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Istituzione educativa municipale "Liceo n. 11 dal nome. T.I.Alexandrova, Yoshkar-Ola"

Ricerca

Sul tema: “Soggetti mitologici nella pittura”

Consulente scientifico:

Kosova Svetlana Ivanovna, insegnante

disegno e belle arti della prima categoria di qualificazione.

Studente 11 classe "A":

Shparber Ksenia

Yoshkar-Ola 2015

introduzione

Un mito è una leggenda che incarna le idee dei popoli antichi sull'origine del mondo e su vari fenomeni naturali. I miti raccontano storie di dei, spiriti, eroi divinizzati e antenati. Sono sorti durante la società primitiva, agli albori dell'esistenza umana. L'uomo antico non riusciva a comprendere le ragioni del verificarsi di vari fenomeni naturali. Nella sua testa sorsero molte domande: come apparivano le persone sulla terra? Perché tuona e piove? per quale motivo soffia il vento? ecc. Non potendo affrontare queste domande da un punto di vista scientifico, le persone hanno fornito le proprie risposte che gli erano comprensibili. Queste risposte sono diventate miti.

Questo lavoro è rilevante perché i miti e l'arte sono parte integrante della cultura. Lo scopo del lavoro è dimostrare l'affermazione che i miti sono una fonte inesauribile di creatività per artisti di tempi ed epoche diverse. Obiettivi della ricerca: rivelare il concetto di mito, mostrare la storia dello sviluppo del mito nell'arte, dimostrare l'ipotesi. Oggetti: Sandro Botticelli “La nascita di Venere”, Santi Raphael “Visione di Izzekiel”, Nicolas Poussin “Il regno di Flora”, Francois Boucher “Giove e Callisto”, Karl Bryullov “L'ultimo giorno di Pompei”.

1. Parte principale

Il mito non è solo storicamente la prima forma di cultura, ma cambia anche la vita mentale di una persona. L'essenza del mito è che rappresenta il gemellaggio dell'uomo con le forze dell'esistenza della natura o della società. Tutto si anima e la natura appare come un mondo di creature mitologiche formidabili, ma legate all'uomo: demoni e dei.

Parallelamente al mito, l'arte esisteva e operava nella storia della cultura. L’arte è espressione del bisogno di una persona di espressione figurativa e simbolica e di vivere momenti significativi della sua vita. L'arte crea una "seconda realtà" per una persona.Il coinvolgimento in questo mondo, l'espressione di sé e la conoscenza di sé in esso costituiscono uno dei bisogni più importanti dell'anima umana.

Artisti di epoche e stili diversi non ignorarono l'antica mitologia greca. E sebbene nel Medioevo la pittura si concentrasse principalmente su soggetti cristiani, durante il Rinascimento i pittori iniziarono a raffigurare soggetti mitologici sulle loro tele con grande entusiasmo. Nell'era moderna, sullo sfondo dei cambiamenti generali nelle belle arti, l'interesse per i soggetti mitologici classici si è in qualche modo esaurito, ma è ripreso l'interesse per i mostri mitici, le cui immagini sono utilizzate attivamente nell'arte moderna. I pittori russi si sono tradizionalmente rivolti al tema della mitologia slava, raffigurando nei loro dipinti sia eroi epici che creature mitiche della mitologia slava.

Per prima cosa, diamo un'occhiata a un dipinto del XV secolo. Il famoso dipinto dell'artista Sandro Botticelli “La nascita di Venere”. Botticelli è un pittore italiano del primo Rinascimento, un rappresentante della scuola fiorentina, uno degli artisti più importanti del Rinascimento italiano. L'artista scrisse “La nascita di Venere” per Lorenzo di Pierfrancesco Medici. La trama di questa immagine si basa sul mito di come la dea dell'amore nacque dalla schiuma del mare.

Venere, ritta in una conchiglia, fluttua, spinta da Zefiro e Clori, e Ora, una delle compagne della dea, le viene incontro, tenendo un velo per avvolgerla. Le pieghe stravaganti dei copriletti e dei vestiti svolazzanti nel vento, le onde del mare, la linea spezzata della riva, il guscio "ondulato" della conchiglia e infine i capelli volanti di Venere: tutto ciò mette in risalto i contorni lisci di corpo della dea ed esalta il sentimento di suprema armonia che il suo aspetto evoca. Le mani dei personaggi si chiudono quasi sopra la testa di Venere, e sembra che un arco la stia mettendo in ombra, a cui fa eco il fondo arrotondato della conchiglia. Pertanto, la figura della dea è chiusa in un ovale immaginario. Venere qui è il centro a cui tutto tende.

Il bellissimo volto dell'eroina ricorda i volti delle Madonne nei dipinti di Botticelli, e quindi in quest'opera il tema cristiano risuona attraverso il tema antico, è stata questa combinazione di umanesimo antico e cristianesimo a dare origine al fenomeno del Rinascimento italiano .

Il dipinto successivo di Raffaello Santi, “La visione di Ezechiele”, risale al XVI secolo. Questa piccola tela è stata dipinta per un cliente privato. Lo sfondo dell'immagine corrisponde pienamente alla descrizione biblica di questa visione: "...un vento tempestoso venne da nord, una grande nuvola e un fuoco turbinante e uno splendore attorno ad esso" (Ezechiele 1:4). Nella visione stessa, Dio è raffigurato mentre fluttua nell’aria, sostenuto dalle “somiglianze di quattro animali”. tradizione con le loro quattro creature alate: un uomo o angelo, un leone, un toro e un'aquila, che simboleggiano nelle arti visive i quattro evangelisti. Fu questa tradizione cristiana, e non la descrizione effettiva della visione di Ezechiele, che Raffaello seguì quando dipinse questo quadro. Il dipinto è di piccole dimensioni, ma dà l’idea dell’abilità di Raffaello nel risolvere una composizione così complessa. In esso, l'artista sviluppa un compito eccezionale nella sua difficoltà: mostrare un volo rapido. La figura stessa del Dio degli eserciti è data da una prospettiva molto complessa. L'immagine pittorica di Dio è piena di un potere così titanico e il movimento è trasmesso in modo così perfetto che allo spettatore sembra che "La visione di Ezechiele" sia una grande tela, e non un piccolo dipinto, le cui dimensioni sono appena più grande di una miniatura. L'immagine è basata su uno dei soggetti biblici più ricchi di simbolismo mitico.

Segue un dipinto del XVII secolo, ovvero “Il Regno di Flora” del famoso artista francese Nicolas Poussin. Il maestro ha raffigurato l'antichità come la immaginava. Sulle sue tele, gli eroi dell'antichità rivivono per compiere imprese, andare contro la volontà degli dei o semplicemente cantare e divertirsi. Il dipinto di Poussin "Il Regno di Flora" è stato creato sulla base di un'antica leggenda raccontata dal poeta romano Ovidio. Questa è un'allegoria poetica dell'origine dei fiori, che raffigura gli eroi degli antichi miti trasformati in fiori

Gli eroi che muoiono nel fiore degli anni si trasformano in fiori dopo la morte e si ritrovano nel regno di Flora. La vita umana è interpretata nella sua inseparabilità con la vita della natura. Nell'universo regna un ordine rigoroso, le sue leggi sono ragionevoli. Ciò si avverte anche nella pittura di Poussin, che si distingue per l’equilibrio della sua composizione e la bellezza dei suoi personaggi, ispirati alle immagini della scultura antica. Logica e poesia convivono armoniosamente su questa tela. Qui descrive il suo ideale: una persona che vive un'unica vita felice con la natura.

In tutte le sue opere, Poussin esprime l’ideale estetico del classicismo, che si basa sull’imitazione della “natura decorata”. Ciò significa che l'artista rifletteva solo il sublime, il bello e il perfetto nell'uomo e nella vita, ignorando il vile, il brutto e il brutto.

"Il Regno di Flora" è uno dei dipinti di Poussin, caratterizzato dal suo sviluppo sottile e ricco di colore.

Un esempio di soggetti mitologici nella pittura del XVIII secolo è la tela di François Boucher “Giove e Callisto”. Nel dipinto l'artista si è rivolto alle “Metamorfosi” dello scrittore romano Ovidio, che raccontava il mito del dio Giove, il quale, innamoratosi della ninfa Callisto e volendo sedurla, prese le sembianze della dea Diana . L'artista ha interpretato un episodio sensuale della mitologia antica con uno spirito superficiale e giocoso. Le figure aggraziate e aggraziate delle sue antiche eroine sembrano figurine di porcellana. Boucher amava la pittura leggera e preferiva gli eleganti toni del blu, del rosa e del verde. Nelle opere dello stesso Boucher, ogni tanto compaiono ninfe e Venere. E i nomi delle opere parlano da soli: "Il trionfo di Venere", "La toilette di Venere", "Il bagno di Diana". Sapeva godere della bellezza della vita e incoraggiava gli altri a fare lo stesso. Lo stile rococò era il suo elemento nativo, qui si sentiva come un pesce nell'acqua: naturale e organico. Decoratività, graziosa intimità, atmosfera da boudoir, colori pastello: queste sono le caratteristiche principali dello stile artistico di François Boucher.

E infine, uno dei dipinti più famosi del XIX secolo, il dipinto di Karl Pavlovich Bryullov “L'ultimo giorno di Pompei”, appartiene anche al genere mitologico della pittura. Karl Bryullov è un famoso pittore, acquerellista e disegnatore. Ha studiato all'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Il suo lavoro ha introdotto la freschezza del romanticismo, della vitalità e della passione per la bellezza della realtà nella pittura del classicismo accademico, e ciò ha contribuito allo sviluppo del realismo nella pittura russa. Il dipinto “L’ultimo giorno di Pompei” ha portato l’artista alla fama mondiale. La morte di Pompei secondo Bryullov è la morte dell'intero mondo antico, il cui simbolo diventa la figura più centrale della tela: una bella donna che morì cadendo da un carro. Bryullov è scioccato dalla bellezza interiore e dalla dedizione di queste persone, che non perdono la dignità umana di fronte a un'inevitabile catastrofe. In questi momenti terribili, non pensano a se stessi, ma si sforzano di aiutare i propri cari, per proteggerli dal pericolo. L'artista si vede tra gli abitanti di Pompei con una scatola di colori e pennelli in testa. Lui è qui accanto a loro per aiutare, per sostenere il loro spirito. Ma anche prima della sua morte, l'acuta osservazione dell'artista non lo lascia: vede chiaramente le figure umane perfette nella loro bellezza plastica nei lampi dei fulmini. Sono belli non solo per l'illuminazione straordinaria, ma anche perché essi stessi sembrano irradiare la luce della nobiltà e grandezza spirituale. Sono passati quasi sei anni da quel giorno memorabile in cui, per le strade della senza vita Pompei, Bryullov ebbe l'idea di dipingere un quadro sulla morte di questa antica città. Nell'ultimo anno l'artista ha lavorato così furiosamente che più di una volta è stato portato fuori dallo studio in uno stato di completo esaurimento.

Conclusione

pittura d'arte mitica Bryullov

Il lavoro da noi svolto conferma l'ipotesi che i miti siano una fonte inesauribile per la creatività di artisti di secoli ed epoche diverse. A questo scopo sono state esaminate le opere di maestri di secoli diversi. È stato inoltre condotto un sondaggio.

Elenco delle fonti di informazione

· http://citaty.su/

· http://muzei-mira.com

· http://jivopis.org

· http://www.mifyrima.ru/

· https://ru.wikipedia.org

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Il genere delle belle arti dedicato agli eroi e agli eventi raccontati dai miti dei popoli antichi è chiamato genere mitologico (dal greco mythos - tradizione). Tutti i popoli del mondo hanno miti, leggende e tradizioni e costituiscono il fonte più importante della creatività artistica.

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Il genere mitologico ha origine nell'arte tardoantica e medievale, quando i miti greco-romani cessarono di essere credenze e divennero storie letterarie con contenuto morale e allegorico. Il genere mitologico stesso si formò durante il Rinascimento, quando antiche leggende fornirono ricchi soggetti per i dipinti di S. Botticelli, A. Mantegna, Giorgione e gli affreschi di Raffaello.

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SANDRO BOTTICELLI LA NASCITA DI VENERE Le onde del mare lavano a riva un'enorme conchiglia, come un fiore delicato aperto con una dea nuda e fragile in piedi al suo interno con un volto pensieroso e triste. I marshmallow, fluttuando rapidamente nell'aria, spingono il guscio verso la riva, lo inondano di fiori e ondeggiano le ciocche dorate dei capelli di Venere. La ninfa si affretta a gettarle addosso una coperta viola, svolazzante al vento. Sia in primavera che nella nascita di Venere, la linea è un potente mezzo di espressione emotiva. L'apparizione di Venere unisce bellezza sensuale e spiritualità sublime. Il suo aspetto è un risultato di grande armonia, è considerata una delle immagini femminili poetiche più belle dell'arte mondiale.

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Andrea Mantegna Parnas

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Giorgione. Giuditta Giuditta è residente nella città ebraica di Betulia, assediata dal comandante babilonese Oloferne. Gli abitanti di Vetilui erano affamati e in punto di morte. Judith si offrì volontaria per salvare i suoi compatrioti, si vestì elegantemente e andò all'accampamento nemico. La sua bellezza e intelligenza affascinarono Oloferne, iniziò a banchettare con lei nella sua tenda e quando si addormentò, Giuditta gli tagliò la testa con la sua stessa spada e la portò nella sua città natale. I residenti, ispirati dalla sua impresa, attaccarono i nemici e li scacciarono. Con il suo sacrificio, Giuditta ottenne fama e venerazione da parte dei suoi concittadini.

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Nel XVII secolo - inizio 19esimo secolo nelle opere del genere mitologico si espande la gamma di problemi morali ed estetici, che si incarnano in alti ideali artistici e si avvicinano alla vita o creano uno spettacolo festoso: N. Poussin Sleeping Venus (1620, Dresda, Galleria d'arte) , P. P. Rubens Bacchanalia (1619-1620, Mosca, Museo statale di belle arti Pushkin), D. Velazquez Bacchus (Ubriachi) (1628-1629, Madrid, Prado), Rembrandt Danae (1636, San Pietroburgo, Hermitage), G. B. TiepoloTriumph di Anfitrite (1740 circa, Dresda, Pinacoteca). Dal XIX al XX secolo. I temi dei miti germanici, celtici, indiani e slavi divennero popolari.

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Nel 19 ° secolo il genere mitologico funge da norma per l'arte alta e ideale (scultura di I. Martos, dipinti di J.-L. David, J.-D. Ingres, A. Ivanov). Insieme ai temi della mitologia antica dei secoli XIX-XX. I temi dei miti indiani divennero popolari nell'arte. All'inizio del 20 ° secolo. il simbolismo e lo stile Art Nouveau hanno ravvivato l'interesse per il genere mitologico (M. Denis, M. Vrubel). Ha ricevuto un ripensamento moderno nella scultura di A. Maillol, A. Bourdelle, S. Konenkov e nella grafica di P. Picasso. M. Vrubel V. Vasnetsov Jean Louis David. Andromaca presso il corpo di Ettore.

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SirinVictor Korolkov1996 Sirin (phragm)Victor Vasnetsov Sirin è uno degli uccelli del paradiso, anche il suo stesso nome è in consonanza con il nome del paradiso: Iriy. Tuttavia, questi non sono affatto gli Alkonost e Gamayun chiari. Sirin è un uccello scuro, una forza oscura, un messaggero del sovrano degli inferi. Dalla testa alla vita Sirin è una donna di incomparabile bellezza, e dalla vita è un uccello. Chi ascolta la sua voce dimentica tutto nel mondo, ma presto è condannato a guai e disgrazie, o addirittura muore, e non c'è forza per costringerlo a non ascoltare la voce di Sirin. E questa voce è una vera felicità!

Genere mitologico

(dal gr. m уthos - leggenda) - un genere di belle arti dedicato agli eventi e agli eroi di cui raccontano i miti dei popoli antichi. Tutti i popoli del mondo hanno miti, leggende e tradizioni e costituiscono la fonte più importante della creatività artistica. Il genere mitologico ha origine nell'arte tardoantica e medievale, quando i miti greco-romani cessarono di essere credenze e divennero storie letterarie con contenuto morale e allegorico. Il genere mitologico stesso si formò durante il Rinascimento, quando antiche leggende fornirono ricchi soggetti per i dipinti di S. Botticelli, A. Mantegna, Giorgione e per gli affreschi di Raffaello. Nei secoli XVII - inizio XIX. La comprensione dei dipinti del genere mitologico è notevolmente ampliata. Servono a incarnare un alto ideale artistico (N. Poussin, P. Rubens), avvicinare le persone alla vita (D. Velazquez, Rembrandt) e creare uno spettacolo festoso (F. Boucher, G. B. Tiepolo). Nel 19 ° secolo il genere mitologico funge da norma per l'arte alta e ideale (scultura di I. Martos, dipinti di J.-L. David, J.-D. Ingres, A. Ivanov). Insieme ai temi della mitologia antica dei secoli XIX-XX. I temi dei miti indiani divennero popolari nell'arte. All'inizio del 20 ° secolo. il simbolismo e lo stile Art Nouveau hanno ravvivato l'interesse per il genere mitologico (M. Denis, M. Vrubel). Ha ricevuto un ripensamento moderno nella scultura di A. Maillol, A. Bourdelle, S. Konenkov e nella grafica di P. Picasso.

GENERE MITOLOGICO

GENERE MITOLOGICO(dal greco mythos - leggenda) è un genere di belle arti dedicato agli eroi e agli eventi di cui raccontano i miti dei popoli antichi. Tutti i popoli del mondo hanno miti, leggende e tradizioni, e rappresentano la fonte più importante di creatività artistica nelle prime fasi della loro storia, a cominciare dall'arte primitiva (sebbene i miti che costituivano la base delle immagini a noi conosciute spesso non ci sono pervenuti). Ma in epoche in cui la mitologia era un fenomeno vivo, globale, in costante sviluppo, uno dei fondamenti della coscienza popolare, non poteva distinguersi come un genere separato, diverso dagli altri. Gli inizi di M. nacque nell'arte tardoantica e medievale, quando i miti greco-romani cessarono di essere credenze e divennero storie letterarie con contenuto morale e allegorico. In realtà M. formato durante il Rinascimento, quando antiche leggende offrivano ricche opportunità per l'incarnazione di storie e personaggi con sfumature etiche, spesso allegoriche molto complesse (dipinti di Sandro Botticelli, Andrea Mantegna, Giorgione, affreschi di Francesco Cossa, Raffaello). Ore 17 – inizio. 19esimo secolo La gamma di problemi filosofici, morali ed estetici riflessi nelle opere di M. Zh. si sta espandendo in modo significativo, sia servendo a incarnare un alto ideale artistico (dipinti di Nicolas Poussin, Peter Powell Rubens), sia avvicinandosi alla vita (dipinti di Diego Velazquez, Rembrandt), o creando uno spettacolo festoso (dipinti di Francois Boucher, Giovanni Battista Tiepolo). Nel 19 ° secolo M.f. serve come norma dell'arte alta e ideale (scultura di Antonio Canova, Bertel Thorvaldsen, I. P. Martos, dipinti di Jacques Louis David, Dominique Ingres, A. A. Ivanov), che nel salone accademico dell'arte del medio. e 2° piano. secolo acquisì il carattere di una routine fredda e senza vita, che giocò un ruolo significativo nella rivolta dei giovani artisti russi nel 1863. Insieme ai temi della mitologia antica nei secoli XIX e XX. I temi dei miti germanici, celtici, indiani e slavi divennero popolari nell'arte. All'inizio. 20 ° secolo Il simbolismo e lo stile Art Nouveau hanno ravvivato l'interesse per l'arte femminile. (Maurice Denis, M.A. Vrubel), che ha ricevuto un ripensamento moderno nella scultura di Aristide Mayol, Antoine Bourdelle, S.T. Konenkov e nella grafica di Pablo Picasso.