Famoso artista francese. Arte contemporanea: Francia. Visioni democratiche dell’arte francese

C'è stato un tempo in cui gli artisti non erano apprezzati per il loro lavoro. Ma oggigiorno questi individui sono molto apprezzati, indipendentemente dal fatto che appartengano a periodi storici o siano vivi. I pittori francesi sono particolarmente venerati per le loro opere straordinarie e deliziose.

Ecco 10 degli artisti e pittori francesi più famosi ed eccezionali. Torniamo indietro nel tempo e guardiamo tutto insieme. Divertitevi!

TOP 10 artisti e pittori francesi più famosi:

10. Paul Gauguin (1848-1903)

Paul Gauguin è stato un artista e pittore francese dell'epoca post-impressionista. Ha dato un grande contributo allo sviluppo della pittura d'avanguardia. Gauguin aveva uno stretto rapporto con Van Gogh.

9. Vincent Van Gogh (1853-1890)

Vincent Van Gogh appartiene al periodo post-impressionista. È uno dei pittori e artisti più famosi al mondo. Conosciuto per la sua audacia e i suoi dipinti vivaci, Vincent è nato nei Paesi Bassi.

8. Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro appartiene all'epoca degli impressionisti e dei postimpressionisti. È uno dei pittori più influenti e migliori di tutti i tempi. Ha lavorato su stili nuovi e unici nei suoi dipinti, che potrebbero dare un vantaggio alla sua carriera.

7. Édouard Manet (1832-1883)

Edouard Manet è noto per i suoi contributi alle scuole del Realismo e dell'Impressionismo. Fu un pittore grande e innovativo. Ha trasformato le opere in impressionismo per dare loro un aspetto moderno.

6. Eugène Delacroix (1798-1863)

Eugene Delacroix è famoso per i suoi dipinti e le sue opere d'arte romantiche. Ha ricevuto ispirazione per quest'opera dai pittori rinascimentali veneziani e da Rubens.

5. Paul Cézanne (1839-1906)

Paul Cézanne è nato nel XVIII secolo. Uno straordinario artista dell'era impressionista. Iniziò la sua carriera in forme impressionistiche, ma si sviluppò come artista innovativo, producendo le migliori opere d'arte del XIX secolo.

4. Charles-François Dabigny (1817-1878)

Charles-François Dabigny è uno degli artisti più famosi di tutti i tempi. È ancora ricordato per i suoi tradizionali dipinti di paesaggi e viene utilizzato per impressionare gli altri con opere d'arte uniche.

3. Augusto Renoir (1841-1919)

August Renoir appartiene all'era dell'impressionismo. È uno dei pittori più famosi che ha avuto un ruolo chiave nello sviluppo delle opere impressioniste.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet è un pittore impressionista. È uno dei pittori più influenti del XVIII secolo. È stato fortemente influenzato dai lavori degli studenti delle scuole superiori e sono emersi i suoi lavori, come "Impression", "Sunrise" e altri.

1. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas è considerato il precursore dell'impressionismo. Dipinse aspetti realistici della vita umana. Il suo stile di lavoro era davvero unico e molto impressionante.

L'artista francese Laurent Botella è nato a Nantes nel 1974. I suoi studi di pittura iniziano nel 1989 presso l'atelier Maithe Rovino a Osson, seguiti da un anno alla scuola di Belle Arti di Tolosa. La formazione è stata incentrata sulla pittura ad olio e pastello. Tuttavia, i dipinti a carboncino e a matita sono sempre stati la base del suo lavoro prima e dopo gli studi.

Paesaggi. Alain Lutz

Alain Lutz è un paesaggista francese contemporaneo, nato nel maggio 1953 a Mulhouse, in Francia. Notando il suo indubbio talento artistico, i suoi genitori gli regalarono i suoi primi colori ad olio all'età di tredici anni. Ha studiato per un po' alla scuola di design Boulle di Parigi, ma alla fine ha studiato per diventare designer industriale e dopo la laurea ha trovato lavoro come tecnico senior.

Auto ritratto. Laurent Dauptain

Laurent Dauptain, un talentuoso artista francese, ha studiato alla scuola d'arte di Parigi, si è diplomato nel 1981, poi ha continuato i suoi studi presso la Scuola di Arti Decorative di Parigi, si è laureato nel 1983 con una laurea e nel 1984 ha conseguito un Master in pittura . Dopo diversi anni di lavoro con gli autoritratti, ho deciso di cimentarmi in altri generi, ma di tanto in tanto tornavo comunque ai ritratti.

Stile ingenuo. Michel Delacroix

Michel Delacroix è nato nel 1933 sulla riva sinistra della Senna, nel 14° arrondissement di Parigi. Iniziò a disegnare in tenera età; per quanto ricorda, non aveva ancora sette anni; il suo amore per il disegno iniziò durante l'occupazione tedesca di Parigi. Parigi rimase Parigi, anche durante l'occupazione, e appare ancora oggi nei dipinti di Delacroix. In quasi tutti i suoi dipinti ci sono pedoni, automobili rare e lampioni; la città in essi, come a quei tempi, sembra tranquilla e calma, come isolata dal trambusto e dal rumore.

Un modo per ritrovare te stesso. Pasquale Taurua

Pascale Taurua è nata nel 1960 a Noumea, Nuova Caledonia. Si è diplomata all'Accademia d'arte di Papeete, Tahiti. Ha dipinto il suo primo dipinto nel 1996 e da allora ha iniziato a dipingere a tempo pieno, mettendo in mostra il proprio stile figurativo. Ha esposto le sue opere in quasi tutti i paesi della regione del Pacifico, dove i suoi dipinti sono estremamente richiesti e si trovano in molte collezioni d'arte private.

Ministri mostruosi. Antonio Squizzato

L'artista e illustratore francese contemporaneo Anthony Squizzato ci invita a rilassarci e ad intraprendere un viaggio verso un incontro ufficiale con i personaggi del mondo da lui creato, dove lo spettatore potrà incontrare personalmente gli eroi delle sue opere - i personaggi colorati di uno dei il più grande (in termini di dimensioni e numero di partecipanti) nella storia del gabinetto dei ministri.

La scuola d'arte francese a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo può essere definita la principale scuola europea; fu in Francia a quel tempo che nacquero stili artistici come il rococò, il romanticismo, il classicismo, il realismo, l'impressionismo e il postimpressionismo.

Rococò (Rococò francese, da rocaille - un motivo decorativo a forma di conchiglia) - uno stile nell'arte europea della prima metà del XVIII secolo. Il rococò è caratterizzato dall'edonismo, dal ritiro nel mondo del gioco teatrale idilliaco e da una predilezione per i soggetti pastorali e sensuali-erotici. Il carattere dell'arredamento rococò ha acquisito forme decisamente eleganti e sofisticate.

François Boucher, Antoine Watteau e Jean Honoré Fragonard lavorarono in stile rococò.

Classicismo - uno stile nell'arte europea del XVII - inizio XIX secolo, la cui caratteristica era un appello alle forme dell'arte antica come standard estetico ed etico ideale.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres e Jacques-Louis David hanno lavorato nello stile del classicismo.

Romanticismo - uno stile d'arte europea nei secoli XVIII-XIX, i cui tratti caratteristici erano l'affermazione del valore intrinseco della vita spirituale e creativa dell'individuo, la rappresentazione di passioni e personaggi forti e spesso ribelli.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault e William Blake hanno lavorato nello stile del romanticismo.

Edouard Manet. Colazione in officina. 1868

Realismo - uno stile d'arte il cui compito è catturare la realtà nel modo più accurato e oggettivo possibile. Stilisticamente, il realismo ha molte facce e molte opzioni. Vari aspetti del realismo nella pittura sono l'illusionismo barocco di Caravaggio e Velazquez, l'impressionismo di Manet e Degas e le opere di Nynen di Van Gogh.

La nascita del realismo nella pittura è spesso associata al lavoro dell'artista francese Gustave Courbet, che inaugurò la sua mostra personale "Padiglione del realismo" a Parigi nel 1855, sebbene anche prima di lui artisti della scuola di Barbizon Theodore Rousseau, Jean- François Millet e Jules Breton hanno lavorato in modo realistico. Negli anni '70 dell'Ottocento. il realismo era diviso in due direzioni principali: naturalismo e impressionismo.

La pittura realistica è diventata diffusa in tutto il mondo. Gli Itineranti lavorarono nello stile del realismo con un forte orientamento sociale nella Russia del XIX secolo.

Impressionismo (dall'impressione francese - impressione) - uno stile nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio del XX secolo, una caratteristica del quale era il desiderio di catturare nel modo più naturale il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, per trasmettere il proprio fugace impressioni. L'impressionismo non sollevava questioni filosofiche, ma si concentrava sulla fluidità del momento, dell'atmosfera e dell'illuminazione. I soggetti degli impressionisti diventano la vita stessa, come una serie di piccole vacanze, feste, piacevoli picnic nella natura in un ambiente amichevole. Gli impressionisti furono tra i primi a dipingere en plein air, senza terminare il lavoro in studio.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley e altri hanno lavorato nello stile dell'impressionismo.

Post impressionismo è uno stile artistico emerso alla fine del XIX secolo. I postimpressionisti cercavano di trasmettere liberamente e in generale la materialità del mondo, ricorrendo alla stilizzazione decorativa.

Il postimpressionismo ha dato origine a movimenti artistici come l’espressionismo, il simbolismo e il modernismo.

Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne e Toulouse-Lautrec hanno lavorato in stile postimpressionista.

Diamo uno sguardo più da vicino all'impressionismo e al postimpressionismo usando l'esempio del lavoro di singoli maestri francesi nel XIX secolo.

Edgar Degas. Auto ritratto. 1854-1855

Edgar Degas (vita 1834-1917) - Pittore, grafico e scultore francese.

A partire da dipinti storici e ritratti dalla composizione rigorosa, negli anni '70 dell'Ottocento Degas si avvicinò ai rappresentanti dell'impressionismo e si dedicò alla rappresentazione della vita cittadina moderna: strade, caffè, spettacoli teatrali.

Nei dipinti di Degas, una composizione dinamica, spesso asimmetrica, un disegno flessibile e preciso, angoli inaspettati e un'interazione attiva tra figura e spazio sono attentamente pensati e verificati.

E. Degas. Bagno. 1885

In molte opere, Edgar Degas mostra il comportamento e l'aspetto caratteristici delle persone, generati dalle peculiarità della loro vita, rivela il meccanismo del gesto professionale, della postura, del movimento umano, della sua bellezza plastica. L'arte di Degas è caratterizzata da una combinazione di bello e prosaico; l'artista, come osservatore sobrio e sottile, cattura allo stesso tempo il noioso lavoro quotidiano nascosto dietro l'elegante spettacolarità.

La tecnica pastello preferita ha permesso a Edgar Degas di dimostrare pienamente il suo talento di disegnatore. Toni ricchi e tratti “scintillanti” di pastello hanno aiutato l'artista a creare quella speciale atmosfera colorata, quell'ariosità iridescente che contraddistingue così tutte le sue opere.

Nei suoi anni maturi, Degas si rivolse spesso al tema del balletto. Figure fragili e senza peso di ballerine appaiono davanti allo spettatore nel crepuscolo delle lezioni di danza, o sotto i riflettori sul palco, o in brevi minuti di riposo. L'apparente casualità della composizione e la posizione imparziale dell'autore creano l'impressione di spiare la vita di qualcun altro; l'artista ci mostra un mondo di grazia e bellezza, senza cadere in un eccessivo sentimentalismo.

Edgar Degas può essere definito un colorista sottile; i suoi pastelli sono sorprendentemente armoniosi, a volte delicati e leggeri, a volte costruiti su netti contrasti cromatici. Lo stile di Degas era notevole per la sua sorprendente libertà; applicava i pastelli con tratti audaci e spezzati, a volte lasciando trasparire il tono della carta attraverso il pastello o aggiungendo tratti ad olio o acquerello. Il colore nei dipinti di Degas nasce da uno splendore iridescente, da un flusso fluente di linee arcobaleno che danno vita alla forma.

Le ultime opere di Degas si distinguono per l'intensità e la ricchezza del colore, che sono completate dagli effetti dell'illuminazione artificiale, delle forme ingrandite, quasi piatte e dello spazio angusto, conferendo loro un carattere intensamente drammatico. In ciò

periodo Degas scrisse una delle sue opere migliori: "The Blue Dancers". L'artista lavora qui con ampie macchie di colore, dando primaria importanza all'organizzazione decorativa della superficie del dipinto. In termini di bellezza dell’armonia dei colori e del design compositivo, il dipinto “Blue Dancers” può essere considerato la migliore incarnazione del tema del balletto di Degas, che ha raggiunto in questo dipinto la massima ricchezza di combinazioni di texture e colori.

P. O. Renoir. Auto ritratto. 1875

Pierre Auguste Renoir (vita 1841-1919) - Pittore, grafico e scultore francese, uno dei principali rappresentanti dell'impressionismo. Renoir è conosciuto principalmente come maestro della ritrattistica secolare, non priva di sentimentalismo. A metà degli anni 1880. in realtà ruppe con l'impressionismo, ritornando alla linearità del classicismo durante il periodo creativo di Ingres. Un colorista straordinario, Renoir ottiene spesso l'impressione di una pittura monocromatica con l'aiuto di sottili combinazioni di valori, simili nelle tonalità di colore.

P. O. Renoir. Piscina per bambini. 1869

Come la maggior parte degli impressionisti, Renoir sceglie fugaci episodi di vita come soggetti dei suoi dipinti, preferendo scene festive della città: balli, danze, passeggiate ("Ponte Nuovo", "Splash Pool", "Moulin da la Galette" e altri). Su queste tele non vedremo né il nero né il marrone scuro. Solo una gamma di colori netti e brillanti che si fondono insieme quando si guardano i dipinti da una certa distanza. Le figure umane in questi dipinti sono dipinte con la stessa tecnica impressionistica del paesaggio che le circonda, con il quale spesso si fondono.

P. O. Renoir. Ritratto dell'attrice Zhanna Samary. 1877

Un posto speciale nell'opera di Renoir è occupato da immagini femminili poetiche e affascinanti: internamente diverse, ma esternamente leggermente simili tra loro, sembrano segnate dal timbro comune dell'epoca. Renoir dipinse tre diversi ritratti dell'attrice Jeanne Samary. In uno di essi, l'attrice è raffigurata in uno squisito abito verde-blu su uno sfondo rosa. In questo ritratto, Renoir è riuscito a enfatizzare le migliori caratteristiche del suo modello: bellezza, mente vivace, sguardo aperto, sorriso radioso. Lo stile di lavoro dell'artista è molto libero, in alcuni punti fino alla disattenzione, ma questo crea un'atmosfera di straordinaria freschezza, chiarezza spirituale e serenità. Nella rappresentazione dei nudi, Renoir raggiunge la rara raffinatezza dei garofani (dipingendo nel colore di pelle umana), costruito su una combinazione di toni caldi dell'incarnato con leggeri riflessi verdastri e grigio-azzurri, che donano alla tela una superficie liscia e opaca. Nel dipinto “Nudo alla luce del sole”, Renoir utilizza principalmente i colori primari e secondari, escludendo completamente il nero. Le macchie di colore ottenute utilizzando piccoli tratti colorati danno un caratteristico effetto di fusione quando lo spettatore si allontana dall'immagine.

Va notato che l’uso dei toni del verde, del giallo, dell’ocra, del rosa e del rosso per rappresentare la pelle sconvolse il pubblico di quel tempo, impreparato a percepire il fatto che le ombre dovrebbero essere colorate, piene di luce.

Negli anni Ottanta dell’Ottocento, nell’opera di Renoir, iniziò il cosiddetto “periodo Ingres”. L’opera più famosa di questo periodo è “Le grandi bagnanti”. Per costruire una composizione, Renoir iniziò per la prima volta a utilizzare schizzi e schizzi, le linee del disegno divennero chiare e definite, i colori persero la loro precedente luminosità e saturazione, il dipinto nel suo insieme cominciò a sembrare più sobrio e freddo.

All'inizio degli anni Novanta dell'Ottocento si verificarono nuovi cambiamenti nell'arte di Renoir. In maniera pittorica appare un'iridescenza di colore, motivo per cui questo periodo viene talvolta chiamato “perla”, poi questo periodo lascia il posto al “rosso”, così chiamato per la preferenza per le sfumature dei colori rossastri e rosa.

Eugène Henri Paul Gauguin (vita 1848-1903) - Pittore, scultore e grafico francese. Insieme a Cézanne e Van Gogh, fu il più grande rappresentante del postimpressionismo. Ha iniziato a dipingere in età adulta; il suo primo periodo di creatività è associato all'impressionismo. Le migliori opere di Gauguin furono scritte nelle isole di Tahiti e Hiva Oa in Oceania, dove Gauguin lasciò la "civiltà feroce". I tratti caratteristici dello stile di Gauguin includono la creazione su grandi tele piatte di composizioni cromatiche statiche e contrastanti, profondamente emotive e allo stesso tempo decorative.

Nel dipinto “Cristo giallo”, Gauguin ha raffigurato la crocifissione sullo sfondo di un tipico paesaggio rurale francese, Gesù sofferente è circondato da tre contadine bretoni. La pace nell'aria, le pose calme e sottomesse delle donne, il paesaggio saturo di colore giallo solare con alberi dal rosso fogliame autunnale, il contadino impegnato nei suoi affari in lontananza, non possono che entrare in conflitto con ciò che sta accadendo sulla croce. L'ambiente è in netto contrasto con Gesù, il cui volto mostra quello stadio di sofferenza che sconfina nell'apatia, nell'indifferenza verso tutto ciò che lo circonda. La contraddizione tra i tormenti sconfinati accettati da Cristo e la natura “inosservata” di questo sacrificio da parte delle persone è il tema principale di quest'opera di Gauguin.

P. Gauguin. Sei geloso? 1892

Dipinto “Oh, sei geloso?” appartiene al periodo polinesiano del lavoro dell’artista. Il dipinto si basa su una scena della vita, osservata dall'artista:

sulla riva, due sorelle - hanno appena nuotato, e ora i loro corpi sono distesi sulla sabbia in pose casuali e voluttuose - parlando d'amore, un ricordo provoca discordia: “Come? Sei geloso!".

Dipingendo la lussureggiante bellezza pura della natura tropicale, gente naturale incontaminata dalla civiltà, Gauguin ha raffigurato il sogno utopico di un paradiso terrestre, di una vita umana in armonia con la natura. I dipinti polinesiani di Gauguin assomigliano a pannelli nel colore decorativo, nella piattezza e nella monumentalità della composizione e nella generalità del disegno stilizzato.

P. Gauguin. Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando? 1897-1898

Il dipinto “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" Gauguin lo considerava il sublime culmine delle sue riflessioni. Secondo il progetto dell’artista, il dipinto va letto da destra a sinistra: tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Il gruppo di donne con bambino sul lato destro del quadro rappresenta l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo di estrema sinistra, Gauguin raffigurava la vecchiaia umana, avvicinandosi alla morte; l'idolo blu sullo sfondo simboleggia l'altro mondo. Questo dipinto è l'apice dell'innovativo stile postimpressionista di Gauguin; il suo stile combinava un chiaro uso dei colori, colori decorativi e composizione, piattezza e monumentalità dell'immagine con espressività emotiva.

L'opera di Gauguin anticipò molte caratteristiche dello stile Art Nouveau che stava emergendo in questo periodo e influenzò lo sviluppo dei maestri del gruppo “Nabi” e di altri pittori dell'inizio del XX secolo.

V. Van Gogh. Auto ritratto. 1889

Vincent van Gogh (vita 1853-1890) - Artista postimpressionista francese e olandese, iniziò a dipingere, come Paul Gauguin, già in età adulta, negli anni ottanta dell'Ottocento. Fino a quel momento, Van Gogh ha lavorato con successo come commerciante, poi come insegnante in un collegio, e in seguito ha studiato in una scuola missionaria protestante e ha lavorato per sei mesi come missionario in un povero quartiere minerario del Belgio. All'inizio degli anni Ottanta dell'Ottocento, Van Gogh si dedicò all'arte, frequentando l'Accademia delle arti di Bruxelles (1880-1881) e Anversa (1885-1886). Nel primo periodo del suo lavoro, Van Gogh dipinse schizzi e dipinti con una tavolozza pittorica oscura, scegliendo come soggetti scene della vita di minatori, contadini e artigiani. Le opere di Van Gogh di questo periodo ("I mangiatori di patate", "Il vecchio campanile della chiesa di Nynen", "Scarpe") segnano una percezione dolorosamente acuta della sofferenza umana e dei sentimenti di depressione, un'atmosfera opprimente di tensione psicologica. Nelle sue lettere al fratello Theo, l'artista scrive quanto segue riguardo uno dei dipinti di questo periodo, “I mangiatori di patate”: “In esso, ho cercato di sottolineare che queste persone, mangiando le loro patate alla luce di una lampada, scavavano la terra con le stesse mani che avevano teso al piatto; Pertanto, il dipinto parla di duro lavoro e del fatto che i personaggi si guadagnavano onestamente il cibo." Nel 1886-1888. Van Gogh visse a Parigi, visitò il prestigioso studio d'arte privato del famoso insegnante P. Cormon in tutta Europa, studiò pittura impressionista, incisione giapponese e opere sintetiche di Paul Gauguin. Durante questo periodo, la tavolozza di Van Gogh divenne leggera, la tonalità terrosa della pittura scomparve, apparvero i toni del blu puro, del giallo dorato, del rosso, il suo caratteristico tratto di pennello dinamico e fluido (“Agostina Segatori al caffè del tamburello”, “Ponte sulla Senna, " "Père Tanguy", "Vista di Parigi dall'appartamento di Theo in Rue Lepic").

Nel 1888 Van Gogh si trasferì ad Arles, dove fu finalmente determinata l'originalità del suo stile creativo. Il temperamento artistico focoso, un doloroso impulso verso l'armonia, la bellezza e la felicità e, allo stesso tempo, la paura delle forze ostili all'uomo, si incarnano sia nei paesaggi splendenti dei colori solari del sud (“La casa gialla”, “La vendemmia”. La Croe Valley”), o in immagini inquietanti che ricordano un incubo (“Cafe Terrace at Night”); dinamica del colore e della pennellata

V. Van Gogh. Terrazza del bar notturno. 1888

riempie di vita spirituale e movimento non solo la natura e le persone che la abitano (“Vigneti rossi ad Arles”), ma anche oggetti inanimati (“La camera da letto di Van Gogh ad Arles”).

L'intenso lavoro di Van Gogh negli ultimi anni fu accompagnato da attacchi di malattie mentali, che lo portarono al manicomio di Arles, poi a Saint-Rémy (1889–1890) e ad Auvers-sur-Oise (1890), dove si suicidò. . Il lavoro degli ultimi due anni di vita dell'artista è caratterizzato da ossessione estatica, espressione estremamente accentuata di combinazioni di colori, improvvisi cambiamenti di umore - dalla disperazione frenetica e cupo visionario ("Strada con cipressi e stelle") a una tremante sensazione di illuminazione e pace (“Paesaggio ad Auvers dopo la pioggia”).

V. Van Gogh. Iris. 1889

Durante il periodo di cura presso la clinica Saint-Rémy, Van Gogh dipinse il ciclo di dipinti “Iris”. La sua pittura floreale è priva di alta tensione e mostra l'influenza delle stampe giapponesi ukiyo-e. Questa somiglianza si manifesta nell'evidenziazione dei contorni degli oggetti, degli angoli insoliti, della presenza di aree dettagliate e aree riempite con un colore solido che non corrisponde alla realtà.

V. Van Gogh. Campo di grano con corvi. 1890

“Campo di grano con corvi” è un dipinto di Van Gogh, dipinto dall'artista nel luglio 1890 ed è una delle sue opere più famose. Si suppone che il dipinto sia stato completato il 10 luglio 1890, 19 giorni prima della sua morte ad Auvers-sur-Oise. Esiste una versione secondo cui Van Gogh si suicidò mentre dipingeva questo dipinto (uscendo all'aria aperta con materiali per dipingere, si sparò nella zona del cuore con una pistola acquistata per spaventare stormi di uccelli, poi raggiunse autonomamente il ospedale, dove morì per la perdita di sangue).

Arte e design

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24.09.15 01:41

"Così piccola, è chiaramente sopravvalutata!", grugniscono alcuni turisti venuti appositamente al Louvre per vedere il santuario locale, la Gioconda... Il Louvre è il Louvre, ma non dobbiamo dimenticare che molti pittori famosi sono nati in Francia si. Facciamo una breve escursione nel passato di questo paese e ricordiamo i migliori artisti francesi.

I migliori artisti francesi

Grande classicista

Nato alla fine del XVI secolo, Nicolas Poussin adottò con entusiasmo le tecniche dei maestri dell'Alto Rinascimento, tra cui l'autore di La Gioconda da Vinci e Raffaello. I suoi dipinti presentano spesso personaggi biblici e soggetti mitologici (anche un ciclo di paesaggi dedicato alle stagioni, che si ispira alla Bibbia). Il normanno Poussin è stato alle origini del classicismo; il suo contributo all'arte francese non può essere sopravvalutato. Il suo dipinto “Riposo durante la fuga in Egitto” è conservato nel nostro Hermitage.

Cantante dell'epoca galante

Antoine Watteau, nato quasi due decenni dopo la morte di Poussin, regnò saldamente sull'Olimpo degli artisti francesi. Ai suoi tempi non c'era un solo pittore in Europa che potesse competere con lui in abilità. Visse solo 36 anni, ma riuscì a lasciare molti capolavori. Le scene quotidiane, i paesaggi e i ritratti di Watteau sono affascinanti ed eleganti; è considerato il precursore dello stile rococò. Per entrare all'Accademia delle Arti, il giovane dipinse due versioni del dipinto “Pellegrinaggio all'isola di Citera” (una è conservata a Berlino, l'altra al Louvre di Parigi). L'Ermitage ha acquisito diverse opere dell'artista francese, tra cui il dipinto “Attori della commedia francese”.

Pittore paesaggista dotato

Un pittore marino e paesaggista di prim'ordine, Claude Joseph Vernet, lavorò a lungo in Italia. La costa di Napoli e il possente Tevere hanno lasciato il segno nel suo lavoro. La collezione del Louvre comprende “Veduta del ponte e Castel Sant'Angelo” e “Veduta di Napoli con il Vesuvio”, e l'Ermitage espone “Rocce in riva al mare”, “Mattina a Castellamare” e alcuni altri capolavori del maestro.

Colleghi romantici

Rappresentante del movimento romantico nell'arte, Eugene Delacroix è nato a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo e ha ricevuto una buona educazione. Amava copiare i capolavori dei vecchi maestri e su di essi affinava la sua arte. Eugenio era amico di Alexandre Dumas e ammirava le opere di Géricault. Alcuni dei dipinti più famosi di Delacroix (spesso sceglieva soggetti storici) sono “La libertà sulle barricate” e “La morte di Sardanapalo”.

Un altro romantico, Theodore Gericault, aveva solo pochi anni più di Delacroix, ma era una grande autorità per il suo collega. Purtroppo, il destino gli ha dato una vita molto breve: all'età di 32 anni, il pittore cadde da cavallo e morì. Theodore preferiva scene di battaglia su larga scala, copiava Rubens, essendo un appassionato ammiratore del fiammingo. Anche se non hai sentito il nome di questo artista francese, probabilmente hai visto le riproduzioni del capolavoro di Géricault “La zattera della Medusa” (quest’opera è l’orgoglio del Louvre).

Eterno vagabondo

Eugene Henri Paul Gauguin è più conosciuto tra noi. Il postimpressionista vide l'inizio del XX secolo, ma morì abbastanza presto: morì a 54 anni nel 1903 nella Polinesia francese. Dicono che il genio sia stato distrutto dalle malattie (la peggiore di queste era la lebbra incurabile). Nella sua giovinezza viaggiò molto: Paolo prestò servizio come semplice marinaio su una nave da guerra e fu vigile del fuoco sulle navi della flotta mercantile. Quelle impressioni, ovviamente, si riflettevano nelle opere del pittore. Ha quasi dedicato la sua vita all'intermediazione, ma col tempo si è fermato e si è dedicato alla creatività. Anche le persone non iniziate hanno familiarità con le vivide immagini create da Gauguin, ad esempio "Donna con un frutto".

Sagome volanti

Qualcuno di voi ha sentito l'espressione “Degas Ballerinas”. Questo artista francese, infatti, traeva ispirazione dalle scuole e dalle prove di balletto. I suoi leggeri tratti pastello sono riusciti a catturare graziose inclinazioni leggere della testa, piroette, inchini, salti - lo vediamo nei dipinti impressionisti "Lezione di ballo" o "Ballerini blu". Anche le sue scene quotidiane sono ampiamente conosciute: "Absinthe", "Ironers".

Padre dell'impressionismo

Un altro classico della pittura europea, Edouard Manet (uno dei “padri” dell'impressionismo), come Degas, amava rappresentare la vita degli abitanti delle città: le loro passeggiate in giardino o i picnic nella natura. I suoi ritratti si distinguono per la loro semplicità e semplicità, e alla fine della sua vita si interessò improvvisamente alle nature morte. "Olympia", "Railway", "Breakfast on the Grass" sono considerati capolavori di livello mondiale.

Sentimentale e perlescente

Il genere preferito di Pierre Auguste Renoir era la ritrattistica. Primp mondani, giovani fanciulle innocenti, coppie innamorate prendono vita sotto le pennellate sicure del maestro. Avendo iniziato come impressionista, Pierre gradualmente si disilluse e si unì ai classicisti. La sua arte è sentimentale e perlescente. Guarda "Ragazze al pianoforte" o "Bouquet di primavera", le tele sembrano brillare dall'interno.

O un contadino o un pensatore...

Paul Cézanne, con le sue sagome in ritratti apparentemente scolpiti nella pietra e paesaggi leggermente “sbavati”, è un rappresentante di spicco del postimpressionismo. Sia nel lavoro che nella vita, era avaro di emozioni, laconico e poco emotivo: c'era in lui qualcosa di contadino, qualcosa di scienziato-pensatore. È interessante notare che proprio il suo capolavoro “Giocatori di carte” è uno dei dipinti più costosi al mondo (nel 2012 è stato acquistato per la collezione dell'emiro del Qatar per 250 milioni di dollari).

Il destino malvagio di un aristocratico

L'ultimo nella nostra lista dei migliori artisti francesi è il povero Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Perchè povero ragazzo? Sì, apparteneva a un'antica famiglia di conti, ma all'età di 13 e 14 anni il giovane riuscì a rompersi prima il femore di una gamba, poi l'altra, per questo smisero di crescere. Henri è rimasto un semi-nano disabile. L'impossibilità di intraprendere la carriera militare sconvolse tutta la famiglia e lo stesso Henri fu spinto a dedicarsi alla pittura. Studiò con i maestri (amava molto l'opera di Degas e Cézanne), e quando arrivò a Parigi, divenne un frequentatore abituale di cabaret e pub, divenne un alcolizzato, si ammalò di sifilide e morì all'età di 37. Le sue opere grafiche e i suoi dipinti hanno ricevuto riconoscimenti dopo la sua morte. I ritratti degli artisti e delle prostitute del Moulin Rouge, ai cui servizi Toulouse Lautrec fu costretto a ricorrere, sono ora considerati capolavori.