Quando sei un artista principiante, l'importante è non arrendersi! Nei primi anni la formazione occupa quasi tutto il tuo tempo libero. E se sembra che l'obiettivo non possa essere raggiunto, è necessario cambiare l'approccio, non l'obiettivo stesso.
Il designer 2D dello studio Plarium Kharkiv Yuri Ostapchuk ha parlato del primo anno di studio di concept art, ha condiviso collegamenti a corsi e tutorial utili e ha analizzato il processo di creazione della sua prima serie di lavori nella direzione dell'Environment Concept Art.
Perché hai deciso di studiare Concept Art e da dove hai iniziato?
Il mio lavoro è più legato agli aspetti tecnici che a quelli creativi e mi interessa creare qualcosa di nuovo.
Sapevo di non avere capacità artistiche, quindi frequentavo lezioni di disegno accademico nel nostro ufficio 4 volte a settimana. Ridisegnato. Ho guardato tutto quello che ho trovato su CG: webinar, tutorial, interviste, streaming. E continuo a guardare qualcosa di nuovo ogni giorno.
I nostri concept artist mi hanno regalato un paio di video che spiegano chiaramente la differenza tra un concept e la semplice arte. Questo Canale FZDSCHOOL, in particolare il video “ Design Cinema Podcast EP 1 - Carriera nella Concept Art" In russo - streaming con Ivan Smirnov E traduzione della lezione di Marc Brunet. Molto utile per iniziare.
Ho provato a definire una sorta di pipeline e lavorarci sopra. Ma questo non ha dato alcun risultato e ho iniziato a studiare di più.
Hai studiato da solo o hai seguito dei corsi?
Ho chiesto all'insegnante di disegno classico le nozioni base di anatomia e proporzioni. Ho risolto problemi di progettazione guardando libri e video d'arte. Poi ho deciso di seguire il corso. Non ha senso prendere qualcosa di alto e costoso per un principiante, quindi ho optato per il corso online di Olya Starodubtseva e sono rimasta molto soddisfatta. Questo è stato il primo passo, dopo di che ho ottenuto qualche risultato: fino a 2 caratteri.
Naturalmente ho commesso degli errori che ho visto in seguito. Ma ho capito il percorso e ho avuto la prima spinta. I corsi ti fanno lavorare molto duramente. Appare una sorta di programma, sai esattamente cosa fare e in quale ordine ti danno le modifiche. Inoltre, dopo la formazione ho potuto comunicare in modo più sostanziale con gli artisti che lavorano con noi.
Dopo un po 'ho seguito un altro corso di Max Kozhevnikov.
Qual è stata la cosa più utile per te?
Comunità. Ad oggi mi affido all'aiuto di ragazzi provenienti da diversi reparti. Questo è un intero team di persone meravigliose che possono aiutare con vari problemi: personaggi, ambienti, 3D. Tale comunicazione può essere sostituita solo da un gran numero di corsi con tutoraggio. E qui i tuoi amici ti aiutano.
È molto difficile studiare da solo. Se non discuti con nessuno di quello che stai facendo, è probabile che farai qualcosa di stupido.
Cosa stai studiando adesso e perché?
L’industria della CG detta costantemente nuove condizioni. Prima che tu abbia il tempo di imparare una cosa, ne appare una nuova. Mentre stavo imparando a disegnare e creare personaggi, è arrivato il momento in cui ho avuto bisogno di usare il 3D. Inoltre, la nostra azienda ha iniziato a orientarsi verso progetti nel genere dei giochi di ruolo, quindi ho deciso di padroneggiare la concept art dell'ambiente 3D. Ho iniziato a utilizzare 3D-Coat. All'inizio ho studiato da solo, poi ho seguito un corso da Jama.
Volevo realizzare un progetto separato in cui avrei potuto mostrare il massimo risultato e includere il 3D nella mia pipeline. È così che è nata la serie di lavori Deserter Knights Hideout.
Raccontaci le fasi principali della realizzazione di un trittico.
Volevo raccontare la storia in tre piani: abbiamo visto un luogo da lontano, ci siamo avvicinati e ci siamo ritrovati dentro. Tutto. Narrazione molto semplice.
Ogni lavoro, dai riferimenti al finale, ha richiesto circa un mese, poiché spesso ho commesso degli errori. In realtà non ce ne sono 3, ma 53 e 50, spero che nessuno li abbia visti e non li vedrà.
Idea. Sono stato molto ispirato dal film "Flesh and Blood" di Paul Verhoeven sui mercenari abbandonati. La tana dei cavalieri fuggitivi mi è sembrata un'idea interessante, non resta che renderla originale, con un twist.
Solo un castello in rovina è noioso, quindi ho scelto un'abbazia abbandonata. Gli elementi gotici avevano lo scopo di migliorare l'effetto drammatico. Ho scelto un nido come immagine artistica. Ha un aspetto piuttosto espressivo: tanti bastoncini intrecciati, appuntiti e piuttosto aggressivi.
In generale l'immagine è ben consolidata e raccogliere i riferimenti non è stato difficile.
Inoltre, cercavo non solo la forma, ma anche l'atmosfera generale.
Schizzi. In fase di schizzo, ho deciso le questioni relative alla composizione, al tono e all'illuminazione della scena.
Blocco. Avevo solo bisogno di forme generali e di luce. 3D-Coat era perfetto per questo. Per il rendering ho utilizzato KeyShot: ho impostato le telecamere (angoli) e l'illuminazione generale della scena utilizzando una scheda HDRI.
Naturalmente è necessaria una modellazione più dettagliata e accurata, ma non ho ancora padroneggiato abbastanza 3D-Coat e KeyShot. Pertanto, ho realizzato le texture in Photoshop utilizzando fotografie.
Per i dettagli finali ho utilizzato i pennelli di Jama Jurabaev e pennelli per texture personalizzati.
Sei soddisfatto del risultato?
Certamente. Ho ancora molto su cui lavorare, ma i risultati ci sono. Due dei miei lavori sono stati aggiunti alla gallery 3D-Coat.
Ho ricevuto feedback da molti artisti, le cui opinioni e critiche sono molto importanti per me. L'artista ambientale di Stoccolma Otto Ostera ha creato una scena in Unreal 4 e un set completo di risorse utilizzando il mio concetto.
È molto bello quando il tuo lavoro ispira qualcuno a creare mondi di gioco a tutti gli effetti. Questa, in sostanza, è la missione di un concept artist.
realizzazione di concept art ambientali
Ora che abbiamo trattato alcune questioni generali, mostrerò le fasi di sviluppo di un personaggio disegnato appositamente per questo articolo. Chi sia e cosa stia facendo ora è sconosciuto alla scienza. Tuttavia, prima di diventare un uomo, era un vecchio ceppo di salice che germogliò;) Sembra che sia un nativo simile ad un albero.
Da dove iniziare a disegnare uno schizzo? È meglio realizzare un paio di schizzi con qualsiasi tecnica, con qualsiasi materiale. Gli schizzi ti aiuteranno a decidere la composizione della figura e la sua immagine. Non ci vorrà molto tempo, ma renderà il lavoro molto più semplice.
Possono esserci da 2 a 10 schizzi di questo tipo, a tua scelta. Quindi puoi iniziare a disegnare direttamente sul formato. In questa fase, delineiamo la posizione della figura, le sue proporzioni di base.
Continuiamo a lavorare sulla massa totale della figura nel foglio.
Cominciamo a delineare alcuni dettagli (l'attenzione ai dettagli è una regola sacra per qualsiasi concept artist!):
Approssimativamente in questa fase, puoi applicare l'ombreggiatura tonale.
Continuiamo ad alzare il tono.
Sviluppiamo dettagli decorativi, mostriamo che il ragazzo è un albero e diamo una consistenza leggera alla pelle.
Aumenta il contrasto dei contorni. Aggiungi braccialetti.
Diamo “colore” alla pelle, lavoriamo sul contrasto, lo correggiamo, dipingiamo sopra, il lavoro è in fase di completamento.
A dire il vero, il piano originale era quello di colorare la carta e creare bellissimi punti luce con i pastelli bianchi. Ma una grave mancanza di tempo mi ha costretto a prendere una strada meno creativa e ad eseguire la viraggio utilizzando Adobe Photoshop :)
Aggiungi un paio di punti salienti... E il nostro nativo a forma di albero è pronto! :)
Durante la preparazione di questo materiale, ho anche formulato alcuni punti caratteristici riguardanti lo sviluppo di un concetto grafico a cui dovrebbe essere prestata attenzione, soprattutto da parte degli artisti alle prime armi.
1. Come inizia lo sviluppo del gioco in un team giovane e ancora in formazione? Di solito, se c'è una persona che sa disegnare, realizza semplicemente una serie di schizzi che corrispondono approssimativamente al tema del gioco futuro. Dove appare immediatamente l'errore? E il fatto è che tutto è fatto “approssimativamente”, non c'è un compito chiaro, un tema chiaro, ma ci sono infatti solo un paio di disegni che non dicono nulla sullo stile grafico del gioco, dal momento che uno che ci ha lavorato non ne sa molto ci ha pensato. Conclusione: devi iniziare a disegnare schizzi dopo aver sviluppato il concetto del gioco e la sceneggiatura. E non cercare di “aggiustare” gli schizzi di personaggi, architettura, ecc. in seguito. per il design del gioco sviluppato successivamente. In generale, è necessario disegnare concetti interagendo costantemente con il progettista del gioco e lo sceneggiatore.
2. Il team ha già deciso quale sarà il genere e lo stile del futuro successo. L'artista inizia a disegnare schizzi, ma si concentra solo sui personaggi, o solo sulle armi, o solo sulle automobili. Che c'è? Quello che non va è che in questo modo non emerge lo stile grafico complessivo del gioco. È necessario affrontare tutto insieme e in una volta. L'ambiente architettonico, la flora, la fauna, le armi, gli incantesimi, nonché i caratteri, l'interfaccia e altri elementi grafici: tutto questo dovrebbe essere armoniosamente combinato nel tuo gioco.
3. L'artista lavora su tutto insieme, lavora giorno e notte, crea un gran numero di schizzi e per qualche motivo fanno un'impressione positiva solo su lui e sui suoi più stretti collaboratori... Ma ai giocatori non piacciono affatto o, peggio ancora, dell'editore. Causa? È tutto nella presentazione! I migliori schizzi creati devono essere ridisegnati con cura e attenzione per la finitura. Questa non è una perdita di tempo, questo è il lavoro di un artista!
4. Proporzioni, anatomia, composizione della figura in formato foglio, ecc. Tieni a mente tutti questi componenti quando crei i tuoi schizzi. Per creare bellissime pose per i tuoi personaggi, devi avere una base di queste stesse posizioni tratte dalla vita. Non dovresti trascurare le fotografie di persone e animali, prese, ad esempio, da riviste.
5. Attenzione ai dettagli! Attenzione ai dettagli! – svegliarmi un giorno da un incubo in cui, sullo sfondo della giungla del film “Apocalypse Now”, al ritmo della musica dei Doors, una voce forte che sorvolava monotonamente gli appiccicosi tropici insieme al rombo delle eliche degli elicotteri mi ha insegnato : "Attenzione ai dettagli! Attenzione ai dettagli!”, ho capito che i dettagli sono molto importanti, molto più importanti di quanto pensassi prima. Da allora, non ho mai dimenticato la necessità di aggiungere ulteriori cuciture, chiusure, cinture, graffi e altre “piccole cose” agli abiti dei personaggi. Non dimenticare anche tu! :)
6. Esperienza. Non esiste alcun sostituto. Con l’esperienza arriva la comprensione, con l’esperienza arrivano l’automaticità e il tecnicismo. Quindi, disegna, disegna e disegna ancora un po'! Più lavori, più opportunità ti saranno offerte.
7. All'inizio dell'articolo si diceva già dell'invenzione di un personaggio e del fatto che l'immaginazione può essere sprecata irrazionalmente. Questo è tutto vero. Ma è meglio non inventare proprio nulla! Lascia libera la tua mente, il tuo subconscio farà tutto per te, perché memorizza immagini di centinaia di migliaia di persone, personaggi, dettagli! Dal vivo, da film, libri, giochi, sogni...
Forse per ora mi limiterò a questi sette suggerimenti di analisi.
Ma ora è il momento di parlare della presentazione della tua grafica. Come far sì che gli estranei (ad esempio i giocatori) apprezzino il tuo lavoro? Una cattiva presentazione, o meglio la mancata presentazione vera e propria (presentiamo l'opera in forma “nuda”, senza alcun abbellimento), può rovinare anche un'ottima idea! Non mostrare i tuoi schizzi ai giocatori o all'editore: nella tua "calligrafia", nessuno vedrà comunque quello che vedi tu. E, inoltre, si ha l'impressione che questo sia un lavoro non elaborato, non dettagliato e, nel complesso, semplicemente brutto (bisogna chiamare le cose col loro nome: anche uno schizzo brillante, dal punto di vista di un normale persona, non un artista, può, ahimè, apparire come scarabocchi incomprensibili) è la tua versione finale. Pertanto, il problema della presentazione deve essere affrontato con piena comprensione; non è necessario affrettarsi a disegnare un volume annuale di grafica di qualsiasi qualità in una settimana: l'esecuzione dovrebbe essere al massimo, il tuo livello massimo! Progetta magnificamente i tuoi schizzi, ricorda quanto una cornice o un tappetino migliora la percezione di un'immagine nella pittura tradizionale. Usa sfondi per i tuoi schizzi: carta antica per temi storici e fantasy, lastre metalliche originali per cyberpunk. Firma i tuoi schizzi con un carattere bello e leggibile, appropriato per stile e dimensioni; le persone che li guarderanno dovrebbero sapere cosa è mostrato nell'immagine. La clausola può anche essere riportata nella forma corretta. In generale, in fase di presentazione, sono molto importanti un approccio progettuale competente e la capacità di dare un aspetto “vendibile” al proprio lavoro.
Negli ultimi anni è diventata ampiamente nota una tecnica per visualizzare visivamente informazioni strutturate. In alcuni casi, però, il loro utilizzo è limitato. Una mappa concettuale è un ulteriore sviluppo dei metodi di visualizzazione dei dati che consente di visualizzare vari concetti e le connessioni tra loro.
Cos'è una mappa concettuale
Una mappa concettuale è una rappresentazione grafica delle connessioni tra diverse idee o oggetti. È costituito da ovali o rettangoli (che contengono determinati concetti) e linee che li collegano (che denotano determinate connessioni tra loro).
Le mappe concettuali non devono essere confuse con le mappe mentali. Questa tecnica ha una struttura gerarchica abbastanza rigida. Mentre le mappe concettuali sono più simili a una rete: oltre ai collegamenti verticali, sono molto facili da identificare anche quelli orizzontali. Questo è molto importante in settori come la medicina o la programmazione.
Una mappa concettuale viene creata sulla base di una domanda focale, una formulazione che stabilisce l'obiettivo e la portata della mappa e indirizza il pensiero verso la soluzione di un particolare problema.
Ecco come appare:
Per cosa puoi utilizzare le mappe concettuali?
Proprio come le mappe mentali, questa tecnica può essere utilizzata nel processo di brainstorming per generare e analizzare idee. La visualizzazione consente di guardare un compito da diverse angolazioni e stimola la creatività.
La tecnologia è ampiamente utilizzata in campi tecnici applicati: ingegneria, programmazione, gestione di progetti.
Occupa un posto speciale nell'istruzione. La sua capacità di mostrare relazioni sia gerarchiche che orizzontali lo rende uno strumento davvero prezioso per spiegare idee e processi complessi. Migliora significativamente la memorizzazione delle informazioni e aiuta a sistematizzare la conoscenza. Può essere utilizzato per creare note o appunti o creare bozze di presentazioni o materiali di testo basati su di esso.
Come realizzare una mappa concettuale
Il processo di creazione delle mappe concettuali è molto semplice e consiste nei seguenti passaggi:
- Decidi una domanda focale. A cosa serve la mappa, quale problema sta cercando di risolvere? Scrivilo in poche parole.
- Aggiungi anche altre idee o concetti. Scrivi ciascuno in una cella separata in formato libero.
- Crea connessioni tra le idee. Basta tracciare linee o frecce tra di loro. Etichettali o utilizza linee prestabilite di diverso tipo (come linee tratteggiate o in grassetto).
- Aggiungi nuovi concetti e connessioni se necessario.
Utilizza i seguenti suggerimenti per rendere la tua mappa concettuale più facile da comprendere:
- Le cellule per i concetti dovrebbero avere dimensioni e forme diverse: questo rende molto più facile per il cervello identificarle. Ciò vale anche per le linee di comunicazione;
- utilizzare colori diversi;
- Se possibile, realizza semplici disegni, proprio come nelle mappe mentali;
- combina concetti della stessa classe: cerchiali con una linea o rendi lo sfondo dello stesso colore;
- usa foglietti adesivi (come fanno nei film polizieschi).
Programmi per creare mappe concettuali
Naturalmente tutto questo può essere fatto manualmente su carta. Ma ora ci sono molti programmi diversi che semplificano la creazione di mappe concettuali. Eccone alcuni:
- CmapTools
- Mente libera
- Xebece
Riepilogo
Le mappe concettuali sono state un ulteriore sviluppo dell’idea delle mappe mentali. Hanno capacità più ampie: consentono di visualizzare non solo connessioni verticali, ma anche orizzontali. Le mappe concettuali sono facili da usare, ma migliorano notevolmente sia le tue capacità di lavoro che quelle di apprendimento.
Quando un artista parla di disegno, immagina di creare qualcosa di bello, insolito e scandaloso per gli altri. Vuole interessare tutti coloro che guardano il suo lavoro. Il compito dell'artista quando crea il concetto di un personaggio è creare qualcosa di interessante per gli altri. Il lavoro inizia con la ricerca di idee. In questa fase, i principianti hanno molte idee sbagliate su come realizzare concept art dei personaggi. La cosa principale nel lavoro di un artista è risolvere un problema che si è posto o ha ricevuto dal suo datore di lavoro. Pertanto, la base di tutto dovrebbe essere proprio l'idea, che verrà poi catturata sotto forma di immagine.
Trovare idee per creare un personaggio
Alcuni artisti concettuali iniziano non con la ricerca di idee, ma con l'implementazione. Si pongono domande su come fare qualcosa, il che li porta ad allontanarsi dall’essenza del compito per pensare ai suoi dettagli.
Quando un concept artist di personaggi pensa alla tecnica e agli strumenti, si concentra sul risultato finale e sulle istruzioni, cercando su Internet tutorial e processi in cui altri hanno disegnato l'idea finale. Non è spiegato cosa abbia spinto alla creazione di questo personaggio. Pertanto, quando si cerca di acquisire esperienza, è necessario porsi la domanda non "come?", ma "perché?". Qualunque siano i pennelli e le tecniche dell'artista, anche se piacciono ad altri, si tratta di contatto con il risultato dell'opera. Se provi a ripeterlo, puoi solo imparare a copiare l’idea.
Utilizzando i riferimenti
Copiare i risultati finiti e ricercare le tecniche aiuta quando si lavora con la pittura, ma nella concept art, quando si crea qualcosa da zero o quando si presenta un compito chiaramente definito, è necessario cercare qualcosa dentro di sé ed elaborare l'immagine da soli. Molto spesso, gli artisti principianti non lo fanno, poiché si rivolgono principalmente a riferimenti.
I riferimenti non sono vietati, ma sono necessari, come la teoria, solo quando sorgono domande nel processo di lavoro sulla concept art. Ad esempio, quando crei un'arma per un personaggio, devi comprenderne il design. Se mancano informazioni, devi comunque cercarle in tutte le fonti disponibili. Ma prima di disegnare il concept art del personaggio, l'artista deve avere un'idea già pronta.
L'importanza del lavoro autonomo
Elaborando semplicemente immagini già pronte, anziché crearne di nuove, l'artista stesso si stancherà rapidamente di questo e non interesserà inoltre il cliente, poiché non sarà in grado di generare idee al livello adeguato. La pratica dimostra che la creazione di concept art per un personaggio richiede sempre più artisti dello sviluppo pronti a generare idee. Ma è impossibile creare qualcosa subito. Per parlare è necessario conoscere la lingua, la conoscenza delle lettere e la capacità di tradurle in parole. Anche nell'arte concettuale. Innanzitutto appare un pensiero che deve essere raccontato, quindi viene trasmesso in parole e frasi.
Sviluppi nella creazione di un personaggio da zero
Più lavoro ha un artista, più spesso si pone la domanda “perché?”, e non “come?”. Gli sviluppi sono l'attitudine alla plasticità, ai volumi, alle caratteristiche di lavorare con la forma. Man mano che le competenze migliorano, appaiono soluzioni già pronte quando è necessario rappresentare qualcosa. Ma l’idea è sempre primaria. E solo dopo che si è presentato, è necessario acquisire gli strumenti e implementarlo.
Se l'implementazione del concept art dei personaggi viene messa al primo posto, allora vale la pena prenderla in considerazione. Le informazioni disponibili da fonti aperte sono l'idea formata di artisti affermati. Pertanto, copiare semplicemente le idee degli altri di tanto in tanto, se vuoi diventare un professionista, non è un’opzione. Se un artista non è in dialogo con se stesso, gli sarà difficile creare qualcosa di originale.
Come diventare un concept artist
Quando viene chiesto come diventare concept artist, alcune persone si aspettano di ricevere istruzioni o un corso sugli strumenti. I professionisti molto spesso fanno una contro domanda sul perché avevano un tale desiderio. Dopodiché si scopre che non esiste una chiara comprensione delle responsabilità lavorative e del processo di lavoro sull'arte. C'è solo la consapevolezza che è interessante. Ma prima devi studiare le cose di tutti i giorni, l'alfabeto stesso della concept art. Successivamente, devi imparare a mettere insieme strutture complesse da elementi semplici e, con il loro aiuto, estrarre la componente emotiva da te stesso, parlare con te stesso e lavorare con il tuo mondo interiore. Quindi appare una storia: la storia di un eroe. Questo è il processo di creazione del concetto di personaggio. Se è interessante e piace allo spettatore, l'obiettivo è stato raggiunto. In caso contrario, sarà un'esperienza utile e si trasformerà in lavoro.
Difficoltà nel lavoro di un artista
A volte l'artista deve affrontare il compito di realizzare rapidamente un concetto, concordarlo, disegnarlo e fornire il risultato di buona qualità. È chiaro che in questo caso non c'è tempo per vivere l'eroe e cercare il suo sentimento interiore: quale sarà la sua postura, cosa indosserà e dove vivrà. Pertanto, non vi è alcun elemento di immersione. Il lavoro in questa modalità avviene secondo un flusso che può distruggere completamente la creatività. Di conseguenza, l'artista potrebbe perdere interesse per la professione, non ricevendo alcuna soddisfazione dal lavoro. Prima di tutto, in ogni processo creativo, sono le sensazioni interne, la ricerca del proprio ruolo in ciò che sta accadendo e l'autorealizzazione ad essere importanti. La soddisfazione deriva dal fatto che l'artista è riuscito a raccontare qualcosa attraverso la creatività, soprattutto se lo spettatore l'ha approvato.
La relazione tra la massa e le dimensioni degli oggetti nel concetto
Elementi semplici e basilari del linguaggio artistico sono alla base di tutto, non importa se devi disegnare un singolo oggetto o un luogo complesso. Fondamentalmente, la creazione di qualcosa inizia con le primitive. Un errore comune commesso dagli artisti alle prime armi, che tradisce mancanza di professionalità, è la presenza nella soluzione di linee di spessore, che sono le stesse in tutto l'oggetto. Se lo spessore di tutti gli elementi di un oggetto non cambia, si crea una sensazione di irrealtà. La comprensione dell’artista della differenza nelle masse, la capacità di evidenziare il principale e il dipendente suscita interesse per l’oggetto.
Pertanto, è importante ricordare che in qualsiasi oggetto raffigurato non dovrebbero esserci oggetti vicini in massa, soprattutto se hanno direzioni diverse. Tutti gli elementi devono avere una propria plasticità e, naturalmente, trovarsi al loro posto. Le dimensioni devono essere distribuite in modo che gli occhi dello spettatore abbiano qualcosa a cui aggrapparsi e su cui appoggiarsi.
Come si sviluppa lo stile di un concept artist
Ogni immagine ha una propria struttura, in cui spiccano il principale e il dipendente. Ogni artista sviluppa la propria geometria e plasticità. Questa caratteristica è solitamente chiamata modo o stile. Pertanto, oltre a pensare alle masse e a come saranno distribuite nell'oggetto, è importante anche la presentazione del materiale. Ciò è particolarmente vero per gli schizzi. Non sono le forme complesse e dettagliate ad attirare l'attenzione, ma il carattere e lo stile vivace. Pertanto, la plastica dovrebbe dare vita all'oggetto. La linea aggiunge drammaticità all'intera composizione. Questa abilità si sviluppa da sola nel tempo. Ma dentro il creatore deve esserci un dialogo costante con se stesso. È il senso di plasticità dell’artista che crea l’attrattiva della concept art.
Caratteristiche di lavorare con le primitive
Nonostante tutte le materie siano molto diverse tra loro, l'approccio alla loro costruzione e attuazione viene effettuato secondo gli stessi canoni. Tutto inizia con forme primitive: cerchi, quadrati, triangoli. Con il loro aiuto è interessante e abbastanza facile cercare le masse. Il passaggio ai primitivi è il punto di partenza di qualsiasi disegno, poiché passare dal semplice al complesso è vantaggioso. Ciò aiuta a evitare errori durante l'ulteriore dettaglio.
Anche la concept art per personaggi fantasy o eroi dei giochi inizia con i primitivi. Sono in grado di raccontare la natura dell'oggetto, aiutare a svilupparlo e migliorarlo. Se inizi subito con i dettagli, puoi facilmente commettere un errore nelle dimensioni e nel rapporto tra principale e dipendente. Di conseguenza, sarà semplicemente spiacevole per lo spettatore guardare l'immagine, poiché non sarà in grado di evidenziare l'oggetto principale, non importa quanto sia dettagliato. Pertanto, è importante nella fase primitiva capire come la natura dell’oggetto e il compito dell’artista influenzano la geometria del concetto, per poi costruire il concetto desiderato. È così che si sviluppa la propria percezione di un oggetto.
Cercare associazioni e lavorare con le immagini
La ricerca delle primitive e della variabilità di massa è uno dei compiti più importanti quando si sviluppano concetti per personaggi in giochi, film, ecc. La massa e le dimensioni si riferiscono alla superficie. Una definizione di parola aiuta a determinare il rapporto corretto. Ad esempio, designando un oggetto come pesante, è possibile selezionarne in modo associativo la forma e le dimensioni desiderate. Pertanto, per risolvere i problemi è necessario utilizzare indizi verbali e, partendo da essi, creare associazioni e geometrie di base.
Anche lavorare con gli strati aiuta, spostandoli è più facile creare sensazioni e distribuzioni di masse diverse. Non è necessario uno sfondo nella concept art; è grigio o bianco. Puoi evidenziare i dettagli con il colore, ma la cosa principale sono le informazioni. Non dovresti mascherarlo con aggiunte non necessarie, che alla fine interferiscono con la panoramica del lavoro. Tutte le sagome dovrebbero essere chiare e facili da leggere. Ricerca di idee, variazioni di concetti attraverso i primitivi, lavoro competente con le linee e costruzione corretta: questa è la base per creare un concetto di carattere.
Un buon gioco ha molti componenti che di solito terrorizzano i principianti: una sceneggiatura fantastica, meccaniche di gioco impressionanti e grafica straordinaria.
D'altra parte, se hai già un'idea per un grande gioco indie o un altro successo come Candy Crush, devi convincere la tua squadra che il gioco a cui stai lavorando avrà successo. Inoltre, non bisogna dimenticare i programmatori, che devono anche abbozzare un piano per conquistare il mondo.
Prima di creare un gioco, devi svilupparne il concetto o la documentazione. Cerchiamo di capire qual è il concept del gioco e cosa dovrebbe contenere.
Qual è il concetto di gioco
In poche parole, un concetto di gioco è come appare il tuo gioco su carta in una forma comprensibile a tutti intorno a te.
Ciò significa che l'editore/investitore, il team artistico, gli sviluppatori e persino gli esperti di marketing sapranno esattamente cosa viene loro richiesto. Il concept dovrebbe descrivere le fasi della creazione del gioco, dalla sceneggiatura alla grafica, nonché il metodo di monetizzazione.
Il concetto del gioco dovrebbe essere pensato come un'istruzione dettagliata per tutti i partecipanti al progetto, mentre designer e sviluppatori dovrebbero essere in grado di esprimere liberamente le loro opinioni sulla "vita".
Il concetto può differire da dipartimento a dipartimento, ma deve contenere tutte le informazioni necessarie per un particolare dipartimento. Ad esempio, una descrizione dettagliata del tipo di animazione che si adatterà allo stile di gioco degli animatori.
E tu, come persona che ha idee, devi pensare al concetto come un modo per vendere il gioco. Vendi idee agli investitori, vendi concetti di gioco agli sviluppatori, vendi arte agli artisti.
Idea chiave
L'idea chiave dovrebbe essere contenuta all'inizio del concetto di gioco, dovrebbe riflettere l'essenza stessa del gioco. Potrebbero trattarsi di un paio di paragrafi che descrivono il gioco, incluso il suo mondo, il tipo di personaggi e una breve storia.Per uno scrittore di talento nascosto nel profondo della tua straordinaria personalità, questa sarà l'opportunità tanto attesa per realizzare il tuo potenziale nascosto.
Insieme all'idea chiave del gioco, è necessario descriverne anche gli elementi chiave e le azioni che saranno richieste al giocatore. Il grado di immersione nel mondo di gioco dipende interamente dalla complessità del gioco. Ad esempio, stai progettando di sviluppare un gioco sulla difesa di un castello medievale con una bellissima principessa per dispositivi mobili. Nel concetto, devi descrivere i punti chiave del gioco, il suo obiettivo, nonché il modo in cui al giocatore viene chiesto di difendere il suo castello, quali chicche devono essere raccolte e cosa darà.
Questo elenco non dovrebbe estendersi a migliaia di migliaia di pagine. È meglio sostituire immediatamente un'opera del genere con una breve descrizione delle caratteristiche principali del gioco che farà risaltare la tua idea tra i suoi pari. Dopo aver familiarizzato rapidamente con la "letteratura" proposta, il lettore dovrebbe avere un forte desiderio di giocare, oltre a discuterne in dettaglio nel ruolo di un esperto.
Anche gli investitori dovrebbero essere interessati
Tralasciamo subito la possibilità di autofinanziare il gioco e passiamo alla rosea prospettiva dell'esistenza di investitori generosi o di un editore che sponsorizzerà volentieri e volentieri il gioco.
Gli investitori, per investire denaro in un progetto, devono capire che il progetto sarà un investimento di successo e che i loro soldi verranno loro restituiti. E qui arriva il punto più alto del concetto di gioco. Non importa quanto sia bello il tuo gioco, deve prima essere interessante per gli investitori dal punto di vista degli investimenti, altrimenti semplicemente non abboccheranno.
Per fare ciò, dovrai elaborare un piano dettagliato su come intendi guadagnare denaro dal gioco. Potrebbe trattarsi di un sistema di monetizzazione, del costo iniziale del gioco, di acquisti in-app o di tutto questo.
Ricorda i designer
Il dipartimento artistico deve capire su quale tipo di gioco lavorerà. Ad esempio, quali risorse saranno, 2D o 3D. Ecco perché è una buona idea includere i concetti nella documentazione stessa per far sapere all'artista in quale direzione si muoverà. Ad esempio, nel concept del gioco si dice che il mondo sia abitato da vari tipi di draghi. Creare un mondo del genere non sarà facile se il budget o il tempo sono limitati.
Ricorda gli sviluppatori
Se i designer devono capire come sarà il design dei personaggi, il design del mondo, ecc., allora gli sviluppatori devono comprendere l'ambito del lavoro.
Questo approccio li aiuterà a identificare le sfide del progetto, cosa deve essere evitato e cosa aiuterà a migliorare il gameplay.
Scegli una piattaforma e un pubblico
Il concetto dovrebbe contenere anche informazioni sulla piattaforma su cui rilascerai il gioco, nonché sul pubblico di destinazione.
E questo non solo aiuterà il team di sviluppo a capire cosa è necessario fare per creare un gioco multipiattaforma che possa essere portato su qualsiasi sistema o dispositivo. Conoscere il pubblico di destinazione può influenzare lo stile artistico o le meccaniche di gioco.
Ad esempio, se il pubblico target sono bambini dai 6 ai 12 anni, le meccaniche di gioco complesse o i personaggi zombi non saranno la soluzione migliore. Conoscere il pubblico target aiuterà entrambi i dipartimenti a lavorare nella giusta direzione, il che non farà altro che rendere il gioco ancora più efficace.
Chiedi abbastanza agli investitori
Il concetto del gioco può essere utilizzato anche per presentare il gioco a potenziali investitori o a uno studio editoriale. Quando pianifichi il tuo budget, cerca di evitare importi astronomici e di essere realistico. Se questo è il tuo primo gioco, prova a risparmiare un po' di soldi per fare una migliore impressione sugli investitori. Ad esempio, opta per un editor 3D come Blender o Maya LT.
È anche necessario capire che se questa è la prima partita, gli investitori saranno riluttanti a concludere un accordo. Naturalmente, il budget per giochi come Halo o Call of Duty era misurato in centinaia di milioni, ma gli editori erano pronti a farlo perché sapevano benissimo che le loro spese sarebbero state centuplicate.
A meno che tu non abbia intenzione di far esplodere la comunità dei giocatori con un successo come Halo o Call of Duty, è meglio rimanere realistici e non aspettarsi un budget irrealistico. Fortunatamente, il concetto del gioco darà agli investitori ragioni sufficienti per sponsorizzare il tuo progetto.
Cosa evitare
Quando si crea un concetto di gioco, ogni dipartimento deve ricevere informazioni sufficienti. Un concetto di gioco non sufficientemente dettagliato o troppo breve influenzerà immediatamente il lavoro dei dipartimenti. Il concetto di gioco dovrebbe diventare la fonte di risposte alle domande che sorgeranno in ciascun dipartimento mentre lavora al progetto. Ciò significa che le informazioni contenute nel concetto dovrebbero aiutare tutti a lavorare di conseguenza.
Inoltre, non dovresti creare un concetto di gioco in fretta, ma dargli il tempo necessario, perché in seguito funzionerà solo a tuo vantaggio. Un concetto poco professionale sarà accolto freddamente non solo dagli editori o dagli investitori, ma anche da artisti e sviluppatori, grazie ai quali il tuo gioco potrà vedere la luce.
Se hai una grande idea per un gioco, scrivila perché non dovrebbe solo attrarre investitori, ma anche ispirare artisti e sviluppatori a fare grandi cose. Un buon concetto di gioco è una sorta di guida che aiuta a guidare il processo di creazione del tuo gioco dall'inizio fino a quando non viene consegnato nelle mani felici dei giocatori.
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Traduttore: Alena
Un ringraziamento speciale a: Margherita