Monet dipinse "Campo di papaveri" all'aria aperta, su una piccola tela portatile. Sebbene il dipinto trasmetta un sentimento naturale e spontaneo, è composto con cura. Ciò si esprime non solo nel fatto che l'artista ha ripetuto due volte le figure su di essa, ma anche nella scelta dell'angolo, impostato in modo tale che i papaveri luminosi che riempiono il lato sinistro della composizione si trovino diagonalmente lungo il quale Camille e Jean camminano, come se uscissero dal quadro. La ricca fioritura e il movimento che riempie questa sezione dell'immagine sono in misurato contrasto con i toni calmi del bordo superiore destro della tela, dove il tetto in terracotta della casa collega abilmente lo sfondo con il primo piano della composizione.
passione per i fiori
Per tutta la sua vita, Monet amò dipingere fiori: di campo, da giardino o recisi, sono costantemente presenti nei suoi paesaggi.Monet una volta ammise che le due più grandi passioni della sua vita erano la pittura e il giardinaggio. Quando dipingeva fiori, entrambe queste passioni si combinavano. Nel Campo di papaveri, come in molte altre sue tele, Monet ama i fiori selvaggi e vivaci. Si conoscono diverse bellissime nature morte di Monet con fiori recisi, ma soprattutto gli piaceva dipingere i fiori che crescevano nei suoi giardini, prima ad Argenteuil e poi a Giverny. Nel 1871, Monet si trasferisce con la famiglia ad Argenteuil per acquistare lì la sua prima casa e il suo primo giardino. Tuttavia, la passione principale nella vita dell'artista era il suo giardino a Giverny. Monet selezionava i fiori per il suo giardino in modo che fossero disposti in un certo ordine, fossero di colori contrastanti e fiorissero tutto l'anno. Nel suo giardino piantò molti fiori insoliti. La passione di Monet per i colori era condivisa da molti altri artisti impressionisti, in particolare Gustave Caillebotte. "Assicurati di venire lunedì, come concordato", scrisse al suo amico Monet. "Tutti i miei iris saranno in fiore."
Ossessione per la luce e il colore
L'ossessione di Monet per la luce e il colore ha portato ad anni di ricerca e sperimentazione, il cui scopo era quello di catturare sulla tela le sfumature fugaci e sfuggenti della natura.I DIPINTI DI MONET hanno dato origine a una nuova tendenza nella pittura: l'impressionismo, e lo stesso Monet è riconosciuto come il rappresentante più grande e tipico di questa tendenza. Per tutta la sua lunga vita, Monet ha seguito costantemente le regole di base dell'impressionismo: catturare scene della vita moderna su tela (per Monet, questi sono paesaggi) e lavorare all'aperto.
LAVORO ALL'ARIA PIANURA La pratica di un artista che lavora all'aria aperta (plein air) non era qualcosa di del tutto nuovo. Già all'inizio del XIX secolo l'artista inglese John Constable dipingeva spesso i suoi schizzi e studi ad olio nella natura. Negli anni Quaranta dell'Ottocento, seguendo il suo esempio, un gruppo di artisti francesi si riunì nel villaggio di Barbizon vicino alla foresta di Fontainebleau con l'obiettivo di dipingere paesaggi che avrebbero dovuto rappresentare la "vera natura". Camille Corot, molto apprezzato da molti impressionisti per la sua visione non idealizzata della natura, dipinse anche lui ad olio en plein air, esortando gli artisti a "seguire la loro prima impressione".
La cosa più importante per lo sviluppo di Monet come artista è stata la sua amicizia giovanile con il pittore paesaggista Eugène Boudin, specializzato in piccoli e ariosi paesaggi marini che creava all'aperto. Bodin insistette affinché Monet si unisse a lui durante una di queste sessioni a Le Havre. "All'improvviso il velo cadde dai miei occhi", scrisse in seguito Monet.
Lì, a Le Havre, Monet incontrò l'artista olandese Johann Bartold Jonkind, che cercò di trasmettere le sfumature più delicate dell'aria e dell'umore nei suoi paesaggi marini. Monet in seguito disse di lui: "Fu l'uomo che finalmente sviluppò la mia vista".
QUELLO CHE L'OCCHIO VEDE VERAMENTE Monet ha imparato che un dipinto dipinto all'aperto ha una freschezza e una vitalità uniche che non possono essere raggiunte lavorando in uno studio dove l'artista immagina in anticipo l'opera che andrà a creare. Il consiglio di Monet agli artisti rivela chiaramente il suo approccio alla pittura: “Cerca di dimenticare ciò che vedi davanti a te: un albero, una casa, un campo, qualunque cosa. Pensa solo che lì c'è un quadratino blu, lì una figura oblunga rosa, e continua finché non hai un'impressione ingenua dell'immagine che è davanti ai tuoi occhi. Pertanto, l'impressione è un impulso visivo creato da ciò che si vede in questo particolare momento.
UN'IDEA RIVOLUZIONARIA Per tutti gli impressionisti, e per Monet in particolare, lo scopo principale dell'arte era catturare l'impressione sfuggente e fugace. A quel tempo, un'idea del genere sembrava rivoluzionaria e scioccata nientemeno che dal realismo palese di Courbet in NUOVA TECNICA. Per raggiungere i suoi obiettivi, l'artista aveva bisogno di nuove tecniche pittoriche. Monet, in particolare, sviluppò la propria tecnica di scrittura, applicando tratti ampi e grossolani, punti sparsi in grassetto, trattini, zigzag e tratti spessi sulla tela con un pennello corto. Monet ha lavorato contemporaneamente sull'intero spazio del dipinto, credendo, come disse in seguito, che "la prima mano di vernice dovrebbe coprire la maggior parte possibile della tela, non importa quanto approssimativamente venga applicata".
In un modo completamente nuovo e rivoluzionario, Monet ha utilizzato il colore, ispirato, senza dubbio, dalle scoperte di Eugène Chevrel sulla percezione visiva. Chevreul ha dimostrato che i colori primari adiacenti della ruota dei colori si ammorbidiscono a vicenda e il contrasto maggiore si ottiene quando i colori complementari sono adiacenti. Un'altra scoperta importante è stata che il colore non è una proprietà intrinseca degli oggetti. Il colore è semplicemente il modo in cui la luce si mescola mentre rimbalza sulla superficie di un oggetto. Come i suoi colleghi impressionisti, Monet utilizzava solitamente una tavolozza limitata, preferendo colori puri e non miscelati e dipingendo su tele preverniciate con primer bianchi o crema, che rendevano i colori applicati più chiari e luminosi.
Un'altra scoperta importante che ha influenzato la visione degli artisti è stata la fotografia. Nelle fotografie di quel tempo, gli oggetti in movimento sono percepiti come punti sfocati e solo gli oggetti fermi hanno contorni chiari. Questo effetto si rifletteva chiaramente nelle figure di persone simili a formiche che vediamo nel dipinto di Monet Boulevard des Capucines (1873).
CAMBIARE L'IMMAGINE DELL'OGGETTO
È molto interessante tracciare come sia cambiato l'atteggiamento di Monet nei confronti degli oggetti raffigurati nel corso di una lunga vita. Nonostante fosse costantemente assorbito dai giochi di luce, nei suoi primi dipinti Monet raffigurava molto spesso figure umane dipinte nel solito modo sullo sfondo di un paesaggio.
Tuttavia, verso il 1880, Monet è sempre più attratto dalla natura nella sua forma più pura. Se nei dipinti di questo periodo compaiono figure o oggetti inanimati, di solito svolgono un ruolo secondario e passano in secondo piano.
SERIE DI DIPINTI
Nonostante il fatto che gli artisti in ogni momento creassero una serie di schizzi di una scena, prima di Monet non c'era nessuno che avrebbe dipinto lo stesso oggetto più volte in condizioni di illuminazione e condizioni meteorologiche diverse. I dipinti di Monet rappresentano un'intera serie raffigurante pagliai, pioppi, la cattedrale di Rouen, la vista di Londra dal Tamigi e, infine, le ninfee.
I paesaggi londinesi di Monet, dipinti nel 1899-1901, con la loro luce diffusa e il colore diffuso, sono opere d'arte virtuosistiche e drammatiche, dalle quali si può tracciare l'evoluzione dello stile dell'artista verso una maniera quasi astratta. Mostrano il graduale progresso dell'artista verso l'oggetto che dipingerà in tutti i restanti anni della sua vita, creando i suoi giardini e trasformandoli in rare opere d'arte.
Dal 1905 circa fino alla fine dei suoi giorni, Monet si concentrò interamente sulle ninfee. Questi dipinti, in cui le coppe delle ninfee si materializzano letteralmente sulla superficie dell'acqua, che non ha una linea di orizzonte, sono diventati studi che catturano una varietà infinita e irripetibile di colori e luci. In effetti, queste serie di dipinti, come ogni brillante opera d'arte, sfidano ogni spiegazione. Queste sono le opere di un poeta che sente sottilmente la natura e riesce a trasmetterne la bellezza nella sua pittura.
Titolo originale: Papaveri ad argenteuil
Anno di creazione: 1873
Museo d'Orsay, Parigi.
Oscar Claude Monet (14 novembre 1840 - 5 dicembre 1926) è stato un pittore francese, uno dei fondatori dell'impressionismo.
Il dipinto Campo di papaveri (1873), presentato alla prima mostra impressionista, raffigura la moglie di Monet Camille e il figlio Jean in un campo vicino alla loro casa ad Argenteuil. Come in molte altre opere di Monet, Camille è disegnata con un ombrello tra le mani, e i suoi contorni aggraziati conferiscono all'immagine un fascino speciale. Volendo trasmettere un senso di movimento, Monet aggiunse una seconda coppia di figure (anch'esse modellate su Camille e Jean) in cima alla collina. Sono collegati alle figure in primo piano da un sentiero appena percettibile che attraversa l'erba. Monet dipinse "Campo di papaveri" all'aria aperta, su una piccola tela portatile. Sebbene il dipinto trasmetta un sentimento naturale e spontaneo, è composto con cura. Ciò si esprime non solo nel fatto che l'artista ha ripetuto due volte le figure su di essa, ma anche nella scelta dell'angolo, impostato in modo tale che i papaveri luminosi che riempiono il lato sinistro della composizione si trovino diagonalmente lungo il quale Camille e Jean camminano, come se uscissero dal quadro. La ricchezza di colori e il movimento che riempiono questa sezione dell'immagine sono in misurato contrasto con i toni calmi del bordo superiore destro della tela, dove il tetto in terracotta della casa collega abilmente lo sfondo con il primo piano della composizione.
Descrizione del dipinto “Papaveri” di Claude Monet (Ad Argenteuil)
L'opera di Monet "Papaveri", il suo secondo nome "Campo di papaveri ad Argenteuil", fu dipinta dall'artista nel 1873. Il paesaggio del campo di papaveri raffigurato nella foto, con una piccola cresta di alberi, come se separasse il cielo dalla terra, dà inizialmente un senso della semplicità della trama. Ma guardando più in profondità l'immagine, ti rendi conto che la prima impressione era ingannevole.
L'immagine può essere figurativamente divisa da due linee perpendicolari in quattro sezioni. La linea orizzontale, come se fosse grossolanamente e chiaramente definita, taglia una linea verticale virtuale, appena visibile. La casa raffigurata sulla tela è una sorta di centro dell'intersezione di due linee, che collega la composizione in una sola.
L'immagine è degna di nota per il suo carico semantico e sensuale, mostrato dalle sagome di donne con bambini, situate sulla sommità della collina e sul suo pendio. La donna e il ragazzo che vediamo in primo piano nel dipinto altri non sono che la moglie e il figlio dell'artista. Una composizione insolita dà una visione illusoria di un'immagine nell'immagine. L'immagine ripetuta delle sagome dà la sensazione del movimento delle donne con bambini lungo un percorso poco appariscente. L'albero che svetta sopra la collina accresce la pienezza e l'importanza di questa parte dell'opera.
La parte destra, quasi incolore, contrasta con lo sfondo di un campo di papaveri in fiore e fa da sfondo alla silhouette femminile raffigurata all'intersezione delle sezioni adiacenti dell'immagine.
Con pochi tratti di pennello l'artista ha delineato il cielo. Le parti non dipinte della tela mostrano la riluttanza dell'autore a concentrarsi sulla parte superiore della tela.
Nel loro insieme, l'immagine è percepita come un impegno nei confronti dei valori terreni che sono di fondamentale importanza. Per risolvere il compito che si era prefissato, l'artista ha fatto ricorso a tutte le possibilità a sua disposizione per trasmettere la sua visione della trama dell'immagine.
Claude Monet. Papaveri. 1773 Museo d'Orsay, Parigi
“Papaveri”, una delle opere più famose di Claude Monet, l'ho vista. Tuttavia, in quel momento, non lo guardò correttamente. Da fan, i miei occhi si sono spalancati davanti a tutti quei capolavori che si trovano in questo museo!
Più tardi, ovviamente, ho già considerato adeguatamente il "Maki". E ho scoperto che nel museo non avevo notato nemmeno alcuni dettagli interessanti. Se guardi l’immagine più da vicino, probabilmente avrai almeno tre domande:
- Perché i papaveri sono così grandi?
- Perché Monet ha raffigurato due coppie di figure quasi identiche?
- Perché l'artista non ha disegnato il cielo nella foto?
Risponderò a queste domande in ordine.
1. Perché i papaveri sono così grandi?
I papaveri sono mostrati molto grandi. La maggior parte di essi ha le dimensioni della testa del bambino raffigurato. E se prendi i papaveri dallo sfondo e li avvicini alle figure in primo piano, saranno ancora più grandi della testa sia del bambino che della donna raffigurata. Perché è così irrealistico?
A mio avviso, Monet ha deliberatamente aumentato le dimensioni dei papaveri: in questo modo ha preferito ancora una volta trasmettere una vivida impressione visiva, piuttosto che il realismo degli oggetti raffigurati.
Qui, a proposito, puoi tracciare un parallelo con la sua tecnica di raffigurare le ninfee nelle sue opere successive.
Per chiarezza, guarda i frammenti di dipinti con ninfee di anni diversi (1899-1926). L'opera in alto è la prima (1899), quella in basso è l'ultima (1926). Ovviamente, nel tempo, le ninfee sono diventate sempre più astratte e meno dettagliate.
Apparentemente "Papaveri" è solo un presagio della predominanza dell'arte astratta nei dipinti successivi di Monet.
Dipinti di Claude Monet. 1. In alto a sinistra: ninfee. 1899 d. Collezione privata. 2. In alto a destra: ninfee. 1908 d. Collezione privata. 3. Al centro: uno stagno con ninfee. 1919 Metropolitan Museum of Art, New York. 4. In basso: gigli. 1926 Museo d'arte Nelson-Atkins, Kansas City.
2. Perché nella foto ci sono due coppie di figure identiche?
Si scopre che anche per Monet era importante mostrare il movimento nei suoi dipinti. Lo ha fatto in un modo insolito, raffigurando un sentiero appena visibile su una collina tra i fiori, come se fosse calpestato tra due coppie di figure.
Ai piedi di una collina ricoperta di papaveri sono raffigurati la moglie Camille e il figlio Jean. Camilla è tradizionalmente raffigurata con un ombrello verde, proprio come nel dipinto “Donna con l'ombrello”.
Al piano superiore, su una collinetta, c'è un'altra coppia composta da una donna e un bambino, per il quale molto probabilmente hanno posato anche Camilla e suo figlio. Pertanto le due coppie sono simili.
Claude Monet. Papaveri. Frammento. 1873 Museo d'Orsay, Parigi. Questa coppia di figure su una collina è raffigurata, forse esclusivamente per l'effetto visivo del movimento, a cui Monet aspirava tanto.
3. Perché Monet non ha dipinto il cielo?
Un altro punto degno di nota è: notare come il cielo sia disegnato male nelle sezioni nude della tela a sinistra.
Claude Monet. Papaveri. Frammento. 1873 Il grande pittore impressionista francese Claude Monet Oscar-Claude Monet), (1840-1926) amava molto dipingere fiori. Ha dipinto fiori per tutta la sua vita, in diversi periodi di creatività. Più spesso fiori da giardino e da campo, meno spesso fiori recisi in vasi.
I fiori erano la sua passione. Monet ha detto che nella vita ama soprattutto due cose: la pittura e il giardinaggio. Pertanto, ha provato il più grande piacere quando ha raffigurato i fiori nei suoi dipinti.
Anche ai membri della sua famiglia scriveva sempre circondato da fiori, sottolineando così il suo sincero amore per loro.
"Forse è stato grazie ai fiori che sono diventato un artista", ha detto di se stesso Claude Monet.
Una delle prime opere di Claude Monet, Donne in un giardino, 1866-1867, Museo d'Orsay, Parigi.
Le figure femminili sono raffigurate su questa tela in modo molto stilizzato. L'artista pone tutta l'enfasi sul gioco di luci e ombre, sul fogliame degli alberi e sui fiori. Monet è ancora alla ricerca del proprio stile, mancano ancora cinque anni alla data ufficiale della nascita dell'impressionismo.
La modella per tutte e tre le donne era la diciannovenne Camille Donsier, futura moglie di Claude Monet.
La tela è molto grande, le sue dimensioni sono 2,05 per 2,55 m.
L'artista intendeva esporre questo dipinto al Salon di Parigi nel 1967, ma la giuria lo respinse.
Alla fine della vita di Claude Monet, quando era già un maestro riconosciuto e illustre, nel 1921 il governo francese acquistò dall'artista il dipinto "Donne nel giardino" per 200mila franchi.
Sant'Andrea
| "Terrazza a St. Andress", ca. 1867, Metropolitan Museum of Art, New York. Questo dipinto raffigura la famiglia dell'artista, che viveva nella piccola città portuale di Saint-Andresse vicino a Le Havre, sulla costa della Normandia. Padre Monet e sua zia Madame Lecadre sono seduti sulle poltrone. Alla ringhiera c'è un lontano parente di Monet Jeanne-Margarita con un giovane. Possiamo dire che questa è una scena familiare sullo sfondo di un paesaggio marino. Ma guarda come sono disegnati i fiori in primo piano nella foto! Quanto bene Monet ha trasmesso la trama dei fiori e il gioco di luci e ombre. |
 |
| Giardino fiorito a St. Andress, c. 1866, Museo d'Orsay, Parigi. |  |
| "Adolphe Monet legge nel giardino del Coteau a Saint Andress", ca. 1866 |  |
| "La dama del giardino", 1867, Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo. Il dipinto raffigura una lontana parente di Claude Monet, Jeanne-Marguerite Lecadre, in un giardino a St. Andress. |
 |
Argenteuil, 1872 - 1977
Claude Monet ha sempre desiderato avere un giardino tutto suo, dove poter lavorare in tutta tranquillità all'aria aperta.
Alla fine del 1871, Claude Monet e la sua famiglia si stabilirono ad Argenteuil. Allora era un piccolo villaggio turistico vicino a Parigi, a 12 km dal centro della città, situato sulle pittoresche rive della Senna. Argenteuil fa ora parte della Grande Parigi. Ad Argenteuil Monet ebbe la sua casa e il suo primo giardino. Mi sembra che sia stato ad Argenteuil che sono stati creati i migliori dipinti di Claude Monet. Fu il periodo più luminoso del suo lavoro. La pittura di Monet è generalmente leggera, ma è ad Argenteuil che le sue tele risplendono semplicemente di gioia. A quanto pare, questi furono gli anni più felici della sua vita. Quasi tutte le tele dipinte ad Argenteuil raffigurano Camille, l'amata prima moglie di Claude Monet.
In quegli anni Argenteuil era il luogo di vacanza preferito dai parigini; vi si tenevano regolarmente regate veliche. Una ferrovia portava ad Argenteuil ed era facile e veloce arrivarci da Parigi. Non solo Monet, ma anche altri artisti impressionisti Manet, Renoir, Sisley, Caillebotte dipinsero i loro paesaggi ad Argenteuil.
| Un amico dell'artista Renoir lo ha immortalato al lavoro ad Argenteuil, e grazie a questo possiamo vedere com'era il giardino di Claude Monet e come dipingeva all'aria aperta. Pierre-Auguste Renoir, Monet dipinge nel suo giardino ad Argenteuil, 1873 |
 |
| Ed Edouard Manet ha dipinto un ritratto di famiglia dell'artista sullo sfondo di un giardino fiorito. Édouard Manet, La famiglia Monet nel giardino di Argenteuil, 1874, Metropolitan Museum of Art, New York. Il dipinto raffigura Claude Monet che si prende cura dei fiori, sua moglie Camille e il figlio Jean. Giardino, fiori e polli. Tra 10 anni, Claude Monet avrà tutto questo a Giverny. |
 |
| Pierre Auguste Renoir, Madame Monet e suo figlio, 1974 Galleria Nazionale, Washington. Camille Monet e suo figlio Jean. Questa tela era conservata nella collezione di Claude Monet a Giverny. Il figlio minore dell'artista, Michel Monet, lo vendette nel 1952 durante un periodo di completa devastazione a Giverny. Dopo diverse rivendite per volontà dell'ultimo proprietario nel 1970, questo dipinto è entrato nella National Gallery di Washington. |
 |
| "Casa dell'artista ad Argenteuil", 1873. Istituto d'Arte, Chicago. |  |
| Il giardino di Monet ad Argenteuil, 1873 |  |
| "Case ad Argenteuil", 1873, Alte Nationalgalerie, Berlino. D'estate, Argenteuil era letteralmente sepolta dai fiori. |
 |
| Fiori lungo il fiume ad Argenteuil, 1877, Museo d'Arte Pola, Hakone, Giappone. La Senna ad Argenteuil è molto pittoresca, in questo punto forma una bella ansa. Claude Monet era affascinato dal fiume e dalla natura di Argenteuil, lavorava qui con entusiasmo all'aria aperta. |
 |
| Camille Monet su una panchina da giardino. 1873 Metropolitan Museum, New York. Come sempre, un giardino e, come sempre, fiori. |
 |
| Jean Monnet su un cavallo in bicicletta. 1872 Metropolitan Museum, New York. Anche dipingendo un ritratto di suo figlio, Claude Monet non ha dimenticato i fiori. Preferiva catturare sulle sue tele tutti gli eventi significativi della vita sullo sfondo dei fiori. |
 |
| "Nel prato", 1876 La tela raffigura la moglie dell'artista, Camille Monet, che legge un libro in un prato, circondata da fiori di campo. |
 |
| "Meli in fiore", 1873. Sorprendente! |
 |
| "La famiglia dell'artista nel giardino", 1875 |  |
| "Nel giardino", 1875 Questa immagine, a quanto pare, raffigura lo stesso angolo del giardino della precedente, solo pochi mesi dopo, in autunno. |
 |
| "Donna con l'ombrello" ("Passeggiata: Camille Monet con il figlio Jean"), 1875, National Gallery of Art, Washington. |  |
| "Camille Monet con suo figlio", 1875, Museum of Fine Arts, Boston, USA. |  |
| Angolo del giardino di Montgeron, ca. 1876, Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo. Montgeron è una piccola cittadina alla periferia di Parigi, situata a 18,5 km a sud-est del centro cittadino. Ora è uno dei sobborghi sud-orientali di Parigi. |
 |
 "Donna con l'ombrello in un giardino ad Argenteuil", 1875. |
 "Cammina, Argenteuil", 1875. |
 "Passeggiata ad Argenteuil", 1875, Museo Marmottan Monet, Parigi. |
 "Giardino", 1872. |
 Camille Monet nel giardino, 1873 |
 "Camille Monet alla finestra. Argenteuil", 1873. |
 "Riva della Senna vicino al ponte di Argenteuil", 1874. |
 "Camille e Jean Monnet nel giardino di Argenteuil", 1873. |
 "Camille Monet nel giardino di Argenteuil", 1876, Metropolitan Museum of Art, New York. |
"Gladiolo". OK. 1876. Istituto d'Arte, Detroit, USA. |
 "Ragazze nel giardino", 1875, Galleria Nazionale di Praga. |
 "Camille con l'ombrello verde", 1876. |
 "Porta del giardino di Vethea", 1876. |
 "Giardino", 1876. |
 "Giardino, malve", 1877. |
Serie molto interessante "Lilla". Confrontare:
campi di papaveri
Uno dei dipinti più famosi di Claude Monet, Campo di papaveri (1873, Museo d'Orsay, Parigi), fu dipinto ad Argenteuil, non lontano dalla casa dell'artista. Il dipinto raffigura la moglie di Monet, Camille, e suo figlio Jean. Presumibilmente la moglie e il figlio servirono anche da modelli per le figure di una donna con un bambino sullo sfondo.
Guarda con quanta espressività l'artista ha dipinto papaveri scarlatti e ranuncoli gialli. Camille e Jean annegano letteralmente nei papaveri, formando una completa armonia con la natura in una soleggiata giornata estiva.
Monet ha scelto un'angolazione molto buona per il suo dipinto: i papaveri scarlatti si trovano nella parte in basso a sinistra dell'immagine, in diagonale lungo la quale camminano Camille e Jean. Sembra che i papaveri vadano oltre la tela.
I campi di papaveri affascinavano Monet. È tornato più volte su di loro nel suo lavoro. Era attratto dal contrasto tra i papaveri rossi e l'erba verde.
"Estate. Campo di papaveri", 1875, collezione privata.
"Campo di papaveri vicino a Vetey" 1879.
"Un campo di papaveri in una conca vicino a Giverny", 1885. Museo delle Belle Arti, Boston.
"Campo dei Papaveri", 1890 circa. Ermitage statale, San Pietroburgo.
"Campo d'avena con papaveri", 1890. Museo d'Arte Moderna, Strasburgo.
"Campo di papaveri a Giverny". 1890-1891 Istituto d'Arte, Chicago.
"Un campo di papaveri rossi vicino a Giverny", 1895. Museo delle Belle Arti della Virginia, Richmond, Stati Uniti.
campi di tulipani
Claude Monet visitò più volte l'Olanda. E, naturalmente, non poteva rimanere indifferente ai tulipani. Ha creato una serie di dipinti raffiguranti le principali attrazioni dell'Olanda: campi di tulipani e mulini a vento.
Campi di tulipani a Sassenheim, vicino a Leiden, 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA.
"Campi di tulipani e mulini a vento a Rijnsburg", 1886, collezione privata.
Campi di tulipani in Olanda, 1886. Museo d'Orsay, Parigi.
"Campo di tulipani in Olanda". 1886, Museo Marmottan Monet, Parigi.
Vetheuil, 1879 - 1881
"Giardino dell'artista a Vetheuil", 1880. Galleria Nazionale, Washington.
Nel 1879 la famiglia Monet si trasferisce a Vetheuil, un piccolo villaggio sulle rive della Senna, 65 km a nord-ovest di Parigi. Qui Claude Monet ebbe un secondo figlio, Michel, ma, sfortunatamente, la sua prima moglie Camille morì presto.
La famiglia Monet visse a Vetheuil fino al 1881.
Claude Monet incontra la famiglia di Alice Hoschedé, che conosce da diversi anni. Vivono insieme, in seguito Alice divenne la sua seconda moglie. Ma nei dipinti di Claude Monet, Alice Goshede, a differenza di Camille, è molto rara. Le sue figlie, figliastre di Claude Monet, servirono da modelli per le tele dell'artista.
 "Fiori sulle rive della Senna vicino a Vetheuil", 1880. |
 "Alice Goshede nel giardino", 1881. Futura seconda moglie di Claude Monet. |
 "Scala a Vethea", 1881. |
 "Isola dei Fiori vicino a Vetheus", 1880, Metropolitan Museum of Art, New York. |
 "Fiori a Veteya", 1881. |
 "Fiori a Veteya", 1881. |
Fiori in un vaso
Claude Monet amava soprattutto il giardino e i fiori selvatici, ma a volte dipingeva anche nature morte e mazzi di fiori recisi.
"Fiori di primavera", 1864. La collocazione del dipinto è attualmente sconosciuta.
Certo, è ancora difficile riconoscere in questa tela il futuro grande artista impressionista.
"Crisantemi", 1878. Museo d'Orsay, Parigi.
"Bouquet di malva", 1880.
"Girasoli", 1881. Metropolitan Museum, New York.
"Crisantemi" 1882. Metropolitan Museum, New York.
"Papaveri viola", 1883. Museo Boijmans-van Beuningen, Rotterdam, Paesi Bassi.
Anemoni, ca. 1885, collezione privata.
"Due vasi con crisantemi". 1888, collezione privata.
Giverny 1883-1926
Nel 1883, la famiglia Claude Monet si trasferì a Giverny. Si tratta di un piccolo villaggio in una zona pittoresca sulle rive del fiume Epte, alla sua confluenza con la Senna, a circa 80 km da Parigi. Claude Monet vivrà a Giverny per il resto della sua vita.
A questo punto era già diventato un artista famoso e una persona benestante. Nel 1890 poté acquistare la casa a Giverny dove viveva la sua famiglia. Nella casa ha attrezzato un ampio laboratorio.
Claude Monet ampliò notevolmente il suo giardino, vi sistemò uno stagno, la cui acqua proveniva da uno speciale serbatoio di presa d'acqua costruito sul fiume Epte.
In quegli anni Claude Monet si interessò alla cultura giapponese, alle stampe giapponesi, in particolare alle stampe del grande artista giapponese Hokusai.
Per mantenere il giardino, Monet assunse un giardiniere giapponese che lo aiutò a sistemare il giardino in stile giapponese. Lo stesso Monet fu direttamente coinvolto nella progettazione del giardino. L'artista si abbonò alla rivista Revue horticole (Giornale di orticoltura), ordinò piante e fiori da tutto il mondo per il suo giardino.
Fu questo giardino a diventare l'amore principale negli ultimi anni di vita dell'artista. Ci ha lavorato, lo ha scritto in tutte le forme, da punti diversi, in momenti diversi della giornata. Il giardino divenne la principale fonte di ispirazione per l'artista.
Monet coltivava vari fiori nel giardino, le ninfee crescevano nello stagno, il famoso "ponte giapponese" veniva gettato attraverso lo stagno. Poteva ammirare il suo giardino per ore, osservare i minimi cambiamenti nell'illuminazione e nel tempo.
Nell'autunno del 1899, Claude Monet iniziò a dipingere la sua famosa serie delle Ninfee, alla quale lavorò fino alla fine dei suoi giorni.
Claude Monet nel suo giardino con uno stagno di ninfee sullo sfondo, 1905
Claude Monet nel suo giardino, c. 1917 Foto: Etienne Clementel.
Le immagini sembrano un po' "colorate" e sfocate, poiché erano immagini stereoscopiche, dovevano essere viste attraverso speciali occhiali colorati, quindi l'immagine si è rivelata voluminosa.
Claude Monet (a destra) nel suo giardino a Giverny. 1922 Foto per gentile concessione del New York Times.
Il famoso laghetto delle ninfee e il ponte giapponese.
Sulle prime tele della serie Water Lilies, Claude Monet raffigurava uno stagno con un ponte giapponese, sullo sfondo di una rigogliosa vegetazione del giardino.
Nelle sue ultime opere, raffiguranti uno stagno con ninfee, ha deliberatamente distorto tutte le regole prospettiche accettate, ha abbandonato la linea dell'orizzonte e ha dipinto solo acqua con ninfee. Le ninfee che galleggiano sull'acqua sono spesso tagliate dai bordi della tela, sembra che il vero stagno sia qualcosa di più di quello mostrato nella foto.
Questa serie di "Acque" conta oltre 60 tele.
| "Acque". 1906 Istituto d'Arte, Chicago. |  |
| "Acque", 1916. Museo Nazionale d'Arte Occidentale, Tokyo. Questa enorme tela di 2 metri è una delle più espressive della serie Water Lilies. Isole di ninfee rosa e gialle si trovano sulla superficie blu scuro, verde scuro e persino viola dell'acqua dello stagno. L'intera immagine è in movimento, vediamo le radici intrecciate delle ninfee. I fiori della ninfea sporgono letteralmente sopra la superficie dell'acqua. Claude Monet sentiva la natura in modo molto sottile e poteva trasmettere tutte le sue sottigliezze e modulazioni sulle sue tele. |
|
| "Acque". 1920-26 Museo dell'Orangerie, Parigi. |
 |
Nel 1980 la casa e il giardino di Claude Monet a Giverny furono aperti al pubblico. Ora è uno dei musei più amati dai turisti nella periferia di Parigi.
Potete immaginare che nel mezzo della giungla urbana canadese sia improvvisamente sbocciato campo di papaveri? Sembra poco plausibile, ma nulla è impossibile per il mondo dell’arte. Sì, e ci sono già stati dei precedenti: non molto tempo fa è apparso a Zweibrücken, quindi i papaveri a Montreal sono già una sorta di continuazione della tradizione dei fiori.
L'ideatore dell'installazione "fiore" - artista e architetto Claude Cormier, un ardente ammiratore dell'impressionismo. Amore per i dipinti Claude Monet già una volta lo ha ispirato a creare, che somigliava a un glicine in fiore. L'attuale creazione a Montreal è un omaggio e un'ammirazione per i "campi di papaveri" del grande artista. Ricordiamo che Claude Monet dipinse instancabilmente le verdi distese di Giverny, punteggiate di fiori scarlatti, dai suoi dipinti si può comporre un intero ciclo di “papaveri”.
L'installazione ha richiesto 5.060 segnali rossi, verdi e bianchi che punteggiano il vicolo davanti al Museo delle Belle Arti. Il lavoro di Claude Cordier fa parte della mostra annuale. Tutti possono ammirare il lussuoso campo di papaveri in mezzo al mare d'asfalto.
A proposito, le opere del famoso impressionista non sono la prima volta che ispirano gli artisti a creare opere d'arte. Abbiamo già presentato ai nostri lettori ciò che ricorda la Casa Blu di Zaandam, nonché una serie di poster pubblicitari, uno dei quali raffigura Monet con un altro fiore preferito: le ninfee.