La storia del teatro: l'emergere e lo sviluppo dell'arte teatrale, fatti divertenti. Il teatro come forma d'arte e la sua differenza fondamentale rispetto alle altre forme d'arte L'arte teatrale include

26.06.2020

Pagina 1

L'arte teatrale è una delle arti più complesse, più efficaci e più antiche. Inoltre, è eterogeneo, sintetico. Come componenti, l'arte teatrale include architettura, pittura e scultura (scenografia) e musica (suona non solo nel musical, ma spesso in una performance drammatica) e coreografia (di nuovo, non solo nel balletto, ma anche nel dramma). ) e la letteratura (il testo su cui è costruita una rappresentazione drammatica), l'arte della recitazione, ecc. Tra tutto quanto sopra, l'arte della recitazione è la principale definizione del teatro. Il noto regista sovietico A. Tairov scrisse: “... ci sono stati lunghi periodi nella storia del teatro in cui esisteva senza rappresentazioni, in cui era privo di scenografie, ma non c'è stato un solo momento in cui il teatro era senza un attore." Il trasporto della salma in un'altra città è il trasporto principale del defunto.

L'attore in teatro è l'artista principale che crea quella che viene chiamata l'immagine scenica. Per essere più precisi, un attore in teatro è allo stesso tempo un artista-creatore, e il materiale della creatività, e il suo risultato: un'immagine. L'arte dell'attore ci permette di vedere con i nostri occhi non solo l'immagine nella sua espressione finale, ma anche il processo stesso della sua creazione, formazione. L'attore crea un'immagine da se stesso e allo stesso tempo la crea in presenza dello spettatore, davanti ai suoi occhi. Questa è forse la specificità principale del palcoscenico, dell'immagine teatrale - e qui sta la fonte del piacere artistico speciale e unico che offre allo spettatore. Lo spettatore nel teatro, più che in qualsiasi altro luogo d'arte, è direttamente coinvolto nel miracolo della creazione.

L'arte del teatro, a differenza delle altre arti, è un'arte viva. Si verifica solo nell'ora dell'incontro con lo spettatore. Si basa sull'indispensabile contatto emotivo e spirituale tra il palco e il pubblico. Non esiste tale contatto, il che significa che non esiste uno spettacolo che viva secondo le proprie leggi estetiche.

È un grande tormento per un attore recitare davanti a una sala vuota, senza un solo spettatore. Un tale stato equivale per lui a rimanere in uno spazio chiuso al mondo intero. Nell'ora della rappresentazione, l'anima dell'attore è diretta verso lo spettatore, così come l'anima dello spettatore è diretta verso l'attore. L'arte del teatro vive, respira, emoziona e cattura lo spettatore in quei momenti felici in cui, attraverso i fili invisibili delle trasmissioni ad alta tensione, avviene uno scambio attivo di due energie spirituali, che aspirano reciprocamente l'una all'altra - dall'attore allo spettatore. , da spettatore ad attore.

Leggendo un libro, stando davanti a un dipinto, il lettore, lo spettatore non vede lo scrittore, il pittore. E solo a teatro una persona incontra faccia a faccia un artista creativo, lo incontra al momento della creazione. Intuisce l'emergere e il movimento del suo cuore, vive con lui tutte le vicissitudini degli eventi accaduti sul palco.

Solo il lettore, solo con il libro prezioso, può vivere momenti emozionanti e felici. E il teatro non lascia solo il suo pubblico. Tutto nel teatro si basa sull'interazione emotiva attiva tra chi quella sera crea un'opera d'arte sul palco e coloro per i quali viene creata.

Lo spettatore si presenta allo spettacolo teatrale non come un osservatore esterno. Non può che esprimere il suo atteggiamento nei confronti di ciò che sta accadendo sul palco. Un'esplosione di applausi di approvazione, risate allegre, silenzio teso e imperturbabile, un sospiro di sollievo, silenziosa indignazione: la complicità dello spettatore nel processo dell'azione scenica si manifesta nella più ricca varietà. Un clima di festa nasce in teatro quando tale complicità, tale empatia, raggiunge la sua massima intensità.

Questo è ciò che significa vivere l'arte. L'arte, in cui si sente il battito del cuore umano, vengono catturati sensibilmente i movimenti più sottili dell'anima e della mente, in cui è racchiuso l'intero mondo dei sentimenti e dei pensieri umani, delle speranze, dei sogni, dei desideri.

Naturalmente, quando pensiamo e parliamo di un attore, comprendiamo quanto sia importante per il teatro non solo un attore, ma un insieme di attori, l'unità, l'interazione creativa degli attori. "Un vero teatro", ha scritto Chaliapin, "non è solo la creatività individuale, ma anche un'azione collettiva che richiede la completa armonia di tutte le parti".

Il teatro è un’arte doppiamente collettiva. Lo spettatore percepisce una produzione teatrale, un'azione scenica non da sola, ma collettivamente, “sentendo il gomito di un vicino”, che in larga misura migliora l'impressione, il contagio artistico di ciò che sta accadendo sul palco. Allo stesso tempo, l'impressione stessa non proviene da una persona-attore, ma da un gruppo di attori. Sia sul palco che nell'auditorium, su entrambi i lati della rampa, vivono, sentono e agiscono: non singoli individui, ma persone, una società di persone legate tra loro per un po 'da un'attenzione comune, uno scopo, un'azione comune.

In larga misura, è proprio questo che determina l’enorme ruolo sociale ed educativo del teatro. L'arte, creata e percepita insieme, diventa scuola nel vero senso della parola. “Il teatro”, scriveva il famoso poeta spagnolo Garcia Lorca, “è una scuola di lacrime e di risate, una piattaforma libera dalla quale le persone possono denunciare la moralità superata o falsa e spiegare, con esempi viventi, le leggi eterne del cuore umano e della vita umana. sensazione."

Altre informazioni:

Stile russo
Cos'è veramente lo stile russo? Può essere elevato ai vertici del design italiano? E come rendere elegante un interno russo in modo che non sembri un'illustrazione di una fiaba per bambini? Severe capanne del Nord e graziose dimore moscovite; ...

Pagoda in pietra a tredici livelli
Portato dal Giappone. Ha circa 200 anni. La pagoda è il centro compositivo del giardino giapponese, il simbolo di un tempio buddista. Il numero "tredici" è molto significativo: è il numero delle aree di dimora del Buddha giunte al Buddismo giapponese dalla Cina...

Scienza e altri ambiti della cultura
La conoscenza scientifica del mondo differisce significativamente dalla forma estetica della conoscenza. Sebbene la scienza e l'arte siano un riflesso della realtà, nella scienza questa riflessione viene effettuata sotto forma di concetti e categorie, e nell'arte - sotto forma di ...

L'arte teatrale è una delle arti più complesse, più efficaci e più antiche. Come componenti, l'arte teatrale include architettura, pittura e scultura (scenografia) e musica (suona non solo nel musical, ma spesso in una performance drammatica) e coreografia (di nuovo, non solo nel balletto, ma anche nel dramma). ) e la letteratura (il testo su cui è costruita la rappresentazione drammatica), l'arte della recitazione, ecc. Tra tutto quanto sopra, l'arte della recitazione è la cosa principale che determina il teatro. Il famoso regista sovietico A. Tairov scrisse: "... nella storia del teatro ci sono stati lunghi periodi in cui esisteva senza rappresentazioni, quando faceva a meno di scenografie, ma non c'è stato un solo momento in cui il teatro fosse senza attori ."

Leggendo un libro, stando davanti a un dipinto, il lettore, lo spettatore non vede lo scrittore, il pittore. E solo a teatro una persona incontra faccia a faccia un artista creativo, lo incontra al momento della creazione. Intuisce l'emergere e il movimento del suo cuore, convive con lui con tutte le vicissitudini degli eventi accaduti sul palco.

Lo spettatore si presenta allo spettacolo teatrale non come un osservatore esterno. Non può che esprimere il suo atteggiamento nei confronti di ciò che sta accadendo sul palco. Un'esplosione di applausi di approvazione, risate allegre, silenzio teso e imperturbabile, un sospiro di sollievo, silenziosa indignazione: la complicità dello spettatore nel processo dell'azione scenica si manifesta nella più ricca varietà. Un clima di festa nasce in teatro quando tanta complicità, tanta empatia raggiungono la massima intensità...

Questo è ciò che significa Magia arti teatrali. L'arte, in cui si sente il battito del cuore umano, vengono catturati sensibilmente i movimenti più sottili dell'anima e della mente, in cui è racchiuso l'intero mondo dei sentimenti e dei pensieri umani, delle speranze, dei sogni, dei desideri.

Una persona si rivolge al teatro come riflesso della sua coscienza, della sua anima: riconosce se stesso nel teatro, nel suo tempo e nella sua vita. Il teatro apre davanti a lui straordinarie opportunità di conoscenza di sé spirituale e morale.

E lascia che il teatro, per la sua natura estetica, un'arte condizionale, come le altre arti, sul palco appaia davanti allo spettatore non la realtà stessa, ma solo la sua riflessione artistica. Ma c'è così tanto nella riflessione verità che venga percepita in tutta la sua assolutezza, come la vita più autentica, vera. Lo spettatore riconosce la realtà superiore dell'esistenza dei personaggi scenici. Il grande Goethe scrisse: “Cosa può esserci di più naturale delle persone di Shakespeare!”

A teatro, in una vivace comunità di persone riunite per uno spettacolo teatrale, tutto è possibile: risate e lacrime, dolore e gioia, indignazione palese e gioia violenta, tristezza e felicità, ironia e sfiducia, disprezzo e simpatia, silenzio vigile. e una forte approvazione, - in una parola, tutta la ricchezza delle manifestazioni emotive e degli sconvolgimenti dell'anima umana.

Attore in teatro

L’arte teatrale è allo stesso tempo veritiera e condizionale. Vero, nonostante la sua condizionalità. Come, tuttavia, e qualsiasi art. Le forme d'arte differiscono l'una dall'altra sia nel grado di veridicità che nel grado di convenzionalità, tuttavia, senza la combinazione stessa di veridicità e convenzionalità, nessuna arte può esistere.

Qual è la particolarità dell'attività di un attore teatrale? Gran parte della performance di un attore in teatro non solo lo avvicina alla verità della vita, ma lo allontana anche da essa. Ad esempio, il teatro ama l'espressione dei sentimenti "forte" e "loquace". "Il teatro non è un soggiorno", ha scritto il grande attore realista B.K. Coquelin. - Mille e mezzo spettatori riuniti nell'auditorium non possono essere trattati come due o tre compagni con cui sei seduto accanto al caminetto. Se non alzi la voce, nessuno sentirà le parole; se non li pronunci in modo articolato non sarai compreso.

Nel frattempo, in realtà, le emozioni umane possono essere profondamente nascoste. Il dolore può esprimersi in un sottile tremore delle labbra, nel movimento dei muscoli del viso, ecc. L'attore lo sa molto bene, ma nella sua vita scenica deve fare i conti non solo con la verità psicologica e quotidiana, ma anche con la verità condizioni del palco, con le possibilità di percezione del pubblico. È proprio affinché le parole e i sentimenti del personaggio li raggiungano che l'attore deve in qualche modo esagerare il grado e la forma della loro espressione. Questo è ciò che richiede l'arte teatrale.

Per un attore teatrale, la comunicazione con il pubblico crea un importante impulso creativo. Durante lo spettacolo, tra loro vengono tesi fili invisibili e forti, attraverso i quali vengono trasmesse in modo sorprendente onde invisibili di simpatia e antipatia, simpatia, comprensione, gioia. Questo controlla internamente la recitazione dell'attore, lo aiuta a creare. È noto che ogni arte ha a che fare con un determinato materiale: per un pittore sono colori e tele, per uno scultore sono argilla, marmo, legno. Per un attore, l'unico strumento e materiale per creare un'immagine artistica è se stesso: la sua andatura, i suoi gesti, le espressioni facciali, la voce e, infine, la sua personalità. Affinché il pubblico ogni sera si preoccupi del destino dell'eroe, creda in lui, l'attore lavora duro. Legge libri storici, conosce il tempo in cui visse il suo eroe. Dopotutto, un attore ha bisogno di sapere tutto della persona che interpreta: chi è questa persona, cosa vuole e cosa fa per raggiungere il suo obiettivo. Osserva costantemente le persone, nota le caratteristiche nel loro aspetto, movimenti, comportamento. Tutto questo tornerà utile sul palco. Dopotutto, deve agire per conto dei personaggi delle commedie o dei film, vivere le loro vite. Deve parlare con la voce del suo eroe, camminare con la sua andatura. Oggi l'attore interpreta il nostro contemporaneo, vive le sue gioie e i suoi dolori, le sue preoccupazioni e i suoi successi. Domani sarà un cavaliere medievale o un re delle fiabe.

Come ha detto il meraviglioso regista K. S. Stanislavsky, un attore deve "indovinare il polso della vita con i suoi sensi, cercare sempre la verità, lottando con la falsità". "L'attore è un personaggio pubblico", guida il pubblico, lo educa, lo aiuta a realizzare i propri difetti e ad intraprendere la strada giusta. Giocando sul palco, l'attore improvvisa. Conoscendo il ruolo a memoria, ogni momento lo vive come se fosse la prima volta, come se non sospettasse cosa accadrà il momento successivo. Qui è necessaria un'altra caratteristica del talento recitativo: l'immediatezza. Se è assente nella performance dell'attore, vediamo solo i movimenti provati sul palco e ascoltiamo il testo memorizzato. È questa qualità che permette all'attore nello stesso ruolo di essere un po' "diverso" e di ricreare, per così dire, per la prima volta, la vita interiore del personaggio in ogni interpretazione.

Pertanto, noi, anche conoscendo la commedia a memoria, ogni volta, grazie ad attori di talento, viviamo i suoi eventi come di nuovo. Recitando in un mondo immaginario, l'attore lo crede reale. La fede in circostanze immaginarie è un elemento essenziale della recitazione. È simile alla fede sincera che i bambini dimostrano nei loro giochi.

Uno degli "attori" più importanti dello spettacolo è il pubblico. Senza di esso, suonare sul palco è solo una prova. Un attore ha bisogno del contatto con il pubblico non meno che con i partner. Ecco perché non esistono due spettacoli uguali. L'attore crea ogni volta di fronte allo spettatore. Il pubblico cambia, il che significa che la performance cambia in qualche modo. Nonostante il lavoro di un attore sia chiamato gioco, è un lavoro duro, dal quale anche il talento più grande non si libera. E più questo lavoro, meno è evidente sul palco e più piacere otteniamo dal gioco degli artisti, dall'intera performance.

Conclusione

Il teatro è la scuola della vita. Questo è quello che si diceva di lui di secolo in secolo. Se ne parlava ovunque: in Russia, Francia, Italia, Inghilterra, Germania, Spagna...

Gogol ha definito il teatro un dipartimento di gentilezza.

Herzen ha riconosciuto in lui la massima autorità per risolvere questioni vitali.

Il mondo intero, l'intero universo, con tutta la loro diversità e magnificenza, l'ho visto al Teatro Belinsky. Vedeva in lui un sovrano autocratico dei sensi, capace di scuotere tutte le corde dell'anima, risvegliare un forte movimento nelle menti e nei cuori e rinfrescare l'anima con potenti impressioni. Vide nel teatro una sorta di fascino invincibile e fantastico per la società.

Secondo Voltaire, niente avvicina i legami di amicizia più del teatro.

Il grande drammaturgo tedesco Friedrich Schiller sosteneva che "il teatro ha la strada più battuta verso la mente e il cuore" di una persona.

Cervantes, l'immortale creatore di Don Chisciotte, definì il teatro “uno specchio della vita umana, un esempio di morale, un modello di verità”.

Elenco della letteratura usata

1. Abalkin N. Storie sul teatro - M., 1981.

2. Bachtin M. M. Questioni di letteratura ed estetica. - M., 1975

3. Kagarlitsky Yu. I. Teatro per i secoli.- M., 1987.

4. Lessky K. L. 100 grandi teatri del mondo - M., Veche, 2001.

6. Nemirovich-Danchenko Vl. I. La nascita del teatro - M., 1989.

7. Sorochkin B.Yu. Teatro tra passato e futuro - M., 1989.

8. Stanislavsky K. S. La mia vita nell'arte. - Collezione. operazione. in 8 volumi M., 1954, volume 1, p. 393-394.

9. Tairov A. Ya, Note del regista. Articoli. Conversazioni. Discorsi. Lettere. M., 1970, pag. 79.

10. ABC del teatro: 50 racconti sul teatro. L.: Dett. lett., 1986.

11. Dizionario enciclopedico di un giovane spettatore. Mosca: Pedagogia, 1989.

Inviare il tuo buon lavoro nella knowledge base è semplice. Utilizza il modulo sottostante

Studenti, dottorandi, giovani scienziati che utilizzano la base di conoscenze nei loro studi e nel loro lavoro ti saranno molto grati.

postato su http://www.allbest.ru/

TeatroComevisualizzazionearte,Eil suoindigenodifferenzadaaltrispeciearti

suite d'arte teatrale

Come ogni altra forma d'arte (musica, pittura, letteratura), il teatro ha le sue peculiarità. Questa arte è sintetica: un'opera teatrale (performance) è costituita dal testo dell'opera, dal lavoro del regista, attore, artista e compositore. La musica gioca un ruolo decisivo nell'opera e nel balletto.

Il teatro è un'arte collettiva. Lo spettacolo è il risultato dell'attività di molte persone, non solo quelle che compaiono sul palco, ma anche quelle che cuciono costumi, realizzano oggetti di scena, apparecchiano le luci, incontrano il pubblico. Non a caso esiste una definizione di “lavoratori di laboratori teatrali”: uno spettacolo è allo stesso tempo creatività e produzione.

Il teatro offre il proprio modo di comprendere il mondo circostante e, di conseguenza, il proprio insieme di mezzi artistici. La performance è sia un'azione speciale svolta nello spazio scenico, sia un pensiero figurativo speciale, diverso, ad esempio, dalla musica.

Il teatro, come nessun'altra forma d'arte, ha la più grande "capacità". Assorbe la capacità della letteratura di ricreare la vita in una parola nelle sue manifestazioni esterne e interne, ma questa parola non è narrativa, ma dal suono vivace, direttamente efficace. Allo stesso tempo, a differenza della letteratura, il teatro ricrea la realtà non nella mente del lettore, ma come immagini di vita oggettivamente esistenti (spettacolo) situate nello spazio. E sotto questo aspetto il teatro è vicino alla pittura. Ma l'azione teatrale è in continuo movimento, si sviluppa nel tempo - e questo è vicino alla musica. L'immersione nel mondo delle esperienze dello spettatore è simile allo stato che sperimenta un ascoltatore di musica, immerso nel proprio mondo di percezione soggettiva dei suoni.

L'arte del teatro ha una straordinaria capacità di fondersi con la vita. La rappresentazione scenica, sebbene si svolga dall'altra parte della rampa, nei momenti di alta tensione sfuma il confine tra arte e vita ed è percepita dal pubblico come la realtà stessa. La forza attrattiva del teatro sta nel fatto che la "vita sulla scena" si afferma liberamente nell'immaginazione dello spettatore.

Una tale svolta psicologica avviene perché il teatro non solo è dotato delle caratteristiche della realtà, ma è di per sé una realtà creata artisticamente. La realtà teatrale, creando l'impressione della realtà, ha le sue leggi speciali. La verità del teatro non può essere misurata con i criteri della plausibilità della vita. Il carico psicologico che l'eroe del dramma assume su di sé non può essere sopportato da una persona nella vita, perché nel teatro c'è un'estrema compattazione di interi cicli di eventi. L'eroe dell'opera spesso sperimenta la sua vita interiore come un mucchio di passioni e un'alta concentrazione di pensieri. E tutto questo viene dato per scontato dal pubblico. "Incredibile" secondo le norme della realtà oggettiva non è affatto un segno di arte inaffidabile. Nel teatro “verità” e “non verità” hanno criteri diversi e sono determinati dalla legge del pensiero figurativo. “L’arte viene vissuta come realtà dalla pienezza dei nostri “meccanismi” mentali, ma allo stesso tempo viene valutata nella sua qualità specifica di gioco creato dall’uomo “non reale”, come dicono i bambini, sdoppiamento illusorio della realtà. "

Il visitatore del teatro diventa spettatore teatrale quando percepisce questo duplice aspetto dell'azione scenica, non solo vedendo davanti a sé un atto vitalmente concreto, ma comprendendo anche il significato interiore di questo atto. Ciò che accade sulla scena è sentito sia come la verità della vita sia come la sua ricreazione figurativa. Allo stesso tempo, è importante notare che lo spettatore, senza perdere il senso del reale, inizia a vivere nel mondo del teatro. Il rapporto tra realtà reale e realtà teatrale è piuttosto complicato. Ci sono tre fasi in questo processo:

1. La realtà della realtà mostrata oggettivamente, trasformata dall'immaginazione del drammaturgo in un'opera drammatica.

2. Un'opera drammatica, incarnata dal teatro (regista, attori) nella vita scenica: uno spettacolo.

3. La vita scenica, percepita dal pubblico e diventata parte delle sue esperienze, si è fusa con la vita del pubblico e, quindi, è tornata di nuovo alla realtà.

La legge fondamentale del teatro - la complicità interna del pubblico negli eventi che si svolgono sul palco - implica l'eccitazione dell'immaginazione, della creatività interna indipendente in ciascuno degli spettatori. Questa fascinazione per l'azione distingue lo spettatore dall'osservatore indifferente, che si ritrova anche nelle sale teatrali. Lo spettatore, a differenza dell'attore, dell'artista attivo, è un artista contemplativo.

L'immaginazione attiva degli spettatori non è affatto una proprietà spirituale speciale degli amanti dell'arte prescelti. Naturalmente, il gusto artistico sviluppato è di grande importanza, ma si tratta dello sviluppo di quei principi emotivi che sono inerenti a ogni persona.

La coscienza della realtà artistica nel processo di percezione è tanto più profonda quanto più pienamente lo spettatore è immerso nella sfera dell'esperienza, tanto più l'arte multistrato entra nell'anima umana. È a questo punto di incontro tra due sfere: l'esperienza inconscia e la percezione cosciente dell'arte, che esiste l'immaginazione. È inerente alla psiche umana inizialmente, organicamente, accessibile a ogni persona e può essere sviluppato in modo significativo nel corso dell'accumulo di esperienza estetica.

La percezione estetica è la creatività dello spettatore e può raggiungere una grande intensità. Più ricca è la natura dello spettatore stesso, più sviluppato il suo senso estetico, più completa la sua esperienza artistica, più attiva la sua immaginazione e più ricche le sue impressioni teatrali.

L’estetica della percezione è in gran parte orientata allo spettatore ideale. In realtà, il processo consapevole di educazione alla cultura teatrale porterà probabilmente lo spettatore ad acquisire conoscenze sull'arte e a padroneggiare determinate capacità di percezione.

Nel teatro sintetico dei tempi moderni, la tradizionale correlazione dei principi dominanti – verità e finzione – appare in una sorta di unità indissolubile. Questa sintesi avviene sia come atto di esperienza (percezione della verità della vita) sia come atto di piacere estetico (percezione della poesia teatrale). Quindi lo spettatore diventa non solo un partecipante psicologico all'azione, cioè una persona che "assorbe" il destino dell'eroe e si arricchisce spiritualmente, ma anche un creatore che compie un'azione creativa nella sua immaginazione, contemporaneamente a ciò che sta accadendo. sul palco. Quest'ultimo momento è estremamente importante e occupa un posto centrale nell'educazione estetica del pubblico.

Naturalmente ogni spettatore può avere la propria idea di performance ideale. Ma in tutti i casi si basa su un certo "programma" di requisiti previsti dall'art. Questo tipo di “conoscenza” presuppone una certa maturità della cultura del pubblico.

La cultura dello spettatore dipende in larga misura dalla natura dell'arte che viene offerta allo spettatore. Quanto più difficile è il compito che gli è stato posto davanti: estetico, etico, filosofico, tanto più intenso è il pensiero, più acuta è l'esperienza, più sottile è la manifestazione del gusto dello spettatore. Perché quella che chiamiamo cultura del lettore, ascoltatore, spettatore è direttamente correlata allo sviluppo della personalità stessa di una persona, dipende dalla sua crescita spirituale e influenza la sua ulteriore crescita spirituale.

Il significato del compito che il teatro pone allo spettatore in termini psicologici sta nel fatto che l'immagine artistica, data in tutta la sua complessità e incoerenza, è percepita dallo spettatore dapprima come un personaggio reale, oggettivamente esistente, e poi, man mano che si abituano all'immagine e riflettono sulle sue azioni, rivela (come in modo indipendente) la sua essenza interiore, il suo significato generalizzante.

In termini di estetica, la complessità del compito sta nel fatto che lo spettatore percepisce l'immaginario scenico non solo secondo criteri di verità, ma sa anche (imparato) a decifrarne il significato metaforico poetico.

Quindi, la specificità dell'arte teatrale è una persona vivente, come eroe che sperimenta direttamente e come artista-artista che crea direttamente, e la legge più importante del teatro è un impatto diretto sullo spettatore.

L '"effetto teatro", la sua chiarezza è determinata non solo dalla dignità dell'arte stessa, ma anche dalla dignità, dalla cultura estetica dell'auditorium. Tuttavia, il risveglio dell'artista nello spettatore avviene solo se lo spettatore è in grado di percepire appieno il contenuto insito nella performance, se è in grado di ampliare la sua gamma estetica e imparare a vedere il nuovo nell'arte, se, rimanendo fedele alla il suo stile artistico preferito, non risulta essere sordo ad altre direzioni creative, se riesce a vedere una nuova lettura di un'opera classica ed è in grado di separare l'idea del regista dalla sua realizzazione da parte degli attori ... Là ce ne sono molti di più di questi "se". Di conseguenza, affinché lo spettatore venga coinvolto nella creatività, affinché l'artista si risvegli in lui, nell'attuale fase di sviluppo del nostro teatro, è necessario un aumento generale della cultura artistica dello spettatore.

La rappresentazione teatrale si basa su un testo, come un'opera teatrale per una rappresentazione drammatica. Anche in quelle rappresentazioni teatrali dove la parola in quanto tale è assente, il testo è necessario; in particolare, il balletto e talvolta la pantomima hanno una sceneggiatura: un libretto. Il processo di lavoro su uno spettacolo consiste nel trasferire il testo drammatico sul palco: questa è una sorta di "traduzione" da una lingua all'altra. Di conseguenza, la parola letteraria diventa parola scenica.

La prima cosa che lo spettatore vede dopo che il sipario si apre (o si alza) è lo spazio scenico in cui è collocata la scena. Indicano il luogo dell'azione, il tempo storico, riflettono il sapore nazionale. Con l'aiuto di costruzioni spaziali, è possibile trasmettere anche l'umore dei personaggi (ad esempio, in un episodio di sofferenza dell'eroe, immergere la scena nell'oscurità o stringerne lo sfondo con il nero). Durante l'azione, con l'aiuto di una tecnica speciale, lo scenario viene cambiato: il giorno si trasforma in notte, l'inverno in estate, la strada in una stanza. Questa tecnica si è evoluta insieme al pensiero scientifico dell'umanità. Meccanismi di sollevamento, scudi e portelli, che anticamente venivano azionati manualmente, ora vengono sollevati e abbassati elettronicamente. Candele e lampade a gas vengono sostituite da lampade elettriche; spesso vengono utilizzati i laser.

Anche nell'antichità si formavano due tipi di palcoscenici e auditorium: il palchetto e il palco dell'anfiteatro. Il palco prevede gradinate e platea, e il pubblico circonda il palco dell'anfiteatro da tre lati. Ora nel mondo vengono utilizzati entrambi i tipi. La tecnologia moderna consente di modificare lo spazio teatrale: sistemare una piattaforma al centro dell'auditorium, far sedere lo spettatore sul palco e mettere in scena lo spettacolo nella sala. All'edificio del teatro è sempre stata attribuita grande importanza. I teatri venivano solitamente costruiti nella piazza centrale della città; gli architetti volevano che gli edifici fossero belli, attirassero l'attenzione. Venendo a teatro, lo spettatore rinuncia alla vita di tutti i giorni, come se si elevasse al di sopra della realtà. Non è quindi un caso che una scala decorata con specchi conduca spesso all'atrio.

La musica aiuta a migliorare l'impatto emotivo di una performance drammatica. A volte suona non solo durante l'azione, ma anche durante l'intervallo, per mantenere l'interesse del pubblico. La persona principale nella commedia è l'attore. Lo spettatore vede davanti a sé una persona, misteriosamente trasformata in un'immagine artistica - una sorta di opera d'arte. Naturalmente un'opera d'arte non è l'esecutore stesso, ma il suo ruolo. È la creazione di un attore, creata dalla voce, dai nervi e da qualcosa di impercettibile: spirito, anima. Affinché l'azione sul palco possa essere percepita nel suo insieme, è necessario organizzarla in modo ponderato e coerente. Questi compiti nel teatro moderno sono svolti dal regista. Naturalmente, molto dipende dal talento degli attori nello spettacolo, ma sono comunque soggetti alla volontà del leader, il regista. Le persone, come molti secoli fa, vengono a teatro. Dalla scena si ascolta il testo delle opere, trasformato dalle forze e dai sentimenti degli interpreti. Gli artisti conducono il proprio dialogo, e non solo verbale. Questa è una conversazione di gesti, posture, sguardi ed espressioni facciali. La fantasia del decoratore con l'ausilio del colore, della luce, delle strutture architettoniche sul posto fa “parlare” lo spazio scenico. E tutto insieme è racchiuso in un quadro rigoroso delle intenzioni del regista, che conferisce completezza e integrità agli elementi eterogenei.

Lo spettatore consapevolmente (e talvolta inconsciamente, come contro la sua volontà) valuta la recitazione e la regia, la conformità della soluzione spaziale teatrale con il piano generale. Ma la cosa principale è che lui, lo spettatore, si unisce all'arte, a differenza di altri, creati qui e ora. Comprendendo il significato della performance, comprende il significato della vita.

Intenzionecoreograficolavori(scenaOsuite)

Suite (dalla suite francese - "riga", "sequenza") è una forma musicale ciclica, composta da diverse parti contrastanti indipendenti, unite da un'idea comune.

È un ciclo in più parti, composto da pezzi indipendenti e contrastanti, uniti da un'idea artistica comune. A volte, invece del nome "suite", i compositori ne usavano un altro, anch'esso comune: "partita".

La suite si distingue dalla sonata e dalla sinfonia per la grande indipendenza delle parti, non per il rigore, per la regolarità della loro correlazione. Il termine "suite" fu introdotto nella seconda metà del XVII secolo da compositori francesi. Le suite dei secoli XVII-XVIII erano suite da ballo; Le suite orchestrali non danzanti apparvero nel XIX secolo (le più famose sono "Scheherazade" di N. A. Rimsky-Korsakov, "Pictures at an Exhibition" di M. P. Mussorgsky).

In Germania, alla fine del XVII secolo, si formò un'esatta sequenza di parti:

La suite è caratterizzata dalla rappresentazione pittorica, da uno stretto legame con il canto e la danza. Molto spesso le suite sono composte da musica scritta per balletti, opere e produzioni teatrali. Esistono anche due tipi speciali di suite: vocale e corale.

Il precursore della suite può essere considerato una combinazione accoppiata di danze comuni alla fine del Rinascimento: lenta, importante (ad esempio la pavana) e più vivace (ad esempio la galliarda). Successivamente questo ciclo divenne quadripartito. Il compositore tedesco Johann Jakob Froberger (1616-1667) creò un modello di suite da ballo strumentale: un'allemanda con tempo moderato e metro in due parti - uno squisito rintocco - una giga - una sarabanda misurata.

Storicamente, la prima era una vecchia suite da ballo, scritta per uno strumento o orchestra. Inizialmente prevedeva due danze: la maestosa pavana e la veloce gagliarda. Furono suonati uno dopo l'altro: così nacquero i primi campioni dell'antica suite strumentale, che divenne più diffusa nella seconda metà del XVII secolo. - Prima metà del XVIII secolo. Nella sua forma classica si è affermato nell'opera del compositore austriaco I. Ya. Froberger. Si basava su quattro danze diverse: allemande, courante, sarabande, jig. A poco a poco, i compositori iniziarono a includere altre danze nella suite e la loro scelta variava liberamente. Potrebbero essere: minuetto, passacaglia, polonaise, ciaccona, rigaudon, ecc. A volte nella suite venivano introdotti brani non di danza: arie, preludi, ouverture, toccate. Pertanto, il numero totale di stanze della suite non era regolamentato. Più importanti erano i mezzi che univano i singoli brani in un unico ciclo, ad esempio i contrasti di tempo, metro e ritmo.

La suite come genere si è sviluppata sotto l'influenza dell'opera e del balletto. Ha nuove danze e parti di canzoni nello spirito dell'aria; sorsero suite costituite da frammenti orchestrali di opere musicali e teatrali. Un elemento importante della suite era l'ouverture francese: la parte introduttiva, costituita da un inizio lento e solenne e da una conclusione veloce della fuga. In alcuni casi il termine “ouverture” ha sostituito il termine “suite” nei titoli delle opere; altri sinonimi erano i termini "ordine" di F. Couperin e "partita" di J.S. Bach.

Il vero apice dello sviluppo del genere è stato raggiunto nell'opera di J. S. Bach. Il compositore riempie la musica delle sue numerose suite (clavicembalo, violino, violoncello, orchestrale) con un sentimento così penetrante, rende questi brani così diversi e profondi nell'umore, li organizza in un insieme così armonioso che ripensa il genere, apre nuove possibilità espressive contenute in semplici forme di danza. , così come nella base stessa del ciclo di suite (“Ciaccona” dalla partita in re minore).

A metà del 1700 la suite si fuse con la sonata e il termine stesso cessò di essere utilizzato, sebbene la struttura della suite continuasse a vivere in generi come la serenata, il divertissement e altri. La denominazione "suite" cominciò a riapparire alla fine del XIX secolo, spesso implicando, come prima, una raccolta di frammenti strumentali da un'opera (una suite di Carmen G. Bizet), da un balletto (una suite dallo Schiaccianoci di P.I. Tchaikovsky), dalla musica al dramma (suite Peer Gynt dalla musica di E. Grieg al dramma di Ibsen). Alcuni compositori hanno composto suite di programmi indipendenti, tra cui, ad esempio, Scheherazade N.A. Rimsky-Korsakov basato su racconti orientali.

I compositori dei secoli XIX-XX, preservando le caratteristiche principali del genere: costruzione ciclica, contrasto di parti, ecc., danno loro una diversa interpretazione figurativa. La ballabilità non è più un attributo richiesto. La suite utilizza una varietà di materiale musicale, spesso il suo contenuto è determinato dal programma. Allo stesso tempo, la musica da ballo non viene espulsa dalla suite, al contrario, vengono introdotte danze nuove e moderne, ad esempio "Puppet Cake Walk" nella suite di C. Debussy "Children's Corner". Appaiono suite, composte da musica per produzioni teatrali (Peer Gynt di E. Grieg), balletti (Lo Schiaccianoci e La bella addormentata di P. I. Čajkovskij, Romeo e Giulietta di S. S. Prokofiev), opere ( La storia dello zar Saltan" di N. A. Rimsky-Korsakov ). A metà del XX secolo. le suite sono composte anche da musica per film (“Amleto” di D. D. Shostakovich).

Nelle suite vocale-sinfoniche, insieme alla musica, si sente anche la parola (Il falò invernale di Prokofiev). A volte i compositori chiamano alcuni cicli vocali suite vocali (Sei poesie di M. Cvetaeva di Shostakovich).

Elencousatofonti

1. Gachev G. D. Contenuto delle forme artistiche. Epopea. Testi. Teatro. M., 2008

2.Kagan. M.S. L'estetica come scienza filosofica. Corso universitario di lezioni. San Pietroburgo, 2007.

3. Sosnova M.L. L'arte dell'attore. M. Viale Accademico; Tricksta, 2007..

4. Shpet G. G. Il teatro come arte//Questioni di filosofia, 1989, n. 11.

Ospitato su Allbest.ru

Documenti simili

Il teatro come arte e fenomeno socio-psicologico. Meccanismi del dialogo artistico nel teatro. Lo psicologismo nel sistema di K.S. Stanislavskij. "Teatro condizionale" dom. Meyerhold. Teatro epico per lo spettatore B. Brecht. A. Artaud e il suo “Teatro della Crudeltà”.

tesi, aggiunta il 16/02/2011

Studio delle caratteristiche dell'origine e della formazione del teatro russo. I buffoni sono i primi rappresentanti del teatro professionale. L'emergere del teatro scolastico e degli spettacoli religiosi-scolastici. Teatro dell'era del sentimentalismo. gruppi teatrali moderni.

presentazione, aggiunta il 20/11/2013

L'origine del teatro russo. La prima prova dei buffoni. Formazione dell'arte buffonesca originale russa. Teatro dell'era del sentimentalismo. Divisione del teatro in due compagnie. Teatro russo del periodo post-sovietico. Storia del teatro Maly.

presentazione, aggiunta il 12/09/2012

Dramma popolare russo e arte teatrale popolare. Tipi di teatro folcloristico. Buffoni come fondatori dell'arte popolare russa. Teatro "Attore dal vivo". Giochi di Natale e Carnevale. Tendenze moderne nel movimento folcloristico in Russia.

tesina, aggiunta il 16/04/2012

Buffoni come i primi antichi attori erranti russi. Teatro fiera popolare, teatro delle marionette-presepe. Dramma scolastico "Resurrezione dei morti". Caratteristiche della musicalità del teatro ucraino. Attività dei teatri di fortezza nella seconda metà del XVIII secolo.

presentazione, aggiunta il 03/11/2013

I primi teatri di San Pietroburgo, l'arte teatrale e l'immagine culturale ed educativa della città. Il ruolo del teatro nello sviluppo delle visioni culturali della popolazione, nello sviluppo delle relazioni scientifiche e culturali tra la Russia e altri paesi. Musica sinfonica dell'opera.

abstract, aggiunto il 13/04/2012

Il ruolo del teatro e delle opere teatrali nella vita di S.A. Yuriev, la sua influenza sull'arte drammatica russa alla fine del XIX secolo. Le principali tappe della biografia. Esperienza teatrale. Produzioni di successo di opere teatrali di Lope de Vega. Opere teoriche di S.A. Yuriev sul teatro.

abstract, aggiunto il 01/08/2017

Descrizione della terminologia dei graffiti. Esempi di utilizzo dei graffiti come atto di vandalismo in luoghi pubblici, sui muri di un museo ed edifici pubblici. Domanda di protesta. L'arte dei graffiti come massima forma di espressione di sé. Festival dei graffiti.

presentazione, aggiunta il 02/12/2010

Caratteristiche dello sviluppo dell'arte teatrale a partire dal XVIII secolo, quando in Italia si affermò il modello di organizzazione dello spazio teatrale, noto come "scena". L'arte d'avanguardia del primo Novecento e le trasformazioni del teatro. Partecipazione dello spettatore.

abstract, aggiunto il 24/07/2016

Un fenomeno che unisce arte e tecnologia. La nascita e lo sviluppo del disegno industriale, il design europeo e i problemi dell'insegnamento dei suoi fondamenti. Colmare il divario tra intenzione ed esecuzione. Origini del design americano.

DOMANDA 1

Il teatro come forma d'arte. La specificità della creatività teatrale.

Il teatro come forma d'arte.

Il teatro è un’arte doppiamente collettiva. Lo spettatore percepisce una produzione teatrale, un'azione scenica non da sola, ma collettivamente, “sentendo il gomito di un vicino”, che in larga misura migliora l'impressione, il contagio artistico di ciò che sta accadendo sul palco. Allo stesso tempo, l'impressione stessa non proviene da una persona-attore, ma da un gruppo di attori. Sia sul palco che nell'auditorium, su entrambi i lati della rampa, vivono, sentono e agiscono - non individui separati, ma persone, una società di persone, collegate tra loro per un po' da un'attenzione comune, uno scopo, un'azione comune .

^ La specificità della creatività teatrale.

Ogni arte, avendo particolari mezzi di influenza, può e deve dare il suo contributo al sistema generale dell'educazione estetica.

Naturalmente il teatro non è affatto un sostituto di altre forme d’arte. La specificità del teatro è che trasporta le “proprietà” della letteratura, della pittura e della musica attraverso l'immagine di un attore vivente. Questo materiale umano diretto per altre forme d'arte è solo il punto di partenza della creatività. Per il teatro la “natura” non serve solo come materia, ma viene anche preservata nella sua vivacità immediata. Come ha osservato il filosofo G. G. Shpet: “L'attore crea da se stesso in un duplice senso: 1) come ogni artista, dalla sua immaginazione creativa; e 2) possedere specificamente nella propria persona il materiale da cui è creata l'immagine artistica.

1. La realtà della realtà mostrata oggettivamente, trasformata dall'immaginazione del drammaturgo in un'opera drammatica.

2. Un'opera drammatica incarnata dal teatro (regista, attori) nella vita scenica: una performance.

3. La vita scenica, percepita dal pubblico e diventata parte delle sue esperienze, si è fusa con la vita del pubblico e, quindi, è tornata di nuovo alla realtà.

Ma il "ritorno" non è analogo alla fonte originaria, ora si arricchisce spiritualmente ed esteticamente. "Un'opera d'arte è fatta per vivere, per vivere quasi letteralmente

Questa parola, cioè entrati, come eventi vissuti della vita reale,

Nell'esperienza spirituale di ogni persona e di tutta l'umanità.

L'incrocio di due tipi di immaginazione attiva – quella dell'attore e quella del pubblico – dà origine a quella che viene chiamata “la magia del teatro”. Il vantaggio dell'arte teatrale sta nel fatto che incarna l'immaginario in un'azione dal vivo che si svolge sul palco con chiarezza e concretezza. In altre arti, il mondo immaginario appare nell'immaginazione umana, come nella letteratura e nella musica, oppure è raffigurato nella pietra o sulla tela, come nella scultura o nella pittura. Nel teatro lo spettatore vede l'immaginario. "Ogni performance contiene alcuni elementi fisici e oggettivi a disposizione di qualsiasi spettatore" .

L'arte scenica per sua stessa natura presuppone non un entusiasmo passivo, ma attivo per il pubblico, perché in nessun'altra arte c'è una tale dipendenza del processo creativo dalla sua percezione come nel teatro. A G.D. Gachev, il pubblico è “come gli esseri celesti, come un Argus dai mille occhi<...>accendere l'azione sul palco<...>infatti il mondo della scena stesso sorge, appare, ma nella stessa misura è opera dello spettatore.

L'immaginazione attiva del pubblico non è affatto una proprietà spirituale speciale degli amanti dell'arte prescelti. Naturalmente, il gusto artistico sviluppato è di grande importanza, ma si tratta dello sviluppo di quei principi emotivi che sono inerenti a ogni persona. “Il gusto artistico apre la strada al lettore, ascoltatore, spettatore dalla forma esterna a quella interna e da essa al contenuto dell'opera. Affinché questo percorso possa essere superato con successo, è necessaria la partecipazione dell'immaginazione e della memoria, delle forze emotive e intellettuali della psiche, della volontà e dell'attenzione e, infine, della fede e dell'amore, cioè dello stesso complesso mentale integrale di forze spirituali che realizzano il atto creativo, è necessario.

Conoscere il teatro nelle sue stesse leggi;

Conoscere il teatro nelle sue lavorazioni moderne;

Conoscere il teatro nel suo sviluppo storico.

Allo stesso tempo, bisogna essere consapevoli che la conoscenza piegata meccanicamente nella testa dello spettatore non è garanzia di una percezione a tutti gli effetti. Il processo di formazione della cultura dello spettatore, in una certa misura, ha le proprietà di una “scatola nera”, in cui i momenti quantitativi non sempre si sommano in linea retta in certi fenomeni qualitativi.

Il teatro è un'arte straordinaria. Se non altro perché nel secolo scorso gli è stata predetta più volte la morte imminente. Fu minacciato dal Grande Silenzioso, che aveva trovato la parola: sembrava che il cinema sonoro avrebbe portato via tutto il pubblico dal teatro. Poi la minaccia venne dalla televisione, quando lo spettacolo arrivò direttamente nelle case, poi si cominciò a temere la potente diffusione del video e di Internet.

Tuttavia, se ci concentriamo sulle tendenze generali nell'esistenza dell'arte teatrale nel mondo, non c'è nulla di sorprendente nel fatto che all'inizio del 21 ° secolo il teatro non solo si sia mantenuto, ma abbia iniziato a enfatizzare chiaramente il non- carattere di massa e, in un certo senso, “elitario” della sua arte. Ma nello stesso senso si può parlare di elitarismo delle belle arti o della musica classica, se confrontiamo il pubblico di molti milioni che gli artisti popolari riuniscono con un numero limitato di persone al conservatorio.

La cultura dello spettatore dipende in larga misura dalla natura dell'arte che viene offerta allo spettatore. Quanto più difficile è il compito che gli viene posto davanti: estetico, etico, filosofico, tanto più teso è il pensiero, più acuta è l'esperienza, più sottile è la manifestazione del gusto dello spettatore. Perché quella che chiamiamo cultura del lettore, ascoltatore, spettatore è direttamente correlata allo sviluppo della personalità stessa di una persona, dipende dalla sua crescita spirituale e influenza la sua ulteriore crescita spirituale.

L '"effetto teatro", la sua chiarezza è determinata non solo dalla dignità dell'arte stessa, ma anche dalla dignità, dalla cultura estetica dell'auditorium. Dello spettatore come co-creatore obbligatorio dello spettacolo viene spesso scritto e parlato gli stessi professionisti del teatro (registi e attori): “Non esiste spettacolo teatrale senza la partecipazione del pubblico, e lo spettacolo ha una possibilità di successo solo se lo spettatore stesso “perde” il gioco, cioè... accetta le sue regole e interpreta il ruolo di una persona che si immedesima o si ritira.

Tuttavia, il risveglio dell'artista nello spettatore avviene solo se lo spettatore è in grado di percepire appieno il contenuto insito nella performance, se è in grado di ampliare la sua gamma estetica e imparare a vedere il nuovo nell'arte, se, rimanendo fedele alla il suo stile artistico preferito, non risulta essere sordo ad altre direzioni creative, se riesce a vedere una nuova lettura di un'opera classica ed è in grado di separare l'idea del regista dalla sua realizzazione da parte degli attori ... Là ce ne sono molti di più di questi "se". Di conseguenza, affinché lo spettatore venga coinvolto nella creatività, affinché l'artista si risvegli in lui, nell'attuale fase di sviluppo del nostro teatro, è necessario un aumento generale della cultura artistica dello spettatore.

È difficile dire con certezza quanto le possibilità sceniche del teatro di una certa epoca influenzino il lavoro di un drammaturgo. Qui è necessario dividerli in coloro che hanno scritto per il teatro senza partecipare a rappresentazioni teatrali (la storia conosce molti di questi nomi) e coloro che hanno lavorato essi stessi a teatro e lo hanno conosciuto “dall'interno” (Shakespeare, Molière, Brecht , ecc.). ). Questo confine è difficile da cogliere, ma molto significativo. Per alcuni prevale l'opera teatrale come prodotto letterario, per altri come vera opportunità o registrazione. Giochi. Un altro fattore importante in questa materia è l'atteggiamento del drammaturgo nei confronti del teatro: come lo percepisce come istituzione?

Nella storia c'erano diversi punti di vista sull'essenza e sullo scopo dell'arte teatrale. Il teatro è stato utilizzato come modello esteso per i misteri religiosi, come veicolo per la diffusione di idee politiche o propaganda, come intrattenimento e come forma d'arte. Possiamo dire che il teatro esisteva contemporaneamente su tre livelli:

* come intrattenimento popolare liberamente organizzato;

* come attività sociale dominante;

* come forma d'arte;

A livello intrattenimento popolareè composto da attori o piccole troupe, che di solito lavorano al di fuori dei canoni teatrali stabiliti, eseguendo qualsiasi cosa, dagli spettacoli circensi alle farse per un pubblico di massa. Questa forma è antecedente alle più antiche opere conosciute. come il teatro attività sociale dominante- questo è, di regola, un dramma letterario rappresentato nei teatri pubblici: tragedia greca, misteri e moralità medievali, tsam, ecc. come il teatro forma d'arte d'élite il più semplice e definito; è destinato a un gruppo limitato di spettatori con gusti specializzati. Questa forma spazia dal genere della maschera di corte rinascimentale al moderno teatro d'avanguardia.

Oltre all'essenza e allo scopo dello spettacolo teatrale, è necessario notare anche le specificità, le funzioni dello spettacolo teatrale, il tipo di teatro in cui si svolge lo spettacolo e una serie di alcuni elementi che influenzano lo spettacolo. al momento della sua creazione.

Specifiche teatrali.

La ricerca e la selezione delle specificità della rappresentazione teatrale ci sono prima di tutto necessarie per separarla da altri tipi di arti (coreografia, pittura, architettura, ecc.). Questa domanda è il rovescio della questione della essenza del teatro. La base della rappresentazione teatrale sta nel fatto che l'azione visiva e il testo si fondono in un tutto inseparabile, pur mantenendo una sufficiente indipendenza e possono dominarsi a vicenda a vari livelli. Secondo questo rapporto il teatro è tipizzato (musicale, drammatico, ecc.). Un altro aspetto di questo problema è il rapporto tra la performance dell'attore in termini di azioni fisiche del suo corpo (gesti, posture, espressioni facciali, ecc.) e della voce.

Molte arti sono unite nell'arte del teatro, ma non sono subordinate alla scena nella misura in cui è subordinato il dramma. Orientato all'immagine scenica, alla riproduzione effettiva, il dramma dà origine a una categoria inerente a soltanto teatro e farne un teatro è azione. L'azione è l'essenza stessa del teatro, integra tutti gli elementi di una rappresentazione teatrale in un unico insieme artistico e in un'opera completa. Allo stesso tempo, tutti i sistemi di rappresentazione teatrale interagiscono organicamente tra loro senza causare conflitti di risorse (decorazione, luce, musica, ecc.). Le azioni più elementari (rudimentali) possono dipendere da un determinato luogo, dagli obiettivi della performance ed essere opera di un singolo attore. La maggior parte delle performance, tuttavia, richiedono gli sforzi congiunti (cooperativi) di molte persone creative e tecnicamente preparate per formare una performance perfettamente armoniosa.

Elementi di spettacolo teatrale.

L’esecuzione ha solo due elementi essenziali e necessari: esecutore E pubblico. La performance può essere pantomimica o verbale (usare il linguaggio). La necessità di un artista potrebbe non essere sempre, ad esempio, un dramma di marionette o spettacoli meccanici (teatro ottico o luminoso). Lo spettacolo può essere saturo di costumi, scenografia, luci, musica ed effetti speciali, ad es. attrezzatura tecnica utilizzata per creare un'illusione di natura diversa: luogo, tempo, ecc. E infine la produzione teatrale, dal punto di vista tecnico, in ogni sua forma Sempre presentato ad un pubblico dal vivo. Ecco perché gli elementi di una rappresentazione teatrale sono sempre essenzialmente visivi, cioè presentato direttamente (sebbene nella performance possano essere inclusi film, video o suoni registrati). Sono governati da una serie specifica di regole (incorporate nella sceneggiatura) che determinano il linguaggio e le azioni degli artisti.

Il termine "teatro" è spesso applicato solo a spettacoli drammatici e musicali e non include opera, danza, circo e carnevali, pantomima, vaudeville, spettacoli di marionette, spettacoli teatrali e altre forme - tutti quelli che hanno in sé elementi separati del teatro .

Tipi di teatro occidentale.

Oltre ai criteri estetici, teleologici e tecnologici (di cui abbiamo già scritto), il teatro occidentale può essere classificato anche in termini economici e di approccio alla produzione come:

commerciale (privato);

Non commerciale (statale);

teatro sperimentale o artistico;

comunità (impresa);

Teatro accademico

Il teatro può anche essere visto in termini come " posto in cui viene implementato. Palcoscenico e pubblico hanno avuto le loro forme distintive in ogni epoca e nelle diverse culture. I teatri oggi tendono ad essere molto flessibili ed eclettici nel loro design, incorporando elementi di diversi stili.

La rappresentazione di uno spettacolo non richiede essenzialmente una struttura architettonica pensata per un teatro e nemmeno la necessità stessa di un edificio. In questa direzione sono caratteristici gli esperimenti del regista inglese Peter Brook sulla creazione di un teatro in un “luogo vuoto”. Le prime forme di teatro esistevano in strade, spazi aperti, mercati, chiese o edifici non destinati all'uso teatrale. Molti teatri sperimentali contemporanei stanno sfidando i limiti formali dei teatri accessibili e sono alla ricerca di luoghi più insoliti (strada, prati, fienili, tetti, ecc.) per le loro produzioni. In tutti questi teatri "trovati", il significato della scena e del pubblico è creato dalle azioni degli artisti e dalle caratteristiche naturali del territorio. Il palcoscenico moderno è una struttura architettonica e tecnica complessa. Questo tipo si è formato come risultato di una lunga evoluzione del teatro dall'antica orchestra greca, palcoscenici medievali (simultanei e spettacolo), palcoscenico rinascimentale italiano fino al palcoscenico moderno. Si distingue per il fatto di essere principalmente un edificio, una struttura destinata esclusivamente a rappresentazioni teatrali. Il palco stesso è principalmente un portale, dotato di una varietà di attrezzature sceniche e talvolta trasformabile, che può trasformarsi in uno dei soliti palcoscenici teatrali. Nella storia del teatro, tuttavia, la maggior parte dei teatri ha utilizzato uno dei tre tipi di palcoscenico: palco, pedana e arena.

Tutti questi tipi di scene nel loro sviluppo storico hanno determinato l'apparizione dell'uno o dell'altro tipo di drammaturgia. Inoltre, hanno formato alcune tecniche per mettere in scena il materiale, hanno richiesto alcune tecniche di regia, la "loro" messa in scena, ecc. Ogni tipo di scena suggerisce il proprio insieme di mezzi espressivi, e lo stesso pezzo verrà “deciso” in base ad essi in modi diversi. Pertanto, sebbene questo materiale non appartenga alla teoria della drammaturgia, poiché influenza le leggi del teatro e le questioni relative alla realizzazione scenica dell'opera, non possiamo ignorarlo.

Piattaforma-palco aperta Stage-box. Palco-arena Palco-arena aperto

palco della piattaforma- una piattaforma rialzata rivolta verso il pubblico. Spesso è posto a un'estremità di uno spazio rettangolare. Questa scena è più comunemente conosciuta come un cerchio circondato su tre lati da un pubblico. Questa forma era usata nel teatro greco antico, nel teatro classico spagnolo, nel teatro rinascimentale inglese, nel teatro classico giapponese e cinese e in molti teatri occidentali del XX secolo. La piattaforma può essere sostenuta da un muro (skene). Relegato in secondo piano, può rappresentare il paesaggio e nascondere gli attori che escono di scena. In questo tipo di palco non c'è barriera tra gli artisti e il pubblico, il palco crea una sensazione di grande vicinanza, come se lo spettacolo si svolgesse in mezzo al pubblico.

La scena è una scatola. Fin dal Rinascimento, il teatro occidentale è stato dominato da una variante del palcoscenico chiamata boccascena. Boccascena - un muro che separa il palco dal pubblico, l'arco (arco), che può essere un quadrato, è una sorta di buco nel muro attraverso il quale il pubblico osserva l'azione. In questo luogo è possibile appendere una tenda che si alza o si apre ai lati. Il boccascena si evolve in risposta al desiderio di camuffare la scenografia, nascondere i macchinari scenici e creare spazio dietro le quinte per l'uscita e l'entrata degli artisti. Di conseguenza, esalta l'illusione eliminando tutto ciò che non fa parte della scena. Inoltre, incoraggia il pubblico a immaginare ciò che non può vedere e a continuare la prospettiva di ciò che sta guardando sul palco. Poiché il proscenio è una barriera architettonica, ciò crea un senso di distanza o separazione tra il palco e il pubblico. Anche l'arco del proscenio crea un palcoscenico e viene quindi spesso definito specchio scenico o scena con struttura pittorica.

Il palco è un'arena. Un palcoscenico a forma di arena, o teatro circolare, è un luogo completamente circondato da un pubblico. Questa forma è stata utilizzata più volte nel corso del XX secolo, ma il suo precedente storico è in gran parte in forme non drammatiche come il circo, che generalmente ne ha limitato la popolarità. La necessità di garantire pari condizioni e opportunità di assistere all'azione a tutti gli spettatori crea alcune difficoltà nel tipo di scenografia utilizzata e nei movimenti degli attori, perché ad un certo punto il pubblico inevitabilmente guarderà l'attore di spalle. Nel palcoscenico dell'arena, l'effetto dell'illusione è più difficile da mantenere, poiché nella maggior parte degli spettacoli le entrate e le uscite non dovrebbero essere davanti al pubblico, creando un elemento di sorpresa. Ciò non può essere ottenuto in questo tipo di scena, perché l'attore è sempre di fronte al pubblico. Tuttavia, l'arena, se utilizzata correttamente, può creare un senso di intimità non possibile in altri tipi di palcoscenico e si adatta bene a molte forme non drammatiche. Inoltre, a causa delle diverse esigenze sceniche del palco dell'arena, è possibile eliminare le grandi aree del backstage associate al boccascena, consentendo così un utilizzo più economico dello spazio scenico. Una modifica di questo tipo di scena verso una fase di impalcatura è palco dell'arena aperta.

Una delle forme originali di organizzazione degli spettacoli teatrali è " teatro ambientale” che ha precedenti nel teatro medievale (Adam de la Halle), in quello rinascimentale (pastorale) e che è stato ampiamente utilizzato nel XX secolo. teatro d'avanguardia (ad esempio, nel "teatro povero" di E. Grotovsky). Questo tipo di teatro elimina un palco separato o centrale a favore di circondare il pubblico o condividere un posto con lui; il luogo della scena e il luogo dello spettatore diventano indistinguibili.

Pubblico. Lo spettatore si trova in base al tipo di teatro che abbiamo considerato sopra. Lui può essere:

chiaro diviso(poltrone);

· non diviso(panca);

· strutturato(parterre, anfiteatro);

· gerarchico(palchi, soppalco, ballatoio);

O ruspante(in piedi, seduto) a propria discrezione e scelta;

La disposizione dell'auditorium nel XX secolo deriva principalmente da varie varianti della sala a ventaglio, più democratica nella sua organizzazione. Ma questo, alla lunga, incide poco sulla drammaturgia, a meno che l'autore, già al momento della scrittura dell'opera, non decida di collocare il pubblico in un modo o nell'altro in relazione alla scena (vedi drammaturgia del teatro dell'assurdo). .

Scenografia. Il design artistico dello spettacolo è un progetto di un insieme di determinati mezzi di espressione teatrale. Questo progetto è una sorta di ambientazione visiva dell'ambiente in cui vengono rappresentate le opere teatrali. Il suo scopo è suggerire il momento e il luogo e creare l'atmosfera o l'atmosfera appropriata per loro. Le soluzioni scenografiche generali possono essere suddivise in tipologie principali come: realistico, astratto e funzionale;