado
Francisco Goya. Pellegrinaggio alla fonte di San Isidro. 1819–1823©Museo del Prado
Francisco Goya. Atropa. 1819–1823©Museo del Prado
Nel gennaio 1820, il generale Riego sollevò una rivolta armata a Cadice, che segnò l'inizio della rivoluzione. Nel 1822, Ferdinando VII riconobbe la Costituzione di Cadice. La Spagna divenne nuovamente una monarchia costituzionale, ma non per molto: già il 23 maggio 1823 il re tornò a Madrid insieme all'esercito francese. La rivoluzione fu repressa, in Spagna cominciò la reazione; a novembre fu giustiziato il generale Riego.
Goya simpatizzava con i militari uniti attorno a Riego e fece persino un ritratto in miniatura di sua moglie. Il figlio di Goya, Javier, era membro della milizia rivoluzionaria nel 1823. Il 19 marzo 1823 morì il cardinale Luigi Borbone, fratello minore del re Carlo III, che patrocinava Goya; la famiglia dell'altro suo mecenate e sensale, l'uomo d'affari Martin Miguel de Goicoechea (il figlio di Goya, Javier, era sposato con la figlia di Goicoechea, Gumersinda), era compromessa. Goya era spaventato. Leocadia lo convinse ad emigrare, ma la fuga minacciò la confisca dei beni.
E “Due vecchi che mangiano zuppa” è molto simile per atmosfera ed espressione a “I mangiatori di patate” di Van Gogh.
Hai scelto citazioni molto belle per accompagnare gli splendidi murales. Mi piacciono molto.
Scrivere direttamente sul muro è fantastico. Ho avuto un'esperienza del genere, una sensazione incredibile.
Giulia Ria:
22 novembre 2011 alle 12:20
Rispetto a Van Gogh. Sì, gli stessi colori cupi, la stessa atmosfera di soffocamento e impotenza o qualcosa del genere... "Il cane" mi piace più di tutti questi dipinti, un'atmosfera così strana è stata creata da Goya.
Non ricordo, hai letto questo libro su Goya di Feuchtwanger? Si conclude proprio nel luogo in cui l'artista ha deciso di dipingere le pareti della sua casa. Avrebbe dovuto esserci una seconda parte, ma... la vita dello scrittore è stata stroncata, davvero ingiusto.
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22 novembre 2011 alle 13:47
Il cane ha uno sguardo così pietoso, c'è tanta solitudine e risentimento in lei, e davanti a lei c'è un'ombra appena visibile (ma forse queste sono le proiezioni del muro), che lei guarda con la domanda: “ Perchè mi hai lasciato?"...
Non ricordo se ho letto Goya di Feuchtwanger, ma questo non mi impedirà di leggere questo libro quando mi viene voglia.
Queste ultime opere di Goya sono puro espressionismo. Era molto in anticipo sui tempi.
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24 novembre 2011 alle 18:07
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25 novembre 2011 alle 11:30
Per molto tempo non ho accettato e rifiutato l'arte concettuale, varie performance, azioni, avvenimenti selvaggi e ripugnanti e simili. In Russia è stato adottato il termine “arte contemporanea”, ma nel resto del mondo non lo sanno.))
Ad esempio, le scandalose buffonate del più famoso artista russo, l'uomo cane Oleg Kulik. Mi piace molto uno dei suoi vecchi lavori "Russian Eclipse", in cui è nudo con uno stendardo rosso in mano.))
Mi ci è voluto molto tempo, leggendo letteratura e articoli sull'arte contemporanea, per iniziare a convincermi che tutto ha un posto nell'arte. E nulla può essere negato.
Non ho capito meglio, ma a volte sono ancora interessato a quello che succede nell’arte concettuale (intellettuale). Leggi le dichiarazioni di Oleg Kulik, ne sono degne. Ecco, ad esempio, uno dei suoi pensieri:
“Tutti sono buoni, ma mentono, ma l'artista non mente, ma è un egoista avido e arrogante. Anche la persona media ha tutte queste qualità, ma nel mondo moderno è indecente dimostrarle. La cosa più terribile nel mondo della persona media non è la bomba atomica, né la povertà, ma ciò che i tuoi vicini diranno di te. L’artista non ha paura di questo”.
Ecco un'altra cosa che mi è davvero piaciuta:
“L’arte che esiste per il bene della vendita non è più arte.”
Quindi provo avversione e rifiuto per l'arte commerciale, i dipinti in vendita. Ma combatto questa "giusta rabbia" da molto tempo con successo.))
Yul, cos'è che ti disgusta?
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25 novembre 2011 alle 16:16
Eppure non capisco bene cosa intendi per arte commerciale? Cosa viene venduto in linea di principio o cosa viene rappresentato deliberatamente per soddisfare il gusto del pubblico?
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25 novembre 2011 alle 17:37
Come posso essere contrario a tutto ciò che è in vendita? Io stesso ho venduto più di una dozzina di dipinti. In più, tutto alla fine finisce nel mercato dell’arte.
Ovviamente intendo ciò che viene disegnato appositamente per la vendita. Cioè sapere in anticipo cosa comprerà il pubblico. Di suo gusto. Ma questo lo capisco già da molto tempo. Dopotutto, le persone hanno bisogno di vivere di qualcosa. Perché non dai dipinti?
Olya, l'intenzione dell'artista è importante per me. Primordiale. Questo è ciò che fa la differenza tra le opere. Ecco perché chiamiamo arte pittorica l’una, ma non chiamiamo l’altra.
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25 novembre 2011 alle 18:13
Adesso è chiaro: a volte mi sembra che tu sia assolutamente contrario alla vendita.
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26 novembre 2011 alle 12:57
Ovviamente no! Sono a favore. E sono molto felice quando gli artisti riescono a vivere della loro arte. Questa è una grande rarità.
In questa materia, è importante capire qual è l'obiettivo e quali sono i mezzi.))
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1 dicembre 2011 alle 13:57
Sì, sì, se pensi prima di tutto solo al denaro, la spiritualità e il significato si perdono. Ma la presenza del reddito non nega la presenza del significato. Non sempre queste cose sono chiare a tutti. Soprattutto nel nostro paese, in Russia. Il maestro deve essere povero: questo è nella mente di molti, e se il maestro è ricco, allora questa non è più arte. Lo stesso Goya ricevette molti soldi per i suoi ritratti e fu pittore di corte, di cui era orgoglioso. Ma non ha esagerato.
La frase: "La cosa peggiore nel mondo della persona media non è la bomba atomica, non la povertà, ma ciò che i tuoi vicini diranno di te" - incredibile! Semplice ma preciso. Cosa diranno di te i tuoi vicini, colleghi e semplici passanti? Sono disgustato da tutto questo (però, ahimè, ce l'ho anch'io).
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1 dicembre 2011 alle 15:20
Ovviamente non lo nega! Le persone sono confuse sui concetti, questo è assolutamente vero. E fino a che punto, non riesco a capirlo. Ad esempio, molte persone credono che qualsiasi dipinto sia arte. Automaticamente. Se ci sono tutti gli attributi: una tela ricoperta di colori, una cornice, allora è arte. Cos'altro? Questo non smette mai di scioccarmi. Julia, perché la parola arte viene applicata a qualsiasi dipinto? Hai una versione?
Questo “cosa diranno di te” mi è dolorosamente familiare. Dato che non mi è sempre importato nulla, i miei genitori hanno vissuto appieno le conseguenze della mia indifferenza.))
Tra le nobili opere d'arte che deliziano l'occhio ed evocano solo emozioni positive, ci sono dipinti che sono, per usare un eufemismo, strani e scioccanti. Presentiamo alla vostra attenzione 20 dipinti di artisti di fama mondiale che vi faranno sentire inorriditi...
"Incapacità della mente di importare"
Un dipinto dipinto nel 1973 dall'artista austriaco Otto Rapp. Ha raffigurato una testa umana in decomposizione posta su una gabbia per uccelli contenente un pezzo di carne.
"Il negro vivo impiccato"
Questa macabra creazione di William Blake raffigura uno schiavo nero che fu impiccato alla forca con un gancio infilato nelle sue costole. L'opera è basata sulla storia del soldato olandese Steadman, testimone oculare di un massacro così brutale.
"Dante e Virgilio all'Inferno"
Il dipinto di Adolphe William Bouguereau è stato ispirato da una breve scena di battaglia tra due anime dannate dell'Inferno di Dante.
"Inferno"
Il dipinto “Inferno” dell'artista tedesco Hans Memling, dipinto nel 1485, è una delle creazioni artistiche più terribili del suo tempo. Avrebbe dovuto spingere le persone verso la virtù. Memling ha accentuato l'effetto terrificante della scena aggiungendo la didascalia: "Non c'è redenzione all'inferno".
"Il grande drago rosso e il mostro marino"
Il famoso poeta e artista inglese del XIII secolo William Blake, in un momento di intuizione, creò una serie di acquerelli raffiguranti il grande drago rosso del Libro dell'Apocalisse. Il Drago Rosso era l'incarnazione del diavolo.
"Spirito dell'acqua"
L'artista Alfred Kubin è considerato il più grande rappresentante del simbolismo e dell'espressionismo ed è noto per le sue oscure fantasie simboliche. “Lo spirito dell’acqua” è una di queste opere che descrive l’impotenza dell’uomo di fronte agli elementi del mare.
"Necronom IV"
Questa creazione spaventosa del famoso artista Hans Rudolf Giger è stata ispirata dal film Alien. Giger soffriva di incubi e tutti i suoi dipinti erano ispirati da queste visioni.
"Lo scuoiamento di Marcia"
Creato dall'artista rinascimentale italiano Tiziano, Lo scuoiamento di Marsia è attualmente ospitato nel Museo Nazionale di Kroměříž nella Repubblica Ceca. L'opera raffigura una scena della mitologia greca in cui il satiro Marsia viene scorticato per aver osato sfidare il dio Apollo.
"La tentazione di Sant'Antonio"
Matthias Grunewald dipinse soggetti religiosi del Medioevo, sebbene lui stesso visse durante il Rinascimento. Si dice che Sant'Antonio abbia affrontato prove di fede mentre pregava nel deserto. Secondo la leggenda, fu ucciso dai demoni in una grotta, poi li resuscitò e li distrusse. Questo dipinto raffigura Sant'Antonio attaccato dai demoni.
"Teste mozzate"
L'opera più famosa di Theodore Géricault è La zattera della Medusa, un enorme dipinto dipinto in stile romantico. Géricault ha cercato di rompere i confini del classicismo passando al romanticismo. Questi dipinti furono la fase iniziale della sua creatività. Per le sue opere utilizzava arti e teste vere, che trovava negli obitori e nei laboratori.
"Grido"
Questo famoso dipinto dell'espressionista norvegese Edvard Munch è stato ispirato da una serena passeggiata serale durante la quale l'artista ha assistito al tramonto rosso sangue.
"La morte di Marat"
Jean-Paul Marat è stato uno dei leader della Rivoluzione francese. Soffrendo di una malattia della pelle, trascorreva la maggior parte del tempo in bagno, dove lavorava sui suoi appunti. Lì fu ucciso da Charlotte Corday. La morte di Marat è stata rappresentata più volte, ma è l'opera di Edvard Munch ad essere particolarmente brutale.
"Natura morta di maschere"
Emil Nolde fu uno dei primi artisti espressionisti, anche se la sua fama fu eclissata da altri come Munch. Nolde dipinse questo dipinto dopo aver studiato le maschere al Museo di Berlino. Nel corso della sua vita è stato affascinato da altre culture e questo lavoro non fa eccezione.
"Lardo di Gallowgate"
Questo dipinto non è altro che un autoritratto dell'autore scozzese Ken Currie, specializzato in dipinti oscuri e social-realistici. Il soggetto preferito di Curry è la noiosa vita cittadina della classe operaia scozzese.
"Saturno divora suo figlio"
Una delle opere più famose e sinistre dell'artista spagnolo Francisco Goya fu dipinta sul muro della sua casa nel 1820-1823. La trama è basata sul mito greco del Titano Chronos (a Roma - Saturno), che temeva di essere rovesciato da uno dei suoi figli e li mangiava subito dopo la nascita.
"Giuditta uccide Oloferne"
L'esecuzione di Oloferne è stata raffigurata da grandi artisti come Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach il Vecchio e molti altri. Il dipinto di Caravaggio, dipinto nel 1599, raffigura il momento più drammatico di questa storia: la decapitazione.
"Incubo"
Il dipinto del pittore svizzero Heinrich Fuseli fu esposto per la prima volta alla mostra annuale della Royal Academy di Londra nel 1782, dove scioccò sia i visitatori che la critica.
"Strage degli innocenti"
Questa eccezionale opera d'arte di Peter Paul Rubens, composta da due dipinti, fu creata nel 1612 e si ritiene che sia stata influenzata dalle opere del famoso artista italiano Caravaggio.
"Studio del Ritratto di Innocenzo X Velazquez"
Questa immagine terrificante di uno degli artisti più influenti del XX secolo, Francis Bacon, si basa su una parafrasi del famoso ritratto di Papa Innocenzo X di Diego Velázquez. Schizzato di sangue, con il volto dolorosamente contorto, il Papa è raffigurato seduto su una struttura tubolare metallica che, a un esame più attento, sembra essere un trono.
"Il giardino delle delizie terrene"
Questo è il trittico più famoso e spaventoso di Hieronymus Bosch. Ad oggi esistono numerose interpretazioni del dipinto, ma nessuna di esse è stata definitivamente confermata. Forse l'opera di Bosch personifica il Giardino dell'Eden, il Giardino dei piaceri terreni e le Punizioni che dovranno essere subite per i peccati mortali commessi durante la vita. QUADRI NELLA CASA DEI SORDI
IN 1819 Goya acquistò una tenuta: "ventidue acri di terreno coltivato con una casa... dietro il ponte di Segovia... sul lato dove un tempo sorgeva il monastero del Santo Angelo Custode". Per una strana coincidenza, nella casa vicina viveva un uomo che, come Goya, era sordo, così la gente del posto chiamava la sua casa Quinto del Sordo, Casa dei Sordi. Dopo la morte di Goya, la sua casa cominciò a chiamarsi così. Le uniche persone che condividevano la solitudine dell'artista 72enne erano la rude governante Leocadia e sua figlia (che, secondo alcune informazioni, era la figlia dello stesso Goya).
Al piano terra, su entrambi i lati dell'ingresso, ci sono le immagini di una donna bellissima e maestosa (molto probabilmente si tratta di Dona Leocadia) e di due uomini: uno, arrabbiato ed eccitato, sussurra qualcosa all'orecchio del secondo, incrollabilmente calmo . Sulla parete opposta, Goya dipinge Giuditta che brandisce la spada per tagliare la testa di Oloferne. L’episodio eroico della storia biblica assume nell’interpretazione di Goya una connotazione sinistra. E lì vicino, sullo stesso muro, il maestro crea uno dei dipinti più terribili e disgustosi di tutta l'arte mondiale: "Saturno che divora suo figlio". È difficile, quasi impossibile guardare negli occhi folli di Saturno, facendo a pezzi il corpo di un bambino. La crudeltà ingiustificata dell'immagine mette in dubbio la salute mentale della persona che ha creato un'immagine così selvaggia.
Sulle pareti laterali lunghe vediamo due enormi dipinti: "Il pellegrinaggio a Sant'Isidoro" e "Il sabato delle streghe". “Pellegrinaggio” ricorda vagamente un grazioso bozzetto in cartone per l’arazzo “Festa a San Isidoro”, ma questo è, per così dire, il “lato oscuro” delle festività primaverili. Un gruppo di pazzi e ubriachi, rannicchiati insieme sullo sfondo di un paesaggio cupo, fa un'impressione deprimente. Ancora più terribile è la folla raffigurata nel "Sabato delle streghe" - persone con volti mostruosamente distorti, che sono difficili persino da chiamare volti, demoni e streghe che corrono verso un'enorme capra nera - il Diavolo, che sembra un'ombra gigante. Che contrasto con il dipinto giovanile omonimo, realizzato per la Contessa di Osuna, dove il diavolo sembrava essere un'innocua “capretta grigia”, e l'intera scena aveva un carattere più giocoso!
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La galleria di immagini inquietanti e visioni fantastiche continua al secondo piano della casa. "Two Laughing Women" costituisce una coppia di "Old Men at Chowder" - trame innocenti, a prima vista, che tuttavia per qualche motivo provocano disgusto. La risata delle donne ricorda una smorfia vile e i vecchi con la bocca sdentata spalancata non evocano una goccia di simpatia. Ci sono altri quattro dipinti di grandi dimensioni in questa stanza. I “tori pastori” si picchiano brutalmente a vicenda, uno è già coperto di sangue, entrambi sono immersi fino alle ginocchia in un pantano dal quale non potranno mai uscire e saranno condannati per sempre a una lotta senza senso. Tutto questo avviene sullo sfondo di un sereno paesaggio rurale. Qui viene presentato anche un altro "Pellegrinaggio a Sant'Isidoro", sebbene questo vortice umano difficilmente possa essere definito un "pellegrinaggio": i pellegrini vengono portati via nella foresta oscura da un flusso di luce.
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Nel dipinto successivo, Goya si rivolge nuovamente al tema delle dee del destino dei parchi. Queste vecchie vili apparivano già sui fogli di “Caprichos” e filavano la loro trama, che doveva essere sbrogliata dalla sfortunata umanità. A Quinto del Sordo si librano sopra il mondo e, con una risatina malvagia, cercano dall'alto nuove vittime. Uno dei dipinti più interessanti del ciclo è “Fantastic Vision” (noto anche come “Cliff Fired by Cannons” e noto anche come “Asmodeus”). Due enormi figure che volano verso la città sulla scogliera si librano sopra la folla, ignare degli uomini armati che li mirano dalla copertura. L'immagine è fantasmagorica come gli altri dipinti della Casa, tuttavia la roccia, la città e i cavalieri ai piedi delle montagne sono piuttosto concreti, il che ci ha permesso di ipotizzare che Goya in questa forma abbia cercato di rappresentare la sua visione di uno degli episodi della guerra con i francesi.
In generale, il significato di tutti i dipinti è piuttosto vago e difficile da decifrare. Due dipinti si distinguono leggermente dalla serie generale: "Lettura" - che esprime la fede dell'artista nel trionfo della ragione tra le follie della dura realtà, e "Cane" - che a prima vista sembra un'astrazione. Ma, guardando da vicino, vedremo un bastardo, con le ultime forze, lottare contro i bastioni della terra, che potrebbero crollarle addosso da un momento all’altro.
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“Black Paintings” divenne l’espressione degli incubi del vecchio artista, che lo perseguitarono per tutta la vita e soprattutto peggiorarono negli ultimi anni. Allo stesso tempo, questa è la quintessenza dei suoi pensieri e delle sue esperienze, amore e odio, rifiuto della folla, appassionata riluttanza a invecchiare, disprezzo per la superstizione e, nonostante tutto, fede nel potere della ragione.
Negli anni del declino, Goya trovò la forza di tuffarsi nell'abisso del subconscio, per portare alla luce i suoi pensieri più profondi e oscuri, e il suo coraggio fu premiato. Da quel momento in poi, le visioni oscure cessarono di tormentare per sempre l'artista, rimanendo sui muri della Casa dei Sordi.