Il quotidiano britannico The Times classificato I 200 migliori artisti vissuti dall'inizio del XX secolo ai giorni nostri.
Di conseguenza, secondo i lettori britannici, primo posto occupata dal grande artista spagnolo Pablo Picasso.
Secondo posto dato al post-impressionista Paolo Cézanne, il terzo - il fondatore dell'Art Nouveau austriaco Gustav Klimt. L'ultima riga è occupata da un artista giapponese contemporaneo Hiroshi Sujimoto.
Nella top ten figurano gli artisti francesi Claude Monet, Henri Matisse, Marcel Duchamp e artista americano Jackson Pollock.
Chiude la top ten la leggenda della pop art Andy Warhole, rappresentante dell'arte astratta Willem de Kooning e famoso modernista Pie Mondrian.
È impossibile non notare la sopravvalutazione di alcuni artisti e l'ignoranza di altri, non meno talentuosi. La redazione del Times, riassumendo i risultati del sondaggio, è perplessa: “Cosa ci fa Martin Kippenberger tra i primi 20? Perché è valutato più in alto di Rothko, Schiele e Klee? Munch (46esimo posto) è peggio di Frida Kahlo? Molto probabilmente, ciò è spiegato dal desiderio delle donne di posizionare il gentil sesso il più in alto possibile nella classifica.
Da artisti russi compaiono in classifica Basilico Kandinsky(15°), creatore di "Quadrato Nero" "Casimiro Malevich(17). L'artista ucraino-americano Alexander è stato premiato al 95° posto Archipenko. 135 - uno dei fondatori del costruttivismo Alessandro Rodchenko. C'erano anche nella lista Marc Chagall-71esimo, e Vladimir Tatlin- 145esimo.
Qui 20 migliori artisti del 20° secolo, secondo gli amanti dell'arte britannici
Venti migliori artisti del XX e dell'inizio del XXI secolo
1. Pablo Picasso
2. Paul Cézanne
3.Gustav Klimt
4. Claude Monet
5. Marcel Duchamp
6.Henri Matisse
7.Jackson Pollock
8. Andy Warhol
9. Willem de Kooning
10. Piet Mondrian
11.Paul Gauguin
12. Francesco Bacone
13. Robert Rauschenberg
14. Georges Braque
15. Vasily Kandinsky
16. Constantin Brancusi
17. Kazimir Malevich
18. Jasper Johns
19. Frida Kahlo
20. Martin Kippenberger
………………
Sì, se un sondaggio del genere fosse stato condotto qui, l'elenco sarebbe completamente diverso. Proprio come gli elenchi delle migliori opere letterarie, differiscono notevolmente da paese a paese.
Ma finora abbiamo solo questo elenco, in cui non conosciamo molti artisti.
Pertanto, ecco una breve storia sui primi venti artisti.
E l'elenco completo 200 migliori artisti del XX e dell'inizio del XXI secolo- alla fine del post.
...................
1.Picasso Pablo- Artista spagnolo, artista grafico
8. Andy Warhol(vero nome - Andrew Warhola, Rusyn. Andriy Vargola; 1928-1987) - Artista e produttore americano, una persona di spicco nella storia della pop art e dell'arte moderna in generale. Fondatore dell'ideologia dell'“homo universale”.
Warhol creò diversi dipinti che divennero una sensazione nel mondo dell'arte. Nel 1960 creò il design delle lattine di Coca-Cola, che lo rese famoso come artista con una straordinaria visione dell'arte. E nel 1960-1962 apparvero una serie di opere raffiguranti lattine di zuppa Campbell. 
Warhol uno dei primi a utilizzare la serigrafia e la serigrafia come metodo per creare dipinti.
Warhol creò una serie di dipinti in cui raffigurava gli idoli della società moderna. Tra le stelle che Andy ha dipinto: ripetute Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, The Beatles, Michael Jackson, Lenin e altri. Questi disegni dai colori vivaci divennero il marchio di fabbrica di Warhol. ricreando l'atmosfera dell'America degli anni '60. 
Secondo i critici, questi dipinti riflettevano la volgarità della cultura consumistica di massa e la mentalità della civiltà occidentale. Warhol è considerato uno dei rappresentanti della pop art e dell'arte concettuale, come Robert Rauschenberg, Jasper Johns e Roy Lichtenstein, e attualmente i prezzi dei suoi dipinti raggiungono decine di milioni di dollari. Intorno alla figura di Warhol si è raccolta un'intera sottocultura.
Nel 2015, il dipinto è stato venduto alla Qatari Museum Authority per 300 milioni di dollari. 287\237\225
12. Francesco Bacone-(1909-1992) -artista inglese- espressionista. La pittura di Bacon è sempre espressiva, è una sorta di grido che trasmette la tragedia dell'esistenza. Il tema principale delle sue opere è il corpo umano: distorto, allungato, racchiuso in forme geometriche. Diverse opere sono incluse nell'elenco dei dipinti più costosi.
Il 14 maggio 2008, il trittico Landmark of the Canonical 20th Century di Francis Bacon del 1976 è stato venduto da Sotheby's per 86,3 milioni di dollari. Venduto dalla famiglia Muy, proprietaria della produzione vinicola Château Pétrus, al miliardario russo Roman Abramovich. E il pittore ha ricevuto il titolo di artista più costoso del dopoguerra e si è classificato al terzo posto nella top ten degli artisti più costosi del mondo in generale, dietro solo a Picasso e Klimt. 180\122\96
13.Robert Rauschenberg(1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Florida) - Artista americano. Rappresentante dell'espressionismo astratto, poi dell'arte concettuale e della pop art, nelle sue opere gravita verso il collage e le tecniche readymade, utilizzando la spazzatura.
Come altri rappresentanti della pop art, ha cercato di esprimere la sua visione del mondo in forme insolite e scioccanti. A questo scopo sono state utilizzate tele, collage e installazioni.
All'inizio degli anni '50, Rauschenberg attraversò tre fasi nella creazione di dipinti:
"Pittura bianca": numeri neri e alcuni simboli sono raffigurati su uno sfondo bianco.
"Pittura nera": ritagli di giornali erano incollati sulla tela e il tutto era ricoperto di smalto nero.
"Pittura rossa" - dipinti astratti nei toni del rosso, in parte con adesivi realizzati con giornali, chiodi, fotografie, ecc.
Nel 1953, Rauschenberg cancellò un disegno di Willem de Kooning e lo espose con il titolo “Erased De Kooning Drawing”, sollevando interrogativi sulla natura dell’arte. 
Dalla metà degli anni '50 Rauschenberg crea oggetti spaziali che chiama "dipinti combinati", ad esempio:
"Odalisca" (cuscino di raso, pollo ripieno, fotografie e riproduzioni)
"Letto" - un letto schizzato di vernice e posizionato verticalmente ... 
Alla fine degli anni '50 padroneggia la tecnica del frottage (sfregamento, introdotto nell'arte da Max Ernst) per trasferire su carta le fotografie di riviste. Rauschenberg lo ha utilizzato per creare una serie grafica di 34 illustrazioni per l'Inferno di Dante in stile pop art. Nel 1962 padroneggia la tecnica della serigrafia e con essa realizza numerose opere di grandi dimensioni. Uno dei dipinti di questa serie Sentiero verso il paradiso» ( Skyway, 1964). Su di esso, i simboli della cultura pop (ad esempio gli astronauti americani) sono affiancati alle immagini di Rubens.
Rauschenberg è il vincitore di numerosi premi, tra cui: il premio principale alla Biennale di Venezia, il Grammy, la Medaglia Nazionale degli Stati Uniti, il Premio Imperiale giapponese e altri.
Negli anni '60 e '70 Rauschenberg è stato impegnato nel campo della performance art, degli eventi e di altri eventi teatrali.
1 Pablo Picasso 21587
2 Paul Cézanne 21098
3 Gustav Klimt 20823
4 Claude Monet 20684
5 Marcel Duchamp 20647
6Henry Matisse 17096
7 Jackson Pollock 17051
8 Andy Warhol 17047
9 Willem de Kooning 17042
10 Piet Mondrian 17028
11Paul Gauguin 17027
12Francesco Bacone 17018
13 Robert Rauschenberg 16956
14 Georges Braque 16788
15 Vasily Kandinsky 16055
16 Constantin Brancusi 14224
17 Kazimir Malevich 13609
18 Jasper Johns 12988
19 Frida Kahlo 12940
20 Martin Kippenberger 12784
21Paul Klee
22Egon Schiele
23 Donald Judd
24Bruce Nauman
25 Alberto Giacometti
26 Salvador Dalì
27 Auguste Rodin
28Mark Rothko
29Edward Hopper
30Lucian Freud
31Riccardo Serra
32 René Magritte
33David Hockney
34 Filippo Gaston
35 Gary Cartier-Bresson 8779
36 Pierre Bonnard
37 Jean-Michel Basquiat
38Max Ernst
39 Diana Arbus
40 Georgia O'Keefe
41 Cy Twombly
42Max Beckmann
43 Barnett Newman
44Giorgio de Chirico
45 Roy Lichtenstein 7441
46Edvard Munch
47 Pierre-August Renoir
48 Uomini Ray
49 Henry Moore
50 Cindy Shermann
51 Jeff Koons
52 Tracey Emin
53 Damien Hirst
54 Yves Klein
55 Enrico Russo
56 Chaim Soutine
57 Archil Gorkij
58 Amedeo Modigliani
59Umberto Boccioni
60 Jean Dubuffet
61 Eva Hesse
62Edward Willard
63 Carlo André
64 Juan Gris
65 Lucio Fontana
66 Franz Klein
67 David Smith
68Joseph Beuys
69Alexander Calder
70 Luisa Borghese
71 Marc Chagall
72 Gerhard Richter
73 Balthus
74 Joan Mirò
75 Ernest Ludwig Kirchner
76Frank Stella
77 Georg Baselitz
78 Francesco Picabia
79Jenny Saville
80 Dan Flavin
81 Alfred Stieglitz
82 Anselmo Kiefer
83 Matteo Bernie
84 Georges Gros
85 Bernd e Hilla Becher
86 Sigmar Polke
87 Bryce Marden
88Maurizio Catellan
89 Sol LeWitt
90 Chuck Chiudi 2915
91Edward Weston
92Joseph Cornell
93 Karel Appel
94 Bridget Riley
95 Aleksandr Archipenko
96 Antonio Caro
97Riccardo Hamilton
98 Clifford ancora
99Luc Tuymans
Classe 100 Oldenburg
101 Eduardo Luigi Paolozzi
102Frank Auerbach
103 Dinosauri e Jake Chapman
104Marlene Dumas
105 Anton Tapies
106 Giorgio Morandi
107Walker Evans
108 Nan Goldin
109 Roberto Frank
110 Georges Rouault
111 Arp Hans
112 Agosto Mittente
113James Rosenquist
114Andreas Gursky
115 Eugenio Atget
116 Jeff Wall
117 Ellsworth Kelly
118Bill Brandt
119 Christo e Jean-Claude
120Howard Hodgkin
121 Josef Albers
122Piero Manzoni
123 Agnese Martin
124Anish Kapoor
125 LS Lowry
126 Robert Motherwell
127 Robert Delaunay
128Stuart Davis
129 Ed Ruscha
130 Gilbert e George 2729
131 Stanley Spencer
132James Ensor
133 Fernard Ledger
134 Brassai (Gyula Halas)
135 Aleksandr Rodčenko
136Robert Ryman
137Ed Reinhardt
138Hans Bellmer
139Isa Genzken
140 Kees van Dongen
141 Weegee
142 Paolo Rego
143 Thomas Hart Benton
144Hans Hoffman
145Vladimir Tatlin
146 Odilon Redon
147 George Segal
148 Jörg Imendorf
149 Robert Smithson
150 Peter Doig 2324
151 Ed e Nancy Kienholz
152 Riccardo Principe
153 Ansel Adams
154 Naum Gabo 2256
155 Diego Rivera 2239
156 Barbara Hepworth 2237
157 Nicola de Staël 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Félix Gonzalez-Torres 2228
160 Giacomo Balla 2225
161 Ben Nicholson 2221
162Anthony Gormley 2218
163 Lionel Feininger 2216
164 Emil Nolde 2213
165Mark Wallinger 2211
166 Hermann Nietzsch 2209
167 Paul Signac 2209
168 Jean Tigli 2209
169 Kurt Schwitters 2209
170 Grayson Perry 2208
171Julian Schnabel 2208
172 Raymond Duchamp-Villon 2208
173 Robert Gober 2208
174 Dwayne Hanson 2208
175 Richard Diebenkorn 2207
176 Apex Katz 2207
177 Alighiero Boetti 2206
178 Godier-Brzeska Henri 2206
179 Lászlo Moholy-Nagy 2205
180 Jacques-Henri Lartigue 2205
181 Robert Morris 2205artisti
Quasi ogni opera d'arte significativa ha un mistero, un "doppio fondo" o una storia segreta che vuoi scoprire.
Musica sui glutei
Hieronymus Bosch, Il giardino delle delizie, 1500-1510.
Frammento di trittico
Le controversie sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa dell'artista olandese non si sono placate sin dalla sua apparizione. L'ala destra del trittico intitolato “Inferno musicale” raffigura peccatori che vengono torturati negli inferi con l'aiuto di strumenti musicali. Uno di loro ha dei biglietti impressi sulle natiche. Amelia Hamrick, studentessa dell'Oklahoma Christian University, che ha studiato il dipinto, ha tradotto la notazione del XVI secolo in un tocco moderno e ha registrato "una canzone infernale di 500 anni fa".
Monna Lisa nuda
La famosa "La Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", fu dipinta dal poco conosciuto artista Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti storici dell’arte sono sicuri che sia stato lui il modello per i dipinti di Leonardo “Giovanni Battista” e “Bacco”. Ci sono anche versioni in cui Salai, vestito con un abito da donna, fungeva da immagine della stessa Monna Lisa.
Vecchio Pescatore
Nel 1902 l’artista ungherese Tivadar Kostka Csontvary dipinse il dipinto “Il vecchio pescatore”. Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nell’immagine, ma Tivadar vi ha inserito un sottotesto che non è mai stato rivelato durante la vita dell’artista.
Poche persone hanno pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona può esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del Vecchio è duplicata).
C'era una balena?
Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".
Sembrava un paesaggio ordinario. Barche, persone sulla riva e il mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si radunavano sulla riva per un motivo: nell'originale stavano guardando la carcassa di una balena portata a riva.
Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha riscritto il dipinto.
Due “Colazioni sull’erba”
Edouard Manet, Colazione sull'erba, 1863.
Claude Monet, Colazione sull'erba, 1865.
Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte vengono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Monet prese persino in prestito il titolo di uno dei dipinti più famosi di Manet, “Colazione sull’erba”, e scrisse il suo “Colazione sull’erba”.
Gemelli all'Ultima Cena
Leonardo da Vinci, L'Ultima Cena, 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, attribuì particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando delle baby sitter per loro da molto tempo. Alla fine riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantanti. Per tre anni Leonardo non riuscì a trovare un modello per Giuda. Ma un giorno incontrò per strada un ubriaco che giaceva in un canale di scolo. Era un giovane invecchiato a causa del bere eccessivo. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a dipingere Giuda da lui. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Diversi anni fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo dipinse Cristo da lui.
"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?
Rembrandt, "Ronda di notte", 1642.
Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg", è rimasto appeso in stanze diverse per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano apparire su uno sfondo scuro, fu chiamata "Ronda di notte" e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.
E solo durante il restauro effettuato nel 1947, si scoprì che nell'atrio il dipinto era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne falsava il colore. Dopo aver ripulito il dipinto originale, è stato finalmente rivelato che la scena rappresentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra della mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.
Barca ribaltata
Henri Matisse, "La barca", 1937.
Il dipinto di Henri Matisse "La Barca" fu esposto al Museum of Modern Art di New York nel 1961. Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il dipinto era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo: la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non commettere errori su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe essere la parte superiore del dipinto e la punta della vela dovrebbe essere verso l'angolo in alto a destra.
L'inganno nell'autoritratto
Vincent van Gogh, "Autoritratto con la pipa", 1889.
Ci sono leggende secondo cui Van Gogh si sarebbe tagliato l'orecchio. Ora la versione più attendibile è che Van Gogh si sia danneggiato un orecchio in una piccola rissa che ha coinvolto un altro artista, Paul Gauguin.
L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato perché utilizzava uno specchio mentre lavorava. In effetti, è stato l'orecchio sinistro ad essere colpito.
Orsi alieni
Ivan Shishkin, "Mattina nella pineta", 1889.
Il famoso dipinto non appartiene solo a Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano "all'aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che dipinse paesaggi per tutta la vita, aveva paura che i suoi toccanti orsi non sarebbero andati come voleva. Pertanto, Shishkin si è rivolto al suo amico, l'artista degli animali Konstantin Savitsky.
Savitsky dipinse forse i migliori orsi nella storia della pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome fosse cancellato dalla tela, poiché tutto nel dipinto “dal concetto all'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, del metodo creativo peculiare di Shishkin.
La storia innocente di "Gothic"
Grant Wood, Gotico americano, 1930.
L'opera di Grant Wood è considerata una delle più strane e deprimenti della storia della pittura americana. L’immagine con il cupo padre e la figlia è piena di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e la natura retrograda delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una casetta in stile gotico e decise di raffigurare quelle persone che, a suo avviso, sarebbero ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista vengono immortalati come i personaggi da cui gli Iowan erano così offesi.
La vendetta di Salvador Dalì
Il dipinto "Figura alla finestra" fu dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. A quel tempo, Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e la sua musa ispiratrice era sua sorella Ana Maria. Il rapporto tra fratello e sorella si deteriorò quando in uno dei dipinti scrisse "a volte sputo sul ritratto di mia madre, e questo mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare un comportamento così scioccante.
Nel suo libro del 1949, Salvador Dalì attraverso gli occhi di una sorella, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare Salvador. Per altri dieci anni, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, apparve il dipinto “Una giovane vergine che si abbandona al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità”. La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la combinazione di colori del dipinto riecheggiano chiaramente “Figura alla finestra”. Esiste una versione in cui Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro.
Danae bifronte
Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.
Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, la sparatoria ha mostrato che in una prima versione il volto della principessa, che iniziò una storia d’amore con Zeus, era simile al volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, cominciò ad assomigliare al volto di Gertje Dirks, l’amante di Rembrandt, con la quale l’artista visse dopo la morte di sua moglie.
La camera gialla di Van Gogh
Vincent Van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.
Nel maggio 1888, Van Gogh acquistò un piccolo studio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere “La camera da letto di Van Gogh ad Arles”. Per l'artista il colore e il comfort della stanza erano molto importanti: tutto doveva evocare pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è disegnata in toni gialli allarmanti.
I ricercatori del lavoro di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta nei toni del verde e del giallo.
Perfezione senza denti
Leonardo da Vinci, "Ritratto di Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
L'opinione generalmente accettata è che la Gioconda sia la perfezione e il suo sorriso sia bello nel suo mistero. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dalla sua espressione facciale, l'eroina abbia perso molti denti. Studiando le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski scoprì anche cicatrici intorno alla bocca. "Lei "sorride" così proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."
Maggiore sul controllo del volto
Pavel Fedotov, "Il matrimonio del maggiore", 1848.
Il pubblico, che per primo ha visto il dipinto “Major's Matchmaking”, ha riso di cuore: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili al pubblico di quel tempo. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: si è presentato senza i bouquet richiesti per la sposa e sua madre. E i suoi genitori mercantili vestirono la sposa stessa con un abito da ballo da sera, anche se era giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza evidentemente ha provato per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.
Perché la Libertà è nuda?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, La libertà sulle barricate, 1830.
Secondo il critico d'arte Etienne Julie, Delacroix ha basato il volto della donna sul famoso rivoluzionario parigino: la lavandaia Anne-Charlotte, che andò sulle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e uccise nove guardie. L'artista l'ha raffigurata a torso nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di coraggio e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: il seno nudo mostra che la Libertà, come cittadino comune, non indossa un corsetto.
quadrato non quadrato
Kazimir Malevich, Piazza suprematista nera, 1915.
In effetti, il “Quadrato Nero” non è affatto nero e non è affatto quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno degli altri suoi lati, e a nessuno dei lati della cornice quadrata che incornicia l’immagine. E il colore scuro è il risultato della mescolanza di vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.
Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno scoperto l'iscrizione dell'autore sul famoso dipinto di Malevich. L'iscrizione recita: "Battaglia dei negri in una grotta buia". Questa frase si riferisce al titolo del dipinto umoristico del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais, "La battaglia dei negri in una caverna oscura nel cuore della notte", che era un rettangolo completamente nero.
Melodramma della Monna Lisa austriaca
Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.
Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinad Bloch-Bauer. Tutta Vienna ha discusso della tempestosa storia d'amore tra Adele e il famoso artista. Il marito ferito voleva vendicarsi delle sue amanti, ma scelse un metodo molto insolito: decise di ordinare a Klimt un ritratto di Adele e costringerlo a realizzare centinaia di schizzi finché l'artista non iniziò a vomitare da lei.
Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni, in modo che il soggetto potesse vedere come i sentimenti di Klimt stavano svanendo. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano calmati da tempo l'uno con l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai saputo che suo marito fosse a conoscenza della sua relazione con Klimt.
Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin
Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.
Il dipinto più famoso di Gauguin ha una particolarità: viene “letto” non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica umana: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola tra gli artigli in nell'angolo in basso a sinistra).
Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista fuggì più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e si recò in montagna a morire. Tuttavia, non calcolò la dose e il suicidio fallì. La mattina dopo, barcollò verso la sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari andarono in salita e nel suo lavoro iniziò un periodo più luminoso.
112 proverbi in un'unica immagine
Pieter Brueghel il Vecchio, “Proverbi olandesi”, 1559
Pieter Bruegel il Vecchio dipinse una terra abitata da immagini letterali dei proverbi olandesi di quei tempi. Ci sono circa 112 idiomi riconoscibili nel quadro dipinto. Alcuni di essi sono utilizzati ancora oggi, ad esempio: “nuotare contro corrente”, “sbattere la testa contro il muro”, “armati fino ai denti” e “il pesce grosso mangia il pesce piccolo”.
Altri proverbi riflettono la stupidità umana.
Soggettività dell'art
Paul Gauguin, Villaggio bretone sotto la neve, 1894
Il dipinto di Gauguin "Villaggio bretone nella neve" fu venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il nome "Cascate del Niagara". L'uomo che ha organizzato l'asta ha appeso accidentalmente il dipinto a testa in giù perché vi ha visto una cascata.
immagine nascosta
Pablo Picasso, La Sala Blu, 1901
Nel 2008, la radiazione infrarossa ha rivelato che nascosta sotto la Sala Blu c'era un'altra immagine: il ritratto di un uomo vestito con un abito con un papillon e con la testa appoggiata sulla mano. “Non appena Picasso ebbe una nuova idea, prese il pennello e la incarnò. Ma non aveva la possibilità di acquistare una nuova tela ogni volta che una musa lo visitava", spiega una possibile ragione di ciò, la storica dell'arte Patricia Favero.
Donne marocchine inaccessibili
Zinaida Serebryakova, “Nuda”, 1928
Un giorno Zinaida Serebryakova ricevette un'offerta allettante: intraprendere un viaggio creativo per rappresentare le figure nude delle fanciulle orientali. Ma si è scoperto che trovare modelli in quei luoghi era semplicemente impossibile. Il traduttore di Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la fidanzata. Nessuno prima o dopo è riuscito a immortalare donne orientali nude e chiuse.
Intuizione spontanea
Valentin Serov, “Ritratto di Nicola II in giacca”, 1900
Per molto tempo Serov non riuscì a dipingere un ritratto dello zar. Quando l'artista si arrese completamente, si scusò con Nikolai. Nikolai era un po' turbato, si sedette al tavolo, allungando le braccia davanti a sé... E poi l'artista si rese conto: ecco l'immagine! Un semplice militare con la giacca da ufficiale con gli occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore rappresentazione dell'ultimo imperatore.
Un altro diavolo
© Fedor Reshetnikov
Il famoso dipinto “Deuce Again” è solo la seconda parte di una trilogia artistica.
La prima parte è “Arrivati in vacanza”. Ovviamente una famiglia benestante, vacanze invernali, uno studente gioioso e eccellente.
La seconda parte è "Ancora un diavolo". Una famiglia povera della periferia operaia, nel pieno dell'anno scolastico, un idiota abbattuto che prese ancora una volta un brutto voto. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Arrivato per le vacanze".
La terza parte è "Riesame". Una casa di campagna, estate, tutti camminano, un malizioso ignorante, che non ha superato l'esame annuale, è costretto a sedersi tra quattro mura e stipare. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Again deuce".
Come nascono i capolavori
Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844
Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e guardò per una decina di minuti. Incapace di contenere la curiosità, anche la donna aprì la finestra e cominciò a guardare avanti. Un anno dopo, in una mostra alla Royal Academy of Arts, scopre il dipinto “Rain, Steam and Speed” e vi riconosce lo stesso episodio sul treno.
Lezione di anatomia da Michelangelo
Michelangelo, La Creazione di Adamo, 1511
Una coppia di esperti americani di neuroanatomia ritiene che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in una delle sue opere più famose. Credono che sul lato destro dell'immagine sia raffigurato un enorme cervello. Sorprendentemente si possono trovare anche componenti complessi, come il cervelletto, i nervi ottici e l'ipofisi. E l'accattivante nastro verde si abbina perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.
"L'Ultima Cena" di Van Gogh
Vincent Van Gogh, Terrazza del caffè di notte, 1888
Il ricercatore Jared Baxter ritiene che il dipinto di Van Gogh “La terrazza del caffè di notte” contenga una dedica crittografata all’”Ultima Cena” di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con i capelli lunghi e che indossa una tunica bianca che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui ci sono esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira l'attenzione anche sulla croce situata direttamente dietro il cameriere in bianco.
L'immagine della memoria di Dalì
Salvador Dalì, "La persistenza della memoria", 1931
Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito su tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto “La persistenza della memoria” è stato dipinto a seguito di associazioni nate dalla vista del formaggio fuso.
Di cosa sta urlando Munch?
Edvard Munch, "L'urlo", 1893.
Munch ha parlato dell'idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: “Stavo camminando lungo un sentiero con due amici - il sole stava tramontando - all'improvviso il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato il recinto - ho guardato sangue e fiamme sul fiordo nero-bluastro e sulla città - i miei amici sono andati avanti, e io sono rimasto tremante per l'eccitazione, sentendo l'urlo infinito che trafiggeva la natura." Ma quale tipo di tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?
Esiste una versione secondo cui l'idea di "L'Urlo" è nata a Munch nel 1883, quando si verificarono diverse potenti eruzioni del vulcano Krakatoa, così potenti da cambiare la temperatura dell'atmosfera terrestre di un grado. Copiose quantità di polvere e cenere si diffusero in tutto il mondo, raggiungendo persino la Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di questi è diventato fonte di ispirazione per l'artista.
Uno scrittore tra la gente
Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.
Decine di modelli hanno posato per Alexander Ivanov per il suo dipinto principale. Uno di questi è conosciuto niente meno che l'artista stesso. Sullo sfondo, tra viaggiatori e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si vede un personaggio in tunica. Ivanov lo ha scritto da Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato a stretto contatto con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli durante il processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".
La gotta di Michelangelo
Raffaello Santi, "La Scuola di Atene", 1511.
Creando il famoso affresco "La Scuola di Atene", Raffaello immortalò i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di questi era Michelangelo Buonarotti “nei panni” di Eraclito. Per diversi secoli, l'affresco ha custodito i segreti della vita personale di Michelangelo, e i ricercatori moderni hanno suggerito che il ginocchio stranamente angoloso dell'artista indica che aveva una malattia articolare.
Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.
Specchio dei coniugi Arnolfini
Jan van Eyck, "Ritratto dei coniugi Arnolfini", 1434
Nello specchio dietro i coniugi Arnolfini si vedono riflesse altre due persone nella stanza. Molto probabilmente, questi sono testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è van Eyck, come testimonia l’iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: “Jan van Eyck era qui”. Questo è il modo in cui solitamente venivano stipulati i contratti.
Come uno svantaggio si è trasformato in un talento
Rembrandt Harmens van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.
La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha fatto sì che l'artista fosse in grado di percepire la realtà in due dimensioni meglio delle persone con una vista normale. Questo fenomeno è chiamato “cecità stereo” – l’incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma poiché il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, proprio questo difetto di Rembrandt potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.
Venere senza peccato
Sandro Botticelli, "Nascita di Venere", 1482-1486.
Prima della comparsa della Nascita di Venere, l'immagine di un corpo femminile nudo nella pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli fu il primo dei pittori europei a non trovare nulla di peccaminoso in lui. Inoltre, gli storici dell'arte sono sicuri che la dea pagana dell'amore simboleggi un'immagine cristiana nell'affresco: il suo aspetto è un'allegoria della rinascita di un'anima che ha subito il rito del battesimo.
Suonatore di liuto o suonatore di liuto?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Il suonatore di liuto", 1596.
Per molto tempo il dipinto è stato esposto all'Ermitage con il titolo "Suonatore di liuto". Solo all'inizio del XX secolo gli storici dell'arte concordarono nel ritenere che il dipinto raffigurasse un giovane (probabilmente posò per lui un conoscente di Caravaggio, il pittore Mario Minniti): sulle note davanti al musicista si vede una registrazione del basso verso del madrigale di Jacob Arkadelt “Sai che ti amo” . Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo difficile per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all’estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile all’epoca di Caravaggio.
Il misterioso mondo dell'arte può sembrare confuso ad un occhio inesperto, ma ci sono capolavori che tutti dovrebbero conoscere. Talento, ispirazione e lavoro scrupoloso su ogni tratto danno vita a opere che vengono ammirate secoli dopo.
È impossibile raccogliere tutte le creazioni eccezionali in un'unica selezione, ma abbiamo cercato di selezionare i dipinti più famosi che attirano code enormi davanti ai musei di tutto il mondo.
I dipinti più famosi di artisti russi
"Mattina in una pineta", Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky
Anno di creazione: 1889Museo
Shishkin era un eccellente pittore di paesaggi, ma raramente doveva disegnare animali, quindi le figure dei cuccioli di orso furono dipinte da Savitsky, un eccellente artista di animali. Alla fine del lavoro, Tretyakov ordinò che la firma di Savitsky fosse cancellata, considerando che Shishkin aveva svolto un lavoro molto più ampio.
"Ivan il Terribile e suo figlio Ivan, 16 novembre 1581", Ilya Repin
Anni di creazione: 1883–1885Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
Repin è stato ispirato per creare il capolavoro, meglio noto come "Ivan il Terribile uccide suo figlio", dalla sinfonia "Antar" di Rimsky-Korsakov, vale a dire il suo secondo movimento, "La dolcezza della vendetta". Sotto l'influenza dei suoni della musica, l'artista ha raffigurato una scena sanguinosa di omicidio e successivo pentimento osservato agli occhi del sovrano.
"Il demone seduto", Mikhail Vrubel
Anno di creazione: 1890Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
Il dipinto era una delle trenta illustrazioni disegnate da Vrubel per l'edizione anniversario delle opere di M.Yu. Lermontov. Il “demone seduto” personifica i dubbi inerenti allo spirito umano, il sottile e sfuggente “stato d’animo dell’anima”. Secondo gli esperti, l’artista era in una certa misura ossessionato dall’immagine di un demone: a questo dipinto seguirono “Il demone volante” e “Il demone sconfitto”.
“Boyaryna Morozova”, Vasily Surikov
Anni di creazione: 1884–1887Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
Il film è basato sulla trama della vita del vecchio credente "La storia di Boyarina Morozova". L'artista ha capito l'immagine chiave quando ha visto un corvo che allargava le sue ali nere come una macchia indistinta sulla superficie innevata. Più tardi, Surikov trascorse molto tempo alla ricerca di un prototipo per il volto della nobildonna, ma non riuscì a trovare nulla di adatto finché un giorno incontrò in un cimitero una vecchia credente con una faccia pallida e frenetica. Lo schizzo del ritratto è stato completato in due ore.
"Bogatiri", Viktor Vasnetsov
Anni di creazione: 1881–1898Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
Il futuro capolavoro epico nasce come piccolo schizzo a matita nel 1881; Per ulteriori lavori sulla tela, Vasnetsov ha trascorso molti anni raccogliendo scrupolosamente informazioni sugli eroi da miti, leggende e tradizioni e ha anche studiato autentiche munizioni russe antiche nei musei.
Analisi del dipinto di Vasnetsov “Tre eroi”
“Il bagno al cavallo rosso”, Kuzma Petrov-Vodkin
Anno di creazione: 1912Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
Inizialmente, il dipinto era concepito come uno schizzo quotidiano della vita di un villaggio russo, ma durante il lavoro la tela dell'artista è stata ricoperta da un numero enorme di simboli. Con il cavallo rosso Petrov-Vodkin intendeva “Il destino della Russia”; dopo che il paese entrò nella prima guerra mondiale, esclamò: "Ecco perché ho dipinto questo quadro!" Tuttavia, dopo la rivoluzione, i critici d’arte filo-sovietici interpretarono la figura chiave del dipinto come “un presagio di fuochi rivoluzionari”.
"Trinità", Andrei Rublev
Anno di creazione: 1411Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
L'icona che gettò le basi per la tradizione della pittura di icone russa nei secoli XV-XVI. La tela raffigurante la trinità di angeli dell'Antico Testamento apparsa ad Abramo è un simbolo dell'unità della Santissima Trinità.
"La nona onda", Ivan Aivazovsky
Anno di creazione: 1850Museo
Una perla nella “cartografia” del leggendario pittore marino russo, che senza esitazione può essere considerato uno degli artisti più famosi al mondo. Possiamo vedere come i marinai sopravvissuti miracolosamente alla tempesta si aggrappano all'albero maestro in attesa di incontrare la "nona onda", il mitico apogeo di tutte le tempeste. Ma le tonalità calde che dominano la tela danno speranza per la salvezza delle vittime.
“L'ultimo giorno di Pompei”, Karl Bryullov
Anni di creazione: 1830–1833Museo: Museo Russo, San Pietroburgo
Completato nel 1833, il dipinto di Bryullov fu inizialmente esposto nelle più grandi città d'Italia, dove fece scalpore: il pittore fu paragonato a Michelangelo, Tiziano, Raffaello... A casa, il capolavoro fu accolto con non meno entusiasmo, assicurando il soprannome di “Carlo Magno” per Bryullov. La tela è davvero grandiosa: le sue dimensioni sono 4,6 per 6,5 metri, il che la rende uno dei dipinti più grandi tra le creazioni degli artisti russi.
I dipinti più famosi di Leonardo da Vinci
"Monna Lisa"
Anni di creazione: 1503–1505Museo: Louvre, Parigi
Un capolavoro del genio fiorentino che non ha bisogno di presentazioni. È interessante notare che il dipinto divenne un oggetto di culto dopo l'incidente del furto al Louvre nel 1911. Due anni dopo, il ladro, che si rivelò essere un impiegato del museo, tentò di vendere il dipinto alla Galleria degli Uffizi. Gli eventi del caso di alto profilo furono trattati in dettaglio dalla stampa mondiale, dopo di che centinaia di migliaia di riproduzioni furono messe in vendita e la misteriosa Monna Lisa divenne un oggetto di culto.
Anni di creazione: 1495–1498Museo: Santa Maria delle Grazie, Milano
Dopo cinque secoli, un affresco dalla trama classica sulla parete del refettorio del convento domenicano di Milano è riconosciuto come uno dei dipinti più misteriosi della storia. Secondo l'idea di Da Vinci, il dipinto raffigura il momento del pasto pasquale, quando Cristo avvisa i discepoli dell'imminente tradimento. L'enorme quantità di simboli nascosti ha dato origine a un numero altrettanto enorme di studi, allusioni, prestiti e parodie.
"Madonna Litta"
Anno di creazione: 1491Museo: Hermitage, San Pietroburgo
Noto anche come Madonna col Bambino, il dipinto rimase a lungo conservato nella collezione dei duchi di Litta e nel 1864 fu acquistato dall'Ermitage di San Pietroburgo. Molti esperti concordano sul fatto che la figura del bambino non sia stata dipinta personalmente da Leonardo, ma da uno dei suoi studenti, una posa troppo insolita per il pittore.
I dipinti più famosi di Salvador Dalì
Anno di creazione: 1931Museo: Museo d'Arte Moderna, New York
Paradossalmente, l'opera più famosa del genio del surrealismo è nata dai pensieri sul formaggio Camembert. Una sera, dopo una cena amichevole terminata con antipasti al formaggio, l'artista era perso nei suoi pensieri su come "spargere la polpa" e la sua immaginazione dipinse l'immagine di un orologio che si scioglie con un ramoscello d'ulivo in primo piano.
Anno di creazione: 1955Museo: Galleria Nazionale d'Arte, Washington
Una trama tradizionale rivisitata in modo surreale utilizzando i principi aritmetici studiati da Leonardo da Vinci. L'artista ha messo in primo piano la peculiare magia del numero “12”, allontanandosi dal metodo ermeneutico di interpretazione della trama biblica.
I dipinti più famosi di Pablo Picasso
Anno di creazione: 1905Museo: Museo Pushkin, Mosca
Il dipinto divenne il primo segno del cosiddetto periodo “rosa” nell’opera di Picasso. La trama ruvida e lo stile semplificato si combinano con un gioco sensibile di linee e colori, il contrasto tra la figura massiccia di un atleta e una fragile ginnasta. La tela fu venduta insieme ad altre 29 opere per 2mila franchi (in totale) al collezionista parigino Vollard, cambiò diverse collezioni e nel 1913 fu acquistata dal filantropo russo Ivan Morozov, già per 13mila franchi.
Anno di creazione: 1937Museo: Museo Reina Sofia, Madrid
Guernica è il nome di una città dei Paesi Baschi che fu sottoposta ai bombardamenti tedeschi nell'aprile 1937. Picasso non era mai stato a Guernica, ma rimase sbalordito dalla portata del disastro, come “il colpo di corno di un toro”. L'artista ha trasmesso gli orrori della guerra in forma astratta e ha mostrato il vero volto del fascismo, velandolo con bizzarre forme geometriche.
I dipinti più famosi del Rinascimento
"Madonna Sistina", Raffaello Santi
Anni di creazione: 1512–1513Museo: Galleria degli antichi maestri, Dresda
Se osservi attentamente lo sfondo, che a prima vista è costituito da nuvole, noterai che in effetti Raffaello vi ha raffigurato le teste degli angeli. I due angeli situati nella parte inferiore dell'immagine sono quasi più famosi del capolavoro stesso, a causa della sua ampia diffusione nell'arte di massa.
"Nascita di Venere", Sandro Botticelli
Anno di creazione: 1486Museo: Galleria degli Uffizi, Firenze
L'immagine è basata sull'antico mito greco della nascita di Afrodite dalla schiuma del mare. A differenza di molti capolavori del Rinascimento, la tela è giunta fino ai giorni nostri in ottime condizioni grazie allo strato protettivo di tuorlo d'uovo con cui Botticelli ricoprì prudentemente l'opera.
"La Creazione di Adamo", Michelangelo Buonarotti
Anno di creazione: 1511Museo: Cappella Sistina, Vaticano
Uno dei nove affreschi sul soffitto della Cappella Sistina, che illustra il capitolo della Genesi: "E Dio creò l'uomo a sua immagine". Fu Michelangelo il primo a rappresentare Dio come un vecchio saggio dai capelli grigi, dopo di che questa immagine divenne archetipica. Gli scienziati moderni credono che i contorni della figura di Dio e degli angeli rappresentino il cervello umano.
"La ronda di notte", Rembrandt
Anno di creazione: 1642Museo: Rijksmuseum, Amsterdam
Il titolo completo del dipinto è "Esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Kok e del tenente Willem van Ruytenburg". Il dipinto ricevette il suo nome moderno nel XIX secolo, quando fu ritrovato da critici d'arte che, a causa dello strato di sporco che ricopriva l'opera, decisero che l'azione nel dipinto si svolgeva sotto la copertura dell'oscurità della notte.
"Il giardino delle delizie", Hieronymus Bosch
Anni di creazione: 1500–1510Museo: Museo del Prado, Madrid “Piazza Nera”
Malevich scrisse “Black Square” per diversi mesi; La leggenda narra che il dipinto sia nascosto sotto uno strato di vernice nera: l'artista non ha avuto il tempo di finire il lavoro in tempo e, in un impeto di rabbia, ha coperto l'immagine. Esistono almeno sette copie del “Quadrato Nero” realizzate da Malevich, così come una sorta di “continuazione” dei quadrati suprematisti – “Piazza Rossa” (1915) e “Piazza Bianca” (1918).
"L'Urlo", Edvard Munch
Anno di creazione: 1893Museo: Galleria Nazionale, Oslo
A causa del suo inspiegabile effetto mistico sullo spettatore, il dipinto fu rubato nel 1994 e nel 2004. Si ritiene che il quadro creato all'inizio del XX secolo anticipasse numerosi disastri del prossimo secolo. Il profondo simbolismo di "L'Urlo" ha ispirato molti artisti, tra cui Andy Warhol
Questo dipinto provoca ancora molte polemiche. Alcuni critici d'arte ritengono che l'eccitazione attorno al dipinto, dipinto utilizzando la tecnica degli schizzi, sia stata creata artificialmente. La tela non fu venduta finché non furono acquistate tutte le altre opere dell’artista e, di conseguenza, il prezzo di un capolavoro non figurativo salì alle stelle. “Numero Cinque” è stato venduto per 140 milioni di dollari, diventando il dipinto più costoso della storia.
"Dittico di Marilyn", Andy Warhol
Anno di creazione: 1962Museo: Galleria Tate, Londra
Una settimana dopo la morte di Marilyn Monroe, il controverso artista iniziò a lavorare sulla tela. Sulla tela sono stati applicati 50 ritratti stencil dell'attrice, stilizzati nel genere "pop art" sulla base di una fotografia del 1953.
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Ricordiamo ora i dipinti più famosi del mondo. Questo argomento è, da un lato, molto semplice, ma dall'altro incredibilmente complesso. In effetti, nel corso della storia dell'umanità, sulla Madre Terra sono nati molti pittori brillanti in diversi secoli e in diversi paesi, che hanno lasciato al mondo i loro capolavori immortali.
Non vorrei davvero ignorare immeritatamente nessun grande artista. Ma nell'ambito di questo articolo cercheremo di parlare solo di quelle opere che sono familiari non solo ai veri intenditori di bellezza, artisti e critici d'arte, ma anche alla maggioranza assoluta degli abitanti più semplici del nostro pianeta.
Questi, ad esempio, sono alcuni dipinti di Da Vinci, Raffaello, Botticelli, Van Gogh, Salvador Dalì, Karl Bryullov, Aivazovsky, Kustodiev, ecc. Le loro opere sono stampate su calendari, riviste, libri e libri di testo, pubblicate in enormi edizioni in sotto forma di riproduzioni, che lampeggiano costantemente sugli schermi televisivi. In effetti, ci sono familiari fin dall'infanzia.
Dipinti di Leonardo da Vinci
Una conversazione sui dipinti più famosi al mondo è impensabile senza menzionare dipinti di livello mondiale come la famosa “La Gioconda”, “Madonna Litta”, “La Dama con l'ermellino”, dipinti dal grande Leonardo da Vinci. Da questa lista spiccano in particolare i primi due nomi. La bellissima e misteriosa "Mona Lisa" esiste da molti secoli, con un sorriso unico sulle labbra, guardando con calma il trambusto di questo mondo - c'è qualcuno tra le persone civili che non ha mai visto questa immagine?
Si ritiene che il dipinto raffiguri Lisa Gherardini, la modesta moglie di un ricco mercante fiorentino di nome Francesco del Giocondo. Ora capisci da dove viene un nome così insolito per il ritratto: "La Gioconda"? E il quadro fu dipinto intorno al 1503-1505. Oggi, il suo inestimabile originale può essere visto di persona al Louvre. Lì è appeso il ritratto, protetto da uno spesso vetro antiproiettile, e intorno ad esso si accalcano sempre molte persone. E questo non sorprende, perché le persone non sono ancora riuscite a svelare il segreto del sorriso di questa signora.
I dipinti di Da Vinci non hanno prezzo, ognuno di essi, non possono essere acquistati nemmeno per un sacco di soldi. Ma tra le sue opere c'è un'opera speciale: questo è il pittoresco affresco “L'Ultima Cena”. L'epoca della sua creazione: 1495-1498, e fu scritta da un maestro commissionato dalla chiesa nel refettorio del monastero di Santa Maria delle Grazia, che si trova nell'illustre città italiana di Milano. La trama descrive uno degli eventi più importanti della storia umana: l'ultimo pasto serale di Cristo con i suoi dodici discepoli. È una grande fortuna che i restauratori siano riusciti a preservare l'affresco fino ai giorni nostri, perché... È risaputo che, mentre ci lavorava, Leonardo sperimentò vernici e primer del muro, che successivamente portarono alla rapida distruzione dello strato pittorico.
Opere di Raffaello Santi
Il prossimo artista di cui si può dire senza esagerazione che ha lasciato i dipinti più famosi al mondo è, ovviamente, Raffaello Santi, un pittore che visse in Italia dal 1483 al 1520. Una delle sue opere più famose e apprezzate, considerata uno dei dipinti più perfetti e sorprendenti mai creati dalla mano dell'uomo.
Un'altra famosa creazione del maestro è l'enorme affresco (770 x 500 cm) “La Scuola di Atene”, che adorna una delle sale di rappresentanza del Palazzo Vaticano. Tra le numerose figure nella foto puoi vedere grandi pensatori dell'umanità come Pitagora, Epicuro, Socrate, Diogene, Aristotele, Platone. Tra i filosofi Raffaello raffigurò se stesso e la sua bellissima amata Margherita.
L'insuperabile Botticelli
Quali pensi che saranno le prossime opere nella nostra lista dei “Dipinti degli artisti più famosi al mondo”? Queste sono opere straordinarie ed eteree di Sandro Botticelli. Citiamo solo due delle sue creazioni familiari a tutti: "La Nascita di Venere" e la tela raffigurante le famose Tre Grazie - "Primavera". Entrambi i dipinti sono un inno alla bellezza femminile. Nessun altro artista è mai stato in grado di catturare immagini femminili così accattivanti e poetiche nella pittura.
La musa dell'artista era una giovane e bella donna fiorentina, l'amata di Giuliano Medici: sono i suoi lineamenti delicati e perfetti che ci guardano da tempo immemorabile.
Dipinti impressionisti
Bene, ora è il momento di ricordare l’impressionismo. Questo movimento artistico ebbe origine in Francia tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Sono moltissimi gli artisti che lavorano in questo modo, e il lavoro di ognuno di loro merita un discorso a parte. In questo articolo parleremo dei dipinti più famosi di Monet, che fu all'origine dell'impressionismo e ne è considerato uno dei fondatori. Le opere di questo maestro sono incluse nelle collezioni dei principali musei di Parigi, Berlino, San Pietroburgo e in altre città del mondo.
Il grande pubblico conosce bene i dipinti di Claude Monet come “Stagno con” e “Ninfee”. L'artista ha dipinto molte versioni di opere basate su questi motivi.
Van Gogh è un artista i cui dipinti sono i più costosi al mondo
Van Gogh è stato forse l'artista più produttivo nella storia dell'umanità. La sua eredità è composta da circa 800 dipinti e innumerevoli disegni. Il più famoso è, forse, “Girasoli”. È noto per certo che il maestro ha dipinto 7 nature morte di questa serie. Ma solo 5 sono sopravvissuti fino ad oggi e ogni dipinto è valutato come il diamante più costoso. Basti pensare: durante la sua vita, Van Gogh è riuscito a vendere solo una delle sue opere, e questo per pochi centesimi, e ora il costo dei suoi dipinti alle aste batte tutti i record.
Un altro dei dipinti più famosi di Van Gogh è lo squisito dipinto fantasy "Notte stellata". Quest'opera è così popolare che oggi puoi persino trovarne una versione animata su Internet. I dipinti di Van Gogh sono così talentuosi e originali che anche sotto forma di riproduzioni puoi guardarli all'infinito.
Sogni catturati su tela
Parlando dei dipinti più famosi al mondo, è impossibile non menzionare l'opera del fondatore del surrealismo, Salvador Dalì. Si ritiene che il dipinto più popolare dell’artista sia “La persistenza della memoria”, che raffigura un orologio come simbolo dello scorrere infinito del tempo. La riva deserta in lontananza simboleggia il vuoto che Dalì disse di sentire spesso dentro di sé.
Tuttavia, questa non è l’unica opera popolare del surrealista. Non meno famosi sono i dipinti “Atomic Leda”, “Premonition of Civil War”, “Burning Giraffe”, “Dream”.
I dipinti russi più famosi
Fino ad ora, il nostro articolo ha menzionato dipinti di maestri stranieri. Nel frattempo, sono molti i dipinti dipinti dai nostri grandi connazionali che sono molto apprezzati in tutto il mondo. Ci sono sempre stati molti artisti di talento in Russia. E se molti capolavori della pittura mondiale sono piuttosto difficili da vedere con i propri occhi, perché si trovano all'estero, allora possiamo vedere gli originali dei pittori russi in molti musei del nostro paese, ad esempio nella Galleria Tretyakov. A mosca.
Ecco i dipinti della Galleria Tretyakov, i più famosi, sia qui che all'estero: "Tre eroi" (V. Vasnetsova), "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan" (I. Repin), "Demone seduto" (M. Vrubel), “L'apparizione di Cristo al popolo (A. Ivanov), “Ragazza con le pesche” (I. Repin), “Mattina in una pineta” (I. Shishkin), “Cortile di Mosca” (V. Polenov) , "Sono arrivati i corvi", ecc.
Bellezze Kustodievskij
Separatamente, vorrei parlare delle opere dell'artista russo di fama mondiale Boris Kustodiev: nessun altro potrebbe raccontare in modo così delizioso e bello attraverso la pittura la vita russa, la misteriosa anima russa. Chi di noi non ha ammirato una bellezza corpulenta dietro un samovar ("La moglie del mercante al tè") o una giovane donna purosangue che scoppia di salute e giovinezza in uno stabilimento balneare del villaggio ("Venere russa").
Ecco anche i nomi di alcune opere popolari del pittore originale: "Inverno", "Ritratto di Fyodor Chaliapin", "Fienagione", "Mercante con acquisti", "Fiera", "Bagnante", "Maslenitsa".
"Il quadrato nero di Malevich
Abbiamo parlato brevemente di alcuni dei dipinti russi più famosi, ma sarebbe sbagliato concludere l'articolo senza scrivere nulla su una delle opere più controverse e controverse nate dal pennello di uno degli eccezionali artisti russi. Stiamo parlando del "Quadrato nero" di Kazimir Malevich, il fondatore della direzione pittorica chiamata "Suprematismo". E sebbene Malevich abbia dipinto molti dipinti durante la sua lunga vita creativa, è stata questa sua opera a essere ricordata soprattutto dal mondo intero.
Esistono diverse varianti del "Quadrato Nero". Possono essere visti nella Galleria Tretyakov, nell'Ermitage e nel Museo Russo. Il prezzo di queste opere è enorme, secondo gli esperti oggi può arrivare fino a 80 milioni di dollari.
Conclusione
È un peccato che in questa breve recensione non sia stato possibile parlare dei capolavori mondiali di Rembrandt, Rubens, Karl Bryullov, Pablo Picasso, Paul Gauguin e altri meravigliosi creatori. Il loro lavoro non è meno degno di attenzione.
La pagina contiene i dipinti più famosi degli artisti russi del XIX secolo con titoli e descrizioni
La variegata pittura degli artisti russi dall'inizio del XIX secolo ha attirato l'attenzione con la sua originalità e versatilità nell'arte artistica russa. I maestri della pittura di quel tempo non smettevano mai di stupire con il loro approccio unico all'argomento e il loro atteggiamento riverente nei confronti dei sentimenti delle persone e della loro natura nativa. Nel 19 ° secolo venivano spesso dipinte composizioni di ritratti con una sorprendente combinazione di un'immagine emotiva e un motivo epico e calmo.
I dipinti degli artisti russi sono magnifici nell'abilità e veramente belli nella percezione, riflettendo in modo sorprendentemente accurato il respiro del loro tempo, il carattere unico delle persone e il loro desiderio di bellezza.
Tele dei pittori russi più apprezzati: Alexander Ivanov è un rappresentante di spicco del movimento pittorico biblico, che ci racconta a colori gli episodi della vita di Gesù Cristo.
Karl Bryullov era un pittore popolare ai suoi tempi; la sua direzione era la pittura storica, la ritrattistica e le opere romantiche.
Il pittore marino Ivan Aivazovsky, i suoi dipinti riflettono perfettamente e si potrebbe dire semplicemente insuperabile la bellezza del mare con onde trasparenti, tramonti marini e barche a vela.
Le opere del famoso Ilya Repin, che ha creato opere di genere e monumentali che riflettono la vita delle persone, si distinguono per la loro distintiva versatilità.
I dipinti dell’artista Vasily Surikov sono molto pittoreschi e di grandi dimensioni, la descrizione della storia russa è la sua direzione, in cui l’artista ha enfatizzato nella pittura gli episodi del percorso di vita del popolo russo.
Ogni artista è unico, ad esempio, il maestro pittorico di fiabe ed epiche, Viktor Vasnetsov, unico nel suo stile: si tratta sempre di tele ricche, luminose e romantiche, i cui eroi sono gli eroi dei racconti popolari conosciuti da tutti noi.
Ogni artista è unico, ad esempio, il maestro pittorico di fiabe ed epiche, Viktor Vasnetsov, unico nel suo stile: si tratta sempre di tele ricche, luminose e romantiche, i cui eroi sono gli eroi dei racconti popolari conosciuti da tutti noi. I dipinti dell’artista Vasily Surikov sono molto pittoreschi e di grandi dimensioni, la descrizione della storia russa è la sua direzione, in cui l’artista ha enfatizzato nella pittura gli episodi del percorso di vita del popolo russo.
Nella pittura russa del XIX secolo apparve anche una tendenza come il realismo critico, che enfatizzava il ridicolo, la satira e l'umorismo nelle trame. Naturalmente questa era una nuova tendenza, non tutti gli artisti potevano permetterselo. Artisti come Pavel Fedotov e Vasily Perov furono determinati in questa direzione.
Anche i pittori paesaggisti di quel tempo occupavano la loro nicchia, tra cui Isaac Levitan, Alexei Savrasov, Arkhip Kuindzhi, Vasily Polenov, il giovane artista Fyodor Vasiliev, il pittoresco maestro della foresta, radure con pini e betulle con funghi Ivan Shishkin. Tutti riflettevano in modo colorato e romantico la bellezza della natura russa, la cui varietà di forme e immagini è associata al colossale potenziale del mondo circostante.
Secondo Levitan, in ogni nota della natura russa c'è una tavolozza colorata unica, quindi c'è un'enorme libertà creativa. Forse questo è l'enigma che le tele create nelle vaste distese della Russia si distinguono per una squisita severità, ma allo stesso tempo attraggono con una bellezza discreta, dalla quale è difficile distogliere lo sguardo. O con una trama per nulla intricata e piuttosto non accattivante, il dipinto Denti di leone di Levitan, per così dire, incoraggia lo spettatore a pensare e vedere la bellezza nel semplice.