L'antichità ha avuto la maggiore influenza sulla cultura delle generazioni successive - arte dell'antica grecia e l'antica Roma del IX-X secolo a.C. e. e al IV secolo d.C. La culla della cultura antica era l'antica Grecia, un pezzo di terra nel Mediterraneo. Qui è nato e fiorito il "miracolo greco": una gigantesca cultura spirituale che ha mantenuto la sua influenza e il suo fascino per millenni. La cultura dell'antica Grecia ebbe un'influenza decisiva sullo sviluppo della cultura dell'antica Roma, che ne fu l'immediato successore. La cultura romana divenne la fase successiva e una versione speciale di un'unica cultura antica. La bellezza calma e maestosa dell'arte antica è servita da modello per i tempi successivi nella storia dell'arte. Ci sono stati tre periodi nella storia dell'arte greca antica: a r x a i k a (VII - VI secolo aC); klassika (V-IV secolo a.C.); e l l i n i z m - (III - I secolo a.C.).
I templi erano bellissimi edifici dell'antica Grecia. Le rovine più antiche dei templi risalgono all'epoca arcaica, quando si cominciò ad utilizzare pietra calcarea giallastra e marmo bianco. Di solito il tempio poggiava su una base a gradoni. Era costituito da una stanza senza finestre, dove si trovava la statua di una divinità; l'edificio era circondato da una o due file di colonne.
Le colonne erano parte integrante delle strutture nell'antica Grecia. Nell'era arcaica, le colonne erano potenti, pesanti, leggermente allargate verso il basso: veniva chiamato questo stile di colonne dorico. Nell'era classica si sviluppò lo stile delle colonne ionico- le colonne sono più eleganti, snelle, decorate con riccioli nella parte superiore - in volume. Durante l'epoca ellenistica, l'architettura cominciò a tendere allo splendore. Formato corinzio stile delle colonne: divennero aggraziate, snelle, eleganti, riccamente decorate con motivi floreali. Fu chiamato il sistema di colonne e soffitti nell'antica Grecia mandato. Ogni stile ha il proprio ordine, che ha le sue caratteristiche e prende il nome dallo stile: dorico, ionico e corinzio nell'arte dell'antica Grecia.
Il periodo di massimo splendore dell'architettura greca avvenne in epoca classica (V secolo a.C.), durante il regno di Pericle. Iniziò grandiosi lavori di costruzione ad Atene. Abbiamo conservato le rovine della struttura più importante dell'antica Grecia -. Anche da queste rovine si può immaginare quanto fosse bella l'acropoli a suo tempo: un'ampia scalinata di marmo conduceva su per la collina.
L'acropoli era circondata da numerosi templi, quello centrale era il Partenone, circondato da 46 colonne. Le colonne sono in marmo rosso e blu. Il colore delle colonne e la leggera doratura conferivano al tempio un'atmosfera festosa. Il senso delle proporzioni, l'accuratezza dei calcoli, la bellezza della decorazione: tutto ciò rende il Partenone un'opera d'arte impeccabile. Ancora oggi, migliaia di anni dopo, distrutto, il Partenone lascia un'impressione indelebile. L'ultima costruzione dell'Acropoli fu un tempio dedicato ad Atena, Poseidone e al mitico re Eretteo, chiamato tempio dell'Eretteo.
Su uno dei tre portici del tempio dell'Eretteo, al posto delle colonne, il soffitto dell'edificio è sostenuto da figure femminili - cariatidi. In generale, molte sculture e composizioni scultoree decoravano l'Acropoli. Durante l'epoca ellenistica iniziarono a prestare meno attenzione ai templi e costruirono piazze aperte per passeggiare, anfiteatri all'aperto, palazzi e impianti sportivi. Gli edifici residenziali divennero a 2 e 3 piani, con ampi giardini e fontane. Il lusso è diventato l’obiettivo.
Gli scultori greci hanno regalato al mondo opere che ancora suscitano ammirazione tra le persone. In epoca arcaica, le sculture erano alquanto limitate: raffiguravano giovani nudi vestiti con abiti fluenti.
Nell'era classica, l'attività principale degli scultori era creare statue di dei ed eroi e decorare i templi con rilievi. Gli dei erano rappresentati come persone comuni, ma forti, fisicamente sviluppate e belle. Spesso venivano raffigurati nudi per mostrare la bellezza del corpo. Nell'antica Grecia, grande attenzione veniva prestata allo sviluppo fisico, allo sport e parte integrante di questa cultura era la bellezza del corpo umano. Durante l'era classica vivevano scultori meravigliosi come Miron, Fidiy e Poliklet, le cui opere si distinguevano per pose più complesse, gesti e movimenti espressivi. Il primo maestro della complessa scultura in bronzo fu Miron, il creatore della scultura “D e skobol”, tuttavia va notato che le sculture di quest'epoca sembrano un po' fredde, i loro volti sono indifferenti, simili tra loro. Gli scultori non hanno cercato di esprimere sentimenti o emozioni. Il loro obiettivo era mostrare solo la perfetta bellezza del corpo. Ma nel IV secolo a.C. e. le immagini scultoree sono diventate più morbide e delicate. Gli scultori Praxitel e Lisip nelle loro sculture di dei trasmettevano calore e stupore alla superficie liscia del marmo. E lo scultore Skopas ha trasmesso forti sentimenti ed esperienze nelle sue sculture.
Successivamente, in epoca ellenistica, la scultura diventa più fastosa, con passioni esagerate.
Atena è una delle divinità olimpiche supremi. È ragionevole e ragionevole. È la dea del cielo, l'amante delle nuvole e dei fulmini, la dea della fertilità. È l'incarnazione dell'abilità politica, della grandezza e della forza inesauribile. Questa è la statua della Vergine Atena, l'opera più famosa di Fidia. Atena si erge a tutta altezza (l'altezza della statua è di circa 12 m), sulla testa della dea c'è un elmo militare dorato con un'alta cresta, e le sue spalle e il petto sono coperti da un'egida dorata (uno scudo mitico che porta terrore a nemici) con la testa di Medusa. La mano sinistra poggia sullo scudo, nella destra Atena regge la figura della dea Nike. Rigorosi drappeggi di abiti lunghi sottolineano la maestosità e la calma della figura.
Il nostro paese non perirà per sempre, perché il guardiano è come la buona Pallade Atena,
Orgogliosa del suo formidabile padre, allungò le mani su di lei.
(Elegia di Solone)
Zeus condivise il dominio sul mondo con i suoi fratelli: a Poseidone fu dato il cielo, ad Ade il regno dei morti e Zeus lasciò il cielo per sé. Zeus controllava tutti i fenomeni celesti e, soprattutto, tuoni e fulmini.
Sfortunatamente, questa è una ricostruzione della scultura perduta di Zeus. La statua occupava quasi tutto lo spazio interno del tempio. Zeus siede su un trono, la sua testa tocca quasi il soffitto; la sua altezza era di circa 17 metri. Uno dei poeti greci, ammirando l'aspetto di Fidiev Zeus, scrisse un distico. conosciuto in tutta l'Ellade:
"Dio è sceso sulla terra e ti ha mostrato, Fidia, la sua immagine
Oppure sei salito in cielo per vedere Dio stesso?»
La statua di Zeus colpì non solo per la grandezza che Fidia diede alla divinità, ma anche per un senso di pace, maestosa saggezza e infinita gentilezza. Il "Re degli Dei e degli Uomini" sedeva su un magnifico trono riccamente decorato. La parte superiore del suo busto era nuda, la parte inferiore era avvolta in un lussuoso mantello. In una mano il dio teneva una statua di Nike la Vittoria, nell'altra - un'asta sormontata dall'immagine di un'aquila - l'uccello sacro di Zeus. Sulla sua testa c'era una corona di rami d'ulivo.
La statua è stata realizzata utilizzando la tecnologia più sofisticata. La base era scolpita nel legno per quelle parti del corpo. che rimase nudo, furono applicate sottili placche di avorio lucidato, il mantello fu ricoperto da un sottile strato d'oro cesellato, come se fosse tessuto con immagini di gigli, stelle e animali.
Olimpia era uno dei principali santuari della Grecia, secondo la leggenda fu qui che Zeus vinse sotto Crono, in ricordo della grande vittoria di Zeus e furono istituiti i Giochi Olimpici e, secondo una delle leggende, il l'eroe Ercole lo fece in onore di suo padre.
Ercole è il figlio di Zeus, uno degli dei greci più famosi. Famose sono le sue 12 fatiche, di cui raccontano molte leggende e che furono spesso raffigurate nelle loro opere da artisti e scultori. Lisippo in questo gruppo scultoreo raffigura il momento decisivo del combattimento: Ercole stringe il collo del leone con la sua mano potente, tutti i muscoli dell'eroe sono estremamente tesi e la bestia, ansimando, affonda nel suo corpo. Ma, sebbene gli avversari siano degni l'uno dell'altro, il leone, la cui testa è serrata sotto l'ascella di Ercole, sembra quasi ridicolo. La leggenda afferma che Ercole era il personaggio preferito di Lisippo e Lisippo era il maestro di corte di Alessandro Magno.
Poseidone è il dio principale del mare e della navigazione. Vive nelle sale nelle profondità del mare, non obbedisce a nessuno, nemmeno all'onnipotente fratello Zeus. Provoca terremoti, solleva e calma tempeste, aiuta i marinai inviando correnti veloci e spostando le navi dagli scogli e dalle secche con un tridente. Sotto il dominio di Poseidone c'erano tutte le isole, la costa, il porto, dove gli furono eretti templi, altari, statue.
Perseo, figlio di Zeus e Danae, trova terribili mostri - le Gorgoni - sulla riva dell'oceano. Invece dei capelli, avevano serpenti vorticosi, invece dei denti, le zanne sporgevano come quelle di un cinghiale, le loro mani erano di bronzo e le loro ali erano d'oro. Una delle gorgoni, Medusa, trasformava chiunque in pietra con un solo sguardo. Insegnato dagli dei, Perseo combatté Medusa, guardando il suo riflesso in uno scudo di rame. Le ha tagliato la testa. Tradizionalmente, lo scultore trasmette la bellezza di un corpo nudo, l'espressione orgogliosa sul volto di Perseo, che sconfisse il mostro, e la disperazione sul volto del gorogon.
Hermes è il messaggero degli dei, il patrono degli inganni, della ginnastica, dei viaggiatori e delle strade, figlio di Zeus e Maya. Successivamente divenne il santo patrono degli allevatori di bestiame e dei pastori. Con la sua bacchetta magica poteva addormentare chiunque o risvegliarlo. Nel tempo, Hermes è il messaggero degli dei olimpici, l'araldo di Zeus, il patrono degli ambasciatori, il dio del commercio e del profitto. Sull'Olimpo, Hermes godeva dell'amore universale, sebbene amasse molto inventare vari scherzi per gli dei: rubò la spada ad Ares, nascose il tridente di Poseidone, durante la toilette mattutina Afrodite non mancò di trovare la sua cintura e una pentola di pasta azzima rovesciata sul capo dello splendente Apollo.Ma questi scherzi furono espiati dall'utile che Hermes servì agli dei e al popolo.
Tra le opere più famose dell'antichità ellenistica c'era la magnifica statua della dea Afrodite (comunemente chiamata Venere di Milo) ritrovata all'inizio del XX secolo sull'isola di Melos. Questa statua dell'antica dea dell'amore e della bellezza è significativamente più alta dell'altezza umana, la sua altezza è di 207 cm, è stata trovata senza mani, tra le macerie è stata trovata solo una palma che regge una mela. La bellezza di Venere affascina e attrae ancora oggi così come il fascino immutabile di Monna Lisa. È seminuda, la coperta legata attorno ai fianchi, che scende fino alle gambe in pieghe potenti, la rende ancora più elegante e aggraziata. Una donna indossa la sua nudità con la stessa squisita semplicità con cui una donna mortale indossa un abito elegante. Il suo viso è maestosamente calmo e sereno. Gli scienziati hanno scoperto che la statua è stata creata a cavallo tra il II e il I secolo a.C.
La grandiosità catturata in questa statua di marmo riflette la sete di armonia e amore delle persone di un'epoca turbolenta. Venere suscitò l'ammirazione di molti poeti e li costrinse a dedicarle poesie entusiastiche.
Quanta orgogliosa beatitudine si riversò sul volto celeste!
Allora tutti respirano con patetica passione, tutti elettrizzati dalla schiuma del mare
E con il potere vittorioso guardi davanti a te l'eternità.
La scultura fu ritrovata alla fine del XV secolo nei Giardini del Belvedere. Questa è una copia in marmo dell'originale. La sua altezza è di 2,24 m Da quando questa statua è diventata nota, fino ad oggi non ha mai smesso di suscitare gioia e ammirazione tra artisti e intenditori d'arte. Apollo è il dio dell'armonia e delle arti, uccise il drago Pitone, ed è così che lo scultore lo raffigurò. L'altezza della statua è superiore all'altezza umana e l'intera posa esprime la grandezza che lo riempie. L'eterna primavera lo veste di affascinante mascolinità, unita alla bellezza della giovinezza. La spiritualità celeste riempie tutti i contorni della figura. Inseguì Pitone, per la prima volta usò il suo arco contro di lui, lo raggiunse con il suo passo possente e lo colpì. Il suo sguardo è rivolto come all'infinito, sulle sue labbra c'è il disprezzo per il nemico. La statua è considerata il più alto ideale d'arte tra tutte le opere sopravvissute dall'antichità. Apollo era considerato un modello di bellezza classica; gli scultori lo copiarono per secoli, i poeti ne cantarono.
"Non toccare l'arte" è una regola semplice adottata da quasi tutte le gallerie e i musei del mondo. Tuttavia, per qualche motivo, ci sono alcune persone che scelgono di ignorare questa regola: alcuni per curiosità, altri per il desiderio di farsi un selfie "figo". Qualunque sia il motivo, le opere d’arte inestimabili alla fine soffrono.
1. Statua del re Sebastiano
Un visitatore di 24 anni nella capitale portoghese di Lisbona si è arrampicato su una statua di 125 anni sulla facciata della stazione Rossio il 3 maggio per scattare un selfie. Una statua che raffigurava il "re bambino" Sebastiano, che governò il Portogallo nel XVI secolo, cadde a terra e si frantumò. Il turista che ha tentato di scappare è stato catturato dalla polizia e alla fine dovrà affrontare un processo. Al momento non si conoscono i piani per il restauro della statua.
2. Statua di Ercole
Ercole poteva avere il potere degli dei, ma sfortunatamente questa proprietà non fu trasferita alle sculture erette in suo onore. Un anno fa, due turisti, mentre visitavano il palazzo Loggia dei Militi a Cremona, in Italia, danneggiarono la Statua dei due Ercole, risalente a 300 anni fa, quando vi salirono sopra per farsi un selfie. I turisti sono riusciti a staccare un pezzo della corona da una delle due figure di marmo, dopo di che sono stati accusati di vandalismo.
3. Vasi della dinastia Qing
Regola numero uno per visitare qualunque luogo che custodisca opere d'arte di inestimabile valore: allacciarsi sempre le scarpe. Nel febbraio 2006, Nick Flynn stava salendo le scale all'interno del Fitzwilliam Museum di Cambridge, in Inghilterra, quando improvvisamente calpestò i lacci delle scarpe slacciati e perse l'equilibrio. Agitando involontariamente le braccia e cercando di aggrapparsi a qualcosa (e non c'erano ringhiere sulle scale), afferrò tre vasi della dinastia Qing del 1600-1700.
Flynn riuscì a scappare illeso, ma i vasi del valore di £ 500.000 furono frantumati in piccoli pezzi. Flynn, che è stato bandito dal museo a vita, ha definito l'incidente un normale incidente. Di conseguenza, nell'agosto 2006, i vasi sono stati incollati insieme da 113 parti in cui si sono rotti.
4. Quest'uomo
Forse il tentativo più famoso ed esilarante di "restaurare" un oggetto d'arte nella storia è stato il tentativo della parrocchiana ottantenne Cecilia Jimenez di restaurare un affresco dell'inizio del XX secolo sulla storia evangelica "Ecce Homo" ("Ecco l'uomo" ), che si trovava nel Santuario della Misericordia nella città spagnola Borja. Di conseguenza, il suo lavoro è stato riconosciuto come il peggior restauro della storia ed è diventato famoso su Internet con il nome "Fluffy Jesus".
Ciò non sorprende, dal momento che l'immagine sull'affresco cominciò a somigliare non all'originale, ma a una specie di soffice scimmia. Sebbene inizialmente la chiesa avesse pianificato di assumere conservatori d'arte professionisti per riparare il murale, nel 2014 hanno cambiato idea. Il lavoro di Jimenez è diventato un'importante attrazione turistica, spingendo 150.000 visitatori da tutto il mondo a venire a Borja per 1,25 dollari per vedere l'insolito murale.
5. Statua della Vergine Maria
Nel 2013, un turista americano del Missouri ha visitato il Museo dell'Opera del Duomo a Firenze, in Italia. Lì si avvicinò a una statua della Vergine Maria di 600 anni di Giovanni d'Ambrogio e per qualche motivo cercò di confrontare il suo mignolo con il suo. Di conseguenza, il dito della scultura si è rotto, ma fortunatamente si è rivelato essere di gesso.
6. Satiro ubriaco
La buona notizia è che questa statua di Milano, che ha perso la gamba sinistra a causa di sconosciuti appassionati di selfie nel 2014, era solo una replica di un'altra statua che risale al 220 a.C. La brutta notizia è che la replica era molto preziosa e piuttosto antica (opera del 1800).
In questa sezione dell'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano non erano installate telecamere a circuito chiuso, ma i testimoni hanno visto uno studente turista salire sulla statua e sedersi sulle sue ginocchia per scattare una foto. Lo studente apparentemente non si era accorto che la replica della statua era fatta di terracotta e gesso ed era assemblata in pezzi, quindi la gamba cadde e si spezzò.
7. Dipinto "Attore" di Picasso
Il dipinto "Attore" di Picasso, alto quasi 2 metri, è abbastanza difficile da non notare. Ma un visitatore del Metropolitan Museum of Art di New York nel gennaio 2010 ha preso questa affermazione troppo alla lettera. Durante l'escursione perse l'equilibrio e cadde sul dipinto, creando un buco di 15 centimetri nell'opera d'arte del 1904. Il processo di restauro è durato tre mesi.
La Riserva-Museo di Ovgorod ha nelle sue collezioni più di 150 opere di antica arte russa dedicate alla Vergine Maria. Diamo uno sguardo alle 5 "Vergini" più curiose.
Vergine Maria ferita
Questo affresco con un frammento di volto è una delle più antiche immagini russe della Madre di Dio, realizzata intorno al 1130. Il raro reperto viene esposto per la prima volta, perché l'affresco è stato scoperto di recente, durante gli scavi archeologici nel 2014.
È curioso, ma gli scavi non sono stati effettuati in campo aperto e non su rovine, ma in un edificio perfettamente conservato fino ad oggi: la Cattedrale di San Giorgio del Monastero di San Giorgio. Il frammento è stato ritrovato nella parte altare del tempio (altare). Il fatto è che negli anni Trenta dell'Ottocento gli antichi murali del XII secolo furono staccati dalle pareti per ordine dell'archimandrita Fozio e le loro briciole furono barbaramente usate per riempire il pavimento. Il fatto che questi occhi tristi siano sopravvissuti è un vero miracolo.
La Vergine Maria venduta
Uno degli straordinari tesori della Riserva-Museo di Novgorod è un complesso di "pillole" a doppia faccia. Queste piccole icone sacre su tavole sottili, che nei giorni festivi venivano poste sul leggio, furono dipinte alla fine del XV secolo. Per secoli furono conservati nella cattedrale di Santa Sofia, ma dopo la rivoluzione l'insieme fu diviso e parzialmente venduto all'estero. Nel museo di Novgorod c'erano solo 18 "tavolette".
Poiché le icone erano un calendario ecclesiastico, il grande critico d'arte Viktor Lazarev stabilì negli anni '70 che mancavano alcune festività, cioè che dovevano esserci più icone. Otto tavolette sono state trovate nella Galleria Tretyakov, un paio nella collezione dell'artista Korin, una nel Museo Russo. Ma la scoperta più interessante è stata fatta a Londra: l'antiquario Richard Temple ha inviato a Lazarev una fotografia di un'icona a due facce della sua collezione - con la Trinità e Nostra Signora Odigitria sul retro. Si adatta perfettamente per dimensioni e stile agli altri. E nel 1987, Blanchett Rockefeller, vedova di John D. Rockefeller III, acquistò questa icona da Temple e la donò al Museo di Novgorod.
Guarda e ascolta un video tour delle sale della pittura di icone dei secoli XV-XVI della Riserva-Museo di Novgorod
Nostra Signora invulnerabile alle frecce
Ci vuole un certo sforzo per vedere la Madre di Dio in questa grande icona, ma in realtà è lei la protagonista. Nella trama "Il miracolo dell'icona "Nostra Signora del segno" (Battaglia dei Novgorodiani con i Suzdaliani)" è raffigurata due volte - nel registro superiore e medio.
Vediamo come una piccola icona quadrata della “Madonna del Segno”, dove la Vergine Maria è raffigurata con le braccia aperte in un gesto protettivo, si innalza sopra le mura e la folla, come uno stendardo. Salva Novgorod dalle truppe del principe Suzdal Mstislav Andreevich. Questo miracolo avvenne nel 1170.
L'icona della Madonna del Segno del XII secolo qui raffigurata è ora conservata nella Cattedrale di Santa Sofia (non è stata esposta alla mostra). E questa grande icona narrativa, dipinta nel 1460, è ricca di dettagli, personaggi storici ed edifici mancanti.
Vergine di seta
La suddetta icona miracolosa “Nostra Signora del Segno” del XII secolo è assente dalla mostra, poiché è stata restituita alla Chiesa ortodossa nel 1991. Per molti secoli per i novgorodiani è stato l'emblema della città, il suo amuleto, il suo palladio. L'icona fu conservata prima nella Chiesa della Trasfigurazione in via Ilyin, e poi nella cattedrale del monastero di Znamensky. Naturalmente, il santuario era riccamente decorato: era coperto da una cornice d'argento dorato e al bordo inferiore era appeso un sudario ricamato.
È questo sudario del XVII secolo che può essere visto nella mostra. Ripete completamente le dimensioni dell'icona miracolosa. L'immagine del santuario è stata accuratamente riprodotta su tela e tessuto di seta utilizzando fili d'oro e d'argento. Puoi vedere i santi ai margini e leggere i loro nomi, ma sull'icona antica originale queste parti sono così consumate che non è rimasto quasi nessuno strato di vernice.
La Vergine Maria con una biografia dettagliata
Si sa poco della maggior parte delle icone russe antiche: di solito non conosciamo il nome dell'autore, né la data di creazione, né le circostanze dell'ordine. Ma quanto più ci si avvicina ai tempi moderni, tanto più questa situazione cambia. Ad esempio, grazie all'iscrizione dettagliata lungo il bordo inferiore, molto è chiaro su questa icona della Madre di Dio Iveron.
Sebbene lo stile ricordi il XVII secolo, si scopre che l'icona in realtà è stata creata molto più tardi, nel 1827. È stato scritto dal “commerciante di Vyshnevolotsk” Ignatiy Eremeevich Chistyakov. L'icona da lui creata è una copia dell'immagine commissionata dal famoso Patriarca Nikon per il Monastero Iveron Valdai, da lui fondato. Quell'icona è davvero del XVII secolo, è stata dipinta nel 1655. Tuttavia è impossibile vederlo: quando il monastero fu chiuso nel 1927, andò perduto.
E il patriarca Nikon, a sua volta, seguì le orme dello zar Alexei Mikhailovich, che sette anni prima, nel 1648, ordinò una copia esatta della primissima icona di Iveron dal monastero di Iveron sull'Athos per la Cattedrale dell'Assunzione del Cremlino di Mosca. L'immagine reale è stata conservata, ora è nella cattedrale di Smolensk
A volte i capolavori richiedono mesi e anni per essere creati. Gli artisti investono conoscenza, creatività ed emozione nei loro progetti.
I dipinti finiti sono carichi di un significato e quindi di un'importanza soggettiva, il cui valore non può essere misurato, almeno fino a quando non vengono messi all'asta al miglior offerente.
Le opere di cui parleremo oggi costano molti soldi, hanno avuto un grande significato per critici e ammiratori d'arte, tuttavia, purtroppo, sono state danneggiate a causa di un atteggiamento imprudente o disattenzione, di atti vandalici o semplicemente della mancanza di adeguate condizioni di conservazione.
Se i creatori di queste opere d'arte fossero vivi, rimarrebbero sicuramente inorriditi.
1. “Pietà” (1498-99) Michelangelo
(Michelangelo – Pietà)
Una scultura in marmo raffigurante la Vergine Maria in lutto con il corpo di Gesù Cristo deposto dalla croce è l'attrazione principale della Cattedrale di San Pietro. Pietro in Vaticano e una delle opere d'arte più venerate dai religiosi e semplicemente da chi ama e apprezza la scultura classica. In tutti i 500 anni di storia della Pietà, il danno più significativo alla scultura fu causato nel 1972, quando la statua fu attaccata da un geologo con un martello e al grido di "Io sono Gesù Cristo!" Molti dei frammenti della statua, compreso un pezzo del naso di Maria, furono raccolti da testimoni oculari dell'incidente, ma successivamente non furono restituiti alla cattedrale. Nel corso di un lungo restauro, il volto della Madre di Dio è stato restaurato utilizzando materiale prelevato da altre parti della statua. Dopo il restauro, la Pietà di Michelangelo Buanarroti è stata posta sotto un vetro antiproiettile.
2. “La ronda di notte” (1642) di Rembrandt van Rijn
(Rembrandt van Rijn – La ronda di notte)
Sfortunatamente, col passare del tempo, la stessa Guardia notturna ebbe bisogno di sicurezza. Quando il dipinto fu esposto al Museo Nazionale statale di Amsterdam, furono fatti diversi attentati alla sua vita. Nel 1911, il cuoco di una nave disoccupato tentò senza successo di tagliare il dipinto con un coltello. Nel 1975, un insegnante ebbe più successo quando tagliò la tela in linee a zigzag (in seguito si scoprì che l'uomo soffriva di un disturbo mentale e presto si suicidò). E nonostante il dipinto sia stato restaurato, si possono ancora trovare tracce di atti vandalici. Nel 1990, uno dei visitatori spruzzò dell'acido sul dipinto, ma le guardie reagirono rapidamente e salvarono il dipinto dalla distruzione.
3. “Danae” (1636), di Rembrandt van Rijn
(Rembrandt van Rijn – Danae)
Uno dei dipinti preferiti di Rembrandt raffigura gli eroi della mitologia greca: la madre di Perseo, Danae, che incontra Zeus, suo padre. La tela di 2,4 x 3 metri fu danneggiata nel 1985 quando un pazzo visitatore dell'Ermitage di San Pietroburgo (dove il dipinto era stato conservato dal XVIII secolo), agitando un coltello, tentò di tagliare il basso ventre e la coscia di Danae. Tuttavia, l'intera drammaticità della situazione è che ha poi aperto un recipiente con acido solforico e lo ha versato sul dipinto, a seguito del quale la vernice originale ha iniziato a bollire e si è staccata dalla tela. Ci sono voluti dodici lunghi anni per restaurare il dipinto e, fortunatamente, ora è di nuovo esposto.
4. “Venere allo specchio” (1647-51) di Diego Velazquez
(Diego Velazquez – Venere di Rokeby)
Velázquez era un maestro nel rappresentare le persone in modo realistico, come è evidente guardando Venere con uno specchio, in cui la dea Venere è sdraiata su un letto in una posa seducente, guardando in uno specchio tenuto da suo figlio Cupido. Nel 1914, Venere fu letteralmente fatta a pezzi dalla suffragetta militare Mary Richardson (che in seguito divenne il capo della divisione femminile dell'Unione britannica dei fascisti) dopo l'arresto della sua compagna, Emmeline Panccrust. La donna entrò nella National Gallery di Londra, nonostante gli avvertimenti di un possibile attacco, e fece sette tagli su quasi tutta la parte posteriore della Venere. Richardson ha ricevuto una pena detentiva di sei mesi per il suo crimine.
5. “S. Anna con Maria e il Bambino Gesù" (1499-1500) Leonardo da Vinci
(Leonardo da Vinci - La Vergine col Bambino, Sant'Anna e San Giovanni Battista)
Uno schizzo in bianco e nero con carboncino e gesso dipinto da Leonardo 500 anni fa si trova anche alla National Gallery di Londra. Nel 1987 il suo valore era di 35 milioni di dollari. Poi l'uomo ha cercato di sparare alla foto con un fucile a canne mozze, con l'intenzione di dimostrare il suo disappunto per "le condizioni politiche, sociali ed economiche in Gran Bretagna". Il colpo ha danneggiato il vetro protettivo e ha causato un buco di 6 pollici nel manto della Madonna. Numerosi pezzi di vetro e di carta sono stati rimossi durante il processo di restauro che, come del resto accade quasi sempre in questi casi, non è riuscito a riportare l'opera alla sua forma originaria.
6. “L'Attore”, (1904) Pablo Picasso
(Pablo Picasso – L'Attore)
Prova a pensare a un incidente nella tua vita che ti è costato un sacco di soldi. Ti ricordi? Ora confrontiamo il nostro danno con le perdite subite dal Metropolitan Museum of Art nel 2010, quando uno dei visitatori cadde accidentalmente su un dipinto di Picasso del valore di 130 milioni di dollari. A seguito dell'incidente, sulla tela è apparso uno spazio lungo 15 cm e misura 1,8 x 2,4 metri, poiché si è trattato di un incidente, il colpevole dell'incidente non è stato punito.
7. “Il Sogno” (1923) Pablo Picasso
(Pablo Picasso – Le Reve)
Quattro anni prima dell’incidente con il dipinto “L’attore”, un destino simile toccò al “Sogno” di Picasso, che raffigurava l’amante dell’artista Marie-Therese Walter. A quel tempo, il dipinto era nella collezione privata del proprietario di uno dei casinò americani, Steve Wynn, che progettava di vendere "The Dream" al manager degli hedge fund Steven Cohen. Tuttavia, ciò non era destinato a verificarsi. Mentre mostrava il dipinto agli ospiti, Winn, che soffre di problemi alla vista, inciampò accidentalmente e cadde sulla tela, provocandovi un buco di 5 centimetri, dopo di che decise di non vendere il dipinto. Il ripristino di “Sleep” costò al miliardario 90.000 dollari.
8. “Fontana” (1917), Marcel Duchamp
(Marcel Duchamp – Fontana)
Questo maestro dotato è riuscito a dare un significato interiore a quasi tutti gli oggetti. Il modello per la Fontana di Duchamp era un orinatoio bianco del Bedfordshire, che acquistò nel 1917 a New York. Inizialmente, ci sono state controversie sulla questione se l'opera appartenga alle opere d'arte, poiché è stata inserita dal creatore in una mostra della Society of Independent Artists, che, a sua volta, ha rifiutato di esporre questa mostra. Tuttavia, nel 2006 il suo valore era già di 3,6 milioni di dollari. Nello stesso anno, l'opera soffrì per mano di un artista di 76 anni che decise di fracassarla con un martello, ma ne fece solo staccare i bordi. Tredici anni prima, quando la mostra era stata esposta a Nîmes (Francia), lo stesso uomo vi aveva urinato proprio durante la mostra. Fino ad oggi, il lavoro attira invariabilmente interesse.
9. “Vaso Portland” (30-20 aC) di autore ignoto
Questo squisito vaso in vetro e cammeo raffigurante figure di dei e mortali fu scoperto vicino a Roma nel XVI secolo, dopodiché nel 1810 il vaso fu trasferito al British Museum per la conservazione. È difficile credere che un oggetto così fragile possa rimanere illeso per così tanti secoli, ma è comunque vero. Il vaso di Portland sopravvisse ad altri vasi dell'era ellenistica nel 1865-1875 e sarebbe rimasto intatto anche oltre, se non fosse stato per il triste incidente del 1845, quando il vaso fu fatto a pezzi da un visitatore ubriaco del museo. Alcuni frammenti del vaso andarono perduti e ritrovati solo pochi anni dopo, dopodiché il vaso fu smontato e incollato più volte. Gli ultimi lavori di restauro sono stati eseguiti nel 1988 e nel 1989, grazie ai quali è stato possibile riportare il Vaso Portland quasi al suo aspetto originario.
10. La Sirenetta (1913) di Edward Eriksen
(Edvard Eriksen - La Sirenetta)
Dato che la statua della Sirenetta è una delle principali attrazioni di Copenaghen, è stata ripetutamente colpita da vandali per vari motivi (il più delle volte politici). Nel 1964 la testa della statua fu tagliata e rubata, dopodiché fu realizzata e installata una nuova testa, nuovamente rubata qualche tempo dopo. Negli anni successivi “La Sirenetta” venne privata della mano destra, fatta saltare in aria con la dinamite e ricoperta di vernici di ogni sorta di colori e sfumature. Forse “La Sirenetta” di Edward Eriksen può essere definita l’opera d’arte più “longanime” del mondo.
RACCONTI DI CATERINA II
Caterina II difficilmente può essere definita una buona madre: il suo difficile rapporto con l'unico figlio Paolo (il futuro Paolo I) è un fatto storico ben noto. Il ragazzo è cresciuto lontano da sua madre e la vedeva raramente. Caterina II rimosse arbitrariamente suo figlio dal potere quando suo padre, Pietro III, morì durante un colpo di stato. Per tutta la vita, Pavel sospettò che sua madre fosse coinvolta nella morte di suo padre e non poté perdonarla per questo. Ma Caterina II era una nonna premurosa e sensibile.
Si aspettava di consegnare direttamente le redini del governo a suo nipote Alexander, quindi è stata coinvolta lei stessa nella sua educazione e istruzione. Per l'edificazione di suo nipote, l'imperatrice scrisse "La storia del principe Cloro" (la storia di un giovane che superò ogni sorta di ostacoli alla ricerca di una rosa magica senza spine) e "La storia del principe Tebe", dedicata a le regole di comportamento dell'erede al trono.
Gli studiosi di letteratura considerano le opere di Caterina II le prime fiabe letterarie nella storia della cultura russa.
“Il principe rispose:
Cerchiamo una rosa senza spine, che non punga.
"Ho sentito", disse il giovane, "dal nostro insegnante, di una rosa senza spine che non punge". Questo fiore non è altro che virtù. Altri pensano di raggiungerlo per sentieri tortuosi, ma vi conduce solo una strada diritta. Ecco il monte che hai in mente, sul quale cresce una rosa senza spine, che non punge; ma la strada è ripida e rocciosa.
Caterina II, "La storia del principe Cloro"
RITRATTI DI ILYA REPIN
La vita familiare di Ilya Repin con la sua prima moglie Vera è stata molto difficile. Ma i problemi nei rapporti con sua moglie non hanno influenzato i sentimenti dell'artista nei confronti dei bambini: Repin li amava moltissimo. La figlia maggiore Vera divenne spesso l'eroina dei suoi dipinti, ad esempio le opere "Ritratto di Vera Repina" (1878), "Dragonfly" (1884), "Bouquet autunnale" (1892). Repin dipinse non meno spesso anche la sua seconda figlia Nadia - è raffigurata anche nei dipinti “Ritratto di Nadia Repina” (1881), “In the Sun” (1900). L'unico figlio di Repin, Yuri, che in seguito divenne lui stesso un artista, posò per suo padre per il suo ritratto d'infanzia nel 1882.
RITRATTI DI KONSTANTIN MAKOVSKY
Konstantin Makovsky è stato sposato tre volte. Il suo primo matrimonio fu di breve durata: Makovsky rimase vedova poco dopo il matrimonio. Ma con la sua seconda moglie, Yulia Letkova, visse per più di 20 anni felici. In questo matrimonio hanno avuto tre figli, che sono diventati i modelli preferiti dell'artista. Nel "Ritratto di famiglia" ha raffigurato sua moglie con il figlio Sergei e la figlia Elena. Il giovane Sergei divenne l'eroe di altri dipinti, come "Il piccolo ladro" (1881), "Il piccolo antiquario", "Ritratto di un figlio in costume da marinaio".
Già in età venerabile, Makovsky incontrò la sua terza moglie, per la quale lasciò la sua ex famiglia. Quattro figli di questo matrimonio (Konstantin, Olga, Marina e Nikolai) Makovsky scrivevano tanto spesso quanto i più grandi.
RITRATTI DI VALENTIN SEROV
Valentin Serov era il padre di una famiglia numerosa: sua moglie Olga Trubnikova diede all'artista sei figli, che Serov dipingeva spesso. Tra i famosi ritratti di bambini dell'artista ci sono il ritratto marino “Bambini (Sasha e Yura Serov)”, il ritratto di “Misha Serov”, il disegno ad acquerello “Sasha Serov”, il dipinto “Figli dell'artista Olga e Antosha Serov”. La vita dei figli di Valentin Serov si sviluppò diversamente: la figlia maggiore Olga divenne un'artista, il figlio Yuri divenne un attore cinematografico e Alexander Serov, un costruttore navale e pilota militare, emigrò in Libano, dove era impegnato nella costruzione di strade.
RITRATTI DI ZINAIDA SEREBRIAKOVA
Prima della rivoluzione, Zinaida Serebryakova viveva felicemente con il marito Boris Serebryakov e quattro figli: Evgeny, Alexander, Tatyana ed Ekaterina. I bambini hanno posato con gioia per i ritratti dell'artista. Serebryakova ha raffigurato tre bambini nel dipinto "A pranzo", separatamente: il figlio addormentato Zhenya in uno schizzo di studio del 1908 e le figlie nel ritratto "Tata e Katya". Nel 1919 la vita della famiglia cambiò: il marito di Serebryakova morì. Poi l'artista iniziò a dipingere i suoi figli ancora più spesso, cercando in loro consolazione. I dipinti “House of Cards”, “On the Terrace in Kharkov”, così come numerosi ritratti di figlie appartengono al periodo post-rivoluzionario dell’opera di Serebryakova. Nel 1924 Zinaida Serebryakova fu costretta a partire per la Francia e lasciare i suoi figli in URSS. Alcuni anni dopo, Alexander ed Ekaterina poterono andare da lei e Tatyana Serebryakova poté vedere solo 36 anni dopo.
POESIE DI MARINA CVETAEVA
La Cvetaeva scriveva spesso e in dettaglio dei suoi figli - Arianna, Irina e Georgy - nei suoi diari, dedicando loro numerose poesie. La sua musa principale era Arianna. Le scrisse, ad esempio, “Poesie a sua figlia” e “Ale”. La Cvetaeva fu molto turbata dalla separazione forzata dalla figlia maggiore quando dovette mandare Arianna in un orfanotrofio, cosa che si rifletteva nella sua poesia "Piccolo spirito domestico, il mio genio domestico". Non meno tragica poesia "Sotto il ruggito delle tempeste civili" la Cvetaeva dedicò a Irina, morta all'età di tre anni.
Sotto il ruggito delle tempeste civili,
In un momento difficile,
Ti do un nome: pace,
L'eredità è azzurra.
Allontanati, allontanati, nemico!
Dio ti benedica, Trino,
Erede delle benedizioni eterne
Piccola Irina!
Marina Cvetaeva
POESIE DI BORIS PASTERNAK
Negli anni '20 e '30, per molti poeti, le poesie per bambini erano l'unico modo per pubblicare senza timore di persecuzioni. Fu in questo periodo che furono pubblicate in edizioni separate due poesie "per bambini" di Pasternak, scritte però non tanto per guadagnare soldi, ma per leggerle al suo figlioletto Evgenij. Questi erano i libri "Menagerie" con illustrazioni di Nikolai Kupreyanov e "Carousel" con disegni di Nikolai Tyrsa. Da allora queste poesie sono state ripubblicate solo una volta, nel 2016. Lo stesso Pasternak, da bambino, ha ispirato suo padre, l'artista Leonid Pasternak, a creare diversi ritratti di bambini ("Ritratto di Boris Pasternak sullo sfondo del Mar Baltico", grafica "Boris Pasternak al pianoforte", "Scolaro addormentato") .
...Il ringhio lontano dei puma
Fondersi in un rumore discordante.
Il ringhio rimbomba nel parco,
E il cielo si sta facendo caldo,
Ma non c'è una nuvola in vista
Nel giardino zoologico.
Come vicini di buon carattere,
Gli orsi parlano ai bambini
E le stufe rumorose attutiscono
Talloni nudi di cuccioli di orso.
Correndo lungo la passerella piastrellata
Scendono in mutande
Tre orsi polari
In uno stagno di famiglia.
Boris Pasternak, Il serraglio
RACCONTI DI BULAT OKUDZHAVA
Quando Bulat Okudzhava viveva a Yalta alla fine degli anni '60, scriveva lettere a suo figlio con fiabe e disegnava per loro immagini divertenti. Non ha nemmeno pensato alla pubblicazione finché Bella Akhmadulina non ha visto questa corrispondenza. Su suo consiglio, Okudzhava ha combinato fiabe sparse in un'unica storia. È così che è apparso il libro "Lovely Adventures": la storia delle creature esotiche Craig the Kootenay Ram, the Good Snake e Sea Gridig. È stato pubblicato in URSS nel 1971 e veniva fornito con le illustrazioni dell'autore. Ben presto il libro fu tradotto in diverse lingue straniere.
«Ed ecco cosa ha detto Craig, il Kootenay Ram.
Un giorno stavo camminando sui Monti Kootenay. All'improvviso vedo: il Lupo Astuto Solitario si sta avvicinando furtivamente a me. Ho deciso di prenderlo in giro. Dopotutto, sono anche molto astuto. Non volevo litigare con lui, ma avrebbe ricordato la mia battuta per molto tempo.
Ho urlato e ho corso come il vento. Il lupo si precipitò dietro di me.
Sì! - egli gridò. - Non mi lascerai! Adesso ti mangio!
Mi aveva quasi raggiunto mentre mi dirigevo verso l'abisso profondo.
Sì! - gridò il Lupo.
E poi ho saltato. Ho volato sopra l'abisso molto facilmente: dopo tutto, sono molto abile e il Lupo Astuto Solitario è caduto.
Corse lungo il fondo dell'abisso, ma non riuscì a uscire. Poi gridò:
Salvami! Non lo farò mai più. Mangerò solo erba.
Gli ho calato la corda. Salì rapidamente e quando scese rise e disse:
E tu ci credevi, stupido... Davvero hai deciso che avrei mangiato l'erba? Ho davvero bisogno della tua stupida erba! Mi piace la carne! E adesso ti mangerò!
Stava per attaccarmi di nuovo, ma sono molto intelligente. Ho saltato e mi sono ritrovato dall’altra parte dell’abisso”.
Bulat Okudzhava, “Belle avventure”