Quali sono le tipologie di arti decorative? Tipi di creatività. Quali tipi di creatività esistono?

arti decorative e artigianato

L'arte decorativa e applicata è uno dei tipi di arte plastica: la creazione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita pubblica e privata e la lavorazione artistica di oggetti utilitari (utensili, mobili, tessuti, strumenti, veicoli, abbigliamento, gioielli , giocattoli, ecc.). d.). Le opere d'arte decorativa e applicata fanno parte dell'ambiente oggettivo che circonda una persona e la arricchiscono esteticamente. Originaria dell'antichità, l'arte decorativa e applicata è diventata una delle aree più importanti dell'arte popolare, la sua storia è legata all'artigianato artistico, all'industria artistica, alle attività di artisti professionisti e artigiani popolari, dall'inizio del XX secolo . anche con design artistico. Grande dizionario enciclopedico 1997

S.V. Pogodin dà una definizione di arte decorativa e applicata popolare: “L'arte decorativa e applicata popolare è definita come un tipo di arte volta a creare prodotti artistici che abbiano uno scopo pratico nella vita pubblica e privata, e la lavorazione artistica di oggetti utilitari (utensili, mobili, tessuti, utensili, vestiti, giocattoli."

L'arte decorativa e applicata esisteva già in una fase iniziale dello sviluppo della società umana e per molti secoli è stata l'area più importante e, per un certo numero di tribù e nazionalità, l'area principale della creatività artistica. Le opere più antiche di arte decorativa e applicata sono caratterizzate da un eccezionale contenuto di immagini, da un'attenzione all'estetica del materiale, alla costruzione razionale della forma, enfatizzata dalla decorazione. Nell'arte popolare tradizionale, questa tendenza è persistita fino ai giorni nostri. Con l'inizio della stratificazione di classi della società, l'interesse per la ricchezza dei materiali e dei decori, per la loro rarità e raffinatezza, diventa sempre più importante. Vengono individuati prodotti che servono allo scopo della rappresentazione (oggetti per rituali religiosi o cerimonie di corte, per decorare le case della nobiltà), in cui, per esaltarne il suono emotivo, gli artigiani spesso sacrificano l'opportunità quotidiana di costruire la forma.

L'arte decorativa e applicata è un fenomeno multifunzionale. Le funzioni pratiche, rituali, estetiche, ideologiche, semantiche, educative sono in un'unità inestricabile. Tuttavia la funzione principale dei prodotti è quella di essere utili e belli.

Nelle arti e nei mestieri popolari ci sono due direzioni:

• -artigianato artistico urbano;
• - arti e mestieri popolari

Quando parliamo di arti decorative e applicate, un concetto importante è l'artigianato artistico popolare, una forma di organizzazione del lavoro artistico basata sulla creatività collettiva, sullo sviluppo delle tradizioni culturali locali e incentrata sulla vendita di prodotti artigianali. L'artigianato è una struttura insolitamente flessibile e mobile, che si sviluppa sebbene nell'ambito del canone, ma, tuttavia, risponde sensibilmente ai cambiamenti di stile nell'arte professionale, alla creatività individuale, alle esigenze del tempo e di uno specifico ambiente sociale. I bambini in età prescolare vengono introdotti ad alcuni mestieri: matrioska, Gorodets, dipinti Khokhloma, giocattoli Filimonov e Dymkovo, ceramiche Gzhel. La forza dell'arte popolare risiede nella trasmissione delle tecniche originali dell'artigianato locale.

L'arte decorativa e applicata ha caratteristiche caratteristiche che la distinguono da altri tipi di arte:

• - utilità, praticità;
• - sincretismo o indivisibilità di vari aspetti della cultura delle persone (il rapporto tra il mondo e l'uomo, che sancisce i principi morali ed estetici sia della creatività che del comportamento), la cui essenza è stata creata e trasmessa nel corso di molti millenni;
• - collettività della creatività, cioè il lavoro è di natura collettiva, l'esperienza secolare dell'arte popolare viene tramandata di generazione in generazione;
• - il tradizionalismo è caratterizzato dall'osservanza delle tradizioni, ma nasce anche da bisogni urgenti e spirituali, rivelando la sfera dell'individualità;
• - una realtà che risiede nella sua secolare attualità.

La categoria di integrità ci consente di tracciare una linea di demarcazione tra l'arte popolare e quella decorativa stessa. La caratteristica distintiva dell'arte decorativa tradizionale dell'arte popolare è proprio la mancanza di integrità della visione del mondo.

Conoscendo la varietà e la ricchezza dei prodotti degli artigiani popolari, i bambini sono intrisi di buoni sentimenti per coloro che hanno creato cose straordinarie. Nel suo libro S.V. Pogodina scrive: "L'arte popolare fornisce cibo per la percezione artistica dei bambini, contribuisce all'esperienza estetica e ai primi giudizi estetici".

Conoscendo le opere d'arte popolare, non solo si arricchisce l'esperienza cognitiva del bambino, ma anche la sua attività emotiva ed estetica. Ogni regione ha i suoi mestieri popolari e la percezione delle loro opere da parte dei bambini contribuisce alla formazione di sentimenti estetici e ad un atteggiamento emotivamente positivo nei confronti degli artigiani e delle tradizioni popolari. La bellezza come categoria filosofica ed estetica nell'arte popolare ha vere e proprie forme di riflessione. Ciò che chiamiamo bello in un'opera è creato con mezzi espressivi che il maestro combina secondo le tradizioni di un particolare mestiere o mestiere. Nelle opere d'arte decorativa e applicata, una delle componenti principali che attirano l'attenzione è la forma. Ti permette di combinare il lato funzionale e il lato estetico, in modo che la bellezza e la grazia esteriori non neghino lo scopo pratico della cosa. La forma è uno dei componenti principali che attira l'attenzione. Il modulo contiene diverse caratteristiche. In primo luogo, determina in gran parte il significato dell'argomento. In secondo luogo, la forma esprime l'intento creativo del maestro e rivela un'idea specifica. In terzo luogo, serve come una sorta di simbolo, il cui significato è stato tramandato di generazione in generazione.

Nell'arte popolare è importante il rapporto tra scopo e materiale, l'interazione tra forma e funzione. Il materiale può aiutare a rivelare l'essenza dell'oggetto, oppure può comprometterne l'integrità e renderlo inadatto all'uso. Grazie al materiale, il maestro riesce a trovare una base materiale per il suo progetto, ma il materiale stesso rimane in secondo piano quando si percepisce l'oggetto, mentre l'arredamento viene in primo piano. L'arredamento è il momento finale della decorazione di una cosa. Le decorazioni distinguono le opere d'arte popolare le une dalle altre, le rendono uniche e quindi preziose. Nell'arredamento non esistono oggetti dello stesso tipo nella forma. Quando si realizza lo stesso ornamento, è difficile ripetere tutti i dettagli in dettaglio.

Le tecniche per eseguire il lavoro dipendono dai compiti che il maestro deve affrontare.

Tecnologia. L’arte popolare tradizionale e la tecnologia non si escludono a vicenda. Tutto dipende da come viene utilizzata la tecnologia nel processo di creazione di qualcosa che porta l'impronta dell'esperienza passata delle persone. La cosa più importante è che nel tentativo di migliorare o facilitare il processo di creazione di un oggetto di arte popolare, la sua unicità culturale e storica non va persa.

Un oggetto acquista valore estetico grazie al suo ornamento. L'ornamento è una decorazione pittorica, grafica o scultorea che decora artisticamente una cosa, caratterizzata da una disposizione ritmica di elementi di design

La struttura ritmica dell'ornamento costituisce la base artistica di molti prodotti: piatti, mobili, tappeti, vestiti. Il linguaggio ornamentale è estremamente ricco. A seconda della natura dei motivi, si distinguono i seguenti tipi di ornamenti: geometrici, floreali, zoomorfi, antropomorfi, combinati.

Un motivo geometrico può essere costituito da punti, linee, cerchi, rombi, poliedri, stelle, croci e spirali. Questo tipo di ornamento è uno dei più antichi. All'inizio questi erano segni e simboli facilmente ricordabili. A poco a poco, le persone iniziarono ad arricchirlo con osservazioni reali e motivi fantastici, osservando il principio ritmico, complicandone il contenuto e il significato estetico.

Verdura l'ornamento è formato da foglie, fiori, frutti, rami stilizzati. Si trova spesso il motivo dell '"albero della vita": questo è un ornamento floreale. È raffigurato sia come un cespuglio fiorito che in modo più decorativo.

L'ornamento zoomorfo raffigura figure stilizzate o parti di figure di animali reali e fantastici. Anche le immagini decorative di uccelli e pesci appartengono a questo tipo di ornamento.

L'ornamento antropomorfo utilizza come motivi figure stilizzate maschili e femminili o parti del volto e del corpo umano. Ciò include anche creature fantastiche come la fanciulla-uccello e l'uomo-cavallo.

Spesso c'è una combinazione di una varietà di motivi. Un tale ornamento può essere chiamato combinato . L.V. Kosogorov e L.V. Neretina comprende anche ornamenti calligrafici (da lettere ed elementi testuali) e araldici (cornucopia, lira, torce, scudi).

Secondo la natura degli schemi compositivi, gli ornamenti sono:

• - nastro
• - rete
• - Chiuso.

L'ornamento è l'elemento più caratteristico, un segno speciale degli oggetti d'arte contadina. L'ornamento ci permette di parlare dell'estetica dell'oggetto, della sua abilità artistica.

I seguenti materiali sono utilizzati nelle arti decorative e applicate: legno, argilla, metallo, osso, lanugine, lana, pelliccia, tessuti, pietra, vetro, pasta.

In base alla tecnica, le arti decorative e applicate sono suddivise nelle seguenti tipologie.

Filo. Decorare un prodotto applicando un motivo utilizzando varie frese e coltelli. Utilizzato quando si lavora con legno, pietra, osso.

Pittura. La decorazione viene applicata con coloranti su una superficie preparata (solitamente legno o metallo). Tipologie di verniciatura: su legno, su metallo, su tessuto.

Ricamo. Un tipo diffuso di arte decorativa e applicata in cui il disegno e l'immagine sono realizzati a mano (con un ago, a volte con un uncinetto) o utilizzando una macchina da ricamo su vari tessuti, pelle, feltro e altri materiali. Ricamano con fili di lino, cotone, lana, seta (solitamente colorati), nonché capelli, perline, perle, pietre preziose, paillettes, monete, ecc.

Tipi di ricamo: rete, punto croce, punto pieno, ritaglio (il tessuto viene ritagliato sotto forma di motivo, che viene successivamente elaborato con varie cuciture), impaginazione (eseguita con fili rossi, neri con l'aggiunta di fili dorati o blu toni), punto superiore (consente di creare motivi tridimensionali su piani di grandi dimensioni) .

Per le applicazioni cucite (un tipo di ricamo, spesso con cucitura in rilievo), vengono utilizzati tessuti, pelliccia, feltro e pelle. Il ricamo viene utilizzato per decorare vestiti, articoli per la casa e per creare pannelli decorativi indipendenti. I principali mezzi espressivi del ricamo come forma d'arte: identificare le proprietà estetiche del materiale (la lucentezza iridescente della seta, la lucentezza uniforme del lino, la lucentezza dell'oro, i brillantini, le pietre, la morbidezza e l'ottusità della lana, ecc.) ; utilizzare le proprietà delle linee e delle macchie di colore del disegno da ricamo per influenzare ulteriormente il gioco ritmicamente chiaro o stravagante delle cuciture; effetti ottenuti dalla combinazione di un motivo e di un'immagine con uno sfondo (tessuto o altra base) che è simile o contrastante con il ricamo per trama e colore.

Maglieria. Realizzare prodotti (solitamente articoli di abbigliamento) da fili continui piegandoli in anelli e collegando gli anelli tra loro utilizzando semplici strumenti manualmente (uncinetto, ferri da maglia) o su una macchina speciale (maglia meccanica).

Tessitura. Si riferisce ad una tecnica basata sull'intreccio di strisce a forma di rete, aventi diverse configurazioni e motivi.

Tipi di tessitura: tessitura di pizzi e perline, tessitura di corteccia di betulla e vimini, di fili (macrame), di carta.

Stampa (ripieno). Ottenere manualmente un motivo, motivi monocromatici e colorati sul tessuto utilizzando forme con motivo in rilievo, nonché tessuto con un motivo ottenuto con questo metodo. Le forme per lo sbandamento sono realizzate in legno intagliato (maniere) o composizione (composizione di lastre di rame con chiodi), in cui il motivo è digitato da lastre di rame o filo. Durante la stampa, una forma rivestita di vernice viene posizionata sul tessuto e colpita con uno speciale martello (mazzuolo) (da cui il nome “stampa”, “imbottitura”). Per i disegni multicolori, il numero di lastre di stampa deve corrispondere al numero di colori.

La stampa è a bassa produttività ed è stata quasi completamente sostituita dalla stampa di disegni su tessuto su macchine da stampa.

Colata. Utilizzato quando si lavora con metalli preziosi. Sotto l'influenza delle alte temperature, il metallo viene portato allo stato fuso e quindi versato in stampi preparati.

Conio. Quando riscaldato, il metallo viene accelerato in un foglio sottile, senza perdere elasticità ed elasticità. La forma dell'oggetto viene creata già allo stato raffreddato utilizzando martelli acceleratori, a seguito dei quali si ottengono prodotti di forme convesse e concave.

Forgiatura. Uno dei modi per lavorare il ferro. Al pezzo riscaldato viene data la forma desiderata mediante colpi di martello.

Doratura. Un'operazione di produzione dell'oro in cui i metalli meno preziosi acquisiscono l'aspetto dell'oro. Tipi di doratura: a freddo, a fuoco, a liquido.

Filigrana (filigrana); (dal latino filo). Si tratta di una decorazione realizzata con sottili fili d'oro o d'argento, lisci o sbalzati, che vengono arrotolati in spirali, viticci, reticoli e saldati all'oggetto. La filigrana è realizzata in oro puro o argento che, grazie all'assenza di impurità, è morbido e può essere trasformato in fili molto sottili. Anche gli oggetti scansionati economici venivano realizzati con filo di rame rosso e poi dorati o argentati.

Smalto. Un tipo speciale di vetro che viene colorato con ossidi metallici in vari colori. È usato per decorare prodotti in metallo e rappresenta un pittoresco accompagnamento a un prodotto d'oro. La smaltatura è il rivestimento totale o parziale di una superficie metallica con una massa vetrosa, seguito dalla cottura del manufatto.

Nero. Su oggetti incisi di metallo leggero viene applicata una miscela di argento con rame, zolfo e piombo, composta secondo alcune ricette, e poi il tutto viene cotto a fuoco lento. Niello è una massa nera, una speciale lega d'argento, simile al carbone.

Soffiando. Tecniche utilizzate nella lavorazione del vetro. Il vetro, portato allo stato liquido, viene soffiato a caldo mediante appositi tubi, creando così prodotti di qualsiasi forma.

Modellazione. Una delle tecniche più comuni nelle arti e nei mestieri, grazie alla quale vengono creati molti giocattoli e prodotti in ceramica. Si tratta di dare forma ad un materiale plastico (plastilina, argilla, plastica, plastica, ecc.) utilizzando mani e strumenti ausiliari.

Batik. Dipinto a mano su tessuto utilizzando composti di riserva. Il tessuto - seta, cotone, lana, sintetici - è rivestito con la vernice corrispondente al tessuto. Per ottenere confini chiari all'incrocio delle vernici, viene utilizzato un fissativo speciale, chiamato riserva (composizione di riserva, a base di paraffina, a base di benzina, a base d'acqua - a seconda della tecnica, del tessuto e delle vernici scelte).

Mosaico. Arte decorativa, applicata e monumentale di vari generi, le cui opere comportano la formazione di un'immagine disponendo, incastonando e fissando sulla superficie (solitamente su un piano) pietre multicolori, smalto, piastrelle di ceramica e altri materiali.

Origami. L'antica arte di piegare la carta. L'origami classico prevede l'utilizzo di un foglio di carta senza l'uso di colla o forbici. In questo caso, spesso per dare la forma ad un modello complesso o per preservarlo, si ricorre all'impregnazione del foglio originale con composizioni adesive contenenti metilcellulosa.

Per scopo: utensili, mobili, tessuti, arazzi, tappeti, strumenti, armi, vestiti e gioielli, giocattoli, prodotti culinari.

Per ruolo funzionale:

L'arte pratica è associata all'uso dell'attività umana nella vita economica e quotidiana per ottenere benefici pratici.

Artistico ed estetico, dovuto alla realizzazione dei bisogni estetici umani.

Attività ricreative volte a soddisfare i bisogni di intrattenimento e di gioco del bambino umano.

Secondo la tecnologia di produzione:

Automatizzato. I prodotti vengono realizzati automaticamente secondo un determinato programma, modello, modelli (biscotti di pan di zenzero Tula, sciarpe stampate, ecc.).

Misto. Viene utilizzato sia il lavoro automatizzato che quello manuale.

Manuale. I prodotti sono realizzati solo a mano e ogni prodotto è individuale.

Le arti decorative e applicate utilizzano numerosi mezzi di espressione artistica.

1) Proporzione

Le proporzioni in un'opera d'arte sono il rapporto tra le dimensioni dei suoi elementi, nonché i singoli elementi della composizione con l'intera opera nel suo insieme. Il rispetto delle proporzioni gioca un ruolo importante nella composizione, poiché crea un rapporto favorevole tra l'insieme e le sue parti.

2) Scala ed enormità

I concetti di scala e grandezza vengono utilizzati se è necessario caratterizzare la proporzionalità dell'intero o delle sue singole parti.

Gli oggetti dell'ambiente soggetto creato dall'uomo devono essere su larga scala rispetto a lui, ad es. la loro massa dovrebbe essere correlata alla massa del corpo umano.

La scala è una caratteristica relativa della dimensione di un oggetto; è il rapporto tra la dimensione di un'immagine in un'immagine, uno schizzo o un disegno e la sua dimensione effettiva in natura.

La scala è la proporzionalità di una forma e dei suoi elementi in relazione a una persona, allo spazio circostante e ad altre forme. Ogni oggetto ha la propria scala, ma non è sempre possibile parlare della sua scala e proporzionalità rispetto a una persona. La scala è una caratteristica qualitativa, soprattutto nelle composizioni volumetriche e volumetrico-spaziali. Come mezzo di composizione, dovrebbe essere usato abbastanza liberamente, guidato da considerazioni di espressività artistica.

Un mezzo importante per portare varie forme e i loro elementi ad un'unità armoniosa è il ritmo.

Il ritmo (flusso greco) è l'alternanza di elementi commisurati di qualsiasi insieme, che si verificano con una sequenza e una frequenza naturali.

Il ritmo è inerente a vari fenomeni e forme della natura: il cambio delle stagioni, il giorno e la notte, la disposizione delle foglie su un ramo di un albero, strisce e macchie nel colore degli animali, ecc. Esiste in tutte le opere d'arte: la musica ( alternanza di suoni), poesia (alternanza di rime), architettura, belle arti e arti decorative (varie ripetizioni e alternanze di forme sul piano o nello spazio).

Il colore è uno dei mezzi importanti di espressione artistica; trasmette l'atteggiamento nei confronti dell'immagine creata. Aiuta a identificare le proprietà di base degli oggetti e offre a ognuno l'opportunità di esprimere la propria individualità.

5)Composizione

Questo è il principio strutturale più importante dell'opera, che organizza la disposizione relativa delle sue parti, la loro subordinazione reciproca e l'insieme, che conferisce all'opera unità, integrità e completezza.

6) Trama

Questa è la natura della superficie di un oggetto, determinata dalle proprietà del materiale di cui è composto e dal metodo di lavorazione.

7) Simmetria

Simmetria: disposizione proporzionale e proporzionale di parti di qualcosa. rispetto al centro, medio.

Una silhouette è un'immagine del contorno monocolore di una persona o di un oggetto su uno sfondo di un colore diverso, disegnata o ritagliata.

La percezione estetica dei bambini delle caratteristiche visive, plastiche e delle proprietà strutturali dei materiali che caratterizzano esempi di arte popolare applicata è stata studiata relativamente poco. Numerose osservazioni e conversazioni ci permettono di dire che i bambini mostrano un vivo interesse per i temi dell'arte popolare russa. I bambini sono colpiti dai dipinti colorati a pennello su legno nelle opere degli artisti popolari di Gorodets e Khokhloma, dai motivi di piante, fiori e uccelli, ricchi di colori, dai vassoi decorativi Zhostovo e dalle bambole nidificanti dipinte da Semyonovskaya. I prodotti degli intagliatori di Bogorodsk evocano sorrisi allegri e simpatia tra i bambini: orsi che possono costruire case e andare in bicicletta, uccelli e cervi, decorati con le famose incisioni di Bogorodsk. I bambini mostrano in modo molto emotivo e diretto il loro atteggiamento nei confronti della decoratività, dell'espressività delle immagini, della bellezza della trama dei materiali delle opere popolari di arte applicata, rifiutando, di regola, campioni naturalistici e sovraccarichi di decorazioni.

Attraverso la comunicazione con l’arte popolare, l’anima del bambino si arricchisce e viene instillato l’amore per la sua terra. L'arte popolare preserva e trasmette alle nuove generazioni le tradizioni nazionali e le forme di atteggiamento estetico nei confronti del mondo sviluppate dalle persone. Perché l'esperienza di migliaia di anni si incarna nell'arte popolare.

Quando si parla dell'uso di opere d'arte decorativa e applicata nella scuola materna, viene prestata particolare attenzione agli oggetti dell'arte popolare tradizionale. In effetti, i prodotti degli artigiani popolari: intaglio e pittura del legno, miniature e goffrature laccate, vetro e ceramica, tessuti, pizzi e prodotti ricamati, i giocattoli popolari sono una manifestazione del talento, dell'abilità e dell'inesauribile ottimismo degli artisti popolari. Bellissimi esempi di arti decorative e applicate aiutano a instillare nei bambini il rispetto e l'amore per la cultura della loro gente, della loro Patria e della loro terra. La predominanza delle forme vegetali è una caratteristica dell'arte popolare russa.

L'arte degli artigiani popolari aiuta a rivelare ai bambini il mondo della bellezza e a sviluppare il loro gusto artistico. L’arte popolare contribuisce ad avere un profondo impatto sul mondo dei bambini, ha un valore morale, estetico ed educativo, incarna l’esperienza storica di molte generazioni ed è considerata parte della cultura materiale.

L'arte decorativa e applicata popolare è un fenomeno complesso di culture artistiche storiche, sociologiche, etnografiche e nazionali e allo stesso tempo la più democratica e accessibile alle persone fin dall'infanzia.

A differenza dei prodotti di massa senza volto, gli oggetti fatti a mano sono sempre unici. Gli utensili domestici, i vestiti e gli elementi interni realizzati con maestria sono costosi. E se ai vecchi tempi tali cose erano oggetti di scopo utilitaristico, ai nostri giorni sono passate alla categoria dell'arte. Una cosa bella realizzata da un buon artigiano sarà sempre preziosa.

Negli ultimi anni lo sviluppo dell’arte applicata ha ricevuto un nuovo impulso. Questa tendenza non può che rallegrarsi. Bellissimi piatti in legno, metallo, vetro e argilla, pizzi, tessuti, gioielli, ricami, giocattoli: tutto questo, dopo diversi decenni di oblio, è diventato di nuovo rilevante, alla moda e richiesto.

Storia del Museo di arte popolare di Mosca

Nel 1981, il Museo delle arti decorative, applicate e popolari è stato aperto a Mosca, in via Delegatskaya. La sua collezione è composta da esempi unici di artigianato di maestri russi del passato, nonché dalle migliori opere di artisti contemporanei.

Nel 1999 si è verificato il successivo evento importante: il Museo panrusso di arte decorativa, applicata e popolare ha accettato nella sua collezione reperti del Museo di arte popolare Savva Timofeevich Morozov. Il nucleo di questa collezione si è formato ancor prima della rivoluzione del 1917. La base erano le mostre del primissimo museo etnografico russo. Era il cosiddetto Museo dell'artigianato delle arti decorative e applicate, inaugurato nel 1885.

Il museo dispone di una biblioteca specializzata dove è possibile conoscere libri rari sulla teoria e la storia dell'arte.

Collezione museale

I tipi tradizionali di arti decorative e applicate sono sistematizzati e divisi in dipartimenti. Le principali aree tematiche sono ceramica e porcellana, vetro, gioielli e metalli, sculture in osso e legno, tessuti, miniature in lacca e materiali pregiati.

Il Museo delle Arti Decorative e Applicate ha più di 120mila oggetti esposti nei suoi fondi aperti e nei suoi magazzini. Il modernismo russo è rappresentato dalle opere di Vrubel, Konenkov, Golovin, Andreev e Malyutin. Ampia è la collezione di porcellane e tessuti di propaganda sovietica del secondo quarto del secolo scorso.

Attualmente, questo museo di arti e mestieri popolari è considerato uno dei più significativi al mondo. I reperti più antichi e di alto valore artistico risalgono al XVI secolo. La collezione del museo è sempre stata attivamente arricchita attraverso donazioni di privati, nonché grazie agli sforzi di alti funzionari governativi durante gli anni del potere sovietico.

Pertanto, la mostra unica di tessuti è stata creata in gran parte grazie alla generosità del cittadino francese P. M. Tolstoy-Miloslavsky, che ha donato al museo una vasta collezione di tessuti russi, orientali ed europei raccolti da N. L. Shabelskaya.

Due grandi collezioni di porcellane furono donate al museo da figure di spicco dell'arte sovietica: Leonid Osipovich Utesov e i loro coniugi Maria Mironova e Alexander Menaker.

Il Museo delle Arti Applicate di Mosca vanta sale dedicate alla vita del popolo russo in diversi periodi storici. Qui puoi conoscere le case dei rappresentanti di tutte le classi. Mobili, stoviglie, abiti dei contadini e degli abitanti della città, giocattoli per bambini sono stati conservati, restaurati e messi in mostra. Decorazioni intagliate di plateau e tettoie, stufe in maiolica, cassapanche, che servivano non solo come comodo ripostiglio per le cose, ma anche come letti, poiché erano realizzati in dimensioni adeguate, evocano immagini della vita tranquilla, misurata e ben nutrita di l'entroterra russo.

Miniatura laccata

La miniatura laccata come arte applicata raggiunse il suo massimo splendore nei secoli XVIII e XIX. I centri artistici che diedero residenza alle principali direzioni furono città famose per i loro laboratori di pittura di icone. Questi sono Palekh, Mstyora, Kholui e Fedoskino. Scatole, spille, pannelli, cofanetti di cartapesta venivano dipinti con colori ad olio o tempera e verniciati. I disegni erano immagini stilizzate di animali, piante, personaggi di fiabe ed poemi epici. Artisti, maestri delle miniature laccate, delle icone dipinte, dei ritratti personalizzati e delle scene di genere dipinte. Ogni località ha sviluppato il proprio stile di pittura, ma quasi tutti i tipi di arte applicata nel nostro paese sono accomunati da qualità come la ricchezza e la luminosità dei colori. Disegni dettagliati, linee morbide e arrotondate: questo è ciò che distingue le miniature russe. È interessante notare che le immagini delle arti decorative e applicate del passato ispirano anche gli artisti moderni. I disegni antichi vengono spesso utilizzati per creare tessuti per collezioni di moda.

Dipinto artistico su legno

I dipinti di Khokhloma, Mezen e Gorodets sono riconoscibili non solo in Russia, ma anche all'estero. Mobili, armadi, scatole, cucchiai, ciotole e altri utensili domestici in legno, dipinti con una di queste tecniche, sono considerati la personificazione della Russia. I piatti in legno chiaro, dipinti con vernici nere, rosse e verdi su uno sfondo dorato, sembrano massicci e pesanti: questo è uno stile caratteristico di Khokhloma.

I prodotti Gorodets si distinguono per una tavolozza di colori multicolore e forme leggermente meno rotonde rispetto ai prodotti Khokhloma. Come trame, vengono utilizzate scene di genere, così come tutti i tipi di rappresentanti immaginari e reali del mondo animale e vegetale.

Le arti decorative e applicate della regione di Arkhangelsk, in particolare la pittura su legno Mezen, sono oggetti utilitari decorati con disegni speciali. Gli artigiani Mezen usano solo due colori per il loro lavoro: nero e rosso, cioè fuliggine e ocra, disegni schematici frazionari di scatole, scatole e cassapanche, fregi sotto forma di bordi dalla ripetizione di figure troncate di cavalli e cervi. Un disegno statico, piccolo, ripetuto frequentemente evoca sensazioni di movimento. Il dipinto Mezen è uno dei più antichi. Quei disegni utilizzati dagli artisti moderni sono iscrizioni geroglifiche utilizzate dalle tribù slave molto prima dell'emergere dello stato russo.

Gli artigiani del legno, prima di trasformare qualsiasi oggetto da un blocco solido, trattano il legno contro le screpolature e l'essiccazione, quindi i loro prodotti hanno una durata molto lunga.

Vassoi Zhostovo

Vassoi di metallo dipinti con fiori: l'arte applicata di Zhostovo vicino a Mosca. Un tempo con uno scopo esclusivamente utilitaristico, i vassoi Zhostovo sono serviti a lungo come decorazione d'interni. Sono facilmente riconoscibili mazzi luminosi di grandi giardini e piccoli fiori di campo su sfondo nero, verde, rosso, blu o argento. I tipici mazzi di fiori di Zhostovo sono ora decorati con scatole di metallo contenenti tè, biscotti o dolci.

Smalto

L'arte decorativa e applicata come lo smalto si riferisce anche alla pittura su metallo. I più famosi sono i prodotti degli artigiani di Rostov. Le vernici trasparenti ignifughe vengono applicate su una lastra di rame, argento o oro e poi cotte in forno. Utilizzando la tecnica dello smalto a caldo, come viene anche chiamato lo smalto, vengono realizzati gioielli, stoviglie, manici di armi e posate. Se esposte a temperature elevate, le vernici cambiano colore, quindi gli artigiani devono comprendere la complessità della loro manipolazione. Molto spesso, i motivi floreali vengono utilizzati come soggetti. Gli artisti più esperti realizzano miniature di ritratti di persone e paesaggi.

Maiolica

Il Museo delle arti applicate di Mosca offre l'opportunità di vedere le opere di maestri riconosciuti della pittura mondiale, eseguite in un modo che non è del tutto caratteristico per loro. Ad esempio, in una delle sale c'è una maiolica Vrubel - un camino “Mikula Selyaninovich e Volga”.

La maiolica è un prodotto realizzato in argilla rossa, dipinta su smalto grezzo e cotta in un forno speciale ad altissima temperatura. Nella regione di Yaroslavl, le arti e l'artigianato si sono diffusi e si sono sviluppati grazie al gran numero di giacimenti di argilla pura. Attualmente, nelle scuole di Yaroslavl, ai bambini viene insegnato a lavorare con questo materiale plastico. L'arte applicata per bambini è una seconda ventata per gli antichi mestieri, un nuovo sguardo alle tradizioni popolari. Tuttavia, questo non è solo un omaggio alle tradizioni nazionali. Lavorare con l'argilla sviluppa le capacità motorie, amplia l'angolo visivo e normalizza lo stato psicosomatico.

Gzhel

L'arte decorativa e applicata, a differenza delle belle arti, presuppone l'uso utilitaristico ed economico degli oggetti creati dagli artisti. Teiere in porcellana, vasi da fiori e da frutta, candelieri, orologi, manici di posate, piatti e tazze sono tutti estremamente eleganti e decorativi. Sulla base dei souvenir di Gzhel, le stampe sono realizzate su materiali a maglia e tessili. Siamo abituati a pensare che Gzhel sia un motivo blu su sfondo bianco, ma inizialmente la porcellana Gzhel era multicolore.

Ricamo

Il ricamo su stoffa è uno dei tipi di ricamo più antichi. Inizialmente era destinato a decorare gli abiti della nobiltà, nonché i tessuti destinati ai rituali religiosi. Questa arte decorativa e applicata popolare ci è arrivata dai paesi dell'Est. Gli abiti dei ricchi erano ricamati con seta colorata, fili d'oro e d'argento, perle, pietre preziose e monete. Il più prezioso è considerato il ricamo con piccoli punti, che crea la sensazione di un motivo liscio, come se fosse disegnato con i colori. In Russia, il ricamo entrò rapidamente in uso. Sono apparse nuove tecniche. Oltre al tradizionale punto pieno e punto croce, iniziarono a ricamare con punti a giorno, cioè tracciando percorsi traforati lungo i vuoti formati dai fili tirati.

Giocattoli Dymkovo per bambini

Nella Russia pre-rivoluzionaria, i centri di artigianato popolare, oltre agli oggetti utilitari, producevano centinaia di migliaia di giocattoli per bambini. Erano bambole, animali, piatti e mobili per il divertimento dei bambini e fischietti. L'arte decorativa e applicata di questa direzione è ancora molto popolare.

Il simbolo della terra di Vyatka - il giocattolo Dymkovo - non ha analoghi al mondo. Giovani donne, signori, pavoni, giostre e capre dai colori vivaci sono immediatamente riconoscibili. Non si ripete un solo giocattolo. Su uno sfondo bianco come la neve, motivi a forma di cerchi, linee rette e ondulate sono disegnati con colori rosso, blu, giallo, verde e oro. Tutti i mestieri sono molto armoniosi. Emettono un'energia positiva così potente che chiunque prenda in mano un giocattolo può percepirla. Forse non è necessario posizionare simboli cinesi di prosperità negli angoli dell'appartamento sotto forma di rospi a tre zampe, pesci rossi di plastica o alberi di denaro, ma è meglio decorare la casa con prodotti di artigiani russi - Kargopol, Tula o souvenir in argilla di Vyatka, sculture in legno in miniatura di artigiani di Nizhny Novgorod. È impossibile che non attirino amore, prosperità, salute e benessere nella famiglia.

Giocattolo Filimonovskaya

Nei centri d'arte per bambini in molte regioni del nostro paese, ai bambini viene insegnato a scolpire l'argilla e dipingere oggetti alla maniera dell'artigianato popolare della Russia centrale. Ai bambini piace molto lavorare con un materiale pratico e flessibile come l'argilla. Propongono nuovi design secondo le antiche tradizioni. È così che l'arte applicata domestica si sviluppa e rimane richiesta non solo nei centri turistici, ma in tutto il Paese.

Le mostre mobili dei giocattoli Filimonov sono molto popolari in Francia. Viaggiano in tutto il paese durante tutto l'anno e sono accompagnati da masterclass. I giocattoli con fischietto vengono acquistati dai musei in Giappone, Germania e altri paesi. Questa imbarcazione, che ha una residenza permanente nella regione di Tula, ha circa 1000 anni. Realizzati in modo primitivo, ma dipinti con i colori rosa e verde, sembrano molto allegri. La forma semplificata è spiegata dal fatto che i giocattoli hanno delle cavità all'interno con fori all'esterno. Se soffi dentro di essi, coprendo alternativamente diversi fori, otterrai una melodia semplice.

Scialli Pavlovo

Gli scialli accoglienti, femminili e molto luminosi dei tessitori Pavlovo Posad sono diventati famosi in tutto il mondo grazie alla straordinaria collezione di abiti alla moda dello stilista russo Vyacheslav Zaitsev. Ha utilizzato tessuti e modelli tradizionali per realizzare abiti da donna, camicie da uomo, altri indumenti e persino scarpe. La sciarpa Pavlovo Posad è un accessorio che può essere tramandato di generazione in generazione, come i gioielli. La durevolezza e la resistenza all'usura delle sciarpe è ben nota. Sono realizzati in lana pregiata di alta qualità. I disegni non scoloriscono al sole, non scoloriscono ai lavaggi e non si restringono. La frangia delle sciarpe è realizzata da artigiani appositamente formati: tutte le celle della rete traforata sono legate con nodi alla stessa distanza l'una dall'altra. Il disegno rappresenta fiori su sfondo rosso, blu, bianco, nero e verde.

Merletto di Vologda

Il pizzo Vologda, famoso in tutto il mondo, viene tessuto utilizzando fuselli di betulla o ginepro con fili di cotone o lino. In questo modo vengono realizzati metri, copriletti, scialli e persino vestiti. Il pizzo Vologda è una striscia stretta, che è la linea principale del motivo. I vuoti sono pieni di reti e insetti. Il colore tradizionale è il bianco.

L'arte applicata non si ferma. Lo sviluppo e il cambiamento avvengono costantemente. Va detto che all'inizio del secolo scorso, sotto l'influenza dell'industria in via di sviluppo, apparvero fabbriche industriali dotate di macchine elettriche ad alta velocità e nacque il concetto di produzione di massa. Le arti e i mestieri popolari iniziarono a declinare. Solo a metà del secolo scorso l'artigianato tradizionale russo fu restaurato. Nei centri d'arte come Tula, Vladimir, Gus-Khrustalny, Arkhangelsk, Rostov, Zagorsk, ecc., furono costruite e aperte scuole professionali, furono formati insegnanti qualificati e nuovi giovani maestri.

Tipi moderni di ricamo e creatività

Le persone viaggiano, conoscono le culture di altri popoli e imparano l'artigianato. Di tanto in tanto compaiono nuovi tipi di arti decorative e applicate. Per il nostro paese, scrapbooking, origami, quilling e altri sono diventati prodotti così nuovi.

Un tempo i muri e le recinzioni in cemento erano decorati con una varietà di disegni e iscrizioni realizzati in modo altamente artistico. I graffiti, o spray art, sono un'interpretazione moderna di un antico tipo di pittura rupestre. Puoi ridere quanto vuoi degli hobby degli adolescenti, che, ovviamente, includono i graffiti, ma guarda le fotografie su Internet o passeggia per la tua città e scoprirai opere davvero altamente artistiche.

Scrapbooking

La progettazione di quaderni, libri e album che esistono in un'unica copia si chiama scrapbooking. In generale, questa attività non è del tutto nuova. In passato sono già stati creati album progettati per preservare la storia di una famiglia, di una città o di un individuo per i posteri. La visione moderna di quest'arte è la creazione di libri d'arte con illustrazioni degli autori, nonché l'uso di computer con vari editor grafici, musicali, fotografici e altri.

Quilling e origami

Il quilling, tradotto in russo come “arrotolare la carta”, viene utilizzato per creare pannelli, disegnare cartoline, cornici per foto, ecc. La tecnica prevede di arrotolare sottili strisce di carta e incollarle su una base. Più piccolo è il frammento, più elegante e decorativa è l'imbarcazione.

L'origami, come il quilling, è lavorare con la carta. Solo l'origami funziona con fogli di carta quadrati da cui si formano tutti i tipi di forme.

Di norma, tutti i mestieri legati alla fabbricazione della carta hanno radici cinesi. Le arti e i mestieri asiatici erano originariamente un passatempo per la nobiltà. I poveri non hanno creato cose belle. Il loro destino è l'agricoltura, l'allevamento del bestiame e tutti i tipi di lavori umili. Gli europei, avendo adottato le basi della tecnica, che storicamente rappresentava un lavoro molto piccolo e delicato con la carta di riso, trasferirono l'arte in condizioni a loro convenienti.

I prodotti cinesi si distinguono per l'abbondanza di dettagli molto piccoli che sembrano monolitici e molto eleganti. Solo artigiani molto esperti possono eseguire questo tipo di lavoro. Inoltre, i nastri di carta sottili possono essere attorcigliati in una bobina stretta e uniforme solo con l'ausilio di strumenti speciali. Gli amanti europei dell'artigianato hanno in qualche modo modificato e semplificato l'antico mestiere cinese. La carta, arricciata in spirali di diverse dimensioni e densità, è diventata una decorazione apprezzata per scatole di cartone, vasi per fiori secchi, cornici e pannelli.

Parlando di arti decorative e applicate, sarebbe ingiusto ignorare mestieri come la pittura su seta, o il batik, il materiale stampato o la goffratura, cioè la pittura su metallo, la tessitura di tappeti, le perline, il macramè, il lavoro a maglia. Alcune cose appartengono al passato, mentre altre diventano così di moda e popolari che persino le imprese industriali iniziano a produrre attrezzature per questo tipo di creatività.

Preservare gli antichi mestieri e mostrare i migliori esempi nei musei è una buona azione che servirà sempre come fonte di ispirazione per le persone con professioni creative e aiuterà tutti gli altri a unirsi alla bellezza.

Visualizzazioni: 13.338

arti e mestieri(dal lat. deco- decorare) è un'ampia sezione delle belle arti, che copre vari rami dell'attività creativa finalizzata alla creazione di prodotti artistici con funzioni utilitaristiche e artistiche. Termine collettivo che unisce convenzionalmente due grandi tipologie di arte: decorativo E applicato. A differenza delle opere d'arte, destinate al piacere estetico e correlate arte pura, numerose manifestazioni di arti e mestieri possono avere un uso pratico nella vita di tutti i giorni.

Le opere d'arte decorativa e applicata soddisfano diverse caratteristiche: hanno qualità estetica; progettato per effetti artistici; utilizzato per la decorazione della casa e degli interni. Tali prodotti sono: abbigliamento, tessuti per abiti e decorativi, tappeti, mobili, vetro artistico, porcellana, maiolica, gioielli e altri prodotti artistici.
Nella letteratura accademica, a partire dalla seconda metà del XIX secolo, fu stabilita una classificazione dei rami delle arti decorative e applicate secondo il materiale (metallo, ceramica, tessile, legno), per tecnica (intaglio, pittura, ricamo, stampa, fusione, rilievo, intarsio, ecc.) e in base alle caratteristiche funzionali uso di un oggetto (mobili, giocattoli). Questa classificazione è dovuta all'importante ruolo del principio costruttivo e tecnologico nelle arti decorative e applicate e al suo collegamento diretto con la produzione.

Specificità della specie del DPI

• Cucire- creare punti e cuciture sul materiale utilizzando ago e filo, lenza, ecc. La cucitura è una delle tecnologie di produzione più antiche, risalente all'età della pietra.
  • Creazione di fiori: realizzazione di gioielli da donna in tessuto a forma di fiori
  • Patchwork (cucito da scarti), trapunta patchwork - tecnica patchwork, mosaico patchwork, mosaico tessile - un tipo di ricamo in cui un intero prodotto viene cucito insieme da pezzi di tessuto utilizzando il principio del mosaico.
    • Applicazione: un metodo per ottenere un'immagine; tecnica artistica e artigianale.
  • Trapuntatura, trapuntatura: due pezzi di tessuto cuciti e uno strato di imbottitura o cotone idrofilo posto tra di loro.
• Ricamo- l'arte di decorare tutti i tipi di tessuti e materiali con una varietà di motivi, dai più grossolani e densi, come stoffa, tela, pelle, ai tessuti più pregiati - cambrico, mussola, garza, tulle, ecc. Strumenti e materiali per ricamo: aghi, fili, telaio, forbici.
• Maglieria- il processo di realizzazione di prodotti da fili continui piegandoli in anelli e collegando gli anelli tra loro utilizzando strumenti semplici, manualmente o utilizzando una macchina speciale.
• Lavorazione artistica della pelle- produzione di vari articoli in pelle sia per uso domestico che decorativo e artistico.
• Tessitura- produzione di tessuti su telai, uno dei più antichi mestieri dell'uomo.
• Tessitura di tappeti- produzione di tappeti.
• Bruciato- un motivo viene applicato sulla superficie di qualsiasi materiale organico utilizzando un ago caldo.
  • Legno che brucia
  • La combustione del tessuto (guilloché) è una tecnica artigianale che prevede la rifinitura dei prodotti con pizzi traforati e la realizzazione di applicazioni mediante bruciatura utilizzando un apparecchio speciale.
  • Basato su altri materiali
  • La stampa a caldo è una tecnologia per la marcatura artistica dei prodotti utilizzando il metodo della stampa a caldo.
  • Trattamento del legno con acidi
• Intaglio artistico- uno dei tipi di lavorazione dei materiali più antichi e diffusi.
  • L'intaglio della pietra è il processo di formazione della forma desiderata, che viene eseguito mediante foratura, lucidatura, molatura, segatura, incisione, ecc.
  • L'intaglio delle ossa è un tipo di arte decorativa e applicata.
  • Intaglio del legno
• Disegno su porcellana, vetro
• Mosaico- formazione dell'immagine disponendo, incastonando e fissando sulla superficie pietre multicolori, smalto, piastrelle di ceramica e altri materiali.
• Vetrata- un'opera d'arte decorativa di carattere fine o ornamentale in vetro colorato, destinata all'illuminazione passante e destinata a riempire un'apertura, molto spesso una finestra, in qualsiasi struttura architettonica.
• Decoupage- una tecnica decorativa per tessuti, stoviglie, mobili, ecc., che consiste nel ritagliare meticolosamente immagini dalla carta, che vengono poi incollate o fissate in altro modo su varie superfici per la decorazione.
• Modellazione, scultura, floristica ceramica- dare forma al materiale plastico mediante l'utilizzo delle mani e di strumenti ausiliari.
• Tessitura- un metodo per produrre strutture e materiali più rigidi da materiali meno durevoli: fili, steli di piante, fibre, corteccia, ramoscelli, radici e altre materie prime morbide simili.
  • Bambù: tessitura del bambù.
  • Corteccia di betulla: tessitura dalla corteccia superiore di una betulla.
  • Perline, perline - creazione di gioielli, prodotti artistici da perline, in cui, a differenza di altre tecniche in cui vengono utilizzate, le perline non sono solo un elemento decorativo, ma anche costruttivo e tecnologico.
  • Cestino
  • Pizzi: elementi decorativi realizzati in tessuto e fili.
  • Il macramè è una tecnica di tessitura a nodi.
  • La vite è l'arte di realizzare prodotti in vimini dal vimini: utensili domestici e contenitori per vari scopi.
  • Stuoia: tessitura di pavimenti, pavimenti realizzati con qualsiasi materiale grezzo, stuoia, stuoia.
• Pittura:
  • La pittura di Gorodets è un'arte popolare russa. Dipinto luminoso e laconico (scene di genere, figurine di cavalli, galli, motivi floreali), realizzato con un tratto libero con un contorno grafico bianco e nero, filatoi decorati, mobili, persiane e porte.
  • Pittura Polkhov-Maidan - produzione di prodotti torniti dipinti - bambole che nidificano, uova di Pasqua, funghi, saliere, tazze, forniture - generosamente decorati con lussureggianti dipinti ornamentali e soggetti. Tra i motivi pittorici i più comuni sono fiori, uccelli, animali, paesaggi rurali e urbani.
  • La pittura su legno Mezen è un tipo di pittura di utensili domestici: filatoi, mestoli, scatole, bratin.
  • La pittura di Zhostovo è un mestiere popolare di pittura artistica di vassoi di metallo.
  • Dipinto di Semenovskaya: realizzare un giocattolo di legno con la pittura.
  • Khokhloma è un'antica arte popolare russa, nata nel XVII secolo nel distretto di Nizhny Novgorod
  • Pittura su vetro colorato - pittura a mano su vetro, imitazione del vetro colorato.
  • Il batik è dipinto a mano su tessuto utilizzando composti di riserva.
    • Il batik freddo è una tecnica di pittura su tessuto che utilizza uno speciale composto a riserva fredda.
    • Batik caldo: viene creato un motivo utilizzando cera fusa o altre sostanze simili.
• Scrapbooking- progettazione di album fotografici
• Lavorazione dell'argilla- creare forme e oggetti dall'argilla. Puoi scolpire usando un tornio da vasaio o a mano.

Per quanto mi riguarda (riguardo al traliccio):

Arazzo(fr. gobelin), O traliccio, - uno dei tipi di arte decorativa e applicata, un tappeto da parete privo di lanugine su un lato con una trama o una composizione ornamentale, tessuto a mano con fili intrecciati. Il tessitore fa passare il filo di trama attraverso l'ordito, creando sia l'immagine che il tessuto stesso. Nel Dizionario Enciclopedico Brockhaus ed Efron, un arazzo è definito come “un tappeto tessuto a mano su cui sono riprodotti un dipinto e un cartone appositamente preparato di un artista più o meno famoso utilizzando lana multicolore e in parte seta”.

Gli arazzi erano fatti di lana, seta e talvolta venivano introdotti fili d'oro o d'argento. Attualmente, per realizzare i tappeti a mano, viene utilizzata un'ampia varietà di materiali: la preferenza è data ai fili realizzati con fibre sintetiche e artificiali, mentre i materiali naturali vengono utilizzati in misura minore. La tecnica di tessitura a mano richiede molta manodopera; un artigiano può produrre circa 1-1,5 m² (a seconda della densità) di tralicci all'anno, quindi questi prodotti sono disponibili solo per i clienti facoltosi. E attualmente un arazzo fatto a mano (traliccio) continua ad essere un lavoro costoso.

Dal Medioevo fino al XIX secolo, la pratica era quella di produrre arazzi in cicli (insiemi), che univano prodotti legati a un tema. Questo set di tralicci doveva decorare una stanza nello stesso stile. Il numero di tralicci nell'insieme dipendeva dalle dimensioni delle stanze in cui avrebbero dovuto essere collocati. Nello stesso stile degli arazzi per le pareti, sono stati realizzati i baldacchini, le tende e le federe che componevano anche il set.

È corretto chiamare arazzi non tutti i tappeti decorati che non lasciano pelucchi, ma solo quelli su cui le immagini sono create utilizzando la tecnica di tessitura stessa, ad es. intreccio di fili di trama e ordito, e quindi sono una parte organica del tessuto stesso, a differenza del ricamo, i cui motivi vengono inoltre applicati al tessuto con un ago. Gli arazzi medievali venivano prodotti nei laboratori monastici in Germania e nei Paesi Bassi, nelle città di Tournai nelle Fiandre occidentali e Arras nel nord della Francia. I più famosi sono i millefleur (millefleur francesi, da mille - "mille" e fleurs - "fiori"). Il nome deriva dal fatto che le figure su tali tralicci sono raffigurate su uno sfondo scuro punteggiato da tanti piccoli fiori. Questa caratteristica è associata all'antica consuetudine di celebrare la festa cattolica del Corpus Domini (celebrata il giovedì dopo il Giorno della Trinità). Le strade lungo le quali si muoveva il corteo festoso erano addobbate con stendardi intrecciati con tanti fiori freschi. Erano appesi alle finestre. Si ritiene che i tessitori abbiano trasferito questo decoro sui tappeti. Il primo millefleur conosciuto fu realizzato ad Arras nel 1402. I tappeti di questa città erano così popolari, soprattutto in Italia, da ricevere il nome italiano di “arazzi”.

Cartone nella pittura- un disegno con carboncino o matita (o due matite - bianca e nera), realizzato su carta o su tela preparata, da cui l'immagine è già dipinta con colori.

Inizialmente, tali disegni venivano realizzati esclusivamente per gli affreschi; la carta spessa (italiano: cartone), su cui era fatto il disegno, forata lungo il suo contorno, veniva applicata al terreno preparato per la pittura ad affresco e cosparsa di polvere di carbone lungo la puntura, e si otteneva così sul circuito di massa un tenue colore nero. L'affresco è stato dipinto immediatamente senza modifiche, quindi è stato necessario applicare un contorno già pronto e completamente pensato. Le tavole finite spesso hanno il valore dei dipinti, meno le vernici; tali sono i cartoni di Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raffaello (cartoni per "Scuola di Atene" conservato a Milano), Andrea Mantegna, Giulio Romano ed altri. Spesso artisti famosi realizzavano cartoni per quadri di tappeti tessuti (tralicci); di cui si conoscono sette cartoni di Raffaello "Atti degli Apostoli", da lui eseguiti per tessitori fiamminghi (conservati al Kensington Museum di Londra), quattro cartoni del Mantegna. Da cartoni del XIX secolo. possiamo citare le opere di Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld, P. J. Cornelius ( "Distruzione di Troia", "Il Giudizio Universale" ecc.), Wilhelm von Kaulbach ( "Distruzione di Gerusalemme", "Battaglie degli Unni" ecc.), Ingres - per la pittura su vetro nella tomba della Casa d'Orleans. In Russia, i dipinti sono stati realizzati su cartoni nella Cattedrale di Sant'Isacco (non conservati). A volte i cartoni vengono creati da un artista e i dipinti basati su di essi vengono creati da altri. Così Pietro Giuseppe Cornelius ha messo alcuni cartoni quasi completamente a disposizione dei suoi alunni.

Materiali, tecnologia

Fino al XVIII secolo, la lana veniva utilizzata come base per i tralicci: il materiale più accessibile e facile da lavorare, molto spesso lana di pecora. Il requisito principale per il materiale di base è la resistenza. Nel 19° secolo, la base dei tralicci era talvolta realizzata in seta. La base in cotone alleggerisce notevolmente il peso del prodotto, è durevole e più resistente agli influssi ambientali avversi.

Nella tessitura a traliccio, la densità del tappeto è determinata dal numero di fili di ordito per 1 cm: maggiore è la densità, maggiori sono le opportunità che il tessitore ha per completare piccoli dettagli e più lento procede il lavoro. In un arazzo europeo medievale, ci sono circa 5 fili di ordito per 1 cm I prodotti delle manifatture di Bruxelles del XVI secolo avevano la stessa bassa densità (5-6 fili), ma i tessitori locali erano in grado di trasmettere le complesse sfumature dell'immagine. Nel tempo il traliccio si avvicina alla pittura, la sua densità aumenta. Nella manifattura Gobelin, la densità degli arazzi era di 6-7 fili per 1 cm nel XVII secolo e nel XVIII secolo era già 7-8. Nel 19 ° secolo, la densità dei prodotti della manifattura di Beauvais raggiunse i 10-16 fili. Un simile arazzo divenne essenzialmente solo un'imitazione della pittura da cavalletto. Jean Lursa considerò la riduzione della sua densità come uno dei mezzi per restituire all'arazzo la sua qualità decorativa. Nel 20° secolo, le manifatture francesi tornarono alla densità degli arazzi di 5 fili. Nella moderna tessitura a mano, si presume che la densità sia di 1-2 fili per cm; una densità superiore a 3 fili è considerata elevata.

Gli arazzi sono tessuti a mano. I fili di ordito vengono tesi su una macchina o su un telaio. I fili dell'ordito vengono intrecciati con fili di lana o seta colorati, e l'ordito viene completamente ricoperto, in modo che il suo colore non abbia alcun ruolo.

Il primo e più semplice dispositivo per il lavoro del tessitore era un telaio con fili di ordito tesi. La base può essere fissata tirandola su chiodi piantati nel telaio, oppure utilizzando un telaio con tagli equidistanti lungo i bordi superiore e inferiore, o semplicemente avvolgendo un filo sul telaio. Tuttavia, quest'ultimo metodo non è molto conveniente, poiché i fili di ordito potrebbero spostarsi durante il processo di tessitura.

Successivamente apparvero i telai alti e bassi. La differenza nella lavorazione alle macchine sta principalmente nella disposizione dei fili di ordito, orizzontali - su una macchina bassa - e verticali - su quella alta. Ciò è dovuto alla loro struttura specifica e richiede movimenti caratteristici durante il funzionamento. In entrambi i casi, il metodo per creare transizioni di volume e colore nel disegno è lo stesso. Fili di diversi colori si intrecciano e creano l'effetto di un graduale cambiamento di tono o di senso di volume.

L'immagine è stata copiata da cartone - un disegno preparatorio a colori di un traliccio a grandezza naturale, realizzato sulla base del bozzetto dell'artista. Utilizzando un cartone puoi creare diversi tralicci, ogni volta leggermente diversi l'uno dall'altro.

Meccanicamente la tecnica per realizzare un arazzo è molto semplice, ma richiede molta pazienza, esperienza e conoscenza artistica da parte del maestro: solo un artista colto, pittore a suo modo, può essere un buon tessitore, diverso dal vero uno solo in quanto crea l'immagine non con colori, ma con filo colorato. Deve comprendere il disegno, il colore, i chiaroscuri come un artista e inoltre deve avere una conoscenza completa delle tecniche di tessitura degli arazzi e delle proprietà dei materiali. Molto spesso è impossibile selezionare fili di diverse tonalità dello stesso colore, quindi il tessitore deve tingere i fili mentre lavora.

Quando si lavora su una macchina verticale, la base viene svolta dall'albero superiore, poiché il prodotto è pronto, e il traliccio finito viene avvolto su quello inferiore. Vengono chiamati i tappeti realizzati su telaio verticale haute-lisse(gotlis, dal fr. alta"alto" e lisci"la base"). La tecnica Gottliss consente di eseguire un disegno più complesso, ma richiede anche più manodopera. Il posto di lavoro del tessitore si trova sul lato inferiore del tappeto, dove sono fissate le estremità dei fili. L'immagine dal cartone viene trasferita sulla carta da lucido e da essa sul tappeto. C'era del cartone dietro la schiena del tessitore e uno specchio sul davanti dell'opera. Allargando i fili di ordito l'artigiano può verificare la precisione del lavoro sul cartone.

Altri tappeti, nella cui fabbricazione l'ordito si trova orizzontalmente tra due assi, grazie ai quali il lavoro del tessitore è notevolmente facilitato, sono chiamati basse-lisse(baslis, dal fr. basso"basso" e lisci"la base"). I fili di ordito sono tesi tra due alberi su un piano orizzontale. Il traliccio è rivolto verso il tessitore con la sua superficie rovesciata, il disegno del cartone viene trasferito sulla carta da lucido posta sotto i fili di ordito, così il lato anteriore del prodotto ripete il cartone in un'immagine speculare. Il maestro lavora con piccoli fuselli su cui sono avvolti fili di diversi colori. Passando una bobina con un filo di qualsiasi colore attraverso l'ordito e intrecciando quest'ultimo con esso, ripete questa operazione il numero di volte richiesto, quindi la lascia e ne riprende un'altra con un filo di colore diverso, in modo da ritornare a la prima bobina quando necessario.

Una volta tolto il traliccio dalla macchina non è possibile distinguere in quale delle due tecniche sia stato realizzato. Per fare questo, devi vedere il cartone - il traliccio Baslis lo ripete in un'immagine speculare, il Gotlis - nella riflessione diretta.

Caratteristiche del linguaggio artistico di DPI

L'oggetto dell'attività dell'artista nelle arti decorative e applicate determina le caratteristiche del metodo creativo. Molto spesso vengono utilizzati tre termini principali per riferirsi a queste funzionalità: astrazione, geometrizzazione, stilizzazione.

Astrazione(Astrazione latina - "distrazione") implica l'astrazione di un'immagine decorativa da uno specifico ambiente naturale oggetto-spaziale, poiché il ruolo di tale ambiente, a differenza dell'arte da cavalletto, è assunto dalla superficie decorata. Da qui la convenzione fondamentale della rappresentazione decorativa, in cui diversi momenti di tempo e spazio possono essere facilmente combinati. Un intenditore di ceramica russa, A. B. Saltykov, ne ha scritto in modo convincente, sottolineando “la mancanza di unità di luogo, tempo e azione” come principio fondamentale della composizione decorativa. In particolare, l'arredamento situato sulla forma volumetrica della nave, interagendo con lo spazio curvilineo della sua superficie, si trova in base alla “geografia” dell'oggetto e non secondo le idee quotidiane. La curvatura, il colore e la struttura della superficie decorata, ad esempio il fondo bianco nella pittura su porcellana o maiolica, possono altrettanto facilmente indicare acqua, cielo, terra o aria, ma, soprattutto, il valore estetico della superficie in quanto tale. VD Blavatsky ha scritto che il dipinto dell'antica kylix greca (ciotola) dovrebbe essere visto girando la nave tra le mani. Ora possiamo girare intorno alla vetrina del museo.

Le fasi transitorie del processo di astrazione e geometrizzazione di un'immagine decorativa sono chiamate "ornamento visivo" e secondo le varietà di genere sono divise in vegetale, animale, misto... Una delle varietà di genere più interessanti di ornamento figurativo misto in la storia dell'arte è il grottesco.

Stilizzazione nel senso più generale del termine si riferiscono all'uso intenzionale e consapevole da parte dell'artista di forme, metodi e tecniche di modellatura, già note alla storia dell'arte. Allo stesso tempo, l’artista viene trasportato mentalmente in un altro secolo, come se fosse immerso “nelle profondità del tempo”. Pertanto, tale stilizzazione può essere definita temporanea. La stilizzazione può avere un carattere privato e frammentario, quindi temi, forme, motivi e tecniche individuali vengono scelti come oggetto del gioco artistico. A volte questo metodo di modellatura è chiamato stilizzazione del motivo. Una parte significativa delle opere d'arte “Art Nouveau” (“nuova arte”) della fine tra il XIX e il XX secolo. è costruito sulla stilizzazione di un motivo: onde, germogli di piante, ciocche di capelli, la curva del collo di un cigno. Queste linee erano in voga nella cultura di inizio secolo. In particolare, il famoso artista decorativo e designer di abbigliamento francese Paul Poiret (1879-1944) inventò una linea di abiti da donna dolcemente curva, chiamata linea Poiret.

La stilizzazione di un motivo può essere considerata un caso speciale di stilizzazione decorativa, poiché gli sforzi dell'artista mirano a includere un'opera separata, un suo frammento o un motivo stilizzato in un insieme compositivo più ampio (che corrisponde al significato generale del concetto di decoratività ). Usando il metodo della stilizzazione olistica, l'artista viene trasportato mentalmente in un'altra era decorativa: si sforza di pensare in modo organico nell'ambiente oggettuale-spaziale che si è già sviluppato intorno a lui. Abbiamo chiamato il primo metodo il metodo della stilizzazione temporale e il secondo può essere chiamato spaziale.

È chiaro che il metodo della stilizzazione decorativa si manifesta più pienamente nelle arti decorative e, in particolare, nell'arte dei manifesti spettacolari e delle illustrazioni di libri, sebbene ci siano delle eccezioni. Così, il meraviglioso pittore e disegnatore A. Modigliani ha costruito la delicata espressività delle sue immagini sulla franca stilizzazione della linea e sull'iperbolizzazione della forma, e le sue “maschere” stilizzano campioni africani.

Il lavoro di molti artisti combina organicamente i metodi di astrazione, geometrizzazione e stilizzazione.

Anche la densità, la saturazione dell'immagine, la predominanza delle figure sullo sfondo contribuiscono alla decoratività. In alcuni casi ciò porta alla cosiddetta ornamentalizzazione del decoro, in altri allo “stile tappeto”. I processi di trasformazione degli elementi visivi sono accomunati dal concetto di geometrizzazione. In definitiva, questa tendenza porta a estremamente astratto o ornamento geometrico.

Oltre ai metodi fondamentali - astrazione, geometrizzazione e stilizzazione - l'artista delle arti decorative e applicate utilizza metodi privati ​​​​di modellatura, o percorsi artistici (tropos greco - "girare, girare").

Nelle arti visive il confronto si fa sulla base geometrizzazione. Meravigliosi esempi di tali confronti sono le opere dello “stile animale”. Questo stile dominava nei prodotti di “piccole forme” nelle vaste distese dell’Eurasia dal Basso Danubio, la regione settentrionale del Mar Nero e le steppe del Caspio fino agli Urali meridionali, alla Siberia e alla parte nordoccidentale della Cina nel VII-IV secolo. AVANTI CRISTO e.

Esempi classici di assimilazione della forma al formato sono le composizioni in un cerchio, in particolare le composizioni dei fondi delle antiche kylix greche: ciotole rotonde larghe su una gamba con due maniglie orizzontali sui lati. Da tali ciotole bevevano vino diluito con acqua. Nelle case antiche, durante le pause tra i simposi (feste), le kylix venivano solitamente appese a una delle maniglie del muro. Pertanto i dipinti furono posti all'esterno della ciotola, attorno alla circonferenza, in modo che fossero ben visibili.

I principali problemi dei DPI

Tutte le opere dell'antichità combinavano organicamente valore materiale e spirituale, utilitaristico, estetico e artistico. È interessante notare che nella prima antichità non esisteva una comprensione separata delle qualità della nave come contenitore, del suo significato simbolico, del valore estetico, del contenuto e della decorazione.

Successivamente lo spazio pittorico delle cose cominciò a dividersi in contenitore interno e superficie esterna, forma e ornamento, oggetto e spazio circostante. Come risultato di un simile processo di differenziazione è sorto il problema di una connessione organica tra le funzioni e la forma del prodotto, la sua armonia con l'ambiente.

Allo stesso tempo, l'affermazione secondo cui un'immagine veramente decorativa dovrebbe essere planare non è vera. L'astrazione della decorazione non risiede nell'adattamento, ma nell'interazione tra forma pittorica e ambiente. Pertanto, le immagini illusorie che "sfondano" visivamente la superficie possono essere altrettanto decorative di quelle che "strisciano lungo l'aereo". Tutto dipende dall’intenzione dell’artista e dalla corrispondenza della soluzione compositiva all’idea.

Lo stesso vale per il problema dell'identificazione delle proprietà naturali del materiale della superficie da decorare. Un vaso di porcellana interamente dorato o una tazza dall'effetto metallo non possono essere meno belli del più raffinato dipinto policromo, sfumandone il candore scintillante. È possibile dire che la struttura naturale del legno è più decorativa della sua superficie ricoperta di vernice brillante e doratura, e che il bisquit opaco (porcellana non smaltata) ha un aspetto migliore dello smalto lucido?

Nel 1910, l’eccezionale architetto, artista e teorico dell’arte belga Henri Van de Velde (1863–1957) scrisse un articolo polemico intitolato “Animazione della materia come principio di bellezza”.

In questo articolo, Van de Velde ha delineato le sue opinioni su uno dei problemi principali del “nuovo stile”: l’atteggiamento dell’artista nei confronti del materiale. Sostiene l'opinione tradizionale secondo cui l'artista applicato dovrebbe far emergere la bellezza naturale del materiale. “Nessun materiale”, scrive Van de Velde, “può essere bello in sé. Deve la sua bellezza al principio spirituale che l’artista introduce nella natura.” La spiritualizzazione della “materia morta” avviene attraverso la sua trasformazione in materia composita. Allo stesso tempo, l'artista utilizza mezzi diversi e poi, basandosi sugli stessi materiali, ottiene il risultato opposto. Il significato della trasformazione artistica di materiali e forme naturali, in contrasto con le proprietà estetiche oggettivamente presenti in natura, secondo Van de Velde, è la smaterializzazione, conferendo proprietà che il materiale non aveva prima che la mano dell'artista lo toccasse. È così che la pietra pesante e ruvida si trasforma nel più raffinato pizzo “senza peso” delle cattedrali gotiche, le proprietà materiali dei coloranti si trasformano nello splendore dei raggi colorati delle vetrate medievali e la doratura diventa capace di esprimere la luce celeste.

Nelle arti decorative e applicate, dove l'artista è costretto a risolvere il problema delle connessioni tra la parte e il tutto, inserendo la propria composizione in un contesto spazio-temporale ampio, i percorsi acquistano un'importanza fondamentale. I trasferimenti di significato possono essere effettuati con diverse modalità e tecniche compositive. La tecnica più semplice è ben nota nella storia dell'arte del mondo antico. Questo è il paragone tra forma e formato. Un tale tropo pittorico può essere correlato a un confronto letterario secondo il principio "dal tutto al tutto", ad esempio: "Un cavallo vola come un uccello".

Terminologia in DPI

Litri

Vlasov V.G. Fondamenti di teoria e storia delle arti decorative e applicate. Manuale didattico e metodologico. - Università statale di San Pietroburgo, 2012.- 156 p.

Moran A. Storia delle arti decorative e applicate. - M

Olga Makeenko
“Le arti decorative e applicate come mezzo per introdurre i bambini alla cultura popolare”

introduzione

Cultura popolareè uno degli elementi importanti di ogni nazione, poiché porta in sé l'esperienza delle generazioni passate, sviluppatasi nel corso dei secoli. Cultura popolare riflette la vita e le abilità dei nostri antenati, che si riflettono in un modo o nell'altro arti.

Studiando cultura popolare dovrebbero essere inseriti nel curriculum obbligatorio bambini. Dopotutto, è fin dall'infanzia che le persone sviluppano abitudini e abilità. Affinché il concetto del mondo si sviluppi correttamente, arteÈ necessario fin dalla tenera età formare nella mente dei bambini idee sul mondo che li circonda, oltre a parlare della storia sia del paese nel suo insieme che della regione in cui vivono. I bambini sono la nostra continuazione; il futuro della famiglia, della città, del paese e del mondo nel suo insieme dipende da come li alleviamo.

"Guide" in questo caso parleranno sia i genitori che gli insegnanti. I futuri insegnanti delle scuole pedagogiche, dei capi delle scuole materne e dei metodologi dell'educazione prescolare devono conoscere i metodi e le tecniche di base per gestire vari tipi di attività. bambini età prescolare. Tra Tra questi tipi di attività, le arti visive occupano un posto importante.

La cultura popolare è cultura tradizionale, che include strati culturali di epoche diverse, dai tempi antichi ai giorni nostri, il cui argomento è persone culturale connessioni e meccanismi della vita. Come cultura non alfabetizzata, motivo per cui la tradizione è di grande importanza in esso come modo di trasmettere informazioni vitali per la società.

Esistono diversi modi in cui è possibile l’apprendimento cultura popolare dei bambini. Questi includono letteratura, cinema e fiabe. Ciò include dipinti, giochi e molto altro ancora.

In questo lavoro considereremo arti decorative e applicate come mezzo per introdurre i bambini alla cultura popolare. Per raggiungere un determinato obiettivo, dovrai prima considerare i concetti di base di questo argomento. Questo concetto, le sue principali direzioni e tipologie; concetto cultura popolare; E mezzo per introdurre i bambini alla cultura popolare.

Rappresenta una sezione arte decorativa, che abbraccia diversi rami della creatività dedicati alla realizzazione di prodotti artistici e destinati principalmente all'uso quotidiano. Lavori le arti e i mestieri possono esserlo: utensili vari, mobili, armi, tessuti, strumenti e altri prodotti che non funzionano secondo il loro scopo originale arte, Ma acquisire qualità artistica dovuta al lavoro dell’artista ad essi applicato; abbigliamento e tutti i tipi di gioielli.

A partire dalla seconda metà del XIX secolo, nella letteratura scientifica si afferma la classificazione delle industrie arti e mestieri:

1. A seconda del materiale utilizzato (ceramica, metallo, tessile, legno);

2. A seconda della tecnica di esecuzione (intaglio, materiale stampato, fusione, rilievo, ricamo, pittura, intarsio).

La classificazione proposta è associata all’importante ruolo del design e dei principi tecnologici in arti decorative e applicate e il suo immediato collegamento con la produzione.

Appartiene contemporaneamente alle sfere della creazione di valori sia materiali che spirituali. Lavori arti e mestieri inseparabile dalla materia cultura della loro epoca contemporanea sono strettamente connessi con il corrispondente modo di vita, con l’una o l’altra delle sue caratteristiche etniche e nazionali locali, con le differenze di gruppo sociale e di classe.

Lavori arti e mestieri costituiscono una parte organica del soggetto ambiente, con cui una persona entra in contatto quotidiano, e con i suoi meriti estetici, struttura figurativa, carattere, influenzano costantemente lo stato d'animo di una persona, il suo umore e sono un'importante fonte di emozioni che influenzano il suo atteggiamento nei confronti del mondo che lo circonda. Lavori arti e mestieri esteticamente saturare e trasformare Mercoledì, che circondano una persona e, allo stesso tempo, sembrano esserne assorbiti, poiché di solito sono percepiti in connessione con il suo design architettonico e spaziale, con altri oggetti in esso inclusi o con i loro complessi (un insieme di mobili o un servizio, un abito o un set di gioielli). A questo proposito, il significato ideologico delle opere arti e mestieri può essere compreso più pienamente solo con una reale comprensione di queste relazioni tra soggetto e ambiente e uomo.

Arti decorative e applicateè sorto nelle prime fasi dello sviluppo della società umana e per molti secoli è stato il più importante e per un certo numero di tribù nazionalità l'area principale della creatività artistica.

Secondo un'altra fonte, arti e mestieri- si tratta della creazione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico (utensili per la casa, stoviglie, tessuti, giocattoli, gioielli, ecc., nonché la lavorazione artistica di oggetti antichi (mobili, vestiti, armi, ecc.). Inoltre, come nella designazione precedente, maestri arti e mestieri viene utilizzata un'ampia varietà di materiali: metallo (argento, oro, platino, bronzo, nonché varie leghe, legno, argilla, vetro, pietra, tessuti (naturale e tessuti artificiali) e così via.

Realizzare prodotti dall'argilla si chiama ceramica, dalle pietre preziose e dai metalli - gioielli arte. Nel processo di creazione di opere artistiche in metallo, vengono utilizzate le tecniche di fusione, forgiatura, cesellatura e incisione; i tessuti vengono decorati con ricami o materiale stampato (una tavola di legno o rame rivestita di vernice viene posizionata sul tessuto e colpita con un apposito martello, ottenendo un'impronta); oggetti in legno - intagli, intarsi e dipinti colorati. Dipingere i piatti in ceramica si chiama pittura su vaso.

I prodotti artistici sono strettamente legati alla vita quotidiana e ai costumi di una certa epoca, persone o gruppo sociale (nobili, contadini, ecc.). Gli artigiani già primitivi decoravano piatti con motivi e intagli e realizzavano gioielli primitivi con zanne di animali, conchiglie e pietre. Questi oggetti incarnavano le idee degli antichi sulla bellezza, sulla struttura del mondo e sul posto dell’uomo in esso.

Tradizioni degli antichi arte continuano ad apparire nel folklore e nei prodotti artigianato popolare.

Pertanto, sulla base di quanto sopra, notiamo i punti principali. Quindi il termine arti e mestieri combina convenzionalmente due ampi generi arti: decorativo e applicato. A differenza delle opere di pregio arte, destinato al piacere estetico e legato al puro arte, numerose manifestazioni decorativamente-la creatività applicata ha principalmente un uso pratico nella vita di tutti i giorni. Questa è una caratteristica distintiva di questo tipo arte.

Lavori arti e mestieri averne certi caratteristiche: qualità estetica, progettata per effetti artistici e utilizzata per la decorazione della casa e degli interni.

Tipi arte decorativa: cucito, lavoro a maglia, bruciatura, tessitura di tappeti, tessitura, ricamo, lavorazione artistica della pelle, patchwork (cucito da scarti, intaglio artistico, disegno, ecc. A sua volta, va notato che alcuni tipi arti e mestieri sono soggetti ad una propria classificazione. Ad esempio, la combustione è l'applicazione di un disegno sulla superficie di qualsiasi materiale organico utilizzando un ago caldo e Succede: combustione del legno, combustione del tessuto (guilloché, realizzazione di applicazioni mediante combustione con una macchina speciale, stampa a caldo.

2. Cultura popolare

In precedenza è già stata fornita una definizione del concetto cultura popolare. Io ripeto, la cultura popolare è la cultura tradizionale, che include culturale strati di epoche diverse - dai tempi antichi ai giorni nostri, il cui argomento è persone- personalità collettiva, che significa l'unificazione di tutti gli individui del collettivo da parte di una comunità culturale connessioni e meccanismi della vita. Questo cultura non alfabetizzata, e quindi la tradizione è di grande importanza in esso, come modo di trasmettere informazioni vitali per la società. Questa definizione è abbastanza completa, ma non l’unica. Passiamo ad altre fonti.

Sotto cultura comprendere l'attività umana nelle sue più diverse manifestazioni, comprese tutte le forme e i metodi di autoespressione umana e conoscenza di sé, l'accumulo di abilità e capacità da parte dell'uomo e della società nel suo insieme. Cultura rappresenta un insieme di forme sostenibili di attività umana, senza le quali essa non può riprodursi, e quindi non può esistere. La cultura è un insieme di codici, che prescrivono a una persona un determinato comportamento con le sue esperienze e pensieri inerenti, esercitando così un'influenza manageriale su di lui. Fonte d'origine cultura viene concepita l’attività umana.

concetto" persone"nelle lingue russe ed europee è una popolazione, un insieme di individui. Inoltre, personeè intesa come una comunità di persone che si sono riconosciute come comunità etnica o territoriale, classe sociale, gruppo, a volte rappresentante l'intera società, ad esempio, in un momento storico decisivo (guerre di liberazione nazionale, rivoluzioni, restaurazione del paese e e così via, con simili (generale) credenze, idee o ideali.

Questa comunità agisce come soggetto e portatore di una speciale olistica cultura, eccellente per la sua visione del mondo, modi di incarnazione in varie forme di folklore e direzioni vicine al folklore pratica culturale, che spesso risale all'antichità. In un lontano passato, il suo portatore era l'intera comunità (clan, tribù, successivamente gruppo etnico (persone) .

Nel passato, cultura popolare determinò e consolidò tutti gli aspetti della vita, i costumi, i rituali, i rapporti regolati tra i membri della comunità, la tipologia familiare, l'educazione bambini, la natura della casa, modi di sviluppare lo spazio circostante, tipo di abbigliamento, atteggiamento verso la natura, il mondo, leggende, credenze, linguaggio, creatività artistica. In altre parole, è stato determinato quando seminare il grano e raccogliere i raccolti, scacciare il bestiame, come costruire relazioni nella famiglia, nella comunità e così via. Attualmente, in un periodo di crescente complessità delle relazioni sociali, sono comparsi molti gruppi sociali grandi e piccoli di tipo formale e informale, una stratificazione di rapporti sociali e sociali pratica culturale, cultura popolareè diventato uno degli elementi del moderno multistrato cultura.

IN creatività della cultura popolare in modo anonimo, poiché la paternità personale non viene realizzata e prevale invariabilmente l'obiettivo di seguire il modello adottato dalle generazioni precedenti. Questo campione è, per così dire, “di proprietà” dell’intera comunità, e l’individuo (narratore, maestro artigiano, anche molto abile, percependo modelli e standard ereditati dagli antenati, si identifica con la comunità, realizza la propria appartenenza cultura del luogo, gruppo etnico, gruppo subetnico.

Manifestazioni cultura popolareè l’identificazione di sé con il proprio dalla gente, le sue tradizioni negli stereotipi del comportamento e dell'azione sociale, delle idee quotidiane, della scelta culturale standard e norme sociali, orientamenti verso determinate forme di tempo libero, pratica artistica e creativa amatoriale.

Una qualità importante cultura popolare in tutti i periodi c'è tradizione. La tradizionalità ne determina il contenuto valore-normativo e semantico cultura popolare, meccanismi sociali della sua trasmissione, eredità in diretto comunicazione faccia a faccia, da maestro a studente, di generazione in generazione.

Così, la cultura popolare è cultura, creato nel corso di migliaia di anni, attraverso la selezione naturale, da creatori anonimi: lavoratori, rappresentanti persone che non hanno un'istruzione speciale o professionale. La cultura popolare consiste: religioso (cristiano, morale, quotidiano, lavorativo, ricreativo, di gioco, di intrattenimento sottosistemi culturali. Questo cultura registrato nel folklore, artigianato popolare, esiste nei costumi e nello stile di vita, nella decorazione della casa, nella danza, nel canto, nell'abbigliamento, nella natura dell'alimentazione e dell'educazione bambini(pedagogia popolare) .Cultura popolare c'è una base nazionale cultura, pedagogia, carattere, consapevolezza di sé. Introdurre i bambini alle origini della cultura popolare significa preservare le tradizioni persone, continuità delle generazioni, crescita del suo spirito.

3. Mezzo per introdurre i bambini alla cultura popolare.

A causa delle caratteristiche dell'età, per comunione Un bambino ha bisogno di un approccio speciale a qualsiasi abilità. Fondamentalmente, per questo viene utilizzato un gioco, poiché è molto interessante per i bambini. Durante il gioco i bambini si interessano all'argomento, il che permette loro di rivelare gli elementi più significativi senza imporli al bambino, ma in modo semplice e non forzato. I giochi vengono scelti in base alle informazioni utili su cultura del popolo, nel cui territorio vive, o quello di cui ha bisogno di parlare. Le caratteristiche vengono spiegate durante il gioco nazionalità, possono anche essere stabiliti nelle norme. Ad esempio, puoi organizzare un gioco: concorrenza: chi noterà maggiori dettagli, chi elencherà colori, sfumature o oggetti più familiari presentati nell'immagine, e così via. Questo gioco stimola la loro attività cognitiva, sviluppa la capacità di osservazione dei bambini e insegna loro a formulare ed esprimere i propri pensieri.

Oltre al gioco, è possibile utilizzare il disegno e la pittura. La pittura di paesaggio è uno dei generi più lirici ed emotivi delle belle arti. arte, questo è il livello più alto di esplorazione artistica della natura, ricreando la sua bellezza con ispirazione e immagini. Questo genere promuove lo sviluppo emotivo ed estetico bambini, favorisce un atteggiamento gentile e premuroso verso la natura, la sua bellezza, risveglia un sincero sentimento di amore per la propria terra, la propria storia. La pittura di paesaggio sviluppa l'immaginazione e il pensiero associativo del bambino, la sfera sensuale, emotiva, la profondità, la consapevolezza e la versatilità della percezione della natura e della sua rappresentazione nelle opere arte, la capacità di entrare in empatia con l'immagine artistica di un paesaggio, la capacità di correlare il suo stato d'animo con il proprio.

Identificazione delle abilità bambini e il loro corretto sviluppo è uno dei compiti pedagogici più importanti. E dovrebbe essere deciso tenendo conto dell'età bambini, sviluppo psicofisico, condizioni educative e altri fattori. Sviluppo delle abilità bambini alle belle arti Solo allora darà i suoi frutti quando l'insegnamento del disegno verrà svolto dall'insegnante in modo sistematico e sistematico. Altrimenti, questo sviluppo seguirà percorsi casuali e le capacità visive del bambino potrebbero rimanere nella loro infanzia.

I bambini adorano provare cose nuove. È importante non rovinare l'atteggiamento del bambino nei confronti della creatività, poiché ciò potrebbe influenzare la sua vita futura. Devi permettergli di rivelare le sue capacità e non sgridarlo se qualcosa non funziona. Dopotutto, le persone sono cablate fin dall’infanzia preferenze: ad alcune persone piace disegnare, alcune si ritrovano nella musica, altre diventeranno umanitarie. Tenendo conto di ciò, è necessario utilizzare metodi diversi nell'insegnamento bambini, in modo che siano loro stessi a determinare da soli ciò che gli piace, altrimenti in futuro, nella scelta di una professione, diventeranno decisivi i fattori imposti dall'esterno, e non ciò che è veramente interessante e a cui vale la pena dedicare la propria vita. Prendere possesso dell'intero importo fondi e i metodi di rappresentazione che costituiscono l’alfabetizzazione visiva, il bambino non può farlo. La conoscenza da parte dell'insegnante delle caratteristiche espressive significa che ogni arte aiuta a stabilire, quali di essi possono essere realizzati e padroneggiati dal bambino e quali gli sono inaccessibili.

Pertanto, l'obiettivo principale dello sviluppo dell'educazione prescolare è la formazione della personalità del bambino e lo sviluppo delle sue capacità creative. Nelle classi con bambini, il compito principale dell'insegnante è attirare la loro attenzione sull'immagine, scultura o un altro lavoro e trattenetelo. I bambini sono più disposti a interessarsi ai dipinti se l'insegnante riesce a risvegliare la loro fantasia e coinvolgere i bambini nel gioco. Ad esempio, puoi chiedere loro di immaginarsi al posto dei personaggi nella foto, discutere cosa farebbe ciascuno di loro al posto del personaggio raffigurato, quali emozioni proverebbero e con quali parole descriverebbero il loro stato . In generale, chiedi al bambino di raccontarti di se stesso nella situazione rappresentata.

Conclusione

Introdurre i bambini alle arti e ai mestieri Questa è un'introduzione agli articoli domestici tradizionali. I bambini imparano come e perché è stata usata questa o quella cosa e provano a usarla da soli. Inoltre, i bambini sono incoraggiati a riflettere motivi decorativi, spiega il significato simbolico dei singoli elementi dell'ornamento. È importante attirare l’attenzione del bambino sulla ripetibilità dei modelli e dei singoli elementi su oggetti diversi e raccontare quali modi tradizionali di decorare le cose sono caratteristici delle diverse regioni della Russia.

Nelle classi dedicate alla tradizione artigianato popolare, i bambini apprendono i principi di base della costruzione di un ornamento e imparano a eseguire correttamente gli elementi ripetitivi. I campioni per la modellazione e la pittura dei bambini possono essere piatti tradizionali, giocattoli e altri articoli per la casa.

In modo da introdurre i bambini all’arte vengono utilizzate attività educative e creative, che comportano la visita di una varietà di mostre di pittura, sculture, arte popolare e così via. I tour possono essere condotti, ma sono previsti bambini, di età superiore ai cinque anni. Le mostre espositive, la cui visione è accompagnata dalle spiegazioni della guida, consolidano le conoscenze e le competenze acquisite nei corsi di educazione estetica.

Arti decorative e applicateè in stretto rapporto con cultura popolare. Questo tipo l'arte incarna la cultura popolare. Usando arti e mestieri, puoi studiare la cultura popolare.

Arti decorative e applicate contiene una grande quantità di informazioni utili per bambini nel processo di studio della storia del proprio o di un altro paese, nazione o comunità. Come arti decorative e applicate come mezzo per introdurre la cultura popolareè uno dei più efficaci e interessanti.

La capacità di essere creativi è geneticamente insita nell’uomo. L’arte è nata come risultato del naturale bisogno dell’uomo di bellezza, di soddisfazione sensoriale da ciò che ha creato o visto.
La forma più antica di attività artistica è l'arte decorativa e applicata (DA). Le persone hanno sempre cercato di decorare se stesse, le loro case e le cose che usavano: dai materiali più comuni - pietra, metallo, legno, argilla - le persone hanno creato vere e proprie opere d'arte che esprimevano la percezione emotiva ed estetica del maestro del mondo che lo circonda.

Tutti i lavori DPI possono essere divisi in due gruppi. La prima è rappresentata dagli oggetti per la casa (indumenti, utensili vari, stoviglie, mobili, tessuti), dove la bellezza dell'oggetto è indissolubilmente legata ai suoi benefici.

Il secondo gruppo è rappresentato da oggetti con scopi decorativi, qui è possibile un'interpretazione più libera dei mezzi espressivi, si tratta di pannelli, vasi decorativi, souvenir, ecc.

Statue decorative, arazzi, mosaici, pannelli occupano un posto speciale e possono essere sia un mezzo per decorare l'ambiente architettonico che opere indipendenti.

L'arte decorativa e applicata ha una connessione diretta con le esigenze quotidiane delle persone e con i propri mezzi di espressione. Nel corso della sua vita, l'umanità è impegnata in una varietà di attività: vita domestica, sport, creatività, una vasta gamma di funzioni sociali, lavorative, religiose, ecc. Esiste un numero enorme di articoli domestici diversi, cose che aiutano una persona a compiere azioni diverse. Molti di essi sono legati al campo dei DPI. Tali articoli sono realizzati con materiali diversi e possono essere utilizzate tecniche diverse. Considerando l'importante ruolo del principio costruttivo-tecnologico nelle arti decorative e applicate e il suo diretto collegamento con la produzione, le opere DPI sono classificate in base alle caratteristiche funzionali dell'uso degli oggetti DPI, all'appartenenza a diverse tipologie di materiali e alla tecnologia di fabbricazione .

Classificazione dei DPI in base alle caratteristiche funzionali d'uso.

Bigiotteria.

Gioielleria.

Gioielli realizzati con materiali naturali.

Illuminazione.

Articoli per la decorazione d'interni, ecc.

Tipi di DPI in base alla tecnologia di esecuzione.

Realizzazione di tappeti.

Tessitura.

Pittura artistica di uova.

Produzione di prodotti in vetro.

Ceramica.

Lavorazione artistica dei metalli.

Vytynanka.

Intreccio di vimini.

Floristica.

Pittura popolare.

Lavorazione artistica delle ossa, ecc.

Classificazione per materiali.
Tessuti artistici.

Tessuti artistici.

Ceramiche artistiche.

Vetro artistico.

Metallo artistico.

Lavorazione artistica del legno (intaglio, carpenteria, botti).

Lavorazione artistica della pelle.

Le tipologie di DPI verranno discusse più in dettaglio nei seguenti articoli.

Secondo il metodo di produzione degli oggetti dei moderni DPI esistono in due forme: industriale e artigianale.

La divisione sociale del lavoro nella fase manifatturiera e lo sviluppo dell'industria hanno portato al fatto che i benefici, la bellezza, lo scopo e il design dei prodotti fabbricati sono diventati prerogativa di diversi specialisti.

Nel corso del tempo è emersa un'industria artistica: la produzione meccanica di prodotti decorativi e applicati utilizzati per decorare edifici residenziali e pubblici e articoli per la casa. Al giorno d'oggi, oltre all'artigianato artistico, la produzione in serie delle opere DPI è fornita da imprese speciali dell'industria artistica.

I prodotti delle arti e dei mestieri professionali e popolari sono simili sotto molti aspetti, ma esistono anche delle differenze. L'artista popolare esegue principalmente il suo lavoro a mano. Il master può lavorare sia da solo che in squadra. L'artigianato non è prodotto in serie. Anche se gli artisti popolari realizzano una serie di prodotti in un laboratorio, ogni articolo è comunque individuale.

Le opere DPI create presso imprese dell'industria artistica o in laboratori sono solitamente prodotte in quantità di massa. La standardizzazione impone alcune restrizioni alla creatività degli artisti, rendendo cose e oggetti simili. Inoltre, gli specialisti devono tenere conto della domanda del prodotto, della qualità del materiali con cui verrà realizzato l'oggetto e la disponibilità dell'attrezzatura, la potenza richiesta, ecc. Ma gli artisti professionisti creano anche progetti originali che esistono in un'unica copia. Se uno specialista riceve un ordine individuale, allora è libero da restrizioni e può creare una cosa così unica come lo consentono il suo talento creativo e le esigenze del cliente.

L'unità organica della forma di un oggetto, che ne definisce chiaramente lo scopo, e i mezzi artistici e visivi che rendono bello l'oggetto, riflettono l'abilità professionale dell'autore.

Ci sono anche terza direzione nella creazione di prodotti DPI, può anche essere classificato come forma artigianale... Questo è un enorme esercito di ammiratori dell'attività creativa e dell'artigianato nella vita di tutti i giorni. Si tratta di persone che non hanno un'istruzione speciale, dilettanti, per i quali si tratta di un certo tipo di attività artistica amatoriale, una forma unica di svago e attualmente un'opportunità di reddito aggiuntivo.Lavoro a maglia, ricamo, falegnameria, creazione di fiori, goffratura, intaglio , ecc. sono attività “a casa” che introducono le persone alla creatività artistica, modellano il gusto e gli elevati bisogni artistici.

La creatività in casa ai nostri tempi ha ricevuto il nome "fatto a mano", dall'inglese "fatto a mano" - fatto a mano, e anche il processo di creazione di prodotti unici porta questo nome.

La moda per i prodotti fatti a mano è arrivata dall'Occidente nel 21° secolo. Al giorno d'oggi questa parola viene usata praticamente per designare tutto ciò che è creativo e originale, qualsiasi artigianato in cui viene investita una particella del calore dell'autore.

“Sii felice di usarmi”, inciso su un cucchiaino d'argento da un maestro della lontana epoca romana. Questo motto può ancora essere applicato a tutti i tipi di arte applicata: siano felici le persone per le quali beneficio e bellezza sono inseparabili.