Andrea Mantegna "Madonna col Bambino, Giovanni Battista e Maria Maddalena" 1500 Tempera su tela. 1,36x1,14
Galleria Nazionale (Londra) 18+
Il Rinascimento, che risvegliò l'Europa dal letargo medievale, divenne un periodo di grande elevazione spirituale, un periodo di scoperte più importanti in tutti i settori dell'attività umana. L'era dell'emergere delle relazioni capitaliste richiedeva nuove conoscenze nelle scienze naturali, umanistiche e nelle scienze esatte. “Fu la più grande rivoluzione progressista di tutta quella che l’umanità avesse vissuto fino a quel momento, un’era che aveva bisogno di titani e che diede alla luce titani nella forza di pensiero, passione e carattere, nella versatilità e nell’apprendimento”. (F. Engels)
L'idea del dogmatismo medievale, secondo cui solo Dio è il valore più alto, si è trasformata nel pensiero: "... Poiché tutto è connesso con tutto e tutto compenetra tutto, allora tutto è degno di essere oggetto di conoscenza..." Naturalmente, le idee che contribuivano alla distruzione delle relazioni sociali esistenti incontrarono una forte resistenza e repressione.
Mantegna dipinse il suo dipinto “Madonna col Bambino, Giovanni Battista e Maria Maddalena” all’età di settant’anni, avendo vissuto una lunga vita secondo gli standard medievali, essendo un uomo saggio che aveva assaporato le delizie del rapporto tra un artista che cerca di conoscere per se stesso e scoprire per gli altri i segreti sconosciuti del mondo circostante e del potere che detiene, professando principi retrogradi. Ricordiamo Giordano Bruno e Galileo.
Non invade in alcun modo la teoria della creazione del mondo. Per lui, Dio è l'unico Creatore che ha dotato la Terra di vegetazione e creature terrene, stendendo un baldacchino protettivo sulla madre e sul bambino. Ma si riserva un parere particolare e, come un vero ricercatore, cerca di risalire all'origine della Vita nel film. Per lui, la Madre di Dio è una giovane donna normale che ha dato alla luce un bambino. Come ogni buona mamma, sostiene e protegge con le sue mani il corpicino indifeso. La gamba tesa del bambino segnava il luogo da cui ebbe inizio il suo viaggio terreno. E sopra vediamo come le dita del bambino si avvolgono attorno all'indice della madre in un anello. Inoltre osserviamo numerosi frutti su un albero di limone, e ancora più lontano, più vicino al bordo destro dell'immagine, all'altezza della fibbia di collegamento del mantello di Maddalena, due nuvole fanno capolino dietro una pianta sempreverde, indicando che ce ne vogliono due per creare un nuovo anima.
L'immagine di Maria Maddalena personifica la Natura. Le sue vesti hanno una cintura annodata con un nodo stretto. Lei stessa con una mano si copre con il lembo del mantello, proteggendo i suoi segreti, e con l'altra mano tiene una bottiglia chiusa di Mirra per l'unzione - un premio per coloro che la conoscono. E infine, l'immagine di Giovanni Battista è l'immagine di un artista, un interrogatore e un pensatore, a piedi nudi, che cammina sulla terra asciutta. Il suo corpo nudo è appena coperto da un sacco, cinto da steli che ricordano una corona di spine e pronto a volare via all'istante sotto l'influenza della forza bruta. Nella sua mano c'è un palo sottile con una croce, sul cui nastro è scritto un agnello che espia i peccati del mondo. Nel Vangelo di Giovanni queste parole si riferiscono a Gesù Cristo, ma in questo dipinto Mantegna le introdusse per identificare l'artista.
Materiali usati.
Raffaello, forse l'artista più popolare e apprezzato dell'Italia rinascimentale, era un uomo dai talenti diversi. Lui è cambiato Bramante come architetto della Cattedrale di San Pietro, supervisionò gli scavi delle antichità romane, eseguì affreschi monumentali, brillanti composizioni religiose e ritratti. Tuttavia, è meglio conosciuto come pittore di Madonne, e la sua insuperabile popolarità tra le generazioni successive è dovuta principalmente all'armonia e alla bellezza delle immagini della Vergine da lui create. Ha raffigurato la Madonna come un essere celeste che allo stesso tempo è composto di carne e sangue. Nei dipinti di Raffaello la Madonna è presentata nelle forme più diverse: in trono, fluttuante nel cielo, sullo sfondo di un paesaggio naturale o in un interno, insieme a Cristo Bambino o circondata da santi.
Raffaello. Madonna col Bambino e Santi, ca. 1502
Legno, olio. 34 x 29 cm Galleria d'arte di Berlino
Questo dipinto, vicino nello spirito all'arte pacifica Perugino, conosciuta anche come Madonna von der Ropp. Raffaello presentò qui la Madre di Dio con il Bambino benedicente, circondata dai Santi Girolamo e Francesco.
Raffaello. Madonna col Bambino e Santi. OK. 1502
Raffaello. Madonna Solly, ca. 1502
Legno, olio. 52 x 38 cm Galleria d'arte di Berlino
Prima di arrivare a Firenze, Raffaello aveva già realizzato piccole immagini di preghiera della Madonna col Bambino, legate all'allora popolarità di varie versioni dei dipinti del Perugino. Un'interessante serie di questo tipo è riscontrabile in alcuni esemplari del 1502-1504, dipinti sul tema della Madonna con il libro. Si tratta dei dipinti “Madonna Solly” (ora a Berlino, precedentemente di proprietà dell'inglese Edward Solly), “Madonna Norton Simon” (in California) e “Madonna Conestabile” (a San Pietroburgo).
Raffaello. Madonna Solly, ca. 1502
Nel dipinto “Madonna Solly” la Vergine Maria legge e il Cristo bambino gira la testa verso il suo libro. Nelle sue mani c'è un fringuello, un prototipo della sua futura passione, e la Vergine Maria legge profezie su di loro.
Raffaello. Madonna Diotallevi. OK. 1504
Legno, olio. 69 x 50 cm.Bode Museum, Berlino
Questa Madonna era un tempo nella collezione Diotallevi di Rimini. Un tempo si credeva che l'avesse scritto il Perugino, ma poi la paternità di Raffaello venne accettata quasi universalmente. Solo il critico d'arte Adolfo Venturi ritiene che la “Madonna Diotallevi” sia stata realizzata da un maestro terzo e sconosciuto.
La Vergine Maria non è qui raffigurata a figura intera. Cristo siede sulle sue ginocchia e Giovanni Battista sta accanto a lei.
Raffaello. Madonna Diotallevi. OK. 1503
In questa Madonna di Raffaello sono ancora forti gli echi della pittura gotica. Sono particolarmente evidenti nella testa troppo piccola di Maria. Seduto sulle sue ginocchia, Gesù benedice il bambino Giovanni Battista. Il paesaggio ricorda in qualche modo l'arte dei maestri del nord
Sebbene la composizione della Madonna Diotallevi e la tipologia dei suoi personaggi ricordino lo stile del Perugino, la sua austera semplicità e i colori vivaci possono essere riconosciuti come tratti caratteristici dell'arte di Raffaello.
Lo sfondo della “Madonna di Diotallevi” è tipico della scuola umbra: si tratta di colline lontane, appena visibili, dipinte in un'aria dolce e limpida.
Raffaello. Madonna col Bambino. OK. 1503
La Madonna tiene con grande tenerezza il Cristo Bambino. Entrambi leggono insieme il Libro delle Ore, che si apre attraverso la preghiera alla nona ora dopo l'alba, l'ora dell'Annunciazione, quando la Vergine apprese che avrebbe dato alla luce il Messia. Ma l'ora nona è stata anche l'ora della morte di Gesù sulla croce. Prendendosi una pausa dalla lettura, la Madonna e il Figlio si guardano pensierosi, pensando agli eventi futuri.
Raffaello. Madonna col Bambino. OK. 1503
Questo dipinto di Raffaello è noto anche come la “Madonna di Norton Simon” - a causa della sua ubicazione nel Norton Simon Museum (Pasadena, un sobborgo di Los Angeles, USA).
Raffaello. Madonna in trono con Bambino e santi. Altare della famiglia Colonna. 1504-1505
Tempera e oro su tavola. 172 x 172 cm.Metropolitan Museum of Art, New York
Questo pannello e la lunetta sono un'opera relativamente antica di Raffaello e sono anche conosciuti come la Pala della Famiglia Colonna. Fu scritto per il monastero di Sant'Antonio da Padova a Perugia. Raffaello iniziò questo dipinto appena ventenne, poco prima di partire per Firenze (1504), e lo completò l'anno successivo al ritorno a Perugia.
Raffaello. Madonna in trono con Bambino e santi. Altare della famiglia Colonna. 1504-1505
Nella composizione conservatrice si nota l'influenza del maestro di Raffaello, il Perugino. Ciononostante Raffaello riuscì a infondere in questo gruppo ravvicinato l'ampiezza e la dignità che aveva tratto dall'opera di Fra Bartolomeo a Firenze. Particolarmente bello è il modo in cui le figure riempiono la forma curva della lunetta. Ai lati della Madre di Dio e di Cristo stanno il bambino Giovanni Battista, i santi Pietro, Caterina, Cecilia (?) e Paolo.
Raffaello. Madonna Granduca. 1504
Legno, olio. 84 x 57 cm Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Firenze
"Madonna Granduca" fu dipinta da Raffaello all'inizio del periodo creativo fiorentino. Le figure della Madre di Dio e del Bambino sembrano emergere da uno sfondo scuro (elemento apparentemente preso in prestito da Leonardo da Vinci). Sono legati tra loro da un sentimento di tenero amore, visibile soprattutto nel gesto del bambino: guardando verso lo spettatore, si aggrappa a sua madre.
Raffaello. Madonna Granduca. 1504
"Madonna Granduca" è una delle creazioni più belle del primo periodo di Raffaello. L’interpretazione di Raffaello dell’immagine della Beata Vergine Maria fu accettata dalle generazioni successive come lo stesso “standard” del concetto di Dio Padre sviluppato da Michelangelo. Dipinti come la Madonna del Granduca sono riconosciuti come veramente “classici” nel senso che sono serviti a innumerevoli generazioni come standard di eccellenza, proprio come avevano fatto in precedenza le opere di Fidia e Prassitele.
Se confrontiamo la Madonna del Granduca di Raffaello con innumerevoli dipinti con lo stesso tema dei suoi predecessori, sentiremo che erano tutti solo una ricerca di quella perfetta semplicità che Raffaello finalmente raggiunse. Sembra che l'immagine della Madonna e di Cristo non possa essere altrimenti, che esista così dall'inizio dei tempi.
Raffaello. Madonna Conestabile (Madonna con un libro). 1504
Tempera su tela, trasferita da legno. Diametro 17,9 cm Eremo di San Pietroburgo
“Madonna Conestabile” è un dipinto della serie della Madonna con un libro. Comprende anche “Madonna Solly”, “Madonna Norton Simon” e altre opere di Raffaello.
La famiglia dei Conti Conestabile di Perugia nel 1871 vendette la miniatura della “Madonna Conestabile” allo zar russo Alessandro II, che la regalò alla moglie, la zarina Maria Alexandrovna. È così che il dipinto è finito all'Ermitage di San Pietroburgo.
Raffaello. Madonna Conestabile (Madonna con un libro). 1504
Ancor prima di lavorare alla Madonna Conestabile, Raffaello dovette affrontare il problema di creare composizioni rotonde. In questo dipinto circolare assicurò la corretta collocazione delle figure combinando la figura verticale della Madonna con le linee orizzontali del paesaggio.
Trasferendo la “Madonna Conestabile” dal legno alla tela alla fine del XIX secolo, si scoprì che inizialmente, invece del libro, la Madre di Dio teneva tra le mani un frutto di melograno, che personificava il sangue di Cristo versato durante il martirio della croce.
I leader sovietici, che vendevano ampiamente i tesori d’arte dei musei pre-rivoluzionari in cambio di valuta estera, portarono all’asta in Europa anche la “Madonna Conestabile” di Raffaello. Fortunatamente in quel momento non c'era nessun acquirente e il dipinto rimase all'Ermitage.
Raffaello. Madonna Conestabile (con cornice). 1504
Anche la lussuosa cornice della “Madonna Conestabile” sarebbe stata realizzata su disegno di Raffaello.
Raffaello. Madonna col Bambino (Madonna di Cowper). 1504-1505
Olio, legno. 58 x 43 cm Galleria Nazionale d'Arte. Washington
La Piccola Madonna Cowper è così chiamata perché era la più piccola delle due Madonne di Raffaello possedute dal collezionista inglese Lord Cowper. Questo dipinto fu dipinto da Raffaello all'età di 22 anni. Riflette non solo la forte influenza del suo maestro umbro, il Perugino, ma anche dei suoi rivali fiorentini, Leonardo da Vinci e Michelangelo.
Raffaello. Madonna col Bambino (Madonna di Cowper). 1504-1505
La Madonnina di Cowper è una variante più analitica del gruppo omogeneo e internamente forte delle Madonne del Granduca. L'influenza di Leonardo su Raffaello si fa sentire qui nel paesaggio ampio e morbido. Il paesaggio della Madonnina di Cowper comprende una piccola chiesa con cupola cilindrica, forse un'allusione all'architettura del Bramante. È possibile che si tratti del monastero francescano di San Bernardino vicino alla città natale di Raffaello, Urbino.
Raffaello. Madonna Terranuova. OK. 1505
Legno, olio. Diametro 86 cm.Musei statali, Berlino
La forma del cerchio perfetto era popolare nel XV e all'inizio del XVI secolo come simbolo di armonia cosmica. Raffaello lo utilizzò nel suo dipinto "Madonna Terranuova". Gesù Cristo è mostrato qui con il bambino Giovanni Battista e un altro santo bambino sul lato destro. Il triangolo formato dalla Vergine Maria e due ragazzi in piedi è caratteristico dell'Alto Rinascimento.
Raffaello. Madonna Terranuova. OK. 1505
Sul rotolo che Gesù e Giovanni Battista tengono in mano c’è scritto il testo latino: “Ecco l’Agnello di Dio”. Sono le parole pronunciate da Giovanni durante il Battesimo di Cristo.
Raffaello. Madonna in Verde (Madonna del Belvedere). 1506
Legno, olio. 113 x 88 cm Kunsthistorisches Museum Vienna
La Madonna dei Verdi, detta anche Madonna dei Prati e Madonna del Belvedere, raffigura un incontro apocrifo tra il Bambino Gesù e Giovanni Battista. Raffaello rappresenta qui il ragazzo-Cristo che accetta la croce da Giovanni.
Raffaello. Madonna dei Verdi, 1506
Le figure vorticose di due bambini riflettono chiaramente i metodi figurativi di Michelangelo. La struttura piramidale del gruppo di personaggi di Madonna del Verde evoca Leonardo da Vinci. Ma nella concezione volumetrica presa in prestito da Leonardo, Raffaello trasmette la sua caratteristica serenità idilliaca.
Raffaello. Madonna con il cardellino. 1507
Legno, olio. 107 x 77 cm Galleria degli Uffizi, Firenze
“Madonna del Cardellino” fu scritta da Raffaello per il suo amico, il ricco mercante Lorenzo Nasi. Questo dipinto venne gravemente danneggiato dopo il crollo parziale della casa nazista durante il crollo del Monte San Giorgio (1548). Successivamente la Madonna del Cardellino venne restaurata da Ridolfo del Ghirlandaio.
Il Bambino Cristo accarezza amorevolmente il cardellino, che il ragazzo Giovanni Battista gli porge. A prima vista può essere visto come un semplice gioco di bambini, ma non dobbiamo dimenticare che il cardellino nel simbolismo del Rinascimento era la personificazione della Passione (per questo uccello si nutre di spine). Il cardellino qui è un simbolo della futura passione di Cristo, e il volto del bambino Gesù che riceve il pulcino da Giovanni è molto serio.
Raffaello. Madonna con il cardellino. 1507
La composizione di questo dipinto di Raffaello quasi si ripete “”, ma con la differenza significativa che i bambini in “Madonna e il cardellino” sono più strettamente uniti alla figura centrale della Vergine. Il colore di questo dipinto è più vibrante di quello della Madonna dei Verdi. Il paesaggio, con i suoi tetti a punta e le alte guglie, insoliti per l'Italia mediterranea, riflette l'influenza dell'arte fiamminga. L’immagine del Bambino che appoggia i piedi nudi sui piedi della Vergine Maria è chiaramente ispirata alla statua della Madonna di Bruges recentemente completata da Michelangelo.
Secondo Vasari, Cristo e Giovanni Battista nel dipinto “Madonna del Cardellino” “formano un gruppo pieno di una sorta di semplicità infantile e allo stesso tempo di profondo sentimento, per non parlare del fatto che sono così ben eseguiti a colori e dipinto con tanta cura che sembra fatto di carne viva, e non fatto con l'aiuto di colori e disegni."
Raffaello. Madonna col Bambino e Giovanni Battista (Bellissimo Giardiniere). 1507
Legno, olio. 122 x 80 cm Museo del Louvre, Parigi
La composizione di “The Beautiful Gardener” è un'immagine speculare di “Madonna in Greenery”. Raffaello non completò questo dipinto, che si dice sia stato completato da Ridolfo del Ghirlandaio. Successivamente “Il bellissimo giardiniere” fu acquistato dal re di Francia Francesco I. Questo dipinto è noto principalmente per l’equilibrio armonioso e proporzionale delle pose delle figure. Il volto della Vergine Maria de “Il bellissimo giardiniere” è servito da modello di bellezza per molte generazioni di artisti.
Raffaello. Madonna col Bambino e Giovanni Battista (Bellissimo Giardiniere). 1507
“Il Bellissimo Giardiniere” è il culmine di tutte le Madonne fiorentine di Raffaello.
Raffaello. Madonna di Bridgewater. OK. 1507
Olio su tela, trasferito da tavola. 81 x 57 cm Galleria Nazionale Scozzese, Edimburgo
Gli studi tecnici sulla superficie dipinta della Madonna di Bridgewater durante il restauro hanno dimostrato che il dipinto era originariamente un paesaggio naturale. La sua rimozione e sostituzione con un'ambientazione interna buia ha permesso a Raffaello di focalizzare l'attenzione dello spettatore sulle due figure centrali, con un'enfasi drammatica sul contrasto tra luce e buio.
Raffaello. Madonna di Bridgewater. OK. 1507
Il corpo del bambino Gesù nella Madonna di Bridgewater è accuratamente modellato per ottenere un effetto solido e tridimensionale che gli conferisce una qualità scultorea. La solidità scultorea e la doppia "torsione" del bambino sono probabilmente ispirate all'influenza dell'opera di Michelangelo Tondo Taddei.
Raffaello. Madonna dei Canigiani (Sacra Famiglia dei Canigiani). 1507
Legno, olio. 131 x 107 cm, Alte Pinakothek, Monaco di Baviera
Il nome del dipinto deriva dalla famiglia fiorentina Canigiani, che inizialmente possedeva quest'opera di Raffaello. La Madonna e la Giusta Elisabetta (madre di Giovanni Battista) sono sedute sull'erba con i loro bambini. Sopra di loro sta Giuseppe il Promesso Sposo.
Raffaello. Madonna dei Canigiani (Sacra Famiglia dei Canigiani). Versione dopo il restauro di Hubert von Sonnenburg
La piramide in cui si inseriscono perfettamente le figure della Madonna Canigiani è presa in prestito da Leonardo da Vinci, ma i sentimenti reciproci tra i partecipanti alla scena, espressi dalle loro opinioni e dall'umore sereno generale, conferiscono alla composizione un carattere descrittivo calmo. Pertanto, il tono generale del dipinto è molto diverso dall'arte tesa e agitata di Leonardo.
Nel 1982 il restauratore tedesco Hubert von Sonnenburg intraprese il restauro della Madonna Canigiani e rimosse lo strato deformante di pittura blu applicato nel XVIII secolo nella zona del cielo. Il concetto originale di Raffaello può ora essere visto di nuovo, con i putti (angeli) a sinistra e a destra in alto.
Raffaello. Madonna sotto il baldacchino. 1507-1508
Tela, olio. 276 x 224 cm Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Firenze
La versatilità e l'inesauribile varietà dell'arte di Raffaello gli permettono di spostarsi nei suoi dipinti da forme semplici a quelle più monumentali e complesse, da uno stato d'animo calmo a una potente emotività.
Un esempio della sua opera complessa ed emozionante è la Madonna del baldacchino. La sua composizione monumentale è mutuata in parte dalla tradizione veneziana, in parte da Fra Bartolomeo. L'abside della chiesa ricorda molto le grandi composizioni del grande veneziano Giovanni Bellini, e l'influenza di Fra Bartolomeo si manifesta principalmente nella monumentalità e nelle pose delle figure.
Raffaello. Madonna sotto il baldacchino. 1507-1508
La disposizione semicircolare dei santi attorno alla Madonna e il movimento degli angeli in volo che reggono la cortina del baldacchino danno una sensazione di libera circolazione dell'aria. Tutte le figure della Madonna col baldacchino hanno pose diverse ed esprimono un'ampia varietà di sentimenti. In futuro ciò sarà dimostrato ancora più chiaramente nelle grandi composizioni descrittive che Raffaello realizzerà per il Vaticano.
La Vergine Maria siede su un trono sotto un baldacchino. Alla sua sinistra sono i Santi Pietro e Bernardo e San Pietro Agostino, e probabilmente San Giacomo il Vecchio (Zebedeo) stanno sulla destra.
Raffaello. Sacra Famiglia con Agnello. 1507
Legno, olio. 29 x 21 cm Museo del Prado, Madrid
Il piccolo dipinto della Sacra Famiglia con l'Agnello è destinato alla devozione personale e risale al periodo fiorentino di Raffaello, prima del suo trasferimento a Roma. A Firenze, il giovane artista cercò di padroneggiare lo stile di maestri come Leonardo e il primo Michelangelo. Ma la delicatezza e la pacatezza in miniatura della “Sacra Famiglia con l’Agnello” ricordano il periodo della prima formazione di Raffaello in Umbria presso il Perugino. Anche qui è evidente la sua familiarità con la pittura olandese, particolarmente evidente nel paesaggio.
Raffaello. Sacra Famiglia con Agnello. 1507
Esistono diverse versioni di questo dipinto. In tutte è raffigurata la Madonna che sorregge Cristo, seduto a cavalcioni di un agnello, mentre sulle altre domina la figura del vecchio Giuseppe. Questa versione, proveniente dal Museo del Prado (Madrid), è stata successivamente contrassegnata con la scritta RAPHAEL URBINAS MDVII sullo scollo della Vergine. Il critico d'arte Pedretti nota che la versione della Sacra Famiglia con l'Agnello, che si trova a Vaduz, è stata firmata nel 1504, quindi, a quanto pare, dovrebbe essere considerata l'originale.
Raffaello. Grande Madonna Cowper (Madonna col Bambino). 1508
Legno, olio. 81 x 57 cm Galleria Nazionale d'Arte, Washington
Il predominio dei principi lirici e aggraziati sul contenuto religioso ci permette di attribuire questo dipinto (noto anche come Madonna Niccolini-Cowper) al periodo fiorentino dell'opera di Raffaello, 1505-08. È infatti firmato e datato 1508, fine del soggiorno di Raffaello a Firenze. Nel ricamo dell'abito della Vergine sono inseriti la data 1508 e il monogramma dell'artista "RV". Il titolo “Madonna Niccolini-Cowper” deriva dai nomi dei due precedenti proprietari del dipinto.
Le figure voluminose e ben formate indicano la prima influenza di Michelangelo su Raffaello, mentre la modellazione morbida e l'uso del chiaroscuro indicano l'influenza di Leonardo da Vinci. L'influenza di Fra Bartolomeo è ancora più evidente in questa Madonna.
Raffaello. Madonna col Bambino (Grande Madonna Cowper). 1508
La composizione della Big Madonna di Cowper è estremamente semplice. Tutta la scena si riduce al movimento del Bambino, che tende la mano verso la Vergine Maria, e guarda lo spettatore con gli occhi, e al gesto con cui la Madonna si porta la mano al petto. Qui appare per la prima volta un sentimento di maternità inquieta, che Raffaello esprime con ancora maggiore forza nella “Madonna Tempi” (Alte Pinakothek, Monaco).
Raffaello. Madonna Tempi. 1508
Legno, olio. 75 x 51 cm, Alte Pinakothek, Monaco di Baviera
Il sentimento di ansia materna, intensificato da un'ansiosa premonizione del futuro, è espresso con forza da Raffaello nella “Madonna Tempi”. Lei guarda solo lui, ma Cristo stesso guarda lo spettatore e così ci attrae in questa scena intima.
Raffaello. Madonna Tempi. 1508
Le due figure della Madonna Tempi sono concepite come un unico gruppo, che determina l'intero effetto visivo della scena. Il manto della Madonna mosso dal vento crea l'effetto del movimento. Due obiettivi contraddittori: il bisogno di bellezza formale dell’artista, da un lato, e la veridicità emotiva delle figure, dall’altro, vengono raggiunti in “Madonna Tempi” dimostrando il sentimento di tenerezza della madre per il suo bambino.
Il nome del dipinto deriva dal cognome fiorentino Tempi, a cui originariamente apparteneva questa Madonna.
Raffaello. Madonna di Esterhazy (Madonna con Bambino e Giovanni Battista). OK. 1508
Legno, tempera, olio. 29 x 22 cm Budapest
Raffaello collocò le sue sublimi e bellissime Madonne in mezzo a paesaggi verdi idealizzati. Lo dimostra bene la tavoletta sorprendentemente raffinata “Madonna Esterházy” (ora conservata a Budapest). Fu dipinto all'inizio del soggiorno romano dell'artista. L'incompletezza di quest'opera rivela alcuni dettagli del processo della sua creazione. L'atmosfera idilliaca del paesaggio con motivi architettonici romani completa l'armonia di figure e colori.
Raffaello. Madonna di Esterhazy (Madonna con Bambino e Giovanni Battista). OK. 1508
Questo dipinto di Raffaello fu donato alla moglie dell'imperatore Carlo da papa Clemente XI. Successivamente, forse come dono dell'imperatrice Maria Teresa, entrò in possesso del principe Kaunitz e da lui, nel XVIII secolo, nella collezione del principe Esterhazy - da qui il nome “Madonna Esterhazy”. Numerose riproduzioni testimoniano la popolarità di questo dipinto. Il bozzetto preparatorio di Raffaello è conservato agli Uffizi.
Raffaello. Madonna di Ansidei (Madonna col Bambino, Pala di Ansidei), c. 1505
Legno, olio. 209,6 x 148,6 cm Galleria Nazionale, Londra
Lo sfondo paesaggistico chiaro e l'alto baldacchino della Madonna Ansidei ricordano vagamente l'arte di Piero della Francesca, ma le tipologie delle figure sono psicologicamente più complesse e strutturalmente più voluminose. Il dipinto suscita sentimenti di monumentalità e proporzione armoniosa, costanti nell'arte successiva di Raffaello.
Anche l'altare degli Ansidei aveva una predella a tre ante. Raffiguravano il sermone di Giovanni Battista, la scena del matrimonio della Vergine Maria e un'illustrazione della leggenda su San Nicola Taumaturgo che salva la vita dei marinai.
Raffaello. Sacra Famiglia con Giuseppe Imberbe. 1506
Tempera su tela, trasferita da legno. 74 x 57 cm Hermitage, San Pietroburgo
Una delle versioni della Sacra Famiglia, dipinta da Raffaello. La sua particolarità è che San Giuseppe, solitamente raffigurato con la barba, qui è presentato imberbe. Si ipotizza che si tratti di uno dei due dipinti citati dal Vasari che furono eseguiti da Raffaello a Urbino per Guidobaldo da Montefeltro.
Raffaello. Sacra Famiglia con Giuseppe Imberbe. 1506
Il modo in cui Giuseppe è raffigurato in questo dipinto - molto tipico per i ritratti di privati e insolito per l'iconografia dei santi - ha fatto ipotizzare che in questo caso il prototipo di Raffaello fosse un suo contemporaneo. È più probabile, tuttavia, che l'artista si sia ispirato alle raffigurazioni degli anziani di Leonardo da Vinci.
Raffaello. Colonna della Madonna. OK. 1508
Tela, olio. 77 x 56 cm.Musei statali, Berlino
Il dipinto di Raffaello "Madonna della Colonna" prende il nome dalla famiglia principesca romana, dalla quale emersero diversi papi. Dipinta nel 1508, nel primo anno del soggiorno di Raffaello a Roma, questa Madonna è eseguita con colori sorprendentemente chiari. Ciò suggerisce che il dipinto potrebbe non essere completamente completo.
Raffaello. Colonna della Madonna. OK. 1508
Gesù Bambino distrae la Madonna leggendo. Guarda lo spettatore, allungando la mano verso la scollatura di Madonna e chiaramente desiderando che lei gli dia da mangiare. La torsione delle figure (“torsione”), mutuata dai grandi maestri fiorentini, allontana notevolmente questo dipinto di Raffaello dal mondo statico e autosufficiente del suo primo maestro, il Perugino.
Raffaello. Madonna di Loreto (Madonna con il velo). 1509-1510
Legno, olio. 120 x 90 cm Museo Condé, Chantilly, Francia
Questa immagine della Madonna fu donata alla chiesa romana di Santa Maria del Popolo da Papa Giulio II. Il dipinto, con un forte strato superiore successivo di "correzioni", è stato associato al nome dell'artista Penny fino al 1979, ma è stato poi riconosciuto come opera indubbia di Raffaello.
Raffaello. Madonna di Loreto. 1509-1510
La Madonna di Loreto è una delle opere più copiate di Raffaello. Il numero delle copie conosciute sfiora le 120. Il nome "Madonna di Loreto" deriva da una copia, oggi perduta, conservata nella basilica romana della Santa Casa di Loreto. Questa copia fu considerata per molto tempo l'originale del dipinto di Raffaello.
Raffaello. Madonna Sistina. 1513-1514.
Tela, olio. 270 x 201 cm Galleria dei Maestri Antichi, Dresda
Nel dipinto della Vergine Maria con il Bambino, San Sisto e Santa Barbara, comunemente chiamato la “Madonna Sistina”, i personaggi si trovano in uno spazio immaginario che essi stessi creano. Le figure stanno su un letto di nuvole, incorniciate da pesanti tende aperte in entrambe le direzioni. La Madonna sembra emergere dal cielo attraverso il piano del quadro nel mondo reale, verso lo spettatore. Il gesto di San Sisto e lo sguardo di Santa Barbara sono rivolti ai fedeli, che Raffaello suggerisce si trovino dietro la balaustra nella parte inferiore del quadro. La tiara papale, adagiata alla sommità di questa balaustra, funge da ponte tra lo spazio reale e quello pittorico.
Raffaello. Madonna Sistina, 1513-1514
La "Madonna Sistina" doveva probabilmente decorare la tomba Papa Giulio II. San Sisto era il santo patrono della famiglia di questo papa (della Rovere), e Santa Barbara ei due "geni" alati nella parte inferiore del quadro simboleggiavano la cerimonia funebre. Questo dipinto di Raffaello fu conservato nel monastero di San Sisto a Piacenza, per poi essere donato dai suoi monaci al re sassone Augusto III. Dopo la resa della Germania nella seconda guerra mondiale, la Madonna Sistina fu trasportata a Mosca, ma in seguito tornò a Dresda.
I due putti alati della Madonna Sistina di Raffaello sono probabilmente gli angeli dipinti più famosi. Hanno già mezzo millennio. Il loro continuo successo, che non si è indebolito fino ad oggi, è apparentemente spiegato dal fatto che in queste figure Raffaello combinava il vero sentimento religioso cristiano con motivazioni pagane e secolari, la malizia infantile con l'arte alta.
Gli angeli della “Madonna Sistina” furono riprodotti più volte in diverse varianti su altri dipinti, su libri, giornali e riviste.
Raffaele Santi(Italiano Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Raffaello, Raffaello da Urbino, Raffaello; 28 marzo 1483 - 6 aprile 1520) - un grande pittore, grafico e architetto italiano, rappresentante della scuola umbra.
Il figlio del pittore Giovanni Santi frequentò la prima formazione artistica ad Urbino presso il padre Giovanni Santi, ma già in giovane età finì nella bottega dell'eccezionale artista Pietro Perugino. Furono il linguaggio artistico e l'immaginario dei dipinti del Perugino, con la loro attrazione per una composizione simmetrica ed equilibrata, per la chiarezza delle soluzioni spaziali e per la morbidezza del colore e della luce, ad avere un'influenza primaria sullo stile del giovane Raffaello. stabiliscono che lo stile creativo di Raffaello comprendeva una sintesi delle tecniche e delle scoperte di altri maestri. Dapprima Raffaello si affidò all'esperienza del Perugino e in seguito, a sua volta, alle scoperte di Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo e Michelangelo.
Le prime opere (Madonna Conestabile, 1502-1503 circa) sono intrise di grazia e morbido lirismo. Ha glorificato l'esistenza terrena dell'uomo, l'armonia delle forze spirituali e fisiche nei dipinti delle stanze (stanze) del Vaticano (1509-1517), ottenendo un impeccabile senso di proporzione, ritmo, proporzioni, eufonia di colore, unità di figure e maestosi sfondi architettonici.
A Firenze, entrato in contatto con le opere di Michelangelo e Leonardo, Raffaello apprese da loro la rappresentazione anatomicamente corretta del corpo umano. All'età di 25 anni, l'artista finisce a Roma, e da quel momento inizia il periodo di massima fioritura della sua creatività: esegue dipinti monumentali nel Palazzo Vaticano (1509-1511), tra cui l'indubbio capolavoro del maestro: l'affresco “La Scuola di Atene”, dipinge composizioni d'altare e dipinti da cavalletto, distinguendosi per l'armonia di concezione ed esecuzione, lavora come architetto (per qualche tempo Raffaello diresse addirittura la costruzione della Cattedrale di San Pietro). In un'instancabile ricerca del suo ideale, incarnato per l'artista nell'immagine della Madonna, crea la sua creazione più perfetta: la “Madonna Sistina” (1513), simbolo di maternità e abnegazione. I dipinti e gli affreschi di Raffaello furono riconosciuti dai suoi contemporanei e Santi divenne presto una figura centrale nella vita artistica di Roma. Molti nobili italiani volevano imparentarsi con l’artista, compreso il cardinale Bibbiena, caro amico di Raffaello. Tuttavia, il matrimonio di Raffaello e Maria Dovatzi, una delle nipoti del cardinale, non ebbe mai luogo. Secondo una versione la ragazza morì senza aspettare che Raffaello mantenga la sua promessa di matrimonio; secondo un'altra versione l'artista era già segretamente sposato con la cortigiana Fornarina. L'artista morì all'età di trentasette anni per insufficienza cardiaca. I dipinti incompiuti della Villa Farnesina, delle logge vaticane e altre opere furono completati dagli allievi di Raffaello secondo i suoi schizzi e disegni.
“Madonna col Bambino” (Madonna di Casa Santi) è il primo appello di Raffaello all’immagine che diventerà quella principale nell’opera dell’artista. Il dipinto risale al 1498. L'artista aveva solo 15 anni al momento della pittura. Ora il dipinto si trova nel Museo di Raffaello nella città italiana di Urbino.
"Madonna col Bambino tra i santi Girolamo e Francesco", 1499-1504. Il dipinto è ora nella Galleria d'arte di Berlino.
"Madonna Solly" è così chiamata perché appartenuta al collezionista britannico Edward Solly. Il dipinto risale al 1500-1504. Il dipinto è ora nella Galleria d'arte di Berlino.
"Madonna di Pasadena" (Madonna di Pasadena) prende il nome dalla sua posizione attuale: la città di Pasadena negli Stati Uniti. Il dipinto è datato 1503.
La "Madonna col Bambino in trono e santi" risale al 1503-1505. Il dipinto raffigura la Vergine Maria con il Bambino Cristo, il giovane Giovanni Battista, nonché l'apostolo Pietro, l'apostolo Paolo, Santa Caterina e Santa Cecilia. Il dipinto si trova al Metropolitan Museum of Art di New York (USA).
"Madonna Diotallevi" prende il nome dal proprietario originario - Diotallevi di Rimini. Il dipinto è ora nella Galleria d'arte di Berlino. La Madonna Diotallevi è datata 1504. Il dipinto raffigura la Vergine Maria con in braccio il bambino Gesù, che benedice Giovanni Battista. John incrociò le mani sul petto in segno di umiltà. In questo quadro, come in tutti i precedenti, si avverte l’influenza del Perugino, maestro di Raffaello.
La "Madonna Connestabile" fu dipinta nel 1504 e successivamente prese il nome dal proprietario del dipinto, il Conte Conestabile. Il dipinto fu acquistato dall'imperatore russo Alessandro II. Ora "Madonna Conestabile" è all'Ermitage (San Pietroburgo). "
Madonna Conestabile" è considerata l'ultima opera realizzata da Raffaello in Umbria, prima del trasferimento a Firenze.
"Madonna del Granduca" fu scritta nel 1504-1505. Questo dipinto mostra l'influenza di Leonardo da Vinci. Il dipinto fu dipinto da Raffaello a Firenze e rimane in quella città fino ai giorni nostri.
"Piccola Madonna di Cowper" (Piccola Madonna Cowper) fu scritta nel 1504-1505. Il dipinto prende il nome dal suo proprietario, Lord Cowper. Il dipinto è ora a Washington (National Gallery of Art).
"Madonna Terranuova" fu scritta nel 1504-1505. Il dipinto ha preso il nome da uno dei proprietari: il duca italiano di Terranuva. Il dipinto è ora nella Galleria d'arte di Berlino.
"Madonna Ansidei" risale al 1505-1507 e raffigura la Vergine Maria con Cristo bambino, Giovanni Battista adulto e Nicola Taumaturgo. Il dipinto è alla National Gallery di Londra.
Madonna Ansidei. Dettaglio
La "Madonna d'Orleans" fu dipinta nel 1506. Il dipinto si chiama Madonna d'Orleans perché il suo proprietario era Filippo II d'Orleans e ora si trova nella città francese di Chantilly.
Il dipinto di Raffaello "La Sacra Famiglia con San Giuseppe imberbe" (Sacra Famiglia con san Giuseppe imberbe) fu dipinto intorno al 1506 ed è ora all'Ermitage (San Pietroburgo).
Il dipinto di Raffaello "La Sacra Famiglia sotto una palma" risale al 1506. Come nel dipinto precedente, anche questo raffigura la Vergine Maria, Gesù Cristo e San Giuseppe (questa volta con la barba tradizionale). Il dipinto è conservato alla National Gallery of Scotland di Edimburgo.
La "Madonna nel verde" (Madonna del Belvedere) risale al 1506. Il dipinto è ora a Vienna (Kunsthistorisches Museum). Nel dipinto, la Vergine Maria tiene in braccio il bambino Cristo, che afferra la croce di Giovanni Battista.
La "Madonna con il Cardellino" risale al 1506. Ora il dipinto è a Firenze (Galleria degli Uffizi). Il dipinto raffigura la Vergine Maria seduta su una roccia mentre Giovanni Battista (a sinistra del dipinto) e Gesù (a destra) giocano con un cardellino.
La "Madonna con garofani" (Madonna dei Garofani) è datata 1506-1507. "Madonna con garofani", come altri dipinti del periodo fiorentino dell'opera di Raffaello, fu scritto sotto l'influenza dell'opera di Leonardo da Vinci. La "Madonna con garofani" di Raffaello è una versione della "Madonna con fiore" di Leonardo da Vinci. Il dipinto è alla National Gallery di Londra.
"Il bellissimo giardiniere" (La Belle Jardiniere) risale al 1507. Il dipinto è al Louvre (Parigi). La Vergine Maria nel dipinto siede nel giardino con in braccio il bambino Cristo. Giovanni Battista si sedette su un ginocchio.
Il dipinto di Raffaello "Sacra Famiglia con l'agnello" risale al 1507. Il dipinto raffigura la Vergine Maria, San Giuseppe e il bambino Gesù seduto a cavalcioni di un agnello. Il dipinto è attualmente al Museo del Prado a Madrid.
Il dipinto "La Sacra Famiglia Canigiani" (Sacra Famiglia Canigiani) fu dipinto da Raffaello nel 1507 per il fiorentino Domenico Canigiani. Il dipinto raffigura San Giuseppe, Santa Elisabetta con il figlio Giovanni Battista e la Vergine Maria con il figlio Gesù. Il dipinto si trova a Monaco (Alte Pinakothek).
Il dipinto di Raffaello "Madonna Bridgewater" risale al 1507 ed è così chiamato perché si trovava nella tenuta di Bridgewater in Gran Bretagna. Il dipinto è ora a Edimburgo (National Gallery of Scotland).
"Madonna Colonna" risale al 1507 e prende il nome dai proprietari della famiglia italiana Colonna. Il dipinto è ora nella Galleria d'arte di Berlino.
"Madonna Esterhazy" risale al 1508 e prende il nome dai proprietari della famiglia italiana Esterhazy. Il dipinto raffigura la Vergine Maria che tiene in braccio il bambino Gesù e Giovanni Battista seduto. Ora il dipinto si trova a Budapest (Museo delle Belle Arti).
La "Grande Madonna Cowper" fu dipinta nel 1508. Come la Madonnina di Cowper, il dipinto si trova a Washington (National Gallery of Art).
Nel 1508 fu dipinta la "Madonna Tempi", che prende il nome dai proprietari, la famiglia fiorentina Tempi. Ora il dipinto è a Monaco (Alte Pinakothek). "Madonna Tempi" è uno dei pochi dipinti di Raffaello del periodo fiorentino in cui non si avverte l'influenza di Leonardo da Vinci.
La Madonna della Torre fu dipinta nel 1509. Il dipinto è ora alla National Gallery di Londra.
"Madonna Aldobrandini" risale al 1510. Il dipinto prende il nome dai proprietari: la famiglia Aldobrandini. Il dipinto è ora alla National Gallery di Londra.
La "Madonna del Diadema blu" è datata 1510-1511. Nel dipinto, la Vergine Maria solleva con una mano la tenda su Gesù dormiente, mentre con l'altra abbraccia Giovanni Battista. Il dipinto è a Parigi (Louvre).
La "Madonna d'Alba" risale al 1511. Il dipinto porta il nome della sua proprietaria, la duchessa d'Alba. La "Madonna Alba" appartenne per lungo tempo all'Eremo, ma nel 1931 fu venduta all'estero ed è oggi nel Museo Nazionale. Galleria d'Arte di Washington.
La "Madonna con il velo" (Madonna del Velo) risale al 1511-1512. Il dipinto si trova al Museo Condé nella città francese di Chantilly.
La "Madonna di Foligno" risale al 1511-1512. Il dipinto prende il nome dalla città italiana di Foligno, dove si trovava. Il dipinto è ora nella Pinacoteca Vaticana. Questo dipinto fu dipinto da Raffaello su commissione di Sigismondo de Conti, segretario di Papa Giulio II. Il cliente stesso è raffigurato nella foto a destra, inginocchiato davanti alla Vergine Maria e a Cristo, circondato da angeli. Accanto a Sigismondo de Conti stanno San Girolamo e il suo leone addomesticato. A sinistra c'è Giovanni Battista e Francesco d'Assisi inginocchiato.
La "Madonna con candelabri" (Madonna dei Candelabri) risale al 1513-1514. Il dipinto raffigura la Vergine Maria con il Cristo Bambino circondato da due angeli. Il dipinto si trova nel Walters Art Museum di Baltimora (USA).
La Madonna Sistina è datata 1513-1514. Il dipinto raffigura la Vergine Maria con il bambino Cristo in braccio. A sinistra della Madre di Dio c'è Papa Sisto II, a destra c'è Santa Barbara. La Madonna Sistina si trova nella Galleria degli Antichi Maestri di Dresda (Germania).
"Madonna dell'Impannata" è datata 1513-1514. Il dipinto raffigura la Vergine Maria con Cristo bambino in braccio. Accanto a loro ci sono Santa Elisabetta e Santa Caterina. A destra c'è Giovanni Battista. Il dipinto si trova nella Galleria Palatina a Firenze "Madonna in tenda" fu dipinto nel 1513-1514.Il nome del dipinto è dato dalla tenda in cui si trovavano la Vergine Maria con il Bambino Cristo e Giovanni il Battista.Il dipinto si trova nella Alte Pinakothek di Monaco (Germania).
La Madonna del Pesce fu dipinta nel 1514. Il dipinto raffigura la Vergine Maria con Cristo bambino, San Girolamo con un libro, nonché l'Arcangelo Raffaele e Tobia (il personaggio del Libro di Tobia, al quale l'Arcangelo Raffaele donò il pesce miracoloso). Il dipinto si trova nel Museo del Prado a Madrid.
La "Passeggiata della Madonna" risale al 1516-1518. Il dipinto raffigura la Vergine Maria, Cristo, Giovanni Battista e, non lontano da loro, San Giuseppe. Il dipinto è conservato alla National Gallery of Scotland (Edimburgo).
Il dipinto di Raffaello "La Sacra Famiglia di Francesco I" (Sacra Famiglia di Francesco I) è datato 1518 e prende il nome dal proprietario, il re Francesco I di Francia, ed è ora al Louvre. Il dipinto raffigura la Vergine Maria con il Bambino Cristo, San Giuseppe, Santa Elisabetta con il figlio Giovanni Battista. Dietro ci sono le figure di due angeli.
Il dipinto di Raffaello Sacra Famiglia sotto la quercia raffigura la Vergine Maria con Cristo Bambino, San Giuseppe e Giovanni Battista. Il dipinto si trova al Museo del Prado di Madrid.
La "Madonna con la rosa" è datata 1518. Il dipinto raffigura la Vergine Maria con il Bambino Gesù, che riceve da Giovanni Battista una pergamena con la scritta "Agnus Dei" (Agnello di Dio). Dietro ognuno c'è San Giuseppe. Sul tavolo c'è una rosa che ha dato il nome al dipinto. Il dipinto si trova al Museo del Prado di Madrid.
Il dipinto "Piccola Sacra Famiglia" risale al 1518-1519. Il dipinto raffigurante la Vergine Maria con Cristo e Santa Elisabetta con Giovanni Battista è chiamato "Piccola Sacra Famiglia" per distinguerlo dal dipinto "Grande Sacra Famiglia" ("Sacra Famiglia di Francesco I"), anch'esso conservato al Louvre.
Nella pittura rinascimentale molti dipinti furono realizzati su commissione della chiesa e di privati. La Madonna col Bambino in braccio era uno dei temi preferiti dagli artisti. Era venerata come un'icona e in seguito percepita come un'opera d'arte. Di seguito è riportato un dettaglio della Madonna col Bambino e due angeli del pittore del primo Rinascimento Fra Filippo Lippi.
Tradizioni cristiane
Sia nell'iconografia bizantina che nella pittura rinascimentale, l'immagine centrale è quella della Madre di Dio che tiene in braccio un bambino. Diventa sempre il fulcro della narrazione della salvezza. Inizialmente la Madonna col Bambino fu dipinta secondo i canoni determinati dalla Seconda Concilio di Nicea 787 Già a partire dal XII secolo, la cultura occidentale, e successivamente la pittura rinascimentale, non abbandonarono il fatto che l'immagine della Beata Vergine è un'icona, ma introdussero sulle tele attributi che conferirono loro simboli universali.
Nella foto sopra vedete la Madonna col Bambino, santi e angeli, dipinta nel 1310 da Giotto. Questo dipinto rivoluzionò la Chiesa di Tutti i Santi a Firenze. Le leggi della prospettiva non sono rispettate alla perfezione; la Vergine Maria è raffigurata come una semplice donna triste che abbraccia stretto a sé un bambino. In questa immagine, piena di umanità, non c'è distacco né disinteresse. Giotto fece il primo passo, senza il quale il Rinascimento avrebbe potuto essere ritardato.
Rinascimento
Nel XV secolo la Madonna col Bambino divenne non solo un soggetto sacro. La sua immagine è commissionata ad artisti sia da persone laiche che da autorità ecclesiastiche. Questo tema si sta sviluppando in tutta Italia, ma soprattutto a Firenze e Venezia. A Venezia Giovanni Bellini amava questo tema. Magnifica la sua “Madonna di Brera”, in cui la luce si riversa attraverso le figure della Vergine Maria e di Cristo, permeando l'intera tela.
La principale popolarità di Rafal Santi venne dalle piccole tele che creò a Firenze: Madonne con bambini paffuti. Qui sopra potete vedere una delle sue Madonne. La Madonna col Bambino divenne spesso il soggetto dei suoi dipinti. Tuttavia Raffaello realizzò anche grandi pale d'altare. Un esempio è il suo lavoro, che è esposto al Metropolitan Museum of Art.
"Madonna in trono col Bambino e Santi"
L'altare fu commissionato da Raffaello per il monastero di San Antonio e completato nel 1504-1505.
La Madonna col Bambino siede in trono, Cristo benedice Giovanni Battista, che sta ai piedi del trono. Il trono è circondato anche dai santi Pietro, Caterina, Paolo e da un altro santo il cui nome è controverso. Sopra la Madonna, in un'elegante lunetta a forma di mezzaluna, il pittore ha collocato Dio Padre, che con una mano regge l'intero globo e con l'altra è alzato in gesto benedicente. Ai suoi lati ci sono angeli che reggono nastri svolazzanti.
I dipinti di Leonardo
Era un genio straordinariamente versatile. Si è mostrato in una varietà di aree non solo dell'arte, ma anche della conoscenza. Leonardo da Vinci molto rapidamente, in soli tre anni, si sviluppò come artista e scultore. Avendo iniziato a lavorare presto, l'autore si dimostra un pittore del tutto originale con una propria direzione di ricerca e interessi. Innanzitutto bisogna citare l'“Annunciazione” della Galleria degli Uffizi, il noto dipinto “Madonna Benois” e la “Madonna Litta” della collezione dell'Ermitage. Quest'ultima era originariamente chiamata "Madonna col Bambino".
Da non dimenticare la Madonna del Garofano (1478-1480) della Pinacoteca di Monaco. Il dipinto “Madonna col Bambino” di Leonardo da Vinci, una fotografia della cui riproduzione mostra colori magnifici, appare davanti a noi in un'elegante veste dei tre colori preferiti del pittore: oro, scarlatto e blu.
Il colore dell'abito di Maria si abbina alla fantastica gamma di montagne blu sullo sfondo. La testa della giovane donna è sollevata con orgoglio, il suo viso è completamente calmo. Il viso è leggermente scurito. Questa delicata coltre fumosa su di esso crea un'impressione completa di distacco. Un momento curioso: la madre guarda in basso, il bambino guarda in alto: non c'è contatto tra i loro occhi.
A differenza di Maria, il bambino rappresenta il movimento. Statica combinata con dinamica: ecco come appare l'immagine. La Madonna col Bambino di Leonardo da Vinci, descritta sopra, dimostra la calma della giovane donna, così come la giocosità del bambino: raggiunge instancabilmente il garofano, simbolo di guarigione, coperto dall'ombra.
Periodo milanese
A Milano (durante la sua maturità), Da Vinci creò numerose opere, una delle prime opere fu “Madonna delle rocce”, o “Madonna nella grotta”. Il dipinto raffigura la Madonna col Bambino. La tela originale è al Louvre. La versione londinese è stata completata dagli studenti sulla base dei suoi schizzi.
Nel dipinto raffigurante la Madonna col Bambino, Leonardo da Vinci, attraverso il movimento delle figure, la loro plasticità, i giri della testa, l'espressione e gli sguardi rivolti, cerca di rivelare il significato drammatico interno della scena. L'artista si è discostato dai canoni in tutto e si è avvicinato alla soluzione in un modo completamente nuovo: la Madonna ha messo la mano sul corpo di Giovanni Battista. L'angelo tiene in braccio il bambino Gesù, che benedice Giovanni e fa un gesto indicando la direzione in cui deve essere inviata la benedizione. Pace e tenerezza riempiono interamente questa scena. Questo crea un contrasto con il paesaggio, che è costituito da rocce e massi. Il tutto è addolcito dalla leggera foschia che Leonardo avvolge la sua composizione triangolare. Ci sono diversi schizzi sanguigni, affascinanti nella loro incompletezza, per questo angelo, che gira il viso di tre quarti verso lo spettatore, ma non lo guarda.
"Sant'Anna con la Madonna e Cristo Bambino"
Questo è un dipinto incompiuto, ma molto insolito e non convenzionale. La Madonna col Bambino di Leonardo da Vinci fu commissionata dai monaci per una chiesa a Firenze nel 1508-1510. L'originalità sta nel fatto che Maria siede sulle ginocchia (grembo) della madre Anna. Inoltre, la madre è leggermente più grande di sua figlia. Questo sottile ma percettibile cambiamento di dimensioni potrebbe aver suggerito allo spettatore l'anzianità di Sant'Anna, poiché i volti di entrambe le donne sono giovani e belli.
Nella cultura della pittura non esiste più un simile uso del soggetto di una donna seduta sulle ginocchia di un'altra. La Beata Vergine stessa si è inchinata e vuole allevare il bambino giocando con una pecora (agnello), che simboleggia la sofferenza che lo attende in futuro. La madre vuole restituirlo al suo grembo. Maria è preoccupata per suo figlio, è piena di tenerezza e affetto nei suoi confronti.
Secondo Vasari Maria è semplice, modesta e umile. Le piace contemplare la bellezza di suo figlio. Anna osserva la sua prole terrena, divenuta poi celeste, con amore, con un lieve sorriso sulle labbra. Qui viene utilizzata una delle tecniche compositive preferite di Leonardo. Tutte le figure sono inscritte in una piramide. Gesù e Maria sono sullo sfondo di un caldo sfondo dorato. Dietro la testa di Anna si vedono le cime azzurrine delle montagne e il cielo, che nella loro tonalità riecheggiano il mantello gettato sulle ginocchia della Madonna. Il colore grigio dell'agnello è paragonabile alla manica del vestito di Anna. Il tutto è ricoperto da un leggero velo di sfumato.
Il dipinto è stato dipinto su tavole di pioppo che si erano deformate nel corso di 500 anni. Il restauro nel 21° secolo non ebbe molto successo: i colori tenui di Leonardo cambiarono in colori più luminosi.
Il capolavoro di Da Vinci da San Pietroburgo
All'Eremo è esposta l'opera “Madonna Litta”, precedentemente chiamata “Madonna col Bambino” (1491). Sulla tela vediamo una giovanissima donna raffigurata sullo sfondo di un muro scuro e di due finestre ad arco simmetriche. Allatta il bambino e guarda suo figlio con un sorriso gentile, appena percettibile. La colorazione è nobile e basata su una combinazione di rosso, blu e oro. Il bambino tiene con una mano il seno della madre e con l'altra un cardellino, che era un simbolo dell'anima di un cristiano.
Questo conclude la nostra considerazione del dipinto “Madonna col Bambino” di Leonardo Da Vinci. È descritto sopra.
Conclusione
Speriamo che le immagini della Madonna col Bambino abbiano dato al nostro lettore un'idea dei dipinti del primo e tardo Rinascimento. Abbiamo scelto principalmente quelle opere che non sono disponibili nei musei russi, ad eccezione di un'opera dell'Ermitage.