Lettere di Lubok. Lubok popolare russo: storia, descrizione, tecnica e foto. Vantaggi di un'immagine stampata

Lubok è un tipo speciale di arte figurativa con la sua caratteristica capacità figurativa. Questo è il cosiddetto. un'immagine folcloristica con didascalia, un tipo di arte grafica molto speciale, caratterizzata da semplicità di esecuzione e concisione.

Il nome deriva da tavole di segatura speciale, chiamate bast (ponte). Su di loro nel XV secolo. ha scritto piani, disegni, disegni. Quindi il cosiddetto. I "fogli Fryazh" e in seguito le piccole immagini su carta furono chiamati semplicemente lubok (immagine popolare popolare).

In Russia, le immagini popolari si diffusero nei secoli XVII-XX. Erano economici (anche i segmenti a basso reddito della popolazione potevano acquistarli) e spesso servivano come elemento decorativo.

I fogli Lubok svolgevano il ruolo sociale e di intrattenimento di un giornale o di un sillabario. Sono il prototipo dei moderni calendari, manifesti, fumetti e manifesti.

Molti già conoscono la deplorevole situazione nel campo dell'istruzione che prevaleva nei secoli XVII-XVIII. in Russia (vedi). Lubok, insieme ad altri obiettivi, è stato chiamato a svolgere una funzione educativa, introducendo alla lettura le fasce analfabete della popolazione.

Il lubok russo si distingue dagli altri per la consistenza della sua composizione e, ad esempio, dai fogli di lubok cinese o indiano per i suoi colori vivaci.

Lubok Marina Rusanova.

In contatto con

Originariamente una sorta di arte popolare. È stato eseguito con la tecnica delle xilografie, incisioni su rame, litografie ed è stato completato dalla colorazione a mano libera.

Lubok è caratterizzato da semplicità di tecnica, laconismo di mezzi visivi (un tratto ruvido, una colorazione brillante). Lubok contiene spesso una narrazione dettagliata con iscrizioni esplicative e immagini aggiuntive (esplicative, complementari) a quella principale.

Uno sconosciuto artista popolare russo del XVIII secolo. , CC BY-SA 3.0

Storia

I lubok più antichi sono conosciuti in Cina. Fino all'VIII secolo venivano disegnati a mano. Dall'VIII secolo sono note le prime stampe popolari realizzate in xilografie. Lubok apparve in Europa nel XV secolo. La tecnica dell'incisione su legno è tipica dei primi lubok europei. L'incisione su rame e la litografia furono aggiunte successivamente.

Grazie alla sua intelligibilità e all'attenzione alle "grandi masse", la stampa popolare fu utilizzata come mezzo di agitazione (ad esempio, "fogli volanti" durante la guerra dei contadini e la Riforma in Germania, stampe popolari della Grande Rivoluzione francese) .

Autore sconosciuto, CC BY-SA 3.0

In Germania, le fabbriche per la produzione di quadri si trovavano a Colonia, Monaco, Neuruppin; in Francia - nella città di Troyes. In Europa sono molto diffusi libri e immagini dal contenuto osceno, ad esempio "Tableau de l'amur conjual" (Immagine dell'amore coniugale). “Immagini seducenti e immorali” furono portate in Russia dalla Francia e dall'Olanda.

Il lubok russo del XVIII secolo si distingue per la sua composizione sostenuta.

Autore sconosciuto, CC BY-SA 3.0

Il lubok orientale (Cina, India) si distingue per i suoi colori vivaci.

Alla fine del XIX secolo, il lubok fu ripreso sotto forma di fumetti.

In Russia

Storia

Nella Russia del XVI secolo - inizio del XVII secolo, furono vendute stampe, chiamate "fogli Fryazhsky" o "fogli divertenti tedeschi".

Alla fine del XVII secolo, nella tipografia Superiore (Corte) fu installato un mulino Fryazhsky per la stampa dei fogli Fryazh. Nel 1680, l'artigiano Afanasy Zverev tagliò "tutti i tipi di tagli Fryazh" su tavole di rame per lo zar.

sconosciuto, CC BY-SA 3.0

Divertenti fogli tedeschi furono venduti nella fila delle verdure e più tardi sul ponte Spassky.

Censura e divieti

Il patriarca di Mosca Gioacchino nel 1674 proibì "l'acquisto di fogli stampati da eretici tedeschi, Lutero e Calvini, secondo la loro maledetta opinione". I volti dei santi venerati dovevano essere scritti sulla lavagna e le immagini stampate erano destinate alla "bellezza".

Artista folk anonimo, CC BY-SA 3.0

Il decreto del 20 marzo 1721 vietava la vendita "sul ponte Spassky e in altri luoghi di Mosca, composta da persone di vario rango ... stampe (fogli) stampate arbitrariamente, ad eccezione della tipografia". La Camera Izugrafskaya è stata creata a Mosca.

La Camera ha concesso il permesso di stampare i lubok "arbitrariamente, ad eccezione della tipografia". Nel tempo, questo decreto ha cessato di essere eseguito. Sono emerse numerose immagini dei santi di bassa qualità.

Pertanto, con decreto del 18 ottobre 1744, si ordinava «di sottoporre preventivamente i disegni all'approvazione dei vescovi diocesani».

Il decreto del 21 gennaio 1723 prescriveva che "le persone imperiali scrivano abilmente ai pittori attestati di buona arte con ogni pericolo e cura diligente". Pertanto, nelle stampe popolari non ci sono immagini di persone regnanti.

Nel 1822 fu introdotta la censura della polizia per la stampa di stampe popolari. Alcune stampe popolari furono bandite, le tavole furono distrutte. Nel 1826, secondo la carta della censura, tutte le stampe (e non solo quelle popolari) erano soggette a censura.

Trame di dipinti

Inizialmente, le trame per le stampe popolari erano leggende scritte a mano, storie di vita, "scritti del padre", leggende orali, articoli di giornali tradotti (ad esempio "Chimes"), ecc.

sconosciuto, CC BY-SA 3.0

Trame e disegni furono presi in prestito da almanacchi e calendari stranieri. All'inizio del XIX secolo, le trame furono prese in prestito dai romanzi e dalle storie di Goethe, Radcliffe, Cotten, Chateaubriand e altri scrittori.

Alla fine del XIX secolo prevalevano le immagini su temi tratti dalle Scritture, i ritratti della famiglia imperiale, poi arrivarono le immagini di genere, il più delle volte di natura morale e istruttiva (sulle conseguenze disastrose della golosità, dell'ubriachezza, dell'avidità).

Edizioni di volti di "Yeruslan Lazarevich" e altri racconti, immagini sui volti di canzoni popolari ("I boiardi cavalcarono da Nova-gorod", "La moglie del marito picchiava"), teste di donne con iscrizioni assurde, immagini di città ( Gerusalemme: l'ombelico della terra).

sconosciuto, CC BY-SA 3.0

Produzione Lubok

Gli incisori erano chiamati "maestri dell'intaglio Fryazh" (in contrasto con gli intagliatori del legno "ordinari" russi). A Mosca alla fine del XVI secolo il primo incisore fu presumibilmente Andronik Timofeev Nevezha.

La firma si chiamava disegno e colorazione. Intorno al XVI (o XVII) secolo la commemorazione era divisa in commemorazione e incisione. L'alfiere applicava il disegno, l'incisore lo ritagliava su una tavola, o su metallo.

Copiare le tavole si chiamava traduzione. Originariamente le tavole erano di tiglio, poi di acero, di pero e di palma.

Taburin, Vladimir Amosovich, CC BY-SA 3.0

La stecca è stata realizzata come segue: l'artista ha applicato un disegno a matita su una tavola di tiglio (raffa), quindi utilizzando questo disegno con un coltello ha effettuato un approfondimento di quei punti che dovrebbero rimanere bianchi. La tavola imbrattata di vernice sotto pressione ha lasciato i contorni neri dell'immagine sulla carta.

Stampati in questo modo su carta grigia economica venivano chiamati dipinti semplici. I Prostoviki furono portati in artel speciali. Nel 19 ° secolo, nei villaggi vicino a Mosca e Vladimir, c'erano arteli speciali impegnati nella colorazione delle stampe popolari. Donne e bambini erano impegnati a colorare i lubok.

.G Blinov (dettagli sconosciuti), CC BY-SA 3.0

Più tardi apparve un modo più perfetto per produrre stampe popolari e apparvero gli incisori. Con uno scalpello sottile su lastre di rame, incisero un disegno con tratteggio, con tutti i piccoli dettagli, che non si potevano fare su una tavola di calce.

Una delle prime fabbriche di figure russe apparve a Mosca a metà del XVIII secolo. La fabbrica apparteneva ai commercianti Akhmetiev. La fabbrica aveva 20 macchine.

Prostovikov, cioè i quadri più economici, che costavano ½ penny al pezzo, venivano stampati e colorati nel distretto di Mosca per circa 4 milioni all'anno. Il prezzo più alto delle stampe popolari era di 25 centesimi.

Popolarità

Luboks si innamorò immediatamente della Russia e di tutti, senza eccezioni. Potevano incontrarsi nelle stanze reali, nella capanna del servo, nella locanda, nei monasteri.

Ci sono documenti che dimostrano che il patriarca Nikon ne aveva duecentosettanta, la maggior parte, però, ancora da Fryazh. E Tsarevich Peter ne ha già acquistati molti domestici, nelle sue stanze ce n'erano circa un centinaio. Ci sono due ragioni per la popolarità così rapida e ampia di immagini apparentemente semplici.

Piatto "Uccello Sirin Guida all'artigianato russo, CC BY-SA 3.0 "

In primo luogo, i lubok hanno sostituito i libri inaccessibili all'uomo comune: libri di testo, che iniziano con l'alfabeto e l'aritmetica e finiscono con la cozmografia (astronomia), narrativa - nei lubok una serie di immagini successive, come nei tratti distintivi delle icone agiografiche, con firme estese, poemi epici , le storie venivano raccontate o pubblicate.

Avventura ha tradotto romanzi su Bova Korolevich e Yeruslan Lazarevich, fiabe, canzoni, proverbi. C'erano lubok come newsletter e giornali che riportavano gli eventi statali più importanti, sulle guerre, sulla vita in altri paesi.

C'erano interpreti delle Sacre Scritture, raffiguranti i più grandi monasteri e città. C'erano libri di medicina lubok e su tutti i tipi di credenze e segni popolari. C'erano le peggiori satire.

Galleria fotografica

Informazioni utili

Stecca
foto di Lubok
foglia popolare
foglia divertente
prostovik

origine del nome

Il nome deriva da tavole di segatura speciale, chiamate bast (ponte). Su di loro nel XV secolo. ha scritto piani, disegni, disegni. Poi apparvero i cosiddetti "fogli friazh", e in seguito piccole immagini di carta furono chiamate semplicemente lubok (immagine popolare popolare).

In Russia

In Russia, le immagini popolari si diffusero nei secoli XVII-XX. Erano economici (anche i segmenti a basso reddito della popolazione potevano acquistarli) e spesso servivano come elemento decorativo. I fogli Lubok svolgevano il ruolo sociale e di intrattenimento di un giornale o di un sillabario. Sono il prototipo dei moderni calendari, manifesti, fumetti e manifesti. Nel XVII secolo si diffusero le scatole di rafia dipinte.

Tipi di Lubok

• Spirituale e religioso - In stile bizantino. Immagini di tipo icona. Vite di santi, parabole, morale, canti, ecc.
• Filosofico.
• Legale: immagini di cause legali e azioni giudiziarie. Spesso c'erano trame: "Shemyakin Court" e "Yorsh Ershovich Shchetinnikov".
• Storico - "Storie toccanti" dagli annali. Immagine di eventi storici, battaglie, città. Mappe topografiche.
• Fiabe: fiabe, eroiche, "Racconti di persone audaci", racconti di tutti i giorni.
• Vacanze - immagini di santi.
• Cavalleria - Lubok raffiguranti cavalieri.
• Joker: stampe popolari divertenti, satire, caricature, favole.

Metodo di colorazione

I lavoratori dell'Artel hanno accettato ordini per colorare centinaia di migliaia di copie dagli editori lubok. Una persona alla settimana dipingeva fino a mille stampe popolari: per tale lavoro veniva pagato un rublo. La professione era chiamata colorista. La professione scomparve con l'avvento delle macchine litografiche.

Vantaggi di un'immagine stampata

I primi a riconoscere i vantaggi di un'immagine stampata a Mosca furono gli stessi frequentatori del ponte Spassky, o Spassky Krestets, come veniva spesso chiamato allora questo luogo. Il commercio di libri fiorì lì fino al limite: il commercio principale in Russia era in questa parte. Ma venivano venduti solo libri più scritti a mano e molto spesso di natura più velenosa, come il satirico "Sacerdote Savva - grande gloria" e "Servizio alla taverna". Gli stessi scrittori e i loro amici - artisti della stessa gente comune - hanno disegnato illustrazioni per questi libri, o le hanno cucite nelle pagine, o le hanno vendute separatamente. Ma quanto puoi disegnare a mano?!

Produzione

Furono questi scrittori e artisti ad attirare l'attenzione sulle stampe popolari, che venivano portate dagli stranieri, prima in dono allo zar di Mosca e ai boiardi, e poi per un'ampia vendita. Si è scoperto che realizzarli non è così difficile, inoltre, è possibile stampare molte migliaia di immagini da una scheda e persino ritagliare il testo accanto all'immagine allo stesso modo. Qualcuno tra stranieri o bielorussi, a quanto pare, ha costruito la prima macchina a Mosca e ha portato tavole già pronte per il campione.

ID. Sytin

Nella seconda metà del XIX secolo, I. D. Sytin fu uno dei maggiori produttori e distributori di stampe popolari stampate. Nel 1882 si tenne a Mosca l'Esposizione tutta russa di arte e industria, durante la quale i prodotti Sytin ricevettero una medaglia d'argento. ID Sytin ha raccolto tavole da cui sono state stampate stampe popolari per circa 20 anni. La collezione, del valore di diverse decine di migliaia di rubli, fu distrutta durante un incendio nella tipografia di Sytin durante la Rivoluzione del 1905.

Formazione dello stile

L'ancora giovane lubok russo, ovviamente, prese molto in prestito da altre arti, e prima di tutto dalle miniature di libri, e quindi, artisticamente, divenne presto, per così dire, una sorta di lega, una sintesi di tutto il meglio che il russo l'arte si era sviluppata nei secoli precedenti della sua esistenza.

Ma solo fino a che punto i lubochnik hanno acuito ed esagerato tutte le forme, fino a che punto hanno aumentato il contrasto e riscaldato i colori, riscaldati a tal punto che ogni foglia brucia letteralmente, cosparsa di allegro multicolore.

Nel nostro tempo

Nel mondo moderno, lo stile del lubok non è stato dimenticato. È ampiamente utilizzato nelle illustrazioni, nelle scenografie teatrali, nei murali e nella decorazione d'interni. Vengono prodotti piatti, poster, calendari.

Lubok si riflette anche nella moda moderna: nell'ambito del 22° Salone del tessile di Ivanovo, la collezione di Yegor Zaitsev, “iVANOVO. Stecca".

Lubok russo

Editoriale
L'album riproduce una piccola parte della riproduzione di immagini popolari russe conservate nei musei e nelle biblioteche del paese (sala delle incisioni del Museo statale di belle arti intitolato a A. S. Pushkin, Museo storico statale, dipartimento delle stampe della Biblioteca pubblica statale intitolato a M. E. Saltykov-Shchedrin e altri) Alcuni fogli di stampe popolari vengono pubblicati per la prima volta. Il compilatore dell'album esprime la sua gratitudine a tutti i dipendenti delle suddette istituzioni per la loro partecipazione e assistenza nella selezione delle stampe popolari.

Nel 1766, il professore di poesia ed eloquenza, l'accademico Yakov Shtelin, attraversando le Porte Spassky del Cremlino di Mosca, si interessò ai fogli colorati e divertenti appesi in vendita, acquistò una dozzina e mezza di quadri per "curiosità" e li portò con sé a San Pietroburgo. Successivamente, le stampe popolari da lui acquisite entrarono nell '"antico deposito" dello storico M.P. Pogodin, e poi nei fondi della Biblioteca pubblica di San Pietroburgo.

Giaciti per quasi due secoli nei faldoni della biblioteca, questi fogli dipinti erano perfettamente conservati e alla mostra delle stampe popolari russe organizzata a Mosca dall'Unione degli artisti dell'URSS nel 1958, deliziavano lo sguardo con la loro originale luminosità colori.

In quei primi anni, le immagini popolari erano molto diffuse nella vita contadina e piccolo-borghese, costituendo un accessorio necessario per una capanna contadina, una locanda e una stazione di posta.

I venditori ambulanti di Ofeni nelle loro scatole di rafia distribuivano stampe popolari ovunque, fino agli angoli più remoti dei villaggi.

Pushkin, descrivendo la situazione della stazione di posta, non dimentica di menzionare le immagini popolari con garofani inchiodati alle pareti: "Sepoltura di un gatto, disputa di un naso rosso con forte gelo e simili ..." ("Appunti di un giovane"). E al comandante della fortezza di Belogorsk, il capitano Mironov, sul muro accanto al diploma dell'ufficiale, "erano esposte immagini di lubok che rappresentavano la cattura di Kustrin e Ochakov, nonché la scelta di una sposa e la sepoltura di un gatto" ( "La figlia del capitano").

La popolarità delle immagini popolari, la loro economicità, la loro distribuzione onnipresente erano la ragione per cui le persone serie non prestavano loro attenzione. Non è mai venuto in mente a nessuno che queste immagini avessero un qualche valore o interesse, che potessero servire come oggetto di raccolta, conservazione e studio.

È facile immaginare quanto sia stata di breve durata l'esistenza della stampa popolare nelle condizioni della vita contadina, quanti di loro sono morti per noi irrevocabilmente, quanto sono incomplete le collezioni di immagini popolari russe sopravvissute fino ad oggi, in particolare le stampe di i secoli XVII-XVIII. Le immagini popolari per molto tempo furono quasi l'unico cibo spirituale dei lavoratori russi, un'enciclopedia di un'ampia varietà di conoscenze. Nel lubok, che era certamente accompagnato da un testo edificante o scherzoso, saggezza popolare e ingegno, l'atteggiamento della gente verso vari eventi storici, i costumi e la vita di quel tempo, umorismo astuto e risate semplici, e talvolta satira politica , profondamente nascosto all'occhio vigile delle autorità, è apparso.

D. A. Rovinsky osserva che le didascalie sotto le immagini spesso mantengono le caratteristiche del vernacolo popolare fortemente salato: “i testi di quasi tutte le vecchie immagini sono conditi e salati con detti e aggiunte di pasta, a volte li incontrerai dove non ti aspetti affatto , come, ad esempio: in un registro sulle donne, nella sepoltura di un gatto da parte dei topi, in un ritratto del gatto stesso e innumerevoli altri fogli. Nella maggior parte dei casi, questi non sono altro che battute e detti con cui è condito il testo delle immagini popolari, proprio come il testo dei poemi epici popolari, per attirare maggiore attenzione da parte dell'ascoltatore. Non c'è nulla in queste battute che possa offendere la moralità delle persone: suscitano solo nello spettatore una risata bonaria e sana ... "

Il tema delle immagini popolari è veramente enciclopedico: copre argomenti religiosi e morali, epopee popolari e fiabe, temi di cosmografia e geografia, storici, medici. Erano diffusi fogli satirici e divertenti, c'erano anche opuscoli politici.

Naturalmente, nelle condizioni del regime di polizia, che puniva severamente la manifestazione di qualsiasi sentimento di opposizione, la satira politica poteva manifestarsi solo in forme profondamente criptate. In effetti, il pungiglione dell'opuscolo politico nelle immagini popolari era spesso così abilmente nascosto sotto trame innocue che la censura zarista non sempre coglieva in esse contenuti riprovevoli. Solo molto più tardi le allusioni satiriche contenute in questi fogli furono svelate e spiegate negli studi di specialisti di immagini popolari russe.

Tale, ad esempio, è il famoso lubok “I topi seppelliscono un gatto”, che è una satira sull'imperatore Pietro I. In questa immagine, il corteo funebre si trova su più livelli. Un gatto morto con una faccia esilarante giace in un carro funebre con le zampe legate. Sopra ogni topo che accompagna il defunto c'è un numero di serie, sotto il quale nel testo esplicativo è indicato il suo ruolo nella processione.

Per inciso, il “Gatto di Kazan”, secondo gli scienziati, è anche considerato una caricatura di Pietro il Grande. Lo zar Pietro attuò le sue riforme con misure drastiche e crudeli. Molte delle sue innovazioni, come ad esempio la rasatura forzata della barba o la persecuzione del costume nazionale, furono impopolari e provocarono mormorii e proteste soffocate tra la gente, soprattutto tra i numerosi aderenti alla setta religiosa dei Vecchi Credenti, che considerava Pietro I l'incarnazione dell'Anticristo, predetto dall'Apocalisse di Giovanni il Teologo. Si ritiene che l'autore di questa stampa popolare appartenesse ai settari e che i topi che si rallegravano per un gatto morto esprimessero i sentimenti di questa opposizione popolare. Molti anni dopo, quando il significato politico dell'immagine era già stato dimenticato, il tema divertente della sepoltura del gatto non ha perso il suo fascino. Questo foglio godette della massima popolarità e per più di cento anni fu ristampato un'infinità di volte in molteplici versioni. Il tema della sepoltura del gatto si è spostato anche in altri ambiti dell'arte popolare. Così, alla mostra delle antiche stampe popolari, tenutasi a Mosca nel 1958, apparve un giocattolo di legno che riproduceva tutti i 67 personaggi di questo curioso corteo funebre.

Non meno conosciute sono le stampe popolari della burocrazia giudiziaria, come "La corte di Shemyakin", "La storia di Ersh Ershovich, figlio di Shchetinnikov". È curiosa una piccola immagine satirica di un impiegato di imbroglio che ha persino cercato di ottenere una tangente dalla morte.

Tra gli argomenti della satira quotidiana, i tramonti erano in uso nelle stampe popolari, ridicolizzando gli eccessi della moda, l'ubriachezza, la stravaganza, il matrimonio di convenienza, l'adulterio, le pretese di aristocrazia.

Da questi primi fogli satirici la nostra caricatura russa traccia il suo pedigree. A volte, come avvenne durante la guerra patriottica del 1812 e durante la prima guerra imperialista, viene riproposto nella stessa forma di fogli satirici murali.

Nelle riviste satiriche del 1905-1906, altri artisti seguirono lo stile del lubok xilografico: I. Bilibin, M. Dobuzhinsky, S. Chekhonin. E più tardi, molti fumettisti si sono rivolti al linguaggio grafico della stampa popolare popolare: A. Radakov, N. Radlov, I. Malyutin, M. Cheremnykh, D. Moor, Denis, K. Rotov e altri.

Immagini religiose e storie moralistiche su temi della Bibbia e del Vangelo costituiscono una quota significativa nelle immagini popolari. Particolarmente popolari erano: "La storia del bellissimo Giuseppe", "La parabola del figliol prodigo", "La parabola del ricco e miserabile Lazzaro". Spesso le storie apocrife entrano anche nelle stampe popolari. Ad esempio, "Il vero segno del giudizio illegale contro Cristo, che si trova nel terreno a Vienna, scolpito su una tavoletta di pietra". Raffigura una corte seduta sotto la presidenza del sommo sacerdote Caifa. Diciotto giudici; ciascuno di loro tiene in mano un cartiglio sul quale, in poche parole, è riassunto il suo atteggiamento nei confronti dell'imputato.

La colorazione eterogenea e allettante delle stampe popolari è spesso in spensierata contraddizione con la loro trama ascetico-cupa. "Piango e singhiozzo quando penso alla morte", dice la didascalia sotto l'immagine di un peccatore che guarda una bara con uno scheletro che giace al suo interno. Ma questa immagine è incorniciata da una ghirlanda di fiori e dipinta in modo così forte e allegro che la moralità opaca e monastica dell'immagine si allontana davanti all'allegro tripudio di colori.

Persino i demoni, che spesso compaiono in trame moralizzanti, nell'interpretazione degli artisti popolari, assumono l'aspetto bonario di personaggi di buffoneria comica come orsi ammaestrati, che compagnie erranti di buffoni hanno a lungo condotto attraverso città e villaggi della Rus'.

Gli spettacoli di strada dei buffoni godevano dell'amore popolare, e i personaggi tradizionali di questi spettacoli prendono vita nella stampa popolare popolare. Va detto che i buffoni erano sottoposti a continue persecuzioni da parte delle autorità spirituali, le quali, non senza motivo, vedevano nelle loro improvvisazioni tracce di un antico rituale pagano. E nel 1648, il pio zar Alessio Mikhailovich bandì finalmente le esibizioni dei buffoni. Ma, nonostante ciò, le storie dei buffoni hanno continuato a vivere a lungo nelle immagini popolari. Ecco i membri permanenti delle compagnie di recitazione erranti - un orso e una capra - e le coppie di buffoni - perdenti cronici Foma e Yerema, Savoska e Paramoshka, sempre accompagnati da un divertente testo in rima.

Alla stessa categoria di "fogli divertenti" dovrebbero essere attribuite immagini di giullari e nani, danze popolari, scazzottate, scene di taverne e altro. Nelle immagini popolari, le scene di genere apparivano molto prima che nella pittura: scene di vita contadina, immagini di una capanna, un bagno pubblico, una taverna e una strada venivano fornite nelle stampe popolari. Quindi, una delle stampe popolari più arcaiche della fine del XVII secolo riproduce una scena di vita contadina: "Il vecchio Agatone tesse scarpe di rafia e sua moglie Arina fila" - una trama impensabile per la pittura russa dell'epoca. Inoltre, è interpretato in modo abbastanza realistico: i costumi contadini, l'arredamento, i piccoli dettagli della vita sono autentici, anche un cane e un gatto non vengono dimenticati.

Le gesta eroiche dei leggendari eroi dell'epopea popolare russa e le avventure degli eroi dei racconti popolari si riflettono ampiamente nei temi della stampa popolare. Questa è forse l'area più bella e poetica del quadro popolare. Immagini fantastiche di fiabe sono risolte da artisti popolari con ingenua persuasività. È vero, gli eroi nella loro rappresentazione sono lontani dalla documentazione archeologica: sono vestiti con armature romane o uniformi di guardia del XVIII secolo, ma ciò non interferisce minimamente con la loro favolosa esistenza. L'eroe epico, l'eroe Ilya Muromets, colpisce con una freccia l'usignolo il ladro seduto su una quercia, il potente Eruslan vince in battaglia il drago a sette teste, Ivan Tsarevich su un lupo grigio sfugge alla persecuzione con la sua bellissima sposa, gli uccelli del paradiso Sirin e Alkonost con volti di vergini allargano le loro ali multicolori.

Creature leggendarie compaiono anche in immagini come "Il popolo delle Divie ritrovato dallo zar Alessandro Magno", così come nelle stampe che sono quelle che oggi vengono chiamate "papere dei giornali". Questi sono il Satiro, catturato in Spagna nel 1760, il Miracolo del mare e il Miracolo della foresta, catturati nello stesso luogo, e altri. Le descrizioni dettagliate di questi mostri non lasciano dubbi nell'ingenuo spettatore sulla completa autenticità delle immagini. In una satira catturata in Spagna, si dice che la sua testa, fronte, occhi e sopracciglia siano umani, orecchie di tigre, baffi di gatto, barba di capra, bocca di leone e mangia solo pane e latte.

La scelta dei temi storici nelle stampe popolari è bizzarra. Le valutazioni delle persone non sempre coincidono con le valutazioni della storia ufficiale, e molte date apparentemente importanti nella cronologia ufficiale non hanno attirato l'attenzione dei creatori di stampe popolari popolari.

La storia antica si riflette nella stampa popolare "Gloriosa battaglia dello zar Alessandro Magno con il re Porus dell'India". Un enorme lubok a tre foglie dedicato alla battaglia di Mamaev raffigura la battaglia dei russi con i tartari sul campo di Kulikovo nel 1380. Tra gli eventi contemporanei, il lubok rifletteva le guerre del XVIII secolo con la Prussia e la Turchia e alcuni altri eventi, ad esempio la rivolta greca del 1821. Molte stampe popolari diedero origine all'invasione della Russia da parte di Napoleone, alla sua fuga e caduta, che suscitò profondamente i sentimenti patriottici del popolo russo.

All'inizio del diciannovesimo secolo, i temi letterari penetrarono nelle stampe popolari russe. Le poesie dei nostri poeti A. Pushkin, M. Lermontov, A. Koltsov, le favole di I. Krylov penetrano nella gente attraverso stampe popolari, ricevendo una sorta di interpretazione grafica nella stampa e talvolta ulteriore sviluppo della trama.

Quindi, la stampa popolare estremamente popolare con la poesia di Pushkin "La sera, in un autunno piovoso" racconta la storia di una ragazza ingannata che lascia il suo bambino appena nato alla porta di qualcun altro. Ha ottenuto la continuazione della trama in un'altra immagine raffigurante la sorpresa di una famiglia di contadini che ha trovato un trovatello alla loro porta. La didascalia di questa immagine raffigura l'amaro destino di un bambino povero: "Nella famiglia di uno sconosciuto sarai adottato, senza carezze, senza radici, crescerai". Tutta una serie di stampe popolari della stessa epoca illustra romanzi e canzoni popolari.

Più di mezzo secolo dopo la "scoperta" dell'accademico Shtelin, il giovane scienziato moscovita I. Snegirev iniziò a raccogliere e studiare immagini popolari, ma quando nel 1822 offrì il suo rapporto su di esse all'attenzione dei membri della Società degli Amanti della letteratura russa, molti avevano un dubbio: se "un oggetto così volgare e volgare, che viene dato alla sorte della folla".

È stato consigliato un titolo più decente: "On Common Images". Tuttavia, lo stesso oratore era ben consapevole che la stampa popolare del cricket avrebbe dovuto conoscere il suo focolare e ha ammesso con contrizione che "non importa quanto sia scortese e persino brutta la stampa della stampa popolare, il cittadino comune si è abituato tanto quanto con il solito taglio del suo caftano grigio e con una pelliccia nuda di pelle di pecora domestica. I. Snegirev rimase fedele alla sua passione per le stampe popolari: i suoi articoli sulle immagini popolari furono pubblicati nelle opere della Società degli amanti della letteratura russa e nel Moskvityanin, e nel 1861 furono pubblicati in un libro separato intitolato "Immagini di Lubok di il popolo russo nel mondo moscovita."

D. A. Rovinsky, avvocato e senatore, uomo di ampia erudizione, che pubblicò molte opere sull'iconografia e sulle arti grafiche russe, fu particolarmente fruttuoso e produttivo nel collezionare stampe popolari e studiarne la storia. Collezionò stampe popolari per tutta la vita e lasciò in dono al Museo Rumyantsev 40 voluminose cartelle di stampe popolari, selezionate per argomento (ora nella sala delle incisioni del Museo statale Pushkin). La sua opera principale - "Russian Folk Pictures" - consiste di 5 volumi di testi esplicativi e di un Atlante di riproduzioni in cinque volumi, ed è ancora insuperata nella ricchezza del materiale pubblicato. Ma la magnifica opera di Rovinsky, scritta in modo affascinante e vivace e contenente molte diverse informazioni storiche, non è affatto inclusa nella valutazione delle stampe popolari come opere d'arte. Come Snegirev, anche Rovinsky definisce i lubok un “lavoro goffo” ed esprime il desiderio che i quadri popolari passino nelle mani dei veri “nostri artisti di talento”, senza accorgersi che è in conflitto con il concetto stesso di “quadro popolare russo”.

Nei loro giudizi e valutazioni, i primi custodi e intercessori dell'immagine del popolo davanti al "pubblico colto" erano alla pari del secolo. La società russa solo dopo i dipinti di Surikov, Vasnetsov, Ryabushkin, Roerich, Polenova, Bilibin ha imparato a comprendere la bellezza delle forme nazionali e ad apprezzare il fascino dell'architettura popolare: sculture in legno contadine, ricami, dipinti su fondi e scatole, giocattoli e ceramiche. Inoltre, solo ora ci siamo resi conto di quanto fosse assurdo presentare alla stampa popolare requisiti accademici: la correttezza del disegno e il rispetto delle leggi della prospettiva. Confrontando i prodotti grafici degli alunni dell'Accademia Imperiale delle Arti nei secoli XVIII-XIX con le stampe popolari contemporanee, vediamo che il vantaggio, senza dubbio, appartiene ai maestri senza nome delle stampe popolari. Qui si possono tracciare in modo particolarmente chiaro due flussi di cultura e la grafica popolare riempie chiaramente il "maestro" con la complessità dell'immaginazione, la ricchezza del linguaggio grafico e, soprattutto, l'originalità nazionale, di cui le opere di incisori certificati sono completamente prive Di.

L'interesse per le stampe popolari è aumentato soprattutto negli ultimi anni, dopo una mostra di quadri popolari organizzata a Mosca nel 1958, che ha riunito i migliori campioni delle collezioni del Museo di Belle Arti Pushkin. Museo letterario, Biblioteca intitolata a M.E. Saltykov-Shchedrin, Biblioteca intitolata a V.I. Lenin e altri. La mostra ha mostrato come l'arte popolare si sia manifestata in modo ampio e diversificato nel lubok e, d'altra parte, ha rivelato come siano pervenuti campioni incompleti, frammentari, accidentali e magri di immagini popolari dei primi periodi, in particolare del XVII e dell'inizio del XVIII secolo. a noi. Si è scoperto che molti fogli sono unici, e non solo fogli delle prime collezioni - Shtelin e Olsufiev, ma anche immagini popolari del 19 ° secolo.

Secondo l'accademico I. E. Grabar, che ha visitato più volte la mostra sul lubok, per lui è stata una scoperta sorprendente. Si rammaricava che la sconfitta della casa editrice Knebel nel 1914, quando l'archivio fotografico fu distrutto, avesse impedito al quadro popolare di ricevere contemporaneamente un capitolo speciale nella Storia dell'arte russa, che fu pubblicata sotto la sua direzione.

Negli ultimi anni in Unione Sovietica sono stati pubblicati numerosi libri ben illustrati sulle immagini popolari russe. Lubkom si interessò anche all'Occidente. Nel 1961 apparve a Parigi un libro sul lubok russo di P. L. Duchartre, autore di numerosi libri sull'arte popolare dei paesi europei.

Il valore del lavoro di Duchartre sta principalmente nel fatto che si avvicina al materiale da nuove posizioni, conquistate da una lunga lotta per il diritto dell'arte popolare all'attenzione degli storici dell'arte e della cultura.

Lo scienziato francese colloca il lubok russo in cima alle stampe popolari di altri paesi. Nota che in termini di stile e colorazione, le immagini popolari russe non possono essere confuse con nessun'altra. La loro unicità etnica attira immediatamente l'attenzione. Particolarmente caratteristico della stampa popolare russa è il senso del colore, sicuro fino all'insolenza.

A Duchartre, il lubok russo trovò un erudito conoscitore e un ardente ammiratore. "Le immagini popolari russe, che sono arrivate fino a noi nonostante lo zelo della censura secolare e nonostante la fragilità della carta, sono, a mio avviso, di straordinario valore universale", afferma. Ho ritenuto necessario citare queste opinioni dello scienziato francese come la testimonianza di un testimone esterno, convincente in quanto non dettata da predilezioni patriottiche.

Negli ultimi anni abbiamo assistito ad un aumento dell’interesse per la stampa. L'incisione e la litografia entrano nella vita di tutti i giorni, negli interni di nuovi appartamenti, nei foyer dei cinema.

Apparvero amanti delle stampe e collezionisti di riproduzioni. È vero, questo fenomeno non è nuovo, e tra gli amanti delle stampe del passato ci sono nomi noti di intenditori di incisioni che ci hanno lasciato descrizioni superbamente pubblicate delle loro collezioni. Ma quando penso alle stampe, non ricordo questi collezionisti, ma prima di tutto il contadino Yakim Nagogo della poesia di N. A. Nekrasov "Chi vive bene in Rus'". Questo collezionista di stampe le comprò al mercato per il divertimento di suo figlio, le appese nella capanna "e lui stesso amava guardarle nientemeno che da ragazzo". C'è stato un incendio, si è precipitato a salvare la sua "collezione", dimenticandosi del denaro nascosto.

"Oh, fratello Yakim,
non costano poco le foto!
Ma in una nuova capanna
Li hai appesi?"
- "Hung - ce ne sono di nuovi," -
disse Yakim e tacque.

Comprendiamo l'entusiasmo dell'ingenuo Yakim, perché le immagini popolari russe, che hanno recentemente ricevuto un riconoscimento generale, sono davvero la manifestazione più interessante dell'arte popolare. I primi ricercatori che si interessarono alle stampe popolari, nonostante tutto il loro entusiasmo per l'oggetto della ricerca, ritennero necessario giustificarsi davanti a persone serie nel fare un affare così frivolo. Snegirev ha sostenuto che le stampe popolari "rappresentano non solo oggetti di divertimento e intrattenimento nel gusto della gente comune", ma manifestano "lo stato d'animo religioso, morale e mentale delle persone". Rovinsky nella sua "giustificazione" si riferisce a N. S. Tikhonravov: che, dicono, seguendo l'esempio dell'Europa occidentale, "la vita e la scienza hanno cominciato a introdurre le persone nei suoi diritti legali nel nostro paese". Il riconoscimento per il lubok russo è arrivato da un obiettivo completamente diverso: ora le immagini popolari sono considerate opere d'arte.

Nel 1962, al Museo statale di belle arti Pushkin di Mosca, fu aperta una mostra retrospettiva di xilografie dal XV al XX secolo. La sezione russa iniziò con stampe popolari del XVIII secolo, tra le quali il famoso "Gatto di Kazan" occupava un posto centrale - una grande stampa a quattro foglie, che dovrebbe essere riconosciuta come una delle migliori immagini di un gatto in tutto arte mondiale. Questo lubok ha tutti i vantaggi di un capolavoro: è monumentale, laconico, perfettamente inscritto nella cornice e, senza compromettere l'espressività dell'immagine, può essere ingrandito fino alle dimensioni del muro di un edificio a più piani e ridotto alle dimensioni di un edificio a più piani. dimensione di un francobollo.

C'erano altre meravigliose stampe alla mostra: "La gloriosa battaglia dello zar Alessandro Magno con il re Porus dell'India", "La campagna del glorioso cavaliere Coleandro Lodvik" e "La sepoltura di un gatto" - tutte queste sono multi-foglio incisioni. Il loro disegno è stato ritagliato su più tavole, quindi le stampe sono state incollate insieme e si è ottenuta una grande composizione.

Quindi, la stampa popolare russa - la creazione di maestri popolari senza nome, questo "volgare oggetto quadrato dato alla sorte della folla", ha preso un posto d'onore sulle pareti del Museo delle Belle Arti, accanto ai grandi maestri dell'Occidente e Est - con Dürer e Hokusai, e il quartiere ha resistito con onore .

Si è scoperto che il muzhik Yakim Nagogo aveva un buon gusto. Qualche parola sulla tecnica del lubok e sull'industria del lubok.

Perché le immagini si chiamano lubok? Non esiste un consenso definitivo su questo. Erano tagliati e stampati da assi di tiglio, e il tiglio era chiamato rafia in altri luoghi. Venivano portati in vendita dai venditori ambulanti di ofeni nelle loro scatole di rafia. La leggenda di Mosca dice che il nome delle immagini deriva dalla via Lubjanka, dove furono stampate.

Successivamente, le xilografie lasciarono il posto alla metallografia e poi alla litografia, ma dietro le immagini rimase il nome stampe popolari. La colorazione delle stampe popolari veniva eseguita dalle donne dei villaggi in molti villaggi vicino a Mosca e Vladimir. “L'innato senso del colore”, afferma Duchartre, “ha portato combinazioni felici e nuove, che non possono essere ottenute nemmeno con un'attenta colorazione. Molti artisti moderni utilizzano consapevolmente le lezioni che vengono loro insegnate, senza saperlo, da autodidatti, spinti dalla necessità di lavorare con il pennello con la massima fretta.

Con l'apparizione sul mercato, alla fine del XIX secolo, di immagini cromolitografiche a buon mercato prodotte in fabbrica, la stampa popolare popolare non riuscì a resistere alla concorrenza e cessò di esistere.

Naturalmente non tutte le stampe popolari sono uguali, non tutte sono ugualmente originali. Nelle più antiche xilografie vediamo la costante influenza delle secolari tradizioni dell'arte artistica russa del periodo pre-petrino. In fogli come la "Bibbia" del Maestro Koren, "Il pasto dei pii e dei malvagi", "La parabola del ricco e povero Lazzaro", "Anika la guerriera e la morte", queste tradizioni nazionali si sono manifestate in modo più convincente.

Il passaggio dalle xilografie alla metallografia segna il confine tra due periodi nella storia del lubok russo. Snegirev ha anche sottolineato che tra le stampe popolari scolpite su legno e quelle incise su rame, non si può non notare una differenza significativa nell'esecuzione.

Oltre alle differenze tecnologiche, hanno influenzato anche le influenze straniere. L'incisione su metallo ha introdotto una tecnica più sofisticata nella stampa popolare, che gli artigiani popolari sfoggiavano nella resa grafica di nuvole, onde del mare, fogliame degli alberi, rocce e "sterco" erboso.

Con l'avvento di nuovi coloranti, la combinazione di colori del colore cambia, diventa sempre più luminosa. I Lubok degli anni Settanta e Ottanta del XIX secolo, dipinti con i colori all'anilina più brillanti, con tratti ampi, spesso oltre il contorno, stupiscono l'occhio con un tripudio di colori in combinazioni inaspettate e nuove.

Le collezioni di immagini popolari russe conservate nei nostri musei e nelle nostre biblioteche sono ancora lungi dall'essere esaurite. Molto rimane non rivelato e inedito. Gli atlanti di immagini popolari di D. Rovinsky, pubblicati quasi un secolo fa, costavano un sacco di soldi quando furono pubblicati, e ora ancor di più sono una rarità bibliografica inaccessibile. Pertanto, ogni nuova pubblicazione di stampe popolari russe dovrebbe essere accolta con favore in ogni modo possibile.

Questa edizione, senza pretendere di essere una recensione completa, pone come condizione indispensabile la riproduzione dei lubok direttamente dagli originali museali, senza ritocchi e colorazioni arbitrarie - una condizione rispetto alla quale le edizioni precedenti spesso hanno commesso un errore.

N. Kuzmin

Elenco delle illustrazioni:

01. La gloriosa battaglia dello zar Alessandro Magno con il re Por dell'India. 18esimo secolo

03. Thomas e Yerema sono due fratelli. 18esimo secolo
04. Il barbiere vuole tagliare la barba allo scismatico. 18esimo secolo
05 - 06. Gatto Kazan, mente Astrachan'. 18esimo secolo
07 - 18. Corte di Shemyakin. 18esimo secolo

20. La storia di Ersh Ershovich. Inizio del XIX secolo
21. A proposito di un nobile e di un contadino. 18esimo secolo
22. Proverbio (Sebbene il serpente stia morendo, la pozione è ancora sufficiente). 18esimo secolo
23. Forse vai via da me. 18esimo secolo
24. Canzone "Non svegliarti giovane ...". 1894
25. Desiderio di Kashchei. Inizio del XIX secolo
26. Forse vai via da me. 18esimo secolo
27. Registro dei fiori e delle mosche. 18esimo secolo
28. Sono un salto a testa alta più di tutti i frutti della terra. Prima metà del XVIII secolo
29. Ragionamento di un giovane. XVIII secolo
30. Caccia alle lepri. 18esimo secolo
31 - 32. Il ragionamento di un celibe sul matrimonio. XVIII e XIX secolo
33. Fratello baciatore. 18esimo secolo
34. Yakov il cocchiere abbraccia il cuoco. 18esimo secolo
35. La mia gioia (trattare con le mele). 18esimo secolo
36. Yerema e Thomas sono due fratelli. 18esimo secolo
37. Reiter su un pollo. 18esimo secolo
38. Reiter su un gallo. 18esimo secolo
39. Paramoshka e Savoska giocavano a carte. 18esimo secolo
40 - 41. Oh bacio sull'occhio nero per una volta. Prima metà del XVIII secolo e 1820 - 1830
42. Una donna tedesca cavalca un vecchio. 18esimo secolo
43. A proposito di una moglie stupida. 18esimo secolo
44. Ion è debole di mente. 18esimo secolo
45 - 46. Ah, grembo mio, il ladro venne nel mio cortile. XVIII e inizio XIX secolo.
47. Yaga-Baba con un uomo calvo. 18esimo secolo
48. Pan Tryk e Cherson. 18esimo secolo
49. Savoska e Paramoshka. 18esimo secolo
50. Conosci te stesso nella tua casa. 18esimo secolo
51. I popoli stranieri si degnano di fiutare il tabacco. 18esimo secolo
52. Informazioni sulla burocrazia coniugale (frammento). 18esimo secolo
53. A proposito di ubriachezza. 19esimo secolo
54. Una donna andò nella foresta per i funghi. 1820 - 1840 anni
55 - 56. Un orso e una capra camminano. 19esimo secolo
57. A Maryina Grove (dettaglio). Fine del XIX secolo
58. Un orso e una capra stanno camminando. 1820 - 1840 anni
59. Ciao, mia cara. 18esimo secolo
60. Pazienza forzata con qualche padre sconosciuto. 18esimo secolo
61. Gli sciocchi danno da mangiare a un gattino. Prima metà del XVIII secolo
62. Un vecchio marito, ma aveva una giovane moglie. 18esimo secolo
63. Canzone "Vanka viveva in un piccolo villaggio ...". Fine del XIX secolo
64. Canzone "La sera, una fanciulla rossa ...". Fine del XIX secolo
65. Tesoro, non vergognarti. 18esimo secolo
66. Avventure sul naso e sul forte gelo. 18esimo secolo
67. Per favore dammi (secchi). 18esimo secolo
68. Sposo e sensale. 18esimo secolo
69. Un vecchio marito, ma aveva una giovane moglie (frammento). 18esimo secolo
70. Pulizia attenta. 1839
71. Ecco come viene addestrata la bestia. 1839

73. Canzone "Spin my spin..." (frammento). Fine del XIX secolo

Lubok pittorico russo (lubok, immagini lubok, fogli lubok, fogli divertenti, prostoviki) - immagini economiche con didascalie (per lo più grafiche) destinate alla distribuzione di massa, una sorta di arte grafica.

Prende il nome dalla rafia (il legno duro superiore del tiglio), utilizzata nel XVII secolo. come base per l'incisione delle tavole durante la stampa di tali immagini. Nel XVIII secolo la rafia fu sostituita da assi di rame, nei secoli XIX-XX. queste immagini erano già state prodotte in modo tipografico, ma per loro è stato mantenuto il nome "lubok". Questo tipo di arte senza pretese e cruda per il consumo di massa si diffuse in Russia nel XVII e all'inizio del XX secolo, dando origine anche alla letteratura popolare popolare. Tale letteratura adempiva alla sua funzione sociale, introducendo la lettura nelle fasce più povere e poco istruite della popolazione.

Essendo opere di arte popolare, inizialmente eseguite esclusivamente da non professionisti, i lubok influenzarono l'emergere di opere grafiche professionali dell'inizio del XX secolo, che si distinguevano per uno speciale linguaggio pittorico e tecniche e immagini folcloristiche prese in prestito.

Le caratteristiche artistiche della grafica lubok sono il sincretismo, l'audacia nella scelta delle tecniche (fino alla deformazione grottesca e deliberata dell'immagine), evidenziando tematicamente l'immagine principale più grande (questa è la vicinanza ai disegni dei bambini). Dalle stampe popolari, che erano per i cittadini comuni e i residenti rurali del XVII e dell'inizio del XX secolo. e il giornale, la TV, l'icona e il sillabario, i moderni poster domestici, i coloratissimi calendari a fogli mobili, i poster, i fumetti, molte opere della moderna cultura di massa (fino all'arte del cinema) hanno la loro storia.

Essendo un genere che combina elementi grafici ed elementi letterari, i lubok non erano un fenomeno puramente russo.

Le immagini più antiche di questo tipo esistevano in Cina, Turchia, Giappone e India. In Cina venivano originariamente eseguiti a mano e risalgono all'VIII secolo. erano incisi su legno, contraddistinti allo stesso tempo da colori vivaci e orecchiabili.

Nello stato russo le prime stampe popolari (che esistevano come opere di autori anonimi) furono stampate all'inizio del XVII secolo. nella tipografia della Kiev-Pechersk Lavra. Gli artigiani tagliavano a mano sia l'immagine che il testo su una tavola di tiglio levigata e lucidata, lasciando convessi il testo e le linee del disegno. Quindi, con uno speciale cuscino di pelle - matzo - è stata applicata al disegno una vernice nera composta da una miscela di fieno bruciato, fuliggine e olio di lino bollito. Un foglio di carta umida è stato posto sopra il pannello e il tutto bloccato nella pressa della macchina da stampa. L'impronta risultante veniva poi colorata a mano in uno o più colori (questo tipo di lavoro, spesso assegnato alle donne, in alcune zone veniva chiamato "naso daub" - colorazione secondo i contorni).

La prima immagine di lubok trovata nella regione slava orientale è l'icona dell'Assunzione della Vergine del 1614-1624, il primo lubok di Mosca delle collezioni della fine del XVII secolo ora conservate.

A Mosca la distribuzione delle stampe popolari iniziò presso la corte reale. Nel 1635, i cosiddetti "fogli stampati" furono acquistati per lo zarevich Alexei Mikhailovich di 7 anni nella fila delle verdure sulla Piazza Rossa, dopo di che la moda per loro arrivò alle dimore boiardi, e da lì al centro e strati inferiori della popolazione, dove la stampa popolare ottenne riconoscimento e popolarità intorno al 1660.

Tra i principali generi di stampe popolari all'inizio c'era solo quello religioso.

Tra gli artisti che lavorarono alla produzione di basi per incisione per queste stampe popolari c'erano i famosi maestri della scuola di stampa di Kiev-Lvov del XVII secolo. - Pamva Berynda, Leonty Zemka, Vasily Koren, Hieromonk Elijah. Le stampe stampate delle loro opere sono state dipinte a mano in quattro colori: rosso, viola, giallo, verde. Tematicamente, tutti i lubok da loro creati avevano un contenuto religioso, tuttavia, gli eroi biblici erano spesso raffigurati su di essi in abiti popolari russi (come Caino che ara la terra sul lubok di Vasily Koren).

A poco a poco, tra le stampe popolari, oltre alle trame religiose (scene della vita dei santi e del Vangelo), illustrazioni di fiabe russe, poemi epici, romanzi cavallereschi tradotti (su Bova Korolevich, Yeruslan Lazarevich), leggende storiche (sulla fondazione di Mosca, sulla battaglia di Kulikovo).

Grazie a tali "fogli divertenti" stampati, oggi vengono ricostruiti dettagli del lavoro contadino e della vita del tempo pre-petrino ("Il vecchio Agafon tesse scarpe di rafia e sua moglie Arina fila fili"), scene di aratura, raccolta, disboscamento, cuocere frittelle, rituali del ciclo familiare: nascite, matrimoni, funerali. Grazie a loro la storia della vita quotidiana russa si è riempita di immagini reali degli utensili domestici e dell'arredamento delle capanne.

Gli etnografi utilizzano ancora queste fonti, ripristinando gli scenari perduti delle feste popolari, dei balli rotondi, degli eventi fieristici, dei dettagli e degli strumenti dei rituali (ad esempio la divinazione). Alcune immagini di stampe popolari russe del XVII secolo. è entrato in uso per molto tempo, compresa l'immagine della “scala della vita”, sulla quale ogni decennio corrisponde a un certo “gradino” (“Il primo passo di questa vita è passare in un gioco spensierato…”) . Ma perché la stecca si dice “divertente”? Ecco perché. Molto spesso, cose così ridicole venivano raffigurate nelle stampe popolari che almeno si fermano, almeno danno. Lubok con l'immagine di feste festive, spettacoli di farsa e i loro imbonitori, che con voci frettolose invitavano le persone ad assistere allo spettacolo:

“Ho una bellissima moglie. Rossore sotto il naso, moccio su tutta la guancia; Come pedalare lungo la Nevskij, solo lo sporco vola da sotto i piedi. Si chiama Sophia e da tre anni asciuga sul fornello. L'ho tolto dal fornello e lei mi ha fatto un inchino ed è crollata in tre pezzi. Cosa dovrei fare? Ho preso una salvietta, l'ho cucita e ci ho vissuto per altri tre anni. Andò alla Sennaya, si comprò un'altra moglie per un soldo e con un gatto. Un gatto vale un centesimo, ma una moglie è un profitto, qualunque cosa tu dia, mangerà così.

“Ma, Robyata, questa è Parasha.
Solo mio, non tuo.
Volevo sposarla.
Sì, mi sono ricordato, con una moglie vivente, questo non va bene.
Parasha farebbe bene a tutti, ma le fa male alle guance.
Qualcosa a San Pietroburgo manca di mattoni.

Divertente caricatura di Lubok sulla ragazza Rodionova:
“La ragazza Rodionova, arrivata a Mosca da San Pietroburgo, ha ricevuto l'attenzione favorevole del pubblico di San Pietroburgo. Ha 18 anni, la sua altezza è 1 arshin e 10 pollici, la sua testa è piuttosto grande, il suo naso è largo. Ricama diversi motivi con le labbra e la lingua e abbassa braccialetti di perline. Consuma cibo anche senza l'aiuto di estranei. Le sue gambe servono al posto delle mani; con esse prende i piatti del cibo e se li porta alle labbra. Con ogni probabilità la fanciulla Rodionova, e il pubblico moscovita, non la lasceranno accontentare della stessa attenzione che ha riservato alla fanciulla Yulia Postratsy, soprattutto perché vedere Rodionova e la sua arte è molto più interessante che vedere la bruttezza della la fanciulla Yulia Postratsa sola.

Il lubok russo cessò di esistere alla fine del XIX secolo. Fu allora che i vecchi teli colorati iniziarono ad essere custoditi e protetti come reliquie di un passato ormai lontano. Contemporaneamente iniziò lo studio e il collezionismo delle stampe popolari. Una vasta collezione di stampe popolari è stata raccolta dal famoso compilatore del Dizionario esplicativo della grande lingua russa vivente, Vladimir Ivanovich Dahl. Gli artisti Repin, Vasnetsov, Kustodiev, Kandinsky, Konchalovsky, Dobuzhinsky, Lentulov erano interessati a Lubkom.

I motivi artistici della stampa popolare hanno influenzato l'arte decorativa popolare del XX secolo. La connessione con l'estetica del lubok può essere rintracciata in alcune opere degli artisti Fedoskino e Palekh. Alcune tradizioni del lubok sono state utilizzate nella creazione di film d'animazione sui temi dei racconti popolari.

Il primo a studiare e collezionare seriamente stampe popolari fu Dmitry Alexandrovich Rovinsky. Nella sua collezione c'erano tutte le stampe popolari russe rilasciate entro la fine del XIX secolo, e si tratta di quasi 8mila copie.

Dmitry Alexandrovich Rovinsky - storico dell'arte, collezionista e avvocato di professione - è nato a Mosca. Ho acquistato le prime copie per la mia collezione in gioventù. Ma all'inizio amava collezionare incisioni occidentali, Rovinsky aveva una delle collezioni più complete di incisioni di Rembrandt in Russia. Alla ricerca di queste incisioni, viaggiò in tutta Europa. Ma in futuro, sotto l'influenza del suo parente, storico e collezionista, il deputato Pogodin, Rovinsky iniziò a collezionare tutto ciò che era domestico, e in particolare le immagini popolari russe. Oltre alle stampe popolari, D. A. Rovinsky collezionò antichi manuali illustrati, cosmografie e fogli satirici. Rovinsky ha speso tutti i suoi soldi per collezionare collezioni. Visse in modo molto modesto, circondato da innumerevoli cartelle con stampe e libri d'arte. Ogni anno Rovinsky faceva viaggi nei luoghi più remoti della Russia, da dove portava nuovi fogli per la sua collezione di stampe popolari. D. A. Rovinsky scrisse e pubblicò a proprie spese il "Dizionario dettagliato dei ritratti delle incisioni russe" in 4 volumi, pubblicato nel 1872, "Immagini popolari russe" in 5 volumi - 1881. "Materiali per l'iconografia russa" e "La collezione completa delle incisioni di Rembrandt" in 4 volumi nel 1890.

Grazie alle sue ricerche nel campo dell'arte, Rovinsky è stato eletto membro onorario dell'Accademia delle Scienze e dell'Accademia delle Arti. Rovinsky ha istituito premi per le migliori opere di archeologia artistica e per il miglior dipinto con la sua successiva riproduzione in incisione. Ha donato la sua dacia all'Università di Mosca, dal reddito ricevuto ha istituito premi regolari per il miglior saggio scientifico illustrato per la lettura pubblica.

Rovinsky lasciò in eredità la sua intera collezione di incisioni di Rembrandt, che ammonta a oltre 600 fogli, all'Ermitage, quadri russi e popolari - al Museo pubblico di Mosca e al Museo Rumyantsev, circa 50mila incisioni dell'Europa occidentale - alla Biblioteca pubblica imperiale.

Disposizione e decorazione V.SAVCHENKO

Fotografia B.B. ZVEREVA

Casa editrice "Libro russo" 1992

la stampa popolare dipinta è una delle varietà dell'arte popolare. La sua comparsa e la sua ampia esistenza cadono in un periodo relativamente tardo nella storia dell'arte popolare - la metà dei secoli XVIII e XIX, quando molti altri tipi di arte popolare raffinata - pittura su legno, miniature di libri, stampe grafiche stampate - hanno già superato il limite. determinato percorso di sviluppo.

Nell'aspetto storico e culturale, il lubok disegnato è una delle ipostasi del primitivo pittorico popolare, in stretta linea con tipi di creatività come il lubok pittorico e inciso, da un lato, e con la pittura su ruote che girano, cassapanche e l'arte di decorare libri scritti a mano, dall'altro. . Ha accumulato gli inizi ideali della coscienza estetica folcloristica, l'alta cultura delle antiche miniature russe, le stampe popolari basate sui principi della creatività ingenua-primitiva.

La stampa popolare disegnata è una linea di sviluppo relativamente poco studiata dell'arte popolare dei secoli XVIII-XIX. Fino a poco tempo fa, in letteratura non c'erano quasi menzioni del lubok dipinto. Pertanto, conoscerlo non può che interessare intenditori e amanti dell'arte popolare.

La stampa popolare dipinta non era oggetto di collezioni speciali; è piuttosto rara nelle collezioni di biblioteche e musei. Il Museo storico statale possiede una collezione significativa di questo raro tipo di monumenti (152 articoli del catalogo). Era formato da fogli ricevuti nel 1905 come parte delle collezioni di famosi amanti dell'antichità russa come P. I. Shchukin e A. P. Bakhrushin. All'inizio degli anni '20 il Museo Storico acquistò singoli quadri da collezionisti, privati ​​e "all'asta"...

Nel 1928 una parte dei fogli fu portata da una spedizione storica dalla regione di Vologda. La collezione del Museo storico statale può fornire un quadro completo delle caratteristiche artistiche della stampa popolare disegnata e riflettere le fasi principali del suo sviluppo.

Qual è l'arte delle immagini popolari disegnate, dove ha avuto origine e si è sviluppata? La tecnica di esecuzione del lubok disegnato è peculiare. I fogli murali sono stati eseguiti a tempera liquida, applicata sopra un leggero disegno a matita, le cui tracce sono visibili solo dove non è stato successivamente cancellato. I maestri usavano vernici diluite con emulsione di uova o gomma (sostanze appiccicose di varie piante). Come sapete, le possibilità pittoriche della tempera sono molto ampie e, con una forte diluizione, consente di lavorare con la tecnica della pittura trasparente con strati traslucidi, come gli acquerelli.

A differenza del lubok stampato prodotto in serie, il lubok disegnato veniva eseguito a mano dai maestri dall'inizio alla fine. Disegnare un'immagine, colorarla, scrivere titoli e testi esplicativi: tutto è stato fatto a mano, conferendo ad ogni opera un'originalità improvvisativa. Le immagini disegnate stupiscono con la luminosità, la bellezza del disegno, l'armonia delle combinazioni di colori, l'alta cultura ornamentale.

I pittori di fogli murali, di regola, erano strettamente legati alla cerchia di artigiani popolari che preservarono e svilupparono le antiche tradizioni russe - con pittori di icone, miniaturisti e copisti di libri. Da questo contingente si formarono, per la maggior parte, gli artisti della stampa popolare disegnata. I luoghi di produzione e di esistenza delle stampe popolari erano spesso monasteri dei vecchi credenti, villaggi settentrionali e suburbani, che conservavano le antiche tradizioni russe di scrittura a mano e di pittura di icone.

Il lubok disegnato non era così diffuso come le immagini stampate, incise o litografate; è molto più locale. La produzione di fogli murali dipinti era concentrata per la maggior parte nel nord della Russia - nelle province di Olonets, Vologda, in aree separate lungo la Dvina settentrionale, Pechora. Allo stesso tempo, una stampa popolare dipinta esisteva nella regione di Mosca, in particolare a Guslitsy, e nella stessa Mosca. Furono diversi i centri in cui fiorì nel Settecento e soprattutto nell'Ottocento l'arte della stampa popolare dipinta. Questi sono il monastero di Vygo-Leksinsky e gli sketes adiacenti ad esso (Carelia), la regione dell'Alta Toyma sulla Dvina settentrionale, i distretti Kadnikovsky e Totemsky della regione di Vologda, la comunità del Grande Pozhensky sul fiume Pizhma (Ust-Tsilma), Guslitsy nel distretto Orekhovo-Zuyevskij della regione di Mosca. Potrebbero esserci stati altri luoghi in cui venivano prodotte immagini disegnate a mano, ma questi sono attualmente sconosciuti.

L'inizio dell'arte del lubok disegnato fu posto dai Vecchi Credenti. Gli ideologi degli Antichi Credenti tra la fine del XVII e l'inizio del XVIII secolo avevano un urgente bisogno di sviluppare e rendere popolari alcune idee e trame che giustificassero l'adesione alla "vecchia fede", che poteva essere soddisfatta non solo riscrivendo l'Antico Credente Scritti credenti, ma anche mezzi visivi per trasmettere informazioni. Fu nel dormitorio del Vecchio Credente Vygo-Leksinsky che furono mossi i primi passi nella produzione e distribuzione di quadri murali di contenuto religioso e morale. L'attività del monastero Vygo-Leksinsky è una pagina interessante della storia russa. Lo citiamo brevemente.

Dopo la riforma della chiesa del Patriarca Nikon, i "fanatici dell'antica pietà" dissenzienti, tra cui rappresentanti di diversi strati della popolazione, principalmente contadini, fuggirono al nord, alcuni iniziarono a stabilirsi lungo il fiume Vyga (ex provincia di Olonets). I nuovi residenti abbatterono la foresta, la bruciarono, ripulirono i terreni coltivabili e vi seminarono il pane. Nel 1694, dai coloni che si stabilirono a Vyga si formò una comunità guidata da Daniil Vikulov. La prima comunità Pomor di tipo skete-monastico era all'inizio l'organizzazione più radicale dell'ala non sacerdotale, che rifiutava i matrimoni, la preghiera per il re e promuoveva le idee di uguaglianza sociale su base religiosa. Per molto tempo, la comunità di Vyhovsk rimase per tutti i vecchi credenti della Pomerania la massima autorità in materia di fede e di ordine religioso e sociale. Le attività dei fratelli Andrei e Semyon Denisov, che erano abati (kinoviarchi) del monastero (il primo - nel 1703-1730, martedì - sciame - nel 1730-1741), erano di carattere organizzativo ed educativo eccezionalmente ampio.

Nel monastero, che accolse molti immigrati, i Denisov aprirono scuole per adulti e bambini, dove in seguito iniziarono a portare studenti da altri luoghi che sostenevano lo scisma. Oltre alle scuole di alfabetizzazione, negli anni 1720-1730 furono istituite scuole speciali per scribi di libri scritti a mano, una scuola per cantori, qui i pittori di icone furono formati per realizzare icone nel "vecchio" spirito. Vygovtsy raccolse la più ricca collezione di manoscritti antichi e primi libri stampati, dove c'erano opere liturgiche e filosofiche, grammatica e retorica, cronografi e cronisti. L'ostello Vygovsky ha sviluppato una propria scuola letteraria, guidata dai principi estetici dell'antica letteratura russa.

Lavori del Centro Pechersk

Denisov, I. Filippov, D. Vikulov. mezzo 19esimo secolo Artista sconosciuto Inchiostro, tempera. 35x74,5

Acquistato "all'asta" nel 1898. Ivan Filippov (1661 -1744) - storico del monastero di Vygovsky, il suo quarto kinoviarca (1741 -1744). Il libro da lui scritto "La storia dell'inizio dell'Ermitage di Vygovskaya" contiene materiali preziosi sulla fondazione della comunità e sui primi decenni della sua esistenza. A proposito di S. Denisov e D. Vikulov.

I fratelli Denisov e i loro collaboratori hanno lasciato una serie di opere che stabiliscono le basi storiche, dogmatiche e morali dell'insegnamento dei Vecchi Credenti.

Nel monastero fiorirono l'artigianato e il ricamo: fusione di piatti, croci e pieghe in rame, produzione di cuoio, lavorazione del legno e verniciatura di mobili, tessitura di corteccia di betulla, cucito e ricamo con seta e oro e gioielli in argento. Ciò veniva fatto sia dalla popolazione maschile che da quella femminile (nel 1706 la parte femminile del monastero fu trasferita al fiume Leksa). Circa un secolo - dalla metà degli anni 1720 agli anni 1820-1830 - il periodo di massimo splendore della vita economica e artistica del monastero di Vygovsky. Poi venne un periodo di graduale declino. La persecuzione dello scisma e i tentativi di sradicarlo, le repressioni, che si intensificarono durante il regno di Nicola 1, finirono con la rovina e la chiusura del monastero nel 1857. Tutti i luoghi di preghiera furono sigillati, i libri e le icone furono portati via, i restanti residenti furono sfrattati. Così, il centro di alfabetizzazione della grande regione settentrionale, il centro per lo sviluppo dell'agricoltura, del commercio e di una sorta di arte popolare, cessò di esistere.

Un'altra comunità di vecchi credenti che svolse un ruolo culturale ed educativo simile nel Nord fu lo Skete Velykopozhensky, che sorse intorno al 1715 sul Pechora, nella regione di Ust-Tsilma, ed esistette fino al 18542. La struttura interna dell'ostello Velykopozhensky era basata sulla carta Pomor-Vyg. Ha condotto un'attività economica abbastanza significativa, la cui base era l'agricoltura e la pesca. Il monastero era il centro dell'apprendimento e dell'alfabetizzazione dei libri dell'antica Russia: ai bambini contadini veniva insegnato a leggere, scrivere e copiare libri. Qui erano anche impegnati a dipingere teli murali, che era, di regola, la sorte della parte femminile della popolazione3.

È noto che nei secoli XVIII-XIX la popolazione dell'intero Nord, soprattutto i contadini, fu fortemente influenzata dall'ideologia del Vecchio Credente. Ciò è stato facilitato dal lavoro attivo dei monasteri Vygo-Leksinsky e Ust-Tsilemsky.

Molti luoghi che aderivano alla "vecchia fede" esistevano negli Stati baltici, nella regione del Volga, in Siberia e nella Russia centrale. Uno dei centri di concentrazione della popolazione dei vecchi credenti, che ha regalato interessanti opere d'arte alla cultura russa, era Guslitsy. Guslitsy - l'antico nome dell'area vicino a Mosca, dal nome del fiume Gus-Litsa, un affluente della Nerskaya, che sfocia nel fiume Moscova. Qui, tra la fine del XVII e l'inizio del XVIII secolo, si stabilirono i fuggitivi vecchi credenti del consenso sacerdotale (cioè coloro che riconoscevano il sacerdozio). Nei villaggi Guslitsky nei secoli XVIII-XIX furono sviluppate la pittura di icone, la fonderia di rame e l'artigianato della lavorazione del legno. L'arte di copiare e decorare i libri si diffuse e sviluppò persino un proprio stile di decorazione dei manoscritti, che differisce significativamente (così come il contenuto dei libri) dalla Pomerania settentrionale. A Guslitsy si formò una sorta di centro di arte popolare, un grande posto in esso era occupato dalla produzione di quadri murali disegnati a mano.

L'origine e la diffusione tra la popolazione dei Vecchi Credenti del Nord e del centro della Russia dell'arte dei fogli disegnati di contenuto religioso e morale può essere interpretata come una sorta di risposta a un certo "ordine sociale", se si usa la terminologia moderna. I compiti educativi, la necessità dell'apologetica visiva hanno contribuito alla ricerca di una forma appropriata. Nell'arte popolare esistevano già campioni approvati di opere in grado di soddisfare queste esigenze: stampe popolari. La natura sincretica delle stampe popolari popolari, che combinano immagine e testo, la specificità della loro struttura figurativa, che assorbiva l'interpretazione di genere delle trame tradizionali dell'antica arte russa, corrispondeva perfettamente agli obiettivi inizialmente affrontati dai maestri del Vecchio Credente. A volte gli artisti prendevano in prestito direttamente determinate trame dalle stampe stampate, adattandole ai propri scopi. Tutti i prestiti si riferiscono a temi istruttivi e morali, di cui ce n'erano molti nelle immagini popolari incise dei secoli XVIII-XIX.

Cosa rappresentava in generale il lubok disegnato in termini di contenuto, quali sono le sue caratteristiche distintive? L'argomento dei disegni è molto vario. Ci sono fogli dedicati al passato storico della Russia, ad esempio la battaglia di Kulikovo, ritratti di figure dello scisma e immagini di monasteri di vecchi credenti, illustrazioni di apocrifi su storie bibliche e evangeliche, illustrazioni di storie e parabole da raccolte letterarie, immagini destinate per letture e canti, calendari da muro-santi .

Immagini legate alla storia dei vecchi credenti, vedute di monasteri, ritratti di insegnanti scismatici, immagini comparative delle chiese “vecchie e nuove” costituiscono un gruppo abbastanza significativo. Di interesse sono le immagini del monastero di Vygo-Leksinsky, che spesso venivano incluse dagli artisti in una complessa composizione di quadri di grandi dimensioni. Sui fogli “Albero genealogico di A. e S. Denisovs” (cat. 3), “Adorazione dell'icona della Madre di Dio” (cat. 100), sono riportate immagini dettagliate dei monasteri maschile e femminile, situati rispettivamente sulle rive del Vyg e del Leksa. Tutti gli edifici in legno sono scrupolosamente scritti: celle residenziali, refettori, ospedali, campanili, ecc. L'accuratezza dei disegni ci consente di considerare tutte le caratteristiche della pianta architettonica, il design tradizionale delle case settentrionali con tetti a due falde, alte coperture portici di capanne, cupole a bulbo di cappelle, completamenti a tenda di campanili... Sopra ogni edificio ci sono dei numeri, spiegati nella parte inferiore delle immagini: "forgia", "competente", "cuoco", che permettono di ottenere un quadro completo della disposizione dei monasteri e dell'ubicazione di tutti i suoi servizi economici.

Nell'“Albero genealogico di A. e S. Denisov” la veduta del monastero occupa solo la parte inferiore del foglio. Il resto dello spazio è dedicato all'immagine di un albero genealogico condizionale, sui cui rami, in cornici rotonde ornamentali, sono ritratti gli antenati della famiglia Denisov-Vtorushin, risalenti al principe Myshetsky, e i primi rettori di la comunità. Le trame con un "albero didattico" con i fratelli Denisov e le loro persone affini erano molto apprezzate dagli artisti lubok.

I ritratti dei fondatori e degli abati del monastero di Vygovsky sono conosciuti non solo nelle varianti dell'albero genealogico, ma ci sono ritratti individuali, di coppia e di gruppo indipendenti. Il tipo più comune di immagini dei mentori del Vecchio Credente, sia esso un ritratto singolo o di gruppo, è quello in cui ogni "anziano" è rappresentato con un rotolo in mano, sul quale sono scritte le parole del detto corrispondente. Ma non possono essere considerati ritratti nel senso convenzionale del termine. Sono realizzati in modo molto condizionale, secondo un unico canone. Tutti gli insegnanti della Pomerania erano raffigurati piatti, rigorosamente frontalmente, nelle stesse pose, con una posizione simile delle mani. Anche i capelli e le barbe lunghe sono resi allo stesso modo.

Ma nonostante abbiano seguito la forma canonica sviluppata, gli artisti sono riusciti a trasmettere le caratteristiche individuali dei personaggi. Non solo sono riconoscibili, ma corrispondono anche alle descrizioni del loro aspetto che ci sono pervenute nelle fonti letterarie. Ad esempio, Andrei Denisov ha un naso dritto e allungato in tutti i suoi disegni, capelli rigogliosi ricci in anelli regolari intorno alla fronte e una barba ampia e larga (cat. 96, 97).

I ritratti accoppiati, di regola, sono realizzati secondo un unico schema: sono racchiusi in cornici ovali, collegate tra loro da una caratteristica decorazione ornamentale di tipo barocco. Uno di questi ritratti mostra Pikifor Semyonov, kinoviarca del monastero di Vygovsky dal 1759 al 1774, e Semyon Titov, noto per essere stato insegnante nella sezione femminile del monastero (cat. 1). Un tipo speciale di immagini di gruppo erano figure disposte in fila su lunghe strisce di carta incollate da fogli separati (cat. 53, 54). Questi fogli erano probabilmente destinati ad essere appesi in ambienti di grandi dimensioni.

Un numero significativo di opere è dedicato ai rituali delle chiese "vecchie" e "nuove" e alla correttezza del segno della croce. Le immagini sono costruite sul principio di opposizione alla "tradizione dell'antica chiesa russa" e alla "tradizione di Nikon". Gli artisti di solito dividevano il foglio in due parti e mostravano differenze nell'immagine della croce del Calvario, del testimone patriarcale, del metodo di significazione, dei sigilli sulla prosfora, cioè ciò che i vecchi credenti non erano d'accordo con i seguaci della riforma di Nikon (cat. 61 , 102). A volte i disegni venivano realizzati non su uno, ma su due fogli accoppiati (cat. 5, 6). Alcuni maestri hanno genererato tali immagini: hanno mostrato i sacerdoti e il pubblico all'interno del tempio, hanno dato un aspetto diverso alle persone che prestavano servizio nelle chiese "vecchie" e "nuove" (cat. 103). Alcuni sono vestiti con un vecchio abito russo, altri con frac corti e nuovi e pantaloni attillati.

Gli eventi legati alla storia del movimento dei vecchi credenti includono anche trame dedicate alla rivolta di Solovetsky del 1668-1676 - il discorso dei monaci del monastero di Solovetsky contro la riforma del patriarca Nikon, contro lo svolgimento dei servizi secondo nuovi libri corretti, che provocò una rivolta popolare antifeudale durante la lotta. La "seduta" di Solovetsky, durante la quale il monastero resistette alle truppe zariste che lo assediavano, durò otto anni e si concluse con la sua sconfitta. La presa del monastero di Solovetsky da parte del voivoda Meshcherinov e il massacro dei monaci recalcitranti dopo la resa della fortezza si riflettono in numerosi dipinti murali, due dei quali sono conservati nel Museo storico (cat. 88, 94). La datazione dei fogli mostra che la trama attirò l'attenzione degli artisti sia all'inizio che alla fine del XIX secolo, così come in questo periodo l'interesse per il libro non si esaurì -S. Denisov "La storia del padre e dei sofferenti di Solovki" (1730), che servì come base e fonte per scrivere queste immagini.

Lavori del Centro di Mosca

Immagine del massacro del governatore Meshcherinov

con i partecipanti alla rivolta di Solovetsky del 1668-1676.

Immagine del massacro del governatore Meshcherinov con i partecipanti alla rivolta di Solovetsky del 1668-1676.

Inizio del XIX secolo Artista M. V. Grigoriev (?) Inchiostro, tempera. 69x102

Non c'è nessun nome. Iscrizioni esplicative (in ordine di sequenza degli episodi): "Assedia il voivoda del monastero e allestisci un equipaggiamento con molti cannoni, e batti il ​​monastero con feroce battaglia giorno e notte, non baffi-pa Yuchi"; "Il governatore dello zar Ivan Meshcherinov"; "urlo reale"; "Sono uscito dalla calunnia ... con croci, icone e catene e uccidendoli"; “martiri per l'antica pietà”; "Abate e cantina, attratti dalle urla a Meshcherinov per tormentarlo"; "Gli iociti che sono come la feccia più feroce del monastero vengono scacciati nella baia del mare e li congelano nel ghiaccio, e sdraiati i loro corpi per 1 estate sono imperituri, si aggrappano alla carne fino alle ossa e le articolazioni no muoviti"; se per il peccato davanti ai monaci, ho ricevuto la punizione e ho scritto una lettera consegnata alla zarina Natalia Kirilovna, ma senza inviarla a Meshcherinov, lascia che il monastero cessi di prendere il sopravvento"; "il messaggero del reale"; "il messaggero di Meshcherinov"; "la città di Vologda"; "il messaggero reale la via nella città di Vologda di un messaggero del voivoda Meshcherinov con una lettera di devastazione del monastero". Acquisito "all'asta" nel 1909 Bibliografia: Itkina I, pagina 38; Itkina II, pagina 255

Le immagini raffigurano gli eventi della soppressione delle azioni dei monaci del monastero di Solovetsky contro la riforma del patriarca Nikon. Entrambi i fogli illustrano il libro di S. Denisov "La storia dei padri e dei sofferenti di Solovki", scritto negli anni Trenta del Settecento. Attualmente sono state identificate sei varianti di fogli murali su questa trama, di cui tre dipendono direttamente l'una dall'altra e risalgono a un originale comune, e tre sono sorte indipendentemente da questo gruppo, sebbene i loro creatori abbiano creato, aderendo alla tradizione generale di incarnando questa trama.

L'immagine (cat. 88) rivela una dipendenza testuale e artistica dal racconto manoscritto “La descrizione frontale del grande assedio e distruzione del monastero di Solovetsky”, scritto alla fine del XVIII secolo. e lasciò il laboratorio di Mosca, dove tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo. il maestro M. V. Grigoriev ha lavorato. La presunta attribuzione del dipinto all'artista Grigoriev è stata fatta sulla base della sua somiglianza stilistica con le opere distintive del maestro. (Per dettagli su questo, vedere: Itkina I, Itkina P.)

Su un foglio realizzato all'inizio del XIX secolo, il disegno è costruito secondo il principio di una storia sequenziale. Ogni episodio è accompagnato da una breve o lunga iscrizione esplicativa. L'artista mostra il bombardamento del monastero da parte di tre cannoni, che "hanno battuto il monastero con feroci battaglie giorno e notte", l'assalto alla fortezza da parte degli arcieri, l'uscita dei monaci sopravvissuti dalle porte del monastero verso Meshcherinov con un icona e croci nella speranza della sua misericordia, una crudele rappresaglia contro i partecipanti alle rivolte: la forca, il tormento dell'abate e della cantina, i monaci congelati nel ghiaccio, la malattia dello zar Alessio Mikhailovich e l'invio di un messaggero con un lettera a Meshcherinov sulla fine dell'assedio, incontro dei messaggeri reali e Meshcherin nella "città di Vologda". Al centro del foglio c'è una grande figura con una sciabola alzata nella mano destra: "Il governatore dello zar Ivan Meshcherinov". Questo è il principale portatore del male, si distingue sia per la scala che per la severa rigidità della posa. L'introduzione consapevole da parte dell'autore dell'immagine dei momenti valutativi è evidente nell'interpretazione non solo del governatore Meshcherinov, ma anche di altri personaggi. L'artista simpatizza con i difensori torturati della fortezza di Solovetsky, mostra la loro inflessibilità: anche sulla forca, due di loro stringono le dita in un segno a due dita. D'altra parte, caricatura chiaramente l'aspetto dei soldati Streltsy che hanno partecipato alla repressione della rivolta, come dimostrano i berretti da giullare in testa invece dell'abbigliamento militare.

Ma la ricchezza emotiva della trama non oscura il compito di creare un quadro organizzato artisticamente. Nella costruzione compositiva e decorativa del foglio si avverte in generale la tradizione delle stampe popolari ritmate. L'artista riempie lo spazio tra i singoli episodi con immagini di fiori, cespugli, alberi arbitrariamente sparsi, eseguiti in uno stile decorativo tipico delle immagini popolari.

Uno studio approfondito di questa figura ci consente di formulare un'ipotesi, basata su un'analogia con le opere firmate, sul nome dell'autore e sul luogo di creazione. Con ogni probabilità, sul lubok ha lavorato il miniaturista Mikola Vasilievich Grigoriev, che era associato a uno dei laboratori del Vecchio Credente per la copiatura di libri a Mosca.

Le trame relative a specifici eventi storici del passato della Russia sono una rarità in un lubok dipinto. Tra questi c'è un dipinto murale unico dell'artista I. G. Blinov, raffigurante la battaglia sul campo di Kulikovo nel 1380 (cat. 93). Questa è la foglia più grande tra tutte quelle che ci sono pervenute: la sua lunghezza è di 276 centimetri. Nella parte inferiore, l'artista ha scritto l'intero testo de "Il racconto della battaglia di Mamaev" - una famosa storia scritta a mano, e ha inserito le sue illustrazioni in alto.

L'immagine inizia con scene del raduno dei principi russi, che si riuniscono a Mosca su chiamata del Granduca Dmitry Ivanovich, per respingere le innumerevoli orde di Mamai che avanzano sulla terra russa. In alto è raffigurato il Cremlino di Mosca, le persone si accalcano alle porte, salutando l'esercito russo in una campagna. Le file ordinate dei reggimenti si muovono, guidate dai loro principi. Gruppi compatti separati di cavalieri dovrebbero dare un'idea di un rati affollato.

Da Mosca, le truppe si recano a Kolomna, dove si è tenuta una revisione: la "disposizione" dei reggimenti. La città è circondata da un alto muro rosso con torri, è visibile come da una veduta a volo d'uccello. L'artista ha dato al contorno delle truppe costruite la forma di un quadrilatero irregolare, ripetendo in modo speculare i contorni delle mura di Kolomna, ottenendo così un notevole effetto artistico. Al centro del frammento ci sono soldati che reggono stendardi, trombettieri e il granduca Dmitrij Ivanovic.

Il centro compositivo del foglio è il duello tra il bogatyr Peresvet e il gigante Chelubey, che, secondo il testo del Racconto, servì da prologo alla battaglia di Kulikovo. La scena delle arti marziali è evidenziata su larga scala, posizionata liberamente e altri episodi non interferiscono con la sua percezione. L'artista mostra il momento del combattimento, quando i cavalieri che galoppavano l'uno verso l'altro si scontrarono, assediarono i loro cavalli e lanciarono le lance per un colpo decisivo. Immediatamente, un po' più in basso, entrambi gli eroi sono raffigurati come uccisi.

Quasi l'intero lato destro del foglio è occupato dall'immagine di una feroce battaglia. Vediamo cavalieri russi e dell'Orda rannicchiati insieme, i loro feroci combattimenti a cavallo, guerrieri con le sciabole sguainate, uomini dell'Orda che tirano con gli archi. Sotto i piedi dei cavalli ci sono i corpi dei morti.

La storia si conclude con l'immagine della tenda di Mamai, dove il khan ascolta i resoconti della sconfitta delle sue truppe. Inoltre, l'artista disegna Mamai con quattro "temniki" che galoppano lontano dal campo di battaglia.

Sul lato destro del panorama, Dmitry Ivanovich, accompagnato da stretti collaboratori, cammina sul campo di battaglia, lamentando le grandi perdite dei russi. Il testo dice che Dmitrij, "vedendo i tanti morti dei suoi amati cavalieri, cominciò a piangere forte".

In quest'opera, con una grande lunghezza del foglio e molti personaggi, colpiscono la coscienziosità e la diligenza dell'autore, che sono la più alta certificazione del maestro. Ogni personaggio ha un volto, vestiti, elmi, cappelli, armi accuratamente disegnati. L'aspetto dei personaggi principali è individualizzato. Il disegno combina con successo la tradizione popolare popolare con la sua convenzionalità, la natura piatta-decorativa dell'immagine, la generalizzazione di linee e contorni e le tecniche della miniatura del vecchio libro russo, che si riflettono nelle eleganti proporzioni allungate delle figure , nel modo di colorare gli oggetti.

Come modello, I. G. Blinov usò per la sua opera, creata nel 1890, una stampa popolare incisa stampata, emessa alla fine del XVIII secolo, ma la ripensiò in modo significativo, in alcuni punti, per una maggiore armonia della presentazione, cambiò l'ordine di gli episodi. La decisione coloristica del foglio è completamente indipendente.

Lenzuolo realizzato a Gorodets

Seconda metà degli anni Novanta dell'Ottocento Artista I.G. Blinov. Inchiostro, tempera, oro. 75,5x276

Titolo: "La milizia e la campagna del granduca Dimitri Ivanovich, l'autocrate di tutta la Russia, contro il malvagio e empio zar del tartaro Mamai, con l'aiuto di Dio, vincono fino alla fine." Inv. N. 42904 I Sh 61105 Ricevuto dalla collezione di A. P. Bakhrushin nel 1905

Letteratura: Battaglia di Kulikovo, ill. su un adesivo in mezzo 128-129; Monumenti del ciclo di Kulikovo, ill. 44 La battaglia di Kulikovo del 1380 è uno dei pochi eventi nella storia della Russia raffigurati nei monumenti dell'arte popolare. L'immagine, che è la più grande tra i lubok disegnati, contiene testo e parti pittoriche. Il testo è basato sulla "Leggenda della battaglia di Mamaev", presa in prestito da Synopsis (Synopsis è una raccolta di racconti sulla storia russa, pubblicata per la prima volta alla fine del XVII secolo e successivamente ristampata più volte). Il dipinto è stato attribuito all'artista Blinov sulla base della somiglianza stilistica e artistica con il secondo foglio sulla trama della battaglia di Kulikovo, conservato nel Museo delle tradizioni locali di Gorodets (altrimenti n. 603), che porta la firma di I. G. Blinov. La trama della battaglia di Mamaev è nota nelle stampe popolari incise: Rovinsky I, vol.2, n.303; volume 4, pag. 380-381; v.5, pag. 71-73. Attualmente sono state identificate 8 copie della stampa popolare incisa: I "M I I, pp. 39474, gr. 39475; GLM, kp 44817, kp 44816; Museo storico statale, 74520, 31555 I Sh chr 7379, 99497; Museo Yaroslavl- Riserva, 43019. I FOGLI disegnati da Blinov ripetono sostanzialmente l'originale inciso, e si tratta proprio del lubok, come lo studio dei testi apparsi prima degli altri, tra il 1746 e il 1785. L'artista utilizzò entrambe le volte lo stesso campione inciso.

"La leggenda della battaglia di Mamaev" è conosciuta nei manoscritti anteriori. Lo stesso artista I. G. Blinov si è rivolto ripetutamente alle miniature del "Racconto", creando diversi manoscritti frontali sulla sua trama (GBL, f. 242, n. 203; Museo storico statale, Vost. 234, Bars. 1808). I fogli disegnati sono stati creati da lui indipendentemente dalle miniature dei libri.

Casi isolati di rielaborazione di stampe popolari di edizioni a stampa con un tema storico sono isolati. Puoi citare solo un'altra immagine chiamata "Oh ho ho, il contadino russo è pesante sia con il pugno che con il peso" (cat. 60). Questa è una caricatura della situazione politica degli anni 1850-1870, quando la Turchia, anche insieme ai suoi alleati, non riuscì a ottenere un vantaggio sulla Russia. La figura mostra una bilancia, su una tavola della quale sta un contadino russo, e sull'altra tavola e sulla traversa pendono numerose figure di turchi, francesi e inglesi che non riescono a forzare la bilancia ad abbassarsi con tutte le loro forze.

L'immagine è un ridisegno di un lubok litografato, che fu ristampato più volte nel 1856-1877. Ripete quasi senza modifiche le pose divertenti e ridicole dei personaggi che si arrampicano sulla traversa e sulle corde della bilancia, ma si notano notevoli ripensamenti delle caratteristiche fisionomiche dei personaggi. Il muzhik russo, ad esempio, ha perso nel suo disegno quella bellezza che gli avevano regalato gli editori di litografie. Molti personaggi sembrano più divertenti e spigolosi rispetto alle stampe. L'appello al genere della caricatura politica è un esempio raro, ma molto rivelatore, che indica un certo interesse del suo creatore per argomenti pubblici e l'esistenza di una domanda per tali opere.

Passando da trame legate a specifici eventi storici ad argomenti relativi all'illustrazione di varie parabole provenienti da raccolte didattiche e agiografiche (Paterik, Prologo), raccolte come il Grande Specchio, libri biblici ed evangelici, va detto che nella mente popolare molti miti erano percepito come una storia vera, soprattutto quelle legate alla creazione dell'uomo, la vita delle prime persone sulla terra. Ciò spiega la loro particolare popolarità. Molte leggende bibliche ed evangeliche nell'arte popolare sono conosciute in interpretazioni apocrife, arricchite con dettagli e interpretazioni poetiche.

I disegni che illustravano la storia di Adamo ed Eva, di regola, venivano posizionati su grandi fogli e, come altre composizioni a più trame, erano costruiti secondo il principio di una storia (cat. 8, 9). Una delle immagini raffigura il paradiso sotto forma di un bellissimo giardino circondato da un muro di pietra, in cui crescono alberi insoliti e camminano vari animali. Il maestro mostra come il creatore inspirò l'anima in Adamo, creò una moglie dalla sua costola e comandò loro di non assaggiare il frutto dell'albero che cresceva in mezzo al Giardino dell'Eden. La narrazione include scene in cui Adamo ed Eva, soccombendo alla persuasione del serpente tentatore, colgono una mela dall'albero proibito, come, esiliati, lasciano le porte del paradiso, su cui volano i serafini a sei ali, e si siedono di fronte del muro su una pietra, piangendo il paradiso perduto.

La creazione dell'uomo, la vita di Adamo ed Eva nel paradiso, la loro espulsione dal paradiso

La creazione dell'uomo, la vita di Adamo ed Eva nel paradiso, la loro espulsione dal paradiso. Prima metà del XIX secolo. Artista sconosciuto Inchiostro, tempera. 49x71,5 Testo sotto una cornice in tre parti. La colonna di sinistra in 6 righe: "Sede Adam direttamente dal paradiso...tu sei." La parte centrale in 7 righe: “Signore, crea un uomo, prendi un dito dalla terra e soffia sul suo volto il respiro della vita e sii un uomo nella mia anima, e chiama il suo nome Adamo, e Dio ha detto che la bontà non sia un uomo solo... tu sei in tutti gli armenti e le bestie, perché sei stato tu a fare questo male». La colonna di destra in 5 righe: "Adamo, dopo essere stato espulso dal paradiso... amaramente". Ricevuto dalla collezione di P. I. Shchukin nel 1905 Le immagini raffigurano gli episodi iniziali del libro biblico della Genesi: la creazione di Adamo ed Eva, la caduta, la cacciata dal paradiso e il lutto per il paradiso perduto (la scena del lutto è apocrifa). In tutte le immagini, la composizione è costruita sullo stesso principio. Su fogli di grande formato si ricerca una storia sequenziale, composta da episodi separati. L'azione si svolge dietro e davanti all'alto muro di pietra che circonda il Giardino dell'Eden. Gli artisti variano la disposizione delle singole scene, disegnano i personaggi in modi diversi, ci sono differenze evidenti nella disposizione della parte testuale, ma la scelta degli episodi e la soluzione complessiva rimangono invariate. C'era una tradizione stabile dell'incarnazione di questa trama. La storia della vita delle prime persone è stata ripetutamente rappresentata in miniature scritte a mano: davanti alla Bibbia (Museo storico statale, Musica. 84, Uvar. 34, Bar. 32), in raccolte di storie (Museo storico statale, Musica. 295, Vostr. 248, Vahr. 232, Musica. 3505 ), in synodiks (Museo storico statale, Bahr. 15; GBL, Und. 154). Sono note Bibbie stampate incise: Rovinskij I, vol.3, n.809-813. Nelle stampe e nelle miniature popolari stampate, esiste un principio completamente diverso di illustrare il libro della Genesi. Ogni miniatura e ogni incisione illustrano un solo episodio della storia. Non c'è alcuna combinazione di scene successive.

Sul lubok che racconta l'omicidio di Abele da parte di Caino, oltre alla scena del fratricidio, ci sono episodi che mostrano la sofferenza di Caino, inviatogli come punizione per il delitto: è tormentato dai diavoli, Dio lo punisce con “tremanti ”, ecc. (cat. 78).

Illustrazione per "Il racconto della punizione di Caino per l'omicidio di suo fratello".

Se su questo foglio sono collegati eventi in tempi diversi che si susseguono, allora un'altra immagine, al contrario, si limita a mostrare una piccola trama. Qui è illustrata la nota leggenda del sacrificio di Abramo, secondo la quale Dio, avendo deciso di mettere alla prova Abramo, pretese che sacrificasse suo figlio (cat. 12). L'immagine mostra il momento in cui un angelo disceso su una nuvola ferma la mano di Abramo, che alzò il coltello.

Fine XVIII - inizio XIX secolo

Il sacrificio di Abramo. Fine XVIII - inizio XIX secolo. Artista sconosciuto Inchiostro, tempera. 55,6x40,3

Carta filigranata J Kool Comp./Sette province (senza cerchio) Klepikov 1, n. 1154. 1790-1800.

Ci sono molte meno leggende del Vangelo nelle immagini disegnate a mano rispetto a quelle bibliche. Ciò è apparentemente dovuto al fatto che la maggior parte dei miti evangelici erano incarnati nella pittura di icone, e i maestri della stampa popolare dipinta rifiutavano deliberatamente tutto ciò che poteva somigliare a un'icona. Le immagini riflettono principalmente trame che hanno la natura delle parabole.

La parabola del figliol prodigo godeva di un amore speciale tra gli artisti. Ai lati di una delle immagini ci sono episodi della leggenda - la partenza del figliol prodigo da casa, i suoi divertimenti, le disavventure, il ritorno al rifugio di suo padre, e al centro dell'ovale - il testo di un verso spirituale su note di hook (cat. 13). Pertanto, questa immagine non solo poteva essere vista, ma il testo poteva essere letto e cantato. Gli hook sono la più antica notazione musicale che indica l'altezza e la longitudine di un suono e sono una componente frequente dei fogli di testo. Il verso spirituale sul figliol prodigo era diffuso nella letteratura popolare, più strettamente associato all'arte popolare.

Inizio del XIX secolo

La parabola del figliol prodigo. Inizio del XIX secolo Artista sconosciuto Inchiostro, tempera. 76,3x54,6. Carta di una tinta grigio-bluastra dell'inizio del XIX secolo.

Le trame preferite del lubok disegnato a mano sono immagini di Sirin e Alkonost, metà uccelli e metà fanciulle dalla voce dolce. Queste trame circolavano anche nelle stampe popolari stampate. Sono stati prodotti dalla metà del XVIII secolo e per tutto il XIX secolo. Gli artisti dei fogli disegnati a mano non solo hanno ripetuto le immagini incise utilizzando uno schema compositivo già pronto, ma hanno anche sviluppato da soli trame con uccelli del paradiso.

Tra le opere piuttosto originali figurano le immagini dell'uccello Sirin, accompagnate da una leggenda basata su informazioni prese in prestito dal cronografo. Secondo il testo sui fogli, il canto della fanciulla uccello è così dolce che una persona, dopo averlo sentito, si dimentica di tutto e la segue, incapace di fermarsi finché non muore di fatica. Gli artisti di solito raffiguravano un uomo affascinato dall'ascolto di un uccello seduto su un enorme cespuglio punteggiato di fiori e frutti, e un po 'più in basso giaceva morto a terra. Per scacciare l'uccello, la gente lo spaventa con il rumore: battono tamburi, cerbottane, sparano con cannoni, su diversi fogli vediamo campanili con campane che suonano. Spaventata da "rumori e suoni insoliti", Sirin "è costretta a recarsi nelle sue abitazioni" (cat. 16, 17, 18).

Nelle immagini disegnate c'è una comprensione speciale, "libresca" da parte degli artisti dell'immagine della ragazza uccello, che non si trova in altri monumenti di arte popolare.

Un altro uccello del paradiso, Alkonost, è molto simile nell'aspetto a Sirin, ma ha una differenza significativa: è sempre raffigurato con le mani. Spesso nella sua mano Alkonost tiene un rotolo con un detto sulla punizione in paradiso per una vita giusta sulla terra. Secondo la leggenda, Alkonost è vicino a Sirin dalla voce dolce con il suo effetto sull'uomo. "Chi le sta vicino dimenticherà tutto in questo mondo, poi la sua mente si allontana da lui e la sua anima procede dal corpo ..." - dice il testo esplicativo dell'immagine (Cat. 20).

Alcuni ricercatori, così come nella coscienza quotidiana, hanno un'idea piuttosto stabile che nell'arte popolare Sirin è un uccello della gioia e Alkonost è un uccello della tristezza. Questa opposizione è sbagliata, non si basa sul reale simbolismo di queste immagini. Un'analisi delle fonti letterarie, dove compaiono fanciulle-uccello, così come numerosi monumenti di arte popolare (pittura su legno, piastrelle, ricami) mostra che Alkonost non è mai interpretato come un uccello della tristezza. Probabilmente, questa opposizione ha la sua origine nel dipinto di V. M. Vasnetsov

Sirin e Alkonost. A Song of Joy and Sorrow ”(1896), su cui l'artista ha raffigurato due uccelli: uno è nero, l'altro è leggero, uno è gioioso, l'altro è triste. Non abbiamo visto esempi precedenti dell'opposizione dei simboli di Sirin e Alkonost, e quindi possiamo supporre che non provenisse dal popolo, ma dall'arte professionale, che, nel suo appello all'antichità russa, utilizzava campioni di arte popolare , non sempre comprendendone abbastanza correttamente il contenuto.

Immagini con storie edificanti e parabole provenienti da varie raccolte letterarie occupano un posto importante nell'arte del lubok disegnato a mano. Interpretano i temi del comportamento morale, delle azioni umane virtuose e viziose, del significato della vita umana, denunciano i peccati, raccontano i tormenti dei peccatori che vengono severamente puniti dopo la morte. Così, “il pasto dei pii e dei malvagi” (cat. 62), “dei giovani negligenti e allegri” (cat. 136) dimostrano il comportamento giusto e ingiusto delle persone, dove l'uno viene ricompensato, e l'altro è condannato.

Tutta una serie di trame racconta le punizioni nell'aldilà per peccati grandi e piccoli: “La punizione di Ludwig Langraf per il peccato di avidità” consiste nel gettarlo nel fuoco eterno (cat. 64); un peccatore che non si pente della “fornicazione” è tormentato da cani e serpenti (cat. 67); "Un uomo spietato, un amante di questa epoca", Satana ordina di librarsi in un bagno di fuoco, adagiarlo su un letto di fuoco, bere zolfo fuso, ecc. (cat. 63).

Alcune immagini trattavano l'idea dell'espiazione e del superamento del comportamento peccaminoso mentre erano ancora in vita, lodando il comportamento morale. Interessante, a questo proposito, la trama "Farmacia Spirituale", alla quale gli artisti si sono più volte rivolti. Il significato della parabola, presa in prestito dal saggio “Medicina spirituale”, - la cura dei peccati con l'aiuto delle buone azioni - si rivela nelle parole di un medico che dà alla persona che si rivolge a lui il seguente consiglio: “Vieni e prendi la radice dell'obbedienza e le foglie della pazienza, il colore della purezza, il frutto delle buone azioni e spendi nel calderone del silenzio... mangia la menzogna del pentimento e, fatto ciò, sarai completamente sano ”(Gatto 27).

Una sezione significativa delle immagini disegnate sulle pareti è un gruppo di fogli di testo. Poesie di contenuto spirituale e morale, canti su note a gancio, insegnamenti edificanti, di regola, venivano eseguiti su fogli

grande formato, aveva una cornice colorata, titoli luminosi, il testo era colorato con grandi iniziali, a volte era accompagnato da piccole illustrazioni.

Le più comuni erano trame con detti edificanti, consigli utili, i cosiddetti "buoni amici" di una persona. Nelle immagini tipiche di questo gruppo “Dei buoni amici dei Dodici” (cat. 31), “L'albero della ragione” (cat. 35), tutte le massime sono racchiuse in cerchi ornati e poste sull'immagine di un albero, o scritto sulle foglie larghe e ricurve di un cespuglio.

Versi e canti spirituali erano spesso collocati in ovali incorniciati da una ghirlanda di fiori che si innalzava da un vaso o da un cesto posto a terra (cat. 36, 37). Con un modo uniforme e comune a molti fogli di cornice ovale di testi, è impossibile trovare due ghirlande o corone identiche. Gli artisti variano, fantasticano, cercano abbinamenti nuovi e originali, ottenendo una varietà davvero sorprendente di componenti che compongono l'ovale.

Le trame dei quadri murali disegnati a mano rivelano una certa affinità con i temi presenti in altri tipi di arte popolare. Naturalmente la maggior parte delle analogie riguardano le stampe popolari incise. Un confronto quantitativo mostra che nelle opere lubok disegnate giunte fino ai nostri giorni, le trame in comune con quelle stampate costituiscono solo un quinto. Allo stesso tempo, nella stragrande maggioranza dei casi, non si tratta di una copia diretta di alcune composizioni, ma di un'alterazione significativa degli originali incisi.

Quando utilizzavano la trama del foglio di circolazione, i maestri introducevano sempre la propria comprensione della decoratività nei disegni. La combinazione di colori delle stampe scritte a mano differiva in modo significativo da quanto osservato nei materiali stampati.

Conosciamo solo due casi di rapporto inverso tra fogli incisi e disegnati: i ritratti di Andrei Denisov e Daniil Vikulov furono stampati a Mosca nella seconda metà del XVIII secolo sulla base di originali disegnati.

I fogli murali hanno analogie con le miniature dei manoscritti. Il numero di trame parallele qui è inferiore rispetto ai fogli stampati, solo in due casi è evidente la dipendenza diretta del lubok manoscritto dalla miniatura. In tutto il resto si osserva un approccio indipendente alla risoluzione degli stessi argomenti. A volte è possibile stabilire una tradizione comune di incarnazione di singole immagini, ben nota ai miniaturisti dei secoli XVIII-XIX e ai maestri della stampa popolare disegnata, ad esempio, nelle illustrazioni dell'Apocalisse o nei ritratti degli insegnanti dei vecchi credenti, il che spiega la loro somiglianza.

Diversi motivi comuni con immagini disegnate a mano, come la leggenda dell'uccello Sirin, sono noti nei dipinti di mobili dei secoli XVIII-XIX, usciti dalle officine del monastero di Vygo-Leksinsky. In questo caso si è verificato un trasferimento diretto della composizione dei disegni sulle ante dell'armadio.

Tutti i casi identificati di trame comuni e prese in prestito non possono in alcun modo oscurare il numero schiacciante di sviluppi artistici indipendenti nel lubok disegnato. Anche nell'interpretazione delle parabole moralistiche, il genere più sviluppato, i maestri hanno seguito per lo più la propria strada, creando tante nuove opere espressive e ricche di contenuti figurativi. Possiamo supporre che il tema del lubok dipinto sia piuttosto originale e testimonia l'ampiezza degli interessi dei suoi maestri, l'approccio creativo all'incarnazione di molti temi.

La questione della datazione è molto importante per la caratterizzazione di un lubok dipinto. Uno studio speciale del tempo di creazione dei singoli fogli consente di chiarire e presentare in modo più completo il quadro della loro occorrenza, il grado di prevalenza in un dato periodo e di determinare il tempo di funzionamento dei singoli centri d'arte.

Alcune immagini hanno iscrizioni che indicano direttamente la data di produzione, ad esempio: “Questo foglio è stato scritto nel 1826” (cat. 4) o “Questo quadro è stato scritto nel 1840 il 22 febbraio” (cat. 142). Un grande aiuto negli appuntamenti, come sapete, può essere fornito dalla presenza di filigrane sulla carta. Secondo le filigrane di carta è fissato il confine della creazione di un'opera, davanti al quale essa non potrebbe apparire.

Le date sui fogli e le filigrane indicano che le immagini più antiche giunte fino a noi risalgono agli anni Cinquanta-Sessanta del Settecento. È vero, ce ne sono pochissimi. Negli anni Novanta del Settecento esistono già più disegni. La datazione dei primi dipinti sopravvissuti alla metà del XVIII secolo non significa che i teli murali non esistessero prima di allora. Conosciuto, ad esempio, è un disegno unico del XVII secolo raffigurante un forte esercito che parte su barche per reprimere la rivolta di Stepan Razin. Ma questo è un caso eccezionale e il foglio non aveva il carattere "lubok". Di una produzione ormai consolidata di fogli disegnati a mano si può parlare solo relativamente alla seconda metà del Settecento.

Il periodo di maggiore fioritura dell'arte della stampa popolare disegnata è la fine del XVIII - il primo terzo del XIX secolo; nella metà e nella seconda metà del XIX secolo il numero delle immagini scritte a mano si ridusse notevolmente e aumentò nuovamente solo alla fine del XIX - inizio XX secolo. Le conclusioni che conseguono dall'analisi dei fogli datati sono in buon accordo con il quadro generale dello sviluppo dell'arte della stampa popolare dipinta, che si apre studiando i singoli centri di produzione.

Le informazioni contenute nelle iscrizioni sul fronte o sul retro di alcuni fogli sono di grande aiuto nello studio del lubok disegnato a mano.

Il contenuto delle iscrizioni sul retro dei quadri sono dediche, indicazioni del prezzo dei fogli, note per gli artisti. Ecco alcuni esempi di dediche o testi di regali: "Al più onesto Ivan Petrovich di Irina V. con l'inchino più umile", "Alla gentile imperatrice Fekla Ivanovna" (cat. 17), "Dai questi santi a Lev Sergeyech e Alexandra Petrovna insieme con tutto il dono» (cat. 38). Sul retro delle tre foto, il loro prezzo è scritto in corsivo: “hryvnia”, “osmi hryvnia” (cat. 62, 63, 65). Questo costo, sebbene di per sé non molto elevato, supera il prezzo al quale venivano vendute le stampe popolari stampate.

Puoi anche scoprire i nomi degli artisti che hanno lavorato ai dipinti, lo status sociale dei maestri: “... questa Cortina Mirkulia Nikina” (cat. 136), “Ivan Sobolytsikov ha scritto” (cat. 82), “ Questo uccello è stato dipinto (nella foto raffigurante Alkonost .- E.I.) nel 1845 da Alexei Ivanov, un pittore di icone e dal suo servitore Ustin Vasiliev, un pittore di icone Avsyunisky.

Ma i casi in cui viene indicato il nome dell'artista nelle immagini sono molto rari. La maggior parte dei fogli non riporta alcuna firma. Si può sapere poco sugli autori del lubok dipinto, ci sono solo pochi esempi in cui sono stati conservati alcuni dati sui maestri. Quindi, riguardo all'artista di Vologda Sofya Kalikina, i cui disegni furono portati al Museo storico nel 1928 da una spedizione storica, alcune cose furono raccontate dai residenti locali, e il resto venne alla luce poco a poco da varie fonti scritte. Sofia Kalikina viveva nel villaggio di Gavrilovskaya, distretto di Totemsky, Spasskaya volost. Fin dall'inizio

All'età, insieme al fratello maggiore Grigory, era impegnata a illustrare manoscritti, che furono copiati dal padre Ivan Afanasyevich Kalikin8. I disegni portati al Museo storico statale sono stati realizzati da Sofya Kalikina nel 1905, quando aveva circa dieci anni (cat. 66-70). A giudicare dal fatto che i suoi disegni erano appesi nelle capanne fino al 1928 e la gente ricordava chi era il loro autore e a che età li aveva creati, le opere ebbero successo tra coloro per i quali furono eseguite.

Il fatto che le famiglie contadine dei vecchi credenti, impegnate nella copiatura di manoscritti (e spesso nella pittura di icone) e nel disegno di immagini murali, attirassero i bambini a questo è noto non solo dalla storia di Sofya Kalikina, ma anche da altri casi4.

Il più sorprendente degli esempi attualmente conosciuti di combinazione delle attività di un miniaturista e di un maestro delle stampe popolari è il lavoro di I. G. Blinov (il suo dipinto “La battaglia di Kulikovo” è stato descritto sopra). È notevole che I. G. Blinov fosse quasi nostro contemporaneo; morì nel 1944.

L'attività di Ivan Gavrilovich Blinov - artista, miniaturista e calligrafo - ci permette di comprendere la tipologia dell'immagine di un artista di un tempo più lontano da noi, sebbene Blinov fosse già un uomo di diversa formazione. Pertanto, vale la pena soffermarsi su di esso in modo più dettagliato.

I fatti della biografia di I. G. Blinov possono essere estratti dai documenti attualmente conservati nel Dipartimento dei manoscritti GBL "1", nella TsGVIA URSS" e nel Dipartimento dei manoscritti dell'Istituto storico statale12. I. G. Blinov nacque nel 1872 nel villaggio di Kudashikha, distretto di Balakhna, governatorato di Nizhny Novgorod, in una famiglia di vecchi credenti che accettarono il sacerdozio. Per molto tempo visse nell'educazione del nonno, che un tempo studiò nelle celle dei monaci "in rigoroso spirito religioso". Quando il ragazzo aveva dieci anni, suo nonno iniziò a insegnargli a leggere davanti alle icone e lo introdusse al proverbio dell'antico canto russo. Dall'età di dodici anni, Blinov iniziò a disegnare da autodidatta. Di nascosto da suo padre, che non approvava l'hobby di suo figlio, spesso di notte, padroneggiava l'ortografia delle lettere, vari tipi di calligrafia e ornamenti di vecchi libri scritti a mano. Blinov aveva diciassette anni quando G. M. Pryanishnikov, noto collezionista di antichità russe, si interessò al suo lavoro. Blinov ha collaborato molto con Pryanishnikov e con un altro importante collezionista, il mercante di Balakhna P. A. Ovchinnikov, eseguendo i loro ordini.

All'età di diciannove anni, Blinov si sposò, nacquero tre figli uno dopo l'altro, ma, nonostante le crescenti faccende domestiche, non abbandonò il suo passatempo preferito, continuando a migliorare le capacità di calligrafo e miniaturista. Girando nella cerchia dei collezionisti e lavorando per loro, lo stesso Ivan Gavrilovich iniziò a collezionare libri antichi. Nel 1909, Blinov fu invitato a Mosca nella tipografia Old Believer di L. A. Malekhonov, dove lavorò come correttore di bozze di tipo slavo e come artista per sette anni. A quel tempo, la sua famiglia aveva già sei figli, sua moglie viveva per la maggior parte con loro nel villaggio. Da diverse lettere sopravvissute di Ivan Gavrilovich a sua moglie e ai suoi genitori durante il suo servizio nella tipografia, è chiaro che visitò molte biblioteche di Mosca: storica, Rumyantsev, sinodale, visitò la Galleria Tretyakov; fu riconosciuto dai bibliofili moscoviti e dagli amanti dell'antichità, gli diedero ordini privati ​​​​per la decorazione di indirizzi, fogli di vassoi e altri documenti. Nel tempo libero, I. G. Blinov scrisse in modo indipendente testi e disegnò illustrazioni per alcuni monumenti letterari, ad esempio per "La canzone del profetico Oleg" di Pushkin (1914, conservato nel Museo statale di arte moderna) e per "Il racconto della campagna di Igor" " (1912, 2 copie sono conservate in GBL).

Dal 1918 al 1919 l'artista iniziò una stretta collaborazione con il Museo storico statale. Portava e vendeva le sue opere al museo, ora gli venivano ordinate appositamente miniature per opere dell'antica letteratura russa: storie su Savva Grudtsyn "3, su Frol Skobeev14, su Grief-ill-fortune15. V. N. Shchepkin, che a quel tempo diresse il dipartimento dei manoscritti del museo, apprezzò l'arte di Blinov e acquistò volentieri il suo lavoro.

Nel novembre 1919, il Commissariato popolare per l'istruzione, su suggerimento del consiglio accademico del Museo storico, inviò I. G. Blinov nella sua terra natale, a Gorodets, dove prese parte attiva alla raccolta di antichità e alla creazione di un museo locale di tradizioni locali . I primi cinque anni di esistenza del museo - dal 1920 al 1925 - fu il suo direttore. Quindi le circostanze materiali costrinsero Blinov a trasferirsi con la sua famiglia nel villaggio. L'unico monumento originale da lui realizzato dopo il suo ritorno in patria è il saggio “La storia di Gorodets” (1937) con illustrazioni nella tradizione di un'antica miniatura.

I. G. Blinov padroneggiava quasi tutti i tipi di antica scrittura russa e molti stili artistici di ornamento e decorazione dei manoscritti. Ha eseguito appositamente alcune opere con tutte le varietà di scrittura a lui note, come se dimostrasse una vasta gamma di arte della scrittura antica.

Rendendo omaggio alle capacità calligrafiche di I. G. Blinov, bisogna tenere presente che è sempre rimasto uno stilista. Il maestro non si è battuto per una riproduzione completa e assolutamente accurata delle caratteristiche formali dell'originale, ma ha compreso artisticamente le caratteristiche principali di uno stile particolare e le ha incarnate nello spirito dell'arte della sua epoca. Nei libri disegnati da Blinov si sente sempre la mano di un artista a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Il suo lavoro è un esempio della profonda assimilazione e dello sviluppo creativo dell'antica arte del libro russo. L'artista era impegnato non solo a copiare e copiare vecchi libri, ma realizzava anche le proprie illustrazioni per monumenti letterari. È importante ricordare che Blinov non era un artista professionista, il suo lavoro rientra interamente nella corrente principale dell'arte popolare.

L'eredità di I. G. Blinov è di circa sessanta manoscritti anteriori e quattro fogli murali disegnati a mano. La più interessante - "Battaglia di Kulikovo" - dà pienamente un'idea della portata del talento dell'artista. Ma il suo lavoro si distingue, non può essere attribuito a nessuna delle scuole di arte popolare attualmente conosciute.

Come già accennato, la maggior parte dei quadri dipinti possono essere identificati con determinati centri per le loro caratteristiche artistiche. Consideriamo i principali.

Ricordiamo che il centro Vygovsky fu il fondatore dell'arte del lubok disegnato. Poiché in letteratura i libri scritti a mano provenienti dal monastero Vygo-Leksinsky sono solitamente chiamati Pomor, anche lo stile ornamentale del loro design è chiamato Pomor, e in relazione ai dipinti murali del Centro Vygovsky, è legittimo applicare questo termine . Ciò è giustificato non solo dall'origine comune delle immagini e dei manoscritti, ma anche dalla somiglianza stilistica che si osserva nel modo artistico di entrambi. Le coincidenze riguardano la scrittura stessa: il semi-ustav della Pomerania, grandi iniziali cinabro, decorate con rigogliosi gambi ornamentali e titoli realizzati in caratteri caratteristici.

Le miniature e i fogli disegnati a mano hanno molto in comune in termini di combinazione di colori. Le combinazioni preferite di brillanti toni cremisi con verde e oro sono state prese in prestito dai pittori murali da maestri dipinti a mano. Nei disegni ci sono gli stessi dei libri della Pomerania, immagini di vasi di fiori, alberi con grandi frutti rotondi che ricordano mele, ognuno dei quali è certamente dipinto in due colori diversi, uccelli che svolazzano sugli alberi, tenendo ramoscelli con piccole bacche nel becco, la volta celeste con nuvole a forma di rosette a tre petali, il sole e la luna con volti antropomorfi. Un gran numero di coincidenze e analogie dirette rende facile distinguere le immagini di questo centro dalla massa generale del lubok disegnato. Nella collezione del Museo storico sono state identificate 42 opere della scuola di Vygov. (Ricordiamo che la collezione del Museo storico statale conta 152 fogli e il numero totale di immagini identificate finora è 412.)

Nella tecnica e nella decorazione, i maestri dei libri scritti a mano e dei quadri murali hanno molto in comune. Ma è importante prestare attenzione alle novità che gli artisti della Pomerania hanno apportato al disegno. Un grande disegno murale viene percepito dallo spettatore secondo leggi diverse rispetto alle miniature dei libri. Con questo in mente, gli artisti hanno arricchito in modo significativo la tavolozza dei disegni introducendo il blu aperto, il giallo e il nero. I maestri hanno realizzato costruzioni di fogli equilibrate e finite, tenendo conto del loro scopo decorativo all'interno. La frammentazione e la frammentazione delle illustrazioni dei libri qui erano inaccettabili.

Nei fogli murali non c'è assolutamente alcuna interpretazione iconografica dei "volti", caratteristici della miniatura. I volti dei personaggi nelle immagini sono resi in uno stile prettamente popolare. Ciò vale sia per i ritratti di persone reali, ad esempio i sacerdoti di Vygov con il loro aspetto tipico, sia per l'aspetto di creature fantastiche. Quindi, nelle storie con Sirin e Alkonost, che incantano le persone con la loro bellezza e il canto ultraterreno, entrambi gli uccelli erano invariabilmente raffigurati nello spirito delle idee folcloristiche sull'ideale della bellezza femminile. Le ragazze-uccello hanno spalle piene, volti arrotondati con guance carnose, naso dritto, sopracciglia color zibellino, ecc.

Nelle immagini si può osservare la caratteristica iperbolizzazione dei singoli motivi pittorici, caratteristica della stampa popolare popolare. Uccelli, cespugli, frutti, ghirlande di fiori da motivi puramente ornamentali, come nei manoscritti, si trasformano in simboli di natura fiorita. Aumentano di dimensioni, raggiungendo talvolta un valore condizionale non plausibile, e acquisiscono un valore autonomo, e non solo decorativo.

Spesso, nella comprensione della trama stessa, prevale l'approccio folcloristico, come, ad esempio, nel dipinto “Un'anima pura e un'anima peccaminosa” (cat. 23), dove il bene e il male si contrappongono, dove la bellezza trionfa sulla bruttezza. La composizione è dominata da una fanciulla regale - un'anima pura, circondata da uno splendore festoso, e nell'angolo di una grotta buia, un'anima peccaminosa versa lacrime - una piccola figura pietosa.

Come puoi vedere, l'arte dei dipinti murali della Pomerania, nata dalle viscere della tradizione della miniatura scritta a mano, è andata per la sua strada, avendo padroneggiato l'elemento lubok e la visione poetica del mondo dei popoli primitivi.

La scuola dei disegni disegnati della Pomerania, nonostante l'unità stilistica delle opere, non era omogenea. I maestri di Vygov hanno lavorato in modi diversi, il che ci consente di distinguere diverse direzioni che differiscono l'una dall'altra. Uno di questi, rappresentato dal maggior numero di immagini, è caratterizzato da luminosità, festività, ingenua apertura popolare. In questi disegni, realizzati sempre su fondo bianco non dipinto con colori principali accesi, fiorisce magnificamente il mondo della fantastica, favolosa bellezza. Quindi, nell'immagine raffigurante il momento della tentazione di Eva in paradiso, Adamo ed Eva sono posti vicino a un albero sconosciuto con una corona rigogliosa e frutti enormi, intorno a loro ci sono cespugli completamente cosparsi di fiori, su cui svolazzano gli uccelli, sopra di loro c'è un cielo azzurro piatto con nuvole uniformi (cat. 10). La bellezza armonizzata domina anche in una trama apparentemente triste e moralistica come “La morte del giusto e del peccatore” (cat. 28), dove angeli e diavoli discutono sull’anima del defunto e in un caso vincono gli angeli, e nell’altro altri piangono, sconfitti.

La seconda varietà di fogli di Pomerania, nonostante il suo numero limitato, merita una considerazione a parte. Le immagini di questa categoria si distinguono per una gamma rosa perla sorprendentemente sofisticata. I lubok erano necessariamente di grande formato, realizzati su uno sfondo colorato: l'intero foglio era ricoperto da una vernice rosa-grigiastra, su cui veniva applicato un disegno. Qui è stato utilizzato il bianco che, in combinazione con il rosa e il grigio, produce un suono molto sottile.

I fogli più caratteristici realizzati in questa maniera artistica sono l'"Albero della Mente" (cat. 35) e l'"Uccello del Paradiso Sirin" (cat. 16). Entrambi comprendono una serie di decorazioni ornamentali comuni a tutta la scuola della Pomerania: cespugli decorativi su cui sono seduti uccelli, fiori fantastici stilizzati, mele bicolori, un firmamento con nuvole e stelle, ma si distinguono per una sottile eleganza di colore e maestria artigianale. .

Una caratteristica distintiva delle immagini della terza categoria è l'uso del motivo di una foglia d'acanto rampicante. Anche i grandi riccioli d'acanto dominano la composizione. Decorano, ad esempio, "L'albero genealogico di A. e S. Denisov" (cat. 3) e "La parabola del figliol prodigo" (cat. 13). Le foglie di acanto sono abbinate agli stessi tradizionali fiori multipetalo, mele circolari, coppe di fiori, come se fossero piene di una collina di bacche, graziose Sirine sedute sui rami.

Tutti gli artisti della Pomerania, privilegiando la colorazione locale degli oggetti e dei dettagli dell'ornamento, ricorrevano costantemente all'evidenziazione e alla sfocatura del tono principale per creare un effetto di luci e ombre, per trasmettere il gioco delle pieghe dei vestiti, per dare volume agli oggetti.

Considerando la scuola di pittura murale della Pomerania nel suo insieme, si può notare che negli ambiti discussi si trovano disegni lubok di altissimo livello di esecuzione, e disegni più semplici, il che indica l'uso diffuso dell'arte del lubok disegnato, in cui maestri di vario tipo erano impegnati nella produzione di fogli grado di prontezza.

Per quanto riguarda la datazione delle opere della Pomerania, si sa quanto segue: la maggior parte dei dipinti furono realizzati negli anni 1790-1830; negli anni Quaranta e Cinquanta dell'Ottocento la loro produzione diminuì drasticamente. Ciò è dovuto all'ondata di azioni repressive che hanno colpito i monasteri Vygovsky e Leksinsky. Nonostante la chiusura del monastero, la produzione di teli murali non si fermò. Fino all'inizio del XX secolo, i figli degli Antichi Credenti continuarono a studiare nelle scuole segrete del villaggio di Pomorie, continuò la corrispondenza di libri scritti a mano e la copia di quadri murali.

Il centro storico per la produzione di fogli disegnati a mano nel nord della Russia si trovava nel corso inferiore del Pechora ed è associato alle attività dei maestri del monastero di Velikopozhensky. La presenza in esso di una propria scuola per la produzione di immagini disegnate è stata stabilita dal noto ricercatore di libri scritti a mano russi V. I. Malyshev. Nel libro "Raccolte di manoscritti Ust-Tsilemsky dei secoli XVI-XX". ha pubblicato un disegno della comunità del Grande Pozhensky, che raffigura il monastero e i suoi due abati.

V. I. Malyshev ha notato le peculiarità della calligrafia degli scribi locali di libri Ust-Tsilma, ha sottolineato che il Pechora semi-ustav, in contrasto con il suo prototipo - il semi-ustav Pomerania, è molto più libero, meno scritto, non così ben costruito ; la semplificazione è evidente nelle iniziali e negli screensaver. Sulla base delle peculiarità della grafia e delle caratteristiche stilistiche dei disegni stessi, alla stampa popolare disegnata furono aggiunti altri 18 fogli, che Malyshev associò sicuramente alla scuola locale, per cui attualmente la scuola Pechora conta 19 fogli sopravvissuti. A quanto pare, la maggior parte delle opere dei maestri locali non è arrivata fino a noi. Il Museo Storico ha solo 2 disegni di questo centro, ma possono anche essere usati per caratterizzare l'originalità delle immagini di Pechora.

Se tracciamo l'interazione della scuola Pechora di lubok disegnato con dipinti grafici su oggetti di arte applicata, strumenti e caccia dei centri Pizhma e Pechora, che sono i più vicini ai luoghi di produzione delle immagini, si troverà che quest'ultimo e la pittura su legno, che in alcuni luoghi è arrivata fino ai nostri giorni sotto forma di cucchiai da pittura con la sua particolare calligrafia e miniatura, aveva origini comuni.

Il tema principale delle opere di Pechora a noi note sono i ritratti dei registi, insegnanti e mentori del consenso della Pomerania Vyg. Con la piena osservanza di un unico schema iconografico, le immagini differiscono da quelle disegnate nello stesso monastero di Vygovsky. Sono più monumentali, scultorei nella modellazione del volume ed decisamente avari nel sistema di colori complessivo. Alcuni ritratti sono privi di cornice e dovevano essere appesi in una fila: S. Denisov, I. Filippov, D. Vikulov, M. Petrov e P. Prokopiev (cat. 53, 54). Le immagini sono quasi monocromatiche, interamente sostenute da toni grigio-marroni. Il modo di eseguire i disegni Pechora è rigoroso e semplice.

Un ruolo attivo nella composizione è giocato dalla linea della silhouette di contorno, che, nonostante la quasi totale assenza di elementi decorativi, porta il principale carico espressivo. Non c'è luminosità, eleganza, ricchezza ornamentale della tradizione di Vygov qui, anche se si possono ancora trovare alcune caratteristiche che collegano le immagini di Pechora e Pomerania: un modo di rappresentare le corone degli alberi, l'erba sotto forma di cespugli a virgola su un ferro di cavallo- base sagomata.

Un'analisi delle stampe popolari della scuola Pechora mostra che gli artisti locali hanno sviluppato un proprio stile creativo, alquanto ascetico, privo di eleganza e raffinatezza, ma molto espressivo. Tutte le immagini sopravvissute risalgono alla seconda metà del XIX - inizio XX secolo. Non conosciamo monumenti precedenti, anche se da ciò che sappiamo delle attività degli ostelli Velikopozhensky e Ust-Tsilemsky è chiaro che furono creati prima.

Il terzo centro del lubok dipinto può essere chiamato Severodvinsk e localizzato nell'area dell'ex distretto di Shenkur - i moderni distretti di Verkhnetoemsky e Vinogradovsky. I dipinti murali di Severodvinsk furono identificati anche per analogia con libri scritti a mano e oggetti contadini di tutti i giorni dipinti.

La tradizione manoscritta di Severodvinsk iniziò a essere distinta dagli archeologi dalla fine degli anni '50 e il suo studio attivo continua ancora oggi.

Il numero di monumenti sopravvissuti di questo centro è piccolo. Il Museo Storico ha cinque fogli.

Il confronto delle immagini murali con le miniature dei manoscritti di Severodvinsk a volte rivela non solo motivi artistici comuni - immagini di un ramo di un albero in fiore con fiori a forma di tulipano o un modo particolare di colorare, ma anche prestiti diretti di trame dai manoscritti anteriori. Questa è la "Via Reale" (cat. 59), il cui significato principale è condannare le persone che si abbandonano alle gioie mondane: balli e giochi, amore carnale, ubriachezza, ecc. I peccatori sono sedotti e guidati dai demoni. Un certo numero di episodi dell'immagine, in particolare scene in cui i demoni trattano un gruppo di uomini raccolti con vino da una botte o seducono giovani ragazze con abiti, provando kokoshnik e legando il velo, sono presi in prestito da una raccolta contenente illustrazioni per la parabola evangelica su gli invitati alla festa. Secondo il testo, gli invitati si rifiutarono di venire, per questo furono puniti e trascinati “sulla via ampia e spaziosa”, dove li attendono astuti demoni. Il confronto tra l'immagine e le miniature scritte a mano mostra che, prendendo in prestito la trama, l'artista ha cambiato in modo significativo la struttura compositiva di quelle scene che gli sono servite da originali. Ha eseguito un lavoro completamente indipendente, organizzando i personaggi a modo suo, dando loro un aspetto diverso e, soprattutto, rendendoli più comuni e popolari.

La tradizione artistica dell'arte popolare di Severodvinsk non si limita alle stampe scritte a mano e popolari. Comprende anche numerose opere di pittura contadina su tavola. La pittura di Severodvinsk è attualmente una delle aree più esplorate dell'arte decorativa popolare del Nord. Numerose spedizioni del Museo Russo, del Museo storico statale, del Museo Zagorsk, dell'Istituto di ricerca sull'industria artistica nelle regioni del corso medio e superiore della Dvina settentrionale hanno permesso di raccogliere un ricco materiale sugli artisti che dipingevano filatoi e utensili domestici e di individuare diversi centri per la produzione di prodotti verniciati21. Il confronto tra i lavori più tipici delle singole scuole di pittura su filatoi e quadri murali disegnati a mano ha dimostrato che gli oggetti provenienti dalla regione del villaggio di Borok sono i più vicini alle stampe popolari in termini di modalità di esecuzione.

La base della combinazione di colori dei dipinti Boretsky è il contrasto tra uno sfondo chiaro e i colori vivaci dell'ornamento: rosso, verde, giallo, spesso oro. Il colore predominante del dipinto è il rosso. Motivi caratteristici: motivi vegetali stilizzati, sottili rami ricci con rosette di fiori aperte, lussureggianti corolle a forma di tulipano; scene di genere sono incluse nel "divenire" inferiore dei filatoi.

La ricchezza dell'ornamento, la poesia della fantasia, la completezza e la bellezza della decorazione della pittura dei prodotti Boretsky, così come il libero uso della pittura di icone e della creazione di libri da parte di maestri locali, testimoniano le alte tradizioni artistiche dell'arte popolare di Severodvinsk .

I disegni di Lubok hanno in comune con i dipinti dei lottatori uno speciale motivo di ornamenti floreali, uno schema cromatico sostenuto e armonioso, con l'uso predominante dei toni del rosso e l'uso abile di uno sfondo di carta chiara non colorata. I pittori delle pareti adoravano il motivo dei rami fioriti con grandi fiori a forma di tulipano. Così, in due immagini, gli uccelli di Sirina (cat. 57, 58) non si siedono su rigogliosi cespugli ricoperti di frutti, come avveniva sulle foglie della Pomerania, ma su steli intricati e contorti, da cui nascono foglie ornamentali stilizzate o lanceolate o arrotondate i contorni divergono in entrambe le direzioni e grandi fiori di tulipano. Il disegno stesso di enormi tulipani nelle immagini è dato esattamente con gli stessi contorni e con lo stesso taglio di petali e nuclei, come hanno fatto i maestri sui filatoi Toyom e Puchug.

Oltre alla comunanza stilistica, si possono trovare motivi separati che coincidono nei dipinti e nel dipinto su tavola. Ad esempio, un dettaglio così caratteristico come l'immagine delle finestre obbligatorie con legature accuratamente scritte nella parte superiore dei filatoi Boretsky è ripetuto sul foglio con l'immagine del Giardino dell'Eden (cat. 56), dove il muro di cinta ha le stesse finestre "selezionate". L'artista che ha realizzato quest'opera rivela un'elevata padronanza delle antiche tecniche di disegno russe e una notevole immaginazione. Gli insoliti alberi-cespugli del Giardino dell'Eden con fiori favolosi stupiscono l'immaginazione dello spettatore, mostrano la ricchezza e la diversità del mondo ideale.

Il carattere emotivo dell'ornamento e dell'intera struttura dei quadri di Severodvinsk è completamente diverso da quello di altre stampe popolari. La combinazione di colori delle lastre Severodvinsk si distingue per la raffinatezza di poche combinazioni accuratamente selezionate, che tuttavia creano un senso del multicolore e della bellezza del mondo.

Il manoscritto di Severodvinsk e la scuola di stampa popolare sono cresciuti non solo sulle tradizioni dell'antica arte russa, ma sono stati fortemente influenzati da grandi centri di artigianato artistico come Veliky Ustyug, Solvychegodsk, Kholmogory. L'arte brillante e colorata degli smaltatori, i metodi decorativi di dipingere cassapanche-teremki e poggiatesta con caratteristici sfondi chiari, motivi di fiori a forma di tulipano, steli ricurvi e motivi hanno ispirato artisti locali alla ricerca di una speciale espressività del motivo vegetale. La combinazione di queste influenze spiega l'originalità delle opere del centro d'arte Severodvinsk, l'unicità della loro struttura figurativa e cromatica.

La datazione dei dipinti di Severodvinsk testimonia un periodo piuttosto lungo della loro produzione ed esistenza. I primi fogli sopravvissuti furono eseguiti negli anni venti dell'Ottocento, gli ultimi risalgono all'inizio del XX secolo.

Il centro successivo del lubok scritto a mano è noto dal luogo esatto in cui furono realizzati i teli murali. Questo è un gruppo di opere di Vologda associate agli ex distretti Kadnikovsky e Totemsky della regione di Vologda. Dei 35 quadri attualmente conosciuti, 15 sono conservati nel Museo Storico.

Nonostante la sufficiente vicinanza territoriale, i fogli di Vologda differiscono significativamente da quelli di Severodvinsk. Differiscono nel modo stilistico, nella tavolozza dei colori, nell'assenza di ornamenti modellati nei dipinti di Vologda e nella predilezione dei maestri per composizioni di genere con una trama narrativa dettagliata.

È interessante confrontare i lubok di Vologda con altri tipi di arte popolare. La pittura su legno era abbastanza diffusa nell'oblast di Vologda. Di particolare interesse per noi è l'arte della pittura domestica del XIX secolo, caratterizzata dall'assenza di scrittura meschina e dal laconicismo del sistema di colori - caratteristiche che sono ancora caratteristiche dell'antica tradizione di Vologda. Leoni, uccelli, grifoni, trovati nei disegni su scatole di rafia, si sono trasformati in dipinti di singoli dettagli dell'interno di una capanna contadina. I fogli murali sono legati alla pittura su legno dalla notevole inclinazione degli artisti verso il genere delle immagini, così come dal laconismo dei contorni grafici, dalla loro espressività.

Confrontando le stampe popolari di Vologda con i manoscritti facciali, è possibile identificare una serie di caratteristiche stilistiche comuni nel lavoro degli artisti. Secondo loro, a proposito, un certo gruppo di collezioni di volti del XIX secolo può essere attribuito alla scuola di manoscritti di Vologda, che fino a poco tempo fa non era distinta dai ricercatori come centro indipendente. I metodi caratteristici di disegno sia nelle miniature che nelle immagini includono modi per colorare lo sfondo con uno strato di vernice trasparente, dipingere il terreno e le colline in un tono marrone chiaro uniforme con le curve scritte lungo tutte le linee con un'ampia striscia di colore più scuro colore, immagini di pavimenti in interni sotto forma di lastre rettangolari o lunghe assi con il tratto obbligatorio del contorno in un colore più scuro, tingendo con toni grigio chiaro di capelli e barbe negli uomini in composizioni a più soggetti. Infine, i quadri e le miniature di lubok hanno in comune l'uso delle stesse combinazioni di colori, apparentemente preferite dagli artisti, dove predominano i toni del giallo, del marrone e del rosso-arancio brillante.

Ma nonostante tutta la vicinanza artistica di entrambi i tipi di monumenti pittorici di Vologda, non troveremo in essi trame che sarebbero direttamente prese in prestito o trasferite dai manoscritti alle immagini e viceversa.

Tutti i fogli Vologda sono caratterizzati da una narrazione dettagliata. Queste sono illustrazioni di parabole, leggende del Grande Specchio, articoli del Prologo, Paterik. Raro per argomento, il disegno satirico “Oh ho ho, il contadino russo è pesante ...”, di cui abbiamo già parlato, è anche uno dei monumenti di Vologda.

Gli artisti di Vologda hanno chiaramente cercato di dare ai disegni non tanto un significato istruttivo e istruttivo quanto di renderli divertenti, di vestirli sotto forma di una storia affascinante. Di norma, tutte le composizioni sono multi-figurate, sature di azione. È interessante notare che in alcune immagini che illustrano leggende e parabole sulla tentazione dei giusti, sulla punizione dopo la morte per i peccati, i mostri che inseguono una persona sono raffigurati non come spaventosi, ma come gentili. Lupi, draghi dalla bocca infuocata, leoni, serpenti, sebbene circondino la grotta di Sant'Antonio o, per esempio, spingano l '"uomo malvagio" in un lago in fiamme, non sembrano creature di forze infernali, ma hanno una specie di di carattere giocattolo. Molto probabilmente, questa trasformazione involontaria deriva dal profondo legame dei maestri con le tradizioni secolari dell'arte popolare, che si è sempre contraddistinta per la gentilezza e la gioiosa percezione del mondo.

Un'altra manifestazione della natura narrativa e divertente delle opere di Vologda è l'abbondanza di testo incluso nella composizione. Inoltre, la parte del testo qui è completamente diversa rispetto alle immagini della scuola della Pomerania. La cosa principale nei fogli Vologda non è la bellezza decorativa del carattere e delle iniziali, ma il carico informativo. Pertanto, nell'immagine "Perché è vano che il demone sia colpevole di noi" (cat. 69), la trama della parabola del "Grande Specchio" è esposta in una lunga iscrizione sotto l'immagine. Nella composizione sono incluse anche spiegazioni testuali: il dialogo dei personaggi, come è consuetudine nelle stampe popolari, è trasmesso con mezzi puramente grafici - le dichiarazioni di ciascuno sono scritte su lunghe strisce disegnate sulla bocca. Le due parti dell'immagine corrispondono a due momenti chiave della storia, il cui significato è che il demone smaschera il contadino che ruba le rape nel giardino del vecchio mentendo e nel tentativo di scaricare la sua colpa su di lui, un demone innocente .

La maggior parte delle opere del centro locale, come testimoniano le filigrane della carta e tutte le informazioni raccolte dagli studiosi, appartengono alla fine del XIX – inizio del XX secolo. Le copie precedenti non sono sopravvissute o, molto probabilmente, non esistevano affatto. È del tutto possibile che il centro dei fogli dipinti di Vologda abbia preso forma solo alla fine del XIX secolo in connessione con lo sviluppo della scuola manoscritta locale qui. Al fiorire dell'arte delle stampe popolari dipinte qui ha contribuito anche un notevole risveglio dell'arte della pittura su legno, che si esprimeva nella realizzazione di composizioni raffiguranti animali fantastici all'interno delle capanne contadine.

Il centro Uslitsky, come altri, è strettamente connesso alla tradizione del libro locale. Fino a poco tempo fa, i ricercatori non avevano un'opinione precisa sulle peculiarità dello stile dei manoscritti Guslitsky. Attualmente sono apparsi alcuni articoli in cui gli autori ne identificano i tratti caratteristici. Notiamo quelli che sono anche caratteristici del modo di decorare i fogli da parete. La grafia dei migliori manoscritti Guslitsky è caratterizzata da proporzionalità, bellezza e un certo allungamento delle lettere. Si differenzia dal semi-ustav della Pomerania per una pendenza leggermente evidente delle lettere e per il loro maggiore spessore.

Centro Guslitsky

Illustrazioni dell'insegnamento di Giovanni Crisostomo sul segno della croce

Metà del XIX secolo

Illustrazioni sull'insegnamento di Giovanni Crisostomo sul segno della croce. Metà del XIX secolo. Artista sconosciuto

Inchiostro, tempera, oro. 58x48,7

Le iniziali erano eseguite in maniera elegante e colorata, ma anche diversa dal Pomerania. Non hanno lunghi rami ornamentali - germogli, a volte striscianti lungo l'intero campo di carta, ma solo un gambo rigoglioso - un fiore di loach, situato accanto e a filo con l'iniziale stessa. La parte interna delle lettere, sempre voluminosa e larga, era decorata con riccioli dorati o colorati dell'ornamento. Spesso le gambe delle grandi iniziali sono decorate con strisce ornamentali multicolori alternate.

La caratteristica distintiva più caratteristica dell'ornamento Guslitsky è l'ombreggiatura colorata, che è stata ampiamente utilizzata dagli artisti per modellare i volumi o quando si colorano elementi di gioielleria. Il tratteggio è stato eseguito nello stesso colore del tono principale della colorazione. Era sovrapposto allo sfondo bianco della carta, come se incorniciasse la colorazione principale, o sopra il tono principale con un colore più scuro. Nei copricapi e nelle iniziali dei monumenti della scuola Guslitsky venivano spesso usati i colori blu e blu brillanti. Colori blu così radiosi combinati con abbondanti dorature non si trovano in nessuna delle scuole di manoscritti dei secoli XVIII-XIX.

Il Museo Storico ha 13 immagini dello stile Guslitsky. Il confronto di questi disegni con le immagini della Pomerania (per analogia con il confronto universalmente accettato tra gli ornamenti dei manoscritti della Pomerania e di Guslitsky) ci consente di sentire più profondamente la loro originalità. Spesso in entrambi le parti testuali e pittoriche sono combinate in egual proporzione: poesie, canti, illustrazioni per opere letterarie. Un confronto tra loro mostra che i maestri Guslitsky conoscevano bene le immagini della Pomerania. Ma la soluzione artistica dei dipinti di Guslitsky è completamente indipendente. Ciò riguarda la disposizione del testo, la combinazione delle dimensioni dei caratteri con la dimensione delle iniziali maiuscole, l'originalità delle cornici decorative dei fogli nel loro insieme. Qui, come al contrario, c'è il desiderio di non ripetere in nulla le stampe popolari di Vygov. Non esiste un solo caso di utilizzo di una cornice ovale fatta di fiori o frutti, non ci sono vasi di fiori, cestini, così tipici per incorniciare testi su fogli di Pomerania. I titoli dei fogli non sono scritti in legatura, ma in grande semicharter con cinabro brillante. Le iniziali risaltano in misura particolarmente ampia, occupando talvolta quasi un terzo del foglio. Si ritiene che la decorazione delle iniziali fosse la preoccupazione principale degli artisti: sono così varie e meravigliosamente colorate, decorate con fiori e foglie intricati e ricci, che brillano con un motivo dorato. Attirano principalmente l'attenzione dello spettatore e sono i principali elementi decorativi della maggior parte delle composizioni.

I risultati a cui ha portato l'abilità individuale dei decoratori di quadri possono essere giudicati da due disegni sul tema dell'insegnamento di Giovanni Crisostomo sul segno corretto della croce (cat. 75, 76). Sembrerebbe che la trama sia la stessa, i segni sono simili, ma i fogli sono completamente diversi a causa della diversa comprensione del colore e degli ornamenti.

Nelle immagini di Guslitsky, gli episodi della trama si trovano in francobolli separati posizionati negli angoli o in strisce orizzontali nelle parti superiore e inferiore del foglio. L'inquadratura della composizione centrale con francobolli ci fa ricordare le tradizioni della pittura di icone, il collegamento con il quale nelle opere di Guslitsky è abbastanza tangibile nella modellazione degli abiti dei personaggi, nella raffigurazione di strutture architettoniche, nel disegno di alberi con una corona condizionale a forma di fungo disposta su più livelli.

I maestri dei dipinti murali Guslitsky, come tutti gli altri, hanno lavorato con la tempera liquida, ma i loro colori sono più densi e saturi.

Nelle trame si osserva la stessa regolarità delle caratteristiche artistiche dell'opera dei maestri di questa scuola: prendendo in prestito le tecniche e le tendenze generali delle opere di altri centri, hanno cercato di creare le proprie versioni, diverse dalle altre. Tra i fogli dipinti si trovano scene ritrovate in altri luoghi in cui furono realizzati i quadri: “Farmacia spirituale” (cat. 81) o “Guarda con diligenza, uomo deperibile...” (cat. 83), ma la loro soluzione artistica è peculiare . Sono presenti anche immagini del tutto originali: un foglio che illustra la leggenda apocrifa sulla punizione di Caino per l'uccisione del fratello (cat. 78), illustrazioni per la “Lapide Stichera”, che mostra episodi della venuta di Giuseppe e Nicodemo a Pilato. e la deposizione del corpo di Cristo dalla croce (cat. 84) .

Il periodo di tempo per la creazione dei quadri murali Guslitsky non è molto ampio. La maggior parte di essi può essere attribuita alla seconda metà - fine del XIX secolo. Una filigrana su un foglio riporta la data 1828, che è probabilmente l'esempio più antico.

Mosca è l'unico centro locale al quale è collegata l'origine e la distribuzione del lubok disegnato a mano. In relazione alle foto realizzate a Mosca, il concetto di scuola non può essere applicato. L'insieme di questi fogli è talmente eterogeneo dal punto di vista artistico e stilistico che è impossibile parlare di un'unica scuola. Tra i quadri di Mosca ci sono campioni originali che non abbiamo visto altrove, dove i fogli sono combinati in piccole serie, come ha fatto, ad esempio, l'artista che ha illustrato le leggende del libro biblico Ester. Collocò gli episodi principali del racconto biblico in due quadri, uno dopo l'altro sia nel significato che nel testo situato nella loro parte inferiore (cat. 90, 91). Lo spettatore racconta una storia sulla scelta di Ester come moglie del re persiano Artaserse, sulla sua lealtà e modestia, sul tradimento del cortigiano Haman e sull'impavidità di Mardocheo, sulla punizione di Haman, ecc. inquadratura di completamenti architettonici conferiscono alle composizioni un bizzarro intreccio tra le antiche tradizioni russe e l'arte dei tempi moderni.

Considerando lo stile e i metodi artistici dei centri locali di dipinti disegnati a noi noti, si può notare che ciascuno di essi, sebbene avesse le sue caratteristiche distintive, si è sviluppato in un unico canale generale dell'arte popolare. Non esistevano isolatamente, ma erano costantemente consapevoli delle conquiste disponibili nelle scuole vicine e anche lontane, accettandone o rifiutandone alcune, prendendo in prestito temi o cercando trame originali, i propri modi di espressione.

la stampa popolare dipinta è una pagina speciale nella storia dell'arte popolare. Nacque a metà del XVIII secolo e usò la forma del lubok stampato, che a quel tempo aveva un tema ampiamente sviluppato e veniva prodotto in gran numero. La natura secondaria della stampa popolare disegnata rispetto alle immagini incise è indubbia. Gli artisti hanno utilizzato alcuni soggetti istruttivi, spirituali e morali delle immagini incise. Ma l’imitazione e il prestito riguardano soprattutto il lato contenutistico.

In termini di metodi artistici e stile, il lubok dipinto ha mostrato originalità fin dall'inizio e ha iniziato a svilupparsi in modo indipendente. Basandosi sull'alta cultura dell'antica pittura russa, e in particolare sulla tradizione dei libri scritti a mano, preservata con cura tra la popolazione dei vecchi credenti, gli artisti hanno fuso la forma finita delle immagini stampate in una qualità diversa. È stata la sintesi delle antiche tradizioni russe e della stampa popolare popolare che ha portato alla comparsa di opere di una nuova forma artistica. La componente antico-russa nel lubok dipinto sembra essere forse la più forte. Non sembra un prestito stilizzato o meccanico. Ostili alle innovazioni, gli artisti del Vecchio Credente si affidavano a immagini familiari, amate da tempo immemorabile, costruivano le loro opere sul principio dell'espressione visiva illustrativa di idee e concetti astratti. Riscaldata dall'ispirazione popolare, l'antica tradizione russa, anche in tempi successivi, non si è isolata in un mondo convenzionale. Nelle sue opere, ha incarnato il mondo luminoso dell'umanità per il pubblico, ha parlato loro nel linguaggio sublime dell'arte.

Dall'arte delle icone, il lubok dipinto ha assorbito spiritualità e cultura raffinata. Dalla miniatura del libro è arrivata una combinazione organica di testo e parti pittoriche, modi di scrivere e decorare le iniziali, accuratezza nel disegnare e colorare figure e oggetti.

Allo stesso tempo, i fogli disegnati si basavano sullo stesso sistema pittorico delle stampe popolari. Si basava sulla comprensione del piano come spazio bidimensionale, evidenziando i personaggi principali mediante ingrandimento, posizionamento frontale delle figure, riempimento decorativo dello sfondo, in un modo modellato e ornamentale di costruzione dell'insieme. Il lubok disegnato a mano si inserisce pienamente in un sistema estetico integrale basato sui principi dell'arte primitiva. Gli artisti lubok dipinti, così come i maestri di altri tipi di arte popolare, si distinguono per il loro rifiuto della plausibilità naturalistica, il desiderio di esprimere non la forma esterna degli oggetti, ma la loro essenza interiore, l'ingenuità e la natura idilliaca del modo figurativo pensiero.

L'arte del lubok disegnato a mano occupa un posto speciale nel sistema dell'arte popolare nella sua posizione intermedia tra l'arte urbana e quella contadina. Sviluppandosi tra gli artisti contadini o nei dormitori dei Vecchi Credenti, dove anche la stragrande maggioranza della popolazione era di origine contadina, il lubok dipinto è il più vicino all'arte artigianale urbana dell'insediamento. Essendo un'arte da cavalletto, in una certa misura l'arte dell'illustrazione, e non la decorazione delle cose necessarie nella vita di tutti i giorni, che era la stragrande maggioranza dell'arte contadina, la stampa popolare disegnata dipende maggiormente dall'arte urbana e professionale. Da qui il suo desiderio di "immagine", una notevole influenza delle tecniche barocche e rocaille nelle costruzioni compositive.

L'ambiente contadino ha aggiunto un altro strato alla natura artistica del lubok dipinto: tradizione folcloristica, immagini poetiche folcloristiche che hanno sempre vissuto nella coscienza collettiva delle persone. Un amore speciale per il motivo dell'albero della vita, l'albero della saggezza con consigli e istruzioni utili, per un albero fiorito e fruttuoso - simbolo della bellezza della natura, proviene dagli artisti della stampa popolare tratta da un antico folklore rappresentazione, costantemente incarnata negli oggetti d'arte applicata. I motivi di grandi fiori, boccioli con il potere di crescita e fioritura in essi contenuti riflettono la visione del mondo poetica popolare. Godimento della bellezza del mondo, visione gioiosa del mondo, ottimismo, generalizzazione folcloristica: queste sono le caratteristiche assorbite dalla stampa popolare dipinta dell'arte contadina. Ciò si avverte nell'intera struttura figurativa e cromatica dei quadri murali disegnati a mano.

La storia del lubok disegnato a mano ha poco più di 100 anni. La scomparsa dell'arte delle immagini disegnate all'inizio del XX secolo è spiegata da quelle ragioni generali che hanno influenzato il cambiamento di tutte le stampe popolari.

La cromolitografia e l'oleografia, che si diffusero in enormi tirature di massa, concentrate nelle mani di editori come I. D. Sytin, T. M. Solovyov, I. A. Morozov e altri, cambiarono completamente l'aspetto della stampa popolare cittadina, trasformandola in graziose immagini “per il gente". Tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, la tipografia di Mosca Old Believer di G.K. Gorbunov lanciò un'attiva attività editoriale, dove venivano stampate in grandi quantità stampe popolari di contenuto religioso. Il lubok disegnato è stato probabilmente semplicemente soppiantato da questo predominio di immagini economiche. Non direttamente connesso con la vita quotidiana, con la produzione di stoviglie, filatoi, giocattoli, l'artigianato contadino nel campo delle stampe popolari dipinte, quasi del tutto sconosciuto a intenditori e mecenati e quindi non supportato, come avveniva per alcuni altri tipi di arte popolare, scomparsa senza lasciare traccia.

Le ragioni dell'obsolescenza dell'arte delle stampe popolari nella pratica dell'inizio del XX secolo sono sia private che generali. Il costante sviluppo delle forme di convivenza umana, i cambiamenti nella psicologia e nello stile di vita associati al processo di urbanizzazione, le crescenti contraddizioni nello sviluppo socio-sociale e molti altri fattori a cavallo tra il XIX e il XX secolo portarono alla trasformazione dell’intero sistema della cultura popolare e l’inevitabile perdita di alcuni tipi tradizionali di arte popolare.

La conoscenza delle stampe popolari dipinte ha lo scopo di colmare il divario esistente nello studio dell'arte popolare dei secoli XVIII-XIX. La questione delle modalità di ulteriore sviluppo delle arti e dei mestieri popolari, così attuale oggi, richiede una nuova ricerca approfondita, la ricerca di tradizioni veramente popolari e la loro introduzione nella pratica artistica. Lo studio di monumenti di arte popolare poco conosciuti può aiutare a risolvere questi problemi.