"Autoritratto" 1888
Paul Gauguin (1848-1903), pittore francese. In gioventù prestò servizio come marinaio, nel 1871-1883 come agente di cambio a Parigi. Negli anni '70 dell'Ottocento Paul Gauguin iniziò a dipingere, prese parte alle mostre degli impressionisti e usò i consigli di Camille Pissarro. Dal 1883 si dedicò interamente all'arte, che portò Gauguin alla povertà, alla rottura con la sua famiglia e ai vagabondaggi. Nel 1886 Gauguin visse a Pont-Aven (Bretagna), nel 1887 - a Panama e sull'isola di Martinica, nel 1888, insieme a Vincent van Gogh, lavorò ad Arles, nel 1889-1891 - a Le Pouldu (Bretagna) . Il rifiuto della società contemporanea ha suscitato l'interesse di Gauguin per lo stile di vita tradizionale, per l'arte della Grecia arcaica, per i paesi dell'Antico Oriente e per le culture primitive. Nel 1891 Gauguin partì per l'isola di Tahiti (Oceania) e, dopo un breve ritorno (1893-1895) in Francia, si stabilì per sempre sulle isole (prima a Tahiti, dal 1901 - sull'isola di Hiva-Oa). Anche in Francia, la ricerca di immagini generalizzate, il significato misterioso dei fenomeni ("Vision after the Sermon", 1888, National Gallery of Scotland, Edimburgo; "Yellow Christ", 1889, Albright Gallery, Buffalo) avvicina Gauguin al simbolismo e ha portato lui e un gruppo di persone che lavorano sotto la sua influenza giovani artisti a creare una sorta di sistema pittorico - "sintetismo", in cui la modellazione di luci e ombre di volumi, luce-aria e prospettive lineari sono sostituite da una giustapposizione ritmica di singoli piani di colore puro, che riempiono completamente le forme degli oggetti e svolgono un ruolo di primo piano nella creazione della struttura emotiva e psicologica dell'immagine ("Cafe in Arles", 1888, Museo Pushkin, Mosca). Questo sistema è stato ulteriormente sviluppato nei dipinti dipinti da Gauguin sulle isole dell'Oceania. Raffigurando la succosa bellezza purosangue della natura tropicale, naturale, incontaminata dalle persone della civiltà, l'artista ha cercato di realizzare il sogno utopico di un paradiso terrestre, di una vita umana in armonia con la natura ("Sei geloso?", 1892; "Il King's Wife", 1896; "Raccolta di frutti", 1899, - tutti i dipinti nel Museo Pushkin, Mosca; "Donna con un frutto", 1893, Hermitage, San Pietroburgo).
"Paesaggio tahitiano" 1891, Musée d'Orsay, Parigi
"Due ragazze" 1899, Metropolitan, New York
"Paesaggio bretone" 1894, Musée d'Orsay, Parigi
"Ritratto di Madeleine Bernard" 1888, Museo d'Arte, Grenoble
"Villaggio bretone nella neve" 1888, Museo d'Arte, Göteborg
"Risveglio dello spirito dei morti" 1892, Knox Gallery, Buffalo
Le tele di Gauguin, in termini di colore decorativo, piattezza e monumentalità della composizione, generalizzazione del disegno stilizzato, portavano molte caratteristiche dello stile Art Nouveau che si stava sviluppando in questo periodo, influenzarono le ricerche creative dei maestri del gruppo Nabis e di altri pittori di l'inizio del XX secolo. Gauguin ha lavorato anche nel campo della scultura e della grafica.
"Donne tahitiane sulla spiaggia" 1891
"Sei geloso?" 1892
"Donne di Tahiti" 1892
"Sulla costa" 1892
"Grandi alberi" 1891
"Mai (Oh Tahiti)" 1897
"Giorno dei santi" 1894
"Vairumati" 1897
"Quando ti sposerai?" 1892
"In riva al mare" 1892
"Uno" 1893
"Pastorali tahitiane" 1892
"Contes barbares" (Racconti barbari)
"Maschera di Tehura" 1892, legno pua
"Merahi metua no Teha"amana (Antenati di Teha"amana)" 1893
"Madame Mette Gauguin in abito da sera"
Nell'estate alla fine degli anni '80 del secolo scorso, molti artisti francesi si sono riuniti a Pont-Aven (Bretagna, Francia). Si sono uniti e quasi immediatamente si sono divisi in due fazioni ostili. Un gruppo comprendeva artisti che intrapresero il cammino della ricerca e furono accomunati dal nome comune "Impressionisti". Secondo il secondo gruppo, guidato da Paul Gauguin, questo nome era offensivo. P. Gauguin a quel tempo aveva già meno di quarant'anni. Circondato dall'alone misterioso di un viaggiatore che aveva esplorato terre straniere, ebbe una grande esperienza di vita sia di ammiratori che di imitatori della sua opera.
Entrambi i campi furono inoltre divisi in base al vantaggio della loro posizione. Se gli impressionisti vivevano in soffitte o soffitte, altri artisti occupavano le stanze migliori dell'Hotel Gloanek, cenavano nella sala più grande e più bella del ristorante, dove i membri del primo gruppo non erano ammessi. Tuttavia, gli scontri tra gruppi non solo non hanno impedito a P. Gauguin di lavorare, anzi, in una certa misura lo hanno aiutato a realizzare quelle caratteristiche che gli hanno causato una violenta protesta. Il rifiuto del metodo analitico degli impressionisti era una manifestazione del suo completo ripensamento dei compiti della pittura. Il desiderio degli impressionisti di catturare tutto ciò che vedevano, il loro stesso principio artistico - dare ai loro dipinti l'aspetto di uno sbirciare accidentale - non corrispondeva alla natura imperiosa ed energica di P. Gauguin.
Ancor meno è soddisfatto della ricerca teorica e artistica di J. Seurat, che cerca di ridurre la pittura a un uso freddo e razionale di formule e ricette scientifiche. La tecnica puntinistica di J. Seurat, la sua metodica applicazione della pittura con pennellate incrociate e punti irritavano Paul Gauguin con la loro monotonia.
Il soggiorno dell'artista in Martinica tra la natura, che gli sembrava un tappeto lussuoso e favoloso, convinse finalmente P. Gauguin a utilizzare solo colori non scomposti nei suoi dipinti. Insieme a lui, gli artisti che hanno condiviso il suo pensiero hanno proclamato come loro principio la "Sintesi", cioè la semplificazione sintetica di linee, forme e colori. Lo scopo di questa semplificazione era trasmettere l'impressione della massima intensità del colore e omettere tutto ciò che indebolisce questa impressione. Questa tecnica ha costituito la base dell'antica pittura decorativa di affreschi e vetrate.
La questione del rapporto tra colore e vernice era molto interessante per P. Gauguin. Nella sua pittura, ha anche cercato di esprimere non l'accidentale e non il superficiale, ma il duraturo e l'essenziale. Per lui solo la volontà creativa dell'artista era la legge, e vedeva il suo compito artistico nell'esprimere l'armonia interiore, che intendeva come sintesi della franchezza della natura e dello stato d'animo dell'anima dell'artista disturbato da questa franchezza. Lo stesso P. Gauguin ne ha parlato in questo modo: "Non tengo conto della verità della natura, visibile esternamente ... Correggi questa falsa prospettiva, che distorce il soggetto per la sua veridicità ... Le dinamiche dovrebbero essere evitate. Lascia che tutto respira con calma e tranquillità, evita pose in movimento... Ciascuno dei personaggi deve essere in una posizione statica." E ha ridotto la prospettiva dei suoi quadri, l'ha avvicinata al piano, dispiegando le figure in posizione frontale ed evitando gli angoli. Ecco perché le persone raffigurate da P. Gauguin sono immobili nei dipinti: sono come statue scolpite con un grande scalpello senza dettagli inutili.
A Tahiti iniziò il periodo della creatività matura di Paul Gauguin, fu qui che il problema della sintesi artistica ebbe in lui il suo pieno sviluppo. A Tahiti l'artista ha rinunciato a molto di ciò che sapeva: ai tropici le forme sono chiare e definite, le ombre sono pesanti e calde ei contrasti sono particolarmente netti. Qui tutti i compiti da lui fissati a Pont-Aven furono risolti da soli. I colori di P. Gauguin diventano puri, senza sbavature. I suoi dipinti tahitiani danno l'impressione di tappeti o affreschi orientali, quindi i colori in essi sono armoniosamente portati a un certo tono.
"Chi siamo? Da dove veniamo? Dove stiamo andando?"
L'opera di P. Gauguin di questo periodo (ovvero la prima visita dell'artista a Tahiti) sembra essere una favola meravigliosa che ha vissuto tra la natura primitiva ed esotica della lontana Polinesia. Nella zona di Mataye trova un piccolo villaggio, si compra una capanna, da un lato della quale schizza l'oceano e dall'altro è visibile una montagna con un enorme crepaccio. Gli europei non sono ancora arrivati qui e la vita sembrava a P. Gauguin un vero paradiso terrestre. Obbedisce al ritmo lento della vita tahitiana, assorbe i colori vivaci del mare blu, a volte coperto di onde verdi che si infrangono rumorosamente contro le barriere coralline.
Fin dai primi giorni, l'artista ha stabilito rapporti semplici e umani con i tahitiani. Il lavoro inizia a catturare sempre di più P. Gauguin. Realizza numerosi schizzi e schizzi dalla natura, in ogni caso cerca di catturare su tela, carta o legno i volti caratteristici dei tahitiani, le loro figure e posture - nel processo di lavoro o durante il riposo. Durante questo periodo, ha creato i dipinti di fama mondiale "Lo spirito dei morti si sveglia", "Sei geloso?", "Conversazione", "Pastorali tahitiane".
Ma se nel 1891 la strada per Tahiti gli sembrò radiosa (vi andò dopo alcune vittorie artistiche in Francia), allora la seconda volta andò nella sua amata isola da malato che aveva perso la maggior parte delle sue illusioni. Tutto lungo il tragitto lo infastidiva: soste forzate, spese inutili, disagi stradali, cavilli doganali, compagni di viaggio invadenti...
Solo due anni non era a Tahiti, e così tanto è cambiato qui. L'incursione europea ha distrutto la vita originaria degli indigeni, tutto sembra a P. Gauguin un pasticcio insopportabile: illuminazione elettrica a Papeete, la capitale dell'isola, e giostre insopportabili vicino al castello reale, e i suoni del fonografo che rompono il precedente silenzio .
Questa volta l'artista soggiorna a Punoauia, sulla costa occidentale di Tahiti, costruendo una casa su un terreno in affitto con vista sul mare e sulle montagne. Prevedendo di stabilirsi stabilmente sull'isola e creare le condizioni per lavorare, non risparmia soldi per la sistemazione della sua casa e presto, come spesso accade, rimane senza soldi. P. Gauguin contava su amici che, prima che l'artista lasciasse la Francia, gli avevano preso in prestito un totale di 4.000 franchi, ma non avevano fretta di restituirli. Nonostante abbia inviato loro numerosi richiami al loro dovere, si è lamentato della sorte e della situazione estremamente angosciosa...
Nella primavera del 1896, l'artista si trova in preda al bisogno più grave. A questo si aggiunge il dolore alla gamba rotta, che è ricoperta di ulcere e gli provoca sofferenze insopportabili, privandolo del sonno e delle energie. Il pensiero dell'inutilità degli sforzi nella lotta per l'esistenza, del fallimento di tutti i piani artistici, gli fa pensare sempre più spesso al suicidio. Ma non appena P. Gauguin prova il minimo sollievo, la natura dell'artista prende il sopravvento in lui e il pessimismo si dissolve davanti alla gioia della vita e della creatività.
Tuttavia, questi erano momenti rari e le disgrazie si susseguivano con catastrofica regolarità. E la cosa più terribile per lui è stata la notizia dalla Francia sulla morte della sua amata figlia Alina. Incapace di sopravvivere alla perdita, P. Gauguin prese un'enorme dose di arsenico e andò in montagna in modo che nessuno potesse fermarlo. Il tentativo di suicidio ha portato al fatto che ha trascorso la notte in una terribile agonia, senza alcun aiuto e in completa solitudine.
Per molto tempo l'artista è stato in completa prostrazione, non poteva tenere un pennello tra le mani. La sua unica consolazione era un'enorme tela (450 x 170 cm), scritta da lui prima del suo tentativo di suicidio. Ha chiamato il dipinto "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove stiamo andando?" e in una delle sue lettere scrive: "Ci ho messo, prima di morire, tutta la mia energia, una passione così dolorosa nelle mie orribili circostanze, e una visione così chiara, senza correzione, che le tracce della fretta sono scomparse e tutta la vita è visibile in esso."
P. Gauguin ha lavorato all'immagine con una tensione terribile, sebbene ne avesse covato l'idea nella sua immaginazione per molto tempo, lui stesso non poteva dire esattamente quando è nata l'idea di questa tela. Frammenti separati di questa monumentale opera furono scritti da lui in diversi anni e in altre opere. Ad esempio, la figura femminile di "Pastorali tahitiani" è ripetuta in questa immagine accanto all'idolo, la figura centrale del raccoglitore di frutta è stata trovata nello studio d'oro "Uomo che raccoglie frutti da un albero"...
Sognando di espandere le possibilità della pittura, Paul Gauguin ha cercato di dare alla sua pittura il carattere di un affresco. A tal fine lascia i due angoli superiori (uno con il nome del dipinto, l'altro con la firma dell'artista) gialli e non riempiti di pittura - "come un affresco, danneggiato agli angoli e sovrapposto a una parete dorata".
Nella primavera del 1898 inviò il quadro a Parigi, e in una lettera al critico A. Fontaine riferì che il suo obiettivo era "non creare una complessa catena di ingegnose allegorie che avrebbero dovuto essere risolte. Al contrario, il contenuto allegorico dell'immagine è estremamente semplice, ma non nel senso di rispondere a domande poste, ma nel senso di porre queste domande stesse. Paul Gauguin non avrebbe risposto alle domande che aveva posto nel titolo dell'immagine, perché credeva che fossero e sarebbero un mistero terribile e dolcissimo per la coscienza umana. Pertanto, l'essenza delle allegorie raffigurate su questa tela risiede nell'incarnazione puramente pittorica di questo enigma in agguato nella natura, il sacro orrore dell'immortalità e il mistero dell'essere.
Nella sua prima visita a Tahiti, P. Gauguin guardò il mondo con gli occhi entusiasti di un grande bambino-popolo, per il quale il mondo non aveva ancora perso la sua novità e le sue magnifiche pietre preziose. Il suo sguardo infantilmente esaltato rivelava colori invisibili agli altri in natura: erba smeraldo, cielo zaffiro, ombra solare ametista, fiori rubino e oro puro della pelle Maori. I dipinti tahitiani di P. Gauguin di questo periodo risplendono di un nobile bagliore dorato, come le vetrate delle cattedrali gotiche, fusi con lo splendore regale dei mosaici bizantini, e sono profumati di ricche fuoriuscite di colori.
La solitudine e la profonda disperazione, che lo possedevano durante la sua seconda visita a Tahiti, costrinsero P. Gauguin a vedere tutto solo in nero. Tuttavia, l'istinto naturale del maestro e gli occhi del suo colorista non hanno permesso all'artista di perdere completamente il gusto per la vita e per i suoi colori, sebbene abbia creato una tela cupa, dipingendola in uno stato di mistico orrore.
Allora, cos'è questa immagine? Come i manoscritti orientali, che vanno letti da destra a sinistra, il contenuto dell'immagine si svolge nella stessa direzione: passo dopo passo si svela il corso della vita umana - dal suo inizio alla morte, portando con sé la paura della non esistenza.
Di fronte allo spettatore, su una grande tela allungata orizzontalmente, è raffigurata la sponda di un ruscello forestale, nelle cui acque scure si riflettono ombre misteriose e indefinite. Dall'altro lato: una fitta e lussureggiante vegetazione tropicale, erba color smeraldo, fitti cespugli verdi, strani alberi blu, "che crescono come se non sulla terra, ma in paradiso".
I tronchi degli alberi si contorcono in modo strano, si intrecciano, formando una rete di pizzo, attraverso la quale si può vedere il mare con creste bianche di onde costiere, una montagna viola scuro su un'isola vicina, cielo blu - "uno spettacolo di natura vergine, che potrebbe essere un paradiso ."
In primo piano nell'immagine, su un terreno libero da piante, un gruppo di persone si trova attorno a una statua di pietra di una divinità. I personaggi non sono uniti da nessun evento o azione comune, ognuno è impegnato con il proprio ed è immerso in se stesso. Il resto del bambino addormentato è sorvegliato da un grosso cane nero; "tre donne accovacciate, come se stessero ascoltando se stesse, congelate in attesa di una gioia inaspettata. Un giovane in piedi al centro raccoglie un frutto da un albero con entrambe le mani ... Una figura, volutamente enorme contrariamente alle leggi della prospettiva ... alza la mano, guardando con sorpresa due personaggi che osano pensare al loro destino.
Accanto alla statua, una donna sola, come meccanicamente, cammina di lato, immersa in uno stato di riflessione intensa e concentrata. Un uccello si sta muovendo verso di lei a terra. Sul lato sinistro della tela, un bambino seduto per terra porta un frutto alla bocca, un gatto lecca da una ciotola... E lo spettatore si chiede: "Cosa significa tutto questo?"
A prima vista sembra la vita di tutti i giorni, ma, oltre al significato diretto, ogni immagine porta un'allegoria poetica, un accenno alla possibilità di un'interpretazione figurativa. Così, ad esempio, il motivo di un ruscello nella foresta o dell'acqua sorgiva che sgorga dal terreno è la metafora preferita di Gauguin per la fonte della vita, il misterioso inizio dell'essere. Il bambino addormentato personifica la castità dell'alba della vita umana. Un giovane che raccoglie frutti da un albero e donne sedute per terra a destra incarnano l'idea dell'unità organica dell'uomo con la natura, la naturalezza della sua esistenza in essa.
Un uomo con la mano alzata, che guarda con sorpresa i suoi amici, è il primo barlume di ansia, l'impulso iniziale a comprendere i segreti del mondo e dell'essere. Altri rivelano l'audacia e la sofferenza della mente umana, il mistero e la tragedia dello spirito, che risiedono nell'ineluttabilità della conoscenza da parte dell'uomo del suo destino mortale, nella brevità dell'esistenza terrena e nell'ineluttabilità della fine.
Lo stesso Paul Gauguin ha fornito molte spiegazioni, ma ha messo in guardia contro il desiderio di vedere simboli generalmente accettati nella sua immagine, di decifrare le immagini in modo troppo diretto e ancor di più di cercare risposte. Alcuni storici dell'arte ritengono che lo stato depresso dell'artista, che lo ha portato a tentare il suicidio, sia stato espresso in un linguaggio artistico rigoroso e conciso. Notano che l'immagine è sovraccarica di piccoli dettagli che non chiariscono l'idea generale, ma confondono solo lo spettatore. Anche le spiegazioni nelle lettere del maestro non possono dissipare la nebbia mistica che ha messo in questi dettagli.
Lo stesso P. Gauguin considerava la sua opera un testamento spirituale, forse per questo l'immagine divenne un poema pittorico, in cui le immagini specifiche si trasformavano in un'idea sublime e la materia in spirito. La trama della tela è dominata da uno stato d'animo poetico, ricco di sfumature sfuggenti e significato interiore. Tuttavia, lo stato d'animo di pace e grazia è già coperto da una vaga ansia di contatto con il mondo del misterioso, dà origine a un sentimento di ansia nascosta, dolorosa insolubilità dei misteri più intimi dell'essere, il mistero della venuta al mondo dell'uomo e il mistero della sua scomparsa. Nella foto, la felicità è oscurata dalla sofferenza, il tormento spirituale è spazzato via dalla dolcezza dell'esistenza fisica - "orrore dorato, coperto di gioia". Tutto è inseparabile, come nella vita.
P. Gauguin deliberatamente non corregge le proporzioni sbagliate, sforzandosi a tutti i costi di preservare i suoi modi abbozzati. Apprezzava questa abbozzatura, incompletezza, soprattutto molto, credendo che fosse lei a portare un flusso vivo nella tela e conferire al quadro una poesia speciale che non era caratteristica delle cose finite e eccessivamente finite.
"Natura morta"
"Giacobbe alle prese con un angelo" 1888
"Perdita della verginità"
"Fonte misteriosa" (Pape moe)
"La nascita di Cristo Figlio di Dio (Te tamari no atua)"
"Cristo giallo"
"Mese di Maria"
"Donna che tiene un feto" 1893
“Caffè ad Arles”, 1888, Museo Pushkin, Mosca
"La moglie del re" 1896
"Cristo giallo"
"Cavallo bianco"
"Idolo" 1898 Eremo
"Sogno" ( Te rerioa )
"Poimes barbares (versi barbari)"
"Buon pomeriggio, signor Gauguin"
"Autoritratto" ca. 1890-1899
"Autoritratto con tavolozza" Collezione privata 1894
"Autoritratto" 1896
"Autoritratto al Calvario" 1896
artista francese Paolo Gauguin viaggiò molto, ma l'isola di Tahiti era per lui un luogo speciale, la terra di "estasi, tranquillità e arte", che divenne una seconda casa per l'artista. È qui che scrive le sue opere più straordinarie, una delle quali - "Sei geloso?"- merita un'attenzione speciale.
Per la prima volta, Paul Gauguin arrivò a Tahiti nel 1891. Sperava di trovare qui l'incarnazione del suo sogno di un'età dell'oro, di vivere in armonia con la natura e le persone. Il porto di Papeete, che lo ha incontrato, ha deluso l'artista: una città insignificante, un freddo incontro con i coloni locali e una mancanza di ordini per i ritratti lo hanno spinto a cercare un nuovo rifugio. Gauguin trascorse circa due anni nel villaggio natale di Mataiea, fu uno dei periodi più fruttuosi del suo lavoro: in 2 anni dipinse circa 80 tele. 1893-1895 trascorre in Francia, e poi riparte per l'Oceania, per non tornare mai più.
Gauguin ha sempre parlato di Tahiti con particolare calore: “Sono stato affascinato da questa terra e dalla sua gente, semplice, non viziata dalla civiltà. Per creare qualcosa di nuovo, dobbiamo rivolgerci alle nostre origini, all'infanzia dell'umanità. L'Eva che scelgo è quasi un animale, quindi rimane casta, anche nuda. Tutte le Veneri esposte nel Salon sembrano indecenti, disgustosamente lussuriosi ... ". Gauguin non si stancava di ammirare le donne tahitiane, la loro serietà e semplicità, maestà e spontaneità, bellezza insolita e fascino naturale. Li ha dipinti su tutte le sue tele.
Dipingere "Sei geloso?" fu scritto durante il primo soggiorno di Gauguin a Tahiti, nel 1892. Fu durante questo periodo di creatività che apparve nel suo stile una straordinaria armonia di colori e forme. Partendo da una trama ordinaria, sbirciata nella quotidianità delle donne tahitiane, l'artista crea dei veri e propri capolavori in cui il colore diventa il principale vettore di contenuto simbolico. Il critico Paul Delaroche ha scritto: "Se Gauguin, che rappresenta la gelosia, lo fa con il rosa e il viola, allora sembra che tutta la natura ne prenda parte".
L'artista ha spiegato il suo stile creativo durante questo periodo come segue: “Prendo come pretesto qualsiasi tema preso in prestito dalla vita o dalla natura e, nonostante il posizionamento di linee e colori, ottengo una sinfonia e un'armonia che non rappresentano nulla di completamente reale in il significato esatto di questa parola...”. Gauguin ha negato la realtà scritta dai realisti: ne ha creata un'altra.
La trama dell'immagine "Sei geloso?" ha fatto capolino anche nella quotidianità delle donne tahitiane: sorelle aborigene, dopo il bagno, si crogiolano sulla riva e parlano d'amore. Uno dei ricordi provoca improvvisamente la gelosia di una delle sorelle, che ha fatto sedere improvvisamente la seconda sulla sabbia ed esclamare: "Ah, sei gelosa!" L'artista ha scritto queste parole nell'angolo in basso a sinistra della tela, riproducendo il discorso tahitiano in lettere latine. Da questo episodio accidentale della vita di qualcun altro è nato un capolavoro d'arte.
Entrambe le ragazze raffigurate nella foto sono nude, ma nella loro nudità, nonostante le loro pose sensuali, non c'è nulla di vergognoso, strano, erotico o volgare. La loro nudità è naturale quanto la natura esotica straordinariamente luminosa che li circonda. Secondo i canoni europei della bellezza, difficilmente possono essere definiti attraenti, ma a Gauguin sembrano belli, e riesce a catturare pienamente il suo stato emotivo sulla tela.
Gauguin attribuiva particolare importanza a questa immagine. Nel 1892 disse a un amico in una lettera: "Ho recentemente dipinto un magnifico quadro di nudi, due donne sulla spiaggia, che penso sia la cosa migliore che abbia mai fatto". Le donne tahitiane sono misteriose e inspiegabilmente belle, proprio come le altre
1848-1903: tra queste figure c'è l'intera vita del più grande, grande, geniale pittore Paul Gauguin.
"L'unico modo per diventare Dio è fare come Lui: creare".
Paolo Gauguin
nella foto: un frammento dell'immagine Paolo Gauguin"Autoritratto con tavolozza", 1894
Dettagli della vita Paolo Gauguin formò una delle biografie più insolite nella storia dell'arte. La sua vita ha davvero dato a diverse persone motivi per parlarne, ammirare, ridere, risentirsi e inginocchiarsi.
Paul Gauguin: I primi anni
Paul Eugene-Henri Gauguin Nato a Parigi il 7 giugno 1848 nella famiglia del giornalista Clovis Gauguin, convinto radicale. Dopo la sconfitta della rivolta di giugno, la famiglia Gauguin per motivi di sicurezza fu costretta a trasferirsi da parenti in Perù, dove Clodoveo intendeva pubblicare la sua rivista. Ma sulla strada per il Sud America, il giornalista è morto per un attacco di cuore, lasciando la moglie con due bambini piccoli. Dobbiamo rendere omaggio alla resistenza mentale della madre dell'artista, che da sola, senza lamentele, ha cresciuto i figli.
Un fulgido esempio di coraggio in un ambiente familiare campi fu sua nonna Flora Tristan, una delle prime socialiste e femministe del paese, che pubblicò nel 1838 il libro autobiografico "The Wanderings of a Pariah". Da lei Paolo Gauguin ha ereditato non solo la somiglianza esterna, ma anche il suo carattere, il suo temperamento, l'indifferenza per l'opinione pubblica e l'amore per i viaggi.
I ricordi della vita con i parenti in Perù erano così cari Gauguin che in seguito si definì un "selvaggio peruviano". All'inizio nulla gli aveva predetto il destino di un grande artista. Dopo 6 anni di vita in Perù, la famiglia è tornata in Francia. Ma la grigia vita di provincia a Orleans e lo studio in un collegio parigino si sono stancati Gauguin, e all'età di 17 anni, contro la volontà della madre, entrò al servizio della flotta mercantile francese e viaggiò in Brasile, Cile, Perù, e poi al largo della Danimarca e della Norvegia. È stata la prima vergogna, secondo gli standard generalmente accettati, che Paolo portato alla sua famiglia. La madre, morta durante il viaggio, non perdonò il figlio e, per punizione, lo privò di ogni eredità. Ritornato a Parigi nel 1871, Gauguin con l'aiuto del suo tutore Gustave Arosa, amico di sua madre, ottenne un posto come broker in una delle società di borsa più rinomate della capitale. campo aveva 23 anni, e prima di lui aveva aperto una brillante carriera. Ha messo su famiglia abbastanza presto ed è diventato un padre di famiglia esemplare (ha avuto 5 figli).
"Famiglia in giardino" Paolo Gauguin, 1881, olio su tela, New Carlsberg Glyptothek, Copenaghen
Dipingere come hobby
Ma il loro benessere stabile Gauguin senza esitazione, ha sacrificato la sua passione per la pittura. colore Gauguin iniziata nel 1870. All'inizio era un hobby domenicale e Paolo valutava modestamente le sue capacità e la famiglia considerava la sua passione per la pittura una dolce eccentricità. Attraverso Gustave Arosa, che amava l'arte e collezionava quadri, Paolo Gauguin ha incontrato diversi impressionisti, accettando con entusiasmo le loro idee.
Dopo aver partecipato a 5 mostre degli impressionisti, il nome Gauguin suonava nei circoli artistici: l'artista brillava già attraverso il broker parigino. E Gauguin decise di dedicarsi interamente alla pittura, e di non essere, secondo le sue parole, un "artista della domenica". Contribuì anche alla scelta a favore dell'art. Gauguin. Ma la crisi finanziaria ha colpito anche la pittura: quadri venduti male, e la vita familiare Gauguin trasformato in una lotta per la sopravvivenza. Trasferirsi a Rouen, e successivamente a Copenaghen, dove l'artista vendeva prodotti su tela e sua moglie dava lezioni di francese, non lo salvò dalla povertà e dal matrimonio Gauguin Rotto. Gauguin tornò a Parigi con il figlio più giovane, dove non trovò né tranquillità né benessere. Per nutrire suo figlio, il grande artista è stato costretto a guadagnare soldi affiggendo manifesti. "Conoscevo la vera povertà", ha scritto Gauguin in "Notebook for Alina", la sua amata figlia. - È vero che, nonostante tutto, la sofferenza acuisce il talento. Tuttavia, non dovrebbe essere troppo, altrimenti ti ucciderà”.
"Fiori e un libro giapponese", Paolo Gauguin, 1882, olio su tavola, New Carlsberg Glyptothek, Copenhagen
Formazione del proprio stile
per la pittura Gauguinè stato un punto di svolta. La scuola dell'artista era l'impressionismo, che in quel periodo raggiunse il suo apice, e l'insegnante lo era Camillo Pisarro, uno dei fondatori dell'impressionismo. Il nome del patriarca dell'impressionismo Camillo Pisarro consentito Gauguin partecipare a cinque delle otto mostre impressioniste tra il 1874 e il 1886.
"Pozza d'acqua", Paolo Gauguin, 1885, olio su tela, collezione privata
A metà degli anni 1880 iniziò la crisi dell'impressionismo e Paolo Gauguin cominciò a trovare la sua strada nell'arte. Un viaggio nella pittoresca Bretagna, che ha conservato le sue antiche tradizioni, ha segnato l'inizio dei cambiamenti nel lavoro dell'artista: si è allontanato dall'impressionismo e ha sviluppato il proprio stile, combinando elementi della cultura bretone con uno stile di scrittura radicalmente semplificato: il sintetismo. Questo stile è caratterizzato da una semplificazione dell'immagine, trasmessa da colori accesi, insolitamente brillanti e da una decoratività volutamente eccessiva.
Il sintetismo apparve e si manifestò intorno al 1888 nelle opere di altri artisti della scuola di Pont-Aven— Émile Bernard, Louis Anquetin, Paul Serusier e altri Una caratteristica dello stile sintetico era il desiderio degli artisti di "sintetizzare" i mondi visibili e immaginari, e spesso ciò che veniva creato sulla tela era un ricordo di ciò che avevano visto una volta. Come nuova tendenza nell'arte, il sintetismo ha guadagnato importanza dopo un'organizzazione organizzata Gauguin mostre nel caffè parigino Volpini nel 1889. Nuove idee Gauguin divenne il concetto estetico del noto gruppo Nabis, da cui si sviluppò un nuovo movimento artistico, l'Art Nouveau.
"Visione dopo il sermone (Lotta di Giacobbe con un angelo)", Paolo Gauguin, 1888, olio su tela, 74,4 x 93,1 cm, National Gallery of Scotland, Edimburgo
L'arte dei popoli antichi come fonte di ispirazione per la pittura europea
La crisi dell'impressionismo ha messo gli artisti che hanno abbandonato la cieca "imitazione della natura" con la necessità di trovare nuove fonti di ispirazione. L'arte dei popoli antichi divenne una fonte di ispirazione davvero inesauribile per la pittura europea e ebbe una forte influenza sul suo sviluppo.
Stile Paul Gauguin
Frase da una lettera Gauguin"Puoi sempre trovare conforto nel primitivo" testimonia il suo accresciuto interesse per l'arte primitiva. Stile Gauguin, combinando armoniosamente impressionismo, simbolismo, grafica giapponese e illustrazione per bambini, era perfetto per raffigurare popoli "incivili". Se gli impressionisti, ciascuno a modo suo, cercavano di analizzare il mondo colorato, trasmettendo la realtà senza una base psicologica e filosofica speciale, allora Gauguin non solo ha offerto una tecnica virtuosa, ha riflesso nell'arte:
"Per me, un grande artista è la formula per la mente più grande."
I suoi dipinti sono metafore piene di armonia dai significati complessi, spesso permeati di misticismo pagano. Le figure di persone, che ha dipinto dalla natura, hanno acquisito un significato simbolico e filosofico. Con le relazioni cromatiche l'artista ha trasmesso stati d'animo, stati d'animo, pensieri: ad esempio, il colore rosa della terra nei dipinti è simbolo di gioia e abbondanza.
"Giorno della Divinità (Mahana no Natua)", Paolo Gauguin, 1894, olio su tela, Art Institute of Chicago, USA
Sognatore per natura Paolo Gauguin per tutta la vita ha cercato un paradiso terrestre per catturarlo nelle sue opere. Lo cercò in Bretagna, Martinica, Tahiti, Marchesi. Tre viaggi a Tahiti (nel 1891, 1893 e 1895), dove l'artista dipinse alcune delle sue famose opere, portarono delusione: la primitività dell'isola era andata perduta. Le malattie introdotte dagli europei ridussero la popolazione dell'isola da 70 a 7mila e, insieme agli isolani, si estinsero i loro rituali, l'arte e l'artigianato locale. nel quadro Gauguin"Ragazza con un fiore" si può sentire la dualità della struttura culturale dell'isola in quel momento: questo è eloquentemente evidenziato dall'abito europeo della ragazza.
"Ragazza con un fiore" Paolo Gauguin
Nella loro ricerca di un nuovo, unico linguaggio artistico Gauguin non era solo: il desiderio di cambiamento nell'arte univa artisti dissimili e originali ( Seurat, Signac, Van Gogh, Cezanne, Toulouse-Lautrec, Bonnard e altri), dando vita a una nuova tendenza: il post-impressionismo. Nonostante la fondamentale diversità di stili e calligrafia, nel lavoro dei post-impressionisti si può rintracciare non solo l'unità ideologica, ma anche la comunanza nella vita di tutti i giorni: di regola, la solitudine e la tragedia delle situazioni della vita. Il pubblico non li capiva e non sempre si capivano. Nelle recensioni della mostra di dipinti Gauguin portato da Tahiti, si potrebbe leggere:
"Per divertire i tuoi figli, mandali a una mostra Gauguin. Si divertiranno davanti a quadri colorati raffiguranti creature femminili a quattro braccia distese su un tavolo da biliardo…”.
Dopo tali critiche sprezzanti Paolo Gauguin non rimase a casa e nel 1895 ripartì per l'ultima volta alla volta di Tahiti. Nel 1901 l'artista si trasferì a Domenique Island (Isole Marchesi), dove morì di infarto l'8 maggio 1903. Paolo Gauguin Fu sepolto nel cimitero cattolico locale di Domenic Island (Hiva Oa).
"Cavalieri sulla costa" Paolo Gauguin, 1902
Anche dopo la morte dell'artista, le autorità francesi a Tahiti, che lo hanno perseguitato durante la sua vita, hanno represso senza pietà il suo patrimonio artistico. Funzionari ignoranti vendevano i suoi dipinti, sculture, rilievi in legno sotto il martello per pochi centesimi. Il gendarme che conduceva l'asta ruppe un bastone scolpito davanti al popolo riunito. Gauguin, ma nascose i suoi dipinti e, tornato in Europa, aprì un museo dell'artista. Il riconoscimento è arrivato Gauguin 3 anni dopo la sua morte, quando 227 delle sue opere furono esposte a Parigi. La stampa francese, che ha ridicolizzato maliziosamente l'artista durante la sua vita su ciascuna delle sue poche mostre, ha iniziato a stampare odi elogiative alla sua arte. Su di lui sono stati scritti articoli, libri e memorie.
"Quando è il matrimonio?", Paolo Gauguin, 1892, olio su tela, Basilea, Svizzera (fino al 2015)
Una volta in una lettera a Paul Serusier Gauguin Suggerì disperatamente: “... i miei quadri mi spaventano. Il pubblico non li accetterà mai". Tuttavia, le immagini Gauguin il pubblico accetta e compra a caro prezzo. Ad esempio, nel 2015, un anonimo acquirente del Qatar (secondo il FMI, il paese più ricco del mondo dal 2010) ha acquistato un dipinto Gauguin"Quando è il matrimonio?", per 300 milioni di dollari. Pittura Gauguin ha ricevuto lo status onorario del dipinto più costoso del mondo.
Per essere onesti, va notato che Gauguin non si preoccupava affatto della mancanza di interesse pubblico per il suo lavoro. Era convinto: “Tutti dovrebbero seguire la propria passione. So che le persone mi capiranno sempre meno. Ma può davvero importare?" Intera vita Paolo Gauguin era una lotta contro il filisteismo e il pregiudizio. Ha sempre perso, ma grazie alla sua ossessione non si è mai arreso. L'amore per l'arte, che viveva nel suo cuore indomabile, divenne una stella polare per gli artisti che seguirono le sue orme.
Era un imprenditore di successo e in pochi anni riuscì a fare una grossa fortuna, che sarebbe bastata a provvedere a tutta la famiglia: sua moglie e cinque figli. Ma a un certo punto, quest'uomo è tornato a casa e ha detto che voleva scambiare il suo noioso impiego finanziario con colori ad olio, pennelli e tele. Così, ha lasciato la borsa e, trascinato dalla sua attività preferita, è rimasto senza niente.
Ora le tele post-impressioniste di Paul Gauguin sono stimate a più di un milione di dollari. Ad esempio, nel 2015, il dipinto dell'artista intitolato "Quando è il matrimonio?" (1892), raffigurante due donne tahitiane e un pittoresco paesaggio tropicale, fu venduto all'asta per 300 milioni di dollari, ma si scoprì che durante la sua vita il talentuoso francese, come il suo collega di negozio, non ricevette il meritato riconoscimento e fama. Per amore dell'arte, Gauguin si è deliberatamente condannato all'esistenza di un povero vagabondo e ha scambiato una vita ricca con una totale povertà.
Infanzia e giovinezza
Il futuro artista nacque nella città dell'amore - la capitale della Francia - il 7 giugno 1848, in quel periodo travagliato in cui sconvolgimenti politici attendevano il paese di Cezanne e del parmigiano, influenzando la vita di tutti i cittadini - dai mercanti insignificanti ai grandi imprenditori . Il padre di Paul, Clovis, proveniva dalla piccola borghesia di Orleans, lavorava come giornalista liberale nel quotidiano locale Nacional e copriva scrupolosamente le cronache degli affari di stato.
Sua moglie Alina Maria era originaria del soleggiato Perù, è cresciuta ed è stata allevata in una famiglia nobile. La madre di Alina e, di conseguenza, la nonna di Gauguin, figlia illegittima del nobile Don Mariano e Flora Tristan, aderì alle idee politiche del socialismo utopico, divenne autrice di saggi critici e del libro autobiografico Wanderings of the Party. L'unione di Flora e del marito Andre Chazal si è conclusa tristemente: lo sfortunato amante ha aggredito la moglie ed è finito in prigione per tentato omicidio.
A causa degli sconvolgimenti politici in Francia, Clodoveo, preoccupato per l'incolumità della sua famiglia, fu costretto a lasciare il paese. Inoltre, le autorità hanno chiuso la casa editrice dove lavorava e il giornalista è rimasto senza mezzi di sussistenza. Pertanto, il capofamiglia, insieme alla moglie e ai bambini piccoli, andò su una nave per il Perù nel 1850.
Il padre di Gauguin era pieno di buone speranze: sognava di stabilirsi in uno stato sudamericano e, sotto l'egida dei genitori di sua moglie, fondare il proprio giornale. Ma i piani dell'uomo non si realizzarono, perché durante il viaggio Clodoveo morì improvvisamente per un infarto. Pertanto, Alina è tornata in patria da vedova, insieme a Gauguin di 18 mesi e sua sorella Marie di 2 anni.
Fino all'età di sette anni, Paul ha vissuto in un antico stato sudamericano, la cui pittoresca periferia montuosa eccita l'immaginazione di chiunque. Il giovane Gauguin aveva occhio per occhio: nella tenuta di suo zio a Lima, era circondato da servi e infermiere. Paul conservava un vivido ricordo di quel periodo dell'infanzia, ricordava con piacere le sconfinate distese del Perù, le cui impressioni perseguitavano il talentuoso artista per il resto della sua vita.
L'idilliaca infanzia di Gauguin in questo paradiso tropicale si interruppe bruscamente. A causa dei conflitti civili in Perù nel 1854, eminenti parenti da parte di madre persero potere politico e privilegi. Nel 1855, Alina tornò in Francia con Marie per ricevere un'eredità da suo zio. La donna si stabilì a Parigi e iniziò a guadagnarsi da vivere come sarta, mentre Paul rimase a Orleans, dove fu allevato dal nonno paterno. Grazie alla perseveranza e al lavoro nel 1861, il genitore di Gauguin divenne proprietario del proprio laboratorio di cucito.
Dopo diverse scuole locali, Gauguin fu inviato in un prestigioso collegio cattolico (Petit Seminarire de La Chapelle-Saint-Mesmin). Paul era uno studente diligente, quindi eccelleva in molte materie, ma la lingua francese era particolarmente adatta a un giovane di talento.
Quando il futuro artista aveva 14 anni, entrò nella scuola preparatoria navale di Parigi e si stava preparando per entrare nella scuola nautica. Ma, fortunatamente o sfortunatamente, nel 1865 il giovane fallì gli esami al comitato di selezione, quindi, senza perdere la speranza, fu assunto sulla nave come pilota. Così, il giovane Gauguin intraprese un viaggio attraverso sconfinati spazi acquatici e viaggiò continuamente in molti paesi, visitò il Sud America, sulla costa mediterranea, esplorò i mari del nord.
Mentre Paul era in mare, sua madre morì di malattia. Gauguin rimase all'oscuro della terribile tragedia per diversi mesi, finché una lettera con notizie spiacevoli di sua sorella lo raggiunse mentre si recava in India. Nel suo testamento, Alina raccomandava alla sua prole di fare carriera, perché, a suo avviso, Gauguin, a causa del suo carattere ostinato, non avrebbe potuto fare affidamento su amici o parenti in caso di guai.
Paul non contraddisse l'ultima volontà del genitore e nel 1871 si recò a Parigi per iniziare una vita indipendente. Il giovane è stato fortunato, perché l'amico di sua madre Gustave Arosa ha aiutato il ragazzo orfano di 23 anni a uscire dagli stracci e diventare ricco. Gustave, un agente di cambio, raccomandò Paul alla compagnia, grazie alla quale il giovane ottenne una posizione come broker.
Pittura
Il talentuoso Gauguin riuscì nella sua professione, l'uomo iniziò ad avere soldi. Per dieci anni della sua carriera è diventato una persona rispettabile nella società ed è riuscito a fornire alla sua famiglia un confortevole appartamento nel centro della città. Come il suo tutore Gustave Arosa, Paul iniziò ad acquistare dipinti dei famosi impressionisti e nel tempo libero, ispirato dai dipinti di Gauguin, iniziò a provare il suo talento.
Tra il 1873 e il 1874, Paul creò i primi vivaci paesaggi che riflettevano la cultura peruviana. Una delle opere d'esordio del giovane artista - "Forest Thicket in Viroff" - è stata esposta al Salon e ha ricevuto recensioni entusiastiche dalla critica. Presto il maestro dei novizi incontrò Camille Pissarro, un pittore francese. Una calda amicizia sviluppata tra queste due persone creative, Gauguin visitava spesso il suo mentore nel sobborgo nord-occidentale di Parigi - Pontoise.
L'artista, che odia la vita secolare e ama la solitudine, trascorre sempre più il suo tempo libero dipingendo, gradualmente il broker viene percepito non come un impiegato di una grande azienda, ma come un artista dotato. Per molti versi, il destino di Gauguin è stato influenzato dalla sua conoscenza con un certo rappresentante originale del movimento impressionista. Degas sostiene Paul sia moralmente che finanziariamente, acquistando le sue tele espressive.
In cerca di ispirazione e relax dalla rumorosa capitale della Francia, il maestro fece le valigie e partì per un viaggio. Così visitò Panama, visse con Van Gogh ad Arles, visitò la Bretagna. Nel 1891, ricordando un'infanzia felice trascorsa nella patria della madre, Gauguin parte per Tahiti, un'isola vulcanica le cui distese danno sfogo alla fantasia. Ammirava le barriere coralline, le fitte giungle dove crescono frutti succosi e le coste azzurre del mare. Paul ha cercato di trasmettere tutti i colori naturali che vedeva sulle tele, grazie ai quali le creazioni di Gauguin si sono rivelate originali e luminose.
L'artista osservava ciò che accadeva intorno a lui e catturava ciò che vedeva con un sensibile occhio artistico nelle sue opere. Quindi, la trama del dipinto "Sei geloso?" (1892) apparve in realtà davanti agli occhi di Gauguin. Le due sorelle tahitiane, che si erano appena bagnate, si sdraiarono rilassate sulla riva sotto il sole cocente. Dal dialogo da ragazza sull'amore, Gauguin ha sentito il conflitto: “Come? Sei geloso!". Paul in seguito ha ammesso che questo dipinto è una delle sue creazioni preferite.
Nello stesso 1892, il maestro dipinse la mistica tela "Lo spirito dei morti non dorme", realizzata in cupi e misteriosi toni viola. Lo spettatore vede una donna tahitiana nuda sdraiata su un letto, e dietro di lei c'è uno spirito in una veste cupa. Il fatto è che un giorno la lampada dell'artista ha finito l'olio. Accese un fiammifero per illuminare lo spazio, spaventando così Tehura. Paul iniziò a chiedersi se questa ragazza potesse prendere l'artista non per una persona, ma per un fantasma o uno spirito, di cui i tahitiani hanno molta paura. Questi pensieri mistici di Gauguin lo hanno ispirato con la trama dell'immagine.
Un anno dopo, il maestro dipinge un'altra immagine chiamata "Donna che tiene un feto". Seguendo la sua maniera, Gauguin firma questo capolavoro con il secondo nome, Maori, Euhaereiaoe ("Dove [stai] andando?"). In quest'opera, come in tutte le opere di Paolo, l'uomo e la natura sono statici, come se si fondessero in uno. Inizialmente questo dipinto fu acquistato da un commerciante russo, attualmente l'opera si trova nelle mura dell'Ermitage di Stato. Tra l'altro, l'autore di The Sewing Woman negli ultimi anni della sua vita scrisse il libro NoaNoa, pubblicato nel 1901.
Vita privata
Paul Gauguin nel 1873 fece una proposta di matrimonio alla danese Matte-Sophie Gad, che acconsentì e diede al suo amante quattro figli: due maschi e due femmine. Gauguin adorava il suo primo figlio, Emil, nato nel 1874. Molte tele del maestro dei pennelli e dei colori sono decorate con l'immagine di un ragazzo serio che, a giudicare dalle opere, amava leggere libri.
Sfortunatamente, la vita familiare del grande impressionista non era senza nuvole. I dipinti del maestro non furono venduti e non portarono il loro reddito precedente, e la moglie dell'artista non era dell'opinione che con un dolce paradiso in una capanna. A causa della difficile situazione di Paolo, che riusciva a malapena a sbarcare il lunario, spesso sorgevano litigi e conflitti tra i coniugi. Dopo essere arrivato a Tahiti, Gauguin sposò una giovane bellezza locale.
Morte
Mentre Gauguin era a Papeete, ha lavorato in modo molto produttivo ed è riuscito a scrivere circa ottanta tele, che sono considerate le migliori del suo curriculum. Ma il destino ha preparato nuovi ostacoli per l'uomo di talento. Gauguin non è riuscito a ottenere riconoscimento e fama tra gli ammiratori della creatività, quindi è precipitato nella depressione.
A causa della striscia nera che è arrivata nella sua vita, Paul ha tentato il suicidio più di una volta. Lo stato d'animo dell'artista ha dato luogo all'oppressione della salute, l'autore di "Villaggio bretone sotto la neve" si ammalò di lebbra. Il grande maestro morì sull'isola il 9 maggio 1903 all'età di 54 anni.
Purtroppo, come spesso accade, la fama di Gauguin giunse solo dopo la sua morte: tre anni dopo la morte del maestro, le sue tele furono esposte al pubblico a Parigi. In memoria di Paul nel 1986, è stato girato il film "Il lupo sulla soglia", in cui il ruolo dell'artista è stato interpretato dal famoso attore di Hollywood. Inoltre, lo scrittore di prosa britannico ha scritto l'opera biografica "The Moon and the Penny", in cui Paul Gauguin è diventato il prototipo del protagonista.
Opere d'arte
- 1880 - "La donna che cuce"
- 1888 - "Visione dopo il sermone"
- 1888 - "Caffè ad Arles"
- 1889 - "Cristo giallo"
- 1891 - "Donna con fiore"
- 1892 - "Lo spirito dei morti non dorme"
- 1892 - "Ah, sei geloso?"
- 1893 - "Donna con un frutto"
- 1893 - "Il suo nome era Vairaumati"
- 1894 - "Il divertimento dello spirito malvagio"
- 1897–1898 - “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?"
- 1897 - "Mai più"
- 1899 - "Raccolta di frutti"
- 1902 - "Natura morta con pappagalli"
I capolavori dell'arte, in particolare, sono un riflesso del percorso di una persona, l'incarnazione di un sentimento che non può essere descritto a parole. Forse hanno un significato più profondo, più fondamentale. Paul Gauguin, il cacciatore di segreti e, come veniva chiamato, il famoso "creatore di miti", ha cercato di trovarlo.
Paul Gauguin era quella persona creativa che comprende cose nuove al volo, costantemente impegnata nell'autoeducazione. Ma quello che ha visto, lo ha percepito a modo suo, inconsciamente lo ha introdotto nel suo mondo artistico e lo ha combinato con altre parti. Ha creato il mondo delle sue fantasie e pensieri, ha creato la sua mitologia. Iniziando come artista autodidatta, Gauguin fu influenzato dalla scuola di Barbizon, dagli impressionisti, dai simbolisti e dai singoli artisti con cui il destino lo affrontò. Ma, avendo acquisito le competenze tecniche necessarie, sentiva un bisogno irresistibile di trovare la propria strada nell'arte, che gli permettesse di esprimere i suoi pensieri e le sue idee.
Eugenio Henri Paul Gauguin nato il 7 giugno 1848 a Parigi. Questa volta cadde negli anni della Rivoluzione francese. Nel 1851, dopo il colpo di stato, la famiglia si trasferì in Perù, dove il ragazzo rimase affascinato dalla bellezza luminosa e unica di un paese sconosciuto. Suo padre, giornalista liberale, morì a Panama e la famiglia si stabilì a Lima.
Fino all'età di sette anni, Paul ha vissuto in Perù con sua madre. I "contatti" dei bambini con la natura esotica, con vivaci costumi nazionali si sono profondamente depositati nella sua memoria e hanno influenzato la sua costante brama di cambiare posto. Dopo essere tornato in patria nel 1855, ripeteva costantemente che sarebbe tornato nel "paradiso perduto".
Gli anni dell'infanzia trascorsi a Lima e Orleans determinarono il destino dell'artista. Dopo essersi diplomato al liceo nel 1865, Gauguin, da giovane, entra nella flotta mercantile francese e viaggia per il mondo per sei anni. Nel 1870-1871, il futuro artista prende parte alla guerra franco-prussiana, alle battaglie nel Mediterraneo e nel Mare del Nord.
Ritornato a Parigi nel 1871, Gauguin si manifesta come agente di cambio sotto la guida del suo ricco tutore Gustave Arosa. A quel tempo, Arosa era un eccezionale collezionista di dipinti francesi, compresi dipinti impressionisti contemporanei. Fu Arosa a risvegliare in Gauguin l'interesse per l'arte ea sostenerlo.
I guadagni di Gauguin erano molto dignitosi e nel 1873 Paul sposò la danese Mette Sophie Gad, che prestò servizio come governante a Parigi. La casa in cui si stabilirono gli sposi, Gauguin iniziò a decorare con i dipinti che acquistò e collezionando a cui si interessò seriamente. Paul conosceva molti pittori, ma Camille Pissarro, che credeva che “puoi rinunciare a tutto! for the sake of art” è l'artista che ha lasciato il segno emotivo più grande nella sua mente.
Paul iniziò a dipingere e, ovviamente, cercò di vendere le sue creazioni. Seguendo il suo esempio Arosa, Gauguin acquista tele impressioniste. Nel 1876 espone al Salon un proprio quadro. La moglie lo considerava infantile e l'acquisto di quadri era uno spreco di denaro.
Nel gennaio 1882, il mercato azionario francese crollò e la banca Gauguin scoppiare. Alla fine Gauguin si separò dall'idea di trovare un lavoro e, dopo una dolorosa riflessione, nel 1883 fece una scelta, dicendo alla moglie che la pittura era l'unico modo per guadagnarsi da vivere. Stordita e spaventata dalla notizia inaspettata, Mette ha ricordato a Paul che hanno cinque figli e nessuno compra i suoi quadri - tutto invano! La rottura definitiva con la moglie lo ha privato della sua casa. Vivendo alla giornata con denaro preso in prestito per compensi futuri, Gauguin non si tira indietro. Paul cerca ostinatamente la propria strada nell'arte.
Nei primi dipinti Gauguin la prima metà degli anni Ottanta dell'Ottocento, eseguita a livello di pittura impressionista, non c'è nulla di insolito per cui varrebbe la pena lasciare anche un lavoro mediamente retribuito, le circostanze lo costrinsero a trasformare il suo hobby in un mestiere che avrebbe fornito a lui e alla sua famiglia un sostentamento.
Gauguin si considerava allora un pittore? The Copenhagen "", scritto nell'inverno 1884-1885, segna un'importante svolta nella vita di Gauguin ed è il punto di partenza per plasmare l'immagine dell'artista, che creerà nel corso della sua carriera.
Gauguin ha registrato una svolta importante nella sua vita: un anno fa ha lasciato il lavoro, ponendo fine per sempre alla carriera di agente di cambio e all'esistenza di un rispettabile borghese, ponendosi il compito di diventare un grande artista.
Nel giugno 1886 Gauguin partenza per Pont - Aven, cittadina sulla costa meridionale della Bretagna, dove si conservano ancora usanze, usanze e costumi antichi. Gauguin ha scritto che Parigi è “un deserto per i poveri. [...] Andrò a Panama e ci vivrò come un selvaggio. […] Porterò con me pennelli e colori e troverò nuova forza lontano dalla società delle persone”.
Non solo la povertà ha allontanato Gauguin dalla civiltà. Avventuriero dall'animo inquieto, ha sempre cercato di scoprire cosa si cela oltre l'orizzonte. Ecco perché amava così tanto gli esperimenti artistici. Era attratto da culture esotiche durante i viaggi e voleva immergersi in esse alla ricerca di nuovi modi di espressione visiva.
Qui si avvicina a M. Denis, E. Bernard, C. Laval, P. Serusier e C. Filizhe. Gli artisti hanno studiato con entusiasmo la natura, che sembrava loro una misteriosa azione mistica. Due anni dopo, un gruppo di pittori seguaci di Gauguin, uniti attorno a Serusier, riceverà il nome di "Nabis", che in ebraico significa "Profeti". A Pont-Aven, Gauguin dipinge immagini della vita dei contadini, in cui utilizza contorni semplificati e una composizione rigorosa. Il nuovo linguaggio pittorico di Gauguin suscitò un vivace dibattito tra gli artisti.
Nel 1887 si recò in Martinica, che lo incantò con l'esotismo semidimenticato dei tropici. Ma la febbre della palude ha costretto l'artista a tornare in patria, dove ha lavorato e completato le cure ad Arles. Il suo amico Van Gogh ha vissuto lì nello stesso periodo.
Qui inizia a cimentarsi con un disegno "infantile" semplificato - senza ombre, ma con colori molto accattivanti. Gauguin iniziò a ricorrere a un colore più colorato, a imporre masse più spesse, a comporre con maggior rigore. È stata un'esperienza determinante che ha preannunciato nuove conquiste. Le opere di questo periodo includono le opere "" (1887), "" (1887).
I dipinti della Martinica furono esposti a Parigi nel gennaio 1888. Il critico Felix Feneon ha trovato nell'opera di Gauguin "carattere acrimonia e barbaro", sebbene si riconosca che "questi quadri orgogliosi" danno già una comprensione della natura creativa dell'artista. Tuttavia, per quanto fruttuoso sia stato il periodo della Martinica, non è stato un punto di svolta nel lavoro di Gauguin.
Una caratteristica di tutti i tipi di creatività Paolo Gauguinè il desiderio di andare oltre la mentalità in base alla quale è stata determinata la sua arte "europea", il suo desiderio di arricchire la tradizione artistica europea con nuovi mezzi pittorici, in modo diverso permettendo di guardare il mondo che lo circonda, che pervade tutto le ricerche creative dell'artista.
Nel suo famoso dipinto "" (1888), l'immagine notevolmente dispiegata su un piano è divisa verticalmente in zone condizionali situate, come nei "primitivi" medievali o nel kakemono giapponese, l'una di fronte all'altra. Su una natura morta, allungata verticalmente, l'immagine si dispiega dall'alto verso il basso. La somiglianza di un rotolo medievale è stata costruita contrariamente ai metodi generalmente accettati per costruire una composizione. Su un piano bianco splendente - lo sfondo - come una palizzata, una catena di occhiali separa il livello superiore dai cuccioli. Questa è una sorta di singola struttura degli elementi di un'antica xilografia giapponese dell'artista giapponese Utagawa Kuniyoshi "" e " Natura morta con arco» Paolo Cézanne.
L'immagine "", una sorta di manifestazione della stessa idea di confronto "lontano e diverso", per dimostrare la loro relazione, come in " Natura morta con testa di cavallo". Ma questa idea è espressa in un diverso linguaggio plastico - con un completo rifiuto di ogni illusione e plausibilità naturale, sottolineata da incongruenze su larga scala e dalla stessa interpretazione ornamentale e decorativa del materiale. Qui puoi vedere un confronto tra "epoche diverse" della cultura pittorica - una parte superiore del quadro notevolmente grossolana e semplificata, come le prime forme di arte "primitiva", e la parte inferiore, che indica lo stadio finale della sua evoluzione moderna.
Sentendo l'influenza dell'incisione giapponese, Gauguin abbandonò la modellazione delle forme, rendendo più espressivi il disegno e la colorazione. Nei suoi quadri l'artista comincia a sottolineare la planarità della superficie pittorica, accennando solo a rapporti spaziali e rifiutando risolutamente la prospettiva aerea, costruendo le sue composizioni come una sequenza di piani piani.
Ciò ha portato alla creazione del simbolismo sintetico. Il nuovo stile sviluppato dal suo contemporaneo e artista Emile Bernard fece una forte impressione su Gauguin. percepito Gauguin cloisonismo, la cui base era un sistema di macchie di colore brillante sulla tela, divise in più piani di colori diversi con linee di contorno nette e bizzarre, applicò nella sua pittura compositiva "" (1888). Lo spazio e la prospettiva scompaiono completamente dal quadro, lasciando il posto alla costruzione cromatica della superficie. Il colore di Gauguin è diventato più audace, più decorativo e saturo.
In una lettera a Van Gogh nel 1888, Gauguin scrisse che nel suo dipinto sia il paesaggio che la lotta di Giacobbe con l'angelo vivono solo nelle congetture di coloro che pregano dopo il sermone. Da qui nasce il contrasto tra persone reali e figure che battono sullo sfondo del paesaggio, sproporzionato e irreale. Indubbiamente, sotto il Jacob in difficoltà, Gauguin intendeva se stesso, combattendo costantemente con circostanze di vita avverse. Le donne bretoni in preghiera sono testimoni indifferenti al suo destino: le comparse. L'episodio della lotta si presenta come una scena immaginaria, onirica, che corrisponde alle inclinazioni dello stesso Giacobbe, che in sogno si presentava con una scala con angeli.
Ha creato la sua tela dopo l'opera di Bernard "", ma questo non significa ancora l'influenza del quadro su di lui, poiché sia la tendenza generale dell'evoluzione creativa di Gauguin che alcune delle sue opere precedenti testimoniano una nuova visione e l'incarnazione di questa visione nella pittura.
Donne bretoni Gauguin non sembrare affatto santo, i personaggi e i tipi vengono trasferiti, in modo abbastanza concreto. Ma in loro si risveglia uno stato di egocentrismo. I berretti bianchi con strascichi alati li paragonano agli angeli. L'artista ha rifiutato di trasferire il volume, da una prospettiva lineare, e costruisce una composizione in un modo completamente diverso. Tutto è subordinato a un obiettivo: la trasmissione di un certo pensiero.
I due titoli del dipinto rimandano a due mondi diversi rappresentati sulla tela. Gauguin ha delimitato questi mondi, dividendoli compositivamente con un tronco d'albero potente e spesso, attraversando obliquamente l'intera tela. Vengono introdotti diversi punti di vista: l'artista guarda le figure vicine un po 'dal basso, il paesaggio - bruscamente dall'alto. A causa di ciò, la superficie della terra è quasi verticale, l'orizzonte è da qualche parte fuori dalla tela. Non rimane alcun ricordo della prospettiva lineare. C'è una sorta di "immersione", diretta dall'alto verso il basso "prospettiva".
Nell'inverno del 1888, Gauguin si reca ad Arles e lavora con Van Gogh, che sognava di creare una confraternita di artisti. Il lavoro congiunto di Gauguin con Van Gogh ha raggiunto il suo apice, finendo in un battibecco per entrambi gli artisti. Dopo l'attacco di Van Gogh all'artista, a Gauguin fu rivelato il significato esistenziale della pittura, che distrusse completamente il sistema chiuso di cloisonismo che aveva costruito.
Dopo essere stato costretto a fuggire da Van Gogh per rifugiarsi in un hotel, Gauguin si è divertito a lavorare con vero fuoco nella ceramica parigina di Chaplin e ha creato il dialogo più toccante nella vita di Vincent Van Gogh: un vaso con la faccia di Van Gogh e un orecchio mozzato al posto del manico, su cui si diffondono ruscelli di annaffiature rosse. Gauguin si è ritratto come un artista maledetto, vittima di un tormento creativo.
Dopo Arles, dove Gauguin, contrariamente al volere di Van Gogh, si rifiutò di restare, si recò da Pont - Aven a Le Pouldu, dove compaiono una dopo l'altra le sue famose tele con un crocifisso bretone, e poi si cerca a Parigi, gettandosi in giro che si conclude con una partenza per l'Oceania da - per conflitto diretto con l'Europa.
Nel villaggio di Le Pouldu, Paul Gauguin dipinse il suo dipinto "" (1889). Gauguin Volevo sperimentare, nelle sue parole, la "qualità selvaggia e primitiva" della vita contadina, per quanto possibile in isolamento. Gauguin non ha copiato la natura, ma l'ha utilizzata per disegnare con essa immagini immaginarie.
” è un chiaro esempio del suo metodo: vengono rifiutate sia la prospettiva che la modulazione naturalistica del colore, il che fa sembrare l'immagine come vetrate colorate o stampe giapponesi che hanno ispirato Gauguin per tutta la vita.
La differenza tra Gauguin prima di venire ad Arles e Gauguin dopo è evidente sull'esempio dell'interpretazione della trama senza pretese e abbastanza chiara "". "" (1888) è ancora permeato dallo spirito dell'epitaffio, e l'antica danza bretone, con il suo accentuato arcaismo, i movimenti inetti e costretti delle ragazze, si adatta perfettamente con assoluta immobilità alla base di una composizione stilizzata di figure geometriche. Piccoli bretoni: questi sono due piccoli miracoli, congelati come due statue in riva al mare. Gauguin li dipinse l'anno successivo, 1889. Al contrario, stupiscono per il principio compositivo di apertura, squilibrio, che riempie di speciale vitalità queste figurine scolpite da materiale inanimato. Due idoli, a forma di piccoli bretoni, sfumano il confine tra il mondo reale e l'altro mondo, che abitava le successive tele di Gauguin.
All'inizio del 1889 a Parigi nel caffè "Voltaire" durante la XX Esposizione Mondiale di Bruxelles, Paul Gauguin mostra diciassette dei suoi dipinti. L'esposizione delle opere di Gauguin e degli artisti della sua scuola, chiamata dalla critica la "Mostra degli impressionisti e dei sintetisti", non ebbe successo, ma diede origine al termine "sintetismo", che univa la tecnica del clausonismo e del simbolismo, sviluppando nella direzione opposta al puntinismo.
Paul Gauguin era profondamente turbato dall'immagine di un solitario, incompreso e sofferente per i suoi ideali di Cristo. Nella comprensione del maestro, il suo destino è strettamente correlato al destino di una persona creativa. Di Gauguin, l'artista è un asceta, un santo martire e la creatività è la via della croce. Allo stesso tempo, l'immagine del maestro emarginato è autobiografica per Gauguin, perché l'artista stesso spesso non veniva compreso: il pubblico - le sue opere, la famiglia - il percorso che aveva scelto.
L'artista si è rivolto al tema del sacrificio e della Via Crucis nei dipinti che rappresentano la crocifissione di Cristo e la sua rimozione dalla croce - "" (1889) e "" (1889). La tela "" raffigura una "Crocifissione" lignea policroma di un maestro medievale. Ai suoi piedi, tre donne bretoni si inchinavano e si bloccavano in pose di preghiera.
Allo stesso tempo, l'immobilità e la maestosità delle pose conferiscono loro una somiglianza con sculture monumentali in pietra, e la figura ferita del Cristo crocifisso con un volto pieno di dolore, al contrario, sembra "viva". Il contenuto emotivo dominante dell'opera può essere definito tragicamente senza speranza.
Il dipinto "" sviluppa il tema del sacrificio. Si basa sull'iconografia della pietà. Su uno stretto piedistallo alto c'è un gruppo scultoreo in legno con la scena "Compianto di Cristo" - un frammento di un antico monumento medievale, di tanto in tanto verde, a Nizon. Ai piedi una triste donna bretone, immersa in cupi pensieri e con in mano una pecora nera: simbolo di morte.
Viene nuovamente utilizzato il metodo per "rivitalizzare" il monumento e trasformare una persona vivente in un monumento. Rigorose statue lignee in piedi frontalmente di Donne portatrici di mirra, in lutto per il Salvatore, l'immagine tragica di una donna bretone conferiscono alla tela uno spirito veramente medievale.
Gauguin ha eseguito una serie di autoritratti, dipinti in cui si identificava con il Messia. Una di queste opere è "" (1889). In esso, il maestro si raffigura, per così dire, in tre forme. Al centro c'è un autoritratto, dove l'artista appare cupo e depresso. La seconda volta i suoi lineamenti si intuiscono nella grottesca maschera in ceramica di un selvaggio sullo sfondo.
Nel terzo caso, Gauguin è catturato nell'immagine del Cristo crocifisso. L'opera si distingue per la versatilità simbolica: l'artista crea un'immagine complessa e multivalore della propria personalità. Agisce simultaneamente come un peccatore - un selvaggio, un principio animale e un santo - un salvatore.
Nell'autoritratto "" (1889) - una delle sue opere più tragiche - Gauguin si confronta nuovamente con Cristo, immerso in pensieri dolorosi. Una figura curva, una testa china e le mani impotenti esprimono dolore e disperazione. Gauguin si eleva al livello del Salvatore, e presenta Cristo come persona non priva di tormenti e dubbi morali.
Sembra ancora più audace "" (1889), dove il maestro si presenta sotto forma di "santo sintetico". Questo è un autoritratto: una caricatura, una maschera grottesca. Tuttavia, non tutto è così chiaro in questo lavoro. In effetti, per il gruppo di artisti che si raccolse intorno a Gauguin a Le Pouldu, egli era una sorta di nuovo Messia, in cammino lungo un sentiero spinoso verso gli ideali dell'arte genuina e della libera creatività. L'amarezza e il dolore sono nascosti dietro una maschera senza vita e un divertimento simulato, quindi "" è percepito come l'immagine di un artista o santo ridicolizzato.
Nel 1891 Gauguin dipinge una grande tela simbolica "" e, con l'aiuto di amici, prepara il suo primo viaggio a Tahiti. Il successo della vendita dei suoi quadri nel febbraio 1891 gli permise di partire già all'inizio di aprile.
Il 9 giugno 1891 Gauguin arrivò a Papeete e si tuffò a capofitto nella cultura indigena. A Tahiti, per la prima volta dopo tanti anni, si sentiva felice. Nel tempo è diventato un sostenitore dei diritti della popolazione locale e, di conseguenza, un piantagrane agli occhi delle autorità coloniali. Ancora più importante, ha sviluppato un nuovo stile chiamato primitivismo: piatto, pastorale, spesso eccessivamente colorato, semplice e spontaneo, completamente originale.
Ora usa una peculiare rotazione dei corpi, caratteristica dei dipinti egiziani: una combinazione di una rotazione diretta delle spalle con una rotazione delle gambe in una direzione e la testa nella direzione opposta, una combinazione che crea un certo ritmo musicale : “ Mercato"(1892); le pose aggraziate delle donne tahitiane, immerse nei sogni, si spostano da una zona di colore all'altra, la ricchezza di sfumature colorate crea la sensazione di un sogno versato nella natura: "" (1892), "" (1894).
Con la sua vita e il suo lavoro ha realizzato il progetto di un paradiso terrestre. Nel dipinto "" (1892), ha raffigurato la vigilia di Tahiti nella posa dei rilievi dei templi di Borobudur. Accanto a lei su un ramo di un albero invece di un serpente c'è una fantastica lucertola nera con ali rosse. Il personaggio biblico è apparso in una stravagante veste pagana.
Su tele scintillanti di colori, che esaltano il fascino di una straordinaria armonia con la tonalità dorata della pelle delle persone e la natura esotica della natura primordiale, la compagna di vita tredicenne di Tekhura, secondo i concetti locali, sua moglie, è invariabilmente presente. Gauguin l'ha immortalata su molte tele, tra cui " Ta matete" (Mercato), "", "".
La giovane, fragile figura di Tehura, sulla quale aleggiano i fantasmi degli antenati, ispirando paura nei tahitiani, dipinse nel dipinto "" (1892). Il lavoro era basato su eventi reali. L'artista è andato a Papeete e vi è rimasto fino a sera. Tehura, la giovane moglie tahitiana di Gauguin, era allarmata, sospettando che suo marito stesse di nuovo con donne corrotte. L'olio nella lampada finì e Tehura giacque nell'oscurità.
Nella foto, la ragazza sdraiata sullo stomaco è cancellata dal bugiardo Tekhura, e lo spirito malvagio che custodisce i morti - tupapau, è raffigurato come una donna seduta sullo sfondo. Lo sfondo viola scuro dell'immagine crea un'atmosfera misteriosa.
Tekhura è stato il modello per molti altri dipinti. Così nel dipinto "" (1891), appare nelle vesti di una Madonna con un bambino in braccio, e nella tela "" (1893), è raffigurata sotto forma di Eva tahitiana, nelle cui mani un il frutto del mango ha sostituito una mela. La linea elastica dell'artista delinea il busto e le spalle forti della ragazza, gli occhi alzati alle tempie, le ampie ali del naso e le labbra carnose. Eva tahitiana personifica la brama del "primitivo". La sua bellezza è associata alla libertà e alla vicinanza alla natura, con tutti i segreti del mondo primitivo.
Nell'estate del 1893, lo stesso Gauguin distrusse la sua felicità. Tehura, rattristato, lasciò che Paul andasse a Parigi per mostrare le sue nuove opere e ricevere la sua piccola eredità. Gauguin iniziò a lavorare in un laboratorio in affitto. La mostra, in cui l'artista esponeva i suoi nuovi dipinti, fallì miseramente: il pubblico e la critica ancora una volta non lo capirono.
Nel 1894 Gauguin tornò a Pont-Aven, ma in una lite con i marinai si ruppe una gamba, a causa della quale non poté lavorare per qualche tempo. La sua giovane compagna, ballerina del cabaret di Montmartre, lascia l'artista in Bretagna in un letto d'ospedale e fugge a Parigi, prendendo le proprietà del laboratorio. Per guadagnare almeno un po' di soldi per la partenza, alcuni amici di Gauguin organizzano un'asta per la vendita dei suoi quadri. La vendita non ha avuto successo. Ma in questo breve tempo riesce a realizzare in maniera contrastante una meravigliosa serie di xilografie, che raffigurano i misteriosi, temibili riti tahitiani. Nel 1895 Gauguin lascia la Francia, ormai per sempre, e va a Tahiti in Punaauia.
Ma quando è tornato a Tahiti, nessuno lo stava aspettando. L'ex amante ne sposò un altro, Paul cercò di sostituirla con il tredicenne Pakhura, che gli diede due figli. Mancando di amore, cercò consolazione con modelli meravigliosi.
Depresso per la morte della figlia Aline, morta in Francia di polmonite, Gauguin cade in una grave depressione. L'idea del senso della vita, del destino umano permea le opere religiose e mistiche di questo tempo, il cui segno distintivo è la plasticità dei ritmi classici. Ogni mese diventa sempre più difficile per un artista lavorare. Dolori alle gambe, attacchi di febbre, vertigini, graduale perdita della vista privano Gauguin della fiducia in se stesso, nel successo della creatività personale. In completa disperazione e disperazione, Gauguin alla fine del 1890 scrisse alcune delle sue migliori opere" La moglie del re», « Maternità», « regina di bellezza», « Mai e poi mai"", "". Posizionando figure quasi statiche su uno sfondo a colori piatti, l'artista crea pannelli decorativi colorati, dove si riflettono leggende e credenze Maori. In loro, un artista mendicante e affamato incarna il suo sogno di un mondo perfetto ideale.
Regina di bellezza. 1896. Acquerello su carta
Alla fine del 1897, a Punaauia, a circa due chilometri dal porto tahitiano di Papeete, Gauguin iniziò a creare il suo dipinto più grande e importante. La sua borsa era quasi vuota, era indebolito dalla sifilide e da infarti debilitanti.
Una grande tela epica "" può essere definita un conciso trattato filosofico e allo stesso tempo un testamento di Gauguin. " Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?” - queste domande estremamente semplici, scritte Paolo Gauguin in un angolo della sua geniale tela tahitiana, sono infatti le questioni centrali della religione e della filosofia.
Questa è un'immagine estremamente potente in termini di impatto sullo spettatore. Nelle immagini allegoriche, Gauguin vi ha raffigurato i problemi che attendono una persona, il desiderio di scoprire i segreti dell'ordine mondiale, la sete di piacere sensuale, la saggia calma, la pace e, naturalmente, l'inevitabilità dell'ora del morte. Il percorso di ogni singola persona e il percorso della civiltà nel suo insieme cercavano di incarnare il famoso post-impressionista.
Gauguin sapeva che il suo tempo stava per scadere. Credeva che questa foto sarebbe stata la sua ultima opera. Dopo averlo finito, è andato sulle montagne dietro Papeete per suicidarsi. Portò con sé una bottiglia di arsenico che era stata conservata in anticipo, probabilmente non sapendo quanto fosse dolorosa la morte per questo veleno. Si aspettava di perdersi tra le montagne prima di prendere il veleno in modo che il suo cadavere non fosse trovato, ma diventasse cibo per le formiche.
Tuttavia, il tentativo di avvelenamento, che ha portato terribili sofferenze all'artista, si è fortunatamente concluso con un fallimento. Gauguin tornò a Punaauia. E sebbene la sua vitalità si stesse esaurendo, decise di non arrendersi. Per sopravvivere accettò un lavoro come impiegato presso l'Ufficio dei Lavori Pubblici e della Ricerca di Papeete, dove veniva pagato sei franchi al giorno.
Nel 1901, alla ricerca di una solitudine ancora maggiore, si trasferì nella piccola e pittoresca isola di Khiva - Oa nelle lontane Isole Marchesi. Lì ha costruito una capanna. Sulla porta trave di legno della capanna Gauguin scolpì la scritta "Maison de juire" ("Casa delle delizie" o "Residente del divertimento") e visse con la quattordicenne Marie-Rose, divertendosi con altre bellezze esotiche.
Gauguin è soddisfatto della sua "Casa delle Delizie" e della sua indipendenza. "Avrei solo due anni di salute e non troppe preoccupazioni finanziarie che mi affliggono sempre ..." - ha scritto l'artista.
Ma il modesto sogno di Gauguin non voleva realizzarsi. Uno stile di vita indecente minò ulteriormente la sua salute indebolita. Gli attacchi di cuore continuano, la vista si deteriora e c'è un dolore costante alla gamba che non consente il sonno. Per dimenticare e intorpidire il dolore, Gauguin consuma alcol e morfina e pensa di tornare in Francia per le cure.
Il sipario è pronto a calare. È stato ossessionante negli ultimi mesi Gauguin gendarme capo della polizia, accusando un negro che vive nella valle di aver ucciso una donna. L'artista difende il negro e resiste alle accuse, accusando il gendarme di abuso di potere. Un giudice tahitiano emette una condanna a tre mesi per Gauguin per oltraggio a un gendarme e una multa di mille franchi. Puoi appellarti contro il verdetto solo a Papeete, ma Gauguin non ha i soldi per il viaggio.
Stremato dalla sofferenza fisica, spinto alla disperazione dalla mancanza di denaro, Gauguin non riesce a concentrarsi per continuare il suo lavoro. Solo due persone gli sono vicine e fedeli: il prete protestante Vernier e il vicino Thioka.
La coscienza di Gauguin è sempre più persa. Trova già con difficoltà le parole giuste, confonde il giorno con la notte. La mattina presto, l'8 maggio 1903, Vernier visitò l'artista. Il difficile stato dell'artista quella mattina non durò a lungo. Dopo aver aspettato che un amico si sentisse meglio, Vernier se ne andò e alle undici Gauguin morì sdraiato sul letto. Eugene Henri Paul Gauguin fu sepolto nel cimitero cattolico di Khiva - Oa. Dopo essere morto per insufficienza cardiaca, il lavoro di Gauguin è scoppiato quasi immediatamente in Europa in modo folle. I prezzi della pittura sono saliti alle stelle...
Gauguin ha conquistato il suo posto nell'Olimpo dell'arte a costo del suo benessere e della sua vita. L'artista è rimasto estraneo alla propria famiglia, alla società parigina, estraneo alla sua epoca.
Gauguin aveva un temperamento pesante, lento ma potente e un'energia colossale. Fu solo grazie a loro che poté, in condizioni disumane e difficili, condurre una feroce lotta con la vita per tutta la vita fino alla morte. Ha trascorso tutta la sua vita in incessanti sforzi per sopravvivere e preservarsi come persona. È arrivato troppo tardi e troppo presto, questa è stata la tragedia dell'universale Gauguin genio.