Perché il mare di Aivazovsky è così vivo, respirante e trasparente? Qual è l'asse di uno qualsiasi dei suoi dipinti? Dove dovremmo guardare per godere appieno dei suoi capolavori? Come ha scritto: lungo, breve, gioioso o doloroso? E cosa c'entra l'impressionismo con Aivazovsky?
Naturalmente, Aivazovsky è nato un genio. Ma c'era anche un mestiere che padroneggiava brillantemente e di cui voleva comprendere le complessità. Allora da cosa sono nate la schiuma del mare e i sentieri lunari di Aivazovsky?
Ivan Constantinovich Aivazovski. Tempesta al largo della costa rocciosa. 102×73 cm.
“Colori segreti”, onda Aivazovsky, smalto
Ivan Kramskoy scrisse a Pavel Tretyakov: “Aivazovsky probabilmente ha il segreto per comporre i colori, e anche i colori stessi sono segreti; Non ho mai visto toni così luminosi e puri nemmeno sugli scaffali dei negozi di zanzariere.” Alcuni dei segreti di Aivazovsky sono arrivati fino a noi, anche se quello principale non è affatto un segreto: per dipingere il mare in questo modo, devi nascere in riva al mare, vivere vicino ad esso una lunga vita, durante la quale non otterrai mai stanco di ciò.
La famosa "onda Aivazovsky" è un'onda marina schiumosa, quasi trasparente che sembra in movimento, veloce e viva. L'artista ha ottenuto la trasparenza utilizzando la tecnica dello smalto, ovvero applicando gli strati più sottili di vernice uno sopra l'altro. Aivazovsky preferiva l'olio, ma spesso le sue onde sembrano acquerelli. È come risultato della verniciatura che l'immagine acquisisce questa trasparenza, e i colori sembrano molto saturi, ma non per la densità del tratto, ma per la speciale profondità e sottigliezza. La magistrale verniciatura di Aivazovsky è una delizia per i collezionisti: la maggior parte dei suoi dipinti sono in condizioni eccellenti: gli strati di vernice più sottili sono meno soggetti a screpolature.
Aivazovsky scriveva rapidamente, spesso creando opere in una sessione, quindi la sua tecnica di verniciatura aveva le sue sfumature. Ecco cosa scrive a riguardo Nikolai Barsamov, direttore di lunga data della Galleria d'arte Feodosia e il più grande esperto dell'opera di Aivazovsky: “...a volte applicava acqua su una pittura di fondo semisecca. Spesso l'artista ha smaltato le onde alla base, conferendo profondità e forza al tono colorato e ottenendo l'effetto di un'onda trasparente. A volte i piani significativi del dipinto venivano oscurati mediante vetri. Ma la verniciatura nel dipinto di Aivazovsky non era l’ultima fase obbligatoria del lavoro, come avveniva con gli antichi maestri con il metodo di pittura a tre strati. Tutta la sua pittura è stata fondamentalmente eseguita in un unico passaggio e spesso ha utilizzato la verniciatura come uno dei modi per applicare uno strato di vernice su fondo bianco all'inizio del lavoro, e non solo come segni finali alla fine del lavoro. L'artista a volte utilizzava la verniciatura nella prima fase del lavoro, coprendo ampie aree del dipinto con uno strato di vernice traslucido e utilizzando il primer bianco della tela come rivestimento luminoso. È così che a volte scriveva l'acqua. Distribuendo abilmente strati di vernice di varia densità sulla tela, Aivazovsky ha ottenuto una rappresentazione fedele della trasparenza dell’acqua”.
Aivazovsky si è rivolto agli smalti non solo quando ha lavorato su onde e nuvole; con il loro aiuto è riuscito a infondere vita nella terra. “Aivazovsky dipingeva terra e pietre con pennelli ruvidi e setolosi. È possibile che li abbia tagliati appositamente in modo che le estremità dure delle setole lasciassero dei solchi sullo strato di vernice, dice il critico d'arte Barsamov. — La vernice in questi luoghi viene solitamente applicata in uno spesso strato. Di norma, Aivazovsky smaltava quasi sempre la terra. Il tono dello smalto (più scuro), cadendo nei solchi delle setole, conferiva una peculiare vivacità allo strato pittorico e maggiore realtà alla forma raffigurata”.
Per quanto riguarda la domanda “da dove vengono i colori?”, è noto che negli ultimi anni ha acquistato i colori dalla ditta berlinese Mewes. È semplice. Ma c'è anche una leggenda: presumibilmente Aivazovsky ha acquistato i colori da Turner. A questo proposito si può dire solo una cosa: teoricamente è possibile, ma anche se così fosse, Aivazovsky non ha certamente dipinto tutte le 6.000 sue opere con i colori di Turner. E il dipinto a cui Turner, colpito, ha dedicato la poesia, è stato creato da Aivazovsky ancor prima di incontrare il grande pittore marino britannico.
Ivan Constantinovich Aivazovski. Golfo di Napoli in una notte di luna. 1842, 92×141 cm.
“Nella tua foto vedo la luna con il suo oro e argento, in piedi sopra il mare, riflessa in esso. La superficie del mare, su cui una leggera brezza soffia un'onda tremante, sembra un campo di scintille. Perdonami, grande artista, se ho sbagliato a scambiare l'immagine per la realtà, ma la tua opera mi ha incantato e la gioia si è impossessata di me. La tua arte è eterna e potente, perché sei ispirato dal genio.", - poesie di William Turner sul dipinto di Aivazovsky "La baia di Napoli in una notte di luna".
Ivan Constantinovich Aivazovski. Tra le onde. 1898, 285×429 centimetri.
L'importante è iniziare, o al ritmo di Aivazovsky
Aivazovsky iniziava sempre il suo lavoro con un'immagine del cielo e la dipingeva in un unico passaggio: potevano volerci 10 minuti o 6 ore. Ha dipinto la luce nel cielo non con la superficie laterale del pennello, ma con la sua estremità, cioè ha “illuminato” il cielo con numerosi rapidi tocchi di pennello. Il cielo è pronto: puoi rilassarti, distrarti (tuttavia, se lo è permesso solo con i dipinti, che hanno richiesto parecchio tempo). Poteva scrivere il mare in più passaggi.
Secondo Ivan Aivazovsky, lavorare a lungo su un dipinto significa, ad esempio, dipingere una tela per 10 giorni. Questo è esattamente il tempo impiegato dall’artista, che all’epoca aveva 81 anni, per creare il suo dipinto più grande, “Among the Waves”. Allo stesso tempo, secondo lui, tutta la sua vita è stata la preparazione per questo film. Cioè, il lavoro ha richiesto il massimo impegno da parte dell'artista e dieci giorni interi. Ma nella storia dell’arte, non è raro che i dipinti richiedano venti o più anni per essere dipinti (ad esempio, Fyodor Bruni scrisse il suo “Serpente di rame” per 14 anni, iniziato nel 1827 e terminato nel 1841).
In Italia, Aivazovsky ad un certo periodo divenne amico di Alexander Ivanov, lo stesso che scrisse “L'apparizione di Cristo al popolo” per 20 anni, dal 1837 al 1857. Hanno anche provato a lavorare insieme, ma ben presto hanno litigato. Ivanov ha potuto lavorare su uno schizzo per mesi, cercando di ottenere una precisione speciale di una foglia di pioppo, mentre Aivazovsky è riuscito a esplorare tutte le aree circostanti e a dipingere diversi dipinti durante questo periodo: “Non posso scrivere in silenzio, non posso meditare per mesi. Non lascio la scena finché non avrò parlato apertamente.. Talenti così diversi, modi diversi di creare - duro lavoro e gioiosa ammirazione per la vita - non potevano restare vicini a lungo.
Ivan Aivazovsky accanto al suo dipinto, fotografia del 1898.
Aivazovsky al cavalletto.
“L'arredamento del laboratorio era eccezionalmente semplice. Davanti al cavalletto c'era una semplice sedia con il sedile di vimini, il cui schienale era ricoperto da uno strato piuttosto spesso di vernice, poiché Aivazovsky aveva l'abitudine di gettare la mano e pennellare sullo schienale della sedia e, seduto a metà -si voltò verso il dipinto, guardandolo”, dalle memorie di Konstantin Artseulov , anche questo nipote di Aivazovsky divenne un artista.
Creatività come gioia
La musa di Aivazovsky (scusateci per questa pomposità) è gioiosa, non dolorosa. " Dalla leggerezza, dall’apparente facilità del movimento della mano, dall’espressione soddisfatta del viso, si potrebbe tranquillamente dire che un lavoro del genere è un vero piacere.”, - queste sono le impressioni di un funzionario del Ministero della Corte Imperiale, lo scrittore Vasily Krivenko, che ha osservato il lavoro di Aivazovsky.
Aivazovsky, ovviamente, vide che per molti artisti il loro dono è una benedizione o una maledizione; alcuni dipinti sono dipinti quasi con il sangue, impoverendo ed esaurendo il loro creatore. Per lui avvicinarsi alla tela con il pennello è sempre stata la gioia e la felicità più grandi; nella sua bottega ha acquisito una leggerezza e un'onnipotenza speciali. Allo stesso tempo, Aivazovsky ha ascoltato attentamente i consigli pratici e non ha ignorato i commenti delle persone che apprezzava e rispettava. Anche se non abbastanza per credere che la leggerezza del suo pennello sia un inconveniente.
Laboratorio VS plein air
Solo i pigri in quegli anni non parlavano dell'importanza di lavorare con la natura. Aivazovsky preferiva realizzare schizzi fugaci dalla vita e dipingere in studio. “Preferito” forse non è proprio la parola giusta, non è una questione di convenienza, è stata una sua scelta fondamentale. Credeva che fosse impossibile rappresentare dal vero il movimento degli elementi, il respiro del mare, il rombo del tuono e il lampo dei fulmini - e questo era proprio ciò che lo interessava. Aivazovsky aveva una memoria fenomenale e considerava suo compito “sul posto” assorbire ciò che stava accadendo. Sentire e ricordare, per tornare in studio e proiettare queste sensazioni sulla tela: ecco a cosa serve la natura. Allo stesso tempo, Aivazovsky era un eccellente copista. Mentre studiava con Maxim Vorobyov, ha dimostrato pienamente questa abilità. Ma copiare – anche i dipinti di qualcuno, persino la natura – gli sembrava molto meno di quanto potesse fare.
Ivan Constantinovich Aivazovski. Baia di Amalfi nel 1842. Schizzo. 1880
Ivan Constantinovich Aivazovski. Costiera amalfitana. 105×71 cm.
L'artista Ilya Ostroukhov ha lasciato ricordi dettagliati del rapido lavoro di Aivazovsky e di come erano i suoi schizzi dal vero:
“Mi è capitato di conoscere il modo di eseguire le opere artistiche del defunto famoso pittore marino Aivazovsky nel 1889, durante uno dei miei viaggi all'estero, a Biarritz. Più o meno nello stesso periodo in cui arrivai a Biarritz, arrivò lì anche Aivazovsky. Il venerabile artista aveva già, per quanto ricordo, circa settant'anni... Avendo saputo che conoscevo bene la topografia della zona, [lui] mi portò immediatamente a fare una passeggiata lungo la riva dell'oceano. Era una giornata tempestosa e Aivazovsky, incantato dalla vista delle onde dell'oceano, si fermò sulla spiaggia...
Tenendo gli occhi sull'oceano e sul paesaggio delle montagne lontane, tirò fuori lentamente il suo piccolo taccuino e tracciò solo tre linee con una matita: il contorno delle montagne lontane, la linea dell'oceano alla base di queste montagne e la linea della costa lontano da lui. Poi siamo andati oltre con lui. Dopo aver camminato per circa un miglio, si fermò di nuovo e fece lo stesso disegno di diverse linee nella direzione opposta.
- Oggi è una giornata nuvolosa.- disse Aivazovsky, - e per favore dimmi solo dove sorge e tramonta il sole qui.
Ho indicato. Aivazovsky mise diversi punti nel libro e lo nascose in tasca.
- Adesso andiamo. Questo è sufficiente per me. Domani dipingerò le onde dell'oceano a Biarritz.
Il giorno successivo furono effettivamente dipinti tre spettacolari dipinti della risacca marina: a Biarritz: al mattino, a mezzogiorno e al tramonto...”
Ivan Constantinovich Aivazovski. Biarritz. 1889, 18×27 cm.
Il sole di Aivazovsky, o cosa c'entra l'impressionismo
L'artista armeno Martiros Saryan ha notato che, indipendentemente dalla grandiosa tempesta raffigurata da Aivazovsky, un raggio di luce sfonda sempre l'accumulo di nuvole temporalesche nella parte superiore della tela - a volte chiaro, a volte sottile e appena percettibile: "È in questa Luce che risiede il significato di tutte le tempeste rappresentate da Aivazovsky."
Ivan Constantinovich Aivazovski. Tempesta sul Mare del Nord. XX, 202×276 cm.
Ivan Constantinovich Aivazovski. Notte al chiaro di luna. 1849, 192×123 centimetri.
Ivan Constantinovich Aivazovski. Golfo di Napoli in una notte di luna. 1892, 73×45 centimetri.
Ivan Constantinovich Aivazovski. La nave "Imperatrice Maria" durante una tempesta. 1892, 224×354 centimetri.
Ivan Constantinovich Aivazovski. Notte di luna a Capri. 1841, 26×38 cm.
Se questo è il sole, illuminerà la tempesta più nera, se è un percorso lunare, riempirà l'intera tela con il suo tremolio. Non chiameremo Aivazovsky né un impressionista né un precursore dell'impressionismo. Ma citiamo le parole del filantropo Alexei Tomilov - critica i dipinti di Aivazovsky: “Le figure sono sacrificate a tal punto che è impossibile riconoscere se in primo piano siano uomini o donne (...) ostentano aria e acqua”. Diciamo degli impressionisti che i personaggi principali dei loro dipinti sono il colore e la luce, uno dei compiti principali è il trasferimento della massa aria-luce. Nelle opere di Aivazovsky la luce viene prima e, sì, giustamente, l’aria e l’acqua (nel suo caso si tratta di cielo e mare). Tutto il resto è costruito attorno a questa cosa principale.
Si sforza non solo di rappresentare in modo credibile, ma di trasmettere sensazioni: il sole dovrebbe splendere in modo tale da voler chiudere gli occhi, lo spettatore si ritrarrà dal vento e si ritirerà spaventato dalle onde. Quest'ultimo, in particolare, fu realizzato da Repin quando Aivazovsky aprì improvvisamente la porta della stanza di fronte a lui, dietro la quale si trovava la sua "Nona onda".
Ivan Constantinovich Aivazovski. La nona ondata. 332×221 cm.
Come guardare i dipinti di Aivazovsky
L'artista ha dato consigli del tutto inequivocabili: dovresti cercare il punto più luminoso sulla tela, la fonte di luce e, dopo averlo osservato da vicino, far scorrere lo sguardo sulla tela. Ad esempio, quando gli è stato rimproverato che “Moonlit Night” non era finito, ha sostenuto che se lo spettatore “ presterà la massima attenzione alla luna e gradualmente, attenendosi al punto interessante della foto, guarderà di passaggio le altre parti della foto, e oltre, senza dimenticare che questa è la notte, che ci priva di ogni riflesso, poi un tale spettatore troverà che questo quadro è più completo di quanto dovrebbe".
Ivan Constantinovich Aivazovski. Notte di luna in Crimea. Gurzuf, 1839, 101×136,5 cm.
Ivan Constantinovich Aivazovski. L'esplosione di una nave Konstantin Aivazovsky non è uno di quegli artisti che perdono l'ispirazione nel processo e abbandonano il loro lavoro incompiuto. Ma un giorno accadde anche a lui: non finì il dipinto "L'esplosione della nave" (1900). La morte si è messa in mezzo. Questo lavoro incompiuto è particolarmente prezioso per i ricercatori del suo lavoro. Ti permette di capire cosa l'artista considerava la cosa principale nel dipinto e su quali elementi ha iniziato a lavorare. Vediamo che Aivazovsky ha iniziato con una nave e la fiamma di un'esplosione, qualcosa che toccherà l'anima dello spettatore. E l'artista ha lasciato i dettagli su cui lo spettatore semplicemente sorvolerà per dopo.
Esplosione della nave. 1900
Ivan Constantinovich Aivazovski. Grotta Azzurra. Napoli. 1841, 100×74 centimetri.
Lo spettatore moderno a volte è scoraggiato dall’intensa colorazione dei dipinti di Aivazovsky, dai suoi colori brillanti e senza compromessi. C'è una spiegazione per questo. E questo non è affatto un cattivo gusto dell'artista.
Oggi guardiamo i porti turistici di Aivazovsky nei musei. Spesso si tratta di gallerie provinciali, con interni fatiscenti e senza illuminazione particolare, sostituita semplicemente dalla luce proveniente dalla finestra. Ma durante la vita di Aivazovsky, i suoi dipinti erano appesi in ricchi salotti e persino nei palazzi. Sotto soffitti in stucco, su pareti ricoperte da lussuosi pergolati, alla luce di lampadari e candelabri. È del tutto possibile che l'artista abbia fatto attenzione che i suoi dipinti non si perdessero sullo sfondo di tappeti colorati e mobili dorati.
Gli esperti dicono che i paesaggi notturni di Aivazovsky, che spesso sembrano rustici in condizioni di scarsa luce naturale o sotto lampade rare, prendono vita, diventando misteriosi e nobili, come li intendeva l’artista, se visti a lume di candela. Soprattutto quei dipinti che Aivazovsky dipinse a lume di candela.
Il meraviglioso pittore di marine Ivan Konstantinovich Aivazovsky, come sapete, nacque a Feodosia in una famiglia armena da Konstantin e Hripsime Aivazovsky il 29 luglio 1817, se in armeno il cognome suona più esattamente come Ayvazyan, anche se nella vita quotidiana e nei documenti il cognome del padre potrebbe suonare come Gaivazovsky.
Fin dalla prima infanzia, il giovane Aivazovsky ha mostrato un'inclinazione verso l'arte; da autodidatta, ha imparato a suonare il violino e, ovviamente, era molto attratto dal disegno. L'architetto locale Kokh Y.Kh. ha attirato l'attenzione sulle capacità del giovane talento e ha insegnato al ragazzo alcune basi del disegno e della pittura.
Il talento nel disegnare fu notato dall'allora governatore di Tavrida Kaznacheev A.I., che si occupò dell'iscrizione del giovane talento nel 1831 al Tauride Gymnasium,
I successi di Aivazovsky nel disegno furono rivelati sempre di più; le voci sul giovane talento arrivarono al sindaco di Feodosia, che aiutò a organizzare il diploma del giovane dalla scuola distrettuale in un istituto più rispettabile nella palestra della città di Simferopol. Dopo aver studiato con successo per qualche tempo in questa istituzione, con l'aiuto dell'insegnante di disegno, l'artista tedesco I.L. e Gross, che apprezzò il giovane talento di Aivazovsky, lo mandò a San Pietroburgo all'Accademia delle arti e lì il giovane artista fu iscritto a studiare nel 1833, dove il suo lavoro fu apprezzato dall'artista K. P. Bryullov, parlò lo scrittore A. S. Pushkin in modo molto lusinghiero per l'artista.
All'Accademia, Aivazovsky sviluppò costantemente le sue capacità e nel 1835 completò il lavoro con il dipinto Veduta del mare vicino a San Pietroburgo e l'aria sopra il mare, per queste prime opere l'artista ricevette una medaglia d'argento. il giovane pittore marino fu inviato al famoso artista francese F. Tanner.
Dopo essersi diplomato all'Accademia con una grande medaglia d'oro, ha ricevuto il diritto di viaggiare nella sua nativa Crimea, dove lavora fruttuosamente, scrivendo schizzi di Feodosia, Yalta, Sebastopoli e Gurzuf. Per continuare a migliorare la sua creatività, Aivazovsky, insieme ad altri artisti dell'Accademia, si recò a Roma, in Italia, nel 1840, visitando Venezia, Firenze e Napoli. Conosce l'arte mondiale europea in vari musei europei e lavora fruttuosamente.
Dopo qualche tempo, Aivazovsky divenne un pittore marino molto famoso in Europa. È stato insignito del titolo di accademico delle Accademie delle Arti di Roma, Amsterdam e Parigi. Ritornato in patria nel 1844 come maestro riconosciuto all'età di 27 anni, gli fu conferito il titolo di accademico in Russia.
Il carattere di Tanner non era semplice, era severo, insegnava ad Aivazovsky alcuni segreti della maestria, gli proibiva ogni libertà di pensiero nel creare opere fuori tema, tuttavia Aivazovsky era attratto dal tema dei suoi dipinti e, in segreto dal severo insegnante, creò 5 opere nel 1837 e le espone coraggiosamente all'Accademia delle Arti, che ricevette recensioni positive.
In risposta alla disobbedienza, l'artista Philip Tanner si rivolge allo zar Nicola 1 con una denuncia contro il suo studente e, di conseguenza, lo zar, rispettando Tanner, ordina che i dipinti di Aivazovsky vengano rimossi dalla mostra e che l'artista venga punito. Questo momento non fu certamente piacevole per il giovane pittore di marine; passarono sei lunghi mesi dopo questo delicato incidente, quando tutto fu un po' dimenticato; fu finalmente perdonato per il suo passato comportamento non accademico e inviato al dipartimento di pittura di battaglia per studiare qualcosa di più approfondito. per Aivazovsky, questa è pittura marina con temi militari sotto la guida del professor A.I. Sauerweid.
In questa classe, l'artista si rivela con un successo ancora maggiore, nel 1837 termina il suo paesaggio marino intitolato Calma, il dipinto riceve molte recensioni, guardandolo all'Accademia, Ivan Aivazovsky riceve la Grande Medaglia d'Oro, era il sogno di tutti gli studenti dell'Accademia. Oltre alla medaglia, si è guadagnato il diritto di visitare la sua nativa Crimea e un viaggio in Europa.
In Crimea, Aivazovsky continua a dedicarsi alla creatività, dipinge alcuni dei suoi paesaggi marini preferiti, è invitato a partecipare alle ostilità, dove l'artista osserva lo sbarco di un assalto anfibio sul fiume Shah in Circassia e crea schizzi per il futuro dipinto di il distaccamento di sbarco nella valle di Subashi, che fu successivamente acquistato dallo zar. Nel 1839 Aivazovsky completò i suoi studi all'Accademia d'arte e ricevette il titolo di nobile.
Nella vasta biografia dell'artista, molto è legato alla Turchia, dove il raro talento di Aivazovsky era molto apprezzato.
Nel 1845, Aivazovsky visitò la Turchia come parte di una spedizione geografica guidata da Litke F.P. L'artista visitò Istanbul, che colpì l'artista con la sua insolita bellezza. L'artista visitò nuovamente questa città nel 1856, fu ricevuto come caro ospite dallo stesso sultano Abdul-Mecid I, che era un ammiratore del talento dell'artista e aveva opere di Ivan Konstantinovich nella sua galleria d'arte. Incoraggiato dall'accoglienza, il Sultano ha conferito all'artista l'Ordine onorario di Nishan Ali.
Nel suo viaggio creativo, Aivazovsky ha creato molti dipinti con temi turchi, gli artisti turchi hanno studiato le sue opere, l'autorità dell'artista in Turchia era enorme, una delle opere è stata donata al sultano Abdul-Aziz da amici, sotto la grande impressione di Per il dipinto fece un buon ordine commerciale affinché l'artista dipingesse una dozzina di dipinti di paesaggi con viste spettacolari sul Bosforo e Istanbul. Il Sultano semplicemente adorava questo maestro del paesaggio, spesso lo invitava a palazzo e successivamente l'artista dipinse circa 20 opere aggiuntive. Lo stesso Padishah turco gli ha conferito un costoso premio turco: l'Ordine di Osmania, 2 ° grado. Poco dopo, tra un anno, Aivazovsky preparerà in dono nuove opere paesaggistiche con temi russi: Inverno a Mosca e il dipinto Veduta di San Pietroburgo dal Ponte della Santissima Trinità.
Come sapete, la Russia combatté spesso con la Turchia, ma in questa fase, nel 1878, la guerra fu fermata e fu firmato un trattato di pace, i dipinti di Ivan Aivazovsky furono appesi nelle sale del palazzo turco, questa mostra contribuì beneficamente allo spirito di pace rapporti tra le due parti. Inoltre, in onore della pace e dell'amicizia, i dipinti appartenenti a collezionisti turchi sono stati esposti in Russia e questa volta l'artista ha ricevuto una medaglia di diamante dallo stesso sultano Abdul Hamid 2°. e nel 1847 gli fu conferito il titolo onorifico di professore presso l'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Una delle opere di quel periodo può essere evidenziata nel 1848, la Battaglia di Chesma con una caratteristica battaglia navale. Ma il tema militare delle opere veniva talvolta sostituito da tele liriche con elementi marini nel 1849 Tempesta in mare di notte
Nel 1950, l'artista sorprese nuovamente i suoi contemporanei con il suo successivo inaspettato capolavoro, La nona onda, l'opera non lasciò nessuno indifferente, alcuni storici e biografi la paragonarono alla tempesta vista dallo stesso Aivazovsky, dalla quale riuscì a fuggire vivo e illeso. Sebbene i giornali fossero già stati pubblicati nella capitale e sulla stampa europea sulla morte del pittore marino, come vediamo, tutto ha funzionato e il maestro dei pittoreschi elementi marini ha continuato a creare e deliziare il pubblico con i suoi capolavori. Nel 1853, dal pennello dell’artista emersero le seguenti tele: Dipinto Notte di luna di Aivazovsky. Bagno a Feodosia, con un bellissimo tramonto sul mare. Baia di Koktebel
Gli anni '60 e '70 del XIX secolo possono essere tranquillamente definiti la piena fioritura della creatività di Aivazovsky. C'è abbondanza di dipinti sul mare, tra questi lavori sono notevoli: Il diluvio, Notte al chiaro di luna a Costantinopoli 1862, Veduta di Odessa dal mare 1865, Vista sul mare 1867, Nella tempesta 1872, Arcobaleno 1873, Notte. Onda Blu 1876 e altre opere.
All'inizio degli anni '80, l'artista ha creato numerosi dipinti, tra cui uno dei suoi dipinti più notevoli è il Mar Nero. Nonostante il dipinto sia stato dipinto con colori tenui e il mare si riflette in una giornata nuvolosa, il dipinto ha comunque ricevuto molte recensioni positive. Lo stesso Kramskoy ha notato il dipinto come il più grandioso nell’opera dell’artista. Una delle opere più belle del mare calmo del 1885 Calma
Lavorando fino alla fine del XIX secolo, l'artista di Aivazovsky non smise mai di stupire il pubblico dell'epoca con nuove opere. Negli anni '90 il suo talento non tramontò. Durante questo periodo furono pubblicati i dipinti Tempesta del 1897, un'opera di grandi dimensioni Tra furono realizzate le Onde del 1898 e il dipinto Nella tempesta del 1899.
Nella primavera dell'aprile 1900, l'artista creò un altro dipinto, Esplosione di una nave, ma il dipinto non fu mai terminato; il 19 aprile 1900 l'artista morì nel suo studio. Ora il suo laboratorio a Feodosia è la sede del Museo Aivazovsky
Durante la sua storia creativa, Aivazovsky ha creato più di seimila tele, molti dipinti sono stati acquistati da mecenati russi e vari collezionisti provenienti da molti paesi del mondo. Le sue tele vengono vendute ancora oggi e sono valutate in cifre ingenti, tutto questo parla del talento unico di un paesaggista che non ha eguali fino ad oggi.
Dipinti famosi di Ivan Aivazovsky:
Battaglia navale di Navarino 1827
Veduta del mare nei pressi di San Pietroburgo, 1835.
Notte. Contrabbandieri 1836
Mulino a vento in riva al mare 1837
Riva del mare 1840
Golfo di Napoli 1841
amuleto ad Amalfi 1841
Venezia 1842
Gondoliere in mare di notte 1843
Naufragio 1843
Mechitaristi sull'isola di S. Lazzaro 1843
Veduta di Feodosia 1845
Vista mare con cappella 1845
In fuga da un naufragio nel 1844
Monastero di San Giorgio. Capo Fiolent 1846
Battaglia navale di Reval (9 maggio 1790) 1846
Torre. Naufragio 1847
Battaglia di Chesma 1848
Nona ondata 1850
Tempesta del 1850
Battaglia di Sinope 1853
Tempesta su Evpatoria 1861
La grande alluvione del 1864
Mar Nero di notte 1870
Durante la tempesta del 1872
Mar Nero 1881
Navigare nel 1895
Tempesta al largo di Odessa 1898
Naturalmente stiamo parlando di Ivan Konstantinovich Aivazovsky, il grande maestro della scuola di pittura russa.
Tavrida affascinante. Ricordi di gioventù
Per la vecchia generazione di Feodosiani, Ivan Konstantinovich rimarrà per sempre nella memoria di un ragazzino, disegnando all'infinito con il carbone immagini di velieri, mulini a vento e torri di antiche mura di fortezza.
La casa della famiglia Aivazovsky torreggiava sulla costa deserta del Mare del Sud. I paesaggi di Feodosia erano molto diversi dai lussuosi paesaggi costieri meridionali di Yalta o Gurzuf. La catena delle ripide montagne della Crimea si dissolveva nella vasta steppa fredda, e ampie strisce di mare e cielo con un orizzonte talvolta invisibile erano tutto ciò che qui si poteva ammirare all'infinito.
La steppa, nonostante i paesaggi laconici, è sorprendentemente varia. Spesso il sole splendente lascia il posto a una tempesta ribelle. La metà dei bambini dei residenti si rallegrò particolarmente della tempesta, perché enormi onde portarono a riva frammenti di scialuppe e monete che erano diventate verdi col tempo.
L'immaginazione del giovane Aivazovsky dipinse chiaramente le immagini di una battaglia impari tra i normali pescatori e il mare in tempesta. Molto probabilmente, ciò ha successivamente spinto l'artista a scrivere una serie di opere dedicate alle persone che "affrontano la tempesta". - questo è un soggetto particolarmente espressivo nella sua pittura.
Un gioco di contrasti: la calma fredda del Baltico e la soleggiata Italia
Grazie a una pratica educativa in loco dell'Accademia delle arti, Ivan Konstantinovich ha ricevuto l'opportunità unica di vedere la sottile bellezza del nord. Gli esercizi sulla costa baltica hanno dato all'artista non solo una serie di nuove impressioni, ma anche una conoscenza con la flotta russa, alla quale Aivazovsky rimase legato per tutta la vita. Durante la sua visita nel Baltico, il giovane artista dipinse sette dipinti a grandezza naturale, che a quel tempo superavano già tutti i lavori degli studenti.
Permise ad Aivazovsky di studiare a fondo la progettazione delle navi a vela. Nel lavoro dell'artista è apparsa una nuova caratteristica: i soggetti dei suoi dipinti stanno diventando sempre più diversi. I paesaggi marini magistralmente eseguiti si arricchiscono di vari temi, come testimoniano i titoli delle opere accademiche: “Parte di Kronstadt con diverse navi”, “Due navi illuminate dal sole”, “Notte cupa: una nave in fiamme in mare”, “Naufragio ”.
Ma l’ultima fase nello sviluppo finale del carattere dell’opera di Aivazovsky è stato il periodo di un viaggio d’affari nell’Europa occidentale. Il suo percorso si snodava attraverso Trieste, Vienna e Berlino fino alle rive del Golfo di Napoli. La contemplazione degli affascinanti paesaggi italiani e del pittoresco patrimonio degli antichi maestri di Firenze e Roma ha segnato una nuova fase nello sviluppo dell’artista.
Non sono cambiati solo i motivi dei dipinti, ma anche l'approccio al processo creativo stesso. Ivan Konstantinovich ha deciso di diventare un artista in studio. Dopo aver trasferito il cavalletto dall'aria allo studio, Aivazovsky non si è allontanato dagli elementi marini. Molti anni di esperienza nell'osservazione e nello studio della natura hanno dato all'artista l'opportunità di esplorare più ampiamente il suo potenziale. Usando la sua straordinaria memoria visiva e la sua ricca immaginazione, Ivan Konstantinovich ha iniziato a lavorare su opere creative.
Il viaggio d'affari occidentale ha aperto quasi tutto per i pittori marini per Aivazovsky. Anche l'artista stesso perse il conto delle opere dipinte in questo periodo. Presumibilmente, ha creato più di 80 tele, dai dipinti di grandi dimensioni ai rapidi schizzi. Il riconoscimento del pubblico europeo fu molto importante per il pittore, ma l'impressione più grande fu l'alto apprezzamento del suo lavoro da parte del paesaggista inglese William Turner, che ammirava anche la poesia del mare.
"Perdonami, grande artista, se ho sbagliato a confondere l'immagine con la realtà..." - queste parole di Turner caratterizzavano al meglio il talento insuperabile del pittore marino russo.
Motivi di battaglia nei dipinti di Aivazovsky
Ivan Konstantinovich ha reagito in modo vivido a tutti gli eventi che hanno preoccupato la società. La sua arte è servita come mezzo per esprimere le sue esperienze. Il mare ribelle e indisciplinato è diventato un soggetto eccellente per riflettere la situazione nella patria dell’artista. Come ogni creatore, il grande Aivazovsky ha cercato di condurre attività educative. Il tema dei paesaggi marini in questo senso ha giocato solo nelle sue mani. Dopotutto, la bellezza della natura, rigogliosa o statica, è accessibile e comprensibile a tutti i segmenti della società.
Molte opere dedicate alla lotta della flotta russa nella guerra di Crimea furono scritte dal maestro durante il periodo di “battaglia” della sua creatività. Opere come "L'assedio di Sebastopoli" o "La morte della flotta inglese a Balaklava" raccontano sinceramente eventi passati, essendo non solo una proprietà artistica, ma anche storica.
Ma non furono solo gli episodi militari sulle rive della Taurida a ispirare Aivazovsky a creare dipinti di battaglie. L'interesse dell'artista per soggetti narrativi profondi era evidente anche nella rappresentazione di pagine di storia e. Gli epici paesaggi marini dell’isola di Creta e dell’amata Napoli di Aivazovsky hanno contribuito a rivelare la composizione.
Percorso verso l'oceano. Completamento del percorso creativo
Ivan Nikolaevič raggiunse il suo obiettivo più lontano quando era piuttosto vecchio. Aivazovsky si recò in America solo per due mesi: il viaggio non fu facile e ogni tanto si scatenavano terribili tempeste. L'infinita distesa dell'oceano fece un'impressione così forte sull'artista che dipinse i suoi dipinti proprio sul ponte della nave.
Aivazovsky ha avuto la possibilità di vedere molte specie marine, ma la forza fredda dell’oceano ha fatto una vera rivoluzione nella percezione del mondo da parte del paesaggista. La sua creatività ha assunto proporzioni davvero titaniche. Con sorprendente energia, Ivan Konstantinovich ha creato tele raffiguranti l'inquieta distesa dell'oceano, iceberg di dimensioni incredibili e un cielo cupo e tempestoso.
Aivazovsky non ha smesso di lavorare fruttuosamente fino all'ultimo battito cardiaco. Il flusso costante di sviluppo creativo, combinato con la devozione al suo tema preferito, ha reso Ivan Nikolaevich uno standard di eccellenza per molte generazioni di artisti.
L'artista Ivan Aivazovsky (Hovhannes Ayvazyan) è uno dei più grandi pittori marini di tutti i tempi, un poeta dell'elemento acqua, che ha lasciato un segno significativo nella storia della pittura russa. "Il mare è la mia vita", si è espresso, con i nomi degli spazi marini che affascinano lo spettatore con il loro realismo. L'artista è definito l'inimitabile genio dei paesaggi marini, autore di circa 6.000 dipinti, molti dei quali donati in beneficenza.
La vita di un inimitabile pittore marino
L'artista nacque il 17 luglio 1817 nella città di Feodosia nella famiglia di un uomo d'affari armeno, che presto fallì. La bellezza urbana delle rive in leggera pendenza ha predeterminato il suo intero futuro. L'infanzia del ragazzo è stata trascorsa in povertà, ma in giovane età Ivan ha mostrato abilità nella musica e nel disegno. Inizialmente, il futuro artista ha studiato presso un'istituzione parrocchiale armena, poi presso la palestra di Simferopol.
Nel 1833, Aivazovsky divenne uno studente, dove in seguito studiò nella classe di paesaggio di M. N. Vorobyov. Un ruolo predeterminante per l'artista è stata la sua visita a F. Tanner, che aveva abilità speciali nella rappresentazione dell'acqua. L’artista notò il talento del giovane e lo accolse, condividendo le sue tecniche e abilità.
L'anno 1837 divenne decisivo per il In questo periodo, il nome dell'inimitabile pittore marino - Aivazovsky - cominciò a essere sentito spesso. Dipinti con i titoli “Notte al chiaro di luna a Gurzuf” (1839) e “Sea Shore” (1840) furono riconosciuti dagli insegnanti delle accademie, per i quali all'artista fu assegnata una medaglia.
Dal 1840 visitò molti paesi in cui lavorò attivamente, grazie ai quali divenne popolare. Dopo il ritorno di Aivazovsky, fu trasferito al quartier generale principale della marina e gli fu anche conferito il titolo di accademico dell'Accademia delle arti. Successivamente ha visitato attivamente i paesi europei, dove ha contemplato la vastità del mondo e ha acquisito nuove impressioni.
Nel 1847, l'artista fu accettato tra i membri onorari dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Nel corso della sua vita, Aivazovsky aprì una scuola d'arte, una galleria d'arte e tenne più di 120 mostre.
L'abilità e la creatività del genio dell'elemento mare
Il lavoro di Aivazovsky esprime molto chiaramente la maestosità e l’emotività delle battaglie navali. Forse questo è dovuto alla fenomenale capacità di osservazione dell’artista, perché non ha mai dipinto un quadro dal vero, ma ha solo preso appunti e appunti. "I movimenti dei getti viventi sono sfuggenti al pennello", ha detto Aivazovsky. Dipinti con i titoli “Battaglia di Chesme” e “La nona onda”, permeati di un ciclo di azioni, sottolineano la capacità dell’artista di osservare e successivamente riprodurre gli eventi.
Incredibile velocità di completamento del lavoro
La straordinaria capacità dell’artista si manifesta non solo nella sua capacità di osservazione, ma anche nella velocità di esecuzione. Solo Ivan Aivazovsky poteva svolgere un lavoro considerevole in così poco tempo. L'artista ha creato i dipinti con i titoli “Paesaggio del Mar Nero” e “Tempesta” in sole 2 ore, utilizzando una tecnica unica. Particolarmente impressionanti sono le battaglie navali raffigurate sulla tela, la cui trama si percepisce d'un fiato. Il dramma si trasforma in un'espressione del calore spirituale della luce, che sottolinea l'insolito dello stile. Guardando le creazioni del maestro, senti letteralmente la rapidità e il vortice delle onde. La trasmissione dell'umore procede con una leggera dualità di silenzio e rabbia. Il significativo successo del maestro sta anche nel trasmettere il realismo di ciò che sta accadendo, perché solo un genio può rappresentare in questo modo la composizione emotiva dell'elemento mare.
Le creazioni più popolari dell'artista
Durante le riforme degli anni Sessanta e Settanta le arti fiorirono. Questa volta è considerato il periodo di massimo splendore esattamente quando Aivazovsky stava creando. I dipinti con i titoli “Tempesta di notte” (1864) e “Tempesta sul Mare del Nord” (1865) sono considerati i più poetici. Consideriamo due Aivazovsky. Le foto con i nomi sono presentate di seguito.
"La nona onda" (1850)
L'artista ha dedicato 11 giorni a questo dipinto. Nicholas I originariamente acquistò l'opera per l'Hermitage. Nel 1897 la tela fu trasferita al Museo statale russo. L'opera “Nuvole sul mare, calma” si trova anche nel Museo statale russo di San Pietroburgo.
"Nuvole sul mare, calmo" (1889)
Osservando la superficie del mare, la maestosità delle nuvole e dello spazio aereo, possiamo vedere quanto sia sfaccettato lo spettro della luce. La luce nelle sue opere non è altro che un simbolo di vita, speranza ed eternità. Vediamo quanto siano uniche le creazioni del maestro. Questo artista rimane fino ad oggi il più famoso e amato dagli spettatori.