Oggi in ogni museo puoi ascoltare meravigliose guide che ti racconteranno nel dettaglio la collezione e gli artisti in essa rappresentati. Allo stesso tempo, molti genitori sanno che è difficile per la maggior parte dei bambini trascorrere anche un'ora in un museo e le storie sulla storia della pittura li stancano abbastanza rapidamente. Per evitare che i bambini si annoino nel museo, offriamo un "cheat sheet" per i genitori: dieci storie divertenti sui dipinti della Galleria Tretyakov che interesseranno sia i bambini che gli adulti.
1. Ivan Kramskoj. "Sirene", 1871
Ivan Kramskoy è conosciuto principalmente come l'autore del dipinto “Sconosciuto” (spesso viene erroneamente chiamato “Lo Straniero”), così come una serie di bellissimi ritratti: Leo Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleev. Ma è meglio che i bambini inizino a conoscere il suo lavoro con il dipinto magico "Sirene", a cui è collegata una storia.
Nell'agosto del 1871, l'artista Ivan Kramskoy visitò la tenuta di campagna del suo amico, amante dell'arte e famoso filantropo Pavel Stroganov. Camminando la sera, ammirava la luna e ne ammirava la luce magica. Durante queste passeggiate, l'artista ha deciso di dipingere un paesaggio notturno e cercare di trasmettere tutto il fascino, tutta la magia di una notte illuminata dalla luna, per “catturare la luna” - secondo le sue stesse parole.
Kramskoy ha iniziato a lavorare sul dipinto. In una notte di luna apparve la riva del fiume, su di essa una collinetta e una casa circondata da pioppi. Il paesaggio era bellissimo, ma mancava qualcosa: la magia non era nata sulla tela. Il libro di Nikolai Gogol "Serate in una fattoria vicino a Dikanka" è venuto in aiuto dell'artista, o meglio una storia chiamata "La notte di maggio, o la donna annegata" - favolosa e un po 'inquietante. E poi nella foto sono apparse le ragazze sirene, illuminate dalla luce della luna.
L'artista ha lavorato così attentamente sul dipinto che ha iniziato a sognarlo e desiderava costantemente completare qualcosa in esso. Un anno dopo essere stato acquistato dal fondatore della Galleria Tretyakov, Pavel Tretyakov, Kramskoy ha voluto ancora una volta cambiarvi qualcosa e ha apportato piccole modifiche proprio nella sala espositiva.
La tela di Kramskoy divenne il primo dipinto “fiabesco” nella storia della pittura russa.
2. Vasily Vereshchagin. "Apoteosi della guerra", 1871
È successo così che le persone hanno sempre combattuto. Da tempo immemorabile, leader coraggiosi e potenti governanti equipaggiarono i loro eserciti e li mandarono in guerra. Naturalmente, volevano che i discendenti lontani venissero a conoscenza delle loro imprese militari, quindi i poeti scrivevano poesie e canzoni e gli artisti creavano bellissimi dipinti e sculture. In questi dipinti, la guerra di solito sembrava una vacanza: colori vivaci, guerrieri impavidi che andavano in battaglia...
L'artista Vasily Vereshchagin conosceva in prima persona la guerra - ha preso parte alle battaglie più di una volta - e ha dipinto molti dipinti in cui raffigurava ciò che vedeva con i propri occhi: non solo soldati coraggiosi e i loro comandanti, ma anche sangue, dolore e sofferenza .
Un giorno ha pensato a come mostrare tutti gli orrori della guerra in un'unica immagine, a come far capire agli spettatori che la guerra è sempre dolore e morte, a come lasciare che gli altri ne guardino i dettagli disgustosi? Si rese conto che non era sufficiente dipingere l'immagine di un campo di battaglia punteggiato di soldati morti: tele del genere esistevano già prima. Vereshchagin ha inventato un simbolo di guerra, un'immagine, solo guardandola, tutti possono immaginare quanto sia terribile ogni guerra. Dipinse un deserto bruciato, al centro del quale si erge una piramide di teschi umani. Intorno ci sono solo alberi secchi e senza vita e solo i corvi volano verso la loro festa. In lontananza si vede una città fatiscente e lo spettatore può facilmente intuire che anche lì non c'è più vita.
3. Alexey Savrasov. “Sono arrivati i corvi”, 1871
Tutti conoscono il dipinto "The Rooks Have Arrived" fin dall'infanzia, e probabilmente tutti ci hanno scritto saggi scolastici. E oggi gli insegnanti racconteranno sicuramente ai bambini dei paesaggi lirici di Savrasov e che già nel nome stesso di questa immagine si può sentire un gioioso presagio del mattino dell'anno e tutto in esso è pieno di un significato profondo vicino al cuore. Nel frattempo, pochi sanno che il famoso "Rooks...", così come tutte le altre opere di Savrasov, potrebbero non essere esistiti affatto.
Alexey Savrasov era il figlio di un piccolo merciaio di Mosca. Il desiderio del ragazzo di dedicarsi alla pittura non ha suscitato gioia nel genitore, ma Kondrat Savrasov ha comunque mandato suo figlio alla Scuola di pittura e scultura di Mosca. Sia gli insegnanti che i compagni di classe hanno riconosciuto il talento del giovane artista e gli hanno predetto un grande futuro. Ma si è scoperto che, senza nemmeno studiare per un anno, Alexey, apparentemente a causa della malattia di sua madre, è stato costretto a smettere di studiare. Il suo insegnante Karl Rabus ha chiesto aiuto al capo della polizia di Mosca, il maggiore generale Ivan Luzhin, che ha aiutato il giovane talentuoso a ricevere un'educazione artistica.
Se Luzhin non avesse preso parte al destino del giovane artista, uno dei dipinti più famosi della storia della pittura russa non sarebbe mai nato.
4. Vasily Polenov. "Cortile di Mosca", 1878
A volte, per dipingere un bel quadro, un artista viaggia molto, cerca a lungo e meticolosamente le viste più belle e alla fine trova il luogo prezioso e torna lì di volta in volta con un quaderno da disegno. E succede anche che per creare un'opera meravigliosa, deve solo andare alla sua finestra, guardare un cortile di Mosca del tutto normale - e accade un miracolo, appare un paesaggio straordinario, pieno di luce e aria.
Questo è esattamente il miracolo accaduto all'artista Vasily Polenov, che guardò fuori dalla finestra del suo appartamento all'inizio dell'estate del 1878 e dipinse abbastanza rapidamente ciò che vide. Le nuvole scivolano leggere nel cielo, il sole sorge sempre più in alto, scaldando la terra con il suo calore, illuminando le cupole delle chiese, accorciando le ombre fitte... Sembrerebbe un quadro semplice, che l'artista stesso non ha scattato sul serio all'inizio: l'ha scritto e quasi se ne è dimenticato. Ma poi è stato invitato a prendere parte alla mostra. Non aveva nulla di significativo e Polenov decise di esporre il "Cortile di Mosca".
Stranamente, è stata questa "immagine insignificante" a portare fama e gloria a Vasily Polenov - sia il pubblico che la critica l'hanno adorato: ha calore e colori vivaci, e i suoi personaggi possono essere guardati all'infinito, inventando una storia su ciascuno di loro .
5. Ivan Shishkin. "Mattino in una pineta", 1889
“Mattina in una pineta” di Ivan Shishkin è probabilmente il dipinto più famoso della collezione della Galleria Tretyakov. Nel nostro Paese lo sanno tutti, grazie alle riproduzioni nei libri di testo scolastici, o magari grazie ai cioccolatini “Bear-toed Bear”.
Ma non tutti sanno che Shishkin stesso ha dipinto solo una foresta mattutina in una foschia nebbiosa e non ha nulla a che fare con gli orsi. Questo dipinto è il frutto della creatività congiunta di Shishkin e del suo amico, l'artista Konstantin Savitsky.
Ivan Shishkin era un maestro insuperabile nel rappresentare ogni sorta di sottigliezze botaniche: il critico Alexander Benois lo rimproverò per la sua passione per l'accuratezza fotografica, definendo i suoi dipinti senza vita e freddi. Ma l'artista non era amico della zoologia. Dicono che questo sia il motivo per cui Shishkin si è rivolto a Savitsky chiedendogli di aiutarlo con gli orsi. Savitsky non ha rifiutato il suo amico, ma non ha preso sul serio il suo lavoro e non ha firmato.
Successivamente, Pavel Tretyakov acquistò questo dipinto da Shishkin e l'artista invitò Savitsky a lasciare una firma sul dipinto - dopotutto, ci lavorarono insieme. Savitsky lo fece, ma a Tretyakov non piacque. Dichiarando di aver acquistato il dipinto da Shishkin, ma di non voler sapere nulla di Savitsky, ha chiesto un solvente e ha rimosso la firma "extra" con le proprie mani. E così è successo che oggi la Galleria Tretyakov indica la paternità di un solo artista.
6. Viktor Vasnetsov. "Bogatiri", 1898
Viktor Vasnetsov è considerato l'artista più "favoloso" nella storia della pittura russa: è stato il suo pennello a produrre opere famose come "Alyonushka", "Il cavaliere al bivio", "Salto eroico" e molte altre. Ma il suo dipinto più famoso è "Bogatyrs", che raffigura i personaggi principali dell'epica russa.
L'artista stesso ha descritto l'immagine come segue: "Gli eroi Dobrynya, Ilya e Alyosha Popovich sono in un'uscita eroica - stanno notando sul campo se c'è un nemico da qualche parte, stanno offendendo qualcuno?"
Al centro, su un cavallo nero, Ilya Muromets guarda in lontananza da sotto il palmo, l'eroe ha una lancia in una mano e una mazza damascata nell'altra. A sinistra, su un cavallo bianco, Dobrynya Nikitich estrae la spada dal fodero. A destra, su un cavallo rosso, Alyosha Popovich tiene in mano un arco e delle frecce. C'è una storia curiosa legata agli eroi di questa immagine, o meglio ai loro prototipi.
Viktor Vasnetsov ha pensato a lungo a come dovrebbe apparire Ilya Muromets e per molto tempo non è riuscito a trovare il volto "giusto": coraggioso, onesto, che esprima forza e gentilezza. Ma un giorno, del tutto per caso, incontrò il contadino Ivan Petrov, che venne a Mosca per guadagnare soldi. L'artista è rimasto stupito: in una strada di Mosca ha visto il vero Ilya Muromets. Il contadino accettò di posare per Vasnetsov e... rimase per secoli.
Nei poemi epici, Dobrynya Nikitich è piuttosto giovane, ma per qualche motivo il dipinto di Vasnetsov raffigura un uomo di mezza età. Perché l'artista ha deciso di agire così liberamente con i racconti popolari? La soluzione è semplice: Vasnetsov si è ritratto nell’immagine di Dobrynya, basta confrontare l’immagine con i ritratti e le fotografie dell’artista.
7. Valentin Serov. “Ragazza con le pesche. Ritratto di V. S. Mamontova”, 1887
“La ragazza con le pesche” è uno dei ritratti più famosi nella storia della pittura russa, dipinto dall'artista Valentin Serov.
La ragazza nel ritratto è Verochka, la figlia del filantropo Savva Mamontov, la cui casa l'artista visitava spesso. È interessante notare che le pesche sul tavolo non sono state portate da regioni calde, ma sono cresciute non lontano da Mosca, proprio nella tenuta di Abramtsevo, cosa del tutto insolita nel XIX secolo. Mamontov aveva un mago giardiniere che lavorava per lui: nelle sue abili mani gli alberi da frutto fiorivano anche a febbraio e il raccolto veniva raccolto già all'inizio dell'estate.
Grazie al ritratto di Serov, Vera Mamontova è passata alla storia, ma l'artista stesso ha ricordato quanto sia stato difficile convincere una ragazza di 12 anni, che aveva un carattere insolitamente irrequieto, a posare. Serov ha lavorato al dipinto per quasi un mese e ogni giorno Vera sedeva tranquillamente nella sala da pranzo per diverse ore.
Il lavoro non è stato vano: quando l'artista ha presentato il ritratto alla mostra, il dipinto è piaciuto molto al pubblico. E oggi, più di cento anni dopo, "La ragazza con le pesche" delizia i visitatori della Galleria Tretyakov.
8. Ilya Repin. "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan, 16 novembre 1581", 1883–1885.
Guardando questo o quel dipinto, ti chiedi spesso quale sia stata la fonte di ispirazione dell'artista, cosa lo ha spinto a dipingere proprio un'opera del genere? Nel caso del dipinto di Ilya Repin “Ivan il Terribile e suo figlio Ivan il 16 novembre 1581”, non è affatto facile indovinare le vere ragioni.
Il dipinto raffigura un episodio leggendario della vita di Ivan il Terribile, quando in un impeto di rabbia inferse un colpo fatale a suo figlio, lo zarevich Ivan. Tuttavia, molti storici ritengono che in realtà non ci sia stato alcun omicidio e che il principe sia morto di malattia, e per niente per mano di suo padre. Sembrerebbe che cosa potrebbe costringere un artista a rivolgersi a un episodio così storico?
Come ha ricordato l'artista stesso, l'idea di dipingere il dipinto “Ivan il Terribile e suo figlio Ivan” gli è venuta dopo... un concerto in cui ha ascoltato la musica del compositore Rimsky-Korsakov. Era la suite sinfonica "Antar". I suoni della musica hanno catturato l'artista e ha voluto incarnare nella pittura l'atmosfera che si è creata in lui sotto l'influenza di questo lavoro.
Ma la musica non era l’unica fonte di ispirazione. Viaggiando in giro per l'Europa nel 1883, Repin partecipò a una corrida. La vista di questo spettacolo sanguinoso colpì l'artista, il quale scrisse che, “essendo stato infettato... da questa sanguinosa, appena arrivato a casa, iniziò immediatamente la scena sanguinosa “Ivan il Terribile con suo figlio”. E la foto del sangue è stata un grande successo."
9. Michail Vrubel. "Demone seduto", 1890
Come a volte il titolo di un dipinto significa molto. Cosa vede lo spettatore quando guarda per la prima volta il dipinto di Mikhail Vrubel “Il demone seduto”? Un giovane muscoloso si siede su una roccia e guarda tristemente il tramonto. Ma non appena pronunciamo la parola “demone”, appare immediatamente l'immagine di una creatura magica e malvagia. Nel frattempo, il demone di Mikhail Vrubel non è affatto uno spirito maligno. L'artista stesso ha ripetutamente affermato che il demone è uno spirito "non tanto malvagio quanto sofferente e addolorato, ma allo stesso tempo uno spirito potente, ... maestoso".
Questo dipinto è interessante per la sua tecnica pittorica. L'artista applica la vernice sulla tela non con un pennello convenzionale, ma con una sottile lastra d'acciaio: una spatola. Questa tecnica ti consente di combinare le tecniche di un pittore e di uno scultore, letteralmente “scolpire” un'immagine usando i colori. È così che si ottiene l'effetto "mosaico": sembra che il cielo, le rocce e persino il corpo stesso dell'eroe non siano dipinti con vernice, ma siano disposti con pietre accuratamente lucidate, forse anche preziose.
10. Alexander Ivanov. "L'apparizione di Cristo al popolo (L'apparizione del Messia)", 1837–1857.
Il dipinto di Alexander Ivanov “L’apparizione di Cristo al popolo” è un evento unico nella storia della pittura russa. Non è facile parlarne con i bambini, soprattutto quelli di 6-7 anni, ma dovrebbero assolutamente vedere questa tela monumentale, su cui l’artista ha lavorato per più di 20 anni e che è diventata l’opera della sua vita.
La trama dell'immagine è basata sul terzo capitolo del Vangelo di Matteo: Giovanni Battista, battezzando il popolo ebraico sulle rive del Giordano nel nome dell'atteso Salvatore, vede all'improvviso venire Lui, nel cui nome battezza le persone . Successivamente i bambini apprenderanno le caratteristiche compositive del dipinto, i suoi simboli e il linguaggio artistico. Durante la prima conoscenza, vale la pena parlare di come un dipinto è diventato l'opera della vita dell'artista.
Dopo aver terminato gli studi presso l'Accademia delle arti di San Pietroburgo, Alexander Ivanov è stato inviato “per uno stage” in Italia. “L’apparizione di Cristo al popolo” avrebbe dovuto essere un’opera di registrazione. Ma l'artista prende molto sul serio il suo lavoro: studia attentamente le Sacre Scritture, la storia, passa mesi alla ricerca del paesaggio desiderato, passa un tempo infinito alla ricerca di un'immagine per ogni personaggio nella foto. I soldi che gli sono stati assegnati per il lavoro stanno finendo, Ivanov conduce un'esistenza miserabile. Il minuzioso lavoro sul dipinto ha portato a danneggiare la vista dell'artista e a doverlo sottoporre a cure a lungo termine.
Quando Ivanov completò la sua opera, il pubblico italiano accettò con entusiasmo il dipinto; questo fu uno dei primi casi di riconoscimento europeo di un artista russo. In Russia, non fu immediatamente apprezzato: solo dopo la morte dell'artista gli arrivò la vera fama.
Mentre lavorava al dipinto, Ivanov creò più di 600 schizzi. Nella sala dove è esposto se ne possono vedere alcuni. È interessante utilizzare questi esempi per tracciare il modo in cui l'artista ha lavorato sulla composizione, sul paesaggio e sulle immagini dei personaggi nel dipinto.
Selezione dei record
Bill Stoneham "Le mani gli resistono"
1972
Quest'opera, ovviamente, non può essere classificata tra i capolavori della pittura mondiale, ma il fatto che sia strana è un dato di fatto.
Ci sono leggende che circondano il dipinto con un ragazzo, una bambola e le sue mani premute contro il vetro. Da “le persone stanno morendo a causa di questa immagine” a “i bambini in essa sono vivi”. L'immagine sembra davvero inquietante, il che suscita molte paure e speculazioni tra le persone con una psiche debole.
L'artista ha insistito sul fatto che il dipinto raffigurava se stesso all'età di cinque anni, che la porta rappresentava la linea di demarcazione tra il mondo reale e il mondo dei sogni e che la bambola era una guida che poteva guidare il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano vite o possibilità alternative.
Il dipinto ha guadagnato notorietà nel febbraio 2000 quando è stato messo in vendita su eBay con un retroscena che diceva che il dipinto era "infestato". "Hands Resist Him" è stato acquistato per $ 1.025 da Kim Smith, che è stato poi semplicemente inondato di lettere con storie inquietanti e richieste di bruciare il dipinto.
Il 3 dicembre 1961 ebbe luogo un evento significativo al Museum of Modern Art di New York: il dipinto di Matisse "La Barca", rimasto appeso a testa in giù per 46 giorni, fu riaperto correttamente. Vale la pena dire che questo non è un episodio divertente isolato associato ai dipinti di grandi artisti.
Pablo Picasso ha dipinto uno dei suoi famosi ritratti in meno di 5 minuti
Una volta, uno dei conoscenti di Pablo Picasso, guardando le sue nuove opere, disse sinceramente all'artista: “Mi dispiace, ma non riesco a capirlo. Queste cose semplicemente non esistono”. Al che Picasso replicò: “Non capisci nemmeno il cinese. Ma esiste ancora." Tuttavia, molti non capirono Picasso. Una volta invitò lo scrittore russo Ehrenburg, suo buon amico, a dipingere il suo ritratto. Accettò felicemente, ma prima che potesse sedersi su una sedia per posare, l'artista annunciò che tutto era pronto.Ehrenburg espresse sorpresa per la velocità di esecuzione dell'opera, perché non erano passati nemmeno 5 minuti, a cui Picasso rispose: “Ti conosco da 40 anni. E in tutti questi 40 anni ho imparato a dipingere ritratti in 5 minuti.
Ilya Repin ha aiutato a vendere un dipinto che non ha dipinto
Una signora ha acquistato al mercato per soli 10 rubli un dipinto del tutto mediocre, sul quale sfoggiava con orgoglio la firma "I. Repin". Quando l'intenditore d'arte ha mostrato quest'opera a Ilya Efimovich, ha riso e ha aggiunto "Questo non è Repin" e ha firmato il suo autografo. Dopo qualche tempo, una signora intraprendente vendette un dipinto di un artista sconosciuto con l'autografo del grande maestro per 100 rubli.Gli orsi nel famoso dipinto di Shishkin sono stati dipinti da un altro artista
Esiste una legge non detta tra gli artisti: l'assistenza reciproca professionale. Dopotutto, ognuno di loro non ha solo storie e punti di forza preferiti, ma anche punti deboli, quindi perché non aiutarsi a vicenda. Pertanto, è noto per certo che per il dipinto “Pushkin in riva al mare” di Aivazovsky, la figura del grande poeta è stata disegnata da Repin, e per il dipinto di Levitan “Giorno d'autunno”. Sokolniki" la signora in nero è stata dipinta da Nikolai Cechov. Il paesaggista Shishkin, che poteva disegnare ogni filo d'erba e ago nei suoi dipinti, non poteva creare orsi durante la creazione del dipinto "Mattina in una foresta di pini". Ecco perché Savitsky ha dipinto gli orsi per il famoso dipinto di Shishkin.Un pezzo di fibra di legno, su cui veniva semplicemente versata la vernice, divenne uno dei dipinti più costosi
Il dipinto più costoso del mondo nel 2006 è stato il Numero 5 di Jackson Pollock, 1948. Ad un'asta il dipinto è stato venduto per 140 milioni di dollari. Può sembrare divertente, ma l'artista non si è davvero "preoccupato" della creazione di questo dipinto: ha semplicemente versato la vernice su un pezzo di fibra di legno steso sul pavimento.Rubens ha crittografato la data di creazione del suo dipinto utilizzando le stelle.
Per molto tempo, storici dell'arte e scienziati non sono riusciti a stabilire la data di creazione di uno dei dipinti più famosi di Rubens: il dipinto "La festa degli dei sull'Olimpo". Il mistero è stato risolto solo dopo che gli astronomi hanno osservato più da vicino l'immagine. Si è scoperto che i personaggi nell'immagine si trovavano esattamente nello stesso ordine in cui si trovavano i pianeti nel cielo nel 1602.Il logo Chupa Chups è stato disegnato dal surrealista di fama mondiale
Nel 1961, Enrique Bernata, proprietario dell'azienda Chupa Chups, chiese all'artista Salvador Dalì di inventare un'immagine per una confezione di caramelle. Dalì ha soddisfatto la richiesta. Oggi questa immagine, anche se in forma leggermente modificata, è riconoscibile sui lecca-lecca dell'azienda.Vale la pena notare che nel 1967 in Italia, con la benedizione del Papa, fu pubblicata una versione unica della Bibbia con illustrazioni di Salvador Dalì.
Il dipinto più costoso La farina porta sfortuna
"L'Urlo" di Munch è stato venduto all'asta per 120 milioni di dollari ed è oggi il dipinto più costoso dell'artista. Dicono che Munch, il cui percorso di vita è stato una serie di tragedie, ci abbia messo così tanto dolore che l'immagine ha assorbito energia negativa e si vendica dei delinquenti.Uno dei dipendenti del Museo Munch una volta lasciò cadere accidentalmente un dipinto, dopo di che iniziò a soffrire di terribili mal di testa, che portarono quest'uomo al suicidio. Un altro impiegato del museo, che non riusciva a trattenere il dipinto, pochi minuti dopo rimase coinvolto in un terribile incidente stradale. E un visitatore del museo che si permise di toccare il dipinto, dopo qualche tempo, bruciò vivo in un incendio. Tuttavia, è possibile che si tratti solo di coincidenze.
Il "Quadrato Nero" di Malevich ha un "fratello maggiore"
“Quadrato nero”, forse il dipinto più famoso di Kazimir Malevich, è una tela di 79,5 * 79,5 centimetri, su cui è raffigurato un quadrato nero su sfondo bianco. Malevich dipinse il suo dipinto nel 1915. E nel 1893, 20 anni prima di Malevich, Alphonse Allais, uno scrittore umorista francese, dipinse il suo “quadrato nero”. È vero, il dipinto di Allais si chiamava “Battaglia di negri in una grotta profonda in una notte buia”.Ultima cena. Leonardo Da Vinci.
Una volta per strada l'artista ha visto un ubriaco che cercava senza successo di uscire da un pozzo nero. Da Vinci lo portò in uno dei locali per bere, lo fece sedere e cominciò a disegnare. Immaginate la sorpresa dell'artista quando, dopo aver aperto i suoi pensieri, l'ubriacone ammise di aver già posato per lui diversi anni fa. Si è scoperto che questo era lo stesso cantante.
Tela, olio. 144x162 cm
Per la prima volta ho visto la foto... Più precisamente, ovviamente, dovrei dire questo: ho saputo dell'esistenza di questa foto dal film "Mr. Bean" con la partecipazione di Rowan Atkinson. Stiamo parlando nello specifico di un lungometraggio prodotto nel 1997, e non di una serie televisiva omonima composta da 14 episodi (dal 1990 al 1995). Quindi, secondo la trama del film, un uomo ricco ha acquistato un dipinto di James Whistler da un museo francese in Francia e lo ha donato a una galleria d'arte di Los Angeles. Il custode della Royal British Gallery, Mr. Bean, ha rovinato accidentalmente ma disperatamente la testa della madre dell'artista. Centinaia di milioni di persone in tutto il mondo ridevano e ridono ancora delle circostanze di questo orrore. E in generale, non ero meno preoccupato dello stesso sfortunato Mr. Bean.
René Magritte "Il Castello dei Pirenei"
La foto non si chiama Castle in the Air! E perché dovrebbe chiamarsi così, perché i castelli in aria sono qualcosa di effimero, di impossibile da realizzare, proveniente dal regno delle chimere e delle vane speranze. E davanti a noi c'è l'incarnazione di un'enorme pesantezza, imponenza, un castello di asteroidi di pietra. Pertanto, solo un surrealista potrebbe appenderlo al mare e rimuoverne tutta la massa. Dopotutto, il surrealismo è sopra, sotto, sopra, di lato... ovunque, ma non nella realtà stessa! Ebbene, anche se lo stesso Magritte diceva che il surrealismo è la realtà liberata dal significato banale. Posso giocare con le parole e posso dire un sacco di cose... semplicemente non so disegnare. E René Magritte nel 1959 decise di appendere la terra al nulla e dipinse la sua Le Château des Pyrénées - Castello nei Pirenei.È molto probabile che un altro artista, James Cameron, tra 50 anni, restituirà significato all'esistenza di abitazioni in pietra senza peso
Vasily Ivanovich Surikov “Boyaryna Morozova”. Tela, olio. 304 per 587,5 (1887)
"Boyaryna Morozova" - uno dei famosi dipinti storici di Surikov. In molti modi mi ricorda il dipinto “”, dipinto 6 anni prima di “Boyaryna Morozova”, anche se l’idea di dipingere la nobildonna venne a Surikov proprio nel 1881, l’anno in cui scrisse “La mattina dell’esecuzione di Streltsy”. Non parlerò di tecnica esecutiva, parlerò della trama. Sia qua che là è raffigurato il tribunale delle visioni del mondo. Nel 1881 Surikov descrive la distruzione della classe Streltsy e nel 1887 il massacro dei vecchi credenti. Sia qui che qui ci sono testimoni del processo: persone, città, edifici. In “La mattina dell’esecuzione di Streltsy” la cattedrale di San Basilio incombe sullo Streltsy, in “Boyaryna Morozova” il monastero di Chudov riceve il segno di due dita da una donna scismatica. Sia qui che lì ci sono due verità: la verità degli arcieri e la verità riformista di Pietro I; la verità del patriarca Nikon, il riformatore della chiesa e la verità degli scismatici. Loro, queste diverse verità russe, si sono scontrate tra loro non per la vita, ma per la morte. Si scontrarono allora in modo che oggi conosciamo solo una verità: Pietro I era un grande zar russo, un imperatore riformatore, e i vecchi credenti, di cui oggi conta solo circa un milione di persone, non sono altro che un esotismo dell'Ortodossia.
Tela, olio. 199,5 x 254 cm
Un altro titolo del dipinto è “ Ivan il Terribile uccide suo figlio" Se guardi il dipinto di Ilya Repin ad occhio “nudo”, puoi vedere una grande tragedia. Tra le braccia di suo padre, il suo amato figlio muore per una ferita mortale. Gli occhi del re sono pieni di dolore e disperazione, paura e dolore per la sua amata. Il padre sembrava afferrare, come se avesse strappato la testa del principe da sotto i colpi, stava cercando di salvare suo figlio da un male sconosciuto che stava invadendo la sua vita. Cosa c'entra l'omicidio? Cosa significa il titolo del dipinto "Ivan il Terribile uccide suo figlio"? È così che uccidono?! Davvero il re colpì suo figlio con rabbia, tanto da farlo morire sul colpo?
Olio su tela, 1533, 207 x 209 cm
Ancora una volta sono convinto che il tempo dell'artista, le persone intorno a lui, i movimenti politici e religiosi nella società, tutto ciò influenza direttamente il suo lavoro e si riflette nelle sue opere. L'idea sembra ovvia, ma molti artisti affermano che a loro non interessano le cose esterne, la cosa principale per loro è creare. È stato scritto di più su questo argomento e l’argomento ha suscitato notevoli discussioni.
COSÌ, Hans Holbein il Giovane(1497 – 1543), artista tedesco e il suo dipinto "Ambasciatori".
Nel 1529, il re inglese Enrico VIII chiese al Papa di annullare il suo matrimonio per poter sposare un'altra, Anna Bolena. Il papa rifiutò, poi il re interruppe i rapporti con il Vaticano e nel 1534 divenne lui stesso il capo della Chiesa inglese. Iniziò così lo scisma della chiesa in Inghilterra, o altrimenti la Riforma.
Olio, tempera, pastello, cartoncino, 91 x 73,5 cm
Dipinto "Urlo" il dipinto più famoso di un artista norvegese Edvard Munch(1863 – 1944), uno dei dipinti più espressivi dell'espressionismo. I moderni editori di letteratura di massa potrebbero tranquillamente inserire un’immagine del genere in una selezione con un titolo come “Le dieci immagini più terrificanti della storia”.
L'opera è stata realizzata dall'artista in almeno cinque versioni (due versioni - pittura a olio, due versioni - pastello, una versione - litografia) ed è un esempio da manuale della comprensibilità della pittura per una vasta gamma di spettatori. La pittura di un complesso groviglio emotivo, la pittura non di forme e colori esterni, ma di un'esplosione interna trasmessa da un pennello e dai colori, è percepita in modo chiaro e inequivocabile dalle persone. Cosa vuoi dire Edvard Munch? Secondo me ha detto esattamente quello che voleva! E tutti hanno sentito: tanti riferimenti alla cultura popolare, scalpore tra i collezionisti, richiami a “L'Urlo” di altri artisti, tante interpretazioni di critici d'arte, psichiatri, sociologi, solo tanti soldi alle aste e, come giustamente notato, il denaro viene pagato non tanto per il nome del pittore, quanto per l'opera stessa. E questo è tutto un lato della questione...
Incisione a scalpello su rame, 23,9×18,8 cm
L'immagine viene ingrandita
«Rimani sveglio, altrimenti cadrai nella pigrizia e nell'oblio... Ricordati che devi compiere la missione che la Provvidenza ti ha assegnato. Quando arriverà il momento, ti aprirà gli occhi e ti guiderà lungo la retta via. Sii sempre preparato a questo... Ascolta attentamente e sentirai quando suonerà la chiamata!..”
Antichi astrologi su Saturno
Una donna alata siede pensierosa, circondata da oggetti: strumenti di misurazione, di falegnameria. C'è una palla lì vicino (forse è di legno, piallata di recente). L'abbondanza di dettagli non distoglie l'attenzione dalla figura alata. Si distingue nel disegno generale, come se fosse fuori (o sopra?) il mondo circostante. Gli eventi e la vita passano senza la sua partecipazione. La clessidra sul muro esalta questa sensazione. E tutto questo si chiama malinconia, come risulta chiaramente dall'iscrizione portata da un pipistrello (così la chiamano i critici d'arte, anche se difficilmente riconosco un pipistrello in questa creatura dalla coda).
Quanti simboli, allegorie, che composizione pensata nei minimi dettagli! Per le persone che vivevano a quei tempi (1514), tali allegorie erano più o meno comprensibili. Cosa significa per noi questa incisione? Se non entri nell’interpretazione, avendo davanti agli occhi solo un’immagine e un nome?
Carta colorata, olio, 1510, 28 × 22,5 cm
L'immagine viene ingrandita
Molte centinaia di generazioni di persone hanno vissuto in un'epoca della quale abbiamo le idee più vaghe. Chissà in cosa differisce la vita di un abitante della città all'inizio del XIV secolo dal suo soggiorno alla fine di quel secolo? Del resto ci è difficile distinguere tra la vita e i costumi dell'inizio e della fine di un periodo di mille anni! Per noi interi secoli si confondono in un tempo, oscuro e selvaggio. Medioevo.
Questo nome fu dato al periodo storico dai pensatori del Rinascimento, designando il periodo che va dalla caduta dell'antica Roma al loro tempo, che naturalmente chiamarono Nuovo. Con altrettanta naturalezza tutta la cultura del primo Rinascimento fonde in sé la vita e l'eredità dell'immediato passato.
Olio su tela, 1825-1827 76x68 cm
L'immagine viene ingrandita.
Nella seconda metà del XIX secolo sorse un nuovo movimento: impressionismo. La cosa principale era in esso: trasferire un sentimento momentaneo, un momento, senza approfondire la filosofia e il ragionamento. I dipinti impressionisti sono solitamente allegri (o piacevolmente nostalgicamente tristi). Sono leggeri e naturali.
Nel 1808 Napoleone entrò in Spagna e nelle città iniziarono lunghe e sanguinose battaglie. Il popolo spagnolo resistette ferocemente all'invasore. "L'errore numero uno è andare in Spagna", scrisse Napoleone sull'isola di Sant'Elena (penso che sia chiaro quale sarà il secondo errore). Le conseguenze della guerra più tardi, dopo la cacciata dei francesi, verranno descritte da Francisco Goya
L'immagine viene ingrandita. Si può vedere che l'immagine è incrinata e deformata; Inizialmente, questa tela è di colore nero uniforme.
Guarda l'immagine Kazimir Malevich "Piazza suprematista nera"è possibile solo nell'ambito della direzione pittorica creata da Malevich chiamata Suprematismo. L'unico modo. Altrimenti, la conversazione su questo lavoro non andrà oltre il banale "il re non ha vestiti" o "un bambino dell'asilo non può disegnare di peggio". Inoltre, non discuterò del valore monetario del dipinto, unito alla cospirazione globale degli esperti d’arte (occidentali, ovviamente) contro la sanità mentale della popolazione lavoratrice del pianeta.
Non è un segreto che personaggi famosi più spesso di altri si trovino in situazioni di vita straordinarie e storie diverse che, grazie a testimoni oculari, rimangono impresse nelle loro biografie per secoli. Di norma, queste storie sono aneddoticamente divertenti, a volte divertenti e poco piacevoli, e anche istruttive, che sono diventate parabole. Oggi parleremo di fatti interessanti della vita di famosi artisti classici russi ed europei.
L'autografo dell'artista costa dieci volte più del dipinto stesso
Ilya Efimovich Repin. Un giorno una certa signora acquistò un dipinto con la firma “I. Repin”, pagandolo 100 rubli. Dopo un po’ venne nello studio del pittore e mostrò all’artista il suo acquisto. Repin, ridendo dello sfortunato cliente, scrisse in fondo alla tela: "Questo non è Repin". Successivamente la signora ha rivenduto il dipinto, ma per mille rubli. La pittura è immortale
Pablo Picasso. Un medico abbastanza famoso alla mostra si avvicinò a Picasso e disse, cosa importante: "Conosco abbastanza bene la struttura anatomica del corpo umano". Quindi posso dire che le persone nelle tue tele evocano un certo rammarico e smarrimento. “È del tutto possibile”, ribatté Picasso. - Ma posso assicurarti che vivranno molto più a lungo dei tuoi pazienti. L'individualismo dei bambini
Autoritratti. Pablo Picasso a 15 e 90 anni. Una volta, dopo aver visitato una mostra di disegni di bambini, Pablo Picasso disse pensieroso: "Quando avevo la loro età, potevo scrivere come Raffaello, ma mi ci è voluta tutta la vita per imparare a disegnare come loro". 
Ritratto della madre dell'artista (1896), dipinto dal quindicenne Picasso. Assegno costoso
Salvador Dalì. Salvador Dalì aveva un trucco molto intelligente per i proprietari di ristoranti. Visitando per la prima volta un locale di intrattenimento, ha riunito un folto gruppo di amici e conoscenti e ha trascorso l'intera serata offrendo a tutti tutti i piatti e le bevande del menu. Quando arrivò il momento di pagare i conti, l'artista scrisse con aria di sfida un assegno per una somma enorme, quindi... girò l'assegno e sul retro scrisse alcune parole affettuose in segno di gratitudine al proprietario del locale e firmò il suo autografo. Il calcolo del maestro era semplice e affidabile: approfittando della sua fama di genio vivente, Dalì era sicuro che il proprietario del ristorante non avrebbe mai osato incassare un assegno con la firma originale dello stesso Dalì! Di solito accadeva così: i ristoratori capivano che col tempo avrebbero potuto guadagnare con questo assegno molti più soldi del semplice importo del conto, ma il padrone risparmiava molti soldi. Chi è impazzito?
Salvador Dalì. Una volta, in una conversazione con i suoi amici, Salvador Dalì disse che tutti i disastri che accadono in natura non lo sorprendono più. Quindi l'interlocutore ha iniziato a fornire con entusiasmo un esempio di una possibile situazione: "Va bene, così sia, ma cosa succederebbe se a mezzanotte una luce apparisse all'improvviso all'orizzonte, preannunciando l'alba del mattino?" Alzi lo sguardo e vedi il sole che sorge. Non ti sorprenderebbe davvero? Non penseresti di essere pazzo? “Al contrario”, disse Dalì senza esitazione, “avrei pensato che questo sole fosse impazzito”. Unioni creative
Isaac Levitan./“Giorno d'autunno. Sokolniki". (1879)./ Nikolai Cechov. Come sapete, l'artista Isaac Levitan si è “specializzato” solo nella pittura di paesaggi, ma la sua eredità include una tela raffigurante una figura femminile che cammina nel parco. “Giorno d'autunno. Sokolniki” è il nome di questo dipinto, dipinto da lui durante i suoi anni da studente. L'artista non si è mai impegnato a disegnare persone, e in tutta onestà va notato che l'unica immagine di una donna è stata dipinta non dall'artista stesso, ma dal suo amico della scuola d'arte, fratello del famoso scrittore Nikolai Chekhov. 
Ivan Aivazovsky./ “Pushkin in riva al mare.”/ Ilya Repin. A proposito, questa non è stata l'unica collaborazione creativa nella storia dell'arte. Perché “per amicizia” non aiutare un amico-artista che non se la passa bene? Non molti sanno che la figura di Pushkin nel dipinto di Aivazovsky “Pushkin in riva al mare” è stata dipinta da Ilya Repin. 
K. A. Savitsky e I. I. Shishkin. Primi anni 1880 Foto. / "Mattina in una pineta". E i famosi orsi nel dipinto di Shishkin "Morning in a Pine Forest" sono stati dipinti dall'artista Savitsky. Ebbene, il brillante maestro del paesaggio non è riuscito a riprodurre correttamente questi divertenti animali. Ma il compenso di quattromila rubli derivante dalla vendita di questo dipinto fu diviso fraternamente, e inizialmente c'erano due autografi sulla tela. Tutto è giusto... Tuttavia, il proprietario del dipinto, Pavel Tretyakov, ha deciso di lasciare la paternità a Shishkinin e ha cancellato personalmente la firma di Savitsky. La lettera "B" attribuita al cognome dell'artista dallo stesso imperatore
Karl e Alexander Bryullov. Fino all'inizio del XIX secolo il cognome Bryullov non esisteva in Russia. Karl Bryullov, un famoso artista russo, è nato nella famiglia dell'accademico di scultura ornamentale Pavel Bryullo, i cui antenati erano francesi. La lettera "v" alla fine del cognome fu concessa a Carlo e a suo fratello Alessandro, architetto di professione, con il più alto decreto imperiale prima del suo viaggio di pensionamento in Italia. Esposizione di un capolavoro
Arkhip Kuindzhi. Nel 1880 si verificò un evento senza precedenti nel mondo dell'arte russa. A San Pietroburgo, il dipinto di Arkhip Kuindzhi “Una notte illuminata dalla luna sul Dnepr” è stato esposto al pubblico per la prima volta. La cosa sorprendente è che era l'unica presente alla mostra. Le voci sullo straordinario dipinto si diffusero in tutta la città molto prima della sua esposizione, e il giorno stesso dell'inaugurazione sembrava che l'intera città si fosse radunata per ammirarlo. Molte carrozze bloccavano tutte le strade vicine e la gente si accalcava in lunghe file all'ingresso. Molti hanno visitato la mostra più volte. 
"Notte di luna sul Dnepr." Il pubblico è rimasto affascinato dallo straordinario realismo della luce lunare nel dipinto, molti hanno suggerito che l'artista abbia utilizzato colori luminosi, alcuni addirittura hanno guardato segretamente dietro il dipinto, cercando di scoprire se c'era una lampada che illuminava la luna. Il voto di Modigliani
Amedeo Modigliani. Amedeo Modigliani, famoso artista italiano, si interessò al disegno e alla pittura in tenera età. La decisione definitiva di diventare artista la prese all'età di undici anni, dopo una grave pleurite, quando, giacendo delirante, Amedeo decise: se fosse sopravvissuto, si sarebbe dedicato alla pittura. E ha mantenuto la parola data. Kuindzhi e gli uccelli
Arkhip Kuindzhi. Arkhip Kuindzhi amava molto gli uccelli. Poteva stare seduto per ore sul tetto di casa sua, “parlando” con piccioni e corvi. E spesso diceva ai suoi amici che gli uccelli capivano le sue parole e cadevano facilmente nelle sue mani. Beh, certo... Dopotutto, ogni mese l'artista spendeva molti soldi per dare da mangiare agli uccelli, comprando 60 panini francesi, fino a 10 kg di carne e 6 sacchi di avena. E una volta, l'illustratore Pavel Shcherbov ha pubblicato un cartone animato in cui Kuindzhi fa un clistere a un uccello. Dicono che Arkhip Ivanovich, che non aveva uno speciale senso dell'umorismo, fu terribilmente offeso dal suo collega. 
Caricatura. Pazienti piumati (A.I. Kuindzhi sul tetto di casa sua). Autore: Pavel Shcherbov. Cinquemila per il paralume
Konstantin Egorovich Makovsky. / Ragazza vestita da Flora. Konstantin Makovsky era famoso non solo per i suoi ritratti da salotto delle mogli di mariti ricchi, ma anche per i suoi prezzi esorbitanti. L'artista amava anche mangiare cibi deliziosi, quindi dicono che fosse un vero buongustaio. Ma un giorno si è quasi messo nei guai. Il barone Accurti, avendo appena acquistato una lussuosa villa con paralumi dipinti da Makovsky, ma senza i suoi autografi, ha invitato l'artista più popolare a fare colazione nel ristorante. Nella speranza che l'artista firmi gratuitamente i paralumi in segno di gratitudine. Questo sarebbe successo se non fosse stato per un "ma"... Makovsky si era già ammorbidito in attesa di un pasto squisito e ha promesso di andare subito dopo e firmare gratuitamente tutti e tre i paralumi. E il tirchio barone finalmente fece un ordine: ordinò che venissero serviti l'odore e il pane. “Odore? Io?" Makovsky era indignato con se stesso. E disse ad alta voce: "Cinquemila rubli per una firma su ogni paralume!" Valentin o Anton Serov
Ritratto di Mika Morozov. / Valentin Serov. Amici e parenti si chiamavano Valentin Serov Anton. Questo nome gli è rimasto saldamente impresso durante l'infanzia, quando i suoi genitori, spinti da sentimenti eccessivi per il bambino, chiamavano il piccolo Valentin Valentosha, Tosha e talvolta Tonya. Poco dopo, nella famiglia Mamontov, Tosha si trasformò in Antosha. E le lettere che Ilya Repin scriveva al già adulto Serov spesso iniziavano con l'indirizzo: "Anton, Anton!" Piccolo ricattatore
*Ragazza con le pesche*. Autore: V. Serov. I suoi parenti sapevano particolarmente bene che Valentin Serov lavorava lentamente. E quando l'artista ha deciso di dipingere un ritratto della figlia undicenne di Savva Mamontov, Vera, (e la tela era intesa come regalo per il compleanno di Elizaveta Mamontova, la madre della ragazza), Serov ha incontrato una protesta categorica dal futuro modello. Verochka si rese immediatamente conto delle conseguenze dell'accettare di posare per l'artista. Non era affatto tentata di restare seduta per settimane in una posizione immobile, invece di correre per i dintorni del villaggio con i suoi coetanei. Verochka era testarda e Serov non aveva altra scelta che accettare le sue condizioni: dopo ogni sessione, cavalcare con lei. 
*Ragazza con le pesche*. frammento. / Verochka Mamontova.