Claude Monet. Papaveri. 1773 Museo D'Orsay, Parigi

"Papaveri", una delle opere più famose di Claude Monet, l'ho vista in . Tuttavia, allora non l’ho guardato bene. Come fan, sono rimasto semplicemente sbalordito da tutti i capolavori presenti in questo museo!

Più tardi, ovviamente, ho guardato bene “Poppies”. E ho scoperto che non avevo nemmeno notato diversi dettagli interessanti del museo. Se guardi l’immagine più da vicino, probabilmente avrai almeno tre domande:

1. Perché i papaveri sono così grandi?
2. Perché Monet ha raffigurato due coppie di figure quasi identiche?
3. Perché l'artista non ha disegnato il cielo nella foto?

Risponderò a queste domande in ordine.

1. Perché i papaveri sono così grandi?

I papaveri sono raffigurati molto grandi. La maggior parte di essi è grande quanto la testa del bambino raffigurato. E se prendi i papaveri dallo sfondo e li avvicini alle figure in primo piano, allora saranno completamente più grandi delle teste sia del bambino che della donna raffigurate. Perché tale irrealtà?

A mio avviso Monet ha deliberatamente aumentato le dimensioni dei papaveri: in questo modo ha scelto ancora una volta di trasmettere una vivida impressione visiva piuttosto che il realismo degli oggetti raffigurati.

Qui, a proposito, si può tracciare un parallelo con la sua tecnica di raffigurare le ninfee nelle sue opere successive.

Per chiarezza, guarda i frammenti di dipinti con ninfee di anni diversi (1899-1926). L'opera in alto è la prima (1899), quella in basso è l'ultima (1926). Ovviamente, nel tempo, le ninfee sono diventate sempre più astratte e meno dettagliate.

Apparentemente “Papaveri” è solo un presagio della predominanza dell’astrattismo nei dipinti successivi di Monet.

Dipinti di Claude Monet. 1. In alto a sinistra: ninfee. 1899 g. Collezione privata. 2. In alto a destra: ninfee. 1908 g. Collezione privata. 3. Al centro: stagno con ninfee. 1919 Metropolitan Museum of Art, New York. 4. In basso: gigli. 1926 Museo d'arte Nelson-Atkins, Kansas City.

2. Perché nella foto ci sono due coppie di figure identiche?

Si scopre che anche per Monet era importante mostrare il movimento nei suoi dipinti. Lo ha fatto in un modo insolito, raffigurando un sentiero appena visibile su una collina tra i fiori, come se fosse calpestato tra due coppie di figure.

Ai piedi della collina con i papaveri ci sono la moglie Camille e il figlio Jean. Camilla è tradizionalmente raffigurata con un ombrello verde, proprio come nel dipinto “Donna con l'ombrello”.

Sulla collina c'è un'altra coppia composta da una donna e un bambino, per i quali molto probabilmente hanno posato anche Camilla e suo figlio. Ecco perché le due coppie sono così simili.

Claude Monet. Papaveri. Frammento. 1873 Museo D'Orsay, Parigi.

Questa coppia di figure sulla collina è raffigurata forse esclusivamente per l'effetto visivo del movimento a cui Monet tanto aspirava.

3. Perché Monet non ha dipinto il cielo?

Un altro punto degno di nota: nota quanto male è disegnato il cielo, fino alle aree nude della tela lasciate indietro.

Claude Monet. Papaveri. Frammento. 1873

Titolo originale: Papaveri ad Argenteuil

Anno di creazione: 1873

Museo d'Orsay, Parigi.

Oscar Claude Monet (14 novembre 1840 - 5 dicembre 1926) è stato un pittore francese, uno dei fondatori dell'impressionismo.

Campo di papaveri (1873), esposto alla prima mostra impressionista, raffigura la moglie di Monet Camille e il figlio Jean in un campo vicino alla loro casa ad Argenteuil. Come in molte altre opere di Monet, Camille è dipinta con un ombrello tra le mani, e i suoi contorni aggraziati conferiscono al dipinto un fascino speciale. Volendo trasmettere un senso di movimento, Monet aggiunse una seconda coppia di figure (sempre basate su Camille e Jean) in cima alla collina. Sono collegati alle figure in primo piano da un sentiero appena percettibile che attraversa l'erba. Monet dipinse “Campo di papaveri” en plein air, su una piccola tela portatile. Sebbene il dipinto trasmetta un sentimento naturale e spontaneo, è composto con cura. Ciò si esprime non solo nel fatto che l'artista ha ripetuto le figure due volte su di esso, ma anche nella scelta dell'angolo, impostato in modo tale che i papaveri luminosi che riempiono il lato sinistro della composizione si trovino in diagonale, lungo il quale Camille e Jean camminano, come se uscissero oltre il quadro. Il colore ricco e il movimento che riempiono quest'area del dipinto sono in attento contrasto con i toni calmi del bordo superiore destro della tela, dove il tetto in terracotta della casa collega abilmente lo sfondo con il primo piano della composizione.

Descrizione del dipinto “Papaveri” di Claude Monet (Ad Argenteuil)

L'opera di Monet "Papaveri", il cui secondo nome è "Campo di papaveri ad Argenteuil", fu dipinta dall'artista nel 1873. Il paesaggio del campo di papaveri raffigurato nella foto, con una piccola cresta di alberi, come se separasse il cielo dalla terra, dà inizialmente la sensazione di una trama semplice. Ma guardando più in profondità l'immagine, ti rendi conto che la prima impressione era ingannevole.

L'immagine può essere figurativamente divisa in quattro sezioni da due linee perpendicolari. La linea orizzontale, come se fosse delineata in modo approssimativo e chiaro, taglia la linea verticale virtuale, appena visibile. La casa raffigurata sulla tela è una sorta di centro di intersezione di due linee, che collega la composizione in un tutt'uno.

L'immagine è degna di nota per il suo carico semantico e sensoriale, evidenziato dalle sagome di donne con bambini situate sulla sommità della collina e sul suo pendio. La donna e il ragazzo che vediamo in primo piano nel quadro non sono altri che la moglie e il figlio dell’artista. L'insolita composizione regala una visione illusoria di un dipinto nel dipinto. L'immagine ripetuta delle sagome dà la sensazione di donne e bambini che si muovono lungo un percorso impercettibile. L'albero che si erge sopra la collina aumenta la pienezza e l'importanza di questa parte dell'opera.

La parte destra, quasi incolore, contrasta con lo sfondo di un campo di papaveri in fiore e fa da sfondo alla silhouette femminile raffigurata all'intersezione delle aree adiacenti dell'immagine.

Con pochi tratti di pennello l'artista ha delineato il cielo. Le parti della tela non toccate dalla pittura mostrano la riluttanza dell'autore a focalizzare l'attenzione sulla parte superiore della tela.

Nel loro insieme, l'immagine è percepita come un impegno nei confronti dei valori terreni che sono di fondamentale importanza. Per risolvere il problema che si è posto, l'artista ha fatto ricorso a tutte le possibilità a sua disposizione per trasmettere la sua visione della trama dell'immagine.

Campo di papaveri (1873), esposto alla prima mostra impressionista, raffigura la moglie di Monet Camille e il figlio Jean in un campo vicino alla loro casa ad Argenteuil. Come in molte altre opere di Monet, Camille è dipinta con un ombrello tra le mani, e i suoi contorni aggraziati conferiscono al dipinto un fascino speciale.

Monet dipinse “Campo di papaveri” en plein air, su una piccola tela portatile. Sebbene il dipinto trasmetta un sentimento naturale e spontaneo, è composto con cura. Ciò si esprime non solo nel fatto che l'artista ha ripetuto le figure due volte su di esso, ma anche nella scelta dell'angolo, impostato in modo tale che i papaveri luminosi che riempiono il lato sinistro della composizione si trovino in diagonale, lungo il quale Camille e Jean camminano, come se uscissero oltre il quadro. Il colore ricco e il movimento che riempiono quest'area del dipinto sono in attento contrasto con i toni calmi del bordo superiore destro della tela, dove il tetto in terracotta della casa collega abilmente lo sfondo con il primo piano della composizione.

Passione per i fiori

Per tutta la sua vita, Monet amò dipingere fiori: fiori selvatici, da giardino o recisi, sono costantemente presenti nei suoi paesaggi.

Monet una volta ammise che le due più grandi passioni della sua vita erano la pittura e il giardinaggio. Quando dipingeva fiori, entrambe queste passioni erano combinate. Nel Campo di papaveri, come in molti altri suoi dipinti, Monet ama i fiori selvaggi e vivaci. Si conoscono diverse bellissime nature morte di fiori recisi di Monet, ma soprattutto amava dipingere i fiori che crescevano nei suoi giardini, prima ad Argenteuil e poi a Giverny. Nel 1871 Monet si trasferisce con la famiglia ad Argenteuil per trovare la sua prima casa e il suo primo giardino. Tuttavia, la passione principale nella vita dell’artista era il suo giardino a Giverny. Monet selezionava i fiori per il suo giardino in modo che fossero disposti in un certo ordine, fossero di colore contrastante e fiorissero tutto l'anno. Ha piantato molti fiori insoliti nel suo giardino. La passione di Monet per i fiori era condivisa da molti altri artisti impressionisti, in particolare Gustave Caillebotte. "Assicurati di venire lunedì, come concordato", ho scritto alla mia amica Mona. "Tutti i miei iris saranno in fiore."

Ossessione per la luce e il colore

L'ossessione di Monet per la luce e il colore ha portato a molti anni di ricerca e sperimentazione, il cui obiettivo era quello di catturare sulla tela le sfumature fugaci e sfuggenti della natura.

I DIPINTI DI MONET hanno dato vita a un nuovo movimento nella pittura: l'impressionismo, e lo stesso Monet è riconosciuto come il rappresentante più grande e tipico di questo movimento. Per tutta la sua lunga vita, Monet ha seguito costantemente le regole di base dell'impressionismo: catturare scene della vita moderna su tela (per Monet, questi sono paesaggi) e lavorare all'aria aperta.

LAVORO ALL'ARIA APERTA La pratica di un artista che lavora all'aria aperta (plein air) non era qualcosa di completamente nuovo. All'inizio del XIX secolo, l'artista inglese John Constable dipingeva spesso i suoi schizzi e studi ad olio nella natura. Nel 1840, seguendo il suo esempio, un gruppo di artisti francesi si riunì nel villaggio di Barbizon vicino alla foresta di Fontainebleau con l’obiettivo di dipingere paesaggi che dovessero rappresentare la “vera natura”. Camille Corot, che era molto apprezzato da molti impressionisti per la sua visione non idealizzata della natura, dipingeva anche lui a olio en plein air, esortando gli artisti a "seguire la tua prima impressione".

Il ruolo più importante nello sviluppo di Monet come artista è stato svolto dalla sua amicizia giovanile con il paesaggista Eugene Boudin, specializzato in piccoli e ariosi paesaggi marini che creava all'aria aperta. Bodin insistette affinché Monet si unisse a lui durante una di queste sessioni a Le Havre. "All'improvviso le squame caddero dai miei occhi", scrisse in seguito Monet.

Lì, a Le Havre, Monet incontrò l'artista olandese Johan Barthold Jonkind, che cercò di trasmettere le sfumature più delicate dell'aria e dell'umore nei suoi paesaggi marini. Monet in seguito disse di lui: “È stato l’uomo che alla fine ha sviluppato la mia visione”.

QUELLO CHE L'OCCHIO VEDE VERAMENTE Monet ha imparato che un dipinto dipinto all'aperto ha una freschezza e una vitalità uniche che non possono essere raggiunte lavorando in uno studio, dove l'artista ha un'idea preconcetta dell'opera che sta per creare. Il consiglio che Monet ha dato agli artisti rivela chiaramente il suo approccio alla pittura: “Cerca di dimenticare ciò che vedi davanti a te: un albero, una casa, un campo, qualunque cosa. Pensa solo che in questo luogo c’è un quadratino blu, c’è una figura rosa allungata, e continua finché non avrai un’impressione ingenua dell’immagine che è davanti ai tuoi occhi”. Pertanto, un'impressione è un impulso visivo creato da ciò che si vede in quel particolare momento.

UN'IDEA RIVOLUZIONARIA Per tutti gli impressionisti, e per Monet in particolare, lo scopo principale dell'arte era catturare un'impressione sfuggente e fugace. A quel tempo, un’idea del genere sembrava rivoluzionaria e scioccante non meno del palese realismo di Courbet in NUOVE TECNICHE. Per raggiungere i suoi obiettivi, l’artista aveva bisogno di nuove tecniche tecniche di scrittura. Monet, in particolare, sviluppò la propria tecnica pittorica, applicando tratti ampi e ruvidi, punti sparsi in grassetto, trattini, zigzag e tratti spessi sulla tela con un pennello corto. Monet lavorò simultaneamente sull’intero spazio del dipinto, credendo, come disse in seguito, che “il primo strato di pittura dovrebbe coprire la maggior parte possibile della tela, non importa quanto approssimativamente venga applicato”.

Monet utilizzò il colore in un modo completamente nuovo e rivoluzionario, ispirato, senza dubbio, dalle scoperte di Eugene Chevreul sul metodo di percezione visiva. Chevreul ha dimostrato che i colori primari adiacenti della ruota dei colori si ammorbidiscono a vicenda e il contrasto maggiore si ottiene quando i colori complementari sono adiacenti. L'altra sua importante scoperta fu che il colore non è una proprietà intrinseca degli oggetti. Il colore è semplicemente il modo in cui la luce si mescola mentre si riflette sulla superficie di un oggetto. Come i suoi colleghi impressionisti, Monet utilizzava tipicamente una tavolozza limitata, preferendo colori puri e non miscelati e dipingendo su tele preverniciate con primer bianco o crema, che rendeva i colori applicati più chiari e luminosi.

Un'altra scoperta importante che ha influenzato la visione degli artisti è stata la fotografia. Nelle fotografie di quel tempo, gli oggetti in movimento sono percepiti come punti sfocati e solo gli oggetti fermi hanno contorni chiari. Questo effetto si riflette chiaramente nelle figure di persone simili a formiche che vediamo nel dipinto di Monet “Boulevard des Capucines” (1873).

CAMBIARE IL SOGGETTO DELL'IMMAGINE

È molto interessante tracciare come sia cambiato l’atteggiamento di Monet nei confronti degli oggetti raffigurati nel corso della sua lunga vita. Nonostante fosse costantemente assorbito dai giochi di luce, nei suoi primi dipinti Monet raffigurava molto spesso figure umane dipinte in modo familiare sullo sfondo di un paesaggio.

Tuttavia, verso il 1880, Monet iniziò ad essere sempre più attratto dalla natura nella sua forma più pura. Se nei dipinti di questo periodo compaiono figure o oggetti inanimati, di solito svolgono un ruolo secondario e passano in secondo piano.

SERIE DI DIPINTI

Nonostante il fatto che gli artisti in ogni momento creassero una serie di schizzi della stessa scena, prima di Monet non c'era nessuno che dipingesse lo stesso oggetto più volte in condizioni di illuminazione e condizioni meteorologiche diverse. I dipinti di Monet rappresentano intere serie raffiguranti pagliai, pioppi, la cattedrale di Rouen, una veduta di Londra dal Tamigi e, infine, ninfee.

I paesaggi londinesi di Monet, dipinti tra il 1899 e il 1901, con la loro luce diffusa e il colore diffuso, sono opere d'arte virtuosistiche e drammatiche che tracciano l'evoluzione dello stile dell'artista verso una maniera quasi astratta. Mostrano il graduale progresso dell'artista verso l'oggetto che dipingerà nel corso dei restanti anni della sua vita, creando i suoi giardini e trasformandoli in rare opere d'arte.

Dal 1905 circa fino alla fine della sua vita, Monet si concentrò interamente sulle ninfee. Questi dipinti, in cui le coppe delle ninfee si materializzano letteralmente sulla superficie dell'acqua priva di linea dell'orizzonte, sono diventati studi che catturano l'infinita e unica varietà di colori e luci. In effetti, queste serie di dipinti, come ogni brillante opera d'arte, sfidano ogni spiegazione. Queste sono le opere di un poeta che ha un acuto senso della natura ed è in grado di trasmetterne la bellezza nella sua pittura.

Riesci a immaginare che nel mezzo della giungla urbana canadese sia sbocciato all'improvviso? campo di papaveri? Sembra inverosimile, ma nel mondo dell’arte nulla è impossibile. E c'erano già dei precedenti: non molto tempo fa i papaveri sono apparsi a Zweibrücken a Montreal - questa è già una sorta di continuazione della tradizione floreale.

L’ideatore dell’installazione “fiore” – artista e architetto Claude Cormier, un ardente ammiratore dell'impressionismo. Amore per le tele Claude Monet già una volta lo ha ispirato a creare, che somigliava a un glicine in fiore. L'attuale creazione a Montreal è un omaggio e un'ammirazione per i “Campi di papaveri” del grande artista. Ricordiamo che Claude Monet dipinse instancabilmente le verdi distese di Giverny, punteggiate di fiori scarlatti, dai suoi dipinti è possibile creare un intero ciclo di “papaveri”.

Per realizzare l'installazione ci sono voluti 5.060 pennarelli rossi, verdi e bianchi, che costellano il vicolo antistante il Museo delle Belle Arti. Il lavoro di Claude Cordier fa parte di una mostra annuale. Tutti potranno ammirare il lussuoso campo di papaveri in mezzo al mare d'asfalto.

A proposito, questa non è la prima volta che le opere del famoso impressionista ispirano gli artisti a creare opere d'arte. Abbiamo già presentato ai nostri lettori un design che ricorda la Casa Blu di Zaandam, nonché una serie di poster pubblicitari, uno dei quali raffigura Monet con un altro fiore preferito: le ninfee.