La maggior parte dei musei di Mosca sono chiusi il lunedì, ma ciò non significa che il pubblico non abbia l'opportunità di sperimentare la bellezza. Soprattutto per il primo giorno lavorativo della settimana, la redazione della pubblicazione online ha lanciato una nuova sezione “10 Unknowns”, in cui vi presentiamo dieci opere d'arte mondiale, unite da un tema. Stampa la nostra guida e sentiti libero di portarla al museo a partire da martedì.
La mostra dell'artista Leonid Sokov “Incontri indimenticabili” è stata inaugurata presso la Galleria Tretyakov a Krymsky Val. Secondo il curatore e autore, nella mostra permanente dell'arte sovietica erano sparse 46 opere di Sokov. Grazie a questa decisione, il significato di entrambi è cambiato.
Leonid Sokov "L'orso vitruviano", 2016
“Incontri indimenticabili” è una mostra-escursione che Leonid Sokov conduce per i visitatori della Galleria Tretyakov. Attraverso i suoi oggetti, costruisce dialoghi con le opere più significative dell'arte sovietica, dalle avanguardie all'arte sociale, nonché con immagini di classici mondiali.
Sokov iniziò a lavorare come artista e scultore di animali sotto la guida degli insegnanti della Scuola d'arte secondaria di Mosca Vasily Vatagin e Dmitry Tsaplin, nonché sotto l'influenza della scultura modernista europea dell'inizio del XX secolo. Questi disegni e sculture animaleschi si trasformarono presto in segni simbolici. L’opera “Vitruvian Bear”, sebbene completata nel 2016, si riferisce proprio a quello stile iniziale delle opere dell’artista. Da un lato si tratta di un'allusione all'“Uomo Vitruviano” di Leonardo da Vinci, forse il disegno più famoso del Rinascimento italiano, dall'altro l'orso, qualunque cosa si possa dire, è uno dei simboli più popolari della Russia. , il suo elemento popolare. E nell’opera di Sokov l’orso diventa un personaggio importante.
Leonid Sokov "Corvo a due teste a Letatlin", 2013
Alla mostra si possono trovare commenti dell'autore stesso, che spesso mancano nelle mostre d'arte contemporanea. A proposito di Letatlina Sokov afferma che questo disegno è un esempio illustrativo della rivoluzione del 1917. "L'idea è molto russa: l'uomo nasce per la felicità, come un uccello nasce per il volo." Il rappresentante dell'avanguardia, Vladimir Tatlin, e i suoi progetti sono diventati il frutto della rivoluzione, nel senso che era la rivoluzione, come sembrava, che avrebbe reso l'uomo libero e gli avrebbe aperto la strada non solo nello spazio, ma anche alla prosperità generale. Tatlin lavorò al progetto di un aereo per il dipartimento militare, azionato dalla forza muscolare umana. Ma non è mai stato possibile farla volare, così come non è stato possibile realizzare le idee di una nuova società. E il corvo a due teste funge da parodia dell'aquila, sminuendo le ambizioni imperiali del simbolo della nuova Russia.
Leonid Sokov "Camicia", 1973
Leonid Sokov "Camicia", 1973
Sokov si rivolge non solo alle immagini visive, ma anche al linguaggio. Nel folklore russo c'è un detto "cucire una camicia di legno", cioè mettere insieme una bara. Allo stesso tempo, quest'opera contiene un riferimento all'arte mondiale, in particolare alla pop art, in cui oggetti di uso quotidiano realizzati con varie tecniche e materiali venivano immortalati in oggetti d'arte.
Leonid Sokov "Occhiali per ogni uomo sovietico", 2000
L'opera "Occhiali per ogni persona sovietica" è stata completata nel 2000, ma esce dal contesto moderno. È direttamente correlato alle idee dell'arte sociale degli anni '70. Nella lingua russa esiste l'espressione "guardare il mondo attraverso occhiali rosa", cioè lasciarsi ingannare, non notare i difetti. Questi “occhiali” furono imposti al popolo sovietico attraverso le idee e la propaganda. Il simbolo dell’epoca sono le stelle rosse scolpite nei bicchieri di legno di Sokov.
Leonid Sokov "Dyr Bul Shchyl" Kruchenykh", 2005
La poesia “astrusa” “Dyr bul schyl” di Alexei Kruchenykh, scritta nel 1912, divenne, insieme al “Quadrato nero” di Kazimir Malevich, uno dei simboli più importanti dell’avanguardia russa. Secondo l’autore, in lui c’era “più nazionalità russa che in tutta la poesia di Puskin”. Sokov inserisce la poesia nel contesto degli anni '60 e '70, quando gli artisti concettuali tornarono nuovamente ai testi come mezzo di espressione visiva. "Non posso, come i concettualisti, scrivere qualcosa su una macchina da scrivere", spiega l'autore, "volevo registrare la mia ammirazione per la brillante poesia dei Kruchenykh nello spazio".
Leonid Sokov "HERE", 2016, ripetizione dell'opera del 1978
“QUI” serve essenzialmente anche come riferimento alla letteratura russa. Sokov lo prese dal suo contemporaneo, il poeta Vsevolod Nekrasov. Secondo l'artista questa parola ha coperto la situazione degli anni '70 e '80 ed è diventata la sua caratteristica essenziale, perché diciamo “qui” quando non c'è altro da dire. E in quel momento non c’era davvero più niente da dire: l’era dell’URSS stava per finire.
Leonid Sokov "Incontro di due sculture", 1994
Una delle opere più interessanti e sottili dell'artista è un gioco di significati. In primo luogo, la scultura di Lenin, riprodotta milioni di volte, divenne per la cultura dell’Europa occidentale lo stesso simbolo dell’era sovietica del “Walking Man” di Anthony Gomrley. In secondo luogo, questo non è solo un “Incontro di due sculture” di realtà parallele, ma anche un incontro di due visioni del mondo che non si intersecano nello spazio.
Leonid Sokov "Angolo di visione", 1976
La composizione astratta “Angolo di vista” si riferisce ancora alle opere di Kazimir Malevich o Alexander Rodchenko. È composto da elementi suprematisti ed è completato da un'iscrizione che potrebbe diventare il nome di qualche associazione creativa degli anni '20. D'altra parte, il materiale stesso (il legno) dà luogo ad un'associazione con l'arte primitiva.
Leonid Sokov "Stalin e Monroe", 2008
Le immagini di Stalin e Monroe furono replicate in URSS e negli Stati Uniti con approssimativamente lo stesso zelo. Questi simboli culturali dell'epoca, sostanzialmente opposti, alla fine si trasformarono in segni ripetuti all'infinito e privi di significato. Pertanto, per Sokov, combinare questi segni nello spazio di un'immagine è stata una mossa del tutto logica. Secondo l'artista, tra 300 anni, quando il mondo avrà dimenticato il reale contesto storico, tutti crederanno alle sue opere e penseranno che un simile incontro sia realmente avvenuto nella storia, proprio come crediamo a tutto ciò che è raffigurato nei dipinti rinascimentali.
Leonid Sokov "Dove è finita l'aggressività dell'avanguardia russa?", 2002
Le opere di Kazimir Malevich servono ancora come inesauribile fonte di ispirazione per Sokov. Li ripensa, cercando di usare il loro esempio per comprendere l'evoluzione dell'avanguardia russa. "Fu negli anni '30 che Stalin iniziò a costruire la macchina militare sovietica. Le migliori menti e talenti dell'Unione Sovietica furono gettati in essa", dice Sokov. "Guarda il design a forma di falco predatore degli aerei militari sovietici degli anni '30 con con il naso all'insù e lunghe code. telai, come le zampe di uccelli rapaci. O torrette di carri armati, il cui design include un quadrato, un triangolo e un diamante. Sokov afferma che l'aggressività dell'avanguardia russa era incarnata nell'equipaggiamento militare e crea un oggetto che ha la forma di una teiera di porcellana nello spirito delle opere di Malevich o Rodchenko e un carro armato con torretta e botte.
Lo scultore Leonid Sokov (dico uno scultore, anche se quello che fa da ben quattro decenni non è più probabilmente sculture, ma oggetti nella cui creazione vengono utilizzati momenti plastici scultorei) appartiene alla terza generazione di maestri dell'arte russa non ufficiale . Non importa che una volta fosse membro dell'Unione degli artisti. Non importa, nel senso che l’arte non ufficiale è stata creata principalmente da artisti anticonformisti che non facevano parte di alcun sindacato “creativo”. Ma nelle file dei membri dell'Unione ufficiale degli artisti c'erano sia pittori che scultori che, pur guadagnandosi da vivere in questa Unione, allo stesso tempo lavoravano per se stessi, “per la tavola”, come dicono gli scrittori, dipingevano quadri e realizzò sculture che, salvo rare eccezioni, non furono mai incluse nelle mostre ufficiali. Questa parte della creatività dei membri dell'Unione degli artisti dell'URSS, cioè la loro libera creatività, non associata ai principi del realismo socialista, nel pieno senso della parola si riferisce all'arte russa non ufficiale.
Sokov si diplomò alla Scuola d'arte secondaria di Mosca nel 1961 e alla Scuola superiore d'arte e industriale di Mosca nel 1969. Fin dal secondo anno di scuola, nel suo laboratorio seminterrato, risolve problemi formali classici, fondendo le sue sculture in piombo. Fu poi attratto dalle opere di Brancusi e Giacometti. Le opere di Sokov di quel periodo, sia nell'esecuzione che nel contenuto, ricordano il lavoro di questi famosi maestri. Successivamente, ma ancora da studente, si interessò a Picasso, Marino Marini e ad altri classici dell'arte moderna. A quel tempo, come adesso, Sokov era molto interessato al materiale con cui lavorava, alla qualità di questo materiale, alla sua lavorazione.
“La fonderia artistica”, dice Sokov, “si trova in uno stato deplorevole in Russia. L'artista non partecipa direttamente al casting delle sue opere. E volevo farlo io stesso. Ho scolpito figure in cera e ho fuso piccole figure in piombo. Quindi ho portato avanti tutto il lavoro, l’intero processo artistico, da solo fino alla fine”.
Nello stesso periodo e per lo stesso scopo costruì una fucina vicino a Mosca, dove forgiò sculture in metallo. Alla periferia di Mosca c'erano molti pezzi di ferro mezzo arrugginiti, Sokov li raccolse e li usò nel suo lavoro, creando sculture astratte, per così dire, composizioni nello spazio. Questo processo lo affascinava moltissimo. Dopotutto, il metallo rosso rovente è come la plastilina. Può essere dato qualsiasi forma utilizzando un martello.
Ma Sokov considera tutto questo tempo un periodo di apprendistato, e fa risalire ai primi anni '70 la propria creatività originale. Nella forma, ciò che fece allora lo scultore era pop art, ma non era pop art americana trasferita meccanicamente in terra russa, che era familiare a Sokov e aveva una certa influenza su di lui, ma pop art, che aveva le sue radici nell'arte popolare russa creatività che ha sempre attratto Sokov con la sua originalità, anticonformismo e luminosità. “Ad esempio, i giocattoli per bambini russi”, dice, “o le fiabe hanno attraversato i secoli e continuano ad affascinare le persone, mentre molti movimenti e scuole d’arte sono caduti nell’oblio. Come possiamo spiegarlo? Dicono che le fiabe abbiano una forte morale, ed è per questo che vengono lette ai bambini. Ma in molte fiabe non c'è moralità. Hanno semplicemente alcune motivazioni che influenzano i sentimenti del popolo russo. E in generale, la pop art russa, e le sue fondamenta furono gettate negli anni '60 da Mikhail Roginsky, Ilya Kabakov, Oscar Rabin, non è formale come quella americana. Gli americani prendono, ad esempio, un barattolo di latta e lo rendono enorme, influenzando lo spettatore solo con le sue dimensioni. La pop art russa contiene molte idee diverse: sociali, filosofiche, sarcasmo e ironia, cioè nella pop art russa, nei suoi migliori esempi, c'è sempre un contenuto significativo, come nella serie di disegni di Kabakov, come nel dipinto “ Passaporto” di Rabin, per esempio.
Leonid Sokov ha creato la pop art popolare all'inizio e alla metà degli anni '70. “Le sue opere”, come ha osservato lo scultore Igor Shelkovsky, “sono simili a opere d'arte popolare. La stessa brillantezza dell'immaginazione, la stessa luminosità, sorpresa e arguta costruttività nella costruzione di una cosa si possono trovare in un giocattolo da contadino, in un'attrazione da luna park.
Ecco le opere caratteristiche di Sokov di quel periodo. Uno di questi si chiama "Palla con un ago". Sokov prese un pezzo di legno, imitando una palla, lo avvolse in delle corde e infilò nella palla un ago forgiato di un metro e mezzo. Il risultato è stato un'enorme palla con un enorme ago. Tuttavia non è solo una questione di dimensioni. C'è un pensiero qui. Dopotutto, sia la palla che l'ago sono concetti folcloristici. In quante fiabe russe sono presenti! Ricorda, la palla rotola e si srotola, mostrando la strada all'eroe. E ricordate la bellissima principessa che, dopo essersi punto con un ago, come aveva predetto la malvagia maga, si trasformò nella “Bella Addormentata”. Sulla stessa base popolare, Sokov ha creato un'altra opera: "Cuore", abbattuta grossolanamente, come una recinzione, da doghe dipinte di rosso e trafitta da una freccia di plastica di un segnale di attraversamento stradale, come si trovano ovunque a Mosca. Accoglienza pop-art? Certamente. Ma tipico della pop art russa.
Il cuore trafitto da una freccia è un tema eterno. Questo è il cuore dei vecchi album intimi con poesie. E sul muro delle baracche vicino a Mosca degli anni '40 e '50. E sui banchi di scuola, e anche con i nomi, devi stuzzicare la tua amica (fidanzata) innamorata.
Nello stesso periodo, forse un po’ più tardi, Sokov creò la serie “Hands”. I polsi di queste mani erano realizzati a forma di cardini delle porte, cioè in questo modo si esprimeva l'idea di movimento. E a proposito, anche la mano è un simbolo, non folcloristico, ma comunque significativo. Ricordiamo gli affreschi rupestri di Altamira in Spagna. Lì sono raffigurati bisonti e su di essi, come segni magici, ci sono le impronte delle mani dei cacciatori. A quanto pare, hanno disegnato bisonti e, invocando fortuna, hanno impresso le loro mani su di loro, cioè come se si fossero impossessati in anticipo degli animali. E nell'arte medievale ci sono mani benedicenti. E nella vita: mani tese in preghiera, nella disperazione, mani alzate in rabbia, mani che chiedono l'elemosina e mani tese in avanti, chiamando Dio sa dove.
E Leonid Sokov ha un'opera intitolata "Elettori". Tante mani alzate. Ma questa è già la seconda metà degli anni '70, quando Sokov arrivò ad argomenti sociali. “Non perché io sia una specie di oppositore, dissidente”, dice. — Ma in Russia chi può aggirare le motivazioni sociali? Non importa quanto un artista voglia nascondersi nel suo seminterrato e fare arte pura, se è un creatore onesto, non può sfuggire ai temi sociali. Ero persino disgustato nel farlo, ma non potevo evitarlo. Era come se stessi vomitando ciò che tutti sentivano ogni giorno, ciò che ci circondava”.
A quel punto Sokov aveva finalmente trovato se stesso, la sua lingua. Ma i suoi lavori su temi sociali lo hanno arricchito. Nella serie sociale, c'era una sintesi della pop art con l'arte dell'arte sociale, creata dai coetanei di Sokov Vitaly Komar e Alexander Melamid. Ironia e sarcasmo diventano componenti obbligatorie della creatività Sokovsky di questo periodo. Un tipico esempio è il suo progetto “Progetto di occhiali per ogni persona sovietica”.
Ricordiamo l'avanguardia russa dei primi anni '20. A quei tempi nascevano progetti: un progetto per dipingere GUM, un progetto per decorare una piazza festiva, un progetto per questo e quello. Sokov si allontanò da questo. I suoi “Occhiali per ogni persona sovietica” sono realizzati in legno in modo assolutamente grezzo: indossandoli, naturalmente, non proverai altro che sensazioni spiacevoli. E al posto degli occhiali, negli occhiali vengono inserite stelle rosse. È attraverso di loro che l'uomo sovietico dovrebbe guardare il mondo. All’inizio degli anni ’20, gli anni dell’impennata rivoluzionaria, un progetto del genere sarebbe stato in linea con tutti gli altri. Tutti hanno creato progetti per un futuro luminoso. E credevano in lui. Ma ora di questa fede non è rimasto più nulla. Pertanto, l'idea degli anni '20, trasferita deliberatamente da Sokov agli anni '70, sembra così ironica e sembra così blasfema, dal punto di vista, ovviamente, dei poteri costituiti. E questo lavoro ti fa riflettere e confrontare ancora. E Sokov vuole solo far riflettere lo spettatore.
Tipica a questo proposito è la sua opera “Camicia”, fatta di doghe di legno, tutto come previsto, con bottoni, ma pensateci: la camicia è di legno, e ricordate l'espressione “cucire una giacca da marinaio di legno”. Puzza di morte. E ognuno ha molti pensieri, idee e ricordi associati alla morte. E in effetti, si è scoperto che il pubblico ha percepito questa maglietta in modo diverso, ed è ciò per cui Sokov si è battuto. Una vecchia, vedendola in una mostra nello studio di uno scultore, disse addirittura che le ricordava la guerra del Vietnam, e per alcuni artisti questa maglietta era semplicemente una soluzione a un problema formale, e per altri era qualcos'altro. In altre parole, Sokov ti fa vedere qualcosa di nuovo in una maglietta normale (anche se è di legno, ma esteriormente ordinaria) e cambia la tua visione del familiare. Il critico d'arte Vladimir Patsyukov, sulle pagine della rivista "A-Z", ha notato in modo molto accurato il desiderio di Sokov di cambiare le idee tradizionali e consolidate sulle cose, sulla loro posizione nel mondo, sulle loro connessioni reciproche.
In questa occasione Sokov afferma: “Nel 1914 o 1916, alla mostra dei surrealisti di Parigi, Duchamp espose un orinatoio. Cosa dovrebbe pensare uno spettatore borghese che viene alla mostra, soprattutto in quegli anni: o è un pazzo, o si lascia prendere in giro, o l'artista è pazzo, o l'orinatoio è pur sempre un'opera d'arte? Ora, se lo spettatore ha lasciato la mostra con un pensiero del genere, allora Dusan ha raggiunto il suo obiettivo. Questo spettatore dubbioso - e forse l'orinatoio è dopo tutto un'arte - ora riconsidererà molto, percepirà in modo molto diverso rispetto a prima."
Con un obiettivo simile - cambiare la percezione dello spettatore - Sokov, insieme ad altre tecniche, utilizza ampiamente il grottesco. In questo, ovviamente, segue il suo scrittore preferito Gogol, a volte facendogli eco anche inconsciamente. Quindi, prima di lasciare l’URSS, concepì e iniziò a realizzare un’opera chiamata “Ugh”, che completò in Occidente. Questo oggetto è costituito dalla punta di una lingua realizzata in legno e attaccata ad una molla che poggia contro il muro. Dalla lingua si estende un'asta di plexiglass, lunga quasi due metri, all'estremità della quale è chiaramente scritto "Ugh". E "Ugh" è ancora fantastico. Molto più tardi, Sokov lesse l'articolo di Bachtin "Rabelais e Gogol" e scoprì in esso che Gogol voleva scrivere un'opera la cui azione sarebbe avvenuta nella città di Tfulyansk. Questa coincidenza di pensieri colpì Sokov.
Vive a New York da circa trent'anni, ma la direzione del suo lavoro, in linea di principio, è cambiata poco. Dalle sue opere è scomparsa solo la tensione legata alle nostre vite. L’approccio all’arte rimane lo stesso. Si esprime utilizzando le stesse tecniche e principi creativi. Ora si occupa di temi umani universali, che, è vero, ha affrontato anche in Russia, ma lì la vita non gli ha permesso di immergersi completamente in essi.
Qui, ad esempio, c'è un "punto esclamativo" di due metri. È realizzato in compensato spesso, sul quale sono montati, incollati e verniciati i magneti. E sull'immagine scultorea del punto esclamativo, come se riassumesse l'opera, c'è un punto esclamativo grafico. E inoltre, un punto esclamativo di due metri attira tutti i tipi di oggetti di ferro. Attrae, non respinge. L'inizio positivo, che l'artista vede nel punto esclamativo, si esprime come attraverso un impulso emotivo.
Ed ecco il "punto interrogativo", fuso in ferro nero. Ai lati il metallo è lucido, poi la superficie è meno lavorata e, infine, un pezzo di metallo, come corroso dalla ruggine. "Perché mangiato?" - Ho chiesto a Sokov. “Beh, vedi”, ha risposto, “è come una specie di simbolo di distruzione. Quando vengono poste delle domande, spesso queste si corrodono. E le cosiddette maledette domande in Russia vengono poste da sempre. Ricorda solo cose come "Cosa fare"? e "Di chi è la colpa?"
Di solito Leonid Sokov lavora a cicli, poiché non può esprimersi in un oggetto o rivelare le sue idee fino alla fine. I punti esclamativi e interrogativi sono solo l’inizio del ciclo. Continuando su questo tema, sta pensando di creare anche i segni Più e Meno.
La superficie di “Plus” gli sembra rovente. Per raggiungere questo obiettivo, applicherà il principio della stufa elettrica. Sokov avvolgerà una spirale elettrica sulla superficie ceramica del segno Più. Una volta collegato, si scalderà.
Il segno “Meno” sembra freddo all’artista. Sarà realizzato in lamiera di ferro e avvolto da una spirale che funge da evaporatore, attraverso la quale verrà fatto passare il refrigerante. Di conseguenza, sulla superficie di Minus si formerà inevitabilmente del ghiaccio.
Anche in questo caso ci sono emozioni positive e negative. E ancora, una soluzione interessante: trasmettere tutte le emozioni e le loro sfumature con l'aiuto di segni formali morti, “ravvivati”, per così dire, dalla ruggine, dalle calamite, dal caldo e dal freddo. E tutto questo si incarna nella scultura, in un oggetto.
La sintesi tra la pop art popolare russa e l'arte concettuale, che dà vita ai propri miti dell'arte, e, secondo me, Leonid Sokov è arrivato a questo a New York, è un fenomeno interessante e originale. E mi sembra che su questo percorso Sokov sarà in grado di fare in modo particolarmente convincente ciò a cui si sta battendo, cioè cambiare la visione dello spettatore del familiare, provocarlo a rivalutare certi oggetti e valori familiari, costringerlo a pensare e trarre le conclusioni da solo.
Va detto che Sokov ha realizzato un'interessante serie di oggetti-sculture “Leaders”. Ecco Stalin, Hitler, Breznev e Andropov... Alcuni ammiratori del talento di Sokov hanno espresso rammarico per il fatto che lui, dicono, politicizza il suo lavoro, si allontana da se stesso per dedicarsi alla pura arte sociale, al puro concetto. Secondo me questo giudizio non è corretto, mi sembra che Sokov non si sia mai lasciato. Era semplicemente attratto da un certo argomento e lo ha rivelato, ma lo ha rivelato a modo suo, attraverso la sintesi della pop art popolare russa e del concetto o, se preferisci, dell'arte sociale.
Dal libro: Alexander Glezer “Artisti russi in Occidente”
"Come artista, mi sento russo", ha detto una volta in un'intervista l'artista Leonid Sokov, uno dei pionieri dell'arte sociale, emigrato negli Stati Uniti negli anni '80. In tutti questi anni, nonostante la distanza, ha tenuto il dito sul polso della sua terra natale. E così è tornato di nuovo in Russia per partecipare personalmente a un progetto insolito: una mostra sperimentale alla Galleria Tretyakov sulla Krymsky Val. Rapporto di Anna Galinskaya.
Leonid Sokov crede che Sots Art sia vivo e si definisce un Sots Artist. Non è passato da una sola figura iconica del 20 ° secolo e, in generale, tutti coloro che almeno in qualche modo hanno influenzato l'artista sono diventati oggetto del suo lavoro. O le sue ironie – come Van Gogh e Cezanne.
Dove saremmo senza Leonardo e il suo famoso disegno? Ma in Sokov l'orso è diventato vitruviano; per l'artista è simbolo di coraggio. Lo sgabello di legno è solo una scusa per una conversazione con Malevich; la sedia nasce da un “qualcosa” suprematista. In questa mostra il contesto è importante, ma per l’artista non è importante da quale angolazione guardare.
La mostra permanente della Galleria Tretyakov “Arte del 20° secolo” in questo progetto - come un testo in cui Leonid Sokov inserisce segni di punteggiatura, mostra le opere, i movimenti e i periodi per lui più importanti - è quasi permissiva. Questa è una rarità per la Galleria Tretyakov.
"Ora, camminando per queste sale accompagnato da una guida straordinaria, sottile e ironica, che è Leonid Sokov, inizi a capire che, a quanto pare, c'è un altro significato", osserva la direttrice della Galleria Tretyakov Zelfira Tregulova.
“Il corvo a due teste a Letatlin” va direttamente alla mostra del 1921 della Society of Young Artists. E l’incontro di Lenin con l’uomo che cammina di Giacometti deve essere visto attraverso gli “occhiali di un uomo sovietico”. In mostra vengono presentate circa 100 opere, e tra queste sono state a lungo dimenticate dall'artista stesso.
"Questa non è più opera mia, è di un collezionista", dice l'artista riguardo a uno dei dipinti.
Di questi, il suo - "Cospirazione", in ricordo di sua nonna-strega, "Lettera di mamma", ingrandito in scala, una nuvola succosa con il cognome dell'autore e, naturalmente, una delle opere più famose, la ripetizione del suo autore -Stalin e Monroe.
“Stalin e Marilyn non si sono mai incontrati. Ma penso che tra cento anni a nessuno interesserà se si sono incontrati o meno. Si tratta, infatti, di due delle figure più mitologiche del XX secolo. Secondo i miei standard. Ma, come artista, ho il diritto di mescolare queste persone come preferisco”, sottolinea Leonid Sokov.
Leonid Sokov viene spesso definito un artista che prende in giro tutti in ogni momento. Chiama il suo lavoro in modo diverso: decostruzione. Distaccato, da fuori, sempre ironico, si guarda intorno e definisce tutto assurdo. Ecco perché è un artista sociale.
La Galleria Tretyakov continua a presentare agli spettatori il lavoro dei principali artisti contemporanei della seconda metà del XX e dell'inizio del XXI secolo. A Krymsky Val è stata inaugurata la mostra di uno dei leader dell'arte sociale, lo scultore Leonid Petrovich Sokov (nato nel 1941). Caratteristica distintiva delle opere dell’artista è il gioco ironico di citazioni, simboli e allegorie.
La mostra attuale è fondamentalmente diversa dalla tradizionale mostra monografica. Le opere del maestro sono disperse nella mostra permanente "Arte del 20° secolo" - dalle sale delle prime avanguardie al realismo socialista degli anni Quaranta - Cinquanta, introducendo in questi spazi l'ironia del postmodernismo. Sokov funge da guida, commentatore e interprete della collezione della Galleria Tretyakov, segnalando gli artisti a lui vicini, sottolineando le opere, i movimenti e i periodi più importanti.
Secondo Sokov, il progetto speciale “Unforgettable Meetings” non pretende di essere un’“invasione” o un “intervento” attivo delle sue opere nella mostra della Galleria. Si tratta piuttosto di un tentativo dello scultore di “fondersi” con coloro che lo hanno influenzato e che ama. Questi sono i leader dell'avanguardia russa: Mikhail Larionov, Vladimir Tatlin, Kazimir Malevich e l'insegnante dei suoi insegnanti: Alexander Matveev. Soprattutto per questa mostra, i curatori rimossi dai magazzini del museo hanno raramente esposto opere di scultori particolarmente significativi per Sokov - Vasily Vatagin, Alexander Matveev, Dmitry Tsaplin - e le hanno integrate con la mostra permanente.
Presentando allo spettatore i suoi artisti preferiti, Sokov mostra come le sue opere sono state create dialogando con loro, in imitazione o in opposizione: dai dipinti di animali e nudi femminili degli anni '60 agli oggetti ironici e alle installazioni degli anni '90-2010. Nella stanza con il dipinto di Vasily Efanov “Un incontro indimenticabile” (1936-1937), il dipinto di Alexander Gerasimov “I.V. Stalin e K.E. Voroshilov al Cremlino” (1938) e altre opere di grande formato del realismo socialista, l'opera di Sokov “Incontro di due sculture" è collocato . Lenin e Giacometti" (1994) - una delle opere iconiche dell'arte sociale. Qui viene presentata anche un'installazione: Stalin “si esibisce” davanti a una scultura modernista - repliche in miniatura delle opere più famose dei maestri occidentali del 20 ° secolo. Il dialogo tra sistemi semantici e plastici diametralmente opposti rivela il metodo principale di Sokov: la decostruzione ironica e assurda di simboli, segni e cliché familiari.
Nell'ambito di un progetto speciale, nel cortile della Galleria Tretyakov sulla Krymsky Val si trova uno degli oggetti più paradossali di Sokov: una riproduzione a grandezza naturale di un camion con la bara suprematista di Malevich sul retro e un "quadrato nero" sul cofano . Il camion, realizzato in legno, ricorda un gigantesco giocattolo per bambini, creato secondo la tradizione dell'artigianato russo intagliato. La combinazione di interesse per l’avanguardia e la tradizione popolare, l’arcaico e il primitivo è la caratteristica più importante del metodo creativo di Sokov.
Cercando di comprendere la natura della coscienza e dell'umorismo popolare, Sokov ha scoperto i suoi predecessori tra gli artisti dell'avanguardia russa, che traevano energia e idee plastiche dalla tradizione culturale fiera “di base”. Non è quindi un caso che il progetto speciale inizi con gli oggetti di Sokov nelle sale di Mikhail Larionov, uno dei principali innovatori della scena artistica nazionale dell’inizio del secolo scorso. Gli ironici oggetti ibridi di Sokovsky divennero immagini del crollo delle idee e dei piani utopici della prima avanguardia russa: una torretta di carro armato attaccata alla teiera suprematista di Malevich, un corvo a Letatlin, uno sgabello eretto sopra un architetto.
Il personaggio più importante di Sokov, l'orso, uno dei simboli più riconoscibili della Russia, ha preso il posto della figura umana ideale nel famoso "Uomo Vitruviano" di Leonardo da Vinci. Questo "Orso Vitruviano" è diventato l'emblema del progetto.
Oltre alle opere della collezione della Galleria, il progetto speciale comprende anche opere provenienti dalle collezioni private di Dmitry Volkov, Shalva Breus, Ekaterina e Vladimir Semenikhin, Vladimir Antonichuk, Simona e Vyacheslav Sokhransky, importanti per svelare il tema.
Il governo di Mosca
Dipartimento della Cultura di Mosca
Accademia Russa delle Arti
Museo d'arte moderna di Mosca
presente
Leonid Sokov
Angolo di visione
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Incontro di due sculture, 1994  Topolino con falce e martello, 2010  Due profili, 1989  Angolo di visione, 1976 |
Curatore della mostra: Andrey Erofeev
Per la prima volta in Russia, una retrospettiva del lavoro del più famoso maestro dell’arte russa Sots, Leonid Sokov, presenterà in modo più completo il lavoro dell’artista dagli anni ’70 ai giorni nostri. La mostra sarà composta da 9 sezioni, che riflettono le fasi principali del lavoro dell’autore, e comprenderà più di 120 opere.
Il nome di Sokov è strettamente associato all'origine e allo sviluppo dello stile Sots Art, che dagli anni '70 fino ad oggi è stato fonte di ispirazione per molti artisti russi. Le strategie dell’arte non ufficiale, accomunate dal rifiuto dei paradigmi estetici dell’accademismo e del realismo socialista, presupponevano una comprensione critica sia dei dogmi ufficiali che del modo di pensare di una persona sovietica ordinaria. Gli artisti socialisti, in parte solidali con queste linee guida, le implementarono nella creazione di artefatti culturali parodici che, a causa della loro semplicità, deliberata maleducazione e aperto eclettismo della loro estetica, non furono considerati arte per molto tempo nemmeno tra i modernisti. L’arte di Sots cercò di diventare un’alternativa non solo al realismo socialista, ma anche al modernismo classico e alle sue continuazioni nell’arte russa “underground” libera degli anni ’60. Le opere di Sokov dimostrano chiaramente i tratti caratteristici e le tecniche di questa seconda avanguardia, che emerse quasi contemporaneamente in vari centri della cultura moderna in tutto il mondo e ricevette il nome di “postmodernismo”.
Come tipico postmodernista, Leonid Sokov combina nelle sue opere non solo derivati della civiltà moderna - cose quotidiane, simboli sacri, segni di potere, immagini dei mass media - ma anche elementi dell'arte classica mondiale, motivi folcloristici, artefatti di culti pagani.
I famosi dialoghi scultorei di segni di Sokovsky divennero il segno distintivo di Sots Art. Sokov ha riunito “tete-a-tete” varie immagini della civiltà sovietica e occidentale. L'incontro in un'unica opera di Marilyn Monroe con Stalin, l'“uomo che cammina” di Giacometti con il monumento a Lenin, un giocattolo popolare con l'emblema imperiale, ha rivelato il conflitto geopolitico delle culture del XX secolo, la coscienza divisa e il “doppio pensiero” delle culture moderne uomo, qualunque sia il sistema politico a cui apparteneva.
Le cose sacre - immagini di leader, simboli araldici dello stato, capolavori dell'arte passata - sono presentate da Sokov da una prospettiva tale che il pubblico ride involontariamente. Una prospettiva umoristica permette allo spettatore di vedere il mondo in una dimensione inaspettata e di liberarsi temporaneamente dalle reazioni di sottomissione alle autorità e alle sette. L'arte di Sokovo eleva il nichilismo popolare giocoso, manifestato in barzellette, giocattoli e stampe popolari, allo status di tradizione culturale nazionale.
Le opere di Sokov che compongono questa mostra provengono da collezioni pubbliche e private negli Stati Uniti, in Europa e in Russia, tra cui collezioni come The Freedman Gallery, The Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, Galleria Mazzoli, State Tretyakov Gallery, Ekaterina Cultural Fondazione e altri, oltre ad opere provenienti dallo studio dell'artista. Insieme alle opere scultoree di Leonid Sokov, la mostra comprende anche dipinti del maestro, poco conosciuti al pubblico russo.
Per la mostra sarà pubblicato un catalogo che presenterà ampiamente il lavoro di Leonid Sokov. Gli autori degli articoli sono stati il teorico dell'arte Boris Groys, i critici d'arte Andrei Erofeev, Yulia Tulovski del Museo d'arte Zimmerli, Gleb Napreenko, nonché l'artista stesso.