TEATRO MALY

Nella seconda metà del XIX secolo, il Teatro Maly aveva una compagnia di prima classe. La vita di questo teatro rifletteva le contraddizioni socio-politiche dell'epoca. Il desiderio della parte dirigente della troupe di mantenere l'autorità della “seconda università” e di corrispondere ad un alto scopo sociale ha incontrato un ostacolo difficile da superare: il repertorio. Opere significative apparivano sul palco molto spesso durante le esibizioni di beneficenza degli attori, mentre il cartellone quotidiano consisteva in opere di V. Krylov, I.V. Shpazhinsky e altri scrittori moderni, che basavano la trama principalmente sugli eventi del "triangolo amoroso", le relazioni nel famiglia, e non si limitavano a loro, attraversandoli fino ai problemi sociali. Le opere di Ostrovsky, le nuove riprese de L'ispettore generale e Guai dallo spirito e la comparsa di opere eroico-romantiche dal repertorio straniero negli anni '70 e '80 dell'Ottocento aiutarono il teatro a mantenere l'altezza dei criteri sociali e artistici, corrispondono ai sentimenti avanzati del tempo e ottenere un impatto serio sui suoi contemporanei. Negli anni Novanta dell'Ottocento iniziò un nuovo declino, le opere eroico-romantiche quasi scomparvero dal repertorio e il teatro “andò al pittoresco convenzionale e al colorito melodrammatico” (Nemirovich-Danchenko). Si rivelò anche creativamente impreparato a padroneggiare la nuova letteratura drammatica: le opere di L. Tolstoj non furono rappresentate in pieno sul suo palco, il teatro non mostrò alcun interesse per Cechov e mise in scena solo i suoi vaudeville. C'erano due direzioni nell'arte della recitazione del Maly Theatre: quotidiana e romantica. Quest'ultimo si è sviluppato in modo irregolare, a singhiozzo, divampando durante i periodi di impennata sociale e estinguendosi durante gli anni di reazione. La vita quotidiana si è sviluppata costantemente, gravitando verso una tendenza critica nei suoi migliori esempi. La troupe del Maly Theatre era composta dagli attori più brillanti.

Glikeria Nikolaevna Fedotova(1846-1925) - allieva di Shchepkin, da adolescente salì sul palco con il suo maestro Shchepkin in “Sailor”, con Zhivokini nel vaudeville “Az and Firth”, apprendendo lezioni non solo di abilità professionale, ma anche di la più alta etica della recitazione. All'età di dieci anni, Fedotova è entrata alla Scuola di Teatro, dove ha studiato prima nel balletto e poi nel corso di recitazione. All’età di quindici anni fece il suo debutto al Teatro Maly nel ruolo di Verochka nell’opera teatrale “The Child” di P. D. Boborykin e nel febbraio 1863 fu arruolata nella compagnia. Il talento alle prime armi si è sviluppato in modo non uniforme. Il repertorio melodrammatico ha contribuito poco al suo sviluppo. Nei primi anni di lavoro, l'attrice è stata spesso criticata per il sentimentalismo, la performance educata e la "recitazione piagnucolosa". Ma dall'inizio degli anni '70 dell'Ottocento iniziò la vera fioritura del talento brillante e poliedrico dell'attrice. Fedotova era una rara combinazione di intelligenza ed emotività, abilità virtuosa e sentimento sincero. Le sue decisioni sul palco erano inaspettate, la sua performance era brillante, poteva padroneggiare tutti i generi e tutti i colori. Possedendo eccellenti capacità sceniche - bellezza, temperamento, fascino, contagiosità - ha rapidamente preso una posizione di leadership nella troupe. Per quarantadue anni ha interpretato trecentoventuno ruoli di vario valore artistico, ma se nel dramma debole e superficiale l'attrice spesso salvava l'autore e il ruolo, nelle opere classiche ha rivelato una straordinaria capacità di penetrare fino in fondo. essenza del personaggio, nello stile dell'autore e nelle caratteristiche dell'epoca. Il suo autore preferito era Shakespeare. Aleksandr Pavlovich Lensky (1847-1908) - attore, regista, insegnante, teorico, figura teatrale eccezionale tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Figlio illegittimo del principe Gagarin e dell'italiano Vervitziotti, è cresciuto nella famiglia dell'attore K. Poltavtsev. All'età di diciotto anni divenne attore professionista, assumendo lo pseudonimo di Lensky. Per dieci anni ha lavorato in provincia, dapprima ha suonato principalmente nel vaudeville, ma gradualmente è passato ai ruoli di “primi amanti” del repertorio classico. Fu invitato a interpretare questo ruolo nella compagnia del Maly Theatre nel 1876. Ha fatto il suo debutto nel ruolo di Chatsky, affascinando con la gentilezza e l'umanità della sua interpretazione e il sottile lirismo. Non c'erano motivi ribelli e accusatori in esso, ma c'era il profondo dramma di un uomo che ha sperimentato il crollo delle sue speranze in questa casa. Insolito e anticonformista contraddistinsero anche il suo Amleto (1877). Un giovane spiritualizzato dai lineamenti nobili e dall'animo nobile, era intriso di dolore, non di rabbia. La sua moderazione era venerata da alcuni contemporanei come freddezza, la semplicità del suo tono come mancanza di temperamento e la necessaria forza di voce - in una parola, non corrispondeva alla tradizione Mochalov e non fu accettato da molti nel ruolo di Amleto . I primi anni nella troupe sono stati una ricerca della mia strada. Affascinanti, puri nell'anima, ma privi di forza interiore, soggetti a dubbi: questi erano principalmente gli eroi di Lensky nel repertorio moderno, per i quali fu soprannominato il "grande incantatore". E in questo momento la stella di Ermolova era già sorta, le volte del Teatro Maly risuonavano del pathos ispirato delle sue eroine. Accanto a loro, i giovani dagli occhi azzurri di Lensky sembravano troppo amorfi, troppo socialmente passivi. La svolta nel lavoro dell'attore è stata associata proprio alla collaborazione di Ermolova. Nel 1879 recitarono insieme nella tragedia di Gutzkow Uriel Acosta. Lensky, nel ruolo di Acosta, non poteva abbandonare completamente e immediatamente ciò che gli era diventato familiare; le sue tecniche di recitazione non cambiarono: era anche poetico e spirituale, ma il suo temperamento sociale si esprimeva non attraverso tecniche formali, ma attraverso una profonda comprensione della realtà. immagine di un importante filosofo e di un combattente. L'attore ha recitato in altri ruoli del repertorio eroico, ma il suo profondo psicologismo e il desiderio di versatilità in ruoli in cui il materiale letterario non lo richiedeva lo hanno portato a perdere e sembrare inespressivo accanto ai suoi partner spettacolari. Fondamentale, intanto, è stata la sua negazione dei segni esteriori dell'arte romantica. Credeva che “il nostro tempo sia andato ben oltre il romanticismo”. Preferiva Shakespeare a Schiller e Hugo, sebbene la sua comprensione delle immagini shakespeariane non trovasse risposta. Dopo l'Amleto semi-riconosciuto, nel 1888 seguì Otello, che non fu affatto riconosciuto dal pubblico e dalla critica di Mosca, che l'attore scelse per la sua interpretazione di beneficenza e che aveva precedentemente interpretato. L'interpretazione di Lensky si distingueva per la sua indubbia novità: il suo Otello era nobile, intelligente, gentile e fiducioso. Soffriva profondamente e sentiva in modo sottile: era solo al mondo. Dopo l'omicidio di Desdemona, “si avvolse in un mantello, si scaldò le mani presso la fiaccola e tremò”. L'attore cercava umanità nel ruolo, movimenti semplici e naturali, sentimenti semplici e naturali. Non fu riconosciuto nel ruolo di Otello e la lasciò per sempre. E i ruoli successivi non gli hanno portato il pieno riconoscimento. Ha interpretato Dulchin in "L'ultima vittima", Paratov in "La dote", Velikatov in "Talenti e ammiratori", e in tutti i ruoli i critici mancavano di acutezza accusatoria. Lei era lì, Stanislavskij l'ha esaminata, Yu. M. Yuryev l'ha vista, ma si è espressa non direttamente, non direttamente, ma sottilmente. L'indifferenza, il cinismo, l'interesse personale dovevano essere visti in queste persone sotto il loro fascino e attrattiva esteriori. Non tutto è stato considerato. Il suo successo nel ruolo di Muromskij in “Il caso” di Sukhovo-Kobylin è stato riconosciuto all’unanimità. Lensky ha interpretato Muromsky come una persona ingenua, gentile e gentile. Ha intrapreso un duello impari con la macchina burocratica, credendo che la verità e la giustizia avrebbero trionfato. La sua tragedia è stata una tragedia di intuizione. Ma Lensky ha ottenuto il riconoscimento universale nelle commedie shakespeariane e, soprattutto, nel ruolo di Benedict in Molto rumore per nulla. La performance dell'attore in questo ruolo è stata energica e impetuosa; l'attore ha rivelato nel suo eroe intelligenza, umorismo e un ladro ingenuo in tutto ciò che accadeva intorno a lui. Solo lui non credeva al tradimento di Gero, perché era gentile per natura e innamorato. Beatrice ha interpretato Fedotov. Il duetto di due magnifici maestri è continuato in La bisbetica domata. Il ruolo di Pstruccio è stato uno dei debutti di Lensky al Teatro Maly ed è rimasto nel suo repertorio per molti anni. L'impavido Petruccio dichiarò coraggiosamente che avrebbe sposato Katarina per soldi e domato la ribelle, ma quando vide la sua sposa, si innamorò di lei con la stessa violenza che prima desiderava solo denaro. Una natura integra, fiduciosa e gentile si è rivelata sotto la sua spavalderia e ha "domato" Katarina - con il suo amore. Vedeva in lei la sua pari nell'intelligenza, nel desiderio di indipendenza, nella ribellione, nella riluttanza a sottomettersi alla volontà degli altri. Era un duetto di due persone meravigliose che si sono ritrovate nel trambusto della vita ed erano felici. Lensky conosceva perfettamente i versi di Griboedov, non li trasformò in prosa e non li recitò. Ha riempito ogni frase di significato interiore, ha espresso la logica impeccabile del carattere nell'impeccabilità della melodia della parola, nella sua struttura di intonazione, nel cambiamento delle parole e nel silenzio. L'abilità di penetrare nell'essenza dell'immagine, la giustificazione psicologica del comportamento del personaggio e il gusto sottile hanno distolto l'attore dalla caricatura, dalla recitazione, dalla dimostrazione esterna, sia nel ruolo del governatore ne "L'ispettore generale" che in quello ruolo del professor Krugosvetlov in “I frutti dell’illuminazione”. La satira è nata dall'essenza, come risultato della rivelazione della struttura interna dell'immagine - in un caso, un truffatore convinto e nemmeno suggerendo che avrebbe potuto vivere diversamente, sperimentando drammaticamente il suo errore nel finale; dall’altro, un fanatico che crede religiosamente nella sua “scienza” e la serve con ispirazione. L'arte di Lensky divenne davvero perfetta; la sua natura organica, la capacità di giustificare tutto dall'interno e la sua padronanza su tutti i materiali più complessi lo resero il leader naturale del Maly Theatre. Ogni ruolo di Lensky è stato il risultato di un lavoro enorme, della selezione più rigorosa dei colori in base al personaggio e all'autore. Il contenuto interno dell'immagine è stato proiettato in una forma precisa e spiritualizzata, giustificata dall'interno. Mentre lavorava al ruolo, l'attore ha disegnato schizzi di trucco e costume, ha padroneggiato l'arte della trasformazione esterna con l'aiuto di uno o due tratti espressivi, non gli piaceva l'abbondanza di trucco ed era eccellente nelle espressioni facciali. Possiede un articolo speciale su questo tema: "Note sulle espressioni facciali e sul trucco". Lensky era un teorico; scrisse articoli che formulavano i principi della recitazione, analizzavano alcune opere e contenevano consigli sui problemi della recitazione. Come attore, regista, insegnante, teorico e personaggio pubblico, ha lottato per elevare la cultura generale della recitazione russa, si è opposto alla dipendenza dal “coraggio” e ha chiesto lavoro e studio costanti. Sia nella sua pratica che nel suo programma estetico, ha sviluppato le tradizioni e gli ordini di Shchepkin. “Non si può creare senza ispirazione, ma molto spesso l’ispirazione è causata dalla stessa opera. E il destino di un artista che non si è abituato alla disciplina più severa nel suo lavoro è triste: l’ispirazione, raramente invocata, può abbandonarlo per sempre”, ha scritto. Dopo aver assunto la carica di direttore principale del Teatro Maly nel 1907, cercò di attuare una riforma del vecchio palcoscenico, ma nelle condizioni della leadership imperiale e dell'inerzia della troupe non fu in grado di realizzare questa intenzione. Ottobre 1908 Lensky morì. Ermolova ha percepito questa morte come un evento tragico per l'arte: “Tutto è morto con Lensky. L'anima del Teatro Maly è morta... Con Lensky non è morto solo il grande attore, ma si è spento il fuoco sul sacro altare, che egli sosteneva con l'instancabile energia di un fanatico.

SADOWSKY Mikhail Provovich (12(24).XI.1847, Mosca, -26.?11(8.VIII). 1910, ibid). Figlio di Prov Mikhailovich Sadovsky Preparato per il palcoscenico da suo padre e A. N. Ostrovsky, Misha Sadovsky nel 1867-69 partecipò agli spettacoli “Artistico. tazza" (1 ° ruolo: Andrei Titych - "Nella festa di qualcun altro c'è i postumi di una sbornia" di Ostrovsky, 1867). Nel 1869 fece il suo debutto al Teatro Maly nei ruoli di Podkhalyuzin, Andrei Bruskov, Vasya Shustroy, Borodkin ("Siamo il nostro popolo - saremo contati", "Giorni duri", "Cuore caldo", "Don' t sederti sulla tua slitta” di Ostrovsky). Nel 1870 fu accettato nella compagnia teatrale nel ruolo di "sempliciotto di tutti i giorni" e "comico di carattere". Notevole interprete teatrale e appassionato promotore della drammaturgia di Ostrovsky, Sadovsky ha interpretato oltre 60 ruoli nelle sue opere. Primo interprete di ruoli: Bulanov (“Foresta”, 1871), Gruntsov (“Labour Bread”, 1874), Murzavetsky (“Wolves and Sheep”, 1875), Mukhoyarov (“La verità è buona, ma la felicità è migliore”, 1876) , Andrei Belugin (“Le nozze di Belugin” di Ostrovsky e Solovyov, 1877), Karandyshev (“Dowry”, 1878), Konstantin Karkuyaov (“Il cuore non è una pietra”, 1879), Mulin (“Schiavi”, 1880), Meluzov ("Talenti e fan", 1881), Okaemov ("Handsome Man", 1882), Milovzorov ("Guilty Without Guilt", 1884), ecc. Su richiesta del drammaturgo, a Sadovsky furono assegnati anche ruoli nelle rappresentazioni riproposte : Tikhon ("Il temporale"), Golutvin ("Per ogni uomo saggio..."), Khorkov ("Povera sposa"), Schastlivtsev ("Foresta"), Afonya e Krasnov ("Il peccato e la sfortuna non vivono su nessuno" ), Ippolit ("Non è tutta Maslenitsa per gatti"), Khlynov ("Cuore caldo") e altri. Studente, seguace creativo di suo padre, attore democratico, eccellente esperto della vita della vecchia Mosca, Sadovsky era fluente nel discorso di scena. La sua arte originale, nazionale, veramente popolare si distingueva per la sua massima veridicità, nobile semplicità, umorismo leggero, sincerità e allo stesso tempo drammaticità e acutezza satirica. Seguendo suo padre, Sadovsky ha diretto la direzione critico-accusatrice nel repertorio nazionale quotidiano del Teatro Maly. Il tema principale del lavoro di Sadovsky è il destino del suo contemporaneo, una persona poco appariscente, semplice e svantaggiata. Interpretando Schastlivtsev, Sadovsky ha creato un'immagine ottimista e divertente di un attore che ama appassionatamente il teatro. Il tema della protezione del “piccolo” uomo, la protesta contro la sua umiliazione, risuonava con grande forza nel ruolo di Sadovsky nei panni di Karandyshev. L'immagine di Murzavetsky era intrisa di un'ironia sottile e intelligente. Khlynov è raffigurato in modo satirico. L'immagine dell'educatore democratico Meluzov, permeata di un odio appassionato per la vecchia vita, ha ricevuto il riconoscimento degli spettatori progressisti. Tra i ruoli significativi di Mikhail Provovich c'erano: Khlestakov; Peter, primo uomo (“Il potere dell'oscurità”, “I frutti dell'illuminazione”), Misail e Leporello (“Boris Godunov” e “L'ospite di pietra” di Pushkin), Bespandin (“Colazione dal leader” di Turgenev), Kalguev ("New Business" Nemirovich-Danchenko), Stremglov ("Sunset" di Sumbatov), ​​​​ecc. Sadovsky è l'autore di saggi e racconti della vita dell'entroterra borghese e mercantile di Mosca (ed. 1899, 2 voll.) . Le sue traduzioni di opere teatrali furono rappresentate al Maly e in altri teatri: “La Corsican Woman” di Gualtieri (1881), “Fedra” di Racine (1890, entrambe le opere tradotte per rappresentazioni di beneficenza da M. N. Ermolova), “Il Barbiere di Siviglia” di Beaumarchais (1883, Teatro Maly, nel ruolo di Figaro è l'autore della traduzione), opere di Goldoni, Gozzi, Labiche ed altri. Ha scritto l'opera teatrale “L'oscurità dell'anima” (1885, Teatro Maly, rappresentazione benefica di O. O. Sadovskaya, nel ruolo di Varya - Ermolov). Per le sue opere letterarie, Sadovsky è stato eletto membro della Società degli amanti della letteratura russa. È anche conosciuto come scrittore di epigrammi taglienti diretti contro l'ufficialità, il dominio burocratico e l'arbitrarietà burocratica nel teatro. Ha insegnato alla Scuola di musica e teatro della Società Filarmonica di Mosca e ai corsi di teatro della Scuola di teatro di Mosca.

Il più antico teatro russo - il Maly di Mosca - prima della rivoluzione portava il titolo di "imperiale", nel corso della sua storia ha servito fedelmente e continua a servire il popolo.

In questo teatro l'arte realistica umana e civile è sempre stata scaldata dal calore del cuore umano. Le meravigliose tradizioni creative non solo sono state attentamente protette dai maestri del Teatro Maly e tramandate di generazione in generazione, ma anche costantemente sviluppate.

Il realismo del Teatro Maly, basato sulla fedeltà alla verità della vita, è sempre stato privo di dettagli e dettagli fini. Il suo realismo era e rimane un realismo di forme grandi e luminose. Lo stile del Teatro Maly era basato sulla letteratura russa classica e sui suoi pittoreschi personaggi scenici. Allo stesso tempo, esplorando le origini morali e sociali di questo o quel fenomeno della vita, il teatro non si è lasciato trasportare dai dettagli psicologici dei personaggi, ma ha seguito il percorso della creazione di ritratti sociali generalizzati. Nell'arte del Teatro Maly esistono da tempo due correnti artistiche: quotidiana e romantica, che, cambiando a seconda di un'epoca particolare e delle sue esigenze, costituiscono l'essenza del suo stile.

Il teatro è sempre stato al centro della vita sociale del Paese. Fin dai primi giorni della sua esistenza, il Teatro Maly divenne un esponente delle tendenze più progressiste del pensiero sociale russo.

“Naturalmente, il teatro imperiale censurato non poteva farlo in modo del tutto aperto, ma ciò che sorprende”, ha scritto A.V. Lunacarskij, “è che questo teatro, chiamato “imperiale”, è sempre stato considerato da tutti come contro-imperiale. Il pubblico liberale e radicale russo prese il Teatro Maly dalla corte e lo occupò. Lei lo ha sottomesso così completamente che c'è da stupirsi di quanto poco abbia influito sulla sua sorte il compromesso concluso dietro le quinte dall'opposizione pubblica con il Ministero della Corte.

Basta sfogliare almeno un po' tutto quello che è stato scritto sul Teatro Maly fin dagli esordi della critica russa, da Polevoj a Belinsky... per vedere come il Teatro Maly fosse apprezzato in modo eccezionale da tutta la parte progressista della società .”

La gente veniva qui non solo per godersi la vera arte, ma anche per studiare. Il Teatro Maly era chiamato la seconda Università di Mosca.

“È difficile misurare, tenere conto e presentare in dati concreti”, ha scritto A. M. Gorky, “la profonda influenza spirituale che ha il Teatro Maly. Insieme all’Università di Mosca, svolge un ruolo importante ed eccezionale nella storia dello sviluppo mentale della società russa”.

I giovani studenteschi della galleria hanno assorbito con entusiasmo qui pensieri amanti della libertà, un commerciante del "paese di Zamoskvorechye" ha cercato di unirsi alla cultura, vari intellettuali, professori dell'Università di Mosca, scrittori, artisti - tutti hanno cercato e trovato risposte alle loro domande nell'arte del Teatro Maly.

“Il Maly Theatre ha avuto un effetto migliore di qualsiasi scuola sul mio sviluppo spirituale. Mi ha insegnato a guardare e vedere il bello... Il Teatro Maly è diventato la leva che controllava il lato spirituale e intellettuale della nostra vita", ha scritto K. S. Stanislavsky.

Pavel Stepanovich Mochalov(1800-1848), figlio dell'attore S. F. Mochalov, debutta sul palcoscenico del teatro di Mosca nel 1817. Tra i suoi primi ruoli se ne possono citare due del repertorio domestico dell'inizio del secolo: il ruolo di Polinice nell'opera teatrale di V. Ozerov “Edipo ad Atene” e il ruolo di Liodor nel dramma sentimentale di N. Ilyin “Lisa, o la Trionfo della gratitudine”.

È impossibile capire Mochalov senza comprendere i principi di quella direzione estetica, di cui era l'esponente più importante in teatro. Un uomo dal destino romantico, e quindi tragico, un uomo che non conosce la felicità, la pace, l'armonia. È impossibile separare la vita personale e privata di Mochalov dalla sua vita artistica. Il lavoro di Mochalov è autobiografico: è un esempio di creatività romantica. A differenza di Karatygin, non ha lottato per l’“obiettività”, non ha allontanato né nascosto la sua visione del mondo nel processo di creazione dell’immagine. L'arte di Mochalov è estremamente soggettiva, ma la personalità di questo brillante artista conteneva non solo le sue esperienze intime, l'esperienza emotiva della vita privata: incarnava il destino di una persona dell'era romantica nel suo insieme.

Ogni ruolo di Mochalov non era solo un fenomeno teatrale, valutato dal punto di vista delle leggi estetiche. Ognuno dei suoi personaggi teatrali è stato per il pubblico la rivelazione di un uomo che “ha impresso l'impronta della tragedia spirituale interiore” su tutte le immagini. Gli spettatori sono rimasti affascinati non solo dalla potenza della sua creazione, ma anche dalla personalità dell'artista stesso. Ha trasferito sul palco "le sue delizie, i suoi tormenti dolorosamente sognanti, i suoi hobby febbrili e il fascino della natura sono entrati nel pubblico con una corrente elettrica, e noi abbiamo pianto, gioito follemente con il nostro tragico". Allo stesso tempo, Mochalov, come attore di coraggio, emozioni, attore-paroliere, comprendendo spontaneamente e intuitivamente il ruolo, "ha penetrato la verità". E la forza dei “minuti di ispirazione” di Mochalov ha fatto dimenticare al pubblico le “ore di noia” della sua stessa recitazione. Attore romantico, era un improvvisatore, percepiva la vita come un movimento eterno, incompiuto, un rinnovamento di forme e idee. Pertanto, uno stato d'animo speciale, sfumature psicologiche e tecniche sono spesso nate spontaneamente durante lo spettacolo. Non ha mai registrato la messa in scena, i gesti o le intonazioni. Ogni volta sul palco Mochalov viveva la sua immagine in un modo nuovo. Gli “effetti” e i “trucchi” scenici speciali spesso nascevano all'istante, come espressione organica dello stato mentale e psicologico. Naturalmente non c'era né la completezza classica né l'armonia assoluta nei suoi ruoli. Ma c'era espressione, intensità emotiva, sincerità “confessionale”. La vita stessa respirava nell’arte di Mochalov, regnava la bellezza della “passione e sofferenza”. È importante che, percependo la vita dualisticamente, l'attore abbia trasferito sulla scena un acuto senso di contraddizioni irrisolvibili e quindi abbia costruito il ruolo su dissonanze, opposizioni e contrasti: dalla dinamica statica a quella frenetica, dalla pace all'esplosione di passioni, dall'urlo a un sussurro che “strappa l’anima”. Mochalov ha sempre capito il suo eroe nel movimento e nello sviluppo. Non gli interessava il risultato, ma il processo, il percorso della conoscenza e del vivere. E allo stesso tempo non ha mai interpretato personaggi banali e mediocri. Tutti i suoi personaggi sono persone strane, complesse, straordinarie (sia cattivi che eroi). Era importante costruire una partitura interna, un contrappunto psicologico. Ma non importa chi interpretasse Mochalov, parlava sempre dei suoi contemporanei, perché interpretava la sua anima. È Mochalov ad affermare una delle leggi fondamentali della scuola di recitazione russa: l'esperienza scenica.

Mochalov era caratterizzato da una recitazione irregolare: poteva interpretare brillantemente la stessa scena oggi e fallire domani (questo processo era imprevedibile). Non è caratterizzato da integrità, completezza, completezza dell'immagine. Ma, secondo i contemporanei, a volte l'attore aveva abbastanza ispirazione per un intero ruolo. Mochalov era un attore casto e non sapeva mentire sul palco. Ciò spiega in gran parte l'irregolarità dell'opera di Mochalov: dove il ruolo oggi non coincideva con il suo movimento spirituale, non giocava con i cliché, camminava “by”, come se lo mancasse internamente. Ma c'erano spettacoli in cui Mochalov ha cercato intensamente la necessaria messa in scena e ha pensato a un disegno del ruolo adeguato al suo stato interiore. Belinsky, nel suo grandioso articolo “Amleto”, il dramma di Shakespeare, Mochalov nel ruolo di Amleto”, fornisce esempi di come Mochalov abbia consapevolmente cambiato la struttura del palcoscenico alla ricerca della vera espressività teatrale e della verità interiore dell’immagine di Shakespeare. Markov, seguendo Grigoriev, riduce in mille pezzi la leggenda secondo cui Mochalov non aveva mai studiato il ruolo. L'attore ha persino introdotto un concetto come "mente teatrale" e si è sforzato di "comprendere il carattere di una persona". Naturalmente, Mochalov conosceva la sua professione e ha lavorato sul ruolo. È vero, questo "lavoro" era speciale, apparentemente è stato svolto nella sfera del subconscio, nell'immaginazione e direttamente nel processo di creatività scenica. L'immagine artistica lo ha catturato interamente: spiritualmente, mentalmente, fisiologicamente. L'esistenza costante all'interno dell'immagine, nell'atmosfera dell'influenza del materiale artistico, spesso non richiedeva un processo di prove sceniche. Tutti hanno notato la sua perfetta padronanza della voce: flessibile, mobile, con una vasta gamma. Ma allo stesso tempo, Mochalov spesso ignorava i dettagli della forma, non prestava attenzione al trucco, al costume e alla tecnica plastica logicamente congegnata, ai dettagli esterni. Tuttavia, nella biografia creativa dell'attore ispirato c'erano, secondo Grigoriev, ruoli che erano "pienamente realizzati e completamente creati". Il critico cita solo quattro opere: Amleto, Riccardo III, Meinau e Biderman nel melodramma di N. Polevoy “Death or Honor”: sono state pienamente pensate, elaborate internamente, progettate e rappresentate un mondo artistico olistico e armonioso.

Comunque sia, l'arte di Mochalov ha catturato l'intera sala ed era comprensibile a tutti, indipendentemente dal livello culturale, dai criteri sociali e dall'età. E i mercanti, che a volte non capivano nemmeno "a cosa" stesse giocando Mochalov, gridavano: "Bravo, Mochalov!" C'era qualcosa di ipnotico nel suo lavoro. Ha catturato accuratamente il suono della "corda che scoppia" di questo tempo ed è penetrato nelle profondità nascoste della vita interiore di una persona.

Il tema principale del lavoro dell'attore, che ha attraversato tutta la sua carriera, è stato il tema di un uomo di una generazione perduta, il tema di una persona in più. E questa, in un certo senso, è una mitologia della vita russa. Mochalov ha interpretato molti ruoli in trent'anni. Tra questi: Ferdinand (“Astuzia e amore” di Schiller, 1822), Karl Moor (“I ladri” di Schiller, 1829), Chatsky (1831), Riccardo III (1835), Amleto (1837), Otello (1837), Keene (“Kane, or Genius and Dissipation” di A. Dumas, 1837), Lear (1839). Nella coscienza pubblica della generazione degli anni '30 e '40, il ruolo di Amleto era probabilmente il più importante - come "confessione" dell'uomo moderno. Ma per tutta la sua vita, Mochalov portò non solo l'immagine del filosofo shakespeariano, ma anche quella di Byronic Meinau. Fu in questo ruolo che il pubblico vide per l'ultima volta il grande tragico: a Voronezh nel febbraio 1848.

Vasily Andreevich Karatygin(1802-1853) - il più grande attore del Teatro Alexandrinsky, un grande tragico del secondo quarto del XIX secolo. Per tutta la sua vita e il suo lavoro fu l'opposto dell'arte e della personalità di Mochalov. Non sembrava “un uomo di statura media, senza l’arte di tenersi bene sul palco, con cattive abitudini, con una voce piccola e che parla come gli altri?” Karatygin è un attore dalla struttura “eroica”, dall'altezza “gigantesca”, dall'“organo maestoso”. Questa è una persona dalla vita estremamente appartata, concentrata sulla sua creatività. Il tragico di Mosca, sperimentando un dolore interno senza fine e un crollo spirituale, ha "bevuto" il suo talento. Pietroburgo - allestì in casa sua una specie di sala prove con specchi e subordinò la sua vita domestica al teatro. Mochalov è un genio, un intuizionista. Karatygin è un uomo di vera cultura, un traduttore teatrale, un attore che sa lavorare duro su una commedia o su un ruolo. Uno ha un dono “naturale”, divino, l'altro ha un talento “nutrito” dallo studio costante dell'arte, della scuola. Mochalov: "anima"; Karatygin: "volontà"; uno è un elemento, l'altro è un rapporto. Belinsky definì Mochalov un attore “plebeo” e Karatygin un “aristocratico”. Probabilmente c'è del vero in questo. E nella percezione della creatività di Karatygin come uno stile adeguato anche allo stile impero dell'imperiale Nicola Russia. Karatygin è stato il primo attore dell'Impero russo. L'attore ha davvero espresso il suo tempo, ma, a differenza di Mochalov, il suo aspetto era diverso. Ogni individuo estetico crea il proprio cast dell'epoca, dipinge il proprio ritratto del tempo. Mochalov ha aumentato l'espressività, la frenesia delle emozioni, l'entusiasmo barbarico, l'eccezionalismo degli eventi. In Karatygin c'è un trionfo di forma, composizione, espressività della postura, monumentalità, armonia tragedia classica... Entrambi i ritratti degli attori catturano l'immagine reale, ma gli autori la vedono diversamente. Questo, infatti, costituisce il vero interesse dell'arte e della storia del teatro.

Karatygin proviene da una famiglia di attori colti, figlio della famosa attrice dell'inizio del secolo d.C. Karatygina; sposò A. M. Kolosova, che, come Karatygina Seconda, rimase sua compagna per sempre; fratello, Pyotr Andreevich Karatygin, attore, drammaturgo di vaudeville e brillante insegnante di teatro, uno degli insegnanti di A.E. Martynov.

Un giovane tragico, vicino alla cerchia dell'intellighenzia russa, allievo di P. A. Katenin, fece il suo debutto sul palcoscenico di San Pietroburgo nel 1820 nel ruolo di Fingal (“Fingal” di V. Ozerov). Karatygin, come Mochalov, avrebbe servito il teatro russo per poco più di trent'anni e, paradossalmente, anche lui avrebbe lasciato il teatro per un po' a metà degli anni '40, anche se, su sua richiesta, "in vacanza". Nel corso del tempo, Mochalov perse costantemente il suo pubblico e Karatygin concluse il suo viaggio all'apice della fama. Dal 1841 al 1844, in tre anni, eseguì circa trecento rappresentazioni: per il leader di Alexandrinsky, un attore di questo livello e posizione, questo è molto.

Per comprendere l’unicità dell’arte di Karatygin, è importante tenere conto delle radici classiciste della sua visione creativa del mondo. Il pensiero artistico di un attore, formato all'incrocio di epoche stilistiche, durante il periodo della loro collisione radicale, è difficile da definire in modo inequivocabile. Le tendenze romantiche hanno naturalmente influenzato il fenomeno dell'artista Karatygin: la struttura della sua recitazione, le tecniche estetiche (contrasto, per esempio), i temi, le trame. Eppure possiamo dire che Karatygin era estraneo alla visione romantica del mondo, le linee guida fondamentali di questo pensiero stilistico. L'attore aveva una coscienza olistica, nella sua arte cercava equilibrio e armonia. Mochalov aveva nella sua anima il bisogno di vivere il destino di un uomo contemporaneo, strano, scosso da contraddizioni esterne e introspezione interna. Per Karatygin, nell'era di una sorta di "stagnazione", il concetto di eroismo, impresa e ideale diventa fondamentale. L'attore non trova un inizio ideale nel contemporaneo e resiste alla mediocrità dell'epoca, e allo stesso tempo al repertorio “spazzatura”, creando sulla scena un'immagine eroica, storica, integrale.

Il metodo della creatività è un'espressione sia della psicofisica dell'attore che della grana della sua personalità. L'eroe dell'attore romantico è per sempre dilaniato nella lotta con il mondo e se stesso. Il gioco nervoso, spesso irregolare dell'artista lirico contraddiceva completamente l'estetica di Karatygin. Il pathos della soggettività dei romantici, la loro creatività inquieta e discordante gli era estranea. Nel creare il ruolo, lo stesso Karatygin “ha rinunciato” alla propria personalità, come se la nascondesse allo sguardo pubblico. La creatività “oggettiva” gli ha permesso di entrare nella vita di personaggi diversi, senza dotarli di esperienze intime, psicologia, esperienza spirituale e rimanere internamente sani e integri. Senza accettare la creatività spontanea, l’ispirazione e il “piacere artistico”, Karatygin esplora l’immagine in modo razionale, logico e intellettualmente. Si tratta di una costruzione coerente e sistematizzata della partitura del ruolo, dell'attenzione ai gesti, alle espressioni facciali, al ritmo e al costume. Allo stesso tempo, sarebbe sbagliato pensare che un attore teatrale convenzionale non provi ispirazione e piacere nella recitazione. Ciò non significa che Karatygin non sia interessato alla sfera dei sentimenti e delle esperienze del personaggio, che l'attore ignori il lato emotivo dell'immagine. Ma la struttura psicologica ed emotiva del personaggio in Karatygin è espressa attraverso i mezzi del teatro formale (secondo Belinsky, questo è “formalismo europeo sulla scena russa”). Ma il modo in cui l'attore influenza il pubblico, la natura della percezione del pubblico durante le esibizioni di Mochalov e Karatygin, ovviamente, sono diversi. È importante per i romantici ritrarre un eroe nel processo di movimento e formazione. Per Karatygin, il risultato dello sviluppo delle passioni è oggetto di ricerca scenica: i personaggi tragici erano come “un'eccellente statua antica”.

Eppure la scuola “classica” di Karatygin stava diventando un ricordo del passato. Astratti dalla vita reale, gli eroi maestosi, solenni e spettacolari di Karatygin furono percepiti in modo arcaico negli anni '40 del XIX secolo. Lo sviluppo intensivo del realismo, la comparsa delle prime opere della scuola naturale: tutti questi processi non sono passati dall'attore. Karatygin, in quanto artista intelligente e sensibile, non è rimasto congelato nella forma sviluppatasi negli anni 20-30, ma si è evoluto e si è avvicinato alle “tendenze dei tempi”. E sebbene non abbia mai suonato nel repertorio realistico moderno e appartenesse ancora al secondo quarto del XIX secolo, tuttavia la sua arte negli ultimi anni è diventata più vicina alla vita, più semplice, più profonda, più psicologica. È interessante notare che dopo una vacanza, una pausa e allo stesso tempo riassumendo il passato e pensando ai progetti per il futuro, l'attore si esibisce sul palco con opere come "Eugene Onegin", "Il cavaliere di bronzo" di Pushkin, appare nel ruolo di Taras Bulba di Gogol, e rifà vecchi ruoli.

Per il teatro russo, per lo sviluppo di una scuola di recitazione nazionale, è estremamente importante comprendere e apprendere le lezioni di Karatygin. Tutta la sua vita è stata un'affermazione della semplice verità che senza lavoro non esiste professione di attore, che l'arte è un processo costante di studio dei propri mezzi e di lavoro quotidiano sul ruolo. Karatygin ha dimostrato che l'arte teatrale richiede non solo abilità e scuola, volontà e coraggio. Ma anche la vera cultura della personalità dell’artista di scena. D'altra parte, Karatygin ha confermato con la sua creatività che il teatro è uno spettacolo, che la forma non è vuota, ma significativa ed emotivamente piena, che il teatro convenzionale influisce non solo visivamente, ma risveglia nello spettatore gli elementi dei sentimenti, dell'empatia, ecc. E quindi il pubblico ha pianto per l'attore "formale" Karatygin, e il pubblico ha portato per sempre con sé l'immagine di Amleto, Lear, Kean, Luigi XI (nella commedia "La casa incantata" di I. Aufenberg) o Belisario (in la commedia di E. Schenk), e per trent'anni la sala fu strappata dagli applausi e dall'amore per il suo attore. Belinsky scrisse quando vide Karatygin-Belisario su un carro, questo “vecchio eroe incoronato d'alloro, con la sua barba grigia, in grandiosità regalmente modesta, un sacro piacere afferrò con forza tutto il mio essere e lo scosse tremante... Il teatro tremò con un esplosione di applausi”. Fino alla fine della sua vita, rimanendo un artista del teatro formale, del pensiero olistico, eroico, ideale, Karatygin ha dimostrato che l'arte della presentazione non è meno significativa dell'arte dell'esperienza, dice semplicemente la verità in un linguaggio diverso.

Teatro Aleksandrinsky(aka Teatro drammatico accademico statale russo che prende il nome. A. S. Pushkina) - Teatro di San Pietroburgo, uno dei più antichi teatri drammatici della Russia, sopravvissuto fino ai giorni nostri.

introduzione

Il teatro è una delle arti più antiche. I suoi inizi si possono osservare già nei giochi dei bambini, nelle usanze e nei rituali. Ma è il teatro, come nessun'altra arte, ad assorbire molti elementi. Il teatro è vario e diversificato.

In ogni paese ci sono teatri che hanno un grande valore culturale. Così, in Francia, la Grand Opera è il teatro dell'opera statale più grande e famoso in tutto il mondo; in Inghilterra è Covent Garden.

In Russia, insieme al Teatro Bolshoi, anche il Teatro Maly è il più famoso.

Il Teatro Maly è il più antico teatro drammatico russo a Mosca e svolge un ruolo eccezionale nello sviluppo della cultura nazionale russa.

Oggetto del lavoro - Teatro Maly, soggetto del lavoro - tradizioni del Teatro Maly.

Lo scopo dell'opera è il Teatro Maly e le sue tradizioni. Per raggiungere questo obiettivo, è necessario risolvere i seguenti compiti:

• - conoscere la storia del Teatro Maly;
• - conoscere le attività di M.S. Shchepkin - riformatore della cultura teatrale;
• - scoprire quali tradizioni furono stabilite dal teatro nel XIX secolo;
• - determinare come queste tradizioni continuano nel moderno Teatro Maly.

L'inizio della storia del Teatro Maly

La sua storia non inizia affatto con l'apertura del Teatro Maly a noi noto oggi il 14 (26) ottobre 1824. Tutto inizia molto prima, quando l'idea di fondare una "troupe imperiale" a Mosca fu delineata nel rapporto del 1805 del direttore principale dei teatri A.L. Naryshkina.

Il suo "rapporto" fu sostenuto e nel 1806 fu formata una compagnia di Mosca. Per 18 anni, gli spettacoli della troupe di Mosca furono messi in scena nella casa di Pashkov a Mokhovaya, o nella casa di Apraksin a Znamenka, o nell'edificio del teatro alla Porta di Arbat. Nel 1824 furono trasferiti nella casa di Vargin sulla Petrovskaya (ora piazza Teatralnaya), nello stesso edificio che ricevette il nome di Teatro Maly. Tutti questi lunghi anni furono, per così dire, preparatori per la futura fioritura: la raccolta delle forze agenti si svolgeva costantemente. Il Teatro Maly ha assorbito l'intero ricco patrimonio teatrale del secolo scorso - dopo tutto, anche nel primo quarto del XIX secolo, le commedie del "Russian Racine", il primo drammaturgo - Sumarokov, furono rappresentate sul palcoscenico di Mosca. Il pubblico era ancora emozionato dai monologhi degli eroi principeschi e dalle loro discussioni sulle alte virtù civiche. C'erano anche le opere comiche di Ablesimov e la satira velenosa di Kapnist "The Yabeda". Tuttavia, la grande era teatrale del classicismo russo stava finendo. La stessa lingua letteraria sta già cambiando, Sumarokov sembra già terribilmente obsoleto e Pushkin parla direttamente del suo linguaggio “barbaro ed effeminato”. Anche in teatro si trattava di sviluppare il linguaggio poetico, il discorso scenico, la tecnica di recitazione e il modo di fare dell'attore. Ma il classicismo ha aperto alle nuove generazioni la ricchezza della parola, la solennità della parola, l'amore della parola. Dopotutto, nel teatro del XVIII secolo, era la parola che spesso predeterminava il modo scenico di interpretare un ruolo. La stessa divisione in tragedia e commedia, in generi alti e bassi, ha formato l'idea di un linguaggio poetico diverso. Nelle tragedie di Sumarokov il linguaggio era “elevato”, nelle commedie di Fonvizin si avvicinava al linguaggio popolare. L'evoluzione del repertorio e l'emergere di nuove forme drammatiche sono andate contemporaneamente all'evoluzione dell'arte recitativa russa. Il teatro del XVIII secolo potrebbe essere definito letterario: in esso la parola, la poesia, veniva prima. L'arte di un attore è l'arte delle parole e dei gesti. Il punto centrale del gioco nel teatro del classicismo era l'espressione di un monologo: il monologo era strettamente subordinato a una serie di regole, che prevedevano sia la logica che la sua costruzione ritmica.

Qual è la differenza tra il Teatro Maly e il Teatro Bolshoi? Probabilmente molti si pongono questa domanda. La differenza principale sta nei generi. Il Bolshoi è un teatro d'opera e di balletto. Piccolo: drammatico.

Storia

Il Teatro Bolshoi differisce dal Teatro Maly per la sua data di fondazione. È generalmente accettato che sia stato inaugurato nel 1776. La compagnia del Teatro Maly risale al 1756. Fu la prima istituzione di intrattenimento pubblico del suo genere in Russia. Presto apparve una compagnia d'opera sulla base del Maly Drama Theatre. Era composto principalmente da studenti dell'Università di Mosca, dove veniva impartita una buona educazione musicale.

Pertanto, gli attuali teatri Maly e Bolshoi hanno formato un'unica compagnia: opera e teatro. Comprendeva sia artisti servi che guest star dall'estero. Nella stagione 1824-1825. La troupe era divisa in due gruppi indipendenti: teatro e opera. Ognuno di loro ha trovato il proprio edificio separato.

Così, a Mosca sono apparsi due templi dell'arte: il Teatro Bolshoi e il Teatro Maly. La differenza nei nomi originariamente indicava la dimensione degli edifici in cui si trovano. Il Teatro Maly è molto più piccolo del Teatro Bolshoi. Ma presto i loro nomi si trasformarono da definizioni indicanti l'area degli edifici in nomi propri. Ora le parole "grande" e "piccolo" sono solitamente scritte con la lettera maiuscola. E non sono tradotti in lingue straniere. In tutti i paesi del mondo, i nomi di questi teatri si sentono solo in russo: "Bolshoi" e "Maly".

Piani di repertorio

Il Teatro Bolshoi differisce dal Teatro Maly nel suo repertorio. Ospita esclusivamente spettacoli musicali: opera e balletto. Il Maly Theatre mostra solo produzioni drammatiche.

Il repertorio del Teatro Bolshoi comprende le seguenti produzioni:

• "L'Incantatrice" (opera).
• "Esmeralda" (balletto).
• "Billy Budd" (opera).
• "Amleto" (balletto).
• "Somnambula" (opera).
• "Cipollino" (balletto).
• "Il bambino e la magia" (opera).
• "La Signora delle Camelie" (balletto).
• "Rodelinda" (opera).
• "L'idiota" (opera).
• "Appartamento" (balletto).
• "La dama di picche" (opera).
• "Leggenda dell'amore" (balletto).
• "La storia di Kai e Gerda" (opera).
• "Eroe del nostro tempo" (balletto).
• "Il lago dei cigni" (balletto) e così via.

Il repertorio del Teatro Maly comprende spettacoli:

• "Dote."
• "Lo Zar Boris"
• "Vassa Zheleznova"
• "Sforzi d'amore"
• "Il potere dell'oscurità"
• "Teatro dell'Imperatrice"
• "Non succede di giorno in giorno."
• "La regina della neve."
• "Figli del sole".
• "Il cuore non è una pietra."
• "La vita e gli amori del signor Molière."
• "Ispettore".
• "Mascherata".
• "Quasi tutto riguarda l'amore."
• "Gli eredi di Rabourdin" e altri spettacoli.

Truppe

Il Teatro Bolshoi differisce dal Teatro Maly in quanto la sua compagnia è composta da cantanti d'opera, ballerini e musicisti. Ciò è dovuto alla sua specificità. Gli attori drammatici prestano servizio al Maly Theatre. Un'altra differenza è il numero di artisti. Il Teatro Bolshoi ha una troupe enorme. A Maly ci sono molti meno attori.

Compagnia del Teatro Bolshoi:

• Maria Gavrilova.
• Elena Novak.
• Vadim Tikhonov.
• Evgenia Obrazshtsova.
• Konstantin Shushakov.
• Vyacheslav Pochapsky.
• Anna Volkova.
• Denis Rodkin.
• Vittoria Bogoyavlenskaja.
• Olga Drobysheva.
• Anastasia Goryacheva.
• Dmitry Grishin.
• Irina Vasilieva.
• Andrej Denisov.
• Viacheslav Lopatin.
• Olga Kulchinskaya.
• Irina Dolzhenko.
• Marat Galì.
• Anna Leonova.
• Igor Golovatenko.
• Michail Kazakov.
• Simone Alberghini.
• Denis Medvedev.
• Anna Grebcova.
• Alessandro Cazarez.
• Yulia Stepanova e molti altri.

Compagnia teatrale Maly:

• Lyudmila Suvorkina.
• Vladimir Bochkarev.
• Aksiniya Pustylnikova.
• Boris Klyuev.
• Aleksej Kudinovich.
• Apollinaria Muravyova.
• Lilia Yudina.
• Filippo Martsevich.
• Yuri Ilin.
• Lyubov Yeshchenko.
• Inessa Rakhvalova e altri.

Manager

Il Teatro Bolshoi differisce dal Teatro Maly nella sua leadership. Sono gestiti da persone completamente diverse.

Il direttore generale del Teatro Bolshoi è Vladimir Urin. Nel 1971 si è laureato presso il dipartimento di regia dell'Istituto di Cultura di Leningrado. Nel 1975 - Facoltà di Studi Teatrali al GITIS.

V. Urin ha iniziato la sua carriera nella città di Kirov. Lì ha diretto il Teatro della Gioventù. Nel 1981, Vladimir si trasferì a Mosca. Nella capitale, ha diretto il Gabinetto dei teatri delle marionette e dei bambini. È stato organizzatore di congressi, festival, seminari, laboratori creativi e progetti vari.

Nel 1995 è diventato direttore generale del Teatro musicale K. S. Stanislavsky. Dal 1997 è a capo del dipartimento di gestione e produzione della Scuola d'arte teatrale di Mosca. Ha diretto il Teatro Bolshoi nel 2013.

Il direttore generale del Teatro Maly è Tamara Mikhailova. Nel 1981 si è laureata all'Istituto di aviazione di Mosca. Dal 1980 ha lavorato come ingegnere in vari istituti di ricerca. Nel 2008 e fino ad oggi, Tamara Anatolyevna è vicerettore per il lavoro organizzativo e creativo presso la Shchepkinsky School. Grazie a lei sono state riparate le facciate e le decorazioni interne dei locali dell'istituto scolastico, la documentazione è stata riordinata e l'audit è stato completato con successo.

Nel 2009, T. Mikhailova ha ricevuto la gratitudine del Presidente della Russia per i suoi servizi nel campo della formazione di specialisti nel campo dell'arte teatrale.

Tamara Anatolyevna ha assunto la carica di direttore generale del Teatro Maly nel 2010.

Edificio

Anche i teatri Bolshoi e Maly differiscono nell'architettura degli edifici. Esternamente, sono completamente diversi l'uno dall'altro. Sebbene in entrambi abbia avuto una mano l'architetto moscovita A. Bove. L'edificio del Teatro Bolshoi fu costruito nel 1824. Negli anni Cinquanta del XIX secolo bruciò. È stato restaurato dall'architetto Kavos. Ha cambiato un po' il suo aspetto. Il tetto e il portico furono modificati. L'architetto ha sostituito il tetto a quattro falde con un tetto a due falde. I meriti artistici della facciata del Teatro Bolshoi sono leggermente diminuiti dopo le modifiche apportate da Kavos.

L'edificio del Teatro Maly era originariamente un edificio residenziale. Apparteneva al mercante V. Vargin. Il progetto di costruzione è stato creato da A. Elkinsky. La facciata è stata progettata da A. Bove. Nel 1824 V. Vargin affittò la sua casa al teatro imperiale (Maly). Poco più di dieci anni dopo l'edificio fu ricostruito sia all'interno che all'esterno secondo il progetto dell'architetto K. Ton. Nel 1914 il teatro bruciò. È stato restaurato negli anni '40 del XX secolo dall'architetto A. Velikanov.

Indirizzi

Un'altra differenza tra il Teatro Bolshoi e il Teatro Maly sono gli indirizzi. Anche se si trovano nelle vicinanze.

Indirizzo del Teatro Bolshoi: Piazza Teatralnaya, edificio n. 1. La stazione della metropolitana più vicina è Okhotny Ryad. L'indirizzo è Maly Proezd, edificio n. 1, edificio 1. Anche la stazione della metropolitana più vicina è Okhotny Ryad.

Gogol e il teatro Ostrovsky. Il teatro in cui sono stati visti per la prima volta sul palco “Woe from Wit” e “The Thunderstorm”. Il teatro dove brillavano Shchepkin e Mochalov. Uno dei teatri più antichi della Russia, il Teatro Maly, la cui storia verrà raccontata oggiDilettante. media.

Teatro commedia e tragedia

La storia del Teatro Maly di Mosca iniziò nel 1756 con il decreto di Elizaveta Petrovna: "Abbiamo ora ordinato l'istituzione di un teatro russo per la presentazione di commedie e tragedie". È vero, questo era il periodo in cui apparve solo una compagnia teatrale: fu fondata all'università e posta sotto la guida sensibile del famoso poeta e drammaturgo Kheraskov (lo stesso che scrisse il poema epico "Rossiada"). Il Teatro Libero dell'Università è servito come base per la creazione del drammatico Teatro Petrovsky. Oltre agli studenti, la troupe comprendeva anche attori dei teatri dei servi, il primo dei quali era il teatro del proprietario terriero Volkov a Yaroslavl).

Edificio da Beauvais e Thon

Come spesso accadeva, l'edificio del teatro bruciò e solo nel 1824 l'architetto Bove, lo stesso che costruì il Teatro Bolshoi, creò un progetto per ricostruire la villa del mercante Vargin, che divenne l'edificio del Teatro Maly. Successivamente venne ricostruito dall'architetto Ton e assunse la sua forma definitiva. Oggi, di fronte all'edificio del teatro c'è un monumento a Ostrovsky. Allo stesso tempo, il teatro divenne di proprietà statale, il che fu molto importante: ora gli attori che provenivano dai teatri dei servi ricevevano la libertà. Inizialmente, i teatri Bolshoi e Maly erano collegati da un'unica struttura. A volte le produzioni di un teatro venivano trasferite nel tempo sul palco di un altro. E di tanto in tanto sul palco di Maly apparivano anche delle opere, ad esempio "Eugene Onegin" di Čajkovskij.

Teatro Mochalov e Shchepkin

L'annuncio della prima rappresentazione al Teatro Maly si trova nel Moskovskie Vedomosti del 1824. È interessante notare che lì il nome del teatro era scritto con una lettera minuscola, perché questo indicava semplicemente le piccole dimensioni del teatro. Ma presto Maly divenne così popolare che il suo nome cominciò a essere scritto rispettosamente con la lettera maiuscola. Non ultimo ruolo nella crescente fama del teatro è stato interpretato dai suoi famosi attori: Shchepkin e Mochalov. Shchepkin era un ex attore servo, ha dovuto anche interpretare ruoli femminili, ad esempio Eremeevna in "The Minor" e Baba Yaga nell'opera di Gorchakov. Anche Mochalov nacque in una famiglia di attori servi e divenne uno dei più grandi tragici del XIX secolo. I suoi singoli eroi lo hanno reso rapidamente famoso: Amleto, Riccardo III, Chatsky.

Foto di Shchepkin sul giornale nel cinquantesimo anniversario della sua morte

Gogol e il teatro Ostrovsky

Il Teatro Maly era il centro della vita culturale. Il suo vasto repertorio comprendeva opere di Shakespeare e Schiller, Pushkin e Griboedov. Fu sul palco di Maly nel 1831 che fu mostrata per la prima volta per intero la commedia "Woe from Wit", dove Shchepkin interpretava Famusov e Mochalov interpretava Chatsky. Qui nel 1836 proiettarono "L'ispettore generale" di Gogol e misero in scena "Dead Souls", "Marriage" e "Players". Ma l’autore più amato di Maly era, ovviamente, Alexander Nikolaevich Ostrovsky. Durante la sua vita ha scritto 48 opere teatrali e tutte sono state messe in scena sul palco di Maly. L'anno 1859 fu segnato nella vita teatrale di Mosca con la prima di Il temporale. Lo spettacolo ha causato feroci polemiche tra i critici; Dobrolyubov, Pisarev e Grigoriev ne hanno scritto.

Fine dello spettacolo teatrale "The Thunderstorm", messo in scena dal Maly TheatreXIXsecolo

Sul palco del Maly sono state messe in scena anche opere di altri classici russi. Ad esempio, la trilogia di Alexei Konstantinovich Tolstoj “Lo zar Ivan il Terribile”, “Lo zar Fyodor Ioannovich”, “Lo zar Boris” ha avuto molto successo. Ma il rapporto del teatro con Cechov durante la vita dello scrittore non ha funzionato, quindi sul palco sono stati rappresentati solo i suoi vaudeville. Ma oggi "The Seagull", "The Cherry Orchard" e "Three Sisters" hanno preso saldamente il loro posto nel repertorio.

Preservare le tradizioni

L'inizio del XX secolo fu difficile per il teatro. Nonostante le tendenze innovative che si sono diffuse nei teatri russi, Maly è rimasta fedele alle tradizioni. Nel 1918 fu aperta una scuola di teatro nel teatro, che in seguito si trasformò nella Shchepkin Higher Theatre School. Dopo la rivoluzione, il Teatro Maly era sull'orlo dell'estinzione: il commissariato del teatro riteneva che il Teatro Imperiale non fosse necessario al nuovo pubblico. Fortunatamente, Lunacharsky è venuto in sua difesa in tempo e Maly è stata salvata. Negli anni '30 e '40 il teatro tornò prevalentemente ai classici, preferendo non mettere in scena opere di autori contemporanei. Poi Ostrovsky, Gogol e Griboedov sono apparsi di nuovo sul palco.

Teatro Maly oggi

Durante la guerra il teatro non smise di funzionare. Dopo la guerra furono messi in scena soprattutto classici: “Vassa Zheleznova” di Gorkij, “Masquerade” di Lermontov, “Macbeth” di Shakespeare, “Phaedre” di Racine, “Madame Bovary” di Flaubert e “La Fiera delle Vanità” di Thackeray. alle tradizioni, immagino il pubblico di Ostrovsky e Cechov. Inoltre, la troupe teatrale è costantemente in tournée in tutto il mondo. Maly è stato anche l'iniziatore della creazione del festival tutto russo "Ostrovsky nella casa di Ostrovsky" - il "cantante di Zamoskvorechye" " è ricordato e onorato a Maly fino ad oggi.

Ekaterina Astafieva