Mondo dell'Opera - Teatro dell'Opera di Sydney. Teatro dell'Opera di Sydney: fatti interessanti

La Sydney Opera House è il principale segno distintivo dell'Australia. Inaugurata dalla regina inglese Elisabetta II nel 1973, la Sydney Opera House sta diventando una delle attrazioni più importanti dell'Australia, rifiutarsi di visitarla sarebbe un errore imperdonabile. Fino al 1958, sul luogo dove ora sorge il teatro dell'opera, c'era un deposito di tram e, ancor prima del deposito, un forte.

La costruzione del teatro ha richiesto 14 anni ed è costata all'Australia circa 102 milioni di dollari. Inizialmente si prevedeva di completare il progetto in 4 anni, ma a causa di difficoltà con i lavori interni, la data di apertura è stata notevolmente ritardata. Per il normale funzionamento il teatro necessita di tanta energia elettrica quanta ne basterebbe per una città con una popolazione di 25.000 abitanti. Per la costruzione di questo complesso unico, sono stati conficcati dei pali nel fondale oceanico del porto di Sydney fino a una profondità di 25 metri. La copertura del tetto è composta da 1.056.006 tegole bianche e tegole crema opaco.

La Sydney Opera House ha forme molto riconoscibili che ricordano vele giganti. Ma se molti riconoscono subito il teatro, vedendolo dall'esterno in una foto o in televisione, allora non tutti potranno rispondere con sicurezza che tipo di edificio sia, guardando la sua decorazione dall'interno. Conoscere tutte le bellezze del teatro consentirà un'escursione che parte nelle sue profondità alle 7 del mattino, cioè nell'ora in cui l'Opera House di Sydney sonnecchia ancora e le sue pareti non sono disturbate da suoni sonori e rumorosi. spettacoli.

Questo tour si svolge solo una volta al giorno. Un'enorme varietà di artisti diversi provenienti da tutto il mondo si esibiscono nel teatro, tra questi è nata la tradizione di baciare il muro prima dello spettacolo, ma solo i più degni e grandi tra loro ricevono un tale onore. Ad esempio, sul muro dei baci puoi trovare impresse le labbra di Janet Jackson. Tuttavia, il tour non può che essere una tappa introduttiva nel mondo dell'Opera House di Sydney. Per ottenere le massime impressioni ed emozioni positive, è necessario assistere ad almeno 1 spettacolo.

Un altro luogo impressionante per gli spettacoli a Sydney è l'Australia Stadium, che ha una capacità di 83,5 mila persone.

Informazioni per i visitatori:

Indirizzo: Bennelong Point, Sydney NSW 2000.

Come arrivare là: Il teatro dell'opera si trova nel porto di Sydney a Bennelong Point. Sarà facile per te arrivare qui da qualsiasi parte di Sydney, l'intersezione delle rotte di trasporto marittimo e terrestre si trova nelle vicinanze.

Ore lavorative:

Tutti i giorni (esclusa la domenica) dalle 9:00 a tarda sera;

Domenica: dalle 10:00 a tarda sera (a seconda dell'evento).

Prezzi: a seconda dell'evento.

Teatro dell'Opera di Sydney sulla mappa di Sydney

La Sydney Opera House è il principale segno distintivo dell'Australia. Inaugurata dalla regina inglese Elisabetta II nel 1973, la Sydney Opera House sta diventando una delle attrazioni più importanti dell'Australia, rifiutarsi di visitarla sarebbe un errore imperdonabile. Fino al 1958, sul luogo dove ora sorge il teatro dell'opera, c'era un deposito di tram e, ancor prima del deposito, un forte.

Ci sono opinioni piuttosto contrastanti sull'edificio più famoso dell'Australia: la Sydney Opera House. Alcuni lo considerano un magnifico monumento ad una melodia congelata. Altri sono imbarazzati dal tetto dalla forma sorprendente di questa struttura: ad alcuni assomiglia a enormi conchiglie, ad altri assomiglia alle vele del Galeone gonfiate dal vento, qualcuno le associa alle orecchie che ascoltano il canto degli angeli, e c'è anche un opinione che il teatro di Sydney sia molto simile alla balena bianca spiaggiata.

In una parola, ci sono tante opinioni quante sono le persone, ma nessuno dubita del fatto che la Sydney Opera House sia un simbolo artificiale dell'Australia.

Questo straordinario edificio si trova a Sydney, la città più grande dell'Australia, nel porto di Bennelong Point (sulla mappa si trova alle seguenti coordinate: 33° 51′ 24.51″ S, 151° 12′ 54.95″ E).

La fama mondiale della Sydney Opera House è dovuta principalmente al suo tetto, realizzato sotto forma di vele (conchiglie) di diverse dimensioni disposte una dopo l'altra, che lo rendono diverso da qualsiasi altro teatro al mondo. La facciata dell'opera si è rivelata così interessante, insolita e quindi riconoscibile da essere considerata uno degli edifici più eccezionali dell'architettura moderna, da diversi anni inserita nella lista del patrimonio mondiale dell'UNESCO.

Il creatore di questo edificio unico, Jorn Watson, è l'unica persona al mondo il cui lavoro questa organizzazione ha riconosciuto durante la sua vita (morì un anno dopo questo evento, nel 2008).

Descrizione

Il teatro dell'opera in Australia è principalmente insolito in quanto, a differenza di altri edifici di questo tipo, realizzati in stile classico, è un vivido esempio di espressionismo, a dimostrazione di un nuovo sguardo all'architettura. La Sydney Opera House è circondata dall'acqua su tre lati ed è costruita su palafitte.

L'area del teatro è enorme e ammonta a 22mila m2: la sua lunghezza è di 185 m, la larghezza è di 120 m, e nell'edificio stesso c'è un numero enorme di locali, tra cui diverse sale teatrali, molti piccoli studi e teatri piattaforme, così come ristoranti, bar e negozi, dove chiunque può acquistare un souvenir della visita al teatro come ricordo.

Le sale principali sono quattro sale:

• La Sala Concerti è la sala più grande del teatro, capace di ospitare 2679 spettatori. È qui che è installato l'organo più grande del mondo: è composto da 10mila canne;
• Teatro dell'Opera - In questa sala si trovano 1507 spettatori e sul suo palco puoi vedere non solo l'opera, ma anche il balletto;
• Teatro drammatico - progettato per 544 persone;
• Piccolo palcoscenico teatrale - progettato per 398 persone ed è considerata la sala più confortevole dell'opera.

tetto a vela

La parte più notevole dell'edificio, che ha reso l'Opera House di Sydney uno dei teatri più interessanti del mondo, è il suo tetto, realizzato sotto forma di conchiglie o vele disposte una dietro l'altra. Il tetto, alto 67 metri e con un diametro di 150 metri, è composto da più di 2.000 sezioni e pesa circa 30 tonnellate.

La struttura è fissata con cavi metallici, la cui lunghezza totale è di 350 km. I due lavandini principali si trovano sopra le due sale più grandi dell'opera. Altre vele si trovano sopra le sale più piccole, e uno dei ristoranti si trova sotto quella più piccola.

I piani dei lavabi sono rivestiti meccanicamente con piastrelle bianche lucide e crema opache, ottenendo una superficie completamente liscia, effetto che difficilmente si otterrebbe con una posa manuale. Un fatto interessante: nonostante da lontano possa sembrare che il tetto sia dipinto di bianco, a seconda dell'illuminazione, cambia costantemente tonalità.

Una tale struttura del tetto sembra molto bella e originale, ma durante la costruzione, a causa dell'altezza irregolare del tetto, si sono verificati problemi con l'acustica all'interno dell'edificio e, per risolvere l'inconveniente, è stato necessario realizzare separatamente un soffitto fonoriflettente . Per questo sono state realizzate apposite grondaie in grado di svolgere contemporaneamente una funzione pratica ed estetica: riflettere il suono e attirare l'attenzione sugli archi posti sopra la parte anteriore del palco (la lunghezza della grondaia più grande è di circa 42 metri).

Autore di idee

Fatto interessante: costruire un teatro dell'opera a Sydney è stata un'idea del britannico Sir Eugene Goossens, arrivato in Australia come direttore d'orchestra per registrare un concerto alla radio. Si può solo immaginare la sua sorpresa quando scoprì che a Sydney non esisteva un teatro dell'opera.

La città mancava anche di strutture progettate per un vasto pubblico in cui gli abitanti di Sydney potessero venire ad ascoltare musica.

Pertanto, la decisione di fare di tutto per costruire un teatro in cui il pubblico avrà l'opportunità di conoscere sia le opere musicali classiche che quelle più recenti è stata da lui presa immediatamente. Cominciò immediatamente a cercare un sito adatto per la costruzione: si rivelò essere il promontorio roccioso di Bennelong Point, vicino al quale si trovava l'argine, che è un nodo chiave, poiché i residenti locali passavano dai traghetti ai treni o agli autobus.

Avendo trovato un luogo adatto (a quel tempo c'era un deposito di tram, che fu poi demolito), Goossens condusse una campagna e, dopo aver contagiato con la sua idea molte persone influenti a Sydney, si assicurò che il governo permettesse la costruzione del Teatro dell'Opera. Le autorità hanno immediatamente indetto un concorso internazionale per il miglior progetto. E poi le cose si sono fermate: Goossens aveva dei nemici. Dopo uno dei viaggi internazionali, i doganieri hanno trovato gli oggetti della "messa nera", lo hanno multato, licenziato dal lavoro - ed è stato costretto a lasciare l'Australia, nonostante tutte le assicurazioni che le cose non gli appartenevano.

Concorso

Sono state inviate al concorso più di duecento opere provenienti da tutto il mondo. Un altro punto importante è che Goossens non solo è riuscito a selezionare un incarico qualificato, ma ha anche fornito una descrizione del progetto competitivo.

Il progetto avrebbe dovuto includere due sale: una per le produzioni più grandi, la seconda per le piccole produzioni. L'edificio doveva avere stanze dove si potevano tenere le prove, riporre gli oggetti di scena e un posto per i ristoranti.

Il compito fu complicato dal fatto che l'area su cui si prevedeva di erigere la struttura aveva dimensioni piuttosto limitate, poiché era circondata dall'acqua su tre lati. Pertanto, la maggior parte dei progetti furono respinti per un semplice motivo: sembravano troppo ingombranti e la facciata dell'edificio era deprimente.

E solo un'opera ha attirato l'attenzione della giuria, costringendola a tornare più e più volte sul progetto: nel bozzetto le sale erano posizionate una accanto all'altra, il problema dell'ingombro è stato rimosso puntando sul tetto bianco del forma di vele, e l'autore ha suggerito di riporre le scene e gli oggetti di scena teatrali in appositi recessi, risolvendo così il problema del backstage.

L'autore dell'opera si è rivelato essere il danese Jorn Watson (questo architetto aveva molti progetti originali simili, ma questo si è rivelato uno dei pochi ad essere realizzato). Nonostante il progetto da lui presentato fosse uno schizzo, il costo del lavoro è stato stimato in 7 milioni di australiani. dollari, che era un prezzo ragionevole. Il denaro per iniziare la costruzione è stato raccolto tramite una lotteria.

Lavori di costruzione

Anche se il progetto è stato approvato, era ovvio che sarebbe stato necessario lavorare ulteriormente su di esso (alcuni problemi non sono stati risolti fino ad oggi). Il problema principale era come realizzare un tetto non standard, soprattutto perché al momento non esisteva un'esperienza del genere al mondo.

Watson ha risolto questo problema modellando ciascun lavandino in un triangolo, assemblandolo da triangoli curvi più piccoli che sono stati piastrellati meccanicamente durante la fabbricazione. Successivamente, le vele sono state installate su nervature di cemento (nervature del telaio) disposte in cerchio: ciò ha permesso al tetto di ottenere un aspetto completo e armonioso.

Questa forma diede origine a problemi acustici della sala, che l'architetto riuscì a risolvere in seguito, ma comportò notevoli spese finanziarie (ad esempio, poiché la nuova volta risultò essere molto più pesante della precedente, fu necessario far saltare in aria le fondamenta già realizzate e iniziare a costruirne una più forte e durevole).

Invece dei 7 milioni stimati australi. Dollaro statunitense la costruzione è costata 102 milioni. La costruzione procedette a un ritmo molto lento, che non poteva non attirare l'attenzione dei deputati locali e degli oppositori dell'architetto.

E dopo che il Partito laburista, che ha sostenuto la costruzione, ha perso il sostegno della popolazione e l'opposizione è salita al potere, i soldi ricevuti dalla lotteria sono stati prima congelati (per fortuna c'era un pretesto), e poi sono stati completamente utilizzati per costruire strade e ospedali, costringendo Watson nel 1966 a lasciare il lavoro e a lasciare Sydney definitivamente.

Successivamente, Hall fu nominato capo architetto, il quale, sebbene riuscì a completare la costruzione nel 1973, ma secondo molti esperti, il lavoro da lui svolto rovinò in modo significativo l'aspetto dell'edificio e l'interno si rivelò insignificante ( fatto interessante, durante i preparativi per le Olimpiadi in Australia nel 2000, gli australiani offrirono a Watson di tornare e finire l'opera, accettando di fare qualunque cosa avesse detto, ma lui rifiutò).

E così è successo che l'Opera House di Sydney, che è uno degli edifici più magnifici del nostro tempo, menzionato insieme al Taj Mahal e ad altre meraviglie del mondo, sebbene abbia un bell'aspetto all'esterno, non è diverso all'interno . È vero, ciò non ha impedito all'edificio di prendere parte al concorso per il titolo di una delle sette meraviglie del mondo e, pur non essendo tra i vincitori, è stato tra i principali contendenti.

La Sydney Opera House è uno degli edifici più famosi del XX secolo e di gran lunga lo stile architettonico più popolare d'Australia. Si trova nel porto di Sydney, vicino all'enorme Harbour Bridge. L'insolita sagoma del Teatro dell'Opera di Sydney ricorda una fila di vele sollevate sopra la superficie del mare. Ora le linee morbide in architettura sono abbastanza comuni, ma è stato il Sydney Theatre a diventare uno dei primi edifici sul pianeta con un design così radicale. La sua caratteristica distintiva è una forma riconoscibile, che comprende una serie di "conchiglie" o "conchiglie" identiche.

La storia del teatro è piena di drammi. Tutto iniziò nel 1955, quando il governo dello stato, la cui capitale è Sydney, bandì un concorso internazionale di architettura. Fin dall'inizio sono state riposte grandi speranze nella costruzione: era previsto che l'attuazione di un ambizioso progetto per creare un nuovo magnifico teatro servisse da impulso per lo sviluppo della cultura nel continente australiano. Il concorso ha attirato l'attenzione di molti famosi architetti del mondo: gli organizzatori hanno ricevuto 233 candidature da 28 paesi. Di conseguenza, il governo ha optato per uno dei progetti più sorprendenti e non standard, il cui autore è stato l'architetto danese Jorn Utzon. Designer e pensatore interessante, alla ricerca di nuovi mezzi espressivi, Utzon ha progettato l'edificio, come se "provenisse dal mondo della fantasia", come ha affermato lo stesso architetto.

Nel 1957 Utzon arrivò a Sydney e due anni dopo iniziò la costruzione del teatro. Con l'inizio dei lavori ci sono state molte difficoltà impreviste. Si è scoperto che il progetto Utzon non era sufficientemente sviluppato, il progetto nel suo insieme si è rivelato instabile e gli ingegneri non sono riusciti a trovare una soluzione accettabile per implementare l'idea audace.

Un altro fallimento è un errore nella costruzione della fondazione. Di conseguenza, si è deciso di distruggere la versione originale e ricominciare tutto da capo. Intanto l'architetto attribuiva fondamentale importanza alla fondazione: nel suo progetto non c'erano muri in quanto tali, le volte del tetto poggiavano immediatamente sul piano della fondazione.

Inizialmente, Utzon credeva che la sua idea potesse essere realizzata in modo abbastanza semplice: creare conchiglie da una rete di rinforzo e poi coprirle con piastrelle sopra. Ma i calcoli hanno dimostrato che un simile metodo non funzionerebbe per un tetto gigante. Gli ingegneri hanno provato diverse forme: parabolica, ellissoidale, ma senza alcun risultato. Il tempo passava, i soldi si scioglievano, l’insoddisfazione dei clienti cresceva. Utzon, in preda alla disperazione, ha ripetutamente disegnato dozzine di opzioni diverse. Alla fine, un bel giorno, gli venne in mente: il suo sguardo si fermò accidentalmente sulle bucce di un'arancia sotto forma di segmenti triangolari familiari. Era proprio la forma che i designer cercavano da tanto tempo! Le volte del tetto, che fanno parte di una sfera di curvatura costante, hanno la forza e la stabilità necessarie.

Dopo che Utzon trovò una soluzione al problema delle volte del tetto, la costruzione riprese, ma i costi finanziari si rivelarono più significativi di quanto inizialmente previsto. Secondo le stime preliminari, la costruzione dell'edificio ha richiesto 4 anni. Ma è stato costruito per 14 lunghi anni. Il budget di costruzione è stato superato di oltre 14 volte. L'insoddisfazione dei clienti crebbe così tanto che ad un certo punto eliminarono Utzon dal lavoro. Il brillante architetto partì per la Danimarca, per non tornare mai più a Sydney. Non ha mai visto la sua creazione, nonostante col tempo tutto sia andato a posto, e il suo talento e il suo contributo alla costruzione del teatro sono stati riconosciuti non solo in Australia, ma in tutto il mondo. Il design degli interni del Sydney Theatre è stato realizzato da altri architetti, quindi c'è differenza tra l'esterno dell'edificio e la sua decorazione interna.

Di conseguenza, i segmenti del tetto, come se si scontrassero l'uno con l'altro, erano realizzati in cemento armato prefabbricato e monolitico. La superficie delle "bucce d'arancia" di cemento era ricoperta da un numero enorme di piastrelle prodotte in Svezia. Le piastrelle sono ricoperte da uno smalto opaco, e questo permette oggi di utilizzare il tetto del Sydney Theatre come schermo riflettente per la videoarte e la proiezione di immagini luminose. Le ante del tetto dell'Opera House di Sydney sono state costruite utilizzando gru speciali ordinate dalla Francia: il teatro è stato uno dei primi edifici in Australia ad essere costruito utilizzando le gru. E il "guscio" più alto del tetto corrisponde all'altezza di un edificio di 22 piani.

La Sydney Opera House è stata ufficialmente completata nel 1973. Il teatro fu inaugurato dalla Regina Elisabetta II, l'inaugurazione fu accompagnata da fuochi d'artificio e dall'esecuzione della Nona Sinfonia di Beethoven. La prima rappresentazione rappresentata nel nuovo teatro è stata l'opera di S. Prokofiev "Guerra e pace".

Oggi la Sydney Opera House è il più grande centro culturale dell'Australia. Ogni anno qui si tengono più di 3.000 eventi e il pubblico annuale è di 2 milioni di spettatori. Il programma teatrale prevede un'opera intitolata "L'ottavo miracolo", che racconta la difficile storia della costruzione dell'edificio.

(Sydney Opera House inglese) - uno degli edifici più famosi e facilmente riconoscibili al mondo, simbolo della città più grande dell'Australia, Sydney, e una delle principali attrazioni dell'Australia - Le conchiglie a vela che formano il tetto rendono questo edificio diverso qualsiasi altro al mondo. L'Opera House è riconosciuta come uno degli edifici più importanti dell'architettura moderna e dal 1973, insieme all'Harbour Bridge, è il segno distintivo di Sydney.

La Sydney Opera House si trova nel porto di Sydney, a Bennelong Point. Questo luogo prende il nome da un aborigeno australiano, amico del primo governatore della colonia. È difficile immaginare Sydney senza l'Opera, ma fino al 1958 al suo posto c'era un normale deposito di tram (prima dell'edificio dell'opera c'era un forte, e poi un deposito di tram).

L'architetto del Teatro dell'Opera è il danese Jorn Utzon. Nonostante il successo del concetto dei gusci sferici, che risolvevano tutti i problemi di costruzione, essendo adatti alla produzione di massa, alla produzione precisa e alla facilità di installazione, la costruzione fu ritardata, principalmente a causa della decorazione interna. Si prevedeva che la costruzione dell'Opera sarebbe durata 4 anni e sarebbe costata 7 milioni di dollari australiani. Invece, per costruire l’opera ci sono voluti 14 anni ed è costata 102 milioni di dollari!

La Sydney Opera House è un edificio espressionista dal design radicale e innovativo. L'edificio si estende su una superficie di 2,2 ettari. La sua altezza è di 185 metri e la larghezza massima è di 120 metri. L'edificio pesa 161.000 tonnellate e poggia su 580 pali affondati nell'acqua ad una profondità di quasi 25 metri dal livello del mare. La sua fornitura di energia equivale al consumo di elettricità di una città con una popolazione di 25.000 persone. L'elettricità è distribuita su 645 chilometri di cavi.

Il tetto del teatro dell'opera è costituito da 2.194 sezioni prefabbricate, la sua altezza è di 67 metri e il peso supera le 27 tonnellate, l'intera struttura è sostenuta da cavi d'acciaio lunghi 350 chilometri. La copertura del teatro è formata da una serie di "gusci" di una sfera inesistente di cemento di 492 piedi di diametro, comunemente denominate "conchiglie" o "vele", anche se ciò non è corretto rispetto alla definizione architettonica di tale una struttura. Questi gusci sono costruiti con pannelli prefabbricati triangolari in cemento supportati da 32 nervature prefabbricate dello stesso materiale. Tutte le nervature formano parte di un grande cerchio, che ha permesso ai contorni dei tetti di avere la stessa forma e all'intero edificio di avere un aspetto completo e armonioso.

L'intero tetto è ricoperto da 1.056.006 tegole azulejos di colore bianco e crema opaco. Sebbene da lontano la struttura sembri realizzata interamente con piastrelle bianche, in diverse condizioni di illuminazione le piastrelle creano combinazioni di colori diversi. Grazie alla modalità meccanica di posa delle tegole, l'intera superficie del tetto è risultata perfettamente liscia, cosa impossibile con il rivestimento manuale. Tutte le piastrelle sono state prodotte dalla fabbrica svedese Höganäs AB con tecnologia autopulente, ma nonostante ciò la pulizia e la sostituzione di alcune piastrelle viene effettuata regolarmente.

I due archi più grandi di conchiglie formano il soffitto della Sala Concerti e del Teatro dell'Opera. In altri ambienti i soffitti formano grappoli di volte più piccole.

La struttura a gradini del tetto era molto bella, ma creava problemi di altezza all'interno dell'edificio, perché l'altezza risultante non forniva un'acustica adeguata nei corridoi. Per risolvere questo problema, sono stati realizzati soffitti separati per riflettere il suono. Nel guscio più piccolo, lontano dall'ingresso principale e dalla scalinata principale, si trova il Ristorante Bennelong.

L'interno dell'edificio è rifinito con granito rosa portato dalla regione di Tarana (Nuovo Galles del Sud), legno e compensato.

Per questo progetto, Utzon ha ricevuto nel 2003 il Pritzker Prize, il più alto riconoscimento in architettura. Il premio è stato accompagnato dalle parole: "Non c'è dubbio che la Sydney Opera House sia il suo capolavoro. È uno dei grandi edifici iconici del XX secolo, un'immagine di straordinaria bellezza divenuta nota in tutto il mondo - un simbolo non solo della città, ma dell’intero paese e continente”.

La Sydney Opera House ospita quattro compagnie d'arte chiave in Australia: l'Australian Opera, l'Australian Ballet, la Sydney Theatre Company e la Sydney Symphony Orchestra, oltre a queste, molte altre compagnie e teatri hanno sede nella Sydney Opera House. Questo teatro è uno dei centri più attivi per le arti dello spettacolo e ospita circa 1.500 spettacoli ogni anno con una partecipazione totale di oltre 1,2 milioni di persone. È anche una delle attrazioni più popolari dell'Australia, con oltre sette milioni di turisti che la visitano ogni anno.

Ci sono tre sale principali per gli spettacoli nell'edificio del Teatro dell'Opera:

La Concert Hall, con 2.679 posti a sedere, è la sede della Sydney Symphony Orchestra e contiene l'organo meccanico funzionante più grande del mondo, con oltre 10.000 canne.

L'Opera House, 1507 posti, è la sede della Sydney Opera House e dell'Australian Ballet.

Il Drama Theatre, 544 posti, è utilizzato dalla Sydney Theatre Company e da altre compagnie di danza e teatro.

Oltre a queste tre sale, la Sydney Opera House contiene diverse sale e studi più piccoli.

Salomeya Amvrosievna Krushelnitskaya è una famosa cantante lirica ucraina (soprano), insegnante. Anche durante la sua vita, Salome Krushelnitskaya è stata riconosciuta come una cantante eccezionale nel mondo. Aveva una voce eccezionale in termini di forza e bellezza di un'ampia gamma (circa tre ottave con registro medio libero), una memoria musicale (poteva imparare parti d'opera in due o tre giorni) e un brillante talento drammatico. Il repertorio del cantante comprendeva oltre 60 parti diverse. Tra i suoi numerosi premi e riconoscimenti, in particolare, il titolo di "Wagner prima donna del XX secolo". Il compositore italiano Giacomo Puccini ha regalato al cantante il suo ritratto con la scritta "bella e affascinante Farfalla". Salomeya Krushelnytska è nata il 23 settembre 1872 nel villaggio di Belyavintsy, ora distretto di Buchatsky nella regione di Ternopil, nella famiglia di un prete. Proviene da una nobile ed antica famiglia ucraina. Dal 1873 la famiglia si trasferì più volte, nel 1878 si trasferirono nel villaggio di Belaya vicino a Ternopil, da dove non se ne andarono mai. Ha iniziato a cantare fin da piccola. Da bambina Salomè conosceva molte canzoni popolari, che aveva imparato direttamente dai contadini. Ha ricevuto le basi della formazione musicale presso il ginnasio di Ternopil, dove ha sostenuto gli esami come studentessa esterna. Qui si avvicinò alla cerchia musicale degli studenti delle scuole superiori, di cui faceva parte anche Denis Sichinsky, in seguito un noto compositore, il primo musicista professionista nell'Ucraina occidentale. Nel 1883, al concerto di Shevchenko a Ternopil, ebbe luogo la prima rappresentazione pubblica di Salome, cantò nel coro della società di conversazione russa. A Ternopil, Salomea Krushelnytska ha conosciuto il teatro per la prima volta. Qui, di tanto in tanto, si esibiva il teatro di Lvov della Società di conversazione russa. Nel 1891 Salome entrò al Conservatorio di Lviv. Al conservatorio, il suo insegnante era l'allora famoso professore di Lviv, Valery Vysotsky, che allevò un'intera galassia di famosi cantanti ucraini e polacchi. Mentre studiava al conservatorio, ebbe luogo la sua prima esibizione da solista, il 13 aprile 1892, la cantante eseguì la parte principale nell'oratorio "Messiah" di G. F. Handel. Il primo debutto operistico di Salome Krushelnitskaya ebbe luogo il 15 aprile 1893, interpretò il ruolo di Leonora nell'esecuzione della "Favorite" del compositore italiano G. Donizetti sul palco del Teatro della città di Lviv. Nel 1893 Krushelnytska si diplomò al Conservatorio di Lvov. Nel diploma di laurea di Salome, era scritto: "Questo diploma viene ricevuto da Panna Salomea Krushelnitskaya come prova di un'educazione artistica ricevuta con diligenza esemplare e successo straordinario, soprattutto in un concorso pubblico il 24 giugno 1893, per il quale le fu assegnata una medaglia d'argento medaglia. " Mentre ancora studiava al conservatorio, Salome Krushelnytska ricevette un'offerta dal Teatro dell'Opera di Lviv, ma decise di continuare gli studi. La sua decisione fu influenzata dalla famosa cantante italiana Gemma Bellinchoni, che in quel periodo era in tournée a Lviv. Nell'autunno del 1893, Salome parte per studiare in Italia, dove la professoressa Fausta Crespi diventa la sua maestra. Nel processo di studio, le esibizioni in concerti in cui canta arie d'opera furono una buona scuola per Salomea. iniziarono le esibizioni trionfali sui palcoscenici dei teatri di tutto il mondo: Italia, Spagna, Francia, Portogallo, Russia, Polonia, Austria, Egitto, Argentina, Cile nelle opere "Aida", "Il trovatore" di D. Verdi, "Faust" di C. Gounod, "Il cortile terribile" di S. Moniuszko, "La donna africana" di D. Meyerbeer, "Manon Lesko" e "Cio-Cio-San" di G. Puccini, "Carmen" di J. Bizet, "Elettra" di R. Strauss, "Eugene Onegin" e "La dama di picche" di P.I. Giacomo Puccini ha presentato al Teatro alla Scala di Milano la sua nuova opera Madama Butterfly. Mai prima d'ora il compositore era stato così sicuro del successo... ma il pubblico fischiò indignato l'opera. Il celebre maestro si sentì schiacciato. Gli amici convinsero Puccini a rielaborare la sua opera e a invitare Salome Krushelnitskaya alla parte principale. Il 29 maggio, sul palco del Teatro Grande di Brescia, ha avuto luogo la prima, questa volta trionfante, della rinnovata Madama Butterfly. Il pubblico ha chiamato sul palco gli attori e il compositore sette volte. Dopo lo spettacolo, commosso e grato, Puccini ha inviato a Krushelnitskaya il suo ritratto con la scritta: "Alla farfalla più bella e affascinante". Nel 1910, S. Krushelnitskaya sposò il sindaco della città di Viareggio (Italia) e l'avvocato Cesare Riccioni, che era un intenditore di musica ed un aristocratico erudito. Si sono sposati in uno dei templi di Buenos Aires. Dopo il matrimonio, Cesare e Salome si stabilirono a Viareggio, dove Salome acquistò una villa, che chiamò "Salome" e continuò a girare. Nel 1920, Krushelnitskaya lasciò il palcoscenico dell'opera all'apice della sua fama, esibendosi per l'ultima volta al Teatro di Napoli nelle sue opere preferite Lorelei e Lohengrin. Ha dedicato la sua vita all'attività concertistica da camera, eseguendo brani in 8 lingue. Ha girato l'Europa e l'America. In tutti questi anni fino al 1923 venne costantemente in patria e si esibì a Lvov, Ternopil e in altre città della Galizia. Aveva forti legami di amicizia con molte figure dell'Ucraina occidentale. Un posto speciale nell'attività creativa del cantante è stato occupato dai concerti dedicati alla memoria di T. Shevchenko e I.Ya Frank. Nel 1929 ebbe luogo a Roma l'ultimo concerto in tournée di S. Krushelnitskaya. Nel 1938 morì il marito di Krushelnitskaya, Cesare Riccioni. Nell'agosto del 1939, il cantante visitò la Galizia e, a causa dello scoppio della seconda guerra mondiale, non poté tornare in Italia. Durante l'occupazione tedesca di Leopoli, S. Krushelnytska era molto povera, quindi dava lezioni private di canto. Nel dopoguerra, S. Krushelnytska iniziò a lavorare al Conservatorio statale di Lviv intitolato a N.V. Lysenko. Tuttavia, la sua carriera di insegnante è appena iniziata, quasi finita. Durante la "ripulitura del personale dagli elementi nazionalisti" è stata accusata di non avere il diploma di conservatorio. Successivamente il diploma è stato ritrovato nei fondi del Museo storico della città. Vivendo e insegnando in Unione Sovietica, Salomeya Amvrosievna, nonostante numerosi ricorsi, per lungo tempo non riuscì a ottenere la cittadinanza sovietica, rimanendo sudditata dell'Italia. Alla fine, dopo aver scritto una dichiarazione sul trasferimento della sua villa italiana e di tutte le proprietà allo stato sovietico, Krushelnitskaya divenne cittadina dell'URSS. La villa fu subito venduta, risarcindo al proprietario una misera parte del suo valore. Nel 1951, Salome Krushelnitskaya ricevette il titolo di Operaia d'arte onorata della SSR ucraina e nell'ottobre 1952, un mese prima della sua morte, Krushelnitskaya ricevette il titolo di professore. Il 16 novembre 1952 il cuore del grande cantante smise di battere. Fu sepolta a Leopoli nel cimitero di Lychakiv accanto alla tomba del suo amico e mentore, Ivan Franko. Nel 1993, a Lviv, dove visse gli ultimi anni della sua vita, fu intitolata una strada a S. Krushelnytska. Nell'appartamento della cantante è stato inaugurato il museo commemorativo di Salomea Krushelnytska. Oggi il Teatro dell'Opera di Lviv, la Scuola Secondaria di Musica di Lviv, il Collegio Musicale di Ternopil (dove viene pubblicato il giornale Salomeya), la scuola di 8 anni nel villaggio di Belaya, le strade di Kiev, Lvov, Ternopil, Buchach sono prende il nome da S. Krushelnytska (vedi via Salomeya Krushelnytska). Nella Sala degli Specchi del Teatro dell'Opera e del Balletto di Lviv si trova un monumento in bronzo a Salome Krushelnytska. Molte opere artistiche, musicali e cinematografiche sono dedicate alla vita e all'opera di Salomea Krushelnytska. Nel 1982, presso lo studio cinematografico A. Dovzhenko, il regista O. Fialko ha girato il film storico e biografico "Il ritorno della farfalla" (basato sull'omonimo romanzo di V. Vrublevskaya), dedicato alla vita e all'opera di Salomea Krushelnitskaya. L'immagine è basata sui fatti reali della vita della cantante ed è costruita secondo i suoi ricordi. Le parti di Salome sono eseguite da Gisela Zipola. Il ruolo di Salome nel film è stato interpretato da Elena Safonova. Inoltre, sono stati creati documentari, in particolare "Salome Krushelnitskaya" (diretto da I. Mudrak, Lvov, "Most", 1994) "Two Lives of Salome" (diretto da A. Frolov, Kiev, "Contact", 1997) , una trasmissione televisiva dal ciclo "Names" (2004), film documentario "Solo-mea" dal ciclo "Game of Fate" (regista V. Obraz, studio VIATEL, 2008). 18 marzo 2006 sul palco del Teatro Accademico Nazionale dell'Opera e del Balletto di Lviv intitolato a S. Krushelnitskaya ha ospitato la prima del balletto di Miroslav Skorik "Il ritorno della farfalla", basato su fatti della vita di Salomea Krushelnitskaya. Il balletto utilizza la musica di Giacomo Puccini. Nel 1995, la prima dell'opera "Salome Krushelnytska" (autore B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) ebbe luogo nel Teatro drammatico regionale di Ternopil (ora teatro accademico). Dal 1987 a Ternopil si tiene il concorso Salomea Krushelnytska. Ogni anno Lviv ospita il concorso internazionale intitolato a Krushelnytska; i festival dell'opera d'arte sono diventati tradizionali.

Joyce DiDonato è un mezzosoprano e mezzosoprano americano. Considerato uno dei maggiori mezzosoprani del nostro tempo e il miglior interprete delle opere di Gioacchino Rossini. Joyce DiDonato (nata Joyce Flaherty) è nata il 13 febbraio 1969 nella città di Prair Village, Kansas, USA in una famiglia con radici irlandesi, era la sesta di sette figli. Suo padre era il leader del coro della chiesa locale, Joyce cantava e sognava di diventare una star di Broadway. Nel 1988 è entrata alla Wichita State University, dove ha studiato canto. Dopo la Joyce University, DiDonato ha deciso di continuare la sua formazione musicale e nel 1992 è entrata all'Academy of Vocal Arts di Filadelfia. Dopo l'Accademia, ha partecipato per diversi anni ai programmi di formazione "Young Artist" in varie compagnie d'opera: nel 1995 - alla "Santa Fe Opera", dove ha ricevuto pratica musicale e ha fatto il suo debutto operistico sul grande palco, ma finora in ruoli minori nelle opere "Le nozze di Figaro" di W. A. ​​​​Mozart, "Salome" di R. Strauss, "Contessa Maritza" di I. Kalman; dal 1996 al 1998 - alla Houston Grand Opera ed è stato riconosciuto come il miglior "artista principiante"; nell'estate del 1997 - alla San Francisco Opera nel programma di formazione "Merola Opera". Durante i suoi studi e la pratica iniziale, Joyce DiDonato ha preso parte a numerosi concorsi vocali ben noti. Nel 1996, si è classificata seconda al concorso Eleanor McCollum di Houston e ha vinto l'audizione distrettuale del concorso Metropolitan Opera. Nel 1997, ha vinto il William Sullivan Award. Nel 1998 ha vinto il secondo posto al concorso Placido Domingo Operalia di Amburgo e il primo posto al concorso George London. Negli anni successivi ha ricevuto molti altri premi e riconoscimenti. Joyce DiDonato ha iniziato la sua carriera professionale nel 1998 con diverse compagnie d'opera regionali negli Stati Uniti, in particolare la Houston Grand Opera. Ed è diventata nota a un vasto pubblico grazie all'apparizione nella prima mondiale televisiva dell'opera di Marc Adamo "La piccola donna". Nella stagione 2000-2001. DiDonato ha fatto il suo debutto europeo, esordendo subito alla Scala nel ruolo di Angelina nella Cenerentola di Rossini. La stagione successiva, ha ampliato la sua visibilità al pubblico europeo, apparendo all'Opera olandese nel ruolo della Sesta "Giulio Cesare" di Händel, all'Opera di Parigi nel ruolo di Rosina ne Il barbiere di Siviglia di Rossini e all'Opera di Stato bavarese nel ruolo di Cherubino nelle Nozze di Mazart. Figaro e nei programmi concertistici “Gloria” di Vivaldi con Riccardo Muti e l'Orchestra della Scala e “Sogno di una notte di mezza estate” di F. Mendelssohn a Parigi. Nella stessa stagione, ha fatto il suo debutto negli Stati Uniti alla Washington State Opera nel ruolo di Dorabella in All Women Do It di Mozart. In questo momento, Joyce DiDonato è già diventata una vera star dell'opera di fama mondiale, amata dal pubblico e elogiata dalla stampa. La sua ulteriore carriera ha solo ampliato la sua geografia itinerante e ha aperto le porte a nuovi teatri d'opera e festival: Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Bastille Opera (2002), Teatro Reale di Madrid, Nuovo Teatro Nazionale di Tokyo, Stato di Vienna Opera e altri Joyce DiDonato ha raccolto una ricca collezione di vari premi e premi musicali. Come dicono i critici, questa è forse una delle carriere di maggior successo e senza intoppi nel mondo dell'opera moderna. E anche l'incidente accaduto sul palco del Covent Garden il 7 luglio 2009 durante lo spettacolo de "Il Barbiere di Siviglia", quando Joyce DiDonato scivolò sul palco e si ruppe una gamba, non interruppe questa performance, che finì con le stampelle. , né le successive esibizioni in programma, che ha navigato su una sedia a rotelle, per la gioia del pubblico. Questo evento "leggendario" è catturato su DVD. Joyce DiDonato ha iniziato la sua stagione 2010-2011 con il debutto al Festival di Salisburgo nel ruolo di Adalgiz nella Norma di Belinni con Edita Gruberova nel ruolo di Norma, poi con un programma di concerti al Festival di Edimburgo. In autunno è apparsa a Berlino nel ruolo di Rosina ne Il Barbiere di Siviglia e a Madrid nel ruolo di Ottaviano ne Il Cavaliere della Rosa. L'anno si è concluso con un altro premio, il primo dell'Accademia di registrazione tedesca "Echo Classic (ECHO Klassik)", che ha nominato Joyce DiDonato "Miglior cantante femminile del 2010". I successivi due premi sono stati assegnati dalla rivista inglese di musica classica Gramophone, che l'ha nominata "Miglior artista dell'anno" e ha scelto il suo CD con le arie di Rossini come miglior "Recito dell'anno". Continuando la stagione negli Stati Uniti, si è esibita a Houston, e poi con un concerto da solista alla Carnegie Hall. Il Metropolitan Opera l'ha accolta in due ruoli: il paggio Isolier nel "Conte Ori" di Rossini e il compositore in "Ariadne auf Naxos" di R. Strauss. Ha completato la stagione in Europa con tournée a Baden-Baden, Parigi, Londra e Valencia. Il sito web della cantante presenta un ricco programma delle sue future esibizioni, in questo elenco solo per la prima metà del 2012 ci sono una quarantina di esibizioni in Europa e America. Joyce DiDonato è ora sposata con il direttore d'orchestra italiano Leonardo Vordoni con il quale vivono a Kansas City, Missouri, USA. Joyce continua a usare il cognome del suo primo marito, che ha sposato subito dopo il college.

Lyubov Yurievna Kazarnovskaya - Cantante d'opera sovietica e russa, soprano. Dottore in Scienze Musicali, prof. Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya è nata il 18 maggio 1956 a Mosca, madre, Kazarnovskaya Lidia Aleksandrovna - filologa, insegnante di lingua e letteratura russa, padre, Kazarnovsky Yuri Ignatievich - generale di riserva, sorella maggiore - Bokadorova Natalya Yuryevna - filologa, professoressa di lingua francese e letteratura. Lyuba cantava sempre, dopo la scuola si azzardò a iscriversi all'Istituto Gnessin - alla facoltà di attori di teatro musicale, sebbene si stesse preparando a diventare studentessa alla facoltà di lingue straniere. Gli anni da studente hanno dato molto a Lyuba come attrice, ma decisivo è stato l'incontro con Nadezhda Matveevna Malysheva-Vinogradova, una meravigliosa insegnante, cantante, accompagnatrice di Chaliapin, una studentessa dello stesso Stanislavskij. Oltre alle preziose lezioni di canto, Nadezhda Matveevna, la vedova del critico letterario Pushkin, l'accademico VV Vinogradov, ha rivelato a Lyuba tutto il potere e la bellezza dei classici russi, insegnandole a comprendere l'unità della musica e delle parole nascoste in essa. L'incontro con Nadezhda Matveevna ha finalmente determinato il destino del giovane cantante. Nel 1981, all'età di 21 anni, mentre era ancora studentessa al Conservatorio di Mosca, Lyubov Kazarnovskaya fece il suo debutto nel ruolo di Tatyana (Eugene Onegin di Čajkovskij) sul palco del Teatro Musicale Stanislavskij e Nemirovich-Danchenko. Vincitore del concorso All-Union intitolato a Glinka (II premio). Da allora Lyubov Kazarnovskaya è stata al centro della vita musicale russa. Nel 1982 si è diplomata al Conservatorio di Stato di Mosca, nel 1985 - studi post-laurea nella classe della professoressa associata Shumilova Elena Ivanovna. 1981-1986 - solista del teatro musicale accademico intitolato a Stanislavskij e Nemirovich-Danchenko, nel repertorio di "Eugene Onegin" di Čajkovskij, "Iolanta", "May Night" di Rimsky-Korsakov, "Pagliacci" di Leoncavallo, "La Boheme" di Puccini. 1984 - su invito di Svetlanov, ha cantato la parte di Fevronia in una nuova produzione de Il racconto della città invisibile di Kitezh di Rimsky-Korsakov, e poi nel 1985 - la parte di Tatiana (Eugene Onegin di Čajkovskij) e Nedda (Pagliacci di Leoncavallo ) al Teatro Accademico Statale della Russia. 1984 - Gran Premio del Concorso UNESCO per Giovani Artisti (Bratislava). Vincitrice del Concorso Mirjam Hellin (Helsinki) - III premio e diploma onorario per l'esecuzione di un'aria italiana - personalmente dal presidente del concorso e dalla leggendaria cantante lirica svedese Birgit Nilsson. 1986 - Vincitore del Premio Lenin Komsomol. 1986-1989 - Primo solista del Teatro Accademico di Stato. Kirov: Leonora (“La forza del destino” di Verdi), Margarita (“Faust” di Gounod), Donna Anna e Donna Elvira (“Don Giovanni” di Mozart), Leonora (“Trovatore” di Verdi), Violetta (“Traviatte” di Verdi), Tatiana (“Eugene Onegin” di Čajkovskij), Lisa (“La dama di picche” di Čajkovskij), Soprano (“Requiem” di Verdi). Stretta collaborazione con direttori d'orchestra come Janssons, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. Il primo trionfo straniero - al Covent Garden Theatre (Londra), nel ruolo di Tatiana nell'opera di Čajkovskij "Eugene Onegin" (1988) 1989. - Il "Maestro del mondo" Herbert von Karajan invita il giovane cantante al "suo" festival - il festival estivo a Salisburgo. Nell'agosto 1989 - un debutto trionfale a Salisburgo ("Requiem" di Verdi, direttore Ricardo Muti). L'intero mondo musicale ha notato e apprezzato l'esibizione del giovane soprano russo. Questa performance sensazionale segnò l'inizio di una carriera vertiginosa, che in seguito la portò a teatri d'opera come Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. I suoi partner sono Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Cappuccili, Cossotto, von Stade, Baltza. Settembre 1989 - partecipazione al concerto di gala mondiale sul palco del Teatro Bolshoi di Russia a sostegno delle vittime del terremoto in Armenia, insieme a Kraus, Bergonzi, Prey, Arkhipova. Ottobre 1989 - partecipazione alla tournée del Teatro dell'Opera di Milano "La Scala" a Mosca ("Requiem" di G. Verdi). 1991 - Salisburgo. 1992-1998 - Stretta collaborazione con il Metropolitan Opera. 1994-1997 - stretta collaborazione con il Teatro Mariinsky e Valery Gergiev. Nel 1996, Lyubov Kazarnovskaya ha fatto il suo debutto con successo sul palco del Teatro alla Scala in The Gambler di Prokofiev, e nel febbraio 1997 ha cantato trionfalmente il ruolo di Salome al Teatro di Santa Cecilia di Roma. Con lei lavorano i principali maestri dell'arte operistica del nostro tempo - direttori d'orchestra come Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, registi - Zefirelli, Egoyan, Wikk, Taymor, Dew ... "La Kazarnovskaya" , come viene definito dalla stampa italiana, ha in repertorio più di cinquanta feste. È definita la migliore Salomè dei nostri giorni, la migliore interprete di opere di Verdi e veristi, per non parlare della parte di Tatyana di Eugene Onegin, il suo biglietto da visita. Un successo particolare le è valso l'interpretazione dei ruoli principali nelle opere "Salome" di Richard Strauss, "Eugene Onegin" di Čajkovskij, "Manon Lescaut" e "Tosca" di Puccini, "La forza del destino" e "La Traviata" di Verdi. 1997 - Lyubov Kazarnovskaya crea la propria organizzazione in Russia - la Fondazione Lyubov Kazarnovskaya, per sostenere l'arte dell'opera in Russia: invita in Russia i principali maestri dell'arte vocale per concerti e masterclass, come Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , Jose Cura e altri. , istituisce borse di studio per aiutare i giovani cantanti russi. * 1998-2000 - stretta collaborazione con il Teatro Bolshoi russo. 2000 - il cantante patrocina l'unico teatro d'opera per bambini al mondo intitolato a Lyubov Kazarnovskaya (Dubna). Con questo teatro Lyubov Kazarnovskaya sta pianificando progetti interessanti in Russia e all'estero. 2000 - dirige il Consiglio di coordinamento creativo del Centro Culturale "Unione delle Città", svolgendo un vasto lavoro culturale ed educativo nelle città e nelle regioni della Russia. 25/12/2000 - un'altra prima ha avuto luogo nella sala da concerto "Russia" - un brillante spettacolo d'opera "Faces of Love", trasmesso in diretta in tutto il mondo. L'azione musicale di tre ore, presentata per la prima volta al mondo da un importante cantante d'opera, divenne un evento dell'ultimo anno del secolo uscente e suscitò risposte entusiastiche in Russia e all'estero. 2002 - Lyubov Kazarnovskaya è al centro dell'attività sociale attiva, è stato eletto presidente della Commissione per la cooperazione culturale e umanitaria dei comuni della Federazione Russa, è presidente del consiglio di amministrazione della Società educativa musicale russa. Lyubov Kazarnovskaya ha ottenuto il diploma del prestigioso centro di Cambridge (Inghilterra) come uno dei 2000 musicisti più importanti del 20° secolo. La vita creativa di Lyubov Kazarnovskaya è una serie di vittorie, scoperte, risultati impetuosi e inarrestabili, in relazione ai quali l'epiteto "primo" è appropriato sotto molti aspetti: *Grand Premio al concorso vocale dell'UNESCO. *Kazarnovskaya è il primo soprano russo invitato a Salisburgo da Herbert von Karajan. *L'unico cantante russo che ha eseguito le parti di Mozart nella patria del compositore, a Salisburgo, nel giorno del suo 200esimo compleanno. *Il primo e tuttora l'unico cantante russo che interpreta con grande successo la parte più difficile di Salome (Salome di Richard Strauss) sui più grandi palcoscenici d'opera del mondo. L. Kazarnovskaya è considerata la migliore Salome dei nostri tempi. *Il primo cantante a registrare (su CD) tutte le 103 storie d'amore di Čajkovskij. *Con questi dischi e i suoi numerosi concerti in tutti i centri musicali del mondo, Lyubov Kazarnovskaya apre al pubblico occidentale la creatività musicale dei compositori russi. *La prima cantante d'opera su scala internazionale, che ha realizzato uno spettacolo senza precedenti nella sua gamma: opera, operetta, romanticismo, chanson ... *La prima e unica cantante che ha interpretato due ruoli in una sera (nelle opere “Manon Lescaut” di Puccini) nello spettacolo teatrale “Ritratto di Manon” sul palcoscenico del Teatro Bolshoi di Russia. Recentemente, Lyubov Kazarnovskaya, oltre alle sue attività internazionali, ha dedicato molto tempo ed energie allo sviluppo della vita musicale nelle regioni russe. Senza dubbio, è il fenomeno più sorprendente nella vita vocale e musicale della Russia, e la stampa a lei dedicata non ha precedenti per genere e volume. Il suo repertorio comprende più di 50 parti d'opera e un vasto repertorio di musica da camera. I suoi ruoli preferiti sono Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("La forza del destino"), Amelia ("Ballo in maschera"). Scegliendo un programma per serate soliste, Kazarnovskaya evita una selezione disparata di cose anche vincenti e attraenti, preferendo cicli originali che rappresentano il lavoro di autori diversi. L'unicità della cantante, la luminosità dell'interpretazione, il sottile senso dello stile, l'approccio individuale all'incarnazione delle immagini più complesse nelle opere di epoche diverse rendono le sue esibizioni veri e propri eventi nella vita culturale. Numerose registrazioni audio e video sottolineano le enormi capacità vocali, lo stile elevato e il più grande talento musicale di questo brillante cantante, che dimostra attivamente il reale livello della cultura russa al mondo intero. La società americana VAI (Video Artists International) ha pubblicato una serie di videocassette con la partecipazione della diva russa, tra cui "Great Singers of Russia 1901-1999" (due cassette), "Gypsy Love" (registrazione video del concerto di Lyubov Kazarnovskaya a la Sala Grande del Conservatorio di Mosca). La discografia di Lyubov Kazarnovskaya include registrazioni di DGG, Philips, Delos, Naxos, Melodia. Attualmente, Lyubov Kazarnovskaya sta preparando nuovi programmi per concerti solisti, nuove parti d'opera (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), sta pianificando numerose tournée all'estero e in Russia e recita in film. Sposata con Robert Roscik dal 1989, nel 1993 è nato il figlio Andrey. Queste poche citazioni sono solo una piccola parte delle risposte entusiaste che accompagnano le esibizioni di Lyubov Kazarnovskaya: "La sua voce è profonda e seducentemente insinuante ... Le scene toccanti e meravigliosamente eseguite della lettera di Tatyana e del suo ultimo incontro con Onegin non lasciano dubbi sulla più alta abilità del cantante ("Metropolitan Opera", " New York Times") "Un soprano potente, profondo, superbamente controllato, espressivo su tutta l'estensione... L'estensione e la brillantezza delle caratteristiche vocali sono particolarmente impressionanti" (Lincoln Center, assolo concerto, "New York Times") "La voce di Kazarnovskaya è focalizzata, delicatamente profonda nel registro medio e brillante in quello superiore... Lei è la radiosa Desdemona" (Francia, "Le Monde de la Musique") "... Lyuba Kazarnovskaya ha incantato il pubblico con il suo soprano sensuale e dal suono magico in tutti i registri" ("Muenchner Merkur") "La diva russa è così radiosa nel ruolo di Salome, - il ghiaccio ha cominciato a sciogliersi per le strade quando Lyuba Kazarnovskaya ha cantato la scena finale di "Salome" ... "(" Cincinnati Enquirer ") Informazioni e foto dal sito ufficiale: http://www.kazarnovskaya.com Nuovo sito sui bellissimi fiori . Il mondo dell'iride. Allevamento, cura, trapianto di iris.

Galina Pavlovna Vishnevskaya (25 ottobre 1926 - 11 dicembre 2012) - grande cantante d'opera russa e sovietica (soprano lirico-drammatico). Artista popolare dell'URSS. Comandante dell'Ordine francese della Legione d'Onore, dottore onorario di numerose università. Galina Pavlovna Vishnevskaya è nata il 25 ottobre 1926 a Leningrado (oggi San Pietroburgo), ma ha trascorso gran parte della sua infanzia a Kronstadt. Ha subito il blocco di Leningrado, all'età di sedici anni ha prestato servizio nelle unità di difesa aerea. La sua attività creativa iniziò nel 1944 come solista del Teatro dell'Operetta di Leningrado e la sua carriera sul grande palcoscenico iniziò negli anni Cinquanta. Nel suo primo matrimonio, era sposata con un marinaio della marina Georgy Vishnevsky, dal quale divorziò due mesi dopo, ma mantenne il suo cognome; nel secondo matrimonio - con il direttore del teatro dell'operetta Mark Ilyich Rubin. Nel 1955, quattro giorni dopo il loro incontro, si sposò per la terza volta con il famoso violoncellista M.L. Rostropovich, in un ensemble con il quale (M.L. Rostropovich - prima come pianista e poi come direttore d'orchestra) si è esibito nelle sale da concerto più prestigiose del mondo. Dal 1951 al 1952, dopo aver lasciato il teatro dell'operetta, Vishnevskaya prese lezioni di canto da V.N. Garina, combinando lezioni di canto classico con esibizioni come cantante pop. Nel 1952, prese parte al concorso per il gruppo di tirocinanti del Teatro Bolshoi, fu accettata, nonostante la mancanza di un'istruzione al conservatorio, e presto (secondo l'espressione figurata di B.A. Pokrovsky) divenne "una carta vincente nel Teatro Bolshoi deck", il solista principale del principale teatro d'opera del paese. Durante i suoi 22 anni di carriera artistica al Teatro Bolshoi (dal 1952 al 1974), Galina Vishnevskaya ha creato molte (più di trenta!) Immagini femminili indimenticabili nei capolavori operistici russi e dell'Europa occidentale. Dopo aver brillantemente debuttato nel ruolo di Tatiana nell'opera Eugene Onegin, ha interpretato le parti di Aida e Violetta (Aida e La Traviata di Verdi), Cio-Cio-san (Cio-Cio-san di Puccini), Natasha Rostova (“Guerra e pace” di Prokofiev), Katharina (“La bisbetica domata” di Shebalin, primo interprete, 1957), Lisa (“La dama di picche” di Čajkovskij), Kupava (“La fanciulla di neve” di Rimsky- Korsakov), Martha (“La sposa dello zar” di Rimsky-Korsakov) Korsakov) e molti altri. Vishnevskaya ha preso parte alle prime produzioni sul palcoscenico russo dell'opera di Prokofiev The Gambler (1974, nel ruolo di Polina), e della monoopera di Poulenc The Human Voice (1965). Nel 1966 recitò nel film-opera Katerina Izmailova di D.D. Shostakovich (diretto da Mikhail Shapiro). È stata la prima interprete di alcune composizioni a lei dedicate da D.D. Shostakovich, B. Britten e altri eccezionali compositori contemporanei. Sotto l'impressione di ascoltare la sua registrazione, è stata scritta la poesia di Anna Akhmatova "Woman's Voice". Durante l'era sovietica, Galina Vishnevskaya, insieme a suo marito, il grande violoncellista e direttore d'orchestra Mstislav Rostropovich, fornì un sostegno inestimabile allo straordinario scrittore russo e attivista per i diritti umani Alexander Solzhenitsyn, e questo divenne uno dei motivi della costante attenzione e pressione da parte di i servizi segreti dell'URSS. Nel 1974 Galina Vishnevskaya e Mstislav Rostropovich lasciarono l'Unione Sovietica e nel 1978 furono privati ​​​​della cittadinanza, dei titoli onorifici e dei premi governativi. Ma nel 1990, il decreto del Presidium del Consiglio Supremo fu annullato, Galina Pavlovna tornò in Russia, le fu restituito il titolo onorifico di Artista popolare dell'Unione Sovietica e dell'Ordine di Lenin, divenne professoressa onoraria al Conservatorio di Mosca . All'estero, Rostropovich e Vishnevskaya vissero negli Stati Uniti, poi in Francia e Gran Bretagna. Galina Vishnevskaya ha cantato su tutti i principali palcoscenici del mondo (Covent Garden, Metropolitan Opera, Grand Opera, La Scala, Opera di Monaco, ecc.), esibendosi con i più importanti maestri della cultura musicale e teatrale mondiale. Ha interpretato il ruolo di Marina in una registrazione unica dell'opera Boris Godunov (direttore d'orchestra Herbert von Karajan, solisti Gyaurov, Talvela, Spiess, Maslennikov), nel 1989 ha cantato la stessa parte nel film con lo stesso nome (regista A. Zhulavsky , direttore d'orchestra M. Rostropovich). Tra le registrazioni effettuate durante il periodo dell'emigrazione forzata figurano la versione completa dell'opera "Guerra e pace" di S. Prokofiev, cinque dischi con romanzi dei compositori russi M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin e P. Čajkovskij. Tutta la vita e l'opera di Galina Vishnevskaya erano mirate alla continuazione e alla glorificazione delle più grandi tradizioni operistiche russe. Dopo l'inizio della perestrojka, nel 1990, Galina Vishnevskaya e Mstislav Rostropovich furono restituiti alla cittadinanza. All'inizio degli anni '90, G. Vishnevskaya tornò in Russia e divenne professore onorario al Conservatorio di Mosca. Ha descritto la sua vita nel libro "Galina" (pubblicato in inglese nel 1984, in russo nel 1991). Galina Vishnevskaya è dottoressa onoraria di numerose università, per molti anni ha lavorato con giovani creativi, tenendo corsi di perfezionamento in tutto il mondo e fungendo da membro della giuria di importanti concorsi internazionali. Nel 2002 è stato aperto a Mosca il Centro Galina Vishnevskaya per il canto lirico, la cui creazione la grande cantante sognava da tempo. Al centro, ha trasmesso l'esperienza accumulata e le conoscenze uniche a giovani cantanti di talento in modo che potessero rappresentare adeguatamente la scuola d'opera russa sulla scena internazionale. L'aspetto missionario dell'opera di Galina Vishnevskaya è enfatizzato dai più grandi mass media federali e regionali, dai direttori di teatri e organizzazioni di concerti e dal grande pubblico. Galina Vishnevskaya ha ricevuto i più prestigiosi premi mondiali per il suo inestimabile contributo all'arte musicale mondiale, numerosi riconoscimenti da parte dei governi di diversi paesi: la medaglia "Per la difesa di Leningrado" (1943), l'Ordine di Lenin (1971), la Medaglia di Diamante della Città di Parigi (1977), Ordine al Merito della Patria" III grado (1996), II grado (2006). Galina Vishnevskaya - Grande Ufficiale dell'Ordine delle Lettere e delle Arti (Francia, 1982), Cavaliere dell'Ordine della Legione d'Onore (Francia, 1983), Cittadina onoraria della città di Kronstadt (1996).

Angela Gheorghiu (in rumeno Angela Gheorghiu) è una cantante lirica rumena, soprano. Uno dei cantanti lirici più famosi del nostro tempo. Angela Georgiou (Burlacu) è nata il 7 settembre 1965 nella piccola città di Ajud, in Romania. Fin dalla prima infanzia era ovvio che sarebbe diventata una cantante, il suo destino era la musica. Ha studiato in una scuola di musica a Bucarest e si è laureata presso l'Università Nazionale di Musica di Bucarest. Il suo debutto operistico professionale ha avuto luogo nel 1990 nel ruolo di Mimi ne La bohème di Puccini a Cluj, e nello stesso anno ha vinto il concorso vocale internazionale Hans Gabor Belvedere a Vienna. Il cognome Georgiou le è rimasto dal primo marito. Angela Georgiou ha fatto il suo debutto internazionale nel 1992 alla Royal Opera House, Covent Garden, in La Boheme. Nello stesso anno ha debuttato al Metropolitan Opera di New York e all'Opera di Stato di Vienna. Nel 1994, alla Royal Opera House, Covent Garden, canta per la prima volta la parte di Violetta ne La Traviata, in questo momento avviene la "nascita di una stella", Angela Georgiou inizia a godere di un successo costante nei teatri d'opera e sale da concerto di tutto il mondo: a New York, Londra, Parigi, Salisburgo, Berlino, Tokyo, Roma, Seul, Venezia, Atene, Monte Carlo, Chicago, Filadelfia, San Paolo, Los Angeles, Lisbona, Valencia, Palermo, Amsterdam, Kuala Lumpur, Zurigo, Vienna, Salisburgo, Madrid, Barcellona, ​​Praga, Montreal, Mosca, Taipei, San Juan, Lubiana. Nel 1994 conosce il tenore Roberto Alagna, che sposerà nel 1996. La cerimonia nuziale si è svolta al Metropolitan Opera di New York. La coppia Alanya-Georgiou è stata a lungo l'unione familiare creativa più brillante sul palcoscenico dell'opera, ora sono divorziati. Il suo primo contratto discografico esclusivo è stato firmato nel 1995 con la Decca, dopo di che ha pubblicato diversi album all'anno, ora ha circa 50 album, sia opere in scena che concerti da solista. Tutti i suoi CD hanno ricevuto il plauso della critica e hanno vinto numerosi premi internazionali, tra cui il premio della rivista Gramophone, il premio tedesco Echo, il francese Diapason d'Or e Choc du Monde de la Musique, e molti altri. Per due volte, nel 2001 e nel 2010, i "Classical BRIT Awards" britannici l'hanno nominata "Miglior cantante femminile dell'anno". La gamma di ruoli di Angela Georgiou è molto ampia, ama soprattutto le opere di Verdi e Puccini. Il repertorio italiano, forse a causa della relativa somiglianza delle lingue rumena e italiana, se la cava in modo eccellente, alcuni critici notano che l'opera francese, tedesca, russa e inglese viene eseguita in modo più debole. I ruoli più importanti di Angela Gheorghiu: Bellini "Sleepwalker" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucrezia Borgia Donizetti "Pozione d'Amore" " - Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Romeo e Giulietta" - Giulietta Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "La Rondine" - Magda Puccini "La Boheme" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Luise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu continua ad esibirsi attivamente e si trova al vertice dell'Olimpo dell'opera. I prossimi impegni includono vari concerti in Europa, America e Asia, Tosca e Faust alla Royal Opera House, Covent Garden.

Joan Alston Sutherland è una cantante lirica australiana e soprano drammatico di coloratura. Uno dei cantanti lirici più straordinari del XX secolo, Luciano Pavarotti definì la sua voce potente e meravigliosa "la voce del secolo", mentre Montserrat Caballe la descrisse come "una voce celestiale". Joan Sutherland contribuì notevolmente alla rinascita del repertorio del belcanto. Dama Comandante dell'Ordine dell'Impero Britannico. Joan Sutherland è nata il 7 novembre 1926 a Sydney, in Australia, da una famiglia scozzese. Sua madre era un mezzosoprano e insegnò a Joan a cantare. Il primo concerto di Sutherland ebbe luogo nel 1947 a Sydney, dove cantò l'aria di Dido da Dido and Aeneas di Purcell. Ha fatto il suo debutto operistico nel 1950 nel ruolo principale in Judith a Sydney. Nel 1951, dopo aver vinto il prestigioso concorso operistico australiano, andò a Londra per studiare al Royal College of Music. Ricevette un invito dalla Royal Opera House, Covent Garden, e vi fece il suo debutto il 28 ottobre 1952, cantando la piccola parte della First Lady nel Flauto magico di Mozart, e poco dopo la parte di Clotilde nella Norma di Bellini, in il ruolo di Norma era Maria Callas. Nel dicembre 1952 interpretò il suo primo ruolo importante: Amelia in Un ballo in maschera di Verdi, seguito da altri ruoli: Agatha in The Free Shooter, la Contessa in Le nozze di Figaro, Desdemona in Otello, Gilda in Rigoletto ", Eva in The Maestri cantori di Norimberga, Pamina ne Il flauto magico. Joan Sutherland sposò il direttore d'orchestra e pianista australiano Richard Boning il 16 ottobre 1954 e il loro figlio Adam nacque nel 1956. Una delle prime fan di Kirsten Flagstad, Joan aspirava a posizionarsi come soprano drammatico wagneriano, ma suo marito la convinse gradualmente che poteva suonare le note più alte con facilità e che avrebbe dovuto imparare il repertorio del bel canto. Nel 1957-1958 cantò il ruolo principale di Alcina nell'omonima opera di Handel, Emilia dall'Emilia da Liverpool di Donizetti e a Vancouver come Donna Anna nel Don Giovanni, in questi ruoli il suo potenziale belcantistico fu pienamente e chiaramente dimostrato, cosa che ha confermato l'opinione del marito. Nel 1958, alla Royal Opera House, dopo l'esecuzione di un'aria dall'oratorio "Samson" di Händel, il pubblico fece più di dieci minuti di standing ovation. Nel 1959, Sutherland fu invitata a partecipare alla produzione di "Lucia di Lammermoor" al Covent Garden, fu una svolta nella sua carriera di cantante: divenne una star. L'anno successivo, ha registrato l'album Art of the Diva, che ha vinto un Grammy Award come miglior cantante classica. All'inizio degli anni '60, Sutherland si era già saldamente affermata come una diva dell'opera di alto livello con una voce straordinaria. Dopo la sua interpretazione di Alcina nella Fenice veneziana, il pubblico cominciò a chiamarla "La Stupenda" - la Magnifica, e presto tutti i giornali del mondo presero questo soprannome. Negli anni '60 Sutherland ampliò notevolmente il suo repertorio con le parti migliori del bel canto: Violetta da La Traviata, Amina da La Sonnambula, Elvira da I Puritani, Beatrice di Tenda dall'opera omonima, Marguerite de Valois da Gli Ugonotti di Meyerbeer, il ruolo principale in "Semiramide" di Rossini, Norma in "Norma", Cleopatra in "Giulio Cesare" di Handel e altri. Nel 1966 aggiunse Marie da La figlia del reggimento, che divenne uno dei suoi ruoli più popolari. Nel 1965, Sutherland in Australia presentò l'allora giovane aspirante tenore Luciano Pavarotti, e questo tour si rivelò una pietra miliare nella carriera di Pavarotti. Sebbene fosse riconosciuta come una delle principali cantanti d'opera, aveva un problema con la purezza della dizione e la critica lo sottolineava costantemente. Le prime registrazioni di Sutherland mostrano che aveva una voce cristallina e una dizione eccellente. Tuttavia, all'inizio degli anni '60, la sua voce perse parte di quella chiarezza, alcuni spiegando ciò con un intervento chirurgico nasale a cui si sottopose nel 1959, ma il suo album Art of the Primadonna, che registrò dopo l'operazione, dimostra una voce cristallina e chiarezza di dizione. . Ha lottato costantemente con questo problema con successo variabile. Negli anni '70 e '80 Joan Sutherland continuò a lavorare attivamente e, grazie alla sua flessibilità vocale e alla sua tecnica raffinata, continuò a cantare sorprendentemente bene le parti più difficili e ad ampliare costantemente il suo repertorio. La sua ultima rappresentazione operistica a pieno titolo è stata nel 1990 a Sydney agli Huguenots e, nello stesso anno, l'ultimo concerto di gala, accompagnata dai suoi colleghi e amici a Covent Garden. Dopo essersi ritirata dal grande palcoscenico, Joan Sutherland iniziò una vita tranquilla nella sua casa in Svizzera, facendo relativamente poche apparizioni pubbliche. Tuttavia, non ha abbandonato completamente la vita pubblica: ha recitato in film, ha scritto un libro autobiografico, ha tenuto corsi di perfezionamento ed è stata membro della giuria in molti festival d'opera, incluso il Concorso internazionale di canto lirico a Cardiff. Joan Sutherland è morta l'11 ottobre 2010 nella sua casa in Svizzera. Joan Sutherland nella Lucia di Lammermoor di Gaetano Donizetti. "Scena pazzesca"

Pauline Viardot, nome completo Pauline Michelle Ferdinand García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) è una delle principali cantanti, mezzosoprano francesi del XIX secolo, insegnante di canto e compositrice di origine spagnola. Pauline Viardot è nata il 18 luglio 1821 a Parigi. Figlia e allieva del cantante e insegnante spagnolo Manuel Garcia, sorella di Maria Malibran. Da bambina studiò l'arte di suonare il pianoforte con Franz Liszt e sarebbe diventata pianista, ma le sue straordinarie capacità vocali determinarono la sua professione. Si è esibita in vari teatri d'Europa e ha tenuto numerosi concerti. Era famosa per i ruoli di Fidesz ("Il profeta" di Meyerbeer), Orfeo ("Orfeo ed Euridice" di Gluck), Rosina ("Il barbiere di Siviglia" di Rossini). Autrice di romanzi e opere comiche su libretto di Ivan Turgenev, suo caro amico. Insieme al marito, che ha tradotto le opere di Turgenev in francese, ha promosso le conquiste della cultura russa. Il suo cognome è scritto in varie forme. Con il nome da nubile Garcia raggiunse fama e notorietà, dopo il matrimonio utilizzò per qualche tempo il doppio cognome Garcia-Viardot e ad un certo punto abbandonò il cognome da nubile e si fece chiamare "Mme Viardot". Nel 1837, la sedicenne Pauline Garcia diede il suo primo concerto a Bruxelles, e nel 1839 fece il suo debutto come Desdemona nell'Otello di Rossini a Londra, diventando il momento clou della stagione. Nonostante alcuni difetti, la voce della ragazza combinava una tecnica squisita con una passione straordinaria. Nel 1840 Pauline sposò Louis Viardot, compositore e direttore del Théatre Italien di Parigi. Avendo 21 anni più di sua moglie, suo marito iniziò a perseguire la sua carriera. Nel 1844, nella capitale dell'Impero russo, la città di San Pietroburgo, si esibì sullo stesso palco con Antonio Tamburini e Giovanni Battista Rubini. Viardot aveva molti ammiratori. In particolare, lo scrittore russo Ivan Sergeevich Turgenev si innamorò perdutamente della cantante nel 1843 dopo averla ascoltata recitare ne Il Barbiere di Siviglia. Nel 1845 lasciò la Russia per seguire Paolina e alla fine divenne quasi un membro della famiglia Viardot. Lo scrittore trattò i quattro figli di Pauline come se fossero suoi e la adorò fino alla morte. Lei, a sua volta, era una critica del suo lavoro e la sua posizione nel mondo e le sue connessioni rappresentavano lo scrittore nella luce migliore. La vera natura della loro relazione è ancora oggetto di dibattito. Inoltre, Pauline Viardot ha comunicato con altre grandi persone, tra cui Charles Gounod e Hector Berlioz. Famosa per le sue capacità vocali e abilità drammatiche, Viardot ispirò compositori come Frederic Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saens e Giacomo Meyerbeer, autore dell'opera Il Profeta, in cui divenne la prima interprete di Fidesz. Non si è mai considerata una compositrice, ma in realtà ha composto tre raccolte musicali e ha anche collaborato alla composizione di musica per ruoli creati appositamente per lei. Più tardi, dopo aver lasciato il palco, scrisse un'opera intitolata Le dernier sorcier. Viardot parlava correntemente spagnolo, francese, italiano, inglese, tedesco e russo e utilizzava varie tecniche nazionali nel suo lavoro. Grazie al suo talento si esibì nelle migliori sale da concerto d'Europa, tra cui il Teatro dell'Opera di San Pietroburgo (nel 1843-1846). La popolarità di Viardot fu così grande che George Sand ne fece il prototipo della protagonista del romanzo Consuelo. Viardot cantò la parte del mezzosoprano in Tuba Mirum (Requiem di Mozart) al funerale di Chopin il 30 ottobre 1849. Ha interpretato il ruolo principale in Orfeo ed Euridice di Gluck. Nel 1863, Pauline Viardot-Garcia lasciò le scene, lasciò la Francia con la sua famiglia (suo marito era un oppositore del regime di Napoleone III) e si stabilì a Baden-Baden. Dopo la caduta di Napoleone III, la famiglia Viardot tornò in Francia, dove Pauline insegnò al Conservatorio di Parigi fino alla morte del marito nel 1883, e tenne anche un salone di musica in Boulevard Saint-Germain. Tra gli alunni e gli studenti di Pauline Viardot ci sono le famose Desiree Artaud-Padilla, Sophie Röhr-Brainin, Baylodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachele, Meyer, Rollant e altri. Molti cantanti russi hanno frequentato con lei un'eccellente scuola di canto, tra cui F.V. Litvin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. 18 maggio 1910 Pauline Viardot muore, circondata da parenti affettuosi. Fu sepolta nel cimitero di Montmartre a Parigi. Il poeta russo Alexei Nikolaevich Pleshcheev le ha dedicato la sua poesia "Il cantante" (Viardo Garcia): No! Non ti dimenticherò, suoni accattivanti, come non dimenticherò le prime dolci lacrime d'amore! Quando ti ho ascoltato, il dolore nel mio petto si è umiliato, e ancora una volta ero pronto a credere e ad amare! Non la dimenticherò... Quella sacerdotessa ispirata, Coperta d'una corona di larghe foglie, Mi apparve... e cantò un inno sacro, E il suo sguardo ardeva di fuoco divino... Quella pallida immagine in lei io Vide Desdemona, quando lei, china sull'arpa dorata, fu cantata una canzone sul salice... e i gemiti furono interrotti dal sordo straripamento di quella vecchia canzone. Quanto profondamente comprendeva, studiava Colui che conosceva le persone e i segreti dei loro cuori; E se un grande fosse risorto dalla tomba, le avrebbe messo la sua corona sulla fronte. A volte mi appariva una Rosina giovane e appassionata, come la notte del suo paese natale... E, ascoltando la sua voce magica, mi spingevo con l'anima verso quella terra fertile, Dove tutto incanta l'orecchio, tutto delizia gli occhi, Dove la volta del cielo risplende di un azzurro eterno, Dove fischiano gli usignoli sui rami del sicomoro E trema l'ombra del cipresso sulla superficie delle acque! E il mio petto, pieno di santo piacere, pura delizia, si alzò in alto, e i dubbi ansiosi volarono via, e la mia anima era calma e leggera. Come amico, dopo giorni di dolorosa separazione, ero pronto ad abbracciare il mondo intero... Oh! Non ti dimenticherò, suoni accattivanti, come non dimenticherò le prime dolci lacrime d'amore!<1846>

Natalie Dessay (nata Nathalie Dessaix) è una cantante lirica francese, soprano di coloratura. Una delle cantanti più importanti del nostro tempo, all'inizio della sua carriera era nota per la sua voce molto acuta e trasparente, ora canta in una gamma più bassa. Amato dal pubblico per gli ottimi dati drammatici e un vivace senso dell'umorismo. Nathalie Dessay è nata il 19 aprile 1965 a Lione ed è cresciuta a Bordeaux. Mentre era ancora a scuola, omise la lettera "h" dal suo nome, in onore dell'attrice Natalie Wood, e in seguito semplificò l'ortografia del suo cognome. Nella sua giovinezza, Dessay sognava di diventare una ballerina o un'attrice e prendeva lezioni di recitazione, ma un giorno, suonando con gli altri studenti in un'opera poco conosciuta del XVIII secolo, dovette cantare, eseguì l'aria di Pamina da Il flauto magico , tutti rimasero stupiti, le fu consigliato di spostare l'attenzione sulla musica. Natalie è entrata al Conservatorio di Stato di Bordeaux, ha completato gli studi quinquennali in un solo anno e si è diplomata con lode nel 1985. Dopo il conservatorio, ha lavorato con l'Orchestra Nazionale del Capitole di Tolosa. Nel 1989, si è classificata seconda al concorso New Voices indetto da France Telecom, che le ha permesso di studiare per un anno alla Scuola di Arti Liriche dell'Opera di Parigi e di esibirsi lì nel ruolo di Eliza ne Il Re Pastore di Mozart. Nella primavera del 1992, ha cantato la breve parte di Olympia dai "Racconti di Hoffmann" di Offenbach all'Opera Bastille, il suo partner era José van Dam, la produzione ha deluso critica e pubblico, ma la giovane cantante ha ricevuto una standing ovation e si è fatta notare . Questo ruolo diventerà per lei una pietra miliare, fino al 2001 interpreterà Olympia in otto diverse produzioni, compreso il suo debutto alla Scala. Nel 1993, Natalie Dessay vinse il Concorso Internazionale Mozart indetto dall'Opera di Vienna e rimase per studiare ed esibirsi all'Opera di Vienna. Qui ha cantato il ruolo della Bionda dal Ratto dal Serraglio di Mozart, che è diventato un altro dei suoi ruoli più famosi e più frequentemente interpretati. Nel dicembre 1993, a Natalie fu offerto di sostituire Cheryl Studer nell'ormai famoso ruolo di Olympia all'Opera di Vienna. La sua interpretazione è stata riconosciuta dal pubblico a Vienna e lodata da Placido Domingo, nello stesso anno si è esibita con questo ruolo all'Opera di Lione. La carriera internazionale di Natalie Dessay è iniziata con le esibizioni all'Opera di Vienna. Negli anni '90, il suo riconoscimento è cresciuto costantemente e il repertorio dei ruoli è stato costantemente ampliato, ha ricevuto molte offerte, si è esibita in tutti i principali teatri d'opera del mondo: il Metropolitan Opera, La Scala, l'Opera Bavarese, Covent Garden, il Opera di Vienna e altri. Una caratteristica distintiva dell'attrice Dessay è che crede che una cantante d'opera dovrebbe consistere per il 70% in teatro e per il 30% in musica e sforzarsi non solo di cantare i suoi ruoli, ma anche di interpretarli in modo drammatico, quindi ciascuno dei suoi personaggi è una scoperta nuova, mai come le altre. Nella stagione 2001/2002, Dessay iniziò ad avere difficoltà vocali e dovette cancellare le sue esibizioni e recital. Ha lasciato il palco e nel luglio 2002 ha subito un'operazione per rimuovere i polipi alle corde vocali, già nel febbraio 2003 è tornata con un concerto da solista a Parigi e ha continuato attivamente la sua carriera. Nella stagione 2004/2005, Natalie Dessay ha dovuto sottoporsi ad una seconda operazione. Una nuova apparizione pubblica ha avuto luogo nel maggio 2005 a Montreal. Il ritorno di Natalie Dessay è stato accompagnato da un riorientamento nel suo repertorio lirico. Evita ruoli "leggeri" senza spessore (come Gilda in "Rigoletto") o ruoli che non vuole più interpretare (Regina della Notte o Olimpia) a favore di personaggi più "tragici". Questa posizione suscitò inizialmente seri disaccordi con alcuni direttori e colleghi. Oggi, Natalie Dessay è all'apice della sua carriera ed è il principale soprano di oggi. Vive e si esibisce principalmente negli Stati Uniti, ma è costantemente in tournée in Europa. I fan russi l'hanno vista a San Pietroburgo nel 2010 e a Mosca nel 2011. All'inizio del 2011 ha cantato (per la prima volta) il ruolo di Cleopatra nel Giulio Cesare di Händel all'Opéra Garnier, è tornata al Metropolitan Opera con la sua tradizionale "Lucia di Lammermoor", è poi tornata nuovamente in Europa con una versione concertistica di "Pelléas et Mélisande" a Parigi e Londra e un concerto a Mosca. I progetti immediati della cantante includono numerosi progetti: La Traviata a Vienna nel 2011 e al Metropolitan Opera nel 2012, Cleopatra nel Giulio Cesare al Metropolitan Opera nel 2013, Manon all'Opera di Parigi e alla Scala nel 2012, Marie ("Figlia del Regiment") a Parigi nel 2013, ed Elvira al Met nel 2014. Natalie Dessay è sposata con il basso baritono Laurent Naoury e hanno due figli. Sul palcoscenico dell'opera possono essere visti insieme molto raramente, a differenza della coppia di star Alanya-Georgiou, il fatto è che per un baritono-soprano c'è molto meno repertorio che per un tenore-soprano. Per il bene di suo marito, Dessey adottò la sua religione: il giudaismo.

Rita Streich (18 dicembre 1920 - 20 marzo 1987) - una delle cantanti liriche tedesche più venerate e registrate degli anni '40 e '60 del XX secolo, soprano. Rita Streich è nata a Barnaul, Altai Krai, Russia. Suo padre Bruno Streich, caporale dell'esercito tedesco, fu catturato sui fronti della prima guerra mondiale e fu avvelenato a Barnaul, dove conobbe una ragazza russa, la futura madre della famosa cantante Vera Alekseeva. Il 18 dicembre 1920 Vera e Bruno ebbero una figlia, Margarita Shtreich. Ben presto il governo sovietico permise ai prigionieri di guerra tedeschi di tornare a casa e Bruno, insieme a Vera e Margarita, andò in Germania. Grazie alla madre russa, Rita Streich parlava e cantava bene in russo, il che le fu molto utile per la carriera, allo stesso tempo, a causa del suo tedesco "non puro", all'inizio ci furono alcuni problemi con il regime fascista. Le capacità vocali di Rita furono scoperte presto, fin dalle scuole elementari fu protagonista di concerti scolastici, in uno dei quali fu notata e portata a studiare a Berlino dalla grande cantante lirica tedesca Erna Berger. Tra i suoi insegnanti figurarono in tempi diversi anche il famoso tenore Willi Domgraf-Fasbender e il soprano Maria Ifogyn. Il debutto di Rita Streich sul palcoscenico operistico avvenne nel 1943 nella città di Ossig (Aussig, oggi Usti nad Labem, Repubblica Ceca) con il ruolo di Zerbinetta nell'opera Ariadne auf Naxos di Richard Strauss. Nel 1946 Rita fece il suo debutto all'Opera di Stato di Berlino, nella compagnia principale, con la parte di Olympia ne I racconti di Hoffmann di Jacques Offebach. Successivamente iniziò la sua carriera teatrale, che durò fino al 1974. Rita Streich rimase all'Opera di Berlino fino al 1952, poi si trasferì in Austria e trascorse quasi vent'anni sul palco dell'Opera di Vienna. Qui si sposò e nel 1956 diede alla luce un figlio. Rita Streich possedeva un brillante soprano di coloratura e eseguiva facilmente le parti più difficili del repertorio operistico mondiale, era chiamata "l'usignolo tedesco" o "usignolo viennese". Durante la sua lunga carriera, Rita Streich si è esibita anche in molti teatri del mondo: ha avuto contratti con la Scala e la radio bavarese a Monaco, ha cantato al Covent Garden, all'Opera di Parigi, così come a Roma, Venezia, New York, Chicago, San Francisco, ha viaggiato in Giappone, Australia e Nuova Zelanda, si è esibito ai festival dell'opera di Salisburgo, Bayreuth e Glyndebourne. Il suo repertorio comprendeva quasi tutti i ruoli operistici significativi per soprano: era conosciuta come la migliore interprete dei ruoli della Regina della Notte nel "Flauto Magico" di Mozart, Annchen nel "Free Gunner" di Weber e altri. Il suo repertorio comprendeva, tra le altre cose, opere di compositori russi, che ha eseguito in russo. Era considerata anche un'eccellente interprete del repertorio dell'operetta e delle canzoni popolari e romanze. Ha lavorato con le migliori orchestre e direttori d'orchestra d'Europa e ha registrato 65 dischi importanti. Dopo aver terminato la sua carriera, Rita Streich è professoressa all'Accademia di musica di Vienna dal 1974, ha insegnato in una scuola di musica a Essen, ha tenuto corsi di perfezionamento e ha diretto il Centro per lo sviluppo dell'arte lirica a Nizza. Rita Streich morì il 20 marzo 1987 a Vienna e fu sepolta nel vecchio cimitero della città accanto al padre Bruno Streich e alla madre Vera Alekseeva.

Cecilia Bartoli è una cantante lirica italiana, mezzosoprano di coloratura. Uno dei cantanti lirici più importanti e di successo commerciale del nostro tempo. Cecilia Bartoli è nata il 4 giugno 1966 a Roma. I genitori di Bartoli sono Silvana Bazzoni e Pietro Angelo Bartoli, cantanti professionisti, dipendenti del Teatro dell'Opera di Roma. La prima e principale insegnante di canto di Cecilia è stata sua madre. All'età di nove anni, Cecilia è apparsa per la prima volta sul "grande palcoscenico" - è apparsa in una delle scene di massa dell'Opera di Roma sotto forma di pastorello nella produzione di "Tosca". Da bambina, la futura cantante amava ballare ed era impegnata nel flamenco, ma i suoi genitori non vedevano la sua carriera nella danza ed erano insoddisfatti dell'hobby di sua figlia, insistevano perché continuasse la sua educazione musicale. Il flamenco ha dato a Bartoli la facilità e la passione con cui si esibisce sul palco, e il suo amore per questo ballo è ancora attuale. All'età di 17 anni Bartoli entrò al Conservatorio di Santa Cecilia. Nel 1985 si esibisce nella trasmissione televisiva Nuovi Talenti: canta "Barcarolle" dai "Racconti di Hoffmann" di Offenbach, l'aria di Rosina da "Il Barbiere di Siviglia" e persino un duetto con il baritono Leo Nucci. E anche se si è classificata seconda, la sua interpretazione ha fatto scalpore tra gli amanti dell'opera. Bartoli si esibì presto in un concerto organizzato dall'Opera di Parigi in memoria di Maria Callas. Dopo questo concerto, tre "pesi massimi" nel mondo della musica classica hanno attirato l'attenzione su di lei: Herbert von Karajan, Daniel Barenboim e Nikolaus Arnoncourt. Il suo debutto operistico professionale ha avuto luogo nel 1987 all'Arena di Verona. L'anno successivo, ha cantato il ruolo di Rosina ne Il Barbiere di Siviglia di Rossini all'Opera di Colonia e il ruolo di Cherubino accanto a Nikolaus Harnoncourt ne Le nozze di Figaro di Mozart a Zurigo, Svizzera. Herbert von Karajan la invitò a partecipare al Festival di Salisburgo ed eseguire con lui la Messa in si minore di J.S. Bach, ma la morte del maestro impedì ai suoi piani di realizzarsi. Nel 1990, Bartoli ha debuttato all'Opera Bastille nel ruolo di Cherubino, all'Opera di Stato di Amburgo come Idamante nell'Idomeneo di Mozart, e anche negli Stati Uniti al festival Mostly Mozart di New York e ha firmato un contratto esclusivo con la DECCA. Nel 1991 ha debuttato alla Scala nel ruolo del paggio Isolier ne La Comte Ori di Rossini e da allora, all'età di 25 anni, si è affermata come una delle principali interpreti mondiali di Mozart e Rossini. Da allora, la sua carriera si è sviluppata rapidamente: l'elenco dei migliori teatri del mondo, anteprime, concerti da solista, direttori d'orchestra, registrazioni, festival e premi Chechili Bartoli potrebbe diventare un libro. Dal 2005 Cecilia Bartoli si concentra sulla musica barocca e del primo classicismo di compositori come Gluck, Vivaldi, Haydn e Salieri, e più recentemente sulla musica dell'era romantica e sul bel canto italiano. Attualmente vive con la sua famiglia a Monte Carlo e lavora all'Opera di Zurigo. Cecilia Bartoli è un'ospite abituale in Russia, dal 2001 ha visitato il nostro Paese molte volte, l'ultimo dei tour è avvenuto nel settembre 2011. Alcuni critici notano che Cecilia Bartoli è considerata uno dei migliori mezzosoprani del nostro tempo solo perché con questo tipo di voce (a differenza del soprano) ha pochissimi concorrenti, tuttavia le sue esibizioni raccolgono sale piene di fan, e i dischi vengono venduti a milioni di copie. . Per i servizi resi nel campo della musica, Cecilia Bartoli è stata insignita di numerosi premi statali e pubblici, tra cui gli Ordini al Merito e delle Arti e Lettere francesi e il Cavalierato italiano, ed è inoltre membro onorario della Royal Academy of Music di Londra, ecc. È proprietaria di cinque Grammy Awards, l'ultimo dei quali ha vinto nel 2011 nella nomination "Best Classical Vocal Performance" con l'album "Sacrifice" (Sacrificium).

Sumi Cho (Jo Sumi) - cantante lirica coreana, soprano di coloratura. Il cantante lirico più famoso proviene dal sud-est asiatico. Sumi Cho è nata il 22 novembre 1962 a Seul, in Corea del Sud. Vero nome Sudzhon Cho (Jo Sugyeong). Sua madre era una cantante e pianista dilettante, ma non poté ricevere un'educazione musicale professionale a causa della situazione politica in Corea negli anni '50. Era determinata a dare a sua figlia una buona educazione musicale. Sumi Cho ha iniziato le lezioni di pianoforte all'età di 4 anni e la formazione vocale dall'età di 6 anni, già da bambina a volte doveva dedicare fino a otto ore alle lezioni di musica. Nel 1976, Sumi Cho entrò alla Seoul School of the Arts (accademia privata) "Sang Hwa", dalla quale si diplomò nel 1980 in canto e pianoforte. Dal 1981 al 1983 ha continuato la sua formazione musicale presso l'Università Nazionale di Seoul. Mentre studiava all'università, Sumi Cho ha fatto il suo primo debutto professionale, si è esibita in diversi concerti organizzati dalla televisione coreana e ha cantato il ruolo di Suzanne in "Le nozze di Figaro" all'Opera di Seoul. Nel 1983, Cho decise di lasciare l'Università di Seoul e si trasferì in Italia per studiare musica presso la più antica scuola di musica, l'Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma, diplomandosi con il massimo dei voti. I suoi insegnanti di italiano includevano Carlo Bergonzi e Gianella Borelli. Durante i suoi studi all'Accademia, Cho poteva essere spesso ascoltato in concerti in varie città italiane, oltre che alla radio e alla televisione. Fu durante questo periodo che Cho decise di usare il nome "Sumi" come nome d'arte per essere più comprensibile al pubblico europeo. Nel 1985 si è diplomata all'Accademia con una specializzazione in pianoforte e canto. Dopo l'accademia, ha preso lezioni di canto da Elisabeth Schwarzkopf e ha vinto diversi concorsi vocali a Seul, Napoli, Barcellona, ​​Pretoria e il più importante nel 1986, un concorso internazionale a Verona, in cui solo i vincitori di altri importanti concorsi internazionali, quindi per parlare, il meglio dei migliori giovani cantanti. Sumi Cho ha fatto il suo debutto operistico europeo nel 1986 nel ruolo di Gilda in Rigoletto al Teatro Giuseppe Verdi di Trieste. Questa interpretazione attirò l'attenzione di Herbert von Karajan, che la invitò a interpretare la parte del paggio Oscar in Un ballo in maschera con Plácido Domingo, andato in scena al Festival di Salisburgo nel 1987. Negli anni successivi, Sumi Cho si è spostata costantemente verso l'Olimpo dell'opera, espandendo costantemente la geografia delle sue esibizioni e cambiando il suo repertorio da piccoli ruoli a ruoli maggiori. Nel 1988, Sumi Cho ha debuttato alla Scala e all'Opera di Stato della Baviera, nel 1989 - all'Opera di Stato di Vienna e alla Metropolitan Opera, nel 1990 - alla Chicago Lyric Opera e al Covent Garden. Sumi Cho è diventata uno dei soprani più ricercati del nostro tempo e rimane in questo status fino ad oggi. Il pubblico la ama per la sua voce leggera, calda e flessibile, così come per il suo ottimismo e il suo umorismo leggero sul palco e nella vita. È leggera e libera sul palco, conferendo ad ogni performance un sottile motivo orientale. Sumi Cho ha visitato tutti i paesi del mondo in cui ama l'opera, anche più volte in Russia, l'ultima visita è stata nel 2008, quando, in duetto con Dmitry Hvorostovsky, hanno viaggiato in diversi paesi come parte di un tour. Ha un programma di lavoro intenso, tra cui spettacoli d'opera, programmi di concerti e lavoro con case discografiche. La discografia di Sumi Cho conta attualmente oltre 50 registrazioni, inclusi dieci album solisti e dischi in stile crossover. I suoi due album sono più conosciuti: nel 1992 le è stato assegnato il Grammy Award nella nomination "Miglior registrazione d'opera" per l'opera di R. Wagner "Donna senza ombra" con Hildegard Behrens, Jose van Dam, Giulia Varadi, Placido Domingo, il direttore d'orchestra Georg Solti, e un album con l'opera Un ballo in maschera di G. Verdi, premiato dal Grammofono tedesco.

City Opera House (Lyric Opera) (Civic Opera House/Lyric Opera) è un teatro dell'opera a Chicago, Illinois, Stati Uniti. L'auditorium del teatro è progettato per 3563 posti, il che lo rende il secondo teatro più grande del mondo, dopo il Metropolitan Opera. Il teatro fa parte di un edificio per uffici di 45 piani con due ali di 22 piani. L'edificio è ora di proprietà della Lyric Opera di Chicago. La City Opera House fu costruita nel 1929 da Graham, Anderson, Probst & White, che costruì una serie di edifici nel centro di Chicago, l'architetto principale fu Alfred Shaw, l'ingegnere civile capo Magnus Gunderson (Magnus Gunderson). L'edificio si trova sulla strada principale di Chicago - Walker Drive e ha due stili e due facce - dal lato del fiume Chicago ha una vista nell'esemplare stile art deco, molto comune in questo periodo, una vista dalla strada con una lunga fila di colonne, così come i tetra interni si ispirarono al neoclassicismo francese, presumibilmente a imitazione dell'Opera Garnier di Parigi. Anche lo spazio interno e la sala sono riccamente decorati, spicca in particolare il sipario "infuocato", dipinto con scene e personaggi di varie opere, la grandiosa marcia dell'"Aida" occupa il posto centrale. Il principale cliente e finanziatore, che investì la metà del costo di costruzione, fu l'uomo d'affari, filantropo e mecenate di Chicago Samuel Insull, che originariamente era un dipendente della società General Electric di Thomas Edison e venne a Chicago per espandere l'attività. Nel giro di pochi anni, la nuova Chicago Edison Company (successivamente ribattezzata e riorganizzata) divenne la più grande compagnia elettrica ed elettrica della città, oltre a possedere alcune delle altre grandi aziende della città. Insull era sposato con un'attrice di molti anni più giovane di lui, amavano entrambi l'arte, e costruì un teatro per regalare alla moglie, alla quale fu negata uno spettacolo al Metropolitan Opera (anche se questa è solo una voce, perché sua moglie non era un cantante e non aspirava a recitare nell'opera). L'idea di unire il teatro dell'opera e locali commerciali e uffici era quella di ricevere entrate aggiuntive durante le pause tra le stagioni operistiche. Il grattacielo con due ali ricorda una poltrona gigante, motivo per cui a volte viene chiamato il "trono di Insull" dallo stesso Samuel Insull. Tuttavia, la Grande Depressione iniziata sei giorni prima ebbe un impatto negativo sul teatro, il teatro era vuoto ed era sul punto di sopravvivere, il primo gruppo d'opera si sciolse. Lo stesso Insull perse la maggior parte dei suoi affari, fu perseguito, si nascose in Europa, fu successivamente assolto e morì a Parigi in relativa povertà. Diverse compagnie d'opera avevano sede a teatro negli anni '30 e '40, nessuna delle quali durò a lungo. Nel 1954, il teatro fu affittato dalla Lyric Opera di Chicago, che acquistò l'edificio a titolo definitivo nel 1993. L'Opera Lirica iniziò grandi lavori di ristrutturazione. Tutto ciò che necessitava di aggiornamento è stato aggiornato, la ricostruzione globale è stata completata nel 1996.

Il Teatro Mariinsky è un teatro d'opera e balletto a San Pietroburgo, Russia. Inaugurato nel 1860, un eccezionale teatro musicale russo. Sul suo palco si sono svolte le prime dei capolavori di Čajkovskij, Mussorgskij, Rimskij-Korsakov e molti altri compositori. Il Teatro Mariinsky ospita compagnie d'opera e di balletto e l'Orchestra Sinfonica del Teatro Mariinsky. Direttore artistico e direttore principale Valery Gergiev. Nel corso di più di due secoli della sua storia, il Teatro Mariinsky ha regalato al mondo molti grandi artisti: qui ha prestato servizio l'eccezionale basso, il fondatore della scuola d'opera russa, Osip Petrov, grandi cantanti come Fyodor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea e Nikolai Figner hanno affinato le loro capacità e hanno raggiunto le vette della gloria. , Sofia Preobrazhenskaya. I ballerini brillavano sul palco: Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vatslav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, George Balanchine hanno iniziato il suo viaggio nell'arte. Il teatro ha assistito al fiorire del talento di brillanti decoratori come Konstantin Korovin, Alexander Golovin, Alexander Benois, Simon Virsaladze, Fedor Fedorovsky. E molti, molti altri. È da tempo consuetudine che il Teatro Mariinsky tracci la sua discendenza, contando il secolo dal 1783, quando il 12 luglio fu emanato un decreto che approvava un comitato teatrale "per gestire spettacoli e musica", e il 5 ottobre il Teatro Bolshoi Kamenny in Piazza della Giostra è stato solennemente aperto. Il teatro ha dato un nuovo nome alla piazza: è sopravvissuto fino ad oggi come Teatralnaya. Costruito secondo il progetto di Antonio Rinaldi, il Teatro Bolshoi stupì l'immaginazione con le sue dimensioni, la maestosa architettura e un palcoscenico dotato delle ultime tecnologie teatrali dell'epoca. In occasione dell'inaugurazione è stata rappresentata l'opera Il Mondo della luna di Giovanni Paisiello. La troupe russa si è esibita qui alternativamente con quella italiana e francese, sono state messe in scena rappresentazioni drammatiche e sono stati organizzati anche concerti vocali e strumentali. Pietroburgo era in costruzione, il suo aspetto cambiava costantemente. Nel 1802-1803, Thomas de Thomon, brillante architetto e disegnatore, effettuò un'importante riorganizzazione della disposizione interna e della decorazione del teatro, modificandone notevolmente l'aspetto e le proporzioni. Con il suo nuovo aspetto cerimoniale e festoso, il Teatro Bolshoi divenne uno dei monumenti architettonici della capitale della Neva, insieme all'Ammiragliato, alla Borsa e alla Cattedrale di Kazan. Tuttavia, la notte del 1 gennaio 1811, scoppiò un enorme incendio al Teatro Bolshoi. Per due giorni la ricca decorazione interna del teatro perì nell'incendio e la sua facciata fu gravemente danneggiata. Thomas de Thomon, che elaborò un progetto per restaurare la sua amata idea, non visse abbastanza per vederne la realizzazione. Il 3 febbraio 1818, il Teatro Bolshoi riaperto riaprì con il prologo "Apollo e Pallade nel Nord" e il balletto "Zefiro e Flora" di Charles Didelot sulla musica del compositore Katarino Cavos. Ci stiamo avvicinando al "periodo d'oro" del Teatro Bolshoi. Il repertorio dell'era "post-incendio" comprende Il Flauto Magico, Il Ratto dal Serraglio, La Misericordia di Tito di Mozart. Il pubblico russo resta affascinato da Cenerentola, Semiramide, La gazza ladra, Il Barbiere di Siviglia di Rossini. Nel maggio 1824 ebbe luogo la prima di "Free Gunner" di Weber, un'opera che significò così tanto per la nascita dell'opera romantica russa. Vengono suonati vaudeville di Alyabyev e Verstovsky; una delle opere più amate e di repertorio è Ivan Susanin di Kavos, che durò fino alla comparsa dell'opera di Glinka sulla stessa trama. La figura leggendaria di Charles Didelot è associata alla nascita della fama mondiale del balletto russo. Fu durante questi anni che Pushkin frequentò il Bolshoi di San Pietroburgo, catturando il teatro in poesie immortali. Nel 1836, per migliorare l'acustica, l'architetto Alberto Cavos - figlio di un compositore e maestro di banda - sostituì il soffitto a cupola della sala del teatro con uno piatto, e sopra di esso furono collocati un laboratorio artistico e una sala per la decorazione. Alberto Cavos rimuove nell'auditorium le colonne che ostruivano la vista e falsavano l'acustica, dà alla sala la consueta forma a ferro di cavallo, ne aumenta la lunghezza e l'altezza, portando il numero degli spettatori a duemila. Il 27 novembre 1836, le rappresentazioni del teatro ricostruito ripresero con la prima rappresentazione dell'opera di Glinka Una vita per lo zar. Per caso, e forse non senza buone intenzioni, la prima di Ruslan e Lyudmila, la seconda opera di Glinka, ebbe luogo esattamente sei anni dopo, il 27 novembre 1842. Basterebbero queste due date perché il Teatro Bolshoi di San Pietroburgo entri per sempre nella storia della cultura russa. Ma, naturalmente, c'erano anche capolavori della musica europea: opere di Mozart, Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Meyerbeer, Gounod, Aubert, Thomas ... Nel tempo, le esibizioni della compagnia d'opera russa furono trasferite sul palco del Teatro Alexandrinsky e del cosiddetto Teatro del Circo, situato di fronte al Bolshoi (dove continuavano le esibizioni della compagnia di balletto, così come l'opera italiana). Quando il Teatro del Circo bruciò nel 1859, al suo posto fu costruito un nuovo teatro dallo stesso architetto Alberto Cavos. Fu lui a ricevere il nome Mariinsky in onore dell'imperatrice regnante Maria Alexandrovna, moglie di Alessandro II. La prima stagione teatrale nel nuovo edificio si aprì il 2 ottobre 1860 con l'opera Una vita per lo zar di Glinka sotto la direzione del capobanda dell'Opera russa Konstantin Lyadov, padre del futuro famoso compositore Anatoly Lyadov. Il Teatro Mariinsky ha rafforzato e sviluppato le grandi tradizioni del primo palcoscenico musicale russo. Con l'avvento di Eduard Napravnik nel 1863, che sostituì Konstantin Lyadov come capobanda, iniziò un'era gloriosa nella storia del teatro. Il mezzo secolo donato da Napravnik al Teatro Mariinsky è stato caratterizzato dalle prime delle opere più significative della storia della musica russa. Per citarne solo alcuni: Boris Godunov di Mussorgsky, La serva di Pskov, La notte di maggio, La fanciulla di neve di Rimsky-Korsakov, Il principe Igor di Borodin, La pulzella d'Orleans, L'incantatrice, La dama di picche, Iolanthe » Čajkovskij, «Demone » Rubinstein, «Oresteya» Taneyev. All'inizio del XX secolo, il repertorio del Teatro dell'Opera di Wagner (tra cui la tetralogia "L'Anello dei Nibelunghi"), "Elettra" di Richard Strauss, "La leggenda della città invisibile di Kitezh" di Rimsky-Korsakov, "Khovanshchina" di Mussorgsky. Marius Petipa, che guidò la compagnia di balletto del teatro nel 1869, continuò le tradizioni dei suoi predecessori Jules Perrot e Arthur Saint-Leon. Petipa ha conservato con zelo spettacoli classici come Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, sottoponendoli solo ad un attento montaggio. La Bayadère da lui messa in scena ha portato per la prima volta sul palcoscenico del balletto il respiro di una grande composizione coreografica, in cui "la danza è diventata come la musica". Il felice incontro di Petipa con Čajkovskij, il quale affermava che "il balletto è la stessa sinfonia", ha portato alla nascita della "Bella Addormentata" - un vero poema musicale e coreografico. Nella comunità di Petipa e Lev Ivanov è nata la coreografia de Lo Schiaccianoci. Già dopo la morte di Čajkovskij, il Lago dei cigni ha trovato una seconda vita sul palco del Teatro Mariinsky - e ancora nella coreografia congiunta di Petipa e Ivanov. Petipa ha rafforzato la sua reputazione di coreografo e sinfonista mettendo in scena il balletto Raymonda di Glazunov. Le sue idee innovative furono raccolte dal giovane Mikhail Fokin, che mise in scena al Teatro Mariinsky il padiglione Armide di Tcherepnin, Il cigno di Saint-Saens, Chopiniana sulla musica di Chopin, nonché balletti creati a Parigi: Scheherazade sulla musica di Rimsky-Korsakov, The L'uccello di fuoco e Petrushka di Stravinskij. Il Teatro Mariinsky è stato ricostruito più volte. Nel 1885, quando la maggior parte degli spettacoli furono trasferiti sul palco del Mariinsky prima della chiusura del Teatro Bolshoi, Viktor Schreter, l'architetto capo dei teatri imperiali, aggiunse un edificio a tre piani all'ala sinistra dell'edificio per il teatro. officine, sale prove, una centrale elettrica e un locale caldaia. Nel 1894, sotto la guida di Schroeter, le travi di legno furono sostituite con acciaio e cemento armato, furono costruite ali laterali e gli atri per gli spettatori furono ampliati. Anche la facciata principale fu ricostruita e acquisì forme monumentali. Nel 1886, gli spettacoli di balletto, che fino a quel momento avevano continuato ad essere messi in scena al Teatro Bolshoi Kamenny, furono trasferiti al Teatro Mariinsky. E sul sito di Bolshoy Kamenny fu eretto l'edificio del Conservatorio di San Pietroburgo. Con un decreto governativo del 9 novembre 1917, il Teatro Mariinsky fu dichiarato Teatro di Stato e trasferito sotto la giurisdizione del Commissariato popolare per l'Istruzione. Nel 1920 iniziò a chiamarsi Teatro accademico statale dell'opera e del balletto (GATOB) e dal 1935 prese il nome da S. M. Kirov. Insieme ai classici del secolo scorso, negli anni '20 e all'inizio degli anni '30 apparvero sul palcoscenico teatrale opere moderne: L'amore per le tre arance di Sergei Prokofiev, Wozzeck di Alban Berg, Salome e Der Rosenkavalier di Richard Strauss; nascono balletti che affermano una nuova direzione coreografica popolare da decenni, il cosiddetto balletto drammatico - Il papavero rosso di Reinhold Gliere, Le fiamme di Parigi e La fontana di Bakhchisarai di Boris Asafiev, Laurencia di Alexander Crane, Romeo e Giulietta di Sergei Prokofiev, ecc. L'ultima prima dell'opera prebellica al Teatro Kirov fu Lohengrin di Wagner, la cui seconda rappresentazione terminò nella tarda serata del 21 giugno 1941, ma le rappresentazioni previste per il 24 e 27 giugno furono sostituite da Ivan Susanin. Durante la Grande Guerra Patriottica, il teatro fu evacuato a Perm, dove ebbero luogo le prime di numerosi spettacoli, inclusa la prima del balletto Gayane di Aram Khachaturian. Al ritorno a Leningrado, il teatro aprì la stagione il 1 settembre 1944 con l'opera Ivan Susanin di Glinka. Negli anni 50-70. il teatro ha messo in scena balletti famosi come Shurale di Farid Yarullin, Spartacus di Aram Khachaturian e I dodici di Boris Tishchenko con la coreografia di Leonid Yakobson, Il fiore di pietra di Sergei Prokofiev e Legend of Love di Arif Melikov con la coreografia di Yuri Grigorovich, La sinfonia di Leningrado di Dmitry Shostakovich nella coreografia di Igor Belsky, insieme alla messa in scena di nuovi balletti, i classici del balletto sono stati accuratamente preservati nel repertorio del teatro. Opere di Prokofiev, Dzerzhinsky, Shaporin, Khrennikov sono apparse nel repertorio operistico insieme a Čajkovskij, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Verdi, Bizet. Nel 1968-1970. Secondo il progetto di Salome Gelfer fu eseguita una ricostruzione generale del teatro, a seguito della quale l'ala sinistra dell'edificio fu “allungata” e acquisì la forma attuale. Una tappa importante nella storia del teatro negli anni '80 è stata la produzione delle opere di Čajkovskij "Eugene Onegin" e "La regina di picche", realizzata da Yuri Temirkanov, che diresse il teatro nel 1976. In queste produzioni, che sono ancora conservate nel repertorio del teatro, si afferma una nuova generazione di artisti. Nel 1988 Valery Gergiev divenne il direttore principale del teatro. Il 16 gennaio 1992 il teatro è stato restituito al suo nome storico: Mariinsky. E nel 2006, la troupe e l'orchestra del teatro hanno avuto a loro disposizione la sala da concerto costruita su iniziativa del direttore artistico del Teatro Mariinsky Valery Gergiev in via Dekabristov 37. Fonte: Teatro Mariinsky

La Royal Opera House "Covent Garden" (Royal Opera House "Covent Garden") è un teatro a Londra, nel Regno Unito, che funge da sede per spettacoli di opera e balletto, palcoscenico della London Royal Opera e del London Royal Ballet. Si trova nella zona di Covent Garden, da cui ha preso il nome. Inizialmente, c'erano diverse compagnie indipendenti al Covent Garden, insieme a spettacoli drammatici, musicali e di balletto e venivano organizzati spettacoli circensi. Entro la metà del XVIII secolo, il posto principale sul palcoscenico del teatro era occupato da spettacoli musicali e dal 1847 furono messe in scena solo opere e balletti. Il moderno edificio del teatro è il terzo consecutivo, situato in questo sito. Fu costruito nel 1858 e ha subito una radicale ristrutturazione negli anni '90. La Royal Opera Hall può ospitare 2268 spettatori ed è composta da quattro livelli. La larghezza del boccascena è di 12,2 m, l'altezza è di 14,8 m. su iniziativa del regista e impresario John Rich e inaugurato il 7 dicembre 1732 con uno spettacolo basato sull'opera teatrale di William Congreve "Così fa il mondo" (Ing. The Way of the World). Prima dello spettacolo, gli attori sono entrati nel teatro in una solenne processione, portando Rich in braccio. Per quasi un secolo, il Covent Garden Theatre fu uno dei due teatri londinesi, poiché nel 1660 il re Carlo II permise la messa in scena di spettacoli drammatici solo in due teatri (l'altro era il non meno famoso Drury Lane Theatre). Nel 1734, il primo balletto, Pigmalione, fu messo in scena al Covent Garden, con Marie Salle nel ruolo principale, che ballava, contrariamente alla tradizione, senza corsetto. Alla fine del 1734, l'opera cominciò ad essere rappresentata a Covent Garden - principalmente le opere di George Frideric Handel, l'ex direttore musicale del teatro: la sua prima opera, anche se pesantemente rivista, Il pastore fedele (italiano: Il pastor fido) fu messa in scena per prima, poi nel gennaio 1735 seguirono una nuova opera, Ariodant, e altre. Nel 1743 qui fu eseguito l'oratorio "Il Messia" di Handel, e in seguito l'esecuzione di oratori su temi religiosi durante la Grande Quaresima divenne una tradizione nel teatro. Qui sono state rappresentate per la prima volta le opere del compositore Thomas Arn e quelle di suo figlio. Nel 1808 il primo teatro di Covent Garden fu distrutto da un incendio. Il nuovo edificio teatrale fu eretto nei primi nove mesi del 1809 secondo il progetto di Robert Smork e inaugurato il 18 settembre con una rappresentazione di Macbeth. La direzione del teatro ha aumentato il prezzo dei biglietti per recuperare il costo del nuovo edificio, ma per due mesi il pubblico ha interrotto gli spettacoli con continue urla, applausi e fischi, a seguito dei quali la direzione del teatro è stata costretta a riportare i prezzi al livello precedente. Nella prima metà del XIX secolo, sul palco di Covent Garden si alternavano opere, balletti, spettacoli drammatici con la partecipazione degli eccezionali tragici Edmund Kean e Sarah Siddons, pantomime e persino clownerie (qui si esibì il famoso clown Joseph Grimaldi). La situazione cambiò dopo che, nel 1846, a seguito di un conflitto all'Her Majesty's Theatre, la London Opera House, una parte significativa della sua compagnia, guidata dal direttore d'orchestra Michael Costa, si trasferì a Covent Garden; la sala fu ricostruita e il 6 aprile 1847 il teatro riaprì sotto il nome di Royal Italian Opera con una produzione dell'opera Semiramide di Rossini. Tuttavia, meno di nove anni dopo, il 5 marzo 1856, il teatro bruciò per la seconda volta. Il terzo teatro di Covent Garden fu costruito nel 1857-1858. progettato da Edward Middleton Barry e inaugurato il 15 maggio 1858 con una produzione di Les Huguenots di Meyerbeer. Durante la Prima Guerra Mondiale il teatro fu requisito e utilizzato come magazzino. Durante la seconda guerra mondiale l'edificio del teatro era dotato di una sala da ballo. Nel 1946, l'opera tornò tra le mura del Covent Garden: il 20 febbraio il teatro aprì con La bella addormentata nel bosco di Čajkovskij in una stravagante produzione di Oliver Messel. Allo stesso tempo iniziò la creazione di una compagnia d'opera, per la quale il Covent Garden Theatre sarebbe diventato un palcoscenico, il 14 gennaio 1947, la Covent Garden Opera Company (la futura Royal Opera House di Londra) presentò qui l'opera Carmen di Bizet .

Il Teatro musicale da camera accademico statale di Mosca intitolato a B.A. Pokrovsky è uno dei teatri musicali russi più famosi e ricercati in tutto il mondo. Si trova nell'edificio del già famoso complesso "Slavianski Bazaar", dove nel 1897 si tenne lo storico incontro di K.S. Stanislavsky e Vl.I. È così che lo stesso Boris Alexandrovich Pokrovsky descrive la storia della creazione del teatro nel libro "La mia vita è un palcoscenico": "... tutto è accaduto grazie agli sforzi attivi del destino - a Mosca hanno deciso di riformare una piccola opera "Un gruppo che ha girato la Russia e ha distribuito in abbondanza ottimi lavori di hacking sotto il marchio di spettacoli d'opera. Ho chiesto aiuto nella riorganizzazione del teatro. Ho potuto aiutare il teatro solo mettendo in scena uno spettacolo per loro. Dopo l'inevitabile proiezione, una piccola manciata rimasero persone che non potevano essere in alcun modo un teatro, ma solo un ensemble da camera. Allo stesso tempo, apparve una piccola opera dell'allora giovane compositore Rodion Shchedrin "Non solo amore", che già affascinava nella partitura ... e abbiamo provato questo piccolo capolavoro con un ensemble da camera. Lo spettacolo è stato rappresentato sul palco del Teatro drammatico intitolato a K.S. Stanislavskij e del teatro musicale da camera Vl.I. Quando Pokrovsky fondò il Teatro musicale da camera nel 1972, non aveva ancora i propri locali e le prime rappresentazioni: "Non solo amore" di Rodion Shchedrin, "Molto rumore a causa di ... cuori" di Tikhon Khrennikov, "Il falco di Federigo degli Alberighi" di Dmitry Bortnyansky si sono esibiti in diverse sedi a Mosca. E solo due anni dopo, nel 1974, il teatro ricevette un permesso di soggiorno permanente. Un ruolo importante in questo è stato svolto dal sostegno dei compositori T.N. Khrennikov (a quel tempo il Primo Segretario dell'Unione dei Compositori dell'URSS) e D.D. Shostakovich. La troupe del giovane teatro fu rifornita dai Gitisovites, studenti del corso di recitazione, guidati da B.A. Pokrovsky. Il punto di svolta nella vita del giovane gruppo teatrale: il 12 settembre 1974 fu la prima dell'opera "The Nose" di D. D. Shostakovich - un capolavoro insuperabile del regista e "biglietto da visita" del Teatro musicale da camera. Il direttore musicale del teatro diventa il direttore d'orchestra, l'artista popolare dell'URSS Gennady Rozhdestvensky. Fin dai primi giorni il teatro divenne un vero e proprio e per molti anni l'unico laboratorio dell'opera moderna nel Paese e allo stesso tempo un pioniere delle rarità operistiche. Nessuno avrebbe potuto immaginare che il piccolo seminterrato del Sokol sarebbe diventato uno dei principali centri culturali non solo a Mosca, ma in tutto il mondo. Per vedere le esibizioni leggendarie, la gente veniva da tutto il paese. Qui il Maestro ha creato capolavori - opere classiche e moderne raramente eseguite: "Il naso" di Shostakovich, "Le avventure del libertino" di Stravinskij, "Don Giovanni o il libertino punito" e "Il direttore del teatro" di Mozart, "Azione di Rostov" " del metropolita Dimitri di Rostov ... In questo teatro sono state eseguite per la prima volta opere di compositori contemporanei che sono già diventati dei classici: "Il soprabito", "Carrozza", "Il matrimonio", "I fratelli Karamazov" di Kholminov, "La vita con un idiota" di Schnittke, "Conte Cagliostro" di Tariverdiev, "Povera Lisa" di Desyatnikov, "Bugiardo e soldato rosso" Ganelin, "Canto del cigno" Kobekin, "Povera gente" Sedelnikov; opere europee antiche e poco conosciute: Lo speziale di Haydn, Giocando sull'acqua di Britten, ecc. Dal 2010, il teatro ha stabilito una tradizione: ogni anno, nel giorno del compleanno del Maestro, si tiene uno spettacolo retrospettivo delle sue esibizioni. La direzione e il team creativo del teatro mantengono il nome del fondatore e seguono le sue idee, che ha lasciato in eredità nei suoi numerosi libri e pubblicazioni, restaurando con cura e attenzione l'eredità del brillante regista per i posteri. E il festival annuale delle esibizioni di Boris Pokrovsky ne sarà una conferma. Recensioni del pubblico del Teatro musicale da camera Pokrovsky di Mosca: Studenti dell'Istituto di architettura di Mosca (#106 / 23 maggio 2011 alle 21:32) Il 21 maggio a teatro abbiamo assistito a un'opera drammatica del compositore Giacomo Puccini. Esecuzione eccellente e dal vivo. Tutto è al top: la scenografia, la luce, il gioco, le voci degli attori. Non ricevevo una tale tempesta di emozioni dallo spettacolo da molto tempo! E si preoccupavano e piangevano. Solo per il bene di tali shock emotivi vale la pena andare a teatro. Grazie a maestri come Yulia Moiseeva (Georgetta), Nikolai Shchemlev (Michele), Leonid Kazachkov (Luigi). Credi davvero nella storia che gli artisti mostrano. Lo spettacolo è volato tutto d'un fiato e non c'era una sola scena noiosa: tutto era messo in scena così bene. È inaccettabile assistere a uno spettacolo del genere una volta. Devi assolutamente vederlo e valutarlo di nuovo, come "entrare nell'argomento", francamente, non funziona la prima volta. Quindi ci tornerò sicuramente. Mille grazie al direttore d'orchestra Vladimir Agronsky, al regista Igor Merkulov e a tutti gli artisti che portano lo spettatore lontano dalla quotidianità e dalla quotidianità, nel mondo delle passioni, degli intrighi e degli sconvolgimenti. Olga (#95 / 07 maggio 2011 alle 00:22) Il 4 maggio era al "Flauto Magico". Quando entri nella sala, senti i suoni di un flauto e vedi lo scenario di una terra magica, appare subito un'atmosfera speciale, il desiderio di toccare il bello, di grande musica, di grande opera, di goderne appieno. Strano, per qualche motivo non pensavo che avrebbero cantato in tedesco. Ma quanto è bello! E non avevo nemmeno bisogno di un tabellone elettronico, dove viene visualizzata la traduzione russa e tutto è chiaro. Ouverture. Sul palco compaiono tutti gli eroi dell'opera, le forze della luce e dell'oscurità, saggi e astuti, divertenti e maestosamente seri. E soprattutto Mozart. Il suo genio. Delle coppie di eroi, ricordo di più Pamina-Olesya Starukhina e Papageno-Andrei Tsvetkov-Tolbin. Pamina è così vivace, tenera, amorevole, con le lacrime agli occhi quando canta della morte, ma allo stesso tempo dispettosa, allegra, sorella maggiore, che perdona gli scherzi infantili di Papageno. Mi sembra che un personaggio comico sia molto più difficile da interpretare di un principe ideale. Dopotutto, in questo ruolo, l'importante è trovare una linea sottile, per non trasformarsi in una farsa, ma allo stesso tempo far ridere, conquistare il pubblico. Andrey Tsvetkov è riuscito brillantemente. Il suo eroe è un bambino allegro, irrequieto, giocoso, ma allo stesso tempo molto sincero. La Regina della Notte, Tatyana Fedotova, mi ha conquistato con la sua voce! Bravo! Aria della Regina della Notte... proprio senza parole! Favoloso! Mi è piaciuto molto il trio di Ladies: Alexandra Martynova, Tatyana Vetrova e Maria Patrusheva. Voci così diverse, così affascinanti, così sonore! Il secondo prete, Edem Ibraimov, all'inizio mi ha spaventato un po', o meglio, ho provato un sentimento di rispetto, riverenza, dopo tutto il prete: un volto severo, gesti maestosi. Ma poi ho sorriso: i duetti con Papageno sono così emozionanti, sembra che gli attori stessi traggano grande piacere da queste scene! Peccato che non siano indicati i nomi delle attrici che hanno interpretato le parti dei ragazzi. Volti così puliti, sorrisi aperti e infantili! I costumi mi hanno affascinato, soprattutto quello della Regina della Notte e di Sarastro. L'immagine di Sarastro si è rivelata così maestosa! Pamina sembrava davvero una ragazzina accanto a lui. Ancora una volta, come dopo DSCH, camminava per la strada e canticchiava melodie. Non riuscivo nemmeno a sentire nulla nella metropolitana: i suoni dell'opera erano nascosti in tutti i suoni del trasporto sotterraneo. Tutte le informazioni dal sito ufficiale del teatro - www.opera-pokrovsky.ru

Il Teatro Goldoni (Teatro Goldoni) è uno dei teatri d'opera più importanti e più antichi di Venezia, Italia. Il teatro risale al 1622, ha cambiato nome più volte e si trova nel centro storico di Venezia, non lontano dal Ponte di Rialto. Il teatro è gestito ed è il palcoscenico principale della compagnia lirica Teatro Stabile del Veneto. Storicamente tutti i principali teatri veneziani erano di proprietà di importanti famiglie patrizie, ad esempio, i teatri oggi conosciuti come Teatro Malibran e Teatro San Benedetto erano di proprietà della famiglia Grimani, il Teatro La Fenice apparteneva alla famiglia Venier. Insieme ai teatri privati ​​di Venezia, nel 1637 fu costruito il primo teatro lirico pubblico al mondo, San Cassiano. La famiglia Vendramin possedeva un teatro oggi chiamato Goldoni. Il teatro fu costruito nel 1622 e inaugurato dal comico Antonio Ciofo, nel corso della sua storia il teatro cambiò più volte nome, fu teatro di Vendramin, San Luca, San Salvatore, Apollo, finché nel 1875 ricevette il nome attuale dal nome del drammaturgo Carlo Goldoni. Nel 1652 (dopo un incendio) e nel 1684 l'edificio del teatro fu restaurato due volte. In questo primo periodo della sua esistenza il teatro mise in scena soprattutto opere liriche, ma nel Settecento ospitò soprattutto rappresentazioni drammatiche. Negli anni venti del Settecento il Teatro di San Luca fu ricostruito e ribattezzato Teatro di Apollo. Questo edificio è sopravvissuto fino ad oggi. Nel 1752 i proprietari del teatro poterono assumere come direttore del teatro Carlo Goldoni, allora considerato il drammaturgo più famoso di Venezia. Questo fu un evento importante nella vita teatrale della città e, forse, il periodo stellare del teatro. Tuttavia, lo stesso allora proprietario del teatro cercò di prendere parte direttamente alla gestione e alla produzione degli spettacoli, e per questo motivo ebbe un rapporto difficile e frequenti litigi con il regista assunto. Carlo Goldoni lasciò il teatro e Venezia nel 1761 per Parigi. Nel XIX secolo il teatro subì numerose ricostruzioni e restauri, tra i più importanti il ​​rifacimento nel 1818 sotto la direzione dell'architetto Giuseppe Borsato, nel 1826 venne installata nel teatro, presumibilmente per la prima volta in Italia, l'illuminazione a gas, nel 1833 il la ristrutturazione degli interni è stata eseguita sotto la direzione del progettista Francesco Banara. Nel 1875, in occasione della celebrazione del compleanno del drammaturgo, il teatro fu ribattezzato Teatro Carl Goldoni. La famiglia Vendramin fu proprietaria del teatro fino al 1937, quando divenne proprietà comunale. Nel 1957 il teatro chiuse per usura. Nel 1979, dopo un'importante ricostruzione, il teatro ristrutturato ha riaperto le sue porte. Il Teatro Goldoni è un tipico teatro italiano del XVIII secolo, a quattro ordini, con una capienza di 800 persone, con un palco largo 12 metri e lungo 11 metri. Attualmente ospita spettacoli di prosa, spettacoli d'opera, feste per bambini e altri eventi organizzati dalla compagnia lirica Teatro Stabile del Veneto.

Il Teatro statale dell'Opera e del Balletto di Voronezh ha fatto molta strada nel suo sviluppo. Nel settembre 1931, a Voronezh iniziò ad operare un teatro di commedia musicale, organizzato sulla base di un team della comunità di artisti professionisti, guidato dal talentuoso organizzatore, regista e attore Lazar Arkadyevich Lazarev. All'inizio degli anni '30 del secolo scorso, Voronezh era il centro della regione centrale di Chernobyl, che comprendeva città che in seguito divennero centri regionali: Kursk, Oryol, Tambov, Lipetsk. Uno dei principali compiti creativi del Teatro della commedia musicale di Voronezh era quello di servire i lavoratori della regione di Chernozem. A quel tempo, il repertorio del teatro comprendeva non solo operette classiche, ma anche commedie musicali moderne. L'alto livello degli artisti ha contribuito al fatto che le esibizioni sono sempre state un grande successo. Nel 1958, la relazione creativa del teatro ebbe luogo a Mosca. È stato un successo ed è stato molto apprezzato dal pubblico e dalla comunità musicale della capitale. Durante il tour, il presidente dell'Unione dei compositori dell'URSS T.N. Khrennikov ha proposto di riorganizzare il teatro della commedia musicale nel teatro musicale. Questa proposta è stata sostenuta dal Ministero della Cultura e dalla leadership della regione di Voronezh. La decisione di riorganizzare il Teatro della Commedia Musicale in Teatro Musicale fu presa nel 1960. La prima rappresentazione che segnò la nascita di un nuovo teatro a Voronezh fu l'opera di P. Tchaikovsky "Eugene Onegin", messa in scena dal primo direttore principale del teatro V. Timofeev. La prima ebbe luogo il 25 febbraio 1961. Questa data è il compleanno del teatro. La compagnia di balletto guidata dal talentuoso coreografo T. Ramonova ha iniziato il suo viaggio nella grande arte con lo spettacolo "Il lago dei cigni". Negli anni sessanta, nel teatro lavoravano registi creativi di talento, ampiamente conosciuti nel paese: regista - Artista popolare della Bielorussia S.A. Stein, coreografo capo - Operaio d'arte onorato della Bielorussia K.A. Muller, l'artista principale - Operaio d'arte onorato della RSFSR V.L. Tsybin. Il periodo di formazione creativa della giovane squadra è associato al nome dell'Artista popolare della RSFSR, vincitore dei premi statali Anatoly Alekseevich Lyudmilin - un eccellente direttore d'orchestra, un insegnante sensibile e un organizzatore di talento. Ha creato le basi del repertorio classico dell'opera e del balletto in teatro e si è ripetutamente rivolto alle opere dei suoi contemporanei. Sotto la sua guida furono messe in scena più di 10 rappresentazioni, tra cui "Aida", "Rigoletto", "La Traviata" di G. Verdi, "Carmen" di G. Bizet, "Tosca" e "Cio-Cio-San" di G. Puccini, "La dama di picche" P. Čajkovskij, "Il demone" di A. Rubinshtein, "Lud Hydia" del compositore bulgaro P. Khadzhiev, "Gli anni di fuoco" di A. Spadavekkia. Nel 1967, l'artista popolare dell'URSS Yaroslav Antonovich Voshchak fu invitato alla carica di direttore principale. Ha continuato le tradizioni di A. Lyudmilin, la principale delle quali è l'alta cultura musicale del teatro. Le opere Mazeppa di P. Čajkovskij, Il trovatore di G. Verdi e La donna russa di K. Molchanov da lui messe in scena sono diventate veri e propri eventi teatrali, accompagnati dall'amore del pubblico e dall'alto apprezzamento della critica. Sotto Ya.A.Voshchak nel 1968 il teatro musicale fu ribattezzato Teatro statale dell'opera e del balletto di Voronezh. Negli anni '70, un ruolo significativo nella vita creativa del teatro fu svolto dai direttori principali, l'Artista Onorato della SSR kazaka I.Z. Ostrovsky e l'Artista Onorato della Federazione Russa V.G. coreografo - Operaio d'arte Onorato della Federazione Russa G.G. Malkhasyants, artista capo - N.I. Kotov, maestro del coro, artista onorato della Federazione Russa L.L. Ditko. Negli anni '90 arrivò una nuova leadership: il direttore principale, Onorato Operaio d'Arte della Federazione Russa, Yu.P. Anisichkin, direttore principale Operaio d'arte onorato della Federazione Russa A.N. Zykov, artista capo Operaio d'arte onorato della Federazione Russa VG Kochiashvili. Per più di 10 anni, il direttore artistico del balletto è stato l'artista popolare della Federazione Russa N.G. Valitova. Nel 1999, il coro era diretto dal vincitore dei concorsi internazionali V.K.Kushnikov. Dal giorno dell'inaugurazione sul palcoscenico del teatro sono state messe in scena più di 200 rappresentazioni, compreso l'intero repertorio popolare di opera classica e balletto. Fin dai primi anni di attività, il teatro ha considerato un compito importante nella formazione del repertorio di una combinazione organica di tradizioni classiche con tendenze moderne nell'arte musicale e teatrale. Il riconoscimento di tutta l'Unione è stato ricevuto per la prima volta sul palco di Voronezh dalle opere "Figlia di Cuba" di K. Listov, "Fortezza di Brest" e "Donna russa" di K. Molchanov, "Il diario di Anne Frank" di G. Frida. La produzione dell'opera "Brest Fortress" (regista S. Stein, direttore d'orchestra G. Orlov, artista V. Tsybin, maestro del coro V. Izhogin) ha ricevuto un'ampia risposta. Sia la stampa metropolitana che quella locale hanno notato non solo le capacità vocali degli artisti, ma anche l'abilità artistica di alta classe, che ha permesso di creare immagini di eroi viventi. Lo spettacolo ha ricevuto un diploma onorario al concorso teatrale All-Union. Il teatro lavora in stretto contatto con i compositori di Voronezh. Nel 1971, la prima del balletto "La canzone dell'amore trionfante" sulla musica del compositore e direttore d'orchestra del teatro M. Nosyrev basato sul lavoro di I. Turgenev. Lo spettacolo è stato molto apprezzato dalla critica e dal pubblico ed è rimasto nel repertorio per più di 10 anni (direttore M. Nosyrev, coreografo D. Aripova, artista B. Knoblok). In collaborazione con il compositore G. Stavonin, la prima opera di Voronezh "Oleko Dundich" (1972), che T.N. Khrennikov definì "un evento meraviglioso nella vita musicale del paese", e il balletto-sinfonia "Il racconto della terra russa " (1982) furono messi in scena. In occasione del 400° anniversario di Voronezh e del 300° anniversario della flotta militare russa nel 1986, il teatro ha messo in scena l'opera di G. Stavonin “Vivat, Russia!” Oggi il repertorio del teatro comprende più di 40 titoli: classici russi e stranieri, opere dei nostri contemporanei. Negli ultimi decenni, solisti di opera e balletto hanno lavorato nel teatro, ampiamente conosciuto nel paese, meritando il riconoscimento del loro talento: solisti d'opera, artisti popolari della Federazione Russa E. Poimanov, S. Kadantsev, artisti onorati della RSFSR F Sebar, A. Matveeva, L. Kondratenko, E .Svetlova, V.Ryzvanovich, Y. Danilova (Artista popolare della Buriazia), I. Monastyrnaya, V. Egorov, B. Erofeev, I. Denisov, I. Nepomnyashchiy, G Kolmakov; solisti di balletto Artisti popolari della Federazione Russa N. Valitova, A. Golovan, M. Leonkina - vincitrice di concorsi internazionali di ballerini a Mosca, Parigi, Varna, il suo nome è stato incluso nel libro "I migliori interpreti di Giselle" pubblicato in gli Stati Uniti, artisti onorati della Federazione Russa L. Maslennikova, S. Kurtosmanova, V. Dragavtsev. Giovani artisti vengono a teatro ogni anno: i diplomati dell'Accademia delle arti di Voronezh e dei conservatori del paese si uniscono alla compagnia d'opera, alla Scuola coreografica di Voronezh - al balletto, al Collegio musicale di Voronezh Rostropovich - all'orchestra teatrale e al coro. La geografia delle tournée del teatro è ampia. L'arte degli abitanti di Voronezh è stata applaudita in Germania, Spagna, Repubblica Ceca, Polonia, Austria, Giappone, Finlandia e paesi africani. Nel 1996 in Francia, il balletto La Bella Addormentata è stato rappresentato in 38 città e nel 1997 e 1999 è andato in tournée in India. Dal 2000, il Balletto di Voronezh è stato in tournée in Olanda, Germania e Belgio con spettacoli di Giselle, Lo Schiaccianoci e La Bella Addormentata. Nel maggio 2005, la compagnia di balletto ha preso parte al Festival Internazionale dedicato all'opera di Pyotr Tchaikovsky, che si è tenuto in Germania. Nel 2006 e nel 2009, il teatro è stato in tournée negli Stati Uniti e in Canada, dove hanno presentato i balletti Cenerentola di S. Prokofiev, Giselle di A. Adam e Le mille e una notte di F. Amirov. Spettacoli d'opera Il trovatore (direttore Mechislav Nowakovsky (Polonia), regista A. Zykov), Otello (direttore Yu. Anisichkin, regista F. Safarov), La dama di picche (direttore Yu. Anisichkin, diretto da A. Zykov) sono stati proiettati nei Paesi Bassi nel 1999 e nel 2001. Il Teatro dell'Opera e del Balletto di Voronezh, l'unico nella regione centrale di Chernozem, ha il compito di promuovere l'opera e l'arte del balletto in tutte le aree della regione, organizzando spettacoli in visita, espandendo costantemente la geografia dei tour. Compagnia d'opera del Teatro statale dell'opera e del balletto di Voronezh Coloratura soprani Ekaterina Gavrilova Artista onorata della Federazione Russa Lyudmila Marchenko Elena Petrichenko vincitrice del concorso internazionale Elena Povolyaeva Elena Seregina Kristina Panova Oksana Shaposhnikova Soprano vincitrice del concorso panrusso Alexandra Dobrolyubova Galina Kunakovskaya Olga Maksimenko Artista popolare della Federazione Russa Zoya Mitrofanova Irina Romanovskaya Nina Skrypnikova Artista in scatola della Federazione Russa Alexandra Tyrzuu Vincitrice del Concorso Internazionale Lyudmila Solod Natalia Tyutyuntseva Anastasia Chernovolos Mezzo - soprano Tatyana Kibalova Vincitrice del Concorso Internazionale Yelena Knyazeva Yulia Pronyaeva Tenori Laureata del Concorso Internazionale Concorsi Dmitry Bashkirov Evgeny Belov Alexei Ivanov Artista onorato della Federazione Russa Yury Kraskov Artista onorato della Federazione Russa Mikhail Syrov Igor Khodyakov Baritoni Artista onorato della Federazione Russa Alexander Anikin Leonid Vorobyov Oleg Guryev Vincitore di concorsi internazionali e panrussi Igor Gornostaev Sergey Meshchersky Alexei Tyukhin Vincitore del diploma del Concorso Internazionale Roman Dyudin Basy Nikolai Dyachok Artista onorato della Federazione Russa Alexander Nazarov Artista onorato della Buriazia Mikhail Turchanis Ivan Chernyshov Direttore della compagnia d'opera Nadezhda Kopytina Registi Alfred Melukha Sofya Shalagina Assistente alla regia, spettacolo principale Operaio onorato della cultura del Federazione Russa Tatyana Kolesnichenko Diploma di accompagnatrice vincitrice del Concorso nazionale Svetlana Andreeva Victoria Maryanovskaya Anatoly Maltsev Fonte: http://theatre.vzh.ru/

Il Teatro Carlo Felice è il principale teatro lirico di Genova, in Italia. Il teatro si trova nel centro della città, vicino a Piazza Ferrari ed è uno dei simboli della città: davanti al teatro è installato il monumento equestre a Giuseppe Garibaldi. La decisione di costruire un nuovo teatro d'opera a Genova fu presa nel 1824, quando divenne chiaro che i teatri cittadini esistenti non soddisfacevano le esigenze della città. Il nuovo teatro avrebbe dovuto stare nella stessa fila e competere con i migliori teatri d'opera d'Europa. Fu indetto un concorso di architettura, in cui fu scelto il progetto dell'edificio del teatro dell'opera dall'architetto locale Carlo Barbarino, poco dopo, per costruire il palco e la sala fu inoltre invitato il famoso milanese Luigi Canonica, che aveva già partecipato a diversi grandi progetti: il restauro della Scala, la costruzione di teatri a Milano, Cremona, Brescia, ecc. Per il teatro fu scelto un luogo sul quale sorgevano l'ex convento domenicano e la chiesa di San Domenico. Questo complesso monastico, fin dal XIII secolo, è noto per la sua imponenza architettonica e per le preziose opere d'arte per la decorazione interna. Alcuni sostengono che il monastero sia stato “sacrificato” al teatro, ma ciò non è vero. Ai tempi del “Regno d'Italia” di Napoleone, nel monastero si trovavano le caserme e i magazzini del suo esercito. Il complesso era molto fatiscente e nel 1821, secondo il piano di ricostruzione della città, fu completamente demolito e nel 1824 fu presa la decisione di costruire un teatro. La prima pietra del nuovo edificio fu posta il 19 marzo 1826. L'inaugurazione ebbe luogo il 7 aprile 1828, anche se la costruzione e la decorazione non erano del tutto finite. La prima opera sulla scena teatrale è stata "Bianca e Fernando" di Vincenzo Belinni. Il teatro è intitolato al duca Carlo Felice di Savoia, sovrano di Genova. La sala a cinque livelli poteva ospitare circa 2500 spettatori. Negli anni successivi il teatro fu restaurato più volte, nel 1852 fu installata l'illuminazione a gas, nel 1892 quella elettrica. Per quasi quarant'anni, a partire dal 1853, Giuseppe Verdi trascorse gli inverni a Genova e mise più volte in scena le sue opere al Teatro Carlo Felice. Nel 1892, dopo una ricostruzione per celebrare il 400° anniversario della scoperta dell'America da parte di Cristoforo Colombo (Genova contesta il diritto di essere considerata la piccola patria di Colombo), fu chiesto a Verdi di comporre un'opera adatta a questo evento e di metterla in scena nella teatro, ma rifiutò, adducendo la sua età avanzata. Il teatro Carlo Felice fu costantemente aggiornato e rimase in buono stato fino alla seconda guerra mondiale. Il primo danno avvenne nel 1941, quando il tetto dell'edificio fu distrutto dai bombardamenti delle truppe alleate e il singolare dipinto del soffitto dell'auditorium fu gravemente danneggiato. Poi nell'agosto del 1943, dopo essere stati colpiti da una bomba incendiaria, i locali del backstage bruciarono, le scene e i camerini furono distrutti, ma l'incendio non colpì la sala principale, purtroppo in quel periodo il teatro soffrì maggiormente di ladri che rubarono molte cose preziose. Finalmente, nel settembre del 1944, dopo un bombardamento aereo, del teatro rimasero praticamente solo le mura. Il teatro, riparato frettolosamente, continuò la sua attività per tutto questo tempo e vi si esibì anche Maria Callas. I piani per un importante restauro dell'edificio teatrale iniziarono nel 1946. Nel 1951 fu selezionato un progetto sulla base di un concorso, ma non venne mai realizzato. Il teatro fu chiuso all'inizio degli anni '60 a causa del degrado. Nel 1963 il famoso architetto Carlo Scarpa fu incaricato di elaborare un progetto di ricostruzione, ma ritardò i lavori e il progetto fu pronto solo nel 1977, tuttavia, a causa della morte inaspettata dell'architetto nel 1978, il progetto fu interrotto. Il progetto successivo fu adottato nel 1984, Aldo Rossi fu scelto come architetto principale del nuovo teatro Carlo Felice. Il filo conduttore principale degli sviluppatori è stata la combinazione di storia e modernità. Sono state lasciate le pareti del vecchio teatro e la facciata con bassorilievi, così come alcuni elementi della decorazione interna, che sono riusciti ad inserirsi nei nuovi interni, tuttavia, per la maggior parte il teatro è stato ricostruito ex novo. Il 7 aprile 1987 fu posta la prima pietra del nuovo teatro. Dietro il vecchio teatro, è stato aggiunto un nuovo grattacielo che ospita palchi, controlli di piattaforme mobili, sale prove e camerini. L'auditorium stesso si trova nel teatro "vecchio", l'obiettivo degli architetti era ricreare l'atmosfera dell'antica piazza del teatro, quando gli spettacoli si tenevano in strada nel centro della città. Pertanto, sulle pareti dell'atrio sono state realizzate finestre e balconi, imitando le pareti esterne degli edifici, e il soffitto è punteggiato da un "cielo stellato". Il 18 ottobre 1991 si alzò finalmente il sipario del Teatro Carlo Felice, il primo spettacolo di apertura della stagione fu Il trovatore di Giuseppe Verdi. Il Teatro Carlo Felice è uno dei teatri d'opera più grandi d'Europa, con una capienza di 2000 posti nella sala principale.

Il Teatro accademico di opera e balletto di Samara è un teatro musicale a Samara, in Russia. Il Teatro accademico dell'opera e del balletto di Samara è uno dei più grandi teatri musicali russi. L'inaugurazione del teatro ebbe luogo il 1 giugno 1931 con l'opera Boris Godunov di Mussorgsky. All'inizio c'erano eccezionali musicisti russi: uno studente di Taneyev e Rimsky-Korsakov, il direttore d'orchestra e compositore Anton Eikhenvald, il direttore del Teatro Bolshoi Ariy Pazovsky, il famoso direttore d'orchestra russo Isidor Zak, il direttore del Teatro Bolshoi Iosif Lapitsky. Maestri come i direttori d'orchestra Savely Bergolts, Lev Ossovsky, il regista Boris Ryabikin, i cantanti Alexander Dolsky, l'artista popolare della SSR ucraina Nikolai Poludyonny, l'artista popolare russo Viktor Chernomortsev, l'artista popolare della RSFSR, futura solista del Teatro Bolshoi Natalya Shpiller, Larisa Boreiko e molti altri. La compagnia di balletto era guidata da Evgenia Lopukhova, solista del Teatro Mariinsky, partecipante alle leggendarie stagioni di Diaghilev a Parigi. Ha aperto una serie di brillanti coreografi di San Pietroburgo che in diversi anni hanno diretto il balletto Samara. I maestri di ballo del Teatro Samara erano la talentuosa coreografa, allieva di Agrippina Vaganova Natalya Danilova, la leggendaria ballerina di San Pietroburgo Alla Shelest, solista del Teatro Mariinsky Igor Chernyshev, artista popolare dell'URSS Nikita Dolgushin. Il teatro sta rapidamente guadagnando repertorio. Le produzioni degli anni '30 comprendevano classici dell'opera e del balletto: opere di Čajkovskij, Glinka, Rimsky-Korsakov, Borodin, Dargomyzhsky, Rossini, Verdi, Puccini, balletti di Čajkovskij, Minkus, Adana. Il teatro presta grande attenzione anche al repertorio moderno, secondo le esigenze dell'epoca. Nel periodo prebellico, le opere La steppa di A. Eikhenwald, Tanya di Kreitner, La bisbetica domata di Shebalin e altre furono messe in scena per la prima volta nel paese. Nei suoi manifesti sono presenti decine di titoli, dai classici del '700. (“Medea” di Cherubini, “Il matrimonio segreto” di Cimarosa) e opere poco eseguite di compositori russi del XIX secolo. ("Servilia" di Rimsky-Korsakov, "L'Incantatrice" di Čajkovskij, "L'Elka" di Rebikov) all'avanguardia europea del XX secolo. (“Il Nano” di von Zemlinsky, “Le nozze” di Stravinskij, “Arlekino” di Busoni). Una pagina speciale nella vita del teatro è la co-creazione con autori domestici moderni. Gli eccezionali compositori russi Sergei Slonimsky e Andrei Eshpay, Tikhon Khrennikov e Andrei Petrov hanno affidato le loro opere al nostro palco. La prima mondiale dell'opera Visions of Ivan il Terribile di Slonimsky, eseguita dal grande musicista del XX secolo Mstislav Rostropovich in collaborazione con l'eccezionale regista Robert Sturua e l'artista Georgy Aleksi-Meskhishvili, è stato un evento significativo ben oltre la vita culturale di Samara. All'inizio della Grande Guerra Patriottica, la situazione culturale della città stava cambiando radicalmente. Nell’ottobre 1941 il Teatro Bolshoi di Stato dell’URSS fu evacuato a Kuibyshev/Samara (“capitale di riserva”). L'iniziativa artistica passa ai più grandi maestri della scena lirica e di balletto sovietica. Per il 1941-1943 Il Teatro Bolshoi ha mostrato 14 opere e balletti a Samara. Cantanti di fama mondiale Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reizen, Valeria Barsova, Natalya Shpiller, la ballerina Olga Lepeshinskaya si sono esibiti sul palco di Samara, diretti da Samosud, Fire, Melik-Pashaev. Fino all'estate del 1943, il collettivo del Teatro Bolshoi visse e lavorò a Kuibyshev. In segno di gratitudine per l'aiuto dei residenti locali in questo momento difficile, i suoi artisti vennero sul Volga più di una volta dopo la guerra con le loro nuove opere, così come con il repertorio storico in tempo di guerra. Nel 2005, in commemorazione del 60° anniversario della Vittoria nella Grande Guerra Patriottica, lo staff del Teatro Bolshoi russo ha offerto al pubblico di Samara un nuovo incontro con la propria arte. Le esibizioni e i concerti del tour (il balletto di Shostakovich "The Bright Stream", l'opera di Mussorgsky "Boris Godunov", la grande Sinfonia della Vittoria - la Settima Sinfonia di Shostakovich, un concerto di una banda di ottoni e solisti d'opera) furono un successo trionfante. Come ha osservato il direttore generale del Teatro Bolshoi russo A. Iksanov: “Per l'intero staff del Teatro Bolshoi, queste visite guidate sono un'altra opportunità per esprimere la loro profonda gratitudine alla gente di Samara per il fatto che il Teatro Bolshoi ha trovato una seconda casa qui nel tempo di guerra più difficile”. L'apice della vita musicale di Samara nel XX secolo, un evento davvero storico, è stata l'esecuzione della Settima Sinfonia ("Leningrado") di Dmitri Shostakovich sul palco del Teatro dell'Opera di Samara. La grande opera, che riflette i tragici eventi del tempo di guerra, trasmettendo tutta la grandezza dell'impresa dei soldati sovietici, fu completata dal compositore nel dicembre 1941 mentre era evacuato a Samara ed eseguita dall'Orchestra del Teatro Bolshoi sotto la direzione di Samuil Samosud il 5 marzo , 1942. Il teatro vive una vita intensa. La ricostruzione è in fase di completamento, nuovi nomi compaiono sul poster, cantanti e ballerini vincono prestigiosi concorsi internazionali e tutta russi, nuove forze creative si stanno riversando nella troupe. La squadra teatrale può essere orgogliosa della concentrazione di individui creativi talentuosi e brillanti. Gli artisti onorati della Russia Mikhail Gubsky e Vasily Svyatkin sono solisti non solo al Teatro Samara, ma anche al Teatro Bolshoi della Russia e al Teatro dell'Opera Novaya di Mosca. Anatoly Nevdakh prende parte alle rappresentazioni del Teatro Bolshoi, Andrey Antonov si esibisce con successo sui palcoscenici dei teatri russi e stranieri. Il livello della compagnia d'opera è dimostrato anche dalla presenza al suo interno di un gran numero di cantanti "titolati": 5 artisti popolari, 8 artisti onorati, 10 vincitori di concorsi internazionali e tutti russi. Ci sono molti giovani di talento nella troupe, con i quali la vecchia generazione di artisti condivide volentieri i segreti della maestria. Dal 2008, la compagnia di balletto del teatro ha alzato significativamente il livello. La troupe teatrale era guidata dall'artista onorato della Russia Kirill Shmorgoner, che per lungo tempo aveva onorato la compagnia di balletto del Teatro di Perm. K. Shmorgoner ha invitato a teatro un folto gruppo di suoi studenti, diplomati di una delle migliori istituzioni educative del paese: la Scuola coreografica di Perm. I giovani ballerini Ekaterina Pervushina e Viktor Malygin sono diventati vincitori del prestigioso concorso internazionale "Arabesque", un intero gruppo di ballerini di Samara si è esibito con successo al festival tutto russo "Giochi Delfici". Negli ultimi anni il teatro ha ospitato diverse prime che hanno riscosso un grande riscontro di pubblico: le opere "Mozart e Salieri" di Rimsky-Korsakov, "Mavra" di Stravinskij, "La serva" di Pergolesi, "Eugene Onegin" di Čajkovskij, "Rigoletto" di Verdi, "Madama Butterfly" di Puccini, cantata coreografica "Le nozze" di Stravinsky, balletto di Hertel "Vain Precaution". Il teatro collabora attivamente a queste produzioni con i maestri di Mosca del Teatro Bolshoi, dell'Opera Novaya e di altri teatri in Russia. Molta attenzione è riservata alla messa in scena di fiabe musicali per bambini. Sul palco del concerto si esibiscono anche artisti dell'opera e del balletto. Tra i percorsi di tournée del teatro ci sono Bulgaria, Germania, Italia, Spagna, Cina, città russe. L'intensa pratica itinerante del teatro ha permesso di conoscere le ultime opere e gli abitanti della regione di Samara. Una pagina luminosa nella vita del teatro sono i festival. Tra questi ci sono il Festival del balletto classico Alla Shelest, il festival internazionale Basses of the 21st Century, Five Evenings in Togliatti e il Samara Spring Opera Festival. Grazie alle iniziative del festival del teatro, il pubblico di Samara ha potuto conoscere l'arte di dozzine dei più grandi maestri dell'opera e del balletto nazionali e stranieri. I piani creativi del teatro comprendono le produzioni dell'opera "Il principe Igor", i balletti "Don Chisciotte", "La bella addormentata". Entro l'80 ° anniversario, il teatro prevede di mostrare l'opera Boris Godunov di Mussorgsky, tornando così alle radici in una nuova fase del suo sviluppo storico. Un imponente edificio grigio si erge sulla piazza centrale della città - secondo i critici d'arte, "un grandioso monumento del tardo" stile pilonade "a cui si aggiungono i classici brutali", "un vivido esempio dell'architettura degli anni '30". Gli autori del progetto sono gli architetti di Leningrado N.A. Trotsky e N.D. Katseleneggbogen, che vinse il concorso per la realizzazione del Palazzo della Cultura nel 1935. Il teatro era situato nella parte centrale dell'edificio. Nell'ala sinistra per qualche tempo c'era una biblioteca regionale, nell'ala destra - una scuola di sport e un museo d'arte. Nel 2006 è iniziata la ricostruzione dell'edificio, che ha comportato lo sgombero della scuola sportiva e del museo. Nel 2010, stagione dell'anniversario del teatro, la ricostruzione è stata completata.

La Sydney Opera House può essere definita senza esagerazione uno degli edifici più riconoscibili al mondo: chi di noi non ha visto queste vele librarsi nel cielo o fette d'arancia crescere direttamente dalle acque del porto di Sydney? Inaugurato nel 1973 dalla stessa Regina Elisabetta II, oggi questo teatro musicale è un vero e proprio simbolo dell'Australia. È interessante notare che una volta su questo sito di Bennelong Point c'era prima un forte e poi un deposito di tram, finché nel 1958 si decise di costruire un teatro.

Storia della costruzione

Il creatore di questo eccezionale edificio di architettura moderna è stato il danese Jorn Utzon, che ha ricevuto per il suo progetto il più alto riconoscimento nel mondo dell'architettura: il Premio Pritzker. Inizialmente si prevedeva che la costruzione del teatro avrebbe richiesto circa 4 anni e sarebbe costata 7 milioni di dollari australiani al governo australiano. Tuttavia, a causa della decorazione interna dei locali, si trascinò per ben 14 anni! Di conseguenza, anche la stima della costruzione è aumentata, fino a 102 milioni di dollari australiani.

Informazioni generali sulla costruzione della Sydney Opera House

L'edificio della Sydney Opera House copre un'area di 2,2 ettari. La sua altezza massima è di 185 metri, la larghezza è di 120 metri. Il famoso tetto del teatro è composto da 2194 sezioni e pesa oltre 27 tonnellate! Tutta questa struttura apparentemente aerea è sostenuta da cavi d'acciaio con una lunghezza totale di 350 km. In cima ai "gusci" del tetto ci sono un milione di tegole di colore bianco e crema opaco, che con illuminazione diversa creano diverse combinazioni di colori.

All'interno dell'edificio sono presenti 4 palchi. La sala concerti principale può ospitare 2.500 persone contemporaneamente, mentre la sala dell'Opera è progettata per 1.500 persone. Le altre due sale sono utilizzate per produzioni teatrali. Inoltre, l'edificio ospita una sala cinema e due ristoranti.

Per quasi 40 anni di attività, la Sydney Opera House è stata visitata da oltre 40 milioni di persone, che è molte volte superiore alla popolazione di tutta l'Australia. Nel 2007 è stato inserito nell'elenco dei patrimoni dell'umanità dell'UNESCO.

In una nota

• Luogo: Bennelong Point, Sydney
• Sito ufficiale: http://www.sydneyoperahouse.com
• Orari di apertura: lunedì-sabato 9:00-19:30, domenica 10:00-18:00.
• Biglietti: L'ingresso al teatro è gratuito durante gli orari di apertura.