Il Natale è la festa più amata in tutto il mondo cristiano. È pieno di aspettative entusiasmanti, anticipazione di un miracolo, speranze. L'anticipazione del rinnovamento della vita, che dovrebbe venire dopo la notte di Natale, colora i giorni molto prima dell'inizio dell'evento festivo, solo al suo pensiero. I sogni più luminosi e i piani più audaci per il prossimo anno sono associati al Natale. Ora sono spesso di natura piuttosto secolare, ma questo complesso di emozioni si è sviluppato nel corso dei secoli in linea con le esperienze religiose di una delle principali festività della chiesa cristiana. L'arte - pittura, teatro, musica - ha partecipato attivamente alla sua decorazione e ha incarnato queste esperienze.
Matthias Grunewald. Natale.
L'ala dell'altare di Isenheim. OK. 1515. Museo Unterlinden, Colmar
IN Nella Sacra Scrittura le circostanze della nascita di Cristo sono riportate abbastanza brevemente, senza menzionare i fatti esatti (che hanno dato luogo a discussioni nei secoli successivi anche sulla data del Natale). La descrizione più dettagliata dell'evento è contenuta nel Vangelo di Luca (Luca 2: 6-7): “Quando erano là (a Betlemme. - NM), è giunto il momento per lei di partorire; e diede alla luce il suo figlio primogenito, lo avvolse e lo depose in una mangiatoia, perché non c'era posto per loro in un albergo. Ma questa storia è avara di dettagli.
Le prime immagini apparvero sui muri delle catacombe romane, e non tanto rappresentavano l'evento in dettaglio, ma lo indicavano. Nei secoli successivi, gli apocrifi, le opere degli scrittori ecclesiastici, gli scritti dei mistici e il dramma del mistero hanno sbocciato la trama con molti dettagli ed esperienze. L'inizio di questo movimento fu posto dall'insegnamento mistico di Bernardo di Chiaravalle (1090-1153), il cui nucleo era l'amore per Cristo Bambino e Cristo Passionista, nonché la venerazione e l'amore per la Madre di Dio.
Nelle Rivelazioni di Brigida di Svezia (c. 1304-1373), il presepe è descritto in molti dettagli come un'immagine che le apparve davanti con chiarezza come se fosse un evento reale quando questa suora, in pellegrinaggio in Terra Santa, finì a Betlemme. In memoria e in onore della Natività di Cristo, Francesco d'Assisi (1181/2–1226) mise in scena per la prima volta la rappresentazione della scena della mangiatoia con il divino bambino come un'azione indipendente, non inclusa nella liturgia, in modo che quanti più laici possibile, compresi quelli inesperti in latino e analfabeti, potessero vedere "com'era". Accadde nel 1223, e da questa data il dramma religioso medievale ripercorre la sua storia.
XV - la prima metà del XVI secolo - il periodo della sua massima popolarità e diffusione.
Il tema principale di queste rappresentazioni teatrali (misteri) era la vita di Cristo, la rappresentazione della Passione ebbe il maggior successo, spesso si protrasse per diversi giorni e si svolse per molte ore. Il portico della cattedrale, la piattaforma sulla piazza del mercato o semplicemente la piazza e le strade della città fungevano da piattaforma scenica. Una varietà di dispositivi tecnici: blocchi per "ascensione", portelli per "cadere all'inferno" - hanno contribuito alla vividezza dell'impressione. Mettere in scena una rappresentazione della Passione era la cosa migliore e più alta che solo una città potesse celebrare un evento eccezionale.
Sandro Botticelli. Natale mistico. OK. 1500
I testi dei drammi consistevano in centinaia e persino migliaia di versi poetici, e di solito erano scritti da sacerdoti. Gli artisti e gli artigiani delle corporazioni cittadine hanno preso la parte più diretta al progetto, loro, insieme al clero, erano esecutori. Lo scopo della rappresentazione teatrale era presentare il più chiaramente possibile la realtà divina e sacra di questi eventi lontani. Allo stesso tempo, la credibilità dei dettagli è stata attinta dalla vita circostante. I testi poetici, la musica che ha accompagnato l'azione, il naturalismo della presentazione (e ha raggiunto estremi palesi, quando la persona che interpretava il ruolo di Giuda era a malapena viva all'ultimo momento è stata tolta dal giro) - tutto ha fatto appello ai sentimenti del pubblico, ha catturato le loro emozioni. E se la "Passione" è stata dipinta in esperienze tragiche e dolorose, allora il Natale ha portato sentimenti gioiosi e luminosi.
IN XV-XVI secolo l'arte della pittura ha raggiunto un tale livello di sviluppo che gli artisti hanno potuto creare le proprie interpretazioni di soggetti cristiani canonici, allontanandosi molto dall'iconografia tradizionale e dotando le opere di una propria struttura emotiva. Ecco solo alcuni esempi per mostrare quanto fosse ampio il raggio di questa libertà creativa.
La scena della Natività dell'artista tedesco Matthias Grunewald si riempie di gioia, raggiungendo una sorta di intensità estatica. È trasmesso dai colori chiari e persino luminosi degli abiti degli angeli e di Maria. L'edificio fatiscente, solitamente raffigurato in questa scena come il luogo di nascita di Gesù, è qui sostituito da una loggia ornata piena di un coro e di un'orchestra di angeli che lodano la Vergine Maria e il neonato, che lei tiene teneramente tra le braccia. (Quest'ultima circostanza esula dall'ambito del canone, secondo il quale il bambino giace di solito in una mangiatoia o per terra, e Maria o giace su un letto, oppure si inginocchia e lo adora).
Più tardi, Brigida di Svezia scrisse in modo abbastanza inequivocabile su questo: “Poi (dopo la nascita miracolosa del bambino da parte di Maria.– NM) Ho sentito il canto degli angeli, era insolitamente gentile e bello.
Dall'alto, in un fulgore dorato (simbolo del mondo montano e del paradiso celeste), Dio Padre guarda la Madonna col Bambino e, trafiggendo le tenebre e le nuvole, il flusso della luce divina raggiunge la terra.
Ma la gioia non è serena. Lo sfondo nero del concerto angelico, il cambio di scene di cielo luminoso e tempestoso nel paesaggio alle spalle di Maria la riempiono di inquietanti contrasti dinamici, in cui si può intuire il presagio di ulteriori tragici eventi.
l Il singhiozzo sulla venuta al mondo di Cristo è intriso anche del dipinto di Botticelli "La Natività mistica".
Gli angeli non solo cantano e suonano musica, portano pastori e stregoni a inchinarsi al Bambino, abbracciare i mortali e danzare nei cieli, aperti in tale occasione e rivelare il loro bagliore dorato del paradiso, incarnando in ogni modo possibile quella "grande gioia", "che sarà per tutte le persone, perché oggi il Salvatore, che è Cristo Signore, vi è nato nella città di Davide" (Luca 2: 10-11). Gli angeli hanno ali iridescenti e rami di ulivo in mano, a simboleggiare la pace. Da questo giubilo corre e si nasconde sottoterra, negli anfratti, tutti gli spiriti maligni sotto forma di piccoli diavoli.
L'artista trasmette un impeto di sentimenti gioiosi ed esaltati con un ritmo di figure che si protendono verso, quasi cadendo l'una nelle braccia dell'altro o muovendosi in cerchio. Il disegno delle pieghe svolazzanti delle vesti leggere non segue tanto le vibrazioni dell'aria, ma sembra essere un calco dei movimenti e delle inquietudini dell'anima.
L'ombra dell'esaltazione mistica, chiaramente avvertita nella tela di Botticelli, è legata al fatto che, durante la realizzazione di un quadro (1500 circa), l'artista fu colto dall'attesa della fine del mondo e del Giudizio Universale, che, secondo molti, sarebbe dovuto arrivare all'inizio del nuovo secolo e nella seconda metà del millennio. Questi sentimenti escatologici hanno esacerbato i sentimenti associati alla prima venuta nel mondo di Cristo: la sua nascita. La versione di Botticelli del "Natale" è insolitamente originale e sfaccettata e non si limita al tema della gioia, ma qui non c'è occasione per un'analisi dettagliata.
Gli artisti italiani del XV secolo rappresentarono la Natività come una scena in pieno giorno. È particolarmente trasparente e bello in Piero della Francesca, come se la luce del bambino divino inondasse l'intera terra, e l'enfasi era sulla gioia luminosa che questo evento ha portato al mondo.
IN Nelle opere di pittori olandesi e tedeschi sorse una variante della Natività come scena notturna. La base di questa interpretazione è contenuta nel Vangelo di Luca, dove si dice del vangelo ai pastori: “In quel paese c'erano pastori nei campi che custodivano notte(sottolineatura mia. - NM) veglia sul suo gregge» (Lc 2,8). Il momento in cui l'angelo è apparso ai pastori è stato trasferito all'evento stesso. Il dipinto di Gertgen tot Sint-Jans "Night Christmas" fornisce un vivido esempio di tale "notturno".
Hertgen tot Sint-Jans. Notte di Natale. 1484–1490
Galleria Nazionale, Londra
La scena è immersa nel buio della notte, squarciata dal fulgore emanato dal bambino adagiato nella mangiatoia. Mette in risalto i volti e le vesti degli angeli e di Maria su uno sfondo nero e marrone quasi monocromatico, mostra le teste di un bue e di un asino, che riscaldano il neonato con il loro respiro. In tale immagine si incarnano esattamente le parole di Brigida di Svezia: “... Ha dato alla luce un Figlio, dal quale emanava una luce e uno splendore inesprimibili, così che il sole non poteva essere paragonato a Lui, e ancor di più la candela che Giuseppe pose qui - la luce divina inghiottì completamente la luce materiale.
C'è una commovente ingenuità della scultura popolare nelle figure; i volti delle marionette raffigurano una reazione diretta e ingenua al miracolo: Maria si inchina in preghiera, gli angeli pregano con serietà e concentrazione, uno allarga le braccia per la sorpresa. Sono molto vicini alla scultura della chiesa in legno olandese del XV secolo. Semplicità, umiltà e compunzione riempiono la scena, e questi sentimenti sono caratteristici della nuova pietà che si sviluppò tra i laici nei Paesi Bassi settentrionali nel XV secolo.
T La tradizione della notte di Natale vive in Olanda da molto tempo. Nel 17 ° secolo Rembrandt le ha reso omaggio, non solo nella pittura, ma anche nell'acquaforte, creando con inimitabile maestria “scene notturne” con grafiche stampate, immerse in un'oscurità profonda, vellutata o luccicante.
Entrambe le tradizioni si sono felicemente fuse in una delle opere più famose sul tema del Natale: il dipinto di Antonio Correggio "Notte Santa".
Antonio Correggi. Natale (notte santa). 1522-1530 Galleria degli antichi maestri,
Collezioni d'arte statali, Dresda
Il dipinto fu commissionato come pala d'altare per una cappella privata e rappresenta la prima monumentale scena notturna della pittura europea. Ma la cosa più sorprendente è come l'artista sia riuscito a riempire questa scena religiosa di un sentimento profondamente umano. Momenti iconografici tradizionali trovano in Correggio una naturale spiegazione. Maria è scritta in ginocchio, perché le è più comodo tenere il bambino adagiato su un covone di grano che copre la mangiatoia. (Il grano, invece della paglia solitamente raffigurata in questa scena, simboleggia il sacramento del sacramento.) Il Cristo appena nato è circondato da persone comuni e la loro reazione insieme è rispettosa e spontanea. Nella biografia Correggio Vasari descrisse dettagliatamente il quadro e notò soprattutto quanto plausibile l'artista raffigurasse una donna, “che, volendo guardare da vicino Cristo, da cui emana splendore, e incapace con occhi mortali di sopportare la luce della sua divinità, come se colpisse la sua figura con i suoi raggi, chiude gli occhi con la mano; è così espressivo che è davvero un miracolo”. Questa luce, emanata da Cristo, illumina vividamente le figure e mette in risalto l'intero gruppo dal profondo crepuscolo della notte in cui è immerso il paesaggio. Ma non produce un'impressione mistica. Il calore dorato di questo splendore sembra essere pieno di amore e tenerezza della giovane e bella Maria per il bambino. Nella monumentale immagine dell'altare, il tema lirico sincero è diventato il protagonista: l'amore materno, un meraviglioso sentimento terreno.
Ogni elemento dell'immagine è interpretato con tutta la credibilità della realtà, senza perdere allo stesso tempo il suo significato simbolico. Una striscia di alba all'orizzonte è segno di una nuova fede. I gradini di pietra su cui si appoggia il pastore sono le rovine dell'edificio dell'Antico Testamento, che conduce al Messia appena apparso.
Il movimento delle persone, il vortice degli angeli cantanti in alto trasmettono l'eccitazione causata da un evento miracoloso: la venuta di Dio sulla Terra. L'oscurità della notte lo avvolge in un velo di mistero.
Correggio ha creato un'opera veritiera e sublime allo stesso tempo. Un alto grado di generalizzazione e idealizzazione delle immagini di persone e natura, e insieme la sincerità delle emozioni umane gli hanno portato la meritata fama di una delle incarnazioni più perfette della trama nell'arte mondiale.
P Poiché il Nuovo Testamento parla solo indirettamente del tempo della nascita di Cristo (che avvenne durante il censimento della popolazione dell'Impero Romano), nei primi secoli diverse chiese lo celebravano in momenti diversi: gennaio, primavera, autunno. La prima testimonianza scritta della nascita di Cristo si trova nel calendario romano del 354 (conservato nella Biblioteca Vaticana), dove contro il 25 dicembre, con l'immutabilità del fatto storico, è scritto: "Cristo nacque a Betlemme di Giudea". Questa voce ha dato alla vacanza una data.
Inizialmente la festa era di carattere prettamente religioso e veniva celebrata con una solenne messa festiva all'interno delle mura della cattedrale - sull'esempio e in ricordo della prima messa celebrata dalla stessa Vergine Maria subito dopo la nascita di Cristo. ("Quando la Vergine si rese conto di aver già dato alla luce il suo bambino, iniziò subito a pregarlo". Brigida di Svezia. "Rivelazioni sulla vita e le passioni di Gesù Cristo e della gloriosa Vergine Maria, sua Madre.") Maria fu quindi raggiunta da Giuseppe, angeli e pastori. A partire dal XIII secolo la festa si riversa nelle vie e nelle piazze cittadine, dove si svolgono le misteriose rappresentazioni teatrali che accompagnano la celebrazione. E nel XVI secolo. la festa del Natale arriva per la prima volta nelle case dei laici. La leggenda collega l'inizio di questa usanza con il nome di Martin Lutero (1483–1546), figura di spicco della Riforma. Secondo la leggenda, Lutero iniziò a mettere nella sua casa alla vigilia di Natale, alla vigilia di Natale, un abete come simbolo di forza, pace e vita eterna, che vengono donate all'uomo attraverso la venuta di Cristo, e decorarlo con candele, a simboleggiare la luce con cui il divino bambino illuminava la notte di Natale. C'è un'incisione del XVI secolo raffigurante Lutero con la sua famiglia accanto a un albero di Natale.
I contemporanei di Lutero furono lenti a seguire il suo esempio. La festa domestica del Natale fu incoraggiata o proibita dalla chiesa e fu definitivamente e universalmente stabilita in Germania a metà del XVIII secolo. È stata la Germania a diventare il classico paese delle vacanze dell'albero di Natale.
In esso, il Natale cristiano era combinato con le antiche immagini pagane dell'albero del mondo e dell'albero della vita, adorate dai druidi. In Germania, l'albero del mondo è stato a lungo incarnato nell'abete rosso; la maggior parte delle leggende e credenze sono associate ad essa tra i tedeschi.
Tuttavia, il simbolismo dell'albero di Natale si è sviluppato in linea con i concetti cristiani. Oltre a quelle già notate, la stella in alto è rafforzata in onore della Stella di Betlemme, che guidò i Magi. La croce, in cui è attaccato il tronco, dovrebbe ricordare i tormenti di Cristo sulla croce. Sotto l'albero di Natale vengono collocati i cosiddetti "vivai" (ital. presepio) - un gruppo di figurine in legno o argilla raffiguranti la scena della Natività di Cristo. E in memoria del bambino Cristo, il centro delle vacanze di Natale sono i bambini. Per loro - regali sotto l'albero, mele e noci, dolci e giocattoli sui suoi rami: segni materiali dei doni di Cristo.
Nell'era del romanticismo sorsero le più famose opere letterarie "natalizie": "Lo schiaccianoci e il re dei topi" di E.T.A. Hoffmann e le storie di H.K. "L'albero di Natale" e "La ragazza con i fiammiferi" di Andersen, che hanno gettato le basi per storie e romanzi natalizi nella letteratura del XIX e della prima metà del XX secolo.
Dalla Germania, l'usanza dell'albero di Natale intorno al 1840 si diffuse rapidamente nei paesi europei e in Russia. In epoca sovietica, durante il periodo delle persecuzioni religiose, la festa dell'albero di Natale fu temporaneamente vietata, per poi essere trasformata in una festa dell'albero di Capodanno con un programma del tutto laico non legato alla tradizione cristiana. È celebrato su larga scala ancora oggi.
Natività mistica) è uno degli ultimi dipinti dell'artista fiorentino Sandro Botticelli, realizzato in un periodo segnato nella sua opera dal crollo dell'ottimismo quattrocentesco, dalla crescita della religiosità e da una percezione acutamente tragica del mondo.La tela era praticamente sconosciuta finché l'inglese Otley non la vide nella villa di Aldobrandini e la acquistò. Botticelli fu "riscoperto" dalla critica d'arte con l'inizio del movimento preraffaellita, fu allora che John Ruskin diede alla tela il nome attuale. Nel 1878, la London National Gallery acquistò il dipinto per 1.500 sterline. Nella parte superiore della tela è stata conservata un'iscrizione greca che recita:
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È estremamente difficile dare un'interpretazione di questo testo con allusioni apocalittiche. È ovvio che l'opera appartiene a Botticelli, in quanto è firmata ( Alessandro, Sandro- un derivato di Alessandro) e datato 1501 (l'anno fiorentino terminava il 24 marzo, e l'artista cita la fine del 1500). Inoltre, l'autore menziona i disordini politici in Italia, ovvero il quadro è stato dipinto durante i disordini politici e militari che hanno scosso la nativa Toscana dell'artista dopo la morte di Lorenzo il Magnifico.
L '"Apocalisse" di Giovanni è citata, molto probabilmente, in connessione con la fine delle lunghe prove (il cui inizio i ricercatori del lavoro di Botticelli attribuiscono al momento dell'incendio di Fra Girolamo Savonarola o con le crudeli campagne militari di Cesare Borgia), quando il male sarà sconfitto.
Nella composizione della Natività mistica, l'artista si è basato sia su idee sacre che sui sermoni di Savonarolla. Lo testimonia l'illustrazione di una delle raccolte di prediche di Fra Girolamo (1496, Firenze, Biblioteca Nazionale). L'iconografia del dipinto, così come l'intonazione dell'iscrizione, sono segnate dall'influenza del misticismo e dalla severità dell'insegnamento del predicatore.
A proposito dei discorsi del Savonarola, in particolare della sua predica natalizia, pronunciata sotto l'anno fiorentino 1494, dove invitava gli abitanti di Firenze a trasformare la città in una nuova Nazareth, vengono ricordate le figure che venivano a inchinarsi al bambino in abiti moderni per l'artista, pacificate da un abbraccio salvifico con gli angeli; nel frattempo, i demoni in fondo al quadro si precipitano a nascondersi nelle fessure che si sono aperte nel terreno.
Sul tetto della capanna ci sono tre angeli vestiti di bianco, rosso e verde. Questi colori rappresentano la Grazia, la Verità e la Giustizia, spesso presenti nei discorsi di Savonarola. La scena è dominata dal tema della pace e della tranquillità, enfatizzato dal simbolismo delle ghirlande e dei rami di ulivo che accompagnano i personaggi. I rami di ulivo sono tenuti anche nelle mani di angeli che volteggiano sopra la capanna, un intreccio mutuato dalla decorazione delle chiese praticata fin dai tempi del Brunelleschi per le rappresentazioni sacre.
Sandro "Natale mistico", 1501
“La Natività mistica” è uno degli ultimi dipinti dell'artista fiorentino Sandro Botticelli, realizzato in un periodo segnato nella sua opera dal crollo dell'ottimismo quattrocentesco, dalla crescita della religiosità e da una percezione acutamente tragica del mondo.
La tela era praticamente sconosciuta finché l'inglese Otley non la vide nella villa di Aldobrandini e la acquistò. Botticelli fu "riscoperto" dalla critica d'arte con l'inizio del movimento preraffaellita, fu allora che John Ruskin diede alla tela il nome attuale. Nel 1878, la London National Gallery acquistò il dipinto per 1.500 sterline. Nella parte superiore della tela è stata conservata un'iscrizione greca che recita:
“Fu scritto alla fine dell'anno 1500, durante il tumulto in Italia, da me, Alessandro, nel mezzo di quel periodo all'inizio del quale si compì il capitolo IX di San Giovanni e la seconda rivelazione dell'Apocalisse, quando Satana regnò sulla terra per tre anni e mezzo. Trascorso questo periodo, il diavolo sarà di nuovo incatenato e lo vedremo abbattuto, come in questa immagine.
È estremamente difficile dare un'interpretazione di questo testo con allusioni apocalittiche. È ovvio che l'opera appartiene a Botticelli, poiché è firmata (Alessandro, Sandro - un derivato di Alessandro) e datata 1501 (l'anno fiorentino terminava il 24 marzo e l'artista menziona la fine del 1500). Inoltre, l'autore menziona i disordini politici in Italia, ovvero il quadro è stato dipinto durante i disordini politici e militari che hanno scosso la nativa Toscana dell'artista dopo la morte di Lorenzo il Magnifico.
L '"Apocalisse" di Giovanni è molto probabilmente menzionata in connessione con la fine delle lunghe prove (il cui inizio i ricercatori dell'opera di Botticelli attribuiscono al momento dell'incendio di Fra Girolamo Savonarola o con le crudeli compagnie militari di Cesare Borgia), quando il male sarà sconfitto.
Nella composizione della Natività mistica, l'artista si è basato sia su idee sacre che sui sermoni di Savonarolla. Lo testimonia l'illustrazione di una delle raccolte di prediche di Fra Girolamo (1496, Firenze, Biblioteca Nazionale). L'iconografia del dipinto, così come l'intonazione dell'iscrizione, sono segnate dall'influenza del misticismo e dalla severità dell'insegnamento del predicatore.
A proposito dei discorsi del Savonarola, in particolare della sua predica natalizia, pronunciata sotto l'anno fiorentino 1494, dove invitava gli abitanti di Firenze a trasformare la città in una nuova Nazareth, vengono ricordate le figure che venivano a inchinarsi al bambino in abiti moderni per l'artista, pacificate da un abbraccio salvifico con gli angeli; nel frattempo, i demoni in fondo al quadro si precipitano a nascondersi nelle fessure che si sono aperte nel terreno.
Sul tetto della capanna ci sono tre angeli vestiti di bianco, rosso e verde. Questi colori rappresentano la Grazia, la Verità e la Giustizia, spesso presenti nei discorsi di Savonarola. La scena è dominata dal tema della pace e della tranquillità, enfatizzato dal simbolismo delle ghirlande e dei rami di ulivo che accompagnano i personaggi. I rami di ulivo sono tenuti anche nelle mani di angeli che volteggiano sopra la capanna, un intreccio mutuato dalla decorazione delle chiese praticata fin dai tempi del Brunelleschi per le rappresentazioni sacre.
Arte italiana del XV secolo. Rinascimento.
Dipinto dell'artista Sandro Botticelli "Natale mistico". La dimensione dell'opera del maestro è di 108,5 x 75 cm, tempera su tela. In questo quadro Botticelli raffigura una visione in cui l'immagine del mondo appare senza confini, dove non c'è organizzazione dello spazio per prospettiva, dove il celeste si mescola al terreno. Cristo è nato in una miserabile capanna. Maria, Giuseppe ei pellegrini giunti sul luogo del miracolo si sono inchinati davanti a Lui con riverenza e stupore. Gli angeli con rami di ulivo in mano conducono una danza rotonda nel cielo, glorificano la nascita mistica del Bambino e, scendendo sulla terra, lo adorano. L'artista interpreta questa scena sacra dell'apparizione del Salvatore nel mondo come un mistero religioso, presentandolo in un linguaggio “comune”. Primitivizza consapevolmente forme e linee, integra colori intensi e colorati con un'abbondanza di oro. Sandro ricorre al simbolismo dei rapporti di scala, esaltando la figura di Maria rispetto ad altri personaggi, e al simbolismo dei dettagli, come rami del mondo, iscrizioni su nastri, ghirlande. Gli angeli nel cielo stanno girando in cerchio in un'estatica danza circolare. Il vortice delle loro vesti è delineato da una linea nettamente penetrante. Le figure si stagliano nitide contro l'azzurro e l'oro del cielo. Sui nastri che avvolgono i rami si leggono le iscrizioni degli inni di preghiera: "Pace in terra, benevolenza verso gli uomini" e altri.
Giorgione "Venere dormiente"
L'apice poetico dell'arte di Giorgione era "Venere dormiente", l'unico dei dipinti dell'artista su una trama mitologica che ci è pervenuto. Divenne anche una sorta di risultato di tutti i pensieri di Giorgione sull'uomo e sul mondo che lo circondava, incarnava l'idea di un'esistenza libera e serena dell'uomo tra la natura poetica. Nel 1525 M. Michiel scriveva di lei: “Il quadro in tela raffigurante Venere nuda, che dorme in un paesaggio, e Cupido, fu dipinto da Giorgione da Castelfranco, ma il paesaggio e Cupido furono completati da Tiziano”
Velasquez "Bacco"
Trionfo di Bacco l'ubriacone. Il dipinto fu dipinto, o comunque completato, da Velázquez nel 1629. In questa immagine si rivela la brillante indipendenza creativa dell'artista. La sua idea è audace e insolita. Un quadro dipinto su una trama mitologica. Velázquez raffigura una festa di vagabondi spagnoli in compagnia dell'antico dio Bacco sullo sfondo di un paesaggio montano. Il dio del vino e del divertimento è qui raffigurato come amico e aiutante dei poveri. Bacco incorona un soldato inginocchiato con una ghirlanda, che probabilmente meritava una tale ricompensa per una tale dipendenza dal bere. Seminudo, come il suo compagno satiro, il dio siede a gambe incrociate su una botte di vino. Uno dei partecipanti alla festa porta alle labbra una cornamusa per scandire con la musica questo momento scherzosamente solenne. Ma anche il luppolo non può scacciare dalla loro mente il pensiero del duro lavoro e delle preoccupazioni.
Ma particolarmente affascinante è il volto aperto e diretto di un contadino con un cappello nero e una ciotola tra le mani. Il suo sorriso è trasmesso in modo insolitamente vivido e naturale. Brucia negli occhi, illumina tutto il viso, rende immobili i suoi lineamenti. Le figure nude di Bacco e del satiro sono dipinte come tutti gli altri, dalla natura, da forti ragazzi del villaggio. Velazquez ha catturato qui i rappresentanti delle classi sociali inferiori, trasmettendo un aspetto veritiero, vivido ed espressivo, volti induriti sotto il sole cocente, pieni di ingenuo divertimento, ma allo stesso tempo segnati dal sigillo di una dura esperienza di vita. Ma questa non è solo una baldoria da ubriachi, c'è la sensazione di un elemento bacchico nella foto. L'artista non è interessato all'effettivo lato mitologico della congettura, ma all'atmosfera di generale euforia delle immagini che nasce dall'introduzione di personaggi mitologici, come se familiarizzasse con le forze della natura. L'artista trova tali forme di caratterizzazione che non separano il sublime dalla base. Nella sua rappresentazione di Bacco, un giovane ottuso, dal volto pacifico e ingenuo, acquisì qualità prettamente umane.
L'iscrizione greca in alto si traduce così: "Questo quadro, alla fine dell'anno 1500, ne' guai d'Italia, io sono Alessandro, nella rottura dopo il tempo dipinto, secondo l'undicesimo [capitolo] di S. Giovanni, nel secondo monte dell'Apocalisse, durante la liberazione del diavolo per tre anni e mezzo; poi sarà legato nel dodicesimo [capitolo], e lo vedremo [sepolto] come in questa immagine". Botticelli credeva di essere vissuto durante la Tribolazione, forse a causa di sconvolgimenti in Europa in quel momento, e predisse il Millennio di Cristo, come affermato nel testo biblico.
È stato suggerito che il dipinto potrebbe essere correlato all'influenza di Savonarola, la cui influenza appare in molti degli ultimi dipinti di Botticelli, sebbene il contenuto dell'immagine possa essere stato determinato dalla persona che lo ha commissionato. Il dipinto utilizza la convenzione medievale di mostrare la Vergine Maria e il bambino Gesù sempre più grandi delle altre figure e del loro mezzo; questo è stato ovviamente fatto deliberatamente per effetto, poiché l'uso precedente di Botticellis corregge la prospettiva grafica.
Contesto storico e aspetti sconcertanti
Natale mistico raffigura una scena di gioia e di festa, delizia terrena e celeste, con angeli che danzano nella parte superiore del dipinto. In cima al dipinto c'è il nome di Sandro Botticelli - ma anche parole apocalittiche e inquietanti. E ci sono oscuri avvertimenti: un bambino indifeso che riposa su una foglia che evoca il sudario in cui un giorno sarà avvolto il suo corpo, mentre la grotta in cui è allestito il palcoscenico ricorda la sua tomba. I re sull'orso abbandonato non sono doni ma la loro stessa devozione. Nella parte superiore del dipinto, dodici angeli vestiti con i colori della fede, della speranza e della carità danzano in cerchio tenendo rami di ulivo, e sopra di essi il cielo si apre in una grande cupola dorata, mentre nella parte inferiore del dipinto, tre angeli abbracciano tre uomini, sembrando sollevarli da terra. Tengono rotoli che proclamano in latino "pace in terra agli uomini di benevolenza". Dietro di loro, sette diavoli fuggono dagli inferi, alcuni impalati con le proprie armi. Nel Rinascimento, i dipinti del giorno del giudizio dell'epoca mostravano agli spettatori un resoconto dei dannati e dei salvati alla seconda venuta di Cristo. Nel ripetere questo tipo di pittura, la Natività mistica ci chiede di pensare non solo alla nascita di Cristo, ma anche al suo ritorno..” (Jonathan Nelson, Syracuse University di Firenze).
La pittura emerse dalla città di Firenze in un momento in cui il fanatico predicatore Savonarola teneva la città in suo potere. Arrivò a Firenze nel 1490, ma fu respinto dalla fama artistica e dalla grande ricchezza che tanto impressionarono il mondo. Predicava che era un luogo corrotto e pieno di vizi. Il grande flagello si avvicinava e poi le sue parole assunsero un'orribile realtà: la guerra italiana del 1494-1498. Nel 1494 un ingente esercito francese invase l'Italia e le truppe entrarono a Firenze tanto che i fiorentini temettero che il re di Francia volesse saccheggiare la città. Savonarola entrò in un vuoto politico, incontrò il re francese e lo convinse a lasciare Firenze pacificamente. Nella loro gratitudine e sollievo, i fiorentini vedevano sempre più il monaco come un profeta e la sua predicazione attirò grandi folle al Duomo di Firenze. Savonarola sosteneva che Firenze sarebbe potuta diventare la Nuova Gerusalemme se i cittadini si fossero pentiti e avessero abbandonato il loro lusso peccaminoso - e questo includeva gran parte della loro arte. Le sue convinzioni si realizzarono, mentre gruppi di giovani evangelici continuavano nelle strade a incoraggiare la gente a separarsi dai loro lussi, dai loro quadri osceni, dai loro libri, dalle loro vanità, dai loro pettini, dai loro specchi. Botticelli potrebbe aver visto i suoi dipinti alimentati dal fuoco. Eppure l'artista potrebbe non aver obiettato perché, come gran parte della città, anche lui subì l'influenza del Savonarola. Sembra che la predica predicata dal Savonarola abbia proprio sul Natale mistico.
In un sermone che Savonarola stava predicando, formulò una visione che gli venne in cui vide una straordinaria corona celeste. Alla sua base c'erano dodici cuori con dodici nastri avvolti intorno, e su di essi erano scritte in latino le qualità mistiche uniche o i privilegi della Vergine Maria: lei è "la madre di suo padre", "la figlia di suo figlio", "la sposa di Dio", ecc. Sebbene gran parte della scritta sui nastri tenuti dagli angeli danzanti sia ora invisibile ad occhio nudo, la riflettografia a infrarossi ha mostrato che le parole originali sui nastri degli angeli corrispondono esattamente ai 12 privilegi della Vergine Savonarola. Nel suo sermone predicato nel giorno dell'Assunzione, Savonarola ha continuato a esplorare i capitoli 11 e 12 del Libro dell'Apocalisse, i capitoli esatti menzionati nell'iscrizione del dipinto. Ha unito la gloria di Maria con l'inevitabile uscita dal potere di Cristo sulla terra.
Savonarola ha tenuto in mano Firenze per anni, ma il suo governo carismatico e intransigente lo ha reso un potente nemico politico. Fu sfidato a dimostrare la sua santità camminando attraverso il fuoco e quando rifiutò la corrente dell'opinione si rivoltò contro di lui. Fu arrestato e sotto tortura confessò di essere un falso profeta. Il 23 maggio 1498 fu impiccato con due dei suoi principali luogotenenti, i loro corpi bruciati e le loro ceneri sparse nel fiume Arno. Alcuni vedono le figure di questi tre uomini alla base del dipinto come rappresentanti dei tre santi giustiziati, risorti e restituiti alla grazia - ma la persecuzione non era il mondo per i seguaci di Savonarola, ed era in un'atmosfera di oppressione che Botticelli intendeva creare Natale mistico.
Il dipinto è su tela - normalmente userebbe un pannello di legno - forse per un dipinto con un messaggio pericoloso, la tela aveva il vantaggio di poter essere piegata e nascosta. Con la sua tela preparata, abbozzava il disegno dettagliato su carta, quindi lo trasferiva sulla tela. Ha attinto a molte fonti: gli angeli danzanti ripetono le sue tre grazie. Primavera, il diavolo impetuoso è stato ispirato da una xilografia tedesca. La radiografia mostra che ben poco del progetto originale è cambiato: solo l'ala dell'angelo è stata montata e sono stati aggiunti alberi sopra il tetto della stalla. Botticelli era ora pronto per creare un'immagine usando la pittura ad olio, come un mezzo sperimentale su tela. Per creare una cupola celeste, Botticelli si è rivolto al mestiere di orafo, che ha imparato da ragazzo."Il simbolismo dell'oro si riferisce alla natura immutabile e immacolata del cielo - l'oro non si decompone, non si scurisce come l'argento. Botticelli usava uno strato adesivo fatto di olio mescolato con resina - non lucidato, l'oro semplicemente appiattito sulla superficie, dopo i difetti superficiali nella tela - lucido, intricato, questo aiuterà la gemma come qualità della pittura - ha tirato su un occhio dal Natale al Cielo. Fede, speranza e carità, [angeli vestiti di] bianco, verde e rosso, ma il pigmento verde a base di rame è sbiadito nel tempo fino a diventare bronzo. Originariamente sarebbe stato brillante.
Il destino della pittura
Botticelli morì nel 1510. Natale mistico rimase nascosto per altri tre secoli. Roma alla fine del XVIII secolo era molto diversa dalla Firenze rinascimentale, fatta eccezione per la presenza degli invasori francesi. Molti stranieri se ne andarono, ma non il giovane inglese William Young Ottley. Era un amante dell'arte e ricco con una piantagione di schiavi nei Caraibi. Ha comprato molti quadri a buon mercato. A Villa Aldobrandini vide una piccola opera sconosciuta, Natale mistico Botticelli. Botticelli era allora al buio.
Arrivò a Londra, dove la casa Ottley divenne a tutti gli effetti un museo privato di capolavori italiani. Dopo la morte di Ottley, William Fuller Maitland di Stansted ha portato il dipinto all'asta per £ 80. Quando lo prestò alla Masterpieces Exhibition, Manchester 1857, era ora in mostra aperta. Giornale della mostra Revisore dei capolavori stampato una nuova incisione di lui.
John Ruskin ha contribuito a dare il nome alla pittura; dopo averlo visto a Londra, accennò al "simbolismo mistico di Botticelli". Quando Maitland morì, intervenne la National Gallery di Londra. Secondo Nicholas Penny la Galleria “era preoccupata di acquistare opere del primo Rinascimento – in precedenza era stata la sua massima priorità acquistare capolavori su cui non ci sarebbe stata alcuna controversia. C'era un elemento di entusiasmo avanguardista nell'acquistare dipinti come questo nel XIX secolo". La galleria ha dovuto trovare 1.500 sterline, essendo stato quasi 20 volte quello che aveva portato solo trent'anni prima.