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CONCERTO(Concerto italiano), brano musicale a una o più voci per uno o più strumenti solisti e un'orchestra. L'origine della parola "concerto" non è del tutto chiara. Forse è legato all'italiano. concertare (“concordare”, “accordarsi”) o dal lat. concertare ("disputa", "lotta"). In effetti, il rapporto tra lo strumento solista e l'orchestra nel concerto contiene elementi sia di "collaborazione" che di "rivalità". La parola "concerto" fu usata per la prima volta nel XVI secolo. per riferirsi a opere vocali-strumentali, in contrasto con il termine a cappella, che denotava composizioni puramente vocali. Concerti di Giovanni Gabrieli scritti per S. Marco a Venezia, o i concerti di Lodovico da Viadana e Heinrich Schutz sono principalmente composizioni spirituali multicori con accompagnamento strumentale. Fino alla metà del XVII secolo. la parola "concerto" e l'aggettivo "concerto" (concertato ) continuò a relazionarsi con la musica vocale-strumentale, ma nella seconda metà di questo secolo, prima a Bologna, e poi a Roma ea Venezia, apparvero concerti puramente strumentali.
Concerto barocco.
All'inizio del XVIII secolo entrarono in uso diversi tipi di concerto. Nei concerti del primo tipo, un piccolo gruppo di strumenti - concertino (concertino, "piccolo concerto") - era opposto a un gruppo più ampio, che, come l'opera stessa, era chiamato concerto grosso (concerto grosso, "grande concerto"). Opere degne di nota di questo tipo includono 12 concerto grosso (op. 6) di Arcangelo Corelli, dove il concertino è rappresentato da due violini e un violoncello, e il concerto grosso da una più ampia gamma di strumenti a corda. Concertino e concerto grosso sono collegati dal basso continuo ("basso permanente"), che è rappresentato da una composizione di accompagnamento tipica della musica barocca di uno strumento a tastiera (il più delle volte un clavicembalo) e uno strumento a corda basso. I concerti di Corelli sono composti da quattro o più parti. Molti di loro assomigliano nella forma alla sonata in trio, uno dei generi più popolari della musica da camera barocca; altri, costituiti da una serie di balli, sono più simili a una suite.
Un altro tipo di concerto barocco è stato composto per uno strumento solista con un gruppo di accompagnamento chiamato ripieno. o tutti. Tale concerto era solitamente composto da tre parti, con la prima quasi sempre sotto forma di rondò: la sezione orchestrale introduttiva (ritornello), in cui era esposto il materiale tematico principale della parte, veniva ripetuta per intero o in frammenti dopo ogni sezione solistica. Le sezioni soliste di solito davano all'esecutore l'opportunità di mostrare il proprio virtuosismo. Spesso sviluppavano materiale per ritornello, ma spesso consistevano solo di passaggi di scala, arpeggi e sequenze. Alla fine del movimento, il ritornello di solito appariva nella sua forma originale. La seconda parte lenta del concerto era di natura lirica ed era composta in forma libera, a volte utilizzava la tecnica del "basso ripetitivo". Il veloce movimento finale era spesso di tipo danzante, e molto spesso l'autore vi tornava alla forma del rondò. Antonio Vivaldi, uno dei compositori più famosi e prolifici del barocco italiano, ha scritto numerosi recital, tra cui quattro concerti per violino noti come Le stagioni. Vivaldi ha anche concerti per due o più strumenti solisti, che combinano elementi delle forme di un concerto solista, concerto grosso e persino un terzo tipo di concerto - solo per l'orchestra, che a volte veniva chiamato concerto ripieno.
Tra i migliori concerti dell'era barocca ci sono le opere di Handel, ei suoi 12 concerti (op. 6), pubblicati nel 1740, sono modellati sul concerto grosso Corelli, che Handel incontrò durante il suo primo soggiorno in Italia. Concerti di I.S. Bach, di cui sette concerti per clavicembalo, due per violino e sei cosiddetti. Concerti di Brandeburgo, in generale, seguono anche il modello dei concerti di Vivaldi: loro, come le opere di altri compositori italiani, Bach ha studiato con molto zelo.
Concerto classico.
Sebbene i figli di Bach, in particolare Carl Philipp Emanuel e Johann Christian, abbiano svolto un ruolo importante nello sviluppo del concerto nella seconda metà del XVIII secolo, non furono loro a portare il genere a nuovi livelli, ma Mozart. In numerosi concerti per violino, flauto, clarinetto e altri strumenti, e soprattutto in 23 concerti per clavicembalo, Mozart, che aveva un'immaginazione inesauribile, sintetizzò elementi del concerto solista barocco con la scala e la logica della forma di una sinfonia classica. Nei successivi concerti per pianoforte di Mozart, il ritornello si trasforma in un'esposizione contenente una serie di idee tematiche indipendenti, l'orchestra e il solista interagiscono come partner alla pari, nella parte solista si ottiene un'armonia senza precedenti tra virtuosismo e compiti espressivi. Perfino Beethoven, che ha cambiato qualitativamente molti degli elementi tradizionali del genere, considerava chiaramente il modo e il metodo del concerto di Mozart come un ideale.
Il Concerto per violino in re maggiore di Beethoven (op. 61) inizia con un'ampia introduzione orchestrale, in cui le idee principali sono presentate nella forma in rilievo di un'esposizione di sonata. Il tema di apertura ha un aspetto simile a una marcia, tipico di un concerto classico, e in Beethoven questa qualità è enfatizzata dal ruolo importante dei timpani. Il secondo e il terzo tema sono più lirici ed espansivi, ma allo stesso tempo conservano la nobile raffinatezza data dal primo tema. Quando entra il solista, però, tutto cambia. Come risultato di una svolta inaspettata, vengono in primo piano i motivi secondari dell'esposizione orchestrale, presentati nella trama brillante dello strumento solista: ogni elemento è ripensato e affinato. Quindi il solista e l'orchestra competono nello sviluppo di temi diversi e nella ripresa ripetono il materiale tematico principale come partner. Verso la fine del movimento, l'orchestra tace per consentire al solista di eseguire una cadenza, un'improvvisazione prolungata volta a dimostrare il virtuosismo e l'ingegnosità del solista (attualmente i solisti di solito non improvvisano, ma suonano cadenze registrate di altri autori). La cadenza termina tradizionalmente con un trillo, seguito da una conclusione orchestrale. Beethoven, tuttavia, fa ricordare al violino il secondo tema lirico (suona sullo sfondo di un calmo accompagnamento orchestrale) e poi si sposta gradualmente verso una brillante conclusione. Il secondo e il terzo movimento del concerto di Beethoven sono collegati da un breve passaggio seguito da una cadenza, e tale connessione fa risaltare ancora più vividamente il forte contrasto figurativo tra i movimenti. La parte lenta si basa su una melodia solenne, quasi innativa, che lascia abbastanza spazio al suo abile sviluppo lirico nella parte solista. Il finale del concerto è scritto sotto forma di rondò - questa è una parte mobile, "giocosa" in cui una semplice melodia, con il suo ritmo "tagliato" che ricorda le melodie popolari del violino, è intervallata da altri temi, sebbene in contrasto con il ritornello del rondò, ma mantenendo lo stile di danza generale.
XIX secolo.
Alcuni compositori di questo periodo (ad esempio Chopin o Paganini) conservarono completamente la forma classica del concerto. Tuttavia, adottarono anche le innovazioni di Beethoven nel concerto, come l'introduzione solistica all'inizio e l'integrazione della cadenza nella forma del movimento. Una caratteristica molto importante del concerto nel XIX secolo. è stata la cancellazione della doppia esposizione (orchestrale e solista) nella prima parte: ora l'orchestra e il solista si sono esibiti insieme nell'esposizione. Tali innovazioni sono caratteristiche dei concerti per pianoforte a coda di Schumann, Brahms, Grieg, Tchaikovsky e Rachmaninoff, dei concerti per violino di Mendelssohn, Brahms, Bruch e Tchaikovsky, dei concerti per violoncello di Elgar e Dvorak. Altre innovazioni sono contenute nei concerti per pianoforte di Liszt e in alcune opere di altri autori, ad esempio in una sinfonia per viola e orchestra. Harold in Italia Berlioz, nel Concerto per pianoforte di Busoni, dove viene introdotto il coro maschile. In linea di principio, la forma, il contenuto e le tecniche tipiche del genere sono cambiate molto poco durante il XIX secolo. Il concerto ha tenuto testa alla musica a programma, che ha avuto una forte influenza su molti generi strumentali nella seconda metà di questo secolo.
Il ventesimo secolo.
Rivoluzioni artistiche che hanno avuto luogo durante i primi due decenni del 20° secolo. e il periodo successivo alla seconda guerra mondiale, non ha trasformato troppo l'idea principale e l'aspetto del concerto. Anche i concerti di brillanti innovatori come Prokofiev, Shostakovich, Copland, Stravinsky e Bartok non si discostano molto (se non del tutto) dai principi fondamentali del concerto classico. Per il XX secolo caratteristico è il revival del genere concerto grosso (nelle opere di Stravinsky, Vaughan Williams, Bloch e Schnittke) e la coltivazione del concerto per orchestra (Bartok, Kodaly, Hindemith). Nella seconda metà del secolo, la popolarità e la vitalità del genere concertistico persistevano e la situazione del "passato nel presente" è tipica in composizioni così diverse come i concerti di John Cage (per pianoforte preparato), Sofia Gubaidulina (per violino), Lou Harrison (per pianoforte), Philip Glass (per violino), John Corigliano (per flauto) e György Ligeti (per violoncello).
Riassunto sull'argomento:
Concerto (lavoro)
Concerto(Concerto italiano dal lat. concerto) - una composizione musicale scritta per uno o più strumenti, con l'accompagnamento di un'orchestra, al fine di consentire ai solisti di mostrare virtuosismo nell'esecuzione. Un concerto scritto per 2 strumenti si chiama doppio, per 3 - triplo. In tali Concerti l'orchestra è di secondaria importanza, e solo nell'agire (tutti) acquista un significato autonomo. Un concerto in cui l'orchestra ha un grande significato sinfonico è chiamato sinfonia.
Il concerto di solito è composto da 3 parti (le parti estreme sono in rapido movimento). Nel XVIII secolo, una sinfonia in cui molti strumenti si esibivano da soli in alcuni punti era chiamata concerto grosso. Successivamente, la sinfonia, in cui uno strumento assumeva un significato più indipendente rispetto ad altri, divenne nota come symphonique concertante, concertirende simfonie.
La parola "concerto", come nome di una composizione musicale, apparve in Italia alla fine del XVI secolo. Alla fine del XVII secolo apparve un concerto in tre parti. L'italiano Arcangelo Corelli è considerato il fondatore di questa forma del Concerto, da cui si sono evoluti i secoli XVIII e XIX. K. per diversi strumenti. I concerti più popolari sono violino, violoncello e pianoforte. Successivamente i concerti furono scritti da Bach, Mozart, Beethoven, Schumann, Mendelssohn, Tchaikovsky, Davydov, Rubinstein, Viotti, Paganini, Vietan, Bruch, Venyavsky, Ernst, Servais, Litolf e altri.
Viene chiamato un piccolo concerto in cui le parti sono unite fisarmonica.
Un concerto classico è anche un incontro pubblico in sale con un'acustica sonora speciale, in cui vengono eseguite numerose opere vocali o strumentali. A seconda del programma, il Concerto prende il nome: sinfonico (in cui vengono eseguite principalmente opere orchestrali), spirituale, storico (composto da opere di epoche diverse). Un concerto è chiamato anche accademia quando gli esecutori, sia solisti che in orchestra, sono artisti di prim'ordine.
nel Concerto ci sono 2 parti "in competizione" tra il solista e l'orchestra, questo può essere definito un concorso.
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La forma strumentale del concerto può essere considerata un autentico contributo del barocco, incarnando gli ideali estetici di un'epoca segnata da cambiamenti improvvisi, ansia e suspense. Il concerto è una sorta di gioco musicale di luci e ombre, una sorta di costruzione, dove ogni componente è in opposizione alle altre parti. Con l'avvento del concerto nasce una tendenza alla narrazione musicale, allo sviluppo della melodia come una sorta di linguaggio capace di trasmettere la profondità dei sentimenti umani. Infatti l'etimologia della parola "concertare" deriva dalle parole "competere", "combattere", anche se la comprensione del significato di questa forma musicale è legata anche a "consertus" o "conserere", che significa "coordinare", "mettere in ordine", "unire". I significati etimologici corrispondono molto bene allo scopo dei compositori, che, attraverso una nuova forma, hanno contribuito allo straordinario progresso del linguaggio musicale dell'epoca.
Gli storici considerano gli anni '70 del XVII secolo il periodo di nascita del concerto strumentale grosso, e il suo pedigree deriva dal concerto vocale-strumentale e dalla canzone per organo e orchestra dei secoli XVI-XVII, che gli è vicino per molti aspetti, o dalla sonata d'insieme che si sviluppò nel XVII secolo. Questi generi, insieme all'opera, incarnavano le caratteristiche principali del nuovo stile musicale: il barocco.
L. Viadana nella prefazione alla raccolta dei suoi concerti (Francoforte, 1613) sottolineava che la melodia nel concerto suona molto più chiara che nel mottetto, le parole non sono oscurate dal contrappunto e l'armonia, sostenuta dal basso generale dell'organo, è incommensurabilmente più ricca e piena. Infatti, lo stesso fenomeno fu descritto da G. Zarlino nel 1558: “Accade che alcuni salmi siano scritti alla maniera di un choros pezzato (suggerendo l'esecuzione di un “coro diviso, lacerato” - N. 3.) Tali cori sono spesso cantati a Venezia durante i vespri e nelle altre ore solenni e sono disposti o divisi in due o tre cori di quattro voci ciascuno.
I cori cantano alternativamente, e talvolta insieme, il che è particolarmente bello alla fine. E poiché tali cori sono posti abbastanza distanti l'uno dall'altro, per evitare dissonanze tra le singole voci, il compositore deve scrivere in modo tale che ogni coro singolarmente suoni bene... I bassi dei diversi cori devono sempre muoversi all'unisono o all'ottava, talvolta in terza, ma mai in quinta. a un'eco dinamica della nuova era - uno dei primi principi non polifonici di modellatura.
Tuttavia, l'imitazione ha continuato a svolgere un ruolo importante nello sviluppo musicale, spesso in forma stretta, come nel vecchio stile. Si notano rudimenti di forme, che diventeranno caratteristici del futuro concerto grosso. La doppia esposizione sarà particolarmente comune nei concerti basati su temi di danza, e mentre la prima esposizione di Corelli è solitamente solista, l'inizio di tutti è più popolare nel concerto successivo. In generale, le doppie esposizioni sono naturali per il concerto grosso: dopotutto, fin dall'inizio, all'ascoltatore devono essere presentate entrambe le masse sonore. Anche il modo più semplice di sviluppo è ovvio: l'appello di due messe. E il tutti finale dovrebbe riassumere la "disputa concertistica": così è stato con Pretorius, così sarà con Bach, Handel, Vivaldi. L'esempio della Messa di Benevoli anticipa la forma concerto o ritornello che dominò la musica della prima metà del Settecento. Non c'è ancora consenso sulle origini di questa forma.
Il suo scopritore X. Riemann lo associò alla fuga e paragonò il ritornello a un tema e il dispiegamento solistico a un intermezzo. Al contrario, Schering, richiamandosi alla testimonianza di A. Scheibe (1747), contestava il rapporto della forma da concerto con la fuga e lo deduceva direttamente dall'aria con il ritornello. A. Hutchings, a sua volta, non è d'accordo con questo: considera la sonata per tromba e orchestra d'archi, che esisteva a Bologna alla fine del XVII secolo e che, a suo avviso, ha avuto un impatto diretto sul concerto solista, la fonte di questa forma. Hutchings sottolinea che fu solo dopo la distribuzione del concerto che l'aria operistica con il ritornello acquisì la sua forma compiuta.
Solo una cosa è indiscutibile: nella prima metà del Settecento la forma da concerto si trova in quasi tutti i generi, e non è un caso che i ricercatori la considerino la forma principale del loro tempo (così come la forma sonata nella seconda metà del Settecento). Essendo "una formazione indipendente tra monotematica e dualismo tematico classico", la forma del concerto ha fornito sia l'unità tematica che il necessario grado di contrasto, e ha anche dato all'esecutore l'opportunità di dimostrare le sue abilità nei passaggi solistici. Eppure, nonostante tutta la loro novità, i campioni smontati derivano direttamente dalla musica del XVI secolo, principalmente dalla canzone, capostipite di quasi tutti i generi strumentali successivi. Fu nella canzone strumentale (canzonada sonar) che nacque il futuro ciclo di sonate, cominciarono a cristallizzarsi forme come la fuga o il tipo di inquadratura ripresa in tre parti (molte canzoni terminavano con un tema iniziale); le canzonas furono le prime delle composizioni strumentali stampate e, finalmente, qui per la prima volta iniziarono a confrontarsi gruppi puramente orchestrali, senza la partecipazione di voci.
Si ritiene che questo passo verso il nuovo concerto grosso sia stato compiuto da G. Gabrieli, organista della Cattedrale di S. Marco a Venezia (dal 1584 al 1612). A poco a poco, nelle sue canzoni e sonate, non solo aumenta il numero di strumenti e cori, ma nasce anche un contrasto tematico: ad esempio, solenni accordi di tutti sono in contrasto con la costruzione imitativa di uno dei cori. È su questo contrasto che si costruiranno molte forme del primo e medio barocco: da esso nasceranno interi cicli strumentali, e in alcune parti tali contrasti, caratteristici della canzone, persisteranno fino all'era di Corelli e anche oltre.
Attraverso la canzone, il metodo di modellatura, caratteristico del mottetto, è penetrato nella musica strumentale del barocco: l'incordatura di episodi a tema diverso.
In generale, la melodia barocca - sia essa il "mosaico" della canzone e della prima sonata, o la "melodia senza fine" di Bach e dei suoi contemporanei - ha sempre il carattere di avanzare da una sorta di impulso. La diversa energia dell'impulso determina la diversa durata dello spiegamento, ma esaurita l'inerzia deve venire la cadenza, come avveniva nella canzone del '600 o nelle miniature polifoniche del barocco maturo. BV Asafiev rifletteva questa regolarità nella famosa formula i:m:t. Il dispiegamento concertato ha superato l'isolamento di questa formula, ripensando la cadenza, trasformandola in impulso per un nuovo dispiegamento, o ritardandola all'infinito con l'ausilio di sempre nuovi impulsi e modulazioni locali a livello di strutture motiviche (modulazioni strutturali - termine di A. Milky).
Contrasto improvviso usato raramente, trasferendo lo sviluppo su un altro piano. Così, già nella sonata Marini, comincia a delinearsi la “tecnica del passaggio graduale” caratteristica del barocco: lo sviluppo successivo segue direttamente quello precedente, anche se contiene elementi contrastanti. Il primo barocco ha ereditato dalla musica del Rinascimento un altro principio di formazione: l'affidamento alle formule ritmiche e intonazionali delle danze popolari che si sono sviluppate nella musica quotidiana del Rinascimento.
Da segnalare anche le sonate "da camera" e "da chiesa". Secondo gli storici, entrambi i generi presero finalmente forma nella seconda metà del XVII secolo, quando lavorò Legrenzi. I nomi dei generi sono associati alla teoria degli "stili" (di seguito, il termine "stile" nella comprensione del XVIII secolo, riportiamo tra virgolette), che, a sua volta, faceva parte dell'estetica del "razionalismo retorico" comune a tutta l'arte barocca. (Questo termine è stato proposto da A. Morozov nell'articolo "Problemi del barocco europeo").
La retorica si è sviluppata nella pratica oratoria dell'antica Grecia ed è stata esposta nei trattati di Aristotele e poi di Cicerone. Un posto importante nella retorica è stato dato, in primo luogo, ai "locitopici" - "luoghi comuni", che hanno aiutato l'oratore a trovare, sviluppare un argomento e presentarlo in modo chiaro e convincente, istruttivo, piacevole e toccante, e, in secondo luogo, alla "teoria degli stili", secondo la quale la natura del discorso cambiava a seconda del luogo, del soggetto, della composizione del pubblico, ecc. . E la categoria di "stile" ha aiutato a comprendere la diversità dei generi e delle forme del nuovo tempo, ha introdotto i criteri dello storicismo nell'estetica musicale (spesso sotto le spoglie della parola "moda"), ha spiegato la differenza tra la musica di diverse nazioni, ha individuato i tratti individuali nell'opera dei più grandi compositori dell'epoca, ha riflesso la formazione delle scuole di spettacolo.
Alla fine del XVII secolo, i termini sonata da camera, dachiesa significavano non solo e non tanto il luogo dell'esecuzione quanto la natura del ciclo, registrato nel 1703 da de Brossard, autore di uno dei primissimi dizionari musicali. Per molti aspetti corrispondono alla descrizione di Brossard quarantotto cicli di Corelli, riuniti in quattro opere: op. 1 e 3 - sonate da chiesa, op. 2 e 4 - camera.<...>Il principio di base della costruzione per entrambi i tipi di ciclo è il tempo e spesso il contrasto metrico. Tuttavia, in una sonata da chiesa, le parti lente sono generalmente meno indipendenti: servono come introduzioni e collegamenti a quelle veloci, quindi i loro piani tonali sono spesso aperti.
Queste parti lente consistono in poche battute o si avvicinano ad un arioso strumentale, sono costruite sulla pulsazione continua degli accordi del pianoforte, con ritardi espressivi o sull'imitazione, a volte comprendono anche più sezioni indipendenti separate da cesure. Le parti veloci della sonata da chiesa sono solitamente fughe o costruzioni di concerti più libere con elementi di imitazione; in seguito la fuga e la forma di concerto possono essere combinate in tale Allegro. Nella sonata da camera, così come nella suite orchestrale o clavistica, i movimenti sono fondamentalmente tonalmente chiusi e strutturalmente completi; nelle loro forme si può rintracciare l'ulteriore sviluppo del movimento elementare a due e tre voci.
Le tematiche dei rintocchi, e soprattutto delle sarabande e delle gavotte, sono generalmente omofoniche, spesso simmetriche; si notano i rudimenti della forma sonata. Al contrario, le allemande e le giga si muovono spesso senza fermate e ripetizioni, gli elementi polifonici sono comuni nell'allemande e la giga è spesso intrisa dello spirito dell'esecuzione concertistica. Le sonate dachiesa e dacamera non sono collegate da un rigido schema compositivo.
Tutti i concerti da camera iniziano con un preludio, seguito da brani di danza, solo occasionalmente "sostituiti" da introduzioni lente o Allegro da concerto. I concerti in chiesa sono più solenni e seri, ma nei loro temi si sentono di tanto in tanto i ritmi di una giga, di una gavotta o di un minuetto. Una notevole confusione nelle divisioni di genere dell'inizio del XVIII secolo è introdotta dal cosiddetto concerto da camera, che non aveva nulla in comune con la sonata da camera simile a una suite e, secondo i ricercatori, non ebbe origine nella musica da camera, ma nella musica sacra della scuola bolognese.
Si tratta di un contemporaneo e "doppio" della cosiddetta ouverture italiana - un concerto in tre parti di Torelli, Albinoni e Vivaldi, la cui descrizione da manuale ci è stata lasciata da I.-I. Quanz. La prima parte del "concerto da camera" era solitamente composta in metro quadruplo, in forma di concerto; il suo ritornello doveva distinguersi per fasto e ricchezza polifonica; in futuro era richiesto un contrasto costante di episodi brillanti ed eroici con quelli lirici. La seconda parte lenta aveva lo scopo di eccitare e calmare le passioni, contrastava con la prima in metro e tonalità (l'omonima minore, tonalità di primo grado di parentela, minore dominante in maggiore) e permetteva un certo abbellimento nella parte del solista, alla quale erano subordinate tutte le altre voci.
Infine, il terzo movimento è ancora veloce, ma completamente diverso dal primo: è molto meno grave, spesso danzante, in metro triplo; il suo ritornello è breve e pieno di fuoco, ma non privo di qualche civetteria, il carattere generale è vivace, giocoso; invece del solido sviluppo polifonico del primo movimento, c'è un leggero accompagnamento omofonico. Kvantz nomina anche la durata ottimale di un simile concerto: la prima parte è di 5 minuti, la seconda è di 5-6 minuti, la terza è di 3-4 minuti. Di tutti i cicli della musica barocca, quello a tre voci era la forma più stabile e figurativamente chiusa. Tuttavia, anche il "padre" di questa forma, Vivaldi, varia spesso i tipi di genere delle singole parti. Così, ad esempio, nel concerto A-dur per due corni "Dresda" (nelle opere raccolte di Vivaldi a cura di F. Malipiero - volume XII, n. 48), apre la prima parte del ciclo in tre parti, aggiungendo all'Allegro una cornice lenta nella natura dell'ouverture francese. E nell'Ottavo Concerto del volume XI della raccolta Malipiero, il terzo movimento, in contrasto con la descrizione di Quantz, è una fuga.
Bach a volte si comporta in modo simile: nel Concerto brandeburghese n. 2, la forma del ciclo "modula" da tre voci a quattro voci, ecclesiastiche, chiuse da una fuga. Spesso, parti prese in prestito da una suite, una sonata da chiesa o un'ouverture d'opera si uniscono, per così dire, al ciclo in tre parti. Nel "Concerto di Brandeburgo" n. 1, questo è un minuetto e una polacca. E nel Concerto per violino in fa-dur di H. F. Telemann, la forma ritornello della prima parte è seguita da una continuazione tipicamente suite: corsicana, allegrezza ("allegria"), scherzo, rondò, polacca e minuetto. La modulazione a livello del ciclo avviene attraverso un anello comune - la corsicana: va in 3/2, Unpocograve, ma con la sua stranezza e spigolosità melodica si allontana dal tradizionale tipo di genere della parte lenta del concerto. Pertanto, possiamo notare l'aumento del valore di "improvvisazione".
Nel frattempo, Quantz, come altri teorici dell'epoca, considerava una delle caratteristiche più importanti del concerto grosso le "intelligenti miscele di imitazioni nelle voci da concerto", in modo che l'orecchio fosse attratto dall'uno o dall'altro strumento, ma allo stesso tempo tutti i solisti rimarrebbero uguali. Di conseguenza, già durante il concerto grosso di Corelli è esposto alle sue controparti: concerti da solista e ripple (senza solisti). A loro volta, in un concerto da solista, a volte spiccano altri solisti dell'orchestra, ad esempio, nella prima parte del concerto "Primavera" op. 8 Vivaldi nel primo episodio raffigurante il canto degli uccelli, altri due violini dell'orchestra si uniscono al violino solista, e nel finale del concerto il secondo violino solista viene introdotto senza alcuna intenzione pittorica - per arricchire la trama.
Questo genere è caratterizzato da una miscela di vari strumenti da concerto che vanno da due a otto o anche di più. Il connazionale di Quantz, Mattheson, considerava eccessivo il numero di feste nel concerto grosso e paragonava tali concerti a una tavola imbandita non per soddisfare la fame, ma per amore della pompa e dell'imponenza. "Tutti possono indovinare", aggiunge pensieroso Mattheson, "che in una tale disputa di strumenti ... non mancano immagini di gelosia e vendetta, finta invidia e odio". Sia Quantz che Mattheson provenivano dalla tradizione tedesca del concertogrosso. Schering collegò l'amore dei tedeschi per gli ensemble misti di questo genere con le tradizioni di esibirsi con strumenti a fiato: anche nella Germania medievale esisteva una corporazione di Stadtpfeifer (musicisti cittadini) che suonavano nelle chiese, alle cerimonie solenni, ai matrimoni, e davano anche segnali diversi dalle torri della fortezza o del municipio.
Il concertino per fiati, secondo Schering, appare molto presto, quasi contemporaneamente al concertino per archi. Il suo modello più popolare era anche un trio di due oboi e fagotti all'unisono "bassi". A volte gli oboi venivano sostituiti dai flauti. L'ampia diffusione di tali composizioni (presto ci saranno anche due trombe con un "basso" dei timpani) è attribuita non solo ai loro pregi acustici e alla somiglianza con un trio d'archi, ma anche all'autorità di Lully, che negli anni '70 del XVII secolo li trasferì dalle bande militari francesi all'opera. Gli accostamenti a tre ea cinque voci - puramente dinamici, non timbrici - organizzano e segmentano in modo eccellente le sue forme. In realtà, questo è un ulteriore sviluppo delle tecniche del vecchio concerto a più cori.
Seguendo l'esempio di Lully, Georg Muffat utilizzerà gli echi delle messe chiuse nelle parti di sviluppo dei suoi concertigrossi, questa tecnica non sarà trascurata sia da Corelli che dai suoi seguaci. Tuttavia, nel XVIII secolo, Vivaldi "scarta la vecchia comprensione del concertino, che richiedeva l'unità stilistica di entrambe le questioni sonore, e ne propone una nuova, dettata dallo spirito dei tempi, colorata e programmatica. Questo stesso principio era già noto ai compositori d'opera veneziani. Torelli e Corelli lo svilupparono gradualmente nei loro concerti pastorali. Vivaldi lo combinò con la poesia dei concerti solistici ". Come spesso è accaduto nella storia della musica, lo stile sinfonico ha ricevuto da quello teatrale una colorata interpretazione del programma dell'orchestra. A loro volta, molte ouverture di opere, oratori e cantate dell'inizio del XVIII secolo si rivelano in realtà cicli di concerti grosso. Una delle prime "ouverture italiane" - all'opera "Eraclea" (1700) di A. Scarlatti - un ciclo "Vivaldi" in tre parti.
Il principio di giustapposizione delle masse sonore era uno dei principi fondamentali dell'orchestra barocca, e non per niente la forma del ritornello basata su queste giustapposizioni si adattava così bene a tutti i generi. La sua influenza può essere rintracciata anche nelle prime sinfonie classiciste (rarefazione della trama nella parte laterale, invasioni di tutti - "ritornelli", ecc.), Nelle opere di Gluck, Rameau e dei fratelli Graun. E sinfonie per due orchestre, agli appelli dei quali si aggiungevano giustapposizioni di concertini isolati da esse, furono scritte in Italia già nella seconda metà del Settecento; nella musica di tutti i giorni e di programma, Haydn e Mozart a volte usavano il multi-coro.
test
1. Il concetto di concerto, specificità, classificazione
Un concerto è una speciale forma scenica completa, che si basa su un'esibizione, le proprie leggi di costruzione, i propri principi artistici e le proprie "condizioni di gioco". Ognuno di loro ha le sue caratteristiche nella forma e nel contenuto.
I concerti sono di vario tipo:
misto (numeri musicali, letture artistiche, scene di spettacoli, ecc.),
varietà (musica vocale e strumentale leggera, storie umoristiche, spettacoli circensi, ecc.),
musicale,
letterario.
Il più comune è un concerto di divertissement (collettivo), che può includere: canto, musica, danza, scenette, parodie, ecc. Un tale concerto, soprattutto teatrale, è un'opera d'arte scenica e il ruolo più importante in esso appartiene al regista.
Anche un concerto - (tedesco - "concorso") - una competizione di abilità, la sua dimostrazione.
1) Un brano musicale per uno o più strumenti solisti e orchestra.
2) Esecuzione pubblica di opere musicali.
3) Esecuzione pubblica di opere di piccole forme, concorso di generi diversi, tipi di arti dello spettacolo.
Il concerto è forse la forma più popolare e generalmente accessibile di lavoro culturale ed educativo, che ha un potenziale educativo significativo. La funzione principale del concerto è la formazione del gusto estetico e dei sentimenti estetici, la familiarizzazione con il mondo della bellezza. Infine, un concerto di successo, professionale o amatoriale, è sempre una buona occasione per rilassarsi dopo una dura giornata, alleviare la fatica e lo stress e ottenere una sferzata di energia per la settimana lavorativa. La metodologia pratica prevede una serie di requisiti e condizioni che i registi dovrebbero tenere in considerazione: alto contenuto ideologico del repertorio eseguito; il suo valore artistico; diversità di genere, soprattutto quando si tratta di un concerto per un pubblico misto; prestazioni di alta qualità di numeri ed episodi; originalità dei numeri eseguiti, varietà di generi; la giusta qualità della base drammatica e il livello appropriato della regia.
Un concerto è un'esecuzione pubblica di opere musicali secondo un programma prestabilito. Durante il Medioevo il concerto aveva un carattere musicale e strumentale. Poteva invitare solo membri di famiglie aristocratiche e nobili. Era organizzato per un piccolo numero di ospiti ed era chiuso da occhi indiscreti. Nella seconda metà del Settecento furono organizzati per la prima volta concerti pubblici di carattere prettamente musicale.
Il primo concerto di intrattenimento, con l'introduzione di un programma ponderato, è stato organizzato in Inghilterra. Si sono svolti in teatri, birrerie con palco e nelle sale da concerto degli hotel. I tipi di concerti sono programmi indipendenti, la cui originalità è determinata dai compiti, dalle esigenze dello spettatore, dalle esigenze estetiche di un determinato pubblico. Puoi definire i principali tipi di concerti:
1. Solo - un concerto di un artista, la cui popolarità, unita a un repertorio profondo e vibrante, è in grado di mantenere un interesse instancabile per tutta la serata. I concerti da solista includono anche: concerti di un gruppo coreografico, coro, un ensemble, orchestra, come un unico organismo.
2. Divertimento da concerto - combinato, misto. È determinato dalla performance di artisti di diversi generi.
3. Organizzazioni accademiche, filarmoniche - concertistiche che mirano a promuovere opere altamente artistiche e musicali (e talvolta vari tipi di pop art e arti dello spettacolo). I generi eseguiti in tali concerti sono piuttosto complessi nella forma e nel contenuto e richiedono una preparazione speciale da parte del pubblico.
4. Concerti da camera - (tradotto come "stanza") - secondo il suono del repertorio, secondo la natura dell'esecuzione, destinati a una piccola stanza, a una ristretta cerchia di ascoltatori.
4. Concerto tematico - un concerto di un tema dominante. Lei, come una bacchetta, incorda e raggruppa attorno a sé tutte le componenti artistiche del concerto. Ci sono diversi generi qui.
6. Recensione del concerto - (dal francese "panorama", "recensione") - una recensione su un argomento specifico, la sua trama, il suo corso, presentazione di numeri di vari generi, una combinazione di patetico e comico.
Convenzionalmente, la revisione può essere suddivisa in 2 tipi:
1) Rivista stravagante.
2) Rivista camerale.
In (1), il fattore decisivo è la combinazione del significato del contenuto con l'intrattenimento vivace. La messa in scena di una rivista stravagante è tipica di una sala musicale e di gruppi pop di questo tipo. Nelle riviste stravaganti, i componenti principali sono una varietà di varietà, circo e altri numeri drammatici, grandi gruppi, gruppi di danza, orchestre di varietà. La musica gioca il ruolo principale. Scena. La soluzione nella stravaganza della rivista si distingue per l'uso efficace delle capacità tecniche del palcoscenico.
7. Concerto di varietà - l'apice dell'intrattenimento, prestano meno attenzione alla musica da camera, in particolare alla musica strumentale e ai generi seri. Il posto dominante: canzone pop, umorismo, danza.
8. Concerto di gala - (francese per "grande") - uno spettacolo particolarmente festoso, solenne e che attira il pubblico.
9. Spettacolo - un magnifico spettacolo con la partecipazione di pop star, circo, jazz, sport, ecc., In cui le parole sonore, come l'espressione più completa del contenuto dell'opera eseguita, risultano essere un entourage nascosto di scenografia, luce, capacità tecniche.
10. Concert-shatan - eventi di intrattenimento con diversi programmi in bar, ristoranti, hotel, sale da concerto.
L'organizzazione di concerti è un processo amministrativo e tecnico. Si compone di diverse fasi:
2. Sviluppo della sceneggiatura. Preparazione del progetto da parte del regista;
3. Inviti di artisti famosi;
4. Supporto tecnico del concerto;
5. Decorazione delle vacanze con soluzioni di design;
6. Controllo amministrativo ed elaborazione dei trasferimenti di esecutori e partecipanti.
Vari tipi di celebrazioni, presentazioni di album di artisti preferiti, tournée di concerti di pop star mondiali e statali, feste aziendali e statali, competizioni sportive raccolgono decine di migliaia di persone tutto l'anno negli stadi, nelle piazze, nelle sale da concerto, nelle piazze d'armi. Interi team di specialisti stanno lavorando all'organizzazione di ogni evento.
La base del concerto sono i numeri. A seconda del loro contenuto, struttura e natura, si distinguono i seguenti tipi di concerti: divertissement, tematici, teatrali e reportage. I concerti di divertissement sono composti da numeri musicali di vari generi. Di solito sono costruzioni senza trama. I concerti tematici si tengono nei club in occasione di festività, anniversari.
Recentemente, i concerti teatrali hanno acquisito grande popolarità, una sorta di concerto tematico in cui i numeri sono combinati in un unico insieme. Il concerto teatrale è una sintesi di vari generi musicali. I concerti tematici teatrali sono organizzati in relazione a grandi eventi di natura politica, date significative. Fanno parte dell'incontro solenne, il completamento di mostre d'arte amatoriali, vacanze musicali, festival musicali.
A differenza di un concerto tematico, un concerto teatrale ha una sua trama chiara oltre al tema. Di norma, un concerto teatrale strutturalmente si presenta così: un prologo, la parte principale del programma, composto da episodi e numeri teatrali, e un finale. I programmi di music hall amatoriali che combinano vari generi di pop art si sono diffusi. L'elaborazione di un programma del genere è uno dei momenti più responsabili e difficili nell'organizzazione dell'attività concertistica.
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Obiettivi della lezione:
- educativo: far conoscere agli studenti l'origine e lo sviluppo del genere concertistico strumentale utilizzando l'esempio del concerto di A. Vivaldi "Le stagioni", consolidare idee su vari tipi di concerti, ampliare idee sulla musica a programma.
- Educativo: continua a presentare i migliori esempi di musica barocca.
- Educativo: coltivare la reattività emotiva alla percezione della musica classica, sviluppare interesse e rispetto per il patrimonio musicale di compositori di altri paesi.
Attrezzatura: proiettore multimediale, G.P. Sergeeva, E.D. Kritskaya "Musica" per il grado 6, un taccuino creativo per questo libro di testo, fono-chrestomathies per il libro di testo "Musica" per il grado 6, cartella di lavoro, dizionari musicali.
Piano della lezione:
1. Momento organizzativo.
2. Era barocca: compositori, generi, immagini musicali.
2.1. Lo sviluppo del genere concertistico nell'opera di A. Vivaldi.
2.2. La storia del balletto "Le Stagioni".
2.3. Interpreti moderni e gruppi esecutivi.
3. Compiti a casa.
DURANTE LE CLASSI
1. Momento organizzativo
Saluto sotto forma di canti vocali eseguiti dall'insegnante:
Ciao ragazzi, ciao! (Movimento graduale verso l'alto dal primo passo al quinto secondo i suoni della triade tonica).
I bambini rispondono:
"Ciao, insegnante, ciao!" (Ripetizione completa della canzone originale).
2. Imparare nuovo materiale.
La musica ispira il mondo intero, fornisce le ali all'anima, favorisce il volo dell'immaginazione,
la musica dà vita e divertimento a tutto ciò che esiste...
Può essere definito l'incarnazione di tutto ciò che è bello e sublime.
Platone
Insegnante: Alla primissima lezione di musica in prima media, abbiamo parlato della diversità musicale: la musica può essere vocale e strumentale. L'argomento della nostra lezione di oggi è "Concerto strumentale". Nome, per favore, generi di musica strumentale e possibili composizioni di artisti. (I bambini nominano il genere di sinfonia, concerto, vocalizzazione, canzoni senza parole, sonate, suite e ensemble esecutivi - musica solista, ensemble orchestrale). Cerca il significato della parola "Concerto" nei dizionari musicali.
(I bambini cercano una determinata parola e leggono ad alta voce la definizione trovata).
Alunno: Concerto (it. concerto dal lat. - concerto- io gareggio) si chiamano:
1. Esecuzione pubblica di opere musicali.
2. Il genere di un'importante opera musicale di natura virtuosistica per solista e orchestra, il più delle volte scritta sotto forma di un ciclo di sonate.
3. Musica polifonica vocale o vocale-strumentale basata sul confronto di due o più parti. Il concerto è costruito in tre parti (veloce - lento - veloce).
Nella storia della musica ci sono concerti per uno strumento solista e un'orchestra, per un'orchestra senza solisti, nella musica russa del XVIII secolo sorse il genere del concerto corale spirituale.
Insegnante: Nel manuale (pp. 108-110), nella serie pittorica, considereremo riproduzioni del dipinto “Primavera” di S. Botticelli e rilievi di F. Goujon. Quale stile artistico di musica useresti per suonare queste opere d'arte? L'argomento della lezione di oggi è "Concerto strumentale". Conoscerai l'origine e lo sviluppo del genere della musica da camera - concerto strumentale. Ricorda il nome dello stile artistico nella cultura e nell'arte dei paesi europei nel periodo 1600-1750; Il lavoro di quali compositori appartiene all'era barocca. (I bambini dovrebbero dare una definizione di questa parola dall'argomento "Immagini della musica sacra dell'Europa occidentale", nome J.S. Bach, libro di testo p. 66). Hai correttamente chiamato il significato di questa parola. Il barocco è uno degli stili più belli e raffinati dell'arte. Presumibilmente derivato dall'espressione portoghese pleurabarocco- una perla dalla forma bizzarra. In effetti, il barocco è una perla nella catena dei mutevoli valori artistici nella pittura, nell'architettura, nella scultura, nella letteratura, nella musica.
Per il maestro barocco era importante catturare la bellezza divina della vita. Il barocco come stile artistico è caratterizzato da espressività, splendore, dinamica. L'arte barocca ha cercato di influenzare direttamente i sentimenti di spettatori e ascoltatori, sottolineando la natura drammatica delle esperienze emotive umane. Fu con l'avvento del barocco che la musica per la prima volta dimostrò pienamente le sue possibilità per un'incarnazione profonda e sfaccettata del mondo delle esperienze spirituali umane. I generi musicali e teatrali, principalmente l'opera, sono venuti alla ribalta, il che è stato determinato dal desiderio caratteristico del barocco di espressione drammatica e una combinazione di vari tipi di arte. Ciò si è manifestato anche nell'ambito della musica religiosa, dove i generi principali erano l'oratorio spirituale, la cantata e le passioni. Allo stesso tempo, c'era la tendenza a separare la musica dalla parola - allo sviluppo intensivo di numerosi generi strumentali. La cultura barocca è rappresentata dai più alti successi nelle belle arti (Rubens, Van Dyck, Velasquez, Ribera, Rembrandt), nell'architettura (Bernini, Puget, Cuazevaux), nella musica (A. Corelli, A. Vivaldi, J.S. Bach, G.F. Handel). L'era barocca è considerata dal 1600 al 1750. Durante questo secolo e mezzo sono state inventate forme musicali che, dopo aver subito modifiche, esistono attualmente.
Nella lezione di oggi conoscerete il ciclo di concerti "Le stagioni", che è l'apice dell'opera di A. Vivaldi. Antonio Vivaldi è un violinista, compositore e insegnante italiano.
Il patrimonio creativo di Vivaldi è estremamente ampio. Copre circa 700 titoli. Tra loro ci sono 19 opere. Ma il principale significato storico del suo lavoro è stata la creazione di un concerto strumentale solista. Circa 500 opere sono state scritte in questo genere. Molti dei suoi concerti sono stati scritti per uno o più violini, due per due mandolini e diversi per brani musicali insoliti, come due violini e due organi. Componendo concerti per strumenti ad arco, il compositore fu uno dei primi a dedicarsi alla composizione di musica per strumenti a fiato, considerati primitivi e poco interessanti per i compositori. L'oboe, il corno, il flauto e la tromba suonavano pieni e armoniosi nel suo concerto. Concerto per due flauti A. Vivaldi ha scritto per ordine. Ovviamente, gli esecutori volevano dimostrare che con la tromba si può suonare musica bella e virtuosa. Fino ad ora, l'esecuzione di questo concerto è la prova della massima abilità dell'esecutore. Molta musica è stata scritta dal compositore per fagotto - più di 30 concerti per fagotto e orchestra. Tra gli strumenti a fiato, Vivaldi ha privilegiato in modo particolare il flauto dal timbro gentile e morbido. Nelle parti assegnate al flauto suona a piena voce, mostrando tutte le sue virtù.
Nell'opera di A. Corelli si è formato il concerto grosso (confronto dell'intero ensemble con più strumenti). A. Vivaldi ha fatto un passo avanti rispetto al suo predecessore: ha formato il genere del concerto solista, che differiva notevolmente per scala di sviluppo, dinamismo ed espressività della musica. Le composizioni dei concerti alternavano parti solistiche e orchestrali, basate su un "contrasto ben organizzato". Il principio del contrasto ha determinato la forma in tre movimenti del concerto: il 1° movimento è veloce ed energico; 2 ° - lirico, melodioso, di piccole dimensioni nella forma; La parte 3 è il finale, vivace e brillante. Il concerto strumentale solista era pensato per un vasto pubblico, per il quale erano inerenti elementi di intrattenimento, una certa teatralità, manifestata nella competizione tra solista e orchestra - nell'incessante alternanza di tutti e solo. Questo era il significato del concerto, la musica.
Il ciclo di concerti "Le stagioni" è l'apice dell'opera di A. Vivaldi.
Vi consiglio di ascoltare la prima parte del concerto. (La prima parte suona, l'insegnante non nomina il nome).
– A quale periodo dell'anno può essere associata questa musica? ? (Gli studenti determinano l'intonazione iniziale, la natura della musica, il ritmo veloce, i contrasti dinamici, i momenti visivi - imitazione del canto degli uccelli, è primavera).
Il mondo in cui viviamo è pieno di tutti i tipi di suoni. Il fruscio delle foglie, il tuono, il rumore della risacca, il fischio del vento, le fusa di un gatto, il crepitio della legna che arde nel camino, il canto degli uccelli...
Nei tempi antichi, l'uomo si è reso conto che i suoni sono diversi: alti e bassi, brevi e lunghi, ovattati e forti. Ma i suoni in sé e per sé non sono musica. E quando una persona ha iniziato a organizzarli per esprimere i propri sentimenti e pensieri, è nata la musica.
Come puoi descrivere la melodia? (Possibili risposte dei bambini: puoi sentire chiaramente dove suona l'orchestra e dove suona il violino solista. Una melodia che viene eseguita dall'orchestra; la melodia è in una tonalità maggiore, molto chiara, brillante, facile da ricordare, in un ritmo di danza. La melodia eseguita dal solista è molto più complessa, è virtuosa, bella, decorata con canti musicali, simile al canto degli uccelli).
Tra i musicisti di tutti i tempi, è stato popolare imitare le voci degli uccelli. Il canto degli uccelli è stato imitato nell'antichità e tali imitazioni si trovano ancora nel folklore musicale di diversi popoli. Pensatori, scienziati, musicisti hanno cercato le origini della musica nel canto degli uccelli. La "musicalità" di molti uccelli non finisce mai di stupire. Non c'è da stupirsi che l'usignolo sia diventato uno dei simboli dell'arte in generale, e il confronto con esso è un elogio per il cantante. I compositori dell'era barocca hanno scritto molta bella musica "uccello" - "Swallow" di K. Daken, "Calling", "Chicken" di F. Rameau, "The Nightingale in Love" e "The Nightingale - the Winner" di F. Couperin, numerosi "Cuckoos" - Couperin, A. Vivaldi, B. Pasquini, ecc. I temi musicali dell'orchestra e del solista sono collegati? (C'è un ritmo nei temi musicali, un'eccitazione vivacemente dinamica, un respiro di spazio nella natura, si può sentire la gioia della vita).
– Qual era lo strumento più perfetto in epoca barocca?
Quanti pochi strumenti ad arco usava A. Vivaldi rispetto alle orchestre moderne. Nella versione originale, secondo l'intenzione del compositore, ci sono solo cinque corde. Le bande d'archi moderne sono nate come piccole orchestre di cinque, poi dieci, dodici, quattordici strumenti. Il violino è lo strumento più importante dell'orchestra, la Cenerentola della moderna orchestra sinfonica. Fino ad ora, è lo strumento più perfetto di tutte le corde. Ha un suono meraviglioso e una gamma incredibile. Durante il periodo di Vivaldi e Bach, sono stati realizzati i migliori strumenti della storia. Nella piccola città italiana di Cremona sono stati realizzati violini belli e unici. Ricordiamo i nomi di Stradivari, Amati, Guarneri. La cittadina era famosa per i suoi artigiani. Negli ultimi trecento anni nessuno ha saputo costruire violini meglio dei maestri cremonesi. Nel suo lavoro, A. Vivaldi ha mostrato la luminosità e la bellezza del suono del violino come strumento solista.
La musica è una delle forme d'arte. Come la pittura, il teatro, la poesia, è un riflesso figurativo della vita. Ogni arte parla la sua lingua. La musica - il linguaggio dei suoni e delle intonazioni - ha una profondità emotiva speciale. Era questo lato emotivo che provavi ascoltando la musica di A. Vivaldi.
La musica ha una forte influenza sul mondo interiore di una persona. Può portare piacere o, al contrario, causare una forte ansia mentale, incoraggiare la riflessione e aprire all'ascoltatore aspetti della vita precedentemente sconosciuti. È la musica che viene data per esprimere sentimenti così complessi che a volte sono impossibili da descrivere a parole.
Pensa se è possibile mettere in scena un balletto su questa musica? Quando un solista e un'orchestra competono in abilità, devono certamente suonare per il pubblico. È in questa incessante alternanza del suono dell'orchestra e del violino solista dal suono brillante, nel sentimento del teatro e della discussione, nell'armonia e nell'armonia della forma musicale, che si avvertono i tratti caratteristici della musica barocca. Quando ascolti di nuovo la prima parte del concerto, ascolta il tessuto musicale che suona. La voce melodica è combinata con un accompagnamento continuo e rigorosamente definito. Questa è la differenza rispetto alle opere del periodo precedente, in cui la polifonia ha svolto il ruolo principale: il suono simultaneo di più melodie, uguali nel loro significato.
Quindi, il concerto di A. Vivaldi "The Seasons" è composto da quattro parti. Il nome di ogni parte corrisponde al nome della stagione. Lo sviluppo dell'immagine musicale di ogni movimento si basa non solo sul confronto tra il suono del violino solista e il tutti dell'orchestra. Nel concerto, la musica segue le immagini di sonetti poetici, con i quali il compositore rivela il contenuto di ciascuno dei concerti del ciclo, cioè c'è un programma. Ci sono suggerimenti che i sonetti siano stati scritti dallo stesso compositore. Passiamo alle traduzioni del sonetto, che è diventato una sorta di programma da concerto. Nel libro di testo alle pagine 110-111 vengono proposte due opzioni di traduzione. Quale di loro, secondo te, corrisponde più accuratamente all'immagine musicale della prima parte del Concerto di primavera? Con quale espressività il testo letterario trasmette l'umore di una persona, il suo stato mentale ed emotivo associato all'arrivo della primavera? A. Vivaldi, utilizzando il programma letterario nel suo concerto, è stato il fondatore della musica a programma. Nel 19 ° secolo nacque la musica a programma, un'opera basata su una base letteraria.
La musica a programma è una sorta di musica strumentale. Si tratta di opere musicali che hanno un programma verbale, spesso poetico e rivelano il contenuto in esso impresso. Il titolo può servire da programma, indicando, ad esempio, i fenomeni della realtà che il compositore aveva in mente ("Morning" di E. Grieg per il dramma di G. Ibsen "Peer Gynt") o l'opera letteraria che lo ha ispirato ("Romeo e Giulietta" di P. I. Tchaikovsky - ouverture - fantasia basata sull'omonima tragedia di W. Shakespeare).
Passiamo al libro di testo. A pagina 109. ti viene proposto il tema principale della prima parte del concerto “Primavera”. Ricorderò il suo suono suonando lo strumento. Puoi cantare questa melodia? Cantiamo la melodia. Conoscere i mezzi di espressione musicale, caratterizzare questo tema musicale (gli studenti caratterizzano la melodia, la modalità, la durata, il tempo, il registro, il timbro). Questo tema è ripetitivo? In quale forma musicale (rondò, variazioni) è stata scritta la prima parte del concerto? Quale principio di sviluppo (ripetizione o contrasto) utilizza il compositore nella musica del 1° movimento? Ci sono episodi pittorici? Se ci sono, determinane la necessità e conferma con un esempio tratto da un testo letterario. Puoi cantare la melodia eseguita dal solista? (Difficile da eseguire, passaggi virtuosistici, come una folata di vento, trilli di uccelli). Confrontare con la rappresentazione grafica della melodia (movimento ascendente, brevi durate, ecc.). La necessità di creare musica strumentale a programma apparve in Italia già nel XVII secolo. In quel momento, quando nell'opera entrarono di moda immagini di gesta eroiche e idilli pastorali, immagini degli inferi e delle forze naturali - un mare in tempesta, foglie fruscianti; all'orchestra in tali scene veniva assegnato un ruolo dominante. Rispetto ai compositori strumentisti dell'era barocca, A. Vivaldi scoprì un grande talento in quest'area. Per molto tempo Vivaldi fu ricordato grazie a J.S. Bach, che fece diverse trascrizioni delle sue opere. Furono trascritti sei concerti di Vivaldi per pianoforte e organo, che per lungo tempo furono considerati scritti dallo stesso Bach. Il lavoro di A. Vivaldi ha avuto una grande influenza sulla formazione dello stile creativo di J.S. Bach, in particolare i primi concerti per violino di Vivaldi.
Ti rivolgerai ancora una volta alla musica della 1a parte del Concerto di primavera, ma l'audizione sarà insolita: ascolterai e guarderai entrambi un frammento del balletto Le quattro stagioni sulla musica di A. Vivaldi messo in scena dall'eccezionale coreografo francese R. Petit. Il balletto è eseguito dalla compagnia di Marsiglia.
Lo spettacolo "The Seasons" è stato messo in scena da diversi coreografi su musiche diverse. Molti compositori hanno scritto musica su questo tema, questi sono A. Vivaldi, P.I. La performance odierna del coreografo R. Petit è basata sul tema di Balanchine. Passiamo all'enciclopedia del balletto.
George Balanchine, nato nel 1904, coreografo americano. Il suo lavoro ha contribuito alla formazione di una nuova direzione nella coreografia. Ha messo in scena balletti drammatici, comici, farseschi, spesso basati su una semplice trama, dove l'azione è stata rivelata per mezzo della danza e della pantomima; lo stile del balletto era in gran parte determinato dalla decorazione, che aveva un certo significato. Questa direzione nel suo lavoro è stata maggiormente sviluppata dopo il 1934. Balanchine iniziò a creare balletti su musica che non era destinata alla danza (suite, sinfonie, incluso il concerto delle Quattro Stagioni). Non c'è trama in questi balletti, il contenuto si rivela nello sviluppo di immagini musicali e coreografiche.
L'idea di creare un balletto sul tema di Balanchine, balletto senza trama, neoclassico, danza per amore della danza, ha visitato il coreografo. Il risultato di questo desiderio è la creazione del balletto Le quattro stagioni. Roland è un uomo impressionista che si presta alle impressioni. Grazie alla fantastica musica di A. Vivaldi e all'immaginazione creativa del coreografo, è stata messa in scena la performance di oggi. Una delle caratteristiche distintive di R. Petit come coreografo è la semplicità e la chiarezza del testo coreografico. R. Petit è una persona che sa creare assolutamente in tutte le direzioni e in tutti i generi: ha messo in scena danze per film, molte riviste per musical, spettacoli drammatici. Ha messo in scena spettacoli in cui la danza era qualcosa di divino, qualcosa che porta piacere e gioia a chi era nell'auditorium. R. Petit è una persona che ama tutto ciò che è bello. Per la sua coreografia, è sempre guidato da un solo criterio: la bellezza, un'armoniosa combinazione di musicalità e bellezza.
Il balletto Le Quattro Stagioni va in scena in una delle piazze più belle del mondo, Piazza San Marco a Venezia. L'architettura divina della piazza fa da scenario a questa rappresentazione. Gli artisti che si esibiscono sono entrati nella leggenda, in quanto protagonisti degli anni '70 e '80. Questi sono Domenic Colfuni, Denis Gagno, Louis Gebanino. R. Petit ha apprezzato molto la loro creatività e talento. In particolare, Domenique Colfuni è una delle ballerine preferite di Petit. D. Kolfuni era una ballerina dell'Opera Nazionale di Parigi, ma su richiesta di R. Petit partì per Marsiglia. Per lei, R. Petit ha creato molte esibizioni, in particolare la commedia "My Pavlova". Come una volta A. Pavlova era l'ideale per il coreografo M. Fokin, D. Colfuni divenne la stessa "Pavlova" per R. Petit. (Visualizzazione di un frammento del balletto "Stagioni", "Primavera").
L'interesse dei musicisti professionisti per la musica dell'era barocca non si esaurisce. Nel 1997, il famoso clavicembalista italiano e conoscitore del barocco Andrea Marcon ha creato la Venice Baroque Orchestra. Questo gruppo in quattro anni è diventato famoso come uno dei migliori ensemble di esecuzione strumentale barocca, prima di tutto come convincente interprete della musica di Antonio Vivaldi. Numerosi concerti e produzioni operistiche dell'orchestra in molti paesi europei hanno ricevuto ampi riconoscimenti non solo tra il pubblico generale, ma anche tra i critici musicali. Con le sue esecuzioni l'orchestra ha offerto agli ascoltatori una nuova lettura delle opere di A. Vivaldi, F. Cavalli, B. Marcello.
La scorsa stagione concertistica, ci sono stati concerti in 28 città degli Stati Uniti con il violinista Robert McDuffy, tournée in Giappone e Corea con la partecipazione del violinista Giuliano Carmignolo, un programma di opere di Antonio Vivaldi è stato eseguito in una delle migliori sale da concerto di Amsterdam - Concertogebouw. Partecipando a vari festival in Austria, Svizzera e Germania, l'orchestra si è esibita con famosi solisti come Magdalena Kozhena, Cecilia Aartoli, Vivica Geno, Anna Netrebko, Victoria Mullova.
L'ampia discografia dell'orchestra ha vinto numerosi premi prestigiosi. Comprende registrazioni di concerti per violino di Vivaldi e Locatelli, un album di sinfonie e concerti per archi di Vivaldi, molte opere di compositori dell'era barocca eseguite da eccezionali musicisti del nostro tempo.
L'interesse per la musica di A. Vivaldi non si esaurisce. Il suo stile è riconoscibile da una vasta gamma di ascoltatori, la musica è brillante e non perde i suoi colori. Ne è un esempio l'appello del moderno coreografo R. Petit alla musica di Vivaldi e la sua eccellente produzione del balletto Le quattro stagioni, la creazione di nuove orchestre strumentali.
Qual è il segreto di tanta popolarità della musica di A. Vivaldi? Ascoltando la musica di un compositore di un lontano passato, cosa ha reso una persona felice e triste? Per cosa si è battuto, a cosa ha pensato e come ha percepito il mondo? Musica di A. Vivaldi, la musica del passato si capisce. I sentimenti, i pensieri sull'esperienza dell'uomo moderno non sono cambiati affatto rispetto al passato. Questa è la gioia della vita, la percezione del mondo circostante, che nella musica di Vivaldi è positiva e affermativa. I concerti nell'opera di A. Vivaldi furono una continuazione dello sviluppo del genere dei concerti strumentali, avendo ricevuto una forma finita che divenne un modello per le successive generazioni di compositori europei.
3. Compiti a casa: compito in un taccuino creativo sull'argomento "Concerto strumentale".