Albrecht Dürer è un pittore e grafico tedesco, riconosciuto come il più grande maestro europeo dell'incisione e uno dei più grandi maestri dell'arte dell'Europa occidentale. L'incisione "Malinconia", scolpita su rame nel 1514, era una delle opere preferite dell'autore. Lo stesso Dürer si considerava una persona malinconica, il che ci permette di considerare questa incisione un autoritratto spirituale del maestro. Descrizione del dipinto Davanti a noi c'è la riva del mare, la sconfinata distesa d'acqua e il cielo crepuscolare, attraversato da un arcobaleno e dai raggi minacciosi di una cometa. In primo piano siede una donna alata con un magnifico abito, appoggiata la testa sulla mano, immersa in profondi pensieri. Ha un corpo massiccio, braccia forti, tratti del viso grandi e regolari. Il suo sguardo è rivolto in lontananza. Questo sguardo accade a una persona che guarda il mondo che lo circonda, ma non si accorge di nulla, perché in realtà il suo sguardo è rivolto verso l'interno, e ciò che vede nella sua anima è triste. Su un viso scuro, il bianco degli occhi appare spaventosamente luminoso, e questo conferisce allo sguardo un'espressione tragica. La postura della donna mostra un declino mentale e un’enorme stanchezza. Quindi, forse questa incisione è semplicemente un'immagine dello stato d'animo che Zhukovsky una volta disse così meravigliosamente: “Cos'è la malinconia? Un sentimento triste che avvolge l'anima alla vista del cambiamento... le benedizioni della vita, la sensazione e la premonizione di una perdita inevitabile e inevitabile. ANALISI DEI SIMBOLI L'incisione è insolitamente complessa. Sotto la mano della donna c'è un libro, chiuso con un fermaglio: ora non ha tempo per leggere. Sopra la sua testa c'è un dispositivo per misurare il tempo: una clessidra collegata a un occhiale da sole. Nelle vicinanze c'è una campana con una corda che va oltre il bordo dell'incisione. Se qualcuno invisibile tira la corda, suonerà il campanello. Per Dürer la clessidra e la campana significavano sempre: “Ricordare la morte”. Ai piedi della figura alata, raggomitolato come una palla, dorme un magro levriero, simbolo di un temperamento malinconico. La donna è circondata da una famiglia di strumenti di misura: un orologio, una bussola, un righello, una bilancia. Quanta speranza Dürer riponeva nelle misurazioni e nei calcoli! Quante volte gli sembrava che sarebbero stati proprio loro a svelare il segreto della bellezza. E ora la donna, immersa in pensieri tristi, tiene la bussola distrattamente e con noncuranza, e il righello viene gettato e giace ai suoi piedi. Non è possibile che qui venga catturata la delusione nei confronti del righello e del compasso, in quanto chiavi della bellezza? E non è stata la speranza per le proprietà segrete nascoste dei numeri a portare qui il "Quadrato Magico"? Dürer compose il primo quadrato magico 4x4 nell'arte europea. La somma dei numeri in qualsiasi riga, colonna, diagonale. E anche in ogni quarto (negli angoli e anche nel quadrato centrale) e negli angoli del quadrato grande la somma è 34. I due numeri centrali nella riga inferiore indicano la data di realizzazione del dipinto (1514). Sono state apportate correzioni nei quadrati centrali della prima colonna: i numeri sono deformati. Nel cielo, sotto i raggi di una cometa, un enorme pipistrello spiegò le ali. Sulle ali del topo c'è un'iscrizione: "Melancholy I". Ecco un enorme poliedro di forma irregolare. Più recentemente, interessati all'incisione di Dürer, i mineralogisti l'hanno identificata come un cristallo di fluorite. Questi sono stati trovati in operazioni minerarie vicino a Norimberga. A Dürer la bizzarra creazione della natura sembrava misteriosa. Decise che lo spettatore dell'incisione lo avrebbe percepito allo stesso modo. Accanto al poliedro c'è un pesante nucleo di pietra. Corpi simili, come simboli di pianeti, apparivano negli scritti sulla magia. E in termini astrologici erano un simbolo del mondo, dell'Universo in generale. Un crogiolo su un braciere ardente - è presente anche in questa incisione - è un pezzo indispensabile dell'attrezzatura nei laboratori alchemici. Perché la Malinconia è raffigurata alata, cosa significa la sua inattività, che tipo di ragazzo è raffigurato dietro, qual è il significato del quadrato magico, perché gli strumenti sono sparsi qua e là, qual è il significato del numero "I"? Quante domande ... Scrutiamo in una macina immobile, nel nulla che conduce su per le scale in uno strano spazio caoticamente pieno di oggetti e sentiamo il paradosso dell'incisione: le sue parti sono misteriose e incomprensibili, ma l'impressione generale - tristezza, pensiero pesante, l'ansia - sorge immediatamente e senza spiegazione ci viene trasmessa, avvolgendo la nostra anima. Anche Dürer aveva la sua idea che la malinconia fosse associata al duro lavoro. In uno dei suoi trattati di pittura annota: “Dal costante esercizio della mente si consuma la parte più bella e pura del sangue e nasce uno spirito malinconico”. Qui si può sentire chiaramente la propria esperienza: uno stato d'animo triste e malinconico è l'inevitabile punizione per un intenso lavoro creativo. Dürer sapeva come superare questo stato d'animo con il lavoro. Eppure era offeso al pensiero che, essendo nato malinconico, dovesse costantemente lottare con tali ostacoli che gli erano stati eretti davanti dalla nascita. Molte interpretazioni degli oggetti in questa incisione sono molto contraddittorie in diverse fonti, pertanto puoi aggiungere la tua interpretazione di questa incisione.
Durata: 4 volte ~ 00:26:02
L'autrice e conduttrice è la Dottoressa in Storia dell'Arte, leggendaria docente di Storia dell'arte ai Corsi Superiori per Sceneggiatori e Registi Paola Dmitrievna Volkova. Oggi molti visitatori di musei e gallerie li attraversano, quasi senza fermarsi vicino ai dipinti. Se guardano qualcosa, lo fanno di corsa, soffermandosi solo brevemente vicino a questa o quell'opera. Ma i capolavori sono capolavori perché contengono qualcosa di più di ciò che è raffigurato, di ciò che possiamo vedere al famigerato “primo sguardo”. I grandi dipinti sono pieni di segni segreti, di messaggi che possono essere letti solo dagli iniziati, solo da chi conosce il codice. Insieme alla storica dell'arte Paola Dmitrievna Volkova raccoglieremo le chiavi dei misteri dei dipinti antichi per trovare il tesoro lì nascosto.
Elenco degli episodi:
Stagione 1:
Giotto. "Bacio di Giuda"
Nella città italiana di Padova si trova la Cappella del Arena, meglio conosciuta come Cappella degli Scrovegni - dal nome del ricco mercante e membro dell'ordine cavalleresco Enrico Scrovegni, che donò soldi per la sua costruzione. Questa cappella è famosa in tutto il mondo grazie agli affreschi del grande artista italiano Giotto di Bondone. Il più famoso di questi è “Il bacio di Giuda”. Se lo guardi da vicino, puoi trovare molte cose insolite: i bordi dell'affresco sembrano essere tagliati, accanto a Cristo e Giuda ci sono personaggi strani che non sono nel Vangelo. La critica d'arte Paola Volkova aiuta lo spettatore a trovare la chiave di lettura di quest'opera di epoca protorinascimentale.
Andrej Rublev. "Trinità"
Una delle icone più famose al mondo, la “Trinità” di Andrei Rublev, è la perla della collezione della Galleria Tretyakov. Stiamo parlando del tempo di creazione di questo capolavoro dell'antica pittura russa, del suo autore Andrei Rublev, del cambiamento nell'immagine canonica della Trinità dell'Antico Testamento e di significati crittografati che solo un iniziato può trovare e leggere.
Sandro Botticelli. "Primavera"
Il dipinto “Primavera” del grande artista italiano Sandro Botticelli divenne uno dei simboli del primo Rinascimento. Insieme alla storica dell'arte Paola Volkova, sveleremo il segreto dell'immagine femminile principale del dipinto, scopriremo in quali vesti l'artista ha ritratto Giuliano Medici e impareremo a sentire la musica nell'opera pittorica.
Diego Velazquez. "Las Meninas"
Uno dei capolavori del Museo del Prado di Madrid è il dipinto “Las Meninas” di Diego Velazquez. Sembrerebbe che si sappia assolutamente tutto di questo famoso dipinto del XVII secolo. Tuttavia, l'autore del film offre un concetto inaspettato per leggere la tela. Molte delle stranezze del dipinto scompaiono se lo si considera come un autoritratto criptato dell'artista stesso. Inoltre l'autoritratto non è reale, ma ideale, in cui il pittore mostra non come è, ma come vorrebbe che fosse nella realtà.
Stagione 2 :
Episodio 1 Michelangelo. "Tomba dei Medici"
A Firenze, nella Chiesa di San Lorenzo si trova la famosa Tomba dei Medici, realizzata da Michelangelo Buonarroti. Qualsiasi libro dedicato al lavoro del maestro descrive in dettaglio quattro statue che rappresentano le ore del giorno: "Mattina", "Giorno", "Sera", "Notte". Ma questa è solo una parte dell'insieme concepito dal maestro. Insieme alla storica dell'arte Paola Volkova, proveremo a restaurare il progetto originale di Michelangelo e a trovare i dettagli mancanti.
Episodio 2. Leonardo da Vinci. "Sant'Anna col Bambino Gesù"
Al Louvre, nella sala situata accanto alla grande La Gioconda, c'è un altro famoso dipinto di Leonardo da Vinci, al quale i turisti passano senza prestare attenzione. Nel frattempo, questo è uno dei dipinti più misteriosi del maestro. La critica d'arte Paola Volkova aiuterà lo spettatore a penetrare il mistero dell'insolita messa in scena scelta da Leonardo e del misterioso sfondo, che ricorda molto il deserto paesaggio “lunare” de “La Gioconda”.
Episodio 3. Hieronymus Bosch. "La nave dei folli"
Nel 1500, l'artista olandese Hieronymus Bosch completò il lavoro sul suo famoso dipinto “La nave dei folli”. Si ritiene che questa sia solo una parte di un trittico da lui dipinto. Dottoressa in Storia dell'Arte, la professoressa Paola Volkova aiuterà lo spettatore a penetrare nel livello profondo e simbolico dell'opera e a vedere un'acuta satira sulla morale che regnava in Europa a cavallo tra il XV e il XVI secolo.
Episodio 4. Albrecht Dürer. "Malinconia"
Nel 1514, il grande artista tedesco Albrecht Dürer creò una delle sue opere più famose: l'incisione "Malinconia". Insieme alla dottoressa in storia dell'arte Paola Volkova, proveremo a decifrare questo capolavoro del Rinascimento, esamineremo i tre livelli di conoscenza su di esso raffigurati e proveremo a trovare un autoritratto dell'artista stesso
Hai tra le mani una nuova edizione delle lezioni uniche di Paola Volkova "Il ponte sull'abisso". Secondo la stessa Paola Dmitrievna, questo è “un libro insolito”. Offre una nuova prospettiva sulla storia dell'arte, sulla creatività e sulla personalità dell'artista. Il libro traccia nuove connessioni tra forme lontane che non stanno in superficie e davanti agli occhi. Come, ad esempio, tra l'antica cultura cretese e le tradizioni profonde della cultura spagnola, e molto altro ancora.
Paola Dmitrievna ha parlato del suo progetto: “È molto difficile per me scrivere. Tutti si chiedono sempre perché scrivo così poco. Il fatto è che il discorso orale e quello scritto sono diversi l'uno dall'altro... Solo di recente ho imparato a scrivere in modo breve, economico e lapidario. Ho fatto un passo molto grande. Ho concepito una serie di cinque libri, il primo dei quali ho già pubblicato”.
Paola è sempre stata una persona speciale. Una studentessa del leggendario critico d'arte Abram Efros, che "ha insegnato la cosa principale: cercare di guardare in modo indipendente e indipendente un argomento d'arte", non solo ha insegnato alla VGIK e ai Corsi superiori per registi e sceneggiatori, è stata una massimo esperto dell'opera di Tarkovskij. La sua cerchia di amici comprendeva grandi personaggi come Lev Gumilev, lo scultore Ernst Neizvestny, i filosofi Merab Mamardashvili e Alexander Pyatigorsky, i suoi ritratti furono dipinti da Nikolai Akimov e Vladimir Weisberg, le cui opere si trovano nella Galleria Tretyakov, e l'artista Dmitry Plavinsky credeva che lei era il più capace di comprendere e apprezzare il suo lavoro.
Le sue conferenze sono conosciute a Mosca dagli anni '50: con esse sono cresciute diverse generazioni di registi. Coloro che hanno avuto la fortuna di assistere almeno una volta alle lezioni di questa straordinaria donna non le dimenticheranno mai. Brillante insegnante e narratrice, attraverso i suoi libri, conferenze e semplicemente conversazioni, ha instillato nei suoi studenti e interlocutori un senso di bellezza, cercando di raggiungere le loro anime e purificarle dall'ottusità accumulata.
Paola aveva una colossale libertà interiore, indipendenza di carattere e immensa conoscenza. La sua forza trainante era la passione, l'immaginazione e una profonda comprensione delle vibrazioni dell'universo. Difendere le proprie opinioni richiedeva coraggio quotidiano e ci si poteva solo chiedere da dove provenisse ogni volta. Sempre bella ed elegantemente vestita, anche quando le cose erano di lusso insostenibile, in ottima forma, Paola era spiritosa e una conversatrice insuperabile, pronta a supportare qualsiasi argomento di conversazione. Era impossibile non amarla ed era impossibile non ammirarla.
Nelle opere d'arte sapeva vedere ciò che solitamente è nascosto da occhi indiscreti, conosceva il linguaggio stesso dei simboli, che per gli altri è un grande segreto, e sapeva spiegare con le parole più semplici cosa nasconde questa o quell'opera. Puoi discutere sulle lezioni di Paola Volkova, puoi essere d’accordo o in disaccordo con esse. Non ha mai preteso di essere scientificamente accurata; ha invitato il lettore a pensare all’arte e al mondo. "Un punto di vista ha sempre il diritto di esistere come suggerimento di riflessione", ha detto Paola Dmitrievna. Le sue lezioni sono diventate una rivelazione non solo per la gente comune, ma anche per i professionisti. Le storie sul mondo antico, i grandi maestri della pittura, le loro creazioni e i loro destini erano così realistiche e così piene dei più piccoli dettagli e dettagli che suggerivano involontariamente l'idea che lei stessa non solo vivesse in quei tempi, ma conoscesse anche personalmente tutti ha parlato di narrazione.
“Credo”, ha detto Paola Dmitrievna, “che tutta la storia della cultura che conosciamo, la conosciamo non solo perché è oggetto di conservazione museale o di scoperta archeologica, ma anche perché risponde ad alcune domande e ora. Questa è una storia continua di commenti. Commentiamo ancora l'antichità. Il XX secolo è il secolo dei commenti. Questo è un ponte sull'abisso. Questi sono echi, echi, risposte. Parliamo con il nostro passato. Ne abbiamo bisogno come ricordo, perché la memoria è la cosa principale. Grazie a questo infinito commento con la cultura artistica mondiale, possediamo ricchezza psicologica, intellettuale e spirituale. Oggi c’è un’indubbia crisi di idee e ideologie. Perché non guardare il mondo da una posizione diversa, non ancora accettata. I lettori, soprattutto quelli giovani, hanno bisogno di un libro del genere”.
Paola Dmitrievna non ha avuto il tempo di realizzare il suo progetto, avendo pubblicato un solo libro durante la sua vita. Sono passati più di due anni dalla sua scomparsa. Il suo sogno di creare una serie di cinque libri si è avverato. All’inizio i libri hanno avuto un enorme successo grazie alla serie di programmi sul canale televisivo Kultura “Il ponte sull’abisso”. E ora vivono la propria vita.
Questa pubblicazione presenta il ciclo “Il ponte sull'abisso” nella forma in cui è stato concepito da Paola Dmitrievna - in ordine storico e cronologico. Comprenderà anche lezioni inedite provenienti dall'archivio personale.
Il libro vuole essere una lettura ampia per chi è interessato alla letteratura artistica, con uno spazio che spazia dall'antichità, al Mediterraneo europeo, al concettualismo del XX secolo.
Maria Lafont
introduzione
Da molti anni studenti di diverse generazioni credono che dovrei pubblicare le mie lezioni di “Storia generale dell'arte”, tenute alla VGIK e ai Corsi superiori per sceneggiatori e registi.
Ciò si è rivelato impossibile, purtroppo.
In primo luogo, le lezioni sono sempre, in una certa misura, improvvisazione, più un campo emotivo di contatto con il pubblico. In secondo luogo, il discorso scritto e quello orale sono completamente diversi. Le mie lezioni sono state registrate molte volte. E cosa? Anche se ben curati, sono difficili da leggere. Invidio infinitamente chi “dice quello che scrive”.
Nelle mie lezioni illustro il mio compito con molte citazioni e ricordi di come questa o quell'impressione è cambiata da un incontro diretto. Quanti libri hai letto sull'acropoli ateniese? Ma quando l’ho “incontrato” nel 1991 e ho salito i gradini fino all’ingresso dei Propilei, tutta la mia conoscenza, tutta la mia percezione del mondo è stata capovolta, dentro e fuori. Conosci l'antichità greca attraverso la Grecia, il luogo della sua nascita. O l'ingegnoso tempio di Poseidone a Sounion. Chi erano loro, che vivevano tra le pietre nella continua verticalità di salite e discese, che creavano, nel superare le difficoltà, quell'armonia pura che ancora oggi fa sgorgare lacrime di religioso piacere, di stupore per un visibile, duraturo miracolo e di felicità? Quali furono le condizioni che diedero origine al fenomeno mai ricorrente del genio e dell'assoluto? E inizi a pensare a queste ragioni, e non a ciò che già sai e puoi leggere nei libri degli esperti più autorevoli. Lo stesso cominciò ad applicarsi a quasi tutto il volume delle mie lezioni. Uno shock naturale fu la “Venere” di Velazquez alla National Gallery di Londra o i dipinti di Tiziano al Prado, Goya allo stesso Prado e “Autoritratto con la musa” di Vermeer a Vienna. Ciò che vedi in età adulta ha poca somiglianza con le migliori illustrazioni e persino con i testi più profondi. Sebbene, ovviamente, la conoscenza acquisita nel corso della vita costituisca una solida base per la nuova costruzione.
Terzo. Il mio intervento è lungo e pubblicare il corso richiederebbe volumi, il che è impossibile. Al contrario, scrivo con parsimonia, cercando un testo conciso.
In quarto luogo. Nel tempo, il contenuto del corso cambia. Viaggio molto. Vedo il mondo nell'originale, non nella foto. "E sento e penso diversamente." A poco a poco è nata la forma di registrazione offerta da questo libro. Non sta a me giudicare il risultato.
In totale, si prevede di pubblicare cinque libri, spaziando dall'antichità al concettualismo del XX secolo.
Una delle ultime rappresentanti della Boemia intellettuale del XX secolo, una donna amica di maestri riconosciuti non solo dell'arte sovietica ma anche mondiale, Paola Volkova (1930-2013) è una delle poche che potrebbe parlare dei creatori di il passato come più vitale, appassionatamente e rigorosamente, come se i suoi spettatori fossero parte del mistero universale e fossero chiamati a cogliere l'inafferrabile armonia della vita. Ha imparato l'arte di parlare semplicemente di cose complesse alla perfezione e ha trascorso tutta la sua vita costruendo un "ponte" invisibile - un percorso sopra l'abisso dell'indifferenza e dell'illusione umana.
Sono vecchio come le colline.
Ho diciotto anni.
Velimir Khlebnikov
Insolitamente impulsiva per la sua età, con una veste invariabilmente fluente, con enormi anelli sulle sue mani artistiche, come se fosse uscita dalle fotografie dell'età dell'argento - questo è esattamente il modo in cui è stata ricordata da numerosi ascoltatori, studenti di VGIK e Skolkovo, I telespettatori del canale Kultura e tanti altri testimoni delle sue attività educative. Come storica dell'arte, Paola Volkova è conosciuta soprattutto per le sue conferenze (ha tenuto un corso di storia generale dell'arte per 27 anni). Il periodo di massimo splendore della sua creatività si è verificato negli anni '60, un periodo che le ha permesso di conoscere Merab Mamardashvili, Alexander Piatigorsky, Lev Gumilyov, Krzysztof Zanussi, coloro la cui vicinanza alla cultura si è rivelata la sua esperienza personale. I dibattiti filosofici su Dio e gli dei che le è capitato di osservare, le discussioni sul restauro, sulla modernità e sull'antica arte russa diventeranno per lei una scuola di gusto artistico, in cui la poesia non è più un insieme di rime, ma un gioco di sfumature semantiche. In una delle sue interviste parla della sua capacità di “coinvolgere il pubblico nel processo di nascita del pensiero” - qualcosa che le ha dato la fama di una delle migliori critiche d'arte del nostro tempo.
Paola Dmitrievna era un'esperta riconosciuta dell'opera del più non sovietico dei registi sovietici -. A lui è in gran parte dedicata l'eredità scritta di Paola: studiando la genealogia dei Tarkovskij, analizzando nel dettaglio le contraddizioni della loro opera, toccando i significati indicati da Andrei nel suo “Martirologio”, il ricercatore spiega come, elevatosi al livello del mondo riconoscimento, l'artista in gran parte "occidentale" ed emigrante volontario Andrei Tarkovsky rimase incondizionatamente russo. Ne scrive in articoli e parla alle mostre della sua Fondazione. La casa di Mosca dove Andrei Arsenievich ha vissuto per trent'anni non può essere salvata: nel 1996, Paola Volkova ha restaurato la casa della sua infanzia militare a Yuryevets. Nel cimitero di Saint-Genevieve-des-Bois, ha eretto una lapide commemorativa sulla sua tomba.
La conoscenza del nervoso Tarkovsky ha dato origine all'amicizia con l '"uomo dell'armonia" Tonino Guerra - questo è, forse, un altro dei "ponti" di Paola Volkova, una donna dal nome romanico e dal cognome slavo. Due persone e due Italie diverse: un rifugio temporaneo per l'uno, una patria per l'altro. La Madonna e la Madonna, Dovzhenko e Fellini... "L'arte è intraducibile", dirà una volta l'eroe di "Nostalgia" Andrei Gorchakov. “Come possiamo allora capirci?” - gli chiederà Eugenia. Tuttavia il regista moscovita e il poeta di Santarcangelo si intendevano perfettamente, e Ola, come veniva chiamata allora, una ragazza dai severi occhi azzurri, fu testimone di questo duetto, una sinfonia dei migliori violini della sua giovinezza.
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| Foto: Vittasim.livejournal.com |
La conoscenza dell'eccezionale Paola convinta dell'importanza di tutti - è in questa convinzione che risiede la sua caratteristica sensualità, che a volte veniva condannata (a volte non senza motivo). È difficile immaginare che il programma televisivo "Bridge Over the Abyss", che ha ricevuto un numero record di visualizzazioni, sia basato su uno studio scientifico in più volumi. Le performance video di Paola Dmitrievna sono forse la cosa più preziosa che ha lasciato ai suoi studenti: c'era una forza nella sua voce che non può essere trasmessa nel discorso scritto. Non era un'arida teorica: raccontava con entusiasmo, quasi con la rudezza della sua voce allenata, le disavventure di un certo Alcibiade ("un traditore e un bell'uomo di straordinaria, folle bellezza"), con un sussurro ansimante e teatrale in un pubblico gremito - parla delle fontane del “mio caro Tonino”. La sua arte personale si è accesa, il movimento delle sue sopracciglia e delle mani ha messo in movimento le statue più fredde. Immagini disparate allineate in un ornamento chiaro, un dettaglio poco appariscente, una sorta di fibbia, acquisirono improvvisamente un enorme significato, i ritratti di Fayum cominciarono a parlare. Amica dei veri registi, conosceva perfettamente le leggi della sceneggiatura e, soprattutto, rispettava sinceramente i suoi studenti, comunicando con loro da pari a pari.
Solo pochi riescono a rendere accessibile il complesso senza banalizzarlo; intere aziende ci stanno lavorando con più o meno successo. Il fenomeno di Paola Volkova mostra ancora una volta l'incoerenza delle mosse di marketing in una questione che richiede la viva partecipazione dell'animo umano. La commercializzazione illimitata dell'arte a volte porta al fatto che manufatti squisiti si trasformano in cliché e visitare le mostre diventa solo un'aggiunta alla moda a uno stile di vita sano. Gentile indifferenza, essenzialmente letargia spirituale.
Paola è sopravvissuta a quasi tutti i suoi amici più cari. Nel 21° secolo, in una nuova generazione, quasi su un altro pianeta, è riuscita a diventare contemporanea con ciò che la circonda: gli alunni di una cultura diversa e clip. La stessa Paola Dmitrievna, come maestosa protesta di questa "clip-art", è rimasta una persona sorprendentemente gioiosa fino alla fine: confrontando i mondi, svelando il codice della civiltà del passato, lei stessa, senza accorgersene, ha rivelato il segreto della eterna giovinezza dell'anima. Dalla meravigliosa distanza dove tanti l'hanno incontrata, lei ci chiama ancora a una celebrazione della vita, una festa dell'armonia - un giubilante “sì” all'esistenza.