I migliori autoritratti di artisti famosi. A proposito di artisti: Autoritratti di grandi artisti

14.06.2019

Piano:

1 Autoritratto nelle belle arti
- 1.1 Tipi di autoritratto
- 1.2 Identificazione dell'autoritratto
2 Storia
- 2.1 Antichità
- 2.2 Rinascimento
- 2.3 Barocco
- 2.4 postimpressionisti
3 ritratti fotografici
4 Diagnosi tramite autoritratto
5 Letteratura
- 5.1 storia dell'arte
- 5.2 Psicologia della percezione di sé
- 5.3 Autoritratti nelle neuroscienze
- 5.4 Autoritratti in letteratura

introduzione

Autoritratto di Rembrandt, 1655 circa

auto ritratto- un ritratto di se stesso. Di solito si riferisce ad un'immagine pittoresca; tuttavia, gli autoritratti sono anche scultorei, letterari, fotografici e cinematografici, ecc.

Molti ritrattisti hanno creato autoritratti e alcuni hanno dipinto un numero record delle loro immagini. A volte gli artisti collocavano la loro immagine nei ritratti di gruppo. Si ritiene che alcuni artisti abbiano dipinto ritratti di personaggi del sesso opposto a se stessi. Alcuni artisti che soffrivano di malattie neurologiche hanno lasciato degli autoritratti. Queste immagini hanno permesso ai medici di analizzare i disturbi cerebrali; molti di loro sono entrati saldamente nei libri di testo di neurologia.

1. Autoritratto nelle belle arti

1.1. Tipi di autoritratto

Il critico d'arte Vasilyeva-Shlyapina distingue due tipi principali di autoritratto: professionale, cioè quello su cui è raffigurato l'artista al lavoro, e personale rivelare tratti morali e psicologici. Offre anche una classificazione più dettagliata: 1) "autoritratto inserito" - l'artista è raffigurato in un gruppo di personaggi di una trama; 2) "autoritratto rappresentativo, o simbolico" - l'artista raffigura se stesso nell'immagine di un personaggio storico o di un eroe religioso; 3) "ritratto di gruppo" - l'artista è raffigurato con familiari o altre persone reali; 4) "autoritratto separato o naturale" - l'artista è raffigurato da solo.

1.2. Identificazione dell'autoritratto

"Uno sguardo diretto direttamente allo spettatore e un'asimmetria alquanto innaturale del contorno del viso, derivante dal ribaltamento dell'immagine a specchio, sono segni caratteristici con cui vengono solitamente identificati gli autoritratti in composizioni a più figure." Grashchenkov sottolinea nel suo studio sul primo Rinascimento.

2. Storia

2.1. Antichità

Immagini di artisti al lavoro si trovano nell'antica pittura egiziana, così come negli antichi vasi greci. Uno dei primi riferimenti all'autoritratto di un particolare artista si trova nell'antico filosofo e biografo greco Plutarco (c. 45 - c. 127), il quale scrive che l'antico scultore greco Fidia (c. 490 a.C. - c. 490 a.C.) vissuto diversi secoli prima di lui intorno al 430 a.C.) si incluse tra i personaggi della composizione "Battaglia delle Amazzoni" nel Partenone. La battaglia dei Greci con le Amazzoni fu scolpita sullo scudo della statua di Atena, così come sulla parete occidentale del tempio.

2.2. Rinascimento

Presunto autoritratto di Leonardo da Vinci

Il pittore e architetto italiano Giotto (1267-1337) si inserì nel ciclo dei "personaggi famosi" di una castella napoletana.

Il pittore italiano Masaccio (1401-1428) si raffigurò come uno degli apostoli nel dipinto della Cappella Brancacci.

Il pittore toscano Botticelli (1447-1515) si fece soggetto del dipinto L'Adorazione dei Magi.

L'immagine più famosa di Leonardo da Vinci (1452-1519) è considerata da molti ricercatori un tardo e unico autoritratto. Altri storici dell'arte ritengono però che l'appartenenza di quest'opera a Leonardo non sia stata del tutto dimostrata. Esiste una versione, espressa per la prima volta dallo scrittore Merezhkovsky, secondo cui Leonardo ha basato il famoso dipinto "Mona Lisa" sul proprio autoritratto.

Sia Raffaello (1483-1520) che Michelangelo Buonarroti (1475-1564) ritrassero se stessi. Si ritiene che Michelangelo abbia dato una somiglianza del proprio volto all'immagine della pelle strappata a San Bartolomeo nella scena del Giudizio Universale nel dipinto della Cappella Sistina.

Tiziano (1477-1576) dipinse "Autoritratto con Orazio e Marco Vecelio", che, secondo i critici, ha un profondo contenuto filosofico. La tela raffigura lo stesso Tiziano, suo figlio e il parente Marco. È noto anche un tardo autoritratto di Tiziano, che dipinse nel 1566.

Più di cinquanta autoritratti furono dipinti da Albrecht Dürer (1471-1528). Il primo (disegno a matita argentata) è stato realizzato quando l'artista aveva tredici anni. Il ventiduenne Dürer è raffigurato anche nell'Autoritratto con un garofano (1493, Louvre). L'Autoritratto di Madrid (1498, Prado) raffigura Dürer come un uomo di notevole ricchezza che ha ottenuto il riconoscimento. Nel successivo autoritratto, l'artista si è ritratto a immagine di Cristo (Monaco di Baviera, Alte Pinakothek).

2.3. Barocco

Un gran numero di autoritratti furono dipinti da Rembrandt (1606-1669). All'artista furono attribuiti contemporaneamente circa 90 dipinti contenenti la sua immagine. Tuttavia, come ha dimostrato l'analisi, 20 "autoritratti" sono stati in realtà realizzati da altri artisti. Ad esempio, l’“autoritratto” acquisito dalla Galleria di Stoccarda nel 1962 fu rifiutato. Recentemente è stato scoperto il più piccolo autoritratto di Rembrandt, che misura otto pollici di altezza e circa sette di larghezza.

2.4. postimpressionisti

Autoritratto di Van Gogh La testa è fasciata, poiché l'artista stesso gli ha tagliato parte dell'orecchio.

Van Gogh dipinse più di venti autoritratti e in soli due anni.

Tra i detentori del record per il numero di autoritratti c'è Frida Kahlo. Si è scritta 55 volte.

3. Ritratti fotografici

Roberto Cornelio. Auto ritratto.
Dagherrotipo, 1839. La prima fotografia nitida di un volto umano.

Autoritratto di Eleazar Langman

Sono diffusi due metodi per ottenere autoritratti: fotografare il proprio riflesso nello specchio e fotografarsi con la macchina fotografica a distanza di un braccio.

È ben noto il lavoro di E. Langman, che fotografò il suo riflesso sulla superficie di una teiera nichelata.

4. Diagnosi mediante autoritratto

Autoritratto di Egon Schiele raffigurante la masturbazione

Gli autoritratti di artisti che soffrivano di varie malattie offrono ai professionisti medici un'opportunità unica per studiare la percezione di sé in persone con disturbi psicologici, psichiatrici o neurologici.

Il sessuologo russo Kon, nel suo articolo sulla masturbazione, osserva che l'abitudine alla masturbazione è raffigurata nelle opere d'arte, in particolare nella pittura. Così l'artista austriaco Egon Schiele si è raffigurato in questo modo in uno dei suoi autoritratti. Kohn ritiene che l'artista trasmetta con questo dipinto non il piacere della masturbazione, ma un sentimento di solitudine. Il lavoro di Schiele viene analizzato anche da altri ricercatori sulla sessualità, in particolare da ricercatori sulla pedofilia.

5. Letteratura

5.1. storia dell'arte

G. L. Vasilyeva-Shlyapina. Genere dell'autoritratto nelle belle arti mondiali. Bollettino di KrasGU. (PDF).

5.2. Psicologia della percezione di sé

Wegner DM (2003) L'autoritratto della mente. Ann N Y Acad Sci 1001: 212-225. Autoritratto personale. La psicologia e le neuroscienze si stanno avvicinando alla comprensione della mente e della coscienza. Nel frattempo, ogni mente umana contiene un autoritratto contenente un'autovalutazione dei processi mentali. Questo autoritratto crede che le azioni di una persona siano controllate dai pensieri e quindi il corpo sia controllato dalla coscienza. L'autoritratto porta alla convinzione che desideriamo consapevolmente fare qualcosa. La ricerca mostra che un simile autoritratto è una caricatura della funzione cerebrale, ma allo stesso tempo è la base per un senso di paternità e responsabilità per le proprie azioni.
I. S. Kon DISCOVERY "I" (Studio storico e psicologico), la rivista "New World" 1977, N8. Successivamente, l’autore è tornato su questo argomento nel suo libro “Alla ricerca di se stessi (la personalità e la sua autocoscienza)”, M., Politizdat, 1984.

5.3. Autoritratti nelle neuroscienze

Tielsch AH, Allen PJ (2005) Ascoltateli disegnare: screening dei bambini nelle cure primarie attraverso l'uso di disegni di figure umane. Pediatr Nurs 31(4): 320-327. Guarda come disegnano: diagnosticare i bambini dai disegni di persone. Questa revisione della letteratura si concentra sul metodo di disegnare le persone come metodo diagnostico. I disegni dei bambini possono riconoscere i disturbi mentali. Gli autori descrivono l'uso degli autoritratti per diagnosticare i disturbi emotivi nei bambini dai 6 ai 12 anni. Sebbene questa tecnica non fornisca una diagnosi definitiva, è utile per riconoscere i problemi.
Morin C, Pradat-Diehl P, Robain G, Bensalah Y, Perrigot M (2003) Emiplegia da ictus e immagine speculare: lezioni dagli autoritratti. Int J Aging Hum Dev 56(1): 1-41. Emiplegia dopo ictus e immagine speculare: lezioni apprese dagli autoritratti. I pazienti affetti da emiplegia presentano diversi problemi di percezione di sé, dovuti a lesioni neurologiche della rappresentazione del corpo o problemi psicologici nella percezione di sé stessi.

L'autoritratto nel mondo delle belle arti.

L'autoritratto è tipico di tutti i tipi di arte: scrittori, poeti, musicisti - tutti hanno reso omaggio alla passione per questo genere. Ma l'arte della conoscenza di sé, grazie al fenomeno dell'autoritratto, si esprime soprattutto pienamente nelle belle arti.

Molti artisti disegnavano, dipingevano, scolpivano se stessi, spesso utilizzando uno specchio, cercando di indovinare l'atmosfera della loro arte nel proprio aspetto. Se è vera l'espressione: "Gli occhi sono lo specchio dell'anima", allora possiamo dire che un autoritratto è uno specchio dell'anima dell'artista.

Esiste anche una nota regolarità secondo cui, mentre ritrae gli altri, l'artista trasferisce inconsciamente le sue caratteristiche individuali all'aspetto del modello (quindi, nel senso figurato del termine, tutta l'opera dell'artista è un autoritratto).

Gli autoritratti nel senso lato del termine possono essere considerati alcune immagini dell'artista al lavoro nei dipinti egizi o sui vasi greci (queste immagini sono collettive, così come le firme dei vasai sono marchi di fabbrica). Plutarco parla di audacia Fidia (Diapositiva numero 2), che si ritrasse tra i partecipanti alla "Battaglia delle Amazzoni". Ha creato una straordinaria statua di Atena di dodici metri. E sullo scudo della dea raffigurò una scena di battaglia tra i Greci e le Amazzoni. Quale fu la sorpresa dei contemporanei quando su un enorme scudo tra i soldati greci riconobbero non solo il loro capo Pericle, ma anche lo stesso Fidia. Non era difficile riconoscerlo, poiché le figure dei guerrieri erano ad altezza umana. Fidia si raffigurava come un uomo calvo di mezza età che teneva in alto una pietra tra le mani. Secondo la leggenda, il maestro riuscì a montare lo scudo in modo tale che, dopo aver rimosso le figure del ritratto, lo scudo non potesse mantenere la sua forma e si sgretolò. Forse i contemporanei avrebbero perdonato al maestro un vicinato così blasfemo con gli dei, ma Fidia aveva un carattere molto ostinato e aveva troppi nemici. Pertanto, accusandolo di mancanza di rispetto per gli dei e anche di furto d'oro, l'Assemblea popolare ha condannato seriamente l'artista, ma lo ha rilasciato su cauzione. Fidia dovette soddisfare un grande ordine: la creazione di una statua di Zeus Olimpio. Allora sarà chiamata una delle sette meraviglie del mondo. Tuttavia, la trasgressione di Fidia non fu dimenticata. Il maestro fu imprigionato, dove presto morì.

Nell'antica arte greca, allora non esisteva la tradizione del ritratto psicologico, e ancor più dell'autoritratto. Per gli antichi Elleni la partecipazione attiva alla vita pubblica della città, l'esercizio dei diritti e degli obblighi civili sembrava essere una forma naturale di attività. Questo è ciò che lo distingueva dallo schiavo, lo rendeva un membro della società e quindi un uomo. Pertanto, nell'arte antica, l'interesse per la vita privata di una persona, per il mondo intimo delle sue passioni ed esperienze, è poco sviluppato. Il pubblico è superiore all’individuo. Pertanto, i contemporanei semplicemente non capivano perché Fidia lo facesse, tranne che per esaltare la sua persona.

L'era del cristianesimo è caratterizzata dal desiderio di pentimento, sobrietà spirituale, la confessione è uno dei fondamenti della crescita spirituale. E nell'autoritratto compaiono motivi di autocritica, "crepacuore". Gli isografi (i cosiddetti pittori di icone) non firmavano con il loro nome le icone, gli affreschi e i dipinti delle cattedrali da loro creati. Ma, fatto risaputo, spesso lasciavano le loro immagini su affreschi, pannelli, mosaici. Naturalmente è molto difficile identificarli ora. È vero, i ricercatori ritengono che ci siano seri motivi per credere che Andrei Rublev abbia lasciato la sua immagine su uno degli affreschi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir. Lì, nella navata sud, c'è la composizione "L'apostolo Pietro conduce i giusti in paradiso". Accanto all'apostolo troviamo l'immagine di un uomo. Guarda lo spettatore dritto negli occhi. Questa tecnica è molto tipica degli artisti del primo Rinascimento europeo, che spesso si dipingevano in composizioni a più figure in questo modo. Il Medioevo ha dato molto: il desiderio dietro l'involucro umano esterno di vedere qualcosa di incomparabilmente più grande: il mondo spirituale.

Ma la formazione finale del genere del ritratto e dell'autoritratto avviene, ovviamente, nel Rinascimento. Fu allora che si formarono le caratteristiche di genere dell'autoritratto.

Gli autoritratti si dividono in diverse tipologie: 1) "autoritratto inserito" - l'artista viene introdotto in una composizione di gruppo; a volte si dissolve in una situazione 2) "autoritratto simbolico" - l'artista conferisce le proprie caratteristiche a un personaggio storico o mitologico 3) "ritratto di gruppo" - professionale, familiare, memorabile 4) "autoritratto naturale" - il l'artista viene presentato al lavoro con forniture professionali (o senza di esse).

Giotto è un grande innovatore che ha dato un degno esempio: aver creato a Castel Nuovo

a Napoli tra loro si raffigurò un ciclo di "personaggi famosi". Nella Cappella Brancacci, in una scena della Storia di Pietro, in uno degli apostoli, in piedi nell'ultima fila, si vede l'immagine Masaccio (diapositive n. 3,4). Nell'affollata e rumorosa "Adorazione dei Magi" all'estrema destra, in piena crescita, girato di tre quarti, è rappresentato lui stesso Botticelli (diapositive n. 5,6), guardando non il palco principale affollato dalla famiglia Medici, ma lo spettatore.

Nel Rinascimento, un autoritratto testimoniava l'accresciuto significato sociale dell'artista, la crescita della sua autocoscienza. I contemporanei credevano Leonardo da Vinci (Diapositiva numero 7) una persona straordinaria, notando la straordinaria versatilità creativa del maestro. Il compianto e unico "Autoritratto" presenta un brillante riassunto del percorso di vita del grande pittore, teorico e scienziato italiano, un genio e filosofo universale che cercava nuovi modi per perfezionare la pittura.

Sognatore umbro Rafael Santi (diapositiva numero 8.9) non possedeva né l'aristocrazia di Leonardo né il potere di Michelangelo, ma aveva un'anima aperta, serena e un'affascinante cordialità di carattere, particolarmente apprezzata dai suoi contemporanei. Tutte queste virtù traspare in modo convincente nelle sue opere, anche i suoi autoritratti sono intrisi di uno stato d'animo uniforme e felice. IN "Scuola di Atene" (diapositiva 10, 11) Raffaello, sotto le spoglie degli antichi filosofi greci, ritrasse i suoi contemporanei più anziani: Leonardo e Michelangelo, e collocò modestamente un autoritratto nell'angolo in basso a destra dell'affresco.

Nel periodo del tardo Rinascimento apparvero i simboli degli autoritratti, che a modo loro riflettevano il difficile periodo di transizione della cultura europea. Ad esempio, la tragica maschera facciale Michelangelo (diapositiva 12), che è assolutamente distinguibile chiaramente nella pelle prelevata al peccatore da S. Bartolomeo. Questo è l'affresco del Giudizio Universale. O un autoritratto Michelangelo Caravaggio (diapositiva numero 13) sotto forma della testa di Golia, mozzata da Davide. (Davide con la testa di Golia di Michelangelo). Pittura "Bacco malato" (diapositiva numero 14)è stato realizzato dall'artista all'età di 16 anni. Si presume che si tratti di un autoritratto dell'artista, dipinto in ospedale durante la febbre. Ciò è evidenziato dall'aspetto doloroso del giovane. La figura di Bacco è avvicinata alla cornice del quadro. L'artista ricorre a questo per avvicinare il personaggio allo spettatore, per creare un senso della loro comunicazione.

Gli autoritratti dei pittori del tardo Rinascimento testimoniano il dramma dei creatori, che conoscevano la solitudine e la confusione spirituale in collisione con una realtà cambiata. auto ritratto Tintoretto (diapositiva numero 15) Alcuni anni prima della morte Tiziano (diapositiva numero 16) ha scritto il suo ultimo "Autoritratto" - una confessione unica che rivela il mondo spirituale del grande maestro. Girata quasi di profilo, la figura acquista uno speciale distacco.

Creatività di uno straordinario artista del XVI secolo Giuseppe Arcimboldo (diapositiva numero 17) affascina, sorprende e solleva molte domande. Di lui si hanno pochissime notizie: nacque a Milano, lavorò con il padre alla decorazione del Duomo di Milano, poi visse e lavorò come pittore di corte a Vienna e Praga. Rodolfo2 aveva il titolo di "Maestro delle feste" e, come Leonardo, inventò e costruì varie curiosità, i jukebox (nelle sue memorie sono citati il suo "liuto prospettico" e il "clavicordo a colori").

L'epoca in cui ha lavorato l'artista è stata segnata dalla filosofia naturale, una delle idee principali della quale è la dottrina dello spazio vitale: le stagioni e gli elementi sono stati confrontati con i processi che si verificano nel corpo umano. Il vento era paragonato al respiro, il tuono alla parola, l'alba al sorriso; l'autunno veniva paragonato alla mezza età, l'inverno alla vecchiaia, ecc. Arcimboldo paragonò i suoi 46 anni al periodo di massimo splendore della vita umana e nel suo autoritratto “Estate” sviluppò il tema di un pomeriggio afoso, i cui frutti crescono dalle spighe dorate. Le composizioni di Arcimboldo ebbero un tale successo da generare intere serie di imitatori chiamati "Archimboldesques".

Gli autoritratti manieristi sono caratterizzati dall'isolamento, dalla complessità del mondo interiore del maestro. Autoritratti del Pontormo, Parmigianino (diapositiva numero 18).

Pittore e incisore, matematico e anatomista tedesco Albrecht Dürer realizzò una sintesi unica di principi rinascimentali con caratteristiche renane e olandesi. A differenza dell'italiano, il suo ideale di persona includeva dubbi e riflessioni pesanti, incarnate in tecniche artistiche complicate, allegoriche, linearmente rigide. "Autoritratto con cardo"(diapositiva numero 19) potrebbe essere stato dipinto dall'artista per la sua fidanzata Agnes Frey. Nelle mani di Dürer, il cardo è un simbolo della fedeltà maschile. Dürer è particolarmente attento ai suoi lineamenti e si dipinge come un nobile (diapositiva numero 20), poi a immagine di Gesù Cristo, per non parlare della presenza in tutte le grandi composizioni. A Venezia, nella chiesa di San Bartolomeo, Dürer dipinse il dipinto " Festa del Rosario» (diapositiva numero 21), dove, secondo l'usanza dei maestri italiani, ha collocato la sua immagine in un luogo ben visibile: dal profondo, un elegante Dürer osserva da vicino lo spettatore. Tra le mani ha un foglio di carta aperto con una scritta in latino: “L'ho fatto in cinque mesi. Albrecht Dürer, tedesco, 1506
Nel più famoso degli autoritratti, "Autoritratto a immagine di Cristo" (diapositiva n. 22), il maestro utilizza mezzi plastici per realizzare l'idea audace che ogni artista è un creatore, il che significa che è come Dio. In questo impulso di autoaffermazione, di devota identificazione con Cristo, ha creato più di 50 autoritratti. A Cranach (diapositiva numero 23) E Holbein (diapositiva numero 24) ce n'erano solo uno o due.

Jan van Eyck ha fatto ricorso all'"autoritratto nascosto" almeno due volte" Ritratto dei coniugi Arnolfini” (diapositiva 25) e "Madonna del Canonico van der Pale" (diapositiva 26)(sullo scudo dietro San Giorgio si nota un debole riflesso della figura, forse si tratta di un autoritratto di Jan van Eyck). San Luca dipinge la Madonna di Rogier van der Weyden(diapositiva 27). Il dipinto è dedicato ad un episodio della leggenda (XII secolo, origine greca) su S. Luca, che dipinse il ritratto della Madonna e del Bambino Gesù. Immagini di S. Gli archi iniziarono ad apparire nell'arte europea a partire dal XIV secolo. Le corporazioni dei pittori consideravano Luca il loro mecenate e collocavano le immagini del santo nelle loro cappelle. Forse, Rogier van der Weyden si ritrasse come S. Luke (Dirk Boats, Gossart e altri seguiranno questo percorso).

Il ritratto del pittore nello studio si trova spesso nella pittura olandese. ( Jan Stan, Pieter Brueghel (diapositiva 28)) In corso "Festatori" (diapositiva 29) Steen dipinse se stesso e sua moglie Margarethe, figlia del famoso pittore olandese Jan van Goyen. Il volto del proprietario irradia compiacenza e soddisfazione. Tutta la scena è trasmessa nei minimi dettagli con grande sincerità, calore e un senso di leggera ironia. Lui stesso è il personaggio principale e nella foto "Famiglia di gatti"(diapositiva 30). L'artista, la moglie e i figli si sono riuniti attorno al tavolo. Regna il divertimento. La ragazza sullo sfondo mostra a tutti i gattini appena nati. L'umorismo, a volte anche l'ironia, la composizione ricca, i colori vivaci sono caratteristici delle sue opere.

In alcune opere (ad esempio, "Laboratorio del pittore" Vermeer (diapositiva 31) l'artista si rivolge allo spettatore. Il dipinto aveva diversi nomi "Allegoria della pittura", "Arte della pittura", "Artista e modella". La costruzione compositiva, la soluzione dei piani e dell'ambiente circostante permettono di percepire il quadro come un simbolo dell'arte pittorica. Il pesante velo del tappeto è sollevato, la giovane olandese, avvolta in un panno azzurro, rappresenta Clio, la musa della storia; al muro è appesa una mappa delle sette province olandesi; l'artista stesso è raffigurato di schiena, vestito con abiti festivi.

Il XVII secolo ci ha lasciato in eredità un brillante documento artistico di genuina impavidità umana, senza limiti di introspezione, spesso spietata: numerosi autoritratti Rembrandt, che erano una specie di diario. La formazione della personalità, lo sviluppo dell'individualità dell'artista sono mostrati molto chiaramente. Questa è un'autobiografia completa in forma visiva, senza precedenti. Le sue confessioni di autoritratto, che riflettono il conflitto con il mondo esterno, sono caratterizzate da profondità spirituale e tensione. poco conosciuto "Autoritratto con barba crescente" (diapositiva 32) scritto a metà degli anni Trenta del Seicento. Questi sono gli anni più felici per Rembrandt: un periodo di successo di pubblico, adorazione degli studenti, matrimonio con la sua amata donna Saskia van Uilenbürch. Allo stesso periodo appartiene "Autoritratto con Saskia in ginocchio" (diapositiva 33). Alzando un bicchiere di vino, l'artista si rivolge allo spettatore, invitandolo a condividere un pasto allegro e divertente. Abiti lussuosi, accessori ricchi completano il quadro della vacanza. Rembrandt dipinse autoritratti in costume sconcertati. (diapositiva 34)

Grande autoritratto generazionale dalle collezioni di New York (diapositiva 35) - una delle opere più potenti del pittore. La figura massiccia si erge come un'ampia piramide. Il mantello scuro gettato sopra non copre la biancheria intima con la sua cascata di piccole pieghe. Strisce di broccato tremolano ottusamente lungo i bordi di una sciarpa bianca. La mano sinistra tiene un bastone semplice. Il bastone come simbolo del potere, come lo scettro del re o il bastone del patriarca biblico. Il viso è pieno di determinazione e intelligenza. In uno sguardo acuto, vengono letti sarcasmo e presa in giro nei confronti degli altri, e forse anche di se stessi. Rembrandt nel ritratto, per così dire, si oppone a un ambiente a lui estraneo, è abbastanza forte da uscire vittorioso da un conflitto con esso. (L'opera fu scritta nel 1658, un anno dopo il fallimento).

Negli ultimi autoritratti ( diapositiva 36) colpisce un viso senile stanco, nervoso con occhi che scrutano con curiosità e dolorosamente il mondo circostante. Questo è il punto di vista di una persona che, a costo di amare esperienze, ha imparato a comprendere gli aspetti più importanti e profondi della vita.

Pietro Paolo Rubens- la figura centrale dell'arte fiamminga del XVII secolo, la cui opera divenne un'espressione tipica dello stile barocco. "Autoritratto con Isabella Brandt" (diapositiva 37) - una delle immagini purosangue di una felice coppia sposata nella pittura europea. (diapositiva 38)

Allievo di Rubens Antonio van Dyck dipinse molti autoritratti durante la sua vita. Da Rubens adottò il modo di interpretare la superficie, ma differiva da lui per temperamento. Van Dyck era consapevole della sua attrattiva. Era una persona squilibrata e capricciosa, si considerava nel diritto di essere ostinato, di essere arrogante e arrogante. Il suo primo autoritratto raffigura un adolescente di 15 anni. Poi gli autoritratti crescono in dimensioni e formato (busto, generazionale) ( diapositiva 39), riflettendo la crescita della sua fiducia in se stesso e nella sua ritrattistica. Dopo aver ricevuto un premio dal re inglese (una catena d'oro e un medaglione con l'immagine reale), scrive Van Dyck "Autoritratto con girasole" (diapositiva 40), dove, indicando il fiore, solleva la catena d'oro che porta sul petto. Van Dyck si rivela più un cortigiano che un creatore. Come il girasole si volge verso il sole, così il suddito deve seguire il sovrano.

Gli autoritratti del classicista francese sono intrisi di autostima Nicolas Poussin (diapositiva 41).

auto ritratto Diego Velasquez (diapositive 42, 43) inclusa in una enorme (più di 3 metri), chiamata "Meniny" (damigella d'onore). Questa è una composizione unica e meravigliosamente progettata. C’è molta incertezza nel quadro. Chi scrive Velasquez? La coppia reale che vediamo solo allo specchio? O cosa vediamo? Forse il pittore vuole individuare nella piccola infanta, erede al trono, una persona più significativa dei suoi genitori? E forse l'essenza sta nell'immagine dello stesso Velazquez? Come ha osato dipingere la famiglia reale nel suo studio? Dopotutto, l'artista di corte avrebbe dovuto presentarsi al re o all'infanta per una sessione. A quei tempi, i pittori in Spagna venivano ancora definiti artigiani. Tuttavia sempre più spesso si levarono voci favorevoli a classificare la pittura, come in Italia, tra le arti libere. Cioè, rispondendo a tutti i principali canoni artistici, questa tela dichiara anche la posizione elevata che il pittore dovrebbe occupare.

A partire dal XVIII secolo, quasi tutti i maestri consideravano i propri autoritratti come manifesti del proprio stile. Insieme alla caratteristica sociale, gli artisti del XVIII secolo - Chardin (diapositiva 44), Reynolds (diapositiva 45), Gainsborough (diapositiva 46), Hogarth (diapositiva 47) ha sottolineato nell'autoritratto l'importanza della vita privata di una persona, la sua grande attenzione a se stesso.

Un autoritratto occupa un posto importante nell'arte del XIX secolo, i cui rappresentanti affermavano il valore di una persona creativa e la sua ricca vita spirituale (a partire dai classici Davide(diapositiva 48), Ingres UN( diapositiva 49) al romanticista Delacroix (diapositiva 50)) L'arte del romanticismo ha sviluppato una nuova idea dell'indipendenza spirituale del creatore, dotato del dono di una maggiore suscettibilità e compassione. Importante pittore russo Orest Kiprenskij (diapositiva51) si scriveva più volte. Nell '"autoritratto" del 1828, Kiprensky si raffigurò con un'espressione stranamente sconcertata sul viso. Una timida domanda rivolta allo spettatore, una sensazione di incertezza, come se l'artista dall'esterno cercasse conferma della correttezza del suo percorso. L'umore di Kiprensky, espresso in "Autoritratto", aveva una base. Il suo talento non è stato riconosciuto in patria e l'artista, non trovando applicazione nelle sue capacità creative, è amaramente deluso.

Gli autoritratti sono intrisi di uno stato d'animo completamente diverso. Gustavo Courbet, realista francese della metà del XIX secolo. Courbet scrive se stesso con sorprendente tenacia, i suoi autoritratti si distinguono per il narcisismo. Courbet era povero e forse fu il suo modello più accessibile. Ma c’era un’altra domanda che lo preoccupava. Chi è l'artista? Courbet sviluppa diverse opzioni e si ferma quando mostra l'artista (cioè se stesso) come un partecipante attivo nella vita sociale e artistica contemporanea (diapositiva52) . « Autoritratto con cane»( diapositiva 53) scritto sullo sfondo della natura, l'artista presta grande attenzione al costume, accanto a uno spaniel, un album da disegno e un bastone. Parla della sua professione, del suo amore per la sua terra natale. Courbet, per così dire, dice: guarda cosa sono: giovane, bello e non così semplice come sembra a prima vista.

Gli autoritratti di Courbet sono dominati dal pathos sociale e nelle immagini Van Gogh (diapositiva 54)- psicologico. A cavallo tra il XIX e il XX secolo, l'autoritratto veniva spesso scelto per esprimere una personale visione del mondo, una propria concezione pittorica e plastica ( Paul Cézanne (diapositiva 55)), l'intensità spirituale interiore del maestro. Un esempio sono i numerosi autoritratti di Vincent van Gogh. I suoi autoritratti sono chiamati confessionali. Van Gogh ha creato diversi cicli di autoritratti. Sembra che l'artista cerchi di capire se stesso. Sembra dialogare con se stesso, discutendo di gioie e perdite, di alti e bassi. Gli autoritratti di Van Gogh rappresentano la curva dello stato d'animo dell'artista: è una sorta di cardiogramma, che prefigura un imminente risultato letale.

"Autoritratto con orecchio bendato" (diapositiva 56) è stato scritto dopo un violento litigio con Gauguin. L'amicizia di due artisti di talento si è conclusa con una lite. È stato molto difficile per Van Gogh eccessivamente sensibile con l'egoista e l'orgoglioso Gauguin (diapositiva 57). Tuttavia, la decisione di Gauguin di lasciare Arles e di lasciarla provocò una reazione molto forte da parte di Vincent van Gogh. In un impeto di follia, Van Gogh si taglia il lobo dell'orecchio. Dopo aver lasciato l'ospedale, l'artista dipinge questo autoritratto. Tutti gli autoritratti di Van Gogh attirano l'attenzione. La massima sincerità, colore, tecnica del puntinismo, in cui sono stati dipinti i successivi autoritratti dell'artista, affascinano lo spettatore. Se provi ad allontanarti un po 'dal solito trambusto mentale, quindi, scrutando nemmeno gli originali, ma buone riproduzioni delle sue opere, puoi sentire tali profondità del mondo interiore che ti aiuteranno a capire non solo questa persona straordinaria , ma anche te stesso.

A proposito, in psicologia, la tecnica di scrivere autoritratti è stata utilizzata per molto tempo. Gli psicologi ritengono che il processo stesso di tale lavoro abbia già un effetto psicoterapeutico positivo.

Alla vigilia della prima guerra mondiale, gli artisti surrealisti e i rappresentanti della nuova materialità si rivolsero nuovamente all’autoritratto.

Renè Magritte- il capo dei surrealisti belgi, il paroliere d'avanguardia, ha creato il suo stile individuale. IN "Autoritratto dell'artista al lavoro" (Approfondimento) (diapositiva 58) l'autore seduto al cavalletto disegna un uccello in volo, la cui immagine, come un talismano, si trova spesso sulle sue tele. Associato al volo libero dell'anima creativa. Pittura "Provare l'impossibile"(diapositiva 59)è un autoritratto di un artista che dipinge sua moglie. L'autore finisce di dipingere la mano di una Georgette nuda in piedi di fronte a lui. L'artista infatti si rende conto che sotto il suo pennello non c'è una copia della realtà, ma una realtà nuova, come se accadesse in un sogno. Il Creatore è paragonato all’Onnipotente e la creatività è paragonata a uno stato divino.

Surrealista spagnolo Salvador Dalì ha catturato l'immaginazione del pubblico con i suoi autoritratti "Autoritratto con il collo di Raffaello" (diapositiva 60),"Impressioni africane", "Autoritratto nudo". Con la stravaganza della natura, l'ambizione ipertrofica, ha creato il terreno per la mitizzazione della propria persona. L'artista parla figurativamente del suo volto negli autoritratti: "Questo è il guanto di me stesso". Il dipinto "Dipinto di Dalì dal retro di Gala ..." (diapositiva 61)- l'incarnazione dell'idea di uno spazio multidimensionale, stereoscopicamente voluminoso per ottenere l'illusione della tangibilità. Effetto immagine nell'immagine. L'artista e la sua modella si guardano allo specchio, come chiusi nello spazio tridimensionale, ma in realtà soli con i propri pensieri e sentimenti.

Uno dei motivi più importanti del sottosviluppo dell'autoritratto in una fase iniziale nella storia della pittura russa moderna (ad eccezione del magnifico autoritratto Matveeva) risiede nella posizione dell'artista nel sistema sociale, nelle condizioni della sua esistenza e nelle peculiarità del benessere sociale. Un pittore russo del XVIII secolo è, per così dire, un artigiano, porta l'impronta del concetto medievale di personalità - aziendale, lontano dall'idea di autoespressione. Ivan Argunov (diapositiva 62) e Semyon Shchedrin: tengono la tavolozza, rivelando chiaramente il loro coinvolgimento nel laboratorio artigianale e non nell'ambiente artistico. Molti maestri dell'Ottocento e del Novecento si raffiguravano con una tavolozza, ma lì il significato dell'attributo professionale era diverso: al contrario, collegava l'artista al numero degli eletti, lo metteva in una situazione fuori classe , lo ha classificato, se così posso dire, nella classe artistica. Nel XVIII secolo, l'artista sembra un modesto lavoratore, non vuole competere con coloro che di solito vengono dipinti nei ritratti e, per così dire, "conosce sempre il suo posto".

Qualche parola su autoritratto di Matveev (diapositiva 63). L'opera è stata dipinta dopo oltre un decennio di formazione pittorica in Olanda, porta le sottili caratteristiche dell'emergente rococò ed è allo stesso tempo una creazione matura della scuola di pittura nazionale. Senza precedenti a quel tempo era l'immagine non di uno statista, ma di un privato, inoltre, dell'artista stesso e di sua moglie, Irina Stepanovna, figlia di un fabbro.

Ma nel romanticismo russo l'autoritratto fiorisce con una forza straordinaria. Puoi leggere molto negli autoritratti di Kiprensky. Secondo loro, si ha un'idea della pittura dell'inizio del XIX secolo: in diverse opere si concentravano le principali tendenze nello sviluppo della ritrattistica russa dell'inizio del secolo. Gli autoritratti di Orlovsky, Bryullov sono uno dei migliori esempi di pittura russa degli anni '40. Orlovsky (diapositiva 64) non conoscevo la mancanza di costume. A proposito, lui stesso compose uniformi per vari tipi di truppe e si vestì volentieri, in particolare, con un costume circasso - non per dare all'immagine un abito completo, ma per glorificare la propria immagine. Tale glorificazione era una sorta di costume, come testimonia il famoso autoritratto grafico con un mantello rosso (1809). Nel complesso, l'autoritratto russo dell'era romantica gravita verso un concetto pessimistico. Ciò è evidenziato dall'evoluzione di Kiprensky e dall'atto finale di tutto il romanticismo: Autoritratto di Bryullov 1848 (diapositiva 65)

Bryullov dipinse il suo ritratto durante una grave malattia, che in seguito si rivelò fatale. Ma sarebbe errato spiegare la tragica espressione dell'“Autoritratto” solo come una premonizione di morte imminente. Bryullov, per così dire, riassume qui il risultato di tutta la sua vita.
L'intero periodo pietroburghese della sua vita (1836-1849), apparentemente pieno di successo e segnato da una fama rumorosa, fu in realtà profondamente tragico. Bryullov stava soffocando nell'atmosfera mortale e burocratica di Nikolaev Pietroburgo. Il talento di un artista straordinario non ha trovato una degna applicazione. Invece della libera creatività, a Bryullov è stato chiesto di dipingere la Cattedrale di Sant'Isacco. Il quadro storico "L'assedio di Pskov", in cui Bryullov vedeva l'attività principale della sua vita, fu posto sotto la supervisione ufficiale e più volte sottoposto a un'elaborazione radicale. Non è mai stata completata. Il sentimento di amara insoddisfazione non ha lasciato l'artista, un doloroso sentimento di dipendenza ha incatenato le sue forze. Il crollo delle sue migliori idee spiega quella grave disperazione, quel tragico pathos di cui è intriso l '"Autoritratto".
Informazioni curiose su questo lavoro sono riportate da uno studente di Bryullov:
“Più tardi ho saputo dallo stesso Bryullov che ha impiegato due ore per completare il suo ritratto. Bryullov non somigliava a questo ritratto per molto tempo ... A volte trovavo in lui una grande somiglianza con l'originale, ma questa somiglianza mi sfuggiva costantemente e veniva sostituita da qualcos'altro.

Nell'era romantica, l'artista è abbastanza impegnato con se stesso, ha l'opportunità di guardarsi allo specchio, non commisurare tale occupazione con compiti "socialmente utili". Anche il classicista “socialmente obbligato”. Shebuev(66) dimentica le regole rigide e si disegna in un costume del XVII secolo accanto a un indovino che predice il suo destino. È vero, l'autore non abbandona la necessità della dimostratività tradizionale. Accanto al romanticismo si sta formando una direzione che nella storia dell'arte straniera ha ricevuto il nome di primo realismo. In Russia è presentato Tropinin (diapositiva 67), Venetsianov, i suoi studenti e artisti vicini a questo circolo. Dipingevano volentieri autoritratti: semplicemente, senza storie, anche prosaicamente, in modo professionale.

Se passiamo alla seconda metà del XIX secolo, lì troveremo un esempio che può essere collocato accanto a quanto sopra: un autoritratto Kramskoj (diapositiva 68), che riuniva le importanti problematiche dell'arte degli anni '60 e '70. Raznochinets, un combattente per la verità, una figura energica, un giudice severo, ecco come appare il maestro sulla tela. Allo stesso tempo, l'autoritratto conserva un carattere professionale. Le più espressive sono quelle opere in cui Kramskoy si rivolge allo spettatore. Il suo sguardo ti perfora, guarda da sotto le sopracciglia: rigorosamente, capziosamente, esigente, con rimprovero. Quasi tutti gli autoritratti – pittorici e grafici – hanno esattamente questo punto in comune. L'aspetto severo inerente a Kramskoy fin dalla sua giovinezza e che allora non aveva valore di programma, si trasformò in seguito in una formula di esigenza democratica.

La fine del secolo dà nuovamente origine all'autoritratto. E sebbene non concentri più in sé le principali tendenze del processo storico e artistico, come nel caso della pittura del primo romanticismo russo, questa esplosione si è rivelata molto significativa. È associato a un nuovo sistema di pensiero artistico, in cui il ruolo dell'artista stesso è diventato enorme, il desiderio di autoespressione - senza precedenti, di stile creativo individuale - più forte che mai.

Quando si guarda allo sviluppo dell'autoritratto a cavallo tra il XIX e il XX secolo, si nota immediatamente la sua versatilità, la varietà delle forme in cui l'artista si presenta a se stesso. Ci sono una varietà di opzioni qui. Grave pignoleria nell'autostima - all'inizio Serov (diapositiva 69).Autoritratti Borisova-Musatova, Nesterova (diapositive 70, 71) Profonda sofferenza umana, mista a orgoglio sovrumano - negli ultimi tempi Vrubel (diapositiva 72). Sul volto di Somov c'è una maschera di contentezza, dietro la quale si nasconde un esaurimento. Posa secolare - nell'autoritratto di Bakst. Visione di sé mistica - a Kuznetsov. Concentrazione mentale - Petrov-Vodkin (diapositiva 73). Ovunque un autoritratto è un fatto della storia stessa della pittura, sia nella qualità che nel carattere dell'immagine. Per valutarlo non sono necessarie traduzioni da un'area all'altra. autoritratti Repin, Surikov (diapositive 74, 75)
Allora il pittore può presentarsi davanti a noi nelle vesti di un "grande artista" ( Lentulov)(diapositiva 76), come pugile, lottatore o sollevatore di kettlebell ( Mashkov e Konchalovsky)(diapositiva 77), piroscafo o marinaio (Mashkov o Tatlin (diapositiva 78), che in realtà è stato a lungo marinaio), un soldato (Larionov, che in realtà era un soldato), un violinista (Lentulov), in volo sulla città di un amante (Chagall)(diapositiva 79).

Alla menzione del nome di Konchalovsky, qualcuno presenterà all'atleta dell'Autoritratto di Ilya Mashkov un ritratto di Pyotr Konchalovsky, qualcuno ricorderà soffici mazzi di lillà o paesaggi e nature morte nello stile di Cezanne. È conosciuto come un artista ribelle, uno dei fondatori della società "Fante di quadri", che scosse le basi della "pittura tradizionale", e come un realista, uno dei preferiti dei leader sovietici. Il suo pennello appartiene al famoso "Autoritratto con la moglie" (diapositiva 80)

Un rinnegato, un proletario mentale, un vagabondo, un teppista, un pazzo - questo spesso si rivelò essere un artista o un poeta in un autoritratto pittorico, grafico o letterario degli anni '10

La diversità dell'autoritratto d'avanguardia corrisponde all'essenza dell'arte moderna. L'artista si raffigura in un modo sempre nuovo, mentre inventa tutte le nuove forme d'arte. Rifiutando l'invenzione, rimane fuori dal movimento moderno. Inoltre, un autoritratto è una sorta di dichiarazione, una piattaforma creativa. L'abbondanza di opzioni è ugualmente caratteristica di entrambi gli ambiti. Un'analogia diretta risiede in una delle linee più caratteristiche dell'arte d'avanguardia russa. E non solo russo.
L'autoritratto in un dipinto è stato un evento comune nell'arte sin dal Medioevo e dal Rinascimento. L'artista spesso si immaginava come un donatore, un testimone di questo o quell'evento. Questa tradizione, seppur modificata nel tempo, è stata comunque preservata. Nell'arte russa del XIX secolo, incontriamo spesso il fatto di includere un autoritratto in un dipinto.

Ge V "L'ultima Cena"(diapositiva 81) si presenta non più come testimone, ma come partecipe (apostolo Pietro). Lui stesso agisce come un personaggio storico che difende la verità.

Per Fedotov questo percorso è facilitato dal fatto che la sua opera è essenzialmente autoritratto. In una serie di seppia, si è ritratto più di una volta. Nei suoi ultimi anni, non solo paragona la situazione personale a quella dei suoi eroi ("Ancora, ancora ancora"), ma si mette anche nella posizione di un personaggio centrale. (nella foto "Giocatori") (diapositiva 82).

L'autoritratto riappare nella pittura degli anni Sessanta, tra gli artisti sovietici del cosiddetto stile severo. Colpiscono per la loro acuta introspezione, l'ironia a volte spietata, la spietatezza della condanna a se stessi. Tutto ciò, tuttavia, non esclude la diversità del ritratto moderno, che comprende filosoficamente la vita, la analizza severamente ed esprime il sentimento lirico e poetico della gioia di essere. O. Filatchev"Autoritratto in camicia rossa", "Autoritratto con madre" (diapositiva 83). In un autoritratto "Cappotto del padre" (diapositiva 84) di Viktor Popkov vediamo un esempio di una sottile metafora artistica, la correlazione tra passato e futuro. Il maestro ha molti autoritratti-dipinti: “Il lavoro è finito” (1971), “Pavel, Igor e io”, “ Madre e figlio» (diapositiva 85),“Litigio”, “Vieni a trovarmi”, ecc. Il linguaggio di questi dipinti è simbolico. In “Il cappotto del padre” il colore è inquietante, verde scuro con sfumature blu-lilla; rosso con sfumature complesse - nel dipinto "Madre e figlio".
L'autoritratto era popolare tra le artiste ( Artemisia Jantileschi (diapositiva 86), Rosalba Carriera, Eliza Vigée-Lebrun (diapositiva 87), poi Käthe Kollwitz, Marie Laurencin, Berthe Morisot (diapositiva 88), Natalia Goncharova (diapositiva 89), Frida Kahlo (diapositiva 90) e così via.).

Nella storia dell'arte, ci sono casi in cui è stato un autoritratto a dare all'artista uno slancio per la futura popolarità della sua opera. Questo è quello che è successo Zinaida Serebryakova (diapositive 91, 92, 93).Nel 1910, un'artista allora molto giovane e sconosciuta mostrò il suo autoritratto “Dietro il gabinetto”, paesaggi, ritratti di conoscenti, schizzi di contadini alla mostra dell'Unione degli artisti russi. Mi è piaciuto molto il suo lavoro. L'autoritratto suscitò particolare entusiasmo.

Il destino creativo e personale di Z. Serebryakova non è stato affatto facile. Ma ha sempre mantenuto la sua forza spirituale e il suo ottimismo. Quindi nel suo autoritratto non c'è solo l'abilità di un'artista meravigliosa, ma anche il suo mondo interiore. Gli autoritratti di Serebryakova anche adesso danno una sensazione di ottimismo e gioia di vivere, come se l'artista condividesse con noi i suoi poteri spirituali.

Il tema dell'autoritratto nell'arte mondiale è semplicemente inesauribile. Il fenomeno più interessante sono gli autoritratti lasciati da scrittori famosi. Ad esempio: o M. Voloshin. A uno spettatore attento gli autoritratti possono dire molto, forse anche più delle biografie, delle lettere e delle testimonianze dei contemporanei.

Elenco della letteratura utilizzata:

1. N. Kalitina. Ritratto francese del XIX secolo. "Arte"., L. 1986

2.Comp. I. Mosin. Maestri del Rinascimento settentrionale. S-P., "Cristallo" 2006

3. Enciclopedia dell'arte popolare. M., "Enciclopedia sovietica", 1986

4. V. Vlasov. Nuovo Dizionario Enciclopedico delle Belle Arti. Volume 1, S-P., Azbuka-Klassika., 2007

5. K. Egorova. Ritratto nelle opere di Rembrandt. M., Art. 1975

6. D. Sarabyanov. Pittura russa. Memoria del risveglio. M., artista sovietico. 1976.

7. I. Antonova. Capolavori del Museo Pushkin im. . M., artista sovietico. 1985

8. N. Nikulin. L'età d'oro della pittura olandese. Albero. 1999

autoritratto autoritratto

Ritratto dell'artista, realizzato da lui stesso (per lo più con l'aiuto di uno o più specchi). In un autoritratto, l'artista esprime la propria autocoscienza, la valutazione della propria personalità e dei propri principi creativi, a volte correla la sua personalità con il destino di un'intera generazione e classe. La rappresentazione di se stesso dell'artista è già nota nell'arte antica (Fidia) e medievale (gli scultori Avram a Novgorod del XIV secolo e P. Parlerge nella Repubblica Ceca). I pittori del primo Rinascimento italiano (Masaccio, D. Ghirlandaio, S. Botticelli, Luca Signorelli e altri) spesso includevano autoritratti in composizioni religiose. L'autoritratto come una sorta di genere di ritratto ( cm. Ritratto) si formò nel XVI secolo. Nell'arte dell'Alto Rinascimento (Raffaello, A. Dürer), ha testimoniato l'accresciuto significato sociale dell'artista, la crescita della sua autocoscienza. I pittori del tardo Rinascimento (Tiziano, Tintoretto) hanno rivelato in un autoritratto il drammatico destino di una persona creativa. Gli autoritratti manieristi sono caratterizzati dall'isolamento, dalla complessità del mondo interiore del maestro (Pontormo, Parmigianino). La profondità psicologica e la tensione sono inerenti agli autoritratti e alle confessioni di Rembrandt, che riflettono il conflitto dell'artista con l'ambiente sociale che lo circonda; le opere di N. Poussin e P. P. Rubens sono intrise di una dichiarazione di autostima. Artisti del XVIII secolo (J. B. S. Chardin, J. Reynolds), insieme alle caratteristiche sociali, hanno sottolineato nell'autoritratto l'importanza della vita privata di una persona, la sua grande attenzione a se stesso. L'autoritratto occupa un posto importante nell'arte del romanticismo (F. O. Runge, O. A. Kiprensky e altri), i cui rappresentanti hanno affermato il valore di una personalità creativa e la sua ricca vita spirituale. A cavallo tra il XIX e il XX secolo. gli autoritratti sono spesso scelti per esprimere una visione personale del mondo, il concetto pittorico e plastico del maestro (P. Cezanne), la sua tensione spirituale interiore (W. van Gogh, M. A. Vrubel). Nell'arte realista progressista del XX secolo. (K. Kolvits, D. Rivera, R. Guttuso), anche nell'arte sovietica (S. T. Konenkov, M. S. Saryan, P. P. Konchalovsky), i migliori autoritratti esprimono l'unità del personale e del pubblico, la consapevolezza dell'artista del suo scopo pubblico . Letteratura: Autoritratto nell'arte russa e sovietica. Catalogo della mostra. Aut. introduzione. Arte. I. M. Gofman, Mosca, 1977. Gasser M., Das Seibstbildnis, Z., 1961.

Fonte: Enciclopedia dell'arte popolare. Ed. Campo V.M.; M.: Casa editrice "Enciclopedia sovietica", 1986.)

auto ritratto

Un ritratto in cui l'artista raffigura se stesso, di solito utilizzando uno specchio per questo. La particolarità di un autoritratto è, innanzitutto, che “parla” allo spettatore in prima persona – del tempo e di se stesso; questo è il monologo dell'artista: una confessione segreta o un'affermazione attiva del suo credo creativo, autoironia o una narrazione calma. La leggenda su una delle prime immagini di autoritratto ci è arrivata dall'antichità: l'antico scultore greco Fidia accusato di blasfemia per aver osato raffigurarsi come un dio in una scena in rilievo di una battaglia con le Amazzoni sullo scudo della statua di Atena. Si conoscono solo pochi esempi di autoritratti scultorei (autoritratto dell'architetto e scultore ceco P. Parler nella cattedrale di San Vito a Praga, XIV secolo). La stragrande maggioranza delle immagini di autoritratto sono dipinti o opere grafiche.

Epoca Rinascimento- il tempo del risveglio dell'autocoscienza personale - divenne il tempo della nascita del ritratto (e con esso dell'autoritratto) come genere indipendente. Il primo Rinascimento è caratterizzato principalmente da "autoritratti nascosti" in composizioni su temi di storia sacra o mitologia ( Masaccio, D. Ghirlandaio, S. Botticelli). Nella folla eterogenea di persone raffigurate nei loro dipinti, ce n'è uno che guarda attentamente direttamente lo spettatore: questo è l'artista stesso, partecipante e testimone dell'evento. L'ideale di una personalità bella e armoniosa in "Autoritratto" Raffaello(1510), la sconfinata forza del pensiero nel grafico "Autoritratto" Leonardo Da Vinci(1514) - queste sono le immagini chiave dell'Alto Rinascimento. Il tardo Rinascimento - il tempo della perdita di ideali luminosi - dà origine a immagini potenti e tragiche (autoritratto Michelangelo nel Giudizio universale sulla parete della Cappella Sistina, 1535-41), instabile e mutevole (Autoritratto in uno specchio convesso del Parmigianino, 1524 circa) e francamente oltraggioso (Medusa) Caravaggio, 1598-99, dove l'artista conferisce tratti di autoritratto alla testa mozzata della Gorgone). I maestri del Rinascimento settentrionale spesso "crittografano" le loro immagini di autoritratto. In "La coppia Arnolfini" Jan van Eika la figura dell'artista è appena visibile nello specchio convesso appeso alla parete. Sotto - l'iscrizione: "Van Eyck era qui". Il grande maestro tedesco A. Dürer uno dei primi realizzò un'intera galleria di autoritratti (il più famoso, del 1500, dipinto nel iconografia immagini di Cristo).

Nel XVII secolo appare un nuovo tema di autoritratto: l'artista al lavoro ("La bottega dell'artista", o "L'allegoria della pittura", J. Wermeer di Delft, OK. 1675). In "Menin" Velasquez(1656), questo tema si sviluppa in un vero e proprio inno alla pittura, alle sue infinite possibilità. Autoritratti per Rembrandt che ha creato oltre 100 delle sue immagini. Il desiderio di conoscere l'animo dell'uomo nelle sue dinamiche, variabilità è stato ereditato da Rembrandt e sviluppato nella sua arte da maestri romanticismo(T. géricault, E. Delacroix, O.A. Kiprenskij, K.P. Bryullov). Il principio dell’autoritratto permea il lavoro di P. A. Fedotov. Le caratteristiche dell'artista possono essere riconosciute nei personaggi di molti dei suoi dipinti e disegni. autoritratti Vagabondi(V.G. Perov, IN. Kramskoj) fanno appello imperiosamente alla coscienza civile dello spettatore. A cavallo tra il XIX e il XX secolo - il tempo del luminoso periodo di massimo splendore dell'autoritratto. Opere di M.A. Vrubel, V.A. Serov, M.V. Nesterov, I.I. Mashkov, K.S. Malevich e altri riflettono il quadro complesso della vita artistica di questo tempo, l'intensa ricerca di un nuovo linguaggio pittorico, in sintonia con l'epoca.

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Autoritratto nelle belle arti

Tipi di autoritratto

Storia

Antichità

Immagini di artisti al lavoro si trovano nell'antica pittura egiziana, così come negli antichi vasi greci. Una delle prime menzioni dell'autoritratto di un particolare artista si trova nell'antico filosofo e biografo greco Plutarco (c. - c.), il quale scrive che l'antico scultore greco Fidia, vissuto diversi secoli prima di lui (c. aC - ca prima dC) si inserì tra i personaggi della composizione "Battaglia delle Amazzoni" nel Partenone. La battaglia dei Greci con le Amazzoni fu scolpita sullo scudo della statua di Atena, così come sulla parete occidentale del tempio.

Rinascimento

Più di cinquanta autoritratti furono scritti da Albrecht Dürer (-). Il primo (disegno a matita argentata) è stato realizzato quando l'artista aveva tredici anni. Dürer, ventiduenne, è raffigurato anche nell'Autoritratto con un garofano (1493, Louvre). L'"Autoritratto" di Madrid (1498, Prado) raffigura Dürer come un uomo di notevole ricchezza che ha ottenuto il riconoscimento. Nel successivo "Autoritratto" l'artista si è raffigurato a immagine di Cristo (Monaco di Baviera, Alte Pinakothek).

Barocco

Un gran numero di autoritratti sono stati scritti da Rembrandt (-). All'artista furono attribuiti contemporaneamente circa 90 dipinti contenenti la sua immagine. Tuttavia, come ha dimostrato l'analisi, 20 "autoritratti" sono stati in realtà realizzati da altri artisti. Ad esempio, l’“autoritratto” acquisito dalla Galleria di Stoccarda nel 1962 fu rifiutato. Recentemente è stato scoperto il più piccolo autoritratto di Rembrandt, che misura otto pollici di altezza e circa sette di larghezza.

postimpressionisti

Van Gogh dipinse più di venti autoritratti e in soli due anni.

Tra i detentori del record per il numero di autoritratti c'è Frida Kahlo. Si è dipinta 55 volte.

Ritratti fotografici

Sono diffusi due metodi per ottenere autoritratti: fotografare il proprio riflesso in uno specchio e fotografarsi da una macchina fotografica su un braccio teso - un selfie (secondo il moderno)

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Letteratura

storia dell'arte

G. L. Vasilyeva-Shlyapina. Genere dell'autoritratto nelle belle arti mondiali. Bollettino di KrasGU. ().

Psicologia della percezione di sé

Wegner DM (2003) L'autoritratto della mente. Ann N Y Acad Sci 1001: 212-225. Autoritratto personale. La psicologia e le neuroscienze si stanno avvicinando alla comprensione della mente e della coscienza. Nel frattempo, ogni mente umana contiene un autoritratto contenente un'autovalutazione dei processi mentali. Questo autoritratto crede che le azioni di una persona siano controllate dai pensieri e quindi il corpo sia controllato dalla coscienza. L'autoritratto porta alla convinzione che desideriamo consapevolmente fare qualcosa. La ricerca mostra che un simile autoritratto è una caricatura della funzione cerebrale, ma allo stesso tempo è la base per un senso di paternità e responsabilità per le proprie azioni.
Successivamente, l’autore è tornato su questo argomento nel suo libro “Alla ricerca di se stessi (la personalità e la sua autocoscienza)”, M., Politizdat, 1984.

Autoritratti nelle neuroscienze

Tielsch AH, Allen PJ (2005) Ascoltateli disegnare: screening dei bambini nelle cure primarie attraverso l'uso di disegni di figure umane. Pediatr Nurs 31(4): 320-327. Guarda come disegnano: diagnosticare i bambini dai disegni di persone. Questa revisione della letteratura si concentra sul metodo di disegnare le persone come metodo diagnostico. I disegni dei bambini possono riconoscere i disturbi mentali. Gli autori descrivono l'uso degli autoritratti per diagnosticare i disturbi emotivi nei bambini dai 6 ai 12 anni. Sebbene questa tecnica non fornisca una diagnosi definitiva, è utile per riconoscere i problemi.
Morin C, Pradat-Diehl P, Robain G, Bensalah Y, Perrigot M (2003) Emiplegia da ictus e immagine speculare: lezioni dagli autoritratti. Int J Aging Hum Dev 56(1): 1-41. Emiplegia dopo ictus e immagine speculare: lezioni apprese dagli autoritratti. I pazienti affetti da emiplegia presentano diversi problemi di percezione di sé, dovuti a lesioni neurologiche della rappresentazione del corpo o problemi psicologici nella percezione di sé stessi.

Autoritratti in letteratura

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Un estratto che caratterizza un autoritratto

- DI! che dici! disse l'altro. – Dove andrà? E' più vicino qui.
Rostov ci pensò su e andò esattamente nella direzione in cui gli era stato detto che lo avrebbero ucciso.
“Adesso non importa: se il sovrano viene ferito, posso davvero prendermi cura di me stesso?” pensò. Ha guidato nello spazio dove è morta la maggior parte delle persone fuggite da Pracen. I francesi non avevano ancora occupato questo posto, e i russi, vivi o feriti, lo avevano lasciato da tempo. Sul campo, come su un buon terreno coltivabile, c'erano dieci persone, quindici uccise, ferite su ogni decima del luogo. I feriti strisciavano giù in due, tre insieme e, sgradevoli, a volte finti, come sembrava a Rostov, si udivano le loro grida e i loro gemiti. Rostov trottò il suo cavallo per non vedere tutte queste persone sofferenti, e ebbe paura. Temeva non per la sua vita, ma per il coraggio di cui aveva bisogno e che, lo sapeva, non avrebbe resistito alla vista di quei disgraziati.
I francesi, che avevano smesso di sparare in questo campo, disseminato di morti e feriti, perché non c'era più nessuno vivo, videro l'aiutante che lo cavalcava, gli puntarono contro una pistola e lanciarono diversi nuclei. La sensazione di questi suoni sibilanti e terribili e dei morti circostanti si fuse per Rostov in un'impressione di orrore e autocommiserazione. Si ricordò dell'ultima lettera di sua madre. "Cosa proverebbe", pensò, "se potesse vedermi qui adesso, su questo campo e con le pistole puntate contro di me."
Nel villaggio di Gostieradeke c'erano, anche se confuse, ma in ordine maggiore, le truppe russe che marciavano lontano dal campo di battaglia. Le palle di cannone francesi non arrivavano più lì e il rumore degli spari sembrava lontano. Qui tutti hanno già visto chiaramente e hanno detto che la battaglia era persa. A chi si rivolse Rostov, nessuno poteva dirgli dove fosse il sovrano o dove fosse Kutuzov. Alcuni dissero che la voce sulla ferita del sovrano era vera, altri dissero che non lo era, e spiegarono questa falsa voce che si diffuse con il fatto che, infatti, nella carrozza del sovrano, il pallido e spaventato capo maresciallo conte Tolstoj tornò al galoppo dal campo di battaglia, che partì con altri al seguito dell'imperatore sul campo di battaglia. Un ufficiale ha detto a Rostov che dietro il villaggio, a sinistra, ha visto qualcuno delle autorità superiori, e Rostov è andato lì, non sperando più di trovare nessuno, ma solo per schiarirsi la coscienza davanti a sé. Dopo aver percorso circa tre verste e superato le ultime truppe russe, vicino a un giardino scavato in un fossato, Rostov vide due cavalieri in piedi di fronte al fossato. Uno, con un sultano bianco sul cappello, per qualche motivo sembrava familiare a Rostov; un altro cavaliere sconosciuto, su un bellissimo cavallo rosso (questo cavallo sembrava familiare a Rostov) si avvicinò al fosso, spinse il cavallo con gli speroni e, rilasciando le redini, saltò facilmente oltre il fossato del giardino. Solo la terra si sgretolò dal terrapieno a causa degli zoccoli posteriori del cavallo. Voltando bruscamente il cavallo, saltò di nuovo oltre il fosso e si rivolse rispettosamente al cavaliere con il sultano bianco, apparentemente suggerendogli di fare lo stesso. Il cavaliere, la cui figura sembrava familiare a Rostov e per qualche motivo attirò involontariamente la sua attenzione, fece un gesto negativo con la testa e la mano, e con questo gesto Rostov riconobbe immediatamente il suo pianto e adorato sovrano.
"Ma non poteva essere lui, solo in mezzo a questo campo deserto", pensò Rostov. In quel momento, Alexander voltò la testa e Rostov vide i suoi lineamenti preferiti così vividamente incisi nella sua memoria. Il sovrano era pallido, le sue guance erano infossate e i suoi occhi infossati; ma tanto più fascino, la mitezza era nei suoi lineamenti. Rostov era felice, convinto che le voci sulla ferita del sovrano fossero ingiuste. Era felice di vederlo. Sapeva che poteva, anzi doveva, rivolgersi direttamente a lui e trasmettergli ciò che gli era stato ordinato di trasmettere da Dolgorukov.
Ma proprio come un giovane innamorato trema e trema, non osa dire ciò che sogna di notte, e si guarda intorno spaventato, cercando aiuto o un'opportunità per ritardare e scappare quando è arrivato il momento desiderato, e lui è solo con lei, quindi Rostov ormai, avendo raggiunto ciò che desiderava più di ogni altra cosa al mondo, non sapeva come avvicinarsi al sovrano, e aveva mille ragioni per cui era scomodo, indecente e impossibile.
"Come! Mi sembra di essere felice dell'opportunità di approfittare del fatto che è solo e abbattuto. Un volto sconosciuto può sembrargli sgradevole e duro in questo momento di tristezza; allora, cosa posso dirgli adesso, che solo guardandolo mi si ferma il cuore e mi si secca la bocca? Non gli venne in mente uno solo di quegli innumerevoli discorsi che lui, rivolgendosi al sovrano, aveva composto nella sua immaginazione. Quei discorsi furono per la maggior parte tenuti in condizioni completamente diverse, furono pronunciati per lo più al momento delle vittorie e dei trionfi, e soprattutto sul letto di morte per le ferite riportate, mentre il sovrano lo ringraziava per le sue gesta eroiche, e lui , morendo, espresse il suo amore confermato nei fatti.
“Allora cosa chiederò al sovrano riguardo ai suoi ordini sul fianco destro, quando sono ormai le 4 di sera e la battaglia è perduta? No, assolutamente non dovrei avvicinarmi a lui. Non dovrebbe disturbare le sue fantasticherie. È meglio morire mille volte che ricevere una brutta occhiata, una cattiva opinione da lui ", decise Rostov e se ne andò con tristezza e disperazione nel cuore, guardando costantemente indietro al sovrano, che era ancora nella stessa posizione di indecisione .
Mentre Rostov faceva queste considerazioni e si allontanava tristemente dal sovrano, il capitano von Toll si imbatté accidentalmente nello stesso posto e, vedendo il sovrano, si diresse dritto verso di lui, gli offrì i suoi servizi e lo aiutò ad attraversare il fossato a piedi. Il sovrano, volendo riposarsi e non sentendosi bene, si sedette sotto un melo e Toll si fermò accanto a lui. Rostov da lontano, con invidia e rimorso, vide von Tol dire qualcosa al sovrano per molto tempo e con fervore, mentre il sovrano, apparentemente piangendo, chiudeva gli occhi con la mano e stringeva la mano a Tolya.
"E potrei essere io al posto suo?" Rostov pensò tra sé e, trattenendo a malapena le lacrime di rimpianto per la sorte del sovrano, proseguì in completa disperazione, non sapendo dove e perché stesse andando adesso.
La sua disperazione era tanto più grande perché sentiva che la causa del suo dolore era la propria debolezza.
Poteva... non solo poteva, ma doveva avvicinarsi al sovrano. E questa era l'unica occasione per dimostrare al sovrano la sua devozione. E non l'ha usato... "Che cosa ho fatto?" pensò. E girò il cavallo e tornò al galoppo nel luogo dove aveva visto l'imperatore; ma dietro il fosso non c'era nessuno. Circolavano solo carri e carrozze. Da un furman, Rostov apprese che il quartier generale di Kutuzovsky si trovava nelle vicinanze del villaggio dove stavano andando i carri. Rostov li seguì.
Davanti a lui c'era il bereytor Kutuzova, che conduceva i cavalli coperti da coperte. Dietro il bereytor c'era un carro, e dietro il carro c'era un vecchio operaio, con un berretto, un cappotto di pelle di pecora e con le gambe storte.
- Tito, oh Tito! - disse il rimprovero.
- Che cosa? rispose distrattamente il vecchio.
- Tito! Inizia a trebbiare.
- Oh, stupido, ugh! - Sputare con rabbia, disse il vecchio. Trascorsero diversi minuti di movimento silenzioso e la stessa battuta fu ripetuta di nuovo.
Alle cinque di sera la battaglia era persa su tutti i punti. Più di cento cannoni erano già nelle mani dei francesi.
Przhebyshevskij e il suo corpo deposero le armi. Le altre colonne, avendo perso circa la metà dei loro uomini, si ritirarono in folle disorganizzate e miste.
I resti delle truppe di Langeron e Dokhturov, confusi, si affollarono attorno agli stagni sulle dighe e sulle rive vicino al villaggio di Augusta.
Alle 6, soltanto presso la diga di Augusta, si udiva ancora il caldo cannoneggiamento di alcuni francesi, che avevano costruito numerose batterie sulla discesa delle alture di Pracen e picchiavano le nostre truppe in ritirata.
Nella retroguardia, Dokhturov e altri, radunando battaglioni, rispondevano al fuoco della cavalleria francese che inseguiva la nostra. Cominciava a fare buio. Sulla stretta diga di Augusta, sulla quale per tanti anni un vecchio mugnaio con le canne da pesca sedeva tranquillamente in berretto, mentre suo nipote, rimboccandosi le maniche della camicia, smistava un pesce tremante d'argento in un annaffiatoio; su questa diga, sulla quale per tanti anni i Moravi passarono pacificamente sui loro carri gemelli carichi di grano, con cappelli arruffati e giacche blu, e, polverosi di farina, con carri bianchi lasciati lungo la stessa diga - su questa stretta diga ora tra carri e cannoni, persone sfigurate dalla paura della morte si accalcavano sotto i cavalli e tra le ruote, schiacciandosi, morendo, scavalcando i moribondi e uccidendosi a vicenda, giusto per la precisione dopo aver percorso pochi passi. anche ucciso.
Ogni dieci secondi, pompando aria, una palla di cannone colpiva o una granata esplodeva in mezzo a quella fitta folla, uccidendo e schizzando di sangue coloro che si trovavano nelle vicinanze. Dolokhov, ferito alla mano, a piedi con una dozzina di soldati della sua compagnia (era già ufficiale) e il suo comandante di reggimento, a cavallo, erano i resti dell'intero reggimento. Trascinati dalla folla, si infilarono nell'ingresso della diga e, schiacciati da tutti i lati, si fermarono perché un cavallo cadde davanti sotto un cannone e la folla lo tirò fuori. Un colpo uccise qualcuno dietro di loro, l'altro colpì davanti e schizzò il sangue di Dolokhov. La folla avanzava disperata, si rimpiccioliva, faceva qualche passo e si fermava di nuovo.
Percorri questi cento passi e, probabilmente, sarai salvato; resistere altri due minuti e probabilmente morire, pensavano tutti. Dolokhov, che era in mezzo alla folla, si precipitò sul bordo della diga, abbattendo due soldati, e fuggì sul ghiaccio scivoloso che copriva lo stagno.
“Girati”, gridò, rimbalzando sul ghiaccio che scricchiolava sotto di lui, “girati!” - gridò alla pistola. - Mantenere! ...
Il ghiaccio lo trattenne, ma si piegò e si spezzò, ed era ovvio che non solo sotto una pistola o una folla di persone, ma sotto lui solo, stava per crollare. Lo guardarono e si avvicinarono alla riva, non osando ancora mettere piede sul ghiaccio. Il comandante del reggimento, che stava a cavallo all'ingresso, alzò la mano e aprì la bocca, rivolgendosi a Dolokhov. All'improvviso una delle palle di cannone fischiò così piano sulla folla che tutti si chinarono. Qualcosa cadde nell'acqua e il generale cadde con il cavallo in una pozza di sangue. Nessuno ha guardato il generale, non ha pensato di prenderlo in braccio.

L'autoritratto è un fenomeno della pittura, in cui gli autori sono oltraggiosi, satirici e incredibilmente sinceri. Spesso nel genere dell'autoritratto, gli artisti sperimentano la tecnica e il modo di dipingere, trovano nuove tecniche e combinazioni di colori uniche. Un autoritratto è sempre un dialogo con il mondo, dove l'autore è sempre nudo spiritualmente (e talvolta fisicamente) e aperto alla comunicazione diretta con lo spettatore. Ti invitiamo a guardare i migliori autoritratti di artisti famosi.

1. Diego Velasquez (Diego Rodríguez Velázquez) “Las Meninas”

“Las Meninas” è una parola portoghese e può essere tradotta come “dame di corte” o “damigelle d'onore”.
L'artista guarda direttamente lo spettatore e crea un dipinto, la cui unicità sta nel fatto che combina contemporaneamente una scena di genere, un ritratto di gruppo, un autoritratto e un pensiero filosofico. L'immagine racconta allo spettatore il momento magico del processo creativo del grande artista. Attraverso l'immagine, l'autore racconta allo spettatore la creatività, la vita in generale, che l'arte riflette come uno specchio.

2. Frida Kahlo (Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderón)

L'artista messicana Frida Kahlo ha dipinto molti autoritratti, uno di questi è stato realizzato dopo il suo divorzio. Nell'autoritratto "Due Frida" ha trasmesso la pienezza di tutte le sue esperienze. Dopo il divorzio dal marito, ha perso una parte di se stessa e ha descritto tutti i suoi sentimenti sotto forma di due donne dal cuore nudo. Una Frida tiene la mano dell'altra, mentre con l'altra tiene un medaglione con l'immagine di suo marito. Frida in un abito bianco traforato sanguina da un'arteria recisa, trattenuta solo da una pinza. La Frida rifiutata può morire per perdita di sangue.

3. William Utermohlen

L'artista William Utermohlen, avendo saputo di avere il morbo di Alzheimer, iniziò a dipingere autoritratti, che in dieci anni si trasformarono da disegni chiari in tristi gruppi di linee. William è riuscito a catturare come cambia la coscienza di una persona con una malattia progressiva. Appena un anno dopo l'annuncio della diagnosi, l'uomo nel dipinto divenne un fantasma, con lineamenti appena distinguibili.

4. Albrecht Dürer

L'artista creò il suo autoritratto nel 1500, raffigurandosi a pieno volto, cosa consentita solo nelle immagini di Gesù Cristo. Sull'autoritratto c'è un'iscrizione che recita "Io, Albrecht Dürer, un Norimbergese, mi sono dipinto con colori così eterni all'età di 28 anni"

5. Egon Schiele

Egon Schiele è un artista modernista. Molte delle sue opere sono sessualmente esplicite. Uno dei suoi autoritratti, dipinto nel 1911, è "Autoritratto nudo". La cui singolarità sta nel fatto che in esso l'artista odia se stesso. Ha raffigurato il suo corpo contorto e aperto al dolore e alla sofferenza, contorto all'interno, spezzato all'esterno. Nella vita, Egon Schiele era piuttosto bello, aggraziato e alto, ma non si può dire da un autoritratto ... L'autoritratto è così franco che lo spettatore vuole voltare rapidamente le spalle a lui.