Goya y Lucientes (Fransisko Goya y Lucientes) Francisco José de, pittore, incisore e disegnatore spagnolo. Dal 1760 studiò a Saragozza con J. Luzana y Martinez. Intorno al 1769 Goya andò in Italia, nel 1771 tornò a Saragozza, dove dipinse affreschi nello spirito del barocco italiano (dipinti della navata laterale della chiesa di Nuestra Señora del Pilar, 1771–1772). Dal 1773, l'artista lavorò a Madrid, nel 1776-1791 completò oltre 60 arazzi per la manifattura reale con scene di vita quotidiana e intrattenimento popolare riccamente colorate e semplici nella composizione ("L'ombrello", 1777, "Il gioco della pelota", 1779, “Il gioco del moscacieco”, 1791, tutto al Prado, Madrid).

Dall'inizio degli anni Ottanta del Settecento, Goya divenne famoso come autore di ritratti eseguiti con sottili combinazioni di colori, figure e oggetti in cui sembrano dissolversi in una sottile foschia (“Famiglia del duca di Osuna”, 1787, Prado, Madrid; ritratto della marchesa A. Pontejos, 1787 circa, National Gallery of Art, Washington). Nel 1780, Goya fu eletto all'Accademia delle Arti di Madrid (dal 1785 vicedirettore, dal 1795 - direttore del dipartimento di pittura), nel 1799 - "il primo pittore del re". Allo stesso tempo, nell’opera di Goya crescono tratti di tragedia e ostilità nei confronti della Spagna feudale-clericale del “vecchio ordine”. Goya rivela la bruttezza dei suoi fondamenti morali, spirituali e politici in forma grottesco-tragica, nutrendosi di origini folcloristiche, in una vasta serie di acqueforti “Caprichos” (80 fogli con commenti dell'artista, 1797–1798); l'audace novità del linguaggio artistico, la forte espressività di linee e tratti, i contrasti di luce e ombra, la combinazione di grottesco e realtà, allegoria e fantasia, satira sociale e sobria analisi della realtà hanno aperto nuove strade per lo sviluppo dell'incisione europea. Negli anni 1790 - inizio 1800, la ritrattistica di Goya raggiunse una fioritura eccezionale, in cui si sente un allarmante sentimento di solitudine (ritratto di Senora Bermudez, Museo di Belle Arti, Budapest), confronto coraggioso e sfida all'ambiente (ritratto di F. Guillemarde , 1798, Louvre, Parigi), il profumo del mistero e della sensualità nascosta (“Maja vestita” e “Maja nuda”, entrambi Prado, Madrid).

Con sorprendente potere di esposizione, l'artista ha catturato l'arroganza, lo squallore fisico e spirituale della famiglia reale nel ritratto di gruppo “La famiglia di Carlo IV” (1800, Prado, Madrid). I grandi dipinti di Goya dedicati alla lotta contro l'intervento francese (“Rivolta del 2 maggio 1808 a Madrid”, “Esecuzione dei ribelli nella notte del 3 maggio 1808”, entrambi intorno al 1814, Prado, Madrid) sono intrisi di una profonda storicismo e protesta appassionata, il destino del popolo, una serie di acqueforti “Disastri della guerra” (82 fogli, 1810-1820).

All'inizio degli anni Novanta del Settecento una grave malattia portò l'artista alla sordità. Trascorse per lui anni estremamente difficili, in coincidenza con il periodo di brutale reazione, nella sua casa di campagna “Quinto del Sordo” (“Casa dei sordi”), le cui pareti dipinse ad olio. Nelle scene create qui (ora al Prado, Madrid), comprese immagini audaci senza precedenti per l'epoca, immagini fortemente dinamiche di masse sfaccettate e spaventose immagini simboliche e mitologiche, ha incarnato le idee di confronto tra passato e futuro, l'infinitamente insaziabile il tempo decrepito (“Saturno”) e l’energia liberatrice della giovinezza (“Giuditta”). Ancora più complesso è il sistema di immagini grottesche oscure nella serie di acqueforti “Disparates” (22 fogli, 1820–1823). Ma anche nelle visioni più oscure di Goya, l'oscurità crudele non può sopprimere il senso innato dell'artista di movimento eterno, eterno rinnovamento della vita, che divenne il leitmotiv nel dipinto “Il funerale di una sardina” (circa 1814, Prado, Madrid), nella serie delle acqueforti “Tauromachia” (1815).

Dal 1824 Goya visse in Francia, dove dipinse ritratti di amici e padroneggiò la tecnica della litografia. L'arte di Goya ha influenzato la formazione di molti fenomeni artistici del XIX secolo. La sua influenza si fa sentire nelle opere di Gericault, Delacroix, Daumier, Edouard Manet. L'influenza del suo lavoro sulla pittura e sulla grafica ha avuto un carattere paneuropeo e si riflette fino ai giorni nostri.

Francisco Goya, che in seguito divenne il ritrattista più famoso dell'era del romanticismo spagnolo, nacque nel 1746 nel villaggio di montagna di Fuendetodos, dove trascorse la sua prima infanzia. Francisco non ricevette un'istruzione sufficiente, imparò i rudimenti dell'alfabetizzazione in una scuola ecclesiastica e scrisse sempre con errori.

Per questo motivo ebbe molto successo in campo artistico, lasciando ai suoi discendenti creazioni imperiture. Grazie al suo pennello davvero magico, tutti possono immergersi nella vita della società spagnola tra la fine del XVII e l'inizio del XVIII secolo, vedere i volti di belle dame e nobili nobili, membri della famiglia reale, nonché scene incomparabili della vita di persone normali.

Il percorso creativo dell'artista è stato lungo e spinoso. Dall'età di quattordici anni, Francisco studiò pittura nello studio di Luzana y Martinez a Saragozza. Quindi le circostanze costrinsero l'aspirante artista a lasciare la sua terra natale e trasferirsi nella capitale del paese, Madrid. Qui tentò due volte, nel 1764 e nel 1766, di entrare all'Accademia di Belle Arti, ma i suoi tentativi non ebbero successo. Gli insegnanti non sono riusciti a discernere i talenti emergenti e ad apprezzare il livello di abilità artistica del giovane provinciale di Saragozza. A Madrid Francisco dovette guadagnarsi da vivere lavando i piatti nella taverna Botin.

Dopo il fallimento, Goya andò a Roma per nuove impressioni e tornò in patria solo nel 1771. Per due anni, dal 1772 al 1774, lavorò nel monastero di Aula Den, dipingendo la chiesa del monastero con dipinti della vita della Vergine Maria.

All'età di 27 anni, Francisco contrae un matrimonio molto redditizio: sposa Josefa Bayeu, la sorella dell'artista di corte Bayeu. Grazie al patrocinio di suo cognato, riceve un ordine dalla manifattura di arazzi reali, che soddisfa con piacere, disegnando bellissime ragazze spagnole con gentiluomini, bambini dispettosi e paesani mascherati. Goya visse con sua moglie per 39 anni e durante questo periodo dipinse solo un suo ritratto. Dei bambini nati in questa unione familiare, è sopravvissuto solo un ragazzo che, come il suo grande padre, ha scelto la strada dell'artista. Francisco Goya non si distingueva per la fedeltà coniugale, aveva molte relazioni sia con aristocratici che con gente comune. Ma l'amore principale della sua vita fu la duchessa d'Alba, con la quale dimenticò l'esistenza di tutte le altre donne.

Proveniente da una famiglia di artigiani e da un aristocratico impoverito, Francisco Goya, grazie al suo talento e al suo duro lavoro, riuscì a fare una carriera vertiginosa e diventare l'artista di corte prima del re Carlo III e, dopo la sua morte nel 1788, Carlo IV. Il suo dipinto "La famiglia di Carlo IV" è ampiamente noto, dove la composizione contiene un autoritratto dell'artista stesso.

Durante la lotta di liberazione degli spagnoli contro gli schiavisti francesi, Francisco Goya mette da parte il pennello e prende in mano lo scalpello per riflettere tutti gli orrori inerenti alla guerra attraverso le acqueforti di “I disastri della guerra”.

Un punto oscuro nella collezione creativa di Goya sono i dipinti neri. Lo sfondo dell'aspetto dei dipinti è il seguente. Nel 1819, l’artista acquistò una casa a due piani vicino a Madrid, conosciuta come la “Casa dei Sordi”. Il precedente proprietario, come Goya, era sordo (l'artista ha perso l'udito dopo una grave malattia ed è miracolosamente sopravvissuto). Goya ha dipinto 14 dipinti molto insoliti e minacciosi proprio sui muri della casa, il più terribile dei quali è "Saturno che divora suo figlio".

Nel 1824 l'artista, che aveva perso il favore del re Ferdinando, lasciò la Spagna e visse nella città francese di Bordeaux fino alla sua morte. La vecchiaia di Goya fu ravvivata da Leocadia de Weiss, che lasciò il marito per amore dell'anziano artista sordo. All'età di 82 anni, Francisco Goya, nella cui mente si intrecciano sia il mondo oscuro che quello luminoso, passa all'eternità, lasciandoci le sue opere controverse ma di grande talento. I più famosi sono la doppia tela “Clothed Macha”, con “Naked Macha” nascosta sotto, una serie di acqueforti “Caprichos” e i ritratti della sua amata Cayetana Alba.

Questo dipinto è considerato da molti la prima manifestazione dell'impressionismo in pittura. Pennellate leggere formano l'immagine di una bella ragazza seduta, che stupisce gli intenditori d'arte con la sua insolita. Quindi, al posto della chiarezza quasi fotografica e della concentrazione [...]

Collaborando a lungo con la Manifattura degli Arazzi Reali, l'artista dipinse ad olio su cartone diversi soggetti, che i tessitori trasferirono poi su arazzi tessuti. Uno di questi dipinti su cartone è “Il gioco del bluff del cieco”. Pittoresco […]

La tela appartiene al pennello dell'artista spagnolo Francisco Goya. La data esatta della sua creazione è sconosciuta. Si ritiene che il dipinto sia stato dipinto tra il 1812 e il 1819. Il posto centrale è occupato da una folla inferocita di persone che portano uno striscione con […]

Nel XVIII secolo la situazione con la pittura spagnola non era facile. Il predominio straniero è penetrato nell'arte spagnola, nella sua pittura. Le autorità, rendendo omaggio alla moda e alle ambizioni politiche, promossero i pittori stranieri a posizioni di comando e […]

Il dipinto di Francisco Goya "La vendemmia" fu dipinto nel 1786. Attualmente l'opera adorna il Museo Nazionale del Prado a Madrid. Le dimensioni della tela arrivano fino a 267,5 x 190,5 cm, dal punto di vista stilistico l'opera può essere […]

Goya Francesco

Goya. Francisco José de Goya e Lucientes(Francisco José de Goya) 1746-1828 - Artista e incisore spagnolo, uno dei primi e più importanti maestri delle belle arti dell'era romantica. Goya era un artista molto prolifico, notato anche in gioventù. La sua colossale diligenza gli permise di lavorare fino a tarda età, e durante la sua vita ci lasciò tante belle opere. L’accuratezza dei suoi ritratti ci permette di vedere l’aspetto della nobiltà spagnola e la visione dell’artista di una serie di eventi storici.

Goya si distingue per la sua audace innovazione artistica dai sostenitori dell'accademismo. Interesse costante per il grottesco, creazione di acqueforti che ridicolizzano gli ordini sociali e religiosi nella società.

Nel corso della sua vita, Francisco Goya è stato riconosciuto nell'alta società per il suo talento e il suo duro lavoro. Gode ​​costantemente del patrocinio dei rappresentanti delle famiglie più nobili della Spagna. Sebbene in gioventù abbia ricevuto un'educazione superficiale (Goya scriverà sempre con errori). La sua fruttuosa creatività per tutta la sua lunga vita, la costante ricerca della conoscenza e dell'auto-miglioramento continuarono fino alla tarda età (nonostante la malattia), fornendo un chiaro esempio della diligenza sconfinata di una persona di talento.

Dipinti di Francisco de Goya:

Biografia di Francisco Goya:

1746 Francisco Goya nasce a Zarogosa, in una famiglia della classe media. Dopo la nascita, la famiglia si trasferì nella provincia rurale vicino a Zarogosa, dove visse fino al 1760. A Saragozza, il giovane Francisco fu mandato alla bottega dell'artista Luzana y Martinez.

Nel 1763 partecipò al concorso per la migliore copia del Sileno in gesso, ma la sua opera non ottenne riconoscimenti.

Nel 1764 tentò senza successo di entrare all'Accademia di San Fernando a Madrid.

Nel 1766 Goya si reca a Madrid e partecipa nuovamente al concorso per entrare all'Accademia di San Fernando, ma ancora una volta fallisce. A Madrid, Goya studiò con artisti di corte, studiando le loro opere. Nello stesso anno Francisco Goya si trasferì a Roma.

Nel 1771 partecipò ad un concorso dell'Accademia di Parma per un dipinto di tema antico. Al concorso il suo lavoro si fa notare e riceve il secondo premio dell'Accademia di Belle Arti di Parma. Goya ritorna a Saragozza e la Chiesa del Pilar incarica Francisco Goya di completare i bozzetti per la cappella dell'architetto Ventura Rodriguez e gli commissiona un dipinto di prova. L'opera di Goya è ammirata dal collegio dei sacerdoti.

1772 Goya è invitato a dipingere l'oratorio del Palazzo Sobradiel. Riceve il patrocinio di Ramona Pignatelli.

1772-1774 fu invitato nella certosa di Aula Dei (vicino a Saragozza) e creò 11 grandi composizioni su temi della vita della Santa Vergine Maria.

Nel 1773, Goya dovette sposare Josefa (a causa della sua gravidanza), sorella di Francisco Bayeu (artista di corte del re Carlo IV e della regina Maria Luisa). Il figlio nato morì presto. In totale, Goya e Josepha ebbero 5 figli, ma solo un figlio sopravvisse (Francisco Javier Pedro), che divenne anche lui un artista. Dopo aver ottenuto il riconoscimento da parte dell'aristocrazia (con l'aiuto di Francisco Bayeu), Francisco Goya perse interesse per sua moglie, ma rimase comunque sposato con Josefa fino alla sua morte nel 1812.

Nel 1775 Goya si trasferì a Madrid da Francisco Bayeu e lavorò nella sua bottega. Nello stesso anno, Goya ricevette la prima commissione di corte per scene di caccia nel Palazzo dell'Escorial per il Principe delle Asturie (il futuro Carlo IV).

Nel 1778 Francisco incide dipinti di Diego Velazquez nel palazzo reale di Madrid.

Nel 1779, l'artista presentò al re 4 dei suoi dipinti. E presto Goya fa già domanda per la posizione di artista di corte, ma viene rifiutato (a causa delle proteste di suo cognato Francisco Bayeu). A quel tempo, Goya era già un artista ricco.

Nel 1780 Goya firma un contratto per dipingere la cupola della Cattedrale del Pilar. Questo contratto alla fine porta al conflitto tra Francisco e suo cognato (a cui è costretto a obbedire in questo progetto). Il Consiglio dei Sacerdoti viene coinvolto nel conflitto e costringe Goya a sottomettersi alle richieste di Francisco Bayeu. A causa del risentimento, Goya non tornò nella sua nativa Saragozza per molto tempo.

Nel 1781 Goya, insieme a Francisco Bayeu e Maella, dipinse la Chiesa di S. Francesco Magno a Madrid. Scrive “Il sermone di San Bernardino da Siena al cospetto del Re d'Aragona” e lì Goya si raffigurò alla sinistra del santo.

Nel 1783 dipinse un ritratto del conte di Floridablanca.

Nel 1784 ad Arenas de San Pedro dipinge il fratello minore del re, l'Infante Don Luis, sua moglie Maria Teresa Vallabriga e il loro architetto Ventura Rodriguez.

Nel 1785 Goya incontrò la famiglia del marchese de Penafel, che sarebbe stato suo cliente abituale per 30 anni.

Nel 1785 divenne vicedirettore della Royal Academy.

Nel 1786 Goya fu nominato artista reale e ricevette un ordine per una serie di dipinti per la sala da pranzo reale nel Palazzo Pardo. Le opere più importanti di questa serie sono "Spring" ("Flower Girls"), "Summer" ("Harvest") e "Winter" ("Blizzard"). Successivamente, Goya dipinse i ritratti del conte Altamira e del re Carlo III.

Nel 1789 Carlo III morì e Goya divenne l'artista di corte di Carlo IV (e nel 1799 il suo primo pittore).

Nel 1789 Goya non ha ordini a causa degli eventi della Rivoluzione francese. La corte spagnola perse interesse per la decorazione dei palazzi. La paura della rivoluzione provoca la persecuzione delle persone istruite della Spagna, tra cui Francisco Goya. Nel luglio 1790 fu inviato a Valencia, ma presto tornò a Madrid, dove riacquistò la sua precedente posizione negli intrighi di corte. Ma gli ordini non sono ancora molti.

Nel 1793 Goya era gravemente malato (i documenti non conservavano la diagnosi), fu colpito da paralisi e perdita dell'udito.

Nel 1795 Goya realizzò un ritratto del Duca d'Alba e di sua moglie. Circolavano voci sulla reciproca passione di Goya e della duchessa d'Alba, ma non vi era alcuna conferma diretta. Nei ritratti dipinti di Alba si possono trovare solo accenni a una possibile connessione. Goya ha anche disegni della duchessa d'Alba (molto caustici). C'è anche un piccolo dipinto in cui Goya ha raffigurato Alba e la sua governante in una scena libera e quotidiana.

Nel luglio 1795 muore il cognato di Goya, Francisco Bayeu (al quale deve l'inizio della sua carriera). Nello stesso anno Francisco Goya fu eletto direttore del dipartimento di pittura dell'Accademia di San Fernando e ricevette un buon stipendio.

1796 Goya si reca con la corte reale in Andalusia per venerare le spoglie di San Ferdinando di Siviglia. Allo stesso tempo, dipinge 3 grandi tele con innovazione nel rappresentare la vita di Cristo. Apparve il "Sanlúcar Album" di Goya con i suoi primi schizzi.

Nel 1797 Goya dipinse il dipinto “La duchessa d'Alba in mantiglia” raffigurata in un abito mahi (mantiglia e gonna nere) con l'iscrizione nella sabbia “Solo Goya” (Solo Goya). La duchessa d'Alba a quel tempo era già vedova. A causa delle cattive condizioni di salute, Goya fu costretto a dimettersi dalla carica di direttore del dipartimento di pittura dell'Accademia di San Fernando.

Nel 1798, il re Carlo IV incaricò Goya di dipingere la cupola della sua chiesa di campagna di San Antonio de la Florida.

Nel 1799, nella sagrestia della Cattedrale di Toledo fu installato il dipinto “La Presa in custodia di Cristo”, noto per la sua perfetta resa dell’illuminazione notturna. Nello stesso anno fu pubblicata la famosa serie di acqueforti di Goya “Caprichos”, che ridicolizzava gli ordini sociali e religiosi nella società. (La famosa opera di questa serie è "Il sonno della ragione dà alla luce i mostri"). La pubblicazione di "Caprichos" costringe l'Inquisizione a intervenire e a bloccarne le vendite.

Nel 1799 Goya fu nominato primo artista di corte con uno stipendio di 50.000 reais all'anno

Nel 1800 fu dipinto il famoso dipinto “Nude Macha”.

1801 Goya completa il famoso “Ritratto della famiglia di Carlo IV”

Nel 1802 apparve il dipinto “Mach Dressed”, in cui appariva lo stesso modello e nella stessa posa di “Mach Nude”. Presto morì la protettrice di Goya, la duchessa d'Alba; Goya lavorò al disegno di una tomba per la duchessa (il disegno è stato conservato).

Dal 1803 al 1808 Francisco Goya realizzò solo ritratti.

1808 La Spagna fu occupata dai francesi. La rivolta di Madrid portò alla guerriglia. Il nuovo re Ferdinando VII, recandosi a Bayonne, commissiona a Goya di dipingere il suo ritratto. Ma verrà arrestato insieme a tutta la famiglia reale e l'artista dovrà completare il ritratto a memoria. Insieme al paese, Goya prova odio per la guerra e Napoleone I, che si riflette in una serie di piccoli dipinti.

1814 Ferdinando VII abrogò la costituzione del 1812. In Spagna si profilava una situazione di dittatura. Sebbene Ferdinando VII fosse ostile a Goya, tutte le accuse contro di lui furono ritirate e il suo stipendio gli fu restituito.

Nel 1818 Goya completò una grande tela raffigurante i due santi patroni di Siviglia, Justa e Rufina, sotto forma di altalene formose, per la Cattedrale di Siviglia. Successivamente completò il dipinto “L'Ultima Comunione di San Giuseppe di Calasan” per la chiesa Escuelas Pias di Madrid. Un lavoro così duro è sorprendente, considerando che l'artista ha già 72 anni!

Nel 1820 Goya si ammalò gravemente e cessò di essere presente all'Accademia.

Nel 1823 Francisco Goya incontrò Leocadia de Weiss, che divorziò dal marito e diede alla luce una figlia, Rosarita (a quel tempo Goya aveva 77 anni). Nel 1824, Goya, insieme a Leocadia e alla piccola Rosarita, andò in Francia, per poi trasferirsi da amici a Bardo. Allo stesso tempo, ha continuato a dipingere quadri e creare litografie.

Nel 1826 Goya tornò a Madrid e chiese il permesso di ritirarsi con lo stipendio intatto.

Il 16 aprile 1828 Francisco Goya muore nel suo appartamento della Fosse de l'Intendance a Bordeaux.

“Io sono Goya! Le orbite dei crateri furono beccate da un corvo, che volò nudo sul campo. Sono Dolore." Questo è ciò che ha scritto Andrei Voznesensky nella sua famosa poesia, confermando l'opinione esistente secondo cui l'uomo moderno percepisce il grande spagnolo, prima di tutto, come il creatore di creazioni oscure, spaventose e difficili da comprendere.

Nel frattempo, Francisco Goya non parla solo di fame e donne impiccate. Innanzitutto è il primo artista modernista a cambiare l’idea classica di composizione in pittura. Goya è giustamente considerato l'anello di congiunzione tra la vecchia e la nuova arte, l'erede di Velazquez e il predecessore di Manet. I suoi dipinti contengono sia la sensualità e la chiarezza dei secoli passati, sia il piatto anti-illusionismo dell'era moderna.

Goya non aveva un genere preferito. Dipinse paesaggi e nature morte. Era altrettanto bravo con i volti dei nobili pomposi e con le caratteristiche seducenti dei corpi delle donne. I suoi pennelli includono vivaci tele e dipinti storici che trasmettono brillantemente il contenuto delle storie bibliche. Ma c’è una caratteristica nell’opera di Goya che non troverai in altri artisti. Nessuno ha mai rappresentato la crudeltà, la superstizione e la follia in modo così convincente e autentico. Goya è stato in grado di mostrare le proprietà più estreme e ripugnanti della natura umana con il massimo realismo e onestà. Questa caratteristica della sua natura artistica si manifestò più chiaramente nei cosiddetti “Quadri Neri”, un complesso di affreschi con cui Goya coprì le pareti della sua casa situata alla periferia di Madrid.

Nel 1819, Goya si trasferì da Madrid in una casa di campagna e tenuta conosciuta come Quinta del Sordo (Casa dei Sordi).

Quinta del Sordo (Casa dei Sordi). Disegno di Saint-Elma Gautier nel 1877. La casa di Goya è un piccolo edificio sulla sinistra. L'ala destra fu eretta dopo la morte dell'artista.

A questo punto, l'artista aveva vissuto una serie di tragedie personali: la morte della moglie e di numerosi figli, la separazione dagli amici intimi e una grave malattia che gli causò la sordità. Stabilitosi fuori città, in un posto tranquillo dall'altra parte del fiume Manzanares, Goya spera di trovare tranquillità ed evitare pettegolezzi sulla sua relazione con Leocadia Weiss, una giovane e bella donna che a quel tempo era sposata con un ricco mercante Isidoro Weiss.

Ma la difficile situazione nel paese, di cui l'artista è molto preoccupato, e un grave infarto hanno un effetto devastante sulla sua salute e sulla sua psiche. Goya inizia a sentirsi depresso. Non vede nulla di gioioso e luminoso nel mondo che lo circonda. Cercando di far fronte al caos interno e alla malinconia, Goya dipinse quindici dipinti ad olio sulle pareti delle stanze della sua casa, che in seguito furono chiamati “neri” per il loro umore ansioso e la predominanza dei toni scuri nella tavolozza. Alcuni di essi sono dedicati a soggetti biblici o mitologici, ma la maggior parte dei “Black Paintings” sono creazioni oscure dell’immaginazione dell’artista.

Ci sono molte spiegazioni sul significato filosofico e simbolico dei dipinti de “La casa dei sordi”. Alcuni ricercatori del lavoro di Goya ritengono che i “dipinti neri” siano generalmente incomprensibili. Cosa sono questi affreschi? Proiezioni di incubi, allucinazioni catturate di una mente malata o profezie crittografate di problemi futuri che attendono sia Goya stesso che tutta l'umanità? Non esiste una risposta chiara.

Possiamo però affermare con certezza che nei “Dipinti neri” Goya, forse spontaneamente e involontariamente, esprime sotto forma di immagini spaventose e misteriose ciò che lo tormentava e preoccupava: la guerra civile, il crollo della rivoluzione spagnola, il suo rapporto con Leocadia Weiss, il suo inevitabile invecchiamento e l'avvicinarsi della morte. L'artista ha subordinato la collocazione dei “quadri neri” sulle pareti della “Casa dei Sordi” ad un certo piano, unendo la sua creazione in un unico complesso, divisibile in due parti: inferiore e superiore. Pertanto, per “leggere” i dipinti della Quinta del Sordo, per comprenderne il significato nascosto, bisogna procedere non solo da quanto raffigurato sugli affreschi, ma anche tener conto dei loro rapporti spaziali tra loro.

Affreschi del primo piano

Nella lunga sala allungata del piano inferiore, nelle pareti, c'erano sette affreschi, realizzati nello stesso stile e rappresentavano una composizione completa.

Su entrambi i lati della porta d'ingresso c'erano due ritratti: presumibilmente il padrone stesso e la sua governante Leocadia Weiss, che in seguito divenne la padrona di casa.

Il ritratto di Leocadia, situato sul lato sinistro, raffigura una giovane donna elegante che sta appoggiata al recinto della tomba.

Cosa significa tomba? Forse Goya voleva mostrare che Leocadia attende la morte del marito, che le impedisce di diventare la moglie legale dell’artista. O questa è la tomba dello stesso Goya e il ritratto parla dei cupi presentimenti che lo possedevano?

A destra della porta ci sono “Due Vecchi”.

Un vecchio con una lunga barba, che ricorda la figura del dipinto di Goya “Sto ancora imparando”, rappresenta molto probabilmente il pittore stesso. La seconda figura è il demone della sua ispirazione ovvero il tentatore infernale, che è costretto a gridare nell’orecchio dell’artista sordo per farsi sentire.

Nella rientranza sopra la porta: "Due vecchie che mangiano da piatti comuni". A questo affresco viene prestata poca attenzione, ma è di grande importanza per l'intera composizione. Le figure raffigurate su di esso non solo mangiano, ma indicano anche un luogo fuori dallo spazio dell'immagine. Dove puntano il dito?

Forse l'artista stava parodiando se stesso, alludendo ai ritratti che una volta dipinse della duchessa d'Alba?

Ma molto probabilmente, le donne anziane indicano Goya, come se gli ricordassero l’infermità della vecchiaia e la morte imminente.

Sulla parete di fronte alla porta d'ingresso, Goya dipinse due dipinti, separati da una finestra, che in seguito divennero i più famosi tra i suoi ammiratori moderni: "Saturno che divora i suoi figli" e "Giuditta che taglia la testa di Oloferne", che, come il gli affreschi sulla porta d'ingresso, sono immagini di Goya e Leocadia, ma simboliche.

Identificandosi con Saturno, Goya espresse la sua paura per suo figlio Javier, che aveva paura di distruggere a causa di un'educazione impropria, gelosia o rabbia ingiusta. La brutta divinità pagana che mangia il proprio figlio è una metafora emotiva dell'inevitabile scontro tra padri e figli.

L'immagine di Giuditta, che personifica il potere di una donna su un uomo, riflette le esperienze di Goya associate al suo invecchiamento e alla perdita di forza. Ovviamente il rapporto con Leocadia ha intensificato questo sentimento amaro.

A sinistra di “Leocadia”, sulla grande parete longitudinale tra le finestre, c'era un enorme fregio “Il Sabba delle Streghe” o “La Grande Capra”. Di fronte a lui sulla parete destra si trova il fregio “Pellegrinaggio a S. Isidora”, raffigurante l'annuale festa popolare che si tiene a Madrid.

Goya aveva già affrontato il tema della stregoneria e del satanismo. Le streghe erano presenti come personaggi principali nelle sue famose incisioni Caprichos. Nel 1798 dipinse un dipinto che portava lo stesso nome dell'affresco de La Casa dei Sordi. Ma, a quanto pare, l'artista non era interessato alla magia in quanto tale, ma alle superstizioni che esistevano a quel tempo nella società spagnola. "Il sabato delle streghe", nonostante il suo stato d'animo deprimente e inquietante, è molto probabilmente un'opera satirica in cui Goya mette in ridicolo la stupidità umana, l'ignoranza e la mancanza di pensiero razionale. Va detto che questo affresco ha un'altra connotazione, politica. Il suo contenuto è diretto contro i realisti e il clero, che acquisirono un potere significativo dopo la sconfitta della rivoluzione spagnola.

“Pellegrinaggio a S. Isidoro” è la cupa caricatura di Goya della vita e dei costumi della Spagna all’inizio del XIX secolo. La folla ubriaca e cantante della gente comune chiaramente non è sopraffatta dal sentimento religioso. Per i partecipanti al pellegrinaggio, la festa di uno dei santi più venerati in Spagna è solo una scusa per bere e mettersi in mostra. Tuttavia, l’oscurità che avvolge la folla in cammino e i volti spaventati dei pellegrini conferiscono al dipinto un’atmosfera cupa. Per aumentare la drammaticità di ciò che sta accadendo, nell'angolo in basso a destra dell'affresco, Goya ha collocato la figura di un monaco che osserva la processione con amarezza e dolore. “Pellegrinaggio a S. Isidoro” non si può fare a meno di voler confrontare con un’altra opera di Goya, piena di luce e di gioia, “La Festa di Sant’Isidoro”, che scrisse quarantacinque anni prima della creazione dei “quadri neri”.

Affreschi al secondo piano

La stanza del secondo piano aveva otto pareti adatte alla pittura, ma Goya ne usò solo sette. A destra della porta d'ingresso c'era il misterioso "Cane", sulla lunga parete sinistra c'erano "Atropo" o "Moira" e "Duello con bastoni", sulla destra opposta - "Asmodea" e "Passeggiata dell'Inquisizione", sulla parete di fronte all'ingresso e a sinistra della finestra c'erano “Lettori”, a destra – “Donne che ridono”.

“Cane”, l'affresco più strano che ha dato origine a molte interpretazioni, è visivamente diviso in due parti, superiore e inferiore.

La parte superiore giallo chiaro occupa lo spazio principale dell'immagine, quindi gli spettatori di solito la percepiscono come un cielo dorato che si estende sulle sabbie mobili marroni da cui il cane sta cercando di uscire. Il suo sguardo, rivolto verso l'alto verso una misteriosa zona oscura, sembra essere un appello a un potere superiore per chiedere aiuto. È possibile che questo sia esattamente ciò che l'artista si è sentito in quel periodo difficile per lui: solo, morendo nell'abisso di guai e disgrazie che lo hanno travolto, ma senza perdere la speranza di una salvezza miracolosa.

Il dipinto situato sulla parete sinistra, chiamato “Atropo”, è collegato all'antica mitologia greca.

Atropo (Moire)

Goya dipinse le dee del destino, Cloto, Lachesi e Atropo, come creature brutte e ripugnanti che fluttuano nell'aria. Al centro dell'immagine, circondate da dee, ci sono figure di un uomo con le mani legate dietro la schiena, il che, a quanto pare, significa l'impotenza dell'uomo davanti ai colpi del destino.

Accanto ad Atropo, Club Duel mostra due uomini che combattono fino alla morte mentre sono immersi nel fango e incapaci di lasciare il campo di battaglia.

A giudicare dal fatto che gli uomini sono molto simili tra loro, la loro lotta simboleggia la guerra civile che in quel periodo infuriava in Spagna.

Occupando la prima parete a destra, “Asmodeus” è probabilmente l’opera più difficile da spiegare di tutte, scritta dall’artista sui muri della “Casa dei Sordi”.

Due figure, maschile e femminile, restavano immobili nell'aria. I loro volti sono distorti dalla paura, i loro gesti esprimono ansia. Apparentemente i personaggi dell'affresco si sentono indifesi dai pericoli del mondo che si estende sotto di loro. L'uomo tese la mano verso l'enorme roccia su cui si trova la città con le mura della fortezza. La donna guarda nella direzione opposta. In basso, sotto le figure volanti, sono visibili soldati francesi, pronti a condurre il fuoco mirato, e un gruppo di persone con cavalli e carri. Nonostante l'atmosfera spaventosa ed estremamente inquietante, l'immagine è incredibilmente bella, grazie allo sfondo dorato che la riempie, con schizzi blu e argento, su cui sono presenti due oggetti rosso vivo non correlati.

Il seguito di Asmodea, Inquisition Walk, ha una trama poco chiara e potrebbe non essere stato completato.

La composizione dell'immagine è sconvolta: l'attenzione dello spettatore è attratta dall'angolo in basso a destra, in cui si trova un gruppo di personaggi antiestetici con in primo piano un uomo in veste di inquisitore. La restante parte è occupata da un cupo paesaggio montano con figure umane poco chiare. Questo dipinto ha un secondo titolo: "Pellegrinaggio alla Fonte di San Isidro" ed è spesso confuso con il dipinto situato al piano terra, che ha un nome simile.

Separati da una finestra, “Reading” e “Laughing Women” sono realizzati nello stesso modo stilistico e compositivamente si completano a vicenda.

"I lettori" raffigura un gruppo di uomini che ascoltano con grande attenzione un uomo che legge ad alta voce un giornale appoggiato sulle ginocchia. Alcuni ricercatori del lavoro di Goya ritengono che si tratti di politici che stanno studiando l'articolo a loro dedicato.

"The Laughing Women" è una sorta di parafrasi di "The Readers", dove l'attenzione di due donne che ridono è focalizzata su un uomo che apparentemente si sta masturbando. Qual è il vero significato di questo peculiare dittico? Probabilmente l'artista ha voluto dimostrare che gli incontri politici, come la masturbazione, sono un'attività infruttuosa, ma divertente.

I misteri associati ai “dipinti neri” non si limitano al loro contenuto misterioso. Esiste l'ipotesi, tuttavia, più volte smentita, che l'autore degli affreschi della Quinta del Sordo non sia Goya, ma suo figlio Javier. Gli autori di questa teoria partono dal fatto che i contemporanei di Goya non sapevano dell'esistenza dei "dipinti oscuri" e non li vedevano mai, e la prima menzione degli affreschi apparve sulla stampa 40 anni dopo la morte dell'artista. Inoltre, la "Casa dei Sordi", all'epoca in cui vi viveva Goya, aveva un solo piano e il secondo fu costruito dopo la sua partenza per la Francia. Di conseguenza, la paternità di Goya non può essere considerata indiscutibile.

Attualmente i “quadri neri”, trasferiti dai muri alla tela, sono esposti al Museo del Prado di Madrid. Nonostante il fatto che l’ordine dei dipinti non corrisponda a “La casa dei sordi” e che l’integrità della composizione sia violata, il loro impatto sullo spettatore non è diminuito. Le immagini cupe e spaventose create dal genio spagnolo evocano sentimenti forti e contraddittori, costringendo ad ammirare il brutto, ad ammirare il brutto e ad apprezzare il disgustoso.