...Francamente, inserire quest'opera nel curriculum scolastico è inutile quanto un vecchio compositore che parla di sentimenti entusiasti a una ragazza che ha appena tolto i pannolini e non ha imparato veramente ad amare, ma semplicemente a sentirsi adeguatamente.
Bambini... cosa prenderete da loro? Personalmente, all’epoca non capivo questo lavoro. Non lo capirei nemmeno adesso se non avessi provato una volta quello che ha provato il compositore stesso.
Un po' di moderazione, di malinconia... No, qualunque cosa accada. Voleva solo singhiozzare, il dolore soffocava così tanto la ragione che il futuro gli sembrava privo di significato e – come un camino – di qualsiasi luce.
A Beethoven era rimasto un solo ascoltatore grato. Pianoforte.
O tutto non era così semplice come sembra a prima vista? E se fosse ancora più semplice?
In effetti la “Moonlight Sonata” non è l'intera Sonata n. 14, ma solo la sua prima parte. Ma ciò non sminuisce in alcun modo il valore delle restanti parti, poiché possono servire a giudicare lo stato emotivo dell'autore in quel momento. Diciamo solo che se ascolti da solo la Sonata al chiaro di luna, molto probabilmente cadrai semplicemente in errore. Non può essere percepito come un lavoro indipendente. Anche se lo vorrei davvero.
A cosa pensi quando lo senti? Che bella melodia era e che talentuoso compositore era Beethoven? Indubbiamente tutto questo è presente.
È interessante notare che quando l'ho ascoltato a scuola durante una lezione di musica, l'insegnante ha commentato l'introduzione in modo tale che sembrava che l'autore fosse più preoccupato dell'imminente sordità che del tradimento della sua amata.
Che assurdo. È come se nel momento in cui vedi che il tuo prescelto parte per qualcun altro, qualcos'altro conta già. Anche se... se supponiamo che l'intera opera finisca con “”, allora sarebbe così. Allegretto cambia radicalmente l'interpretazione dell'opera nel suo insieme. Perché diventa chiaro: questa non è solo una breve composizione, è tutta una storia.
La vera arte inizia solo dove c'è la massima sincerità. E per un vero compositore, la sua musica diventa proprio lo sfogo, il mezzo con cui può parlare dei suoi sentimenti.
Molto spesso, le vittime di un amore infelice credono che se la persona prescelta comprenderà i loro veri sentimenti, tornerà. Almeno per pietà, se non per amore. Può essere spiacevole rendersene conto, ma le cose stanno così.
"Natura isterica": cosa pensi che sia? È consuetudine attribuire a questa espressione una connotazione irrimediabilmente negativa, così come la sua peculiarità in misura maggiore al gentil sesso che al sesso più forte. Ad esempio, questo è il desiderio di attirare l'attenzione su di sé, nonché di evidenziare i propri sentimenti sullo sfondo di tutto il resto. Sembra cinico, poiché è consuetudine nascondere i propri sentimenti. Soprattutto all'epoca in cui viveva Beethoven.
Quando scrivi musica attivamente anno dopo anno e ci metti una parte di te stesso, e non la trasformi semplicemente in una sorta di artigianato, inizi a sentire molto più acutamente di quanto vorresti. Inclusa la solitudine. La stesura di questa composizione iniziò nel 1800 e la sonata fu pubblicata nel 1802.
Era la tristezza della solitudine dovuta al peggioramento della malattia, o il compositore era semplicemente depresso solo a causa dell'inizio dell'innamoramento?
Sì, sì, a volte succede questo! La dedica alla sonata parla più dell'amore non corrisposto che del colore dell'introduzione stessa. Ripetiamo, la Quattordicesima Sonata non è solo una melodia su uno sfortunato compositore, è una storia indipendente. Quindi potrebbe anche essere una storia su come l'amore lo ha cambiato.
Seconda parte: Allegretto
"Un fiore tra gli abissi." Questo è esattamente ciò che disse Liszt a proposito dell'allegretto della Sonata n. 14. Qualcuno... non solo qualcuno, ma quasi tutti all'inizio notano un cambiamento drammatico nella colorazione emotiva. Secondo la stessa definizione alcuni paragonano l'introduzione all'apertura del calice di un fiore, e la seconda parte al periodo della fioritura. Ebbene, i fiori sono già apparsi.
Sì, Beethoven pensava a Giulietta mentre scriveva questa composizione. Se dimentichi la cronologia, potresti pensare che questo sia o il dolore di un amore non corrisposto (ma in effetti, nel 1800, Ludwig stava appena iniziando ad innamorarsi di questa ragazza), o riflessioni sulla sua difficile sorte.
Grazie ad Allegretto si può giudicare uno scenario diverso: il compositore, trasmettendo sfumature di amore e tenerezza, parla del mondo pieno di tristezza in cui risiedeva la sua anima PRIMA di incontrare Giulietta.
E nella seconda, come nella sua famosa lettera ad un amico, racconta del cambiamento avvenuto grazie alla conoscenza di questa ragazza.
Se consideriamo la Quattordicesima Sonata da questo punto di vista, allora ogni ombra di contraddizione scompare istantaneamente e tutto diventa estremamente chiaro e spiegabile.
Cosa c'è di così incomprensibile qui?
Cosa possiamo dire dei critici musicali che erano perplessi riguardo all'inclusione di questo stesso scherzo in un'opera che generalmente ha un sottotono estremamente malinconico? O che fossero disattenti, o che siano riusciti a vivere tutta la loro vita senza provare l'intera gamma di sentimenti e nella stessa sequenza che il compositore ha dovuto provare? Dipende da te, lascia che sia la tua opinione.
Ma ad un certo punto Beethoven era semplicemente... felice! E di questa felicità si parla nell'allegretto di questa sonata.
Terza parte: Presto agitato
... E una forte ondata di energia. Cos'era? Risentimento perché la ragazza sfacciata non ha accettato il suo amore? Questa non può più essere chiamata solo sofferenza; in questa parte si intrecciano piuttosto amarezza, risentimento e, in misura molto maggiore, indignazione. Sì, sì, esattamente indignazione! Come hai potuto rifiutare i suoi sentimenti?! Come osa?!!
E a poco a poco i sentimenti si calmano, anche se non sono affatto più calmi. Che offensivo... Ma nel profondo della mia anima l'oceano di emozioni continua a imperversare. Il compositore sembra camminare avanti e indietro per la stanza, sopraffatto da emozioni contrastanti.
Era un orgoglio gravemente ferito, un orgoglio violato e una rabbia impotente, a cui Beethoven poteva dare sfogo solo in un modo: nella musica.
La rabbia cede gradualmente il posto al disprezzo (“come hai potuto!”), e lui interrompe ogni rapporto con la sua amata, che a quel punto stava già tubando con tutte le sue forze con il conte Wenzel Galenberg. E mette fine all'accordo decisivo.
"Ecco, ne ho abbastanza!"
Ma tale determinazione non può durare a lungo. Sì, quest'uomo era estremamente emotivo e i suoi sentimenti erano reali, anche se non sempre controllati. Più precisamente, è per questo che non sono controllati.
Non poteva uccidere i sentimenti teneri, non poteva uccidere l'amore, anche se lo voleva sinceramente. Gli mancava il suo studente. Anche sei mesi dopo non riuscivo a smettere di pensare a lei. Questo può essere visto nel suo testamento a Heiligenstadt.
Ora tali relazioni non sarebbero accettate dalla società. Ma allora i tempi erano diversi e la morale era diversa. Una ragazza di diciassette anni era già considerata più che matura per il matrimonio ed era persino libera di scegliere il proprio fidanzato.
Ora si sarebbe appena diplomata e, per impostazione predefinita, sarebbe stata considerata una bambina ingenua, e lo stesso Ludwig sarebbe stato accusato di "corruzione di minori". Ma ancora una volta: i tempi erano diversi.
Giulietta Guicciardi... la donna il cui ritratto Ludwig van Beethoven conservava insieme al “Testamento di Heiligenstadt” e ad una lettera non inviata indirizzata all'“Amata immortale” (ed è possibile che fosse lei questa misteriosa amata).
Nel 1800, Giulietta aveva diciotto anni e Beethoven diede lezioni al giovane aristocratico - ma la comunicazione tra questi due andò presto oltre i confini del rapporto tra insegnante e studente: “È diventato per me più piacevole vivere... Questo il cambiamento è stato portato dal fascino di una dolce ragazza”, ammette il compositore in una lettera ad un amico, collegando con Giulietta “i primi momenti felici degli ultimi due anni”. Nell'estate del 1801, che Beethoven trascorre con Giulietta nella tenuta dei suoi parenti, i Brunswick, non dubita più che siamo amati, che la felicità sia possibile - anche la nobile origine del suo prescelto non gli sembrava un problema insormontabile ostacolo...
Ma l'immaginazione della ragazza fu catturata da Wenzel Robert von Gallenberg, un compositore aristocratico, lontano dall'essere la figura più significativa della musica della sua epoca, ma la giovane contessa Guicciardi lo considerava un genio, di cui non mancò di informare la sua maestra. Ciò fece infuriare Beethoven, e presto Giulietta lo informò in una lettera della sua decisione di partire "da un genio che ha già vinto, a un genio che sta ancora lottando per il riconoscimento"... Il matrimonio di Giulietta con Gallenberg non fu particolarmente felice, e lei incontrò di nuovo Beethoven nel 1821 - Giulietta si rivolse al suo ex amante con una richiesta di... aiuto finanziario. "Mi tormentava piangendo, ma io la disprezzavo", così Beethoven descrisse questo incontro, tuttavia, conservò il ritratto di questa donna... Ma tutto ciò accadrà più tardi, e quindi il compositore fu messo a dura prova da questo colpo di destino. Il suo amore per Giulietta Guicciardi non lo ha reso felice, ma ha regalato al mondo una delle opere più belle di Ludwig van Beethoven: la Sonata n. 14 in do diesis minore.
La sonata è conosciuta con il titolo “Moonlight”. Il compositore stesso non gli ha dato un nome simile: è stato assegnato all'opera con la mano leggera dello scrittore e critico musicale tedesco Ludwig Relstab, che nella sua prima parte ha visto "il chiaro di luna sul lago Firwaldstätt". Paradossalmente, questo nome è rimasto, sebbene abbia incontrato molte obiezioni - in particolare, Anton Rubinstein ha sostenuto che la tragedia della prima parte e i sentimenti tempestosi del finale non corrispondono affatto alla malinconia e alla "luce delicata" della notte illuminata dalla luna paesaggio.
La Sonata n. 14 fu pubblicata nel 1802 insieme a. Entrambe le opere furono definite dall'autore “Sonata quasi una Fantasia”. Ciò implicava un allontanamento dalla struttura tradizionale e consolidata del ciclo della sonata, costruita sul principio del contrasto “veloce – lento – veloce”. La quattordicesima sonata si sviluppa linearmente, da lento a veloce.
Il primo movimento - Adagio sostenuto - è scritto in una forma che unisce le caratteristiche di due parti e sonata. Il tema principale sembra estremamente semplice se visto isolatamente, ma la ripetizione insistente del quinto tono gli conferisce un'intensità emotiva eccezionale. Questa sensazione è intensificata dalla figurazione della terzina, contro la quale passa l'intero primo movimento - come un pensiero persistente. Il ritmo della voce di basso coincide quasi con la linea melodica, rafforzandola e dandole significato. Questi elementi si sviluppano in un cambiamento di colorazione armonica, un confronto di registri, che rappresentano un'intera gamma di sentimenti: tristezza, un sogno luminoso, determinazione, “sconforto mortale” - nell'espressione appropriata di Alexander Serov.
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Il nome della sonata è stato dato dal poeta romantico L. Relshtab, nella cui immaginazione la musica del primo movimento ha creato l'immagine di una notte illuminata dalla luna sulla riva del lago Firvaldshtet. Ciò però non corrisponde all'intenzione del compositore, che in questa sonata rivela il suo dramma personale. È noto che il motivo immediato per scrivere la sonata fu il rapporto di Beethoven con Giulietta Guicciardi, alla quale la sonata è dedicata. L'amore reciproco alla fine portò alla delusione: Giulietta rifiutò la proposta di Beethoven e gli preferì il mediocre compositore Gallenberg. Allo stesso tempo, a quanto pare, non solo una storia d'amore infruttuosa con una contessa italiana, ma anche altri colpi del destino, non meno dolorosi, hanno causato al compositore esperienze emotive difficili.
La composizione della sonata rivela il dramma dell'eroe, dove l'immagine di disperazione e senza vita è sostituita da uno stato di attività violenta. Pur mantenendo la struttura classica della sonata, Beethoven viola l'interpretazione e la forma del primo movimento. È scritto in una forma in tre parti con una parte centrale di sviluppo, perché Il pezzo si basa su un'immagine concentrata e congelata. Non è un caso che l’osservazione di Beethoven sia “una sonata nello spirito della fantasia”.
La prima parte si apre con una breve introduzione, basata su un movimento statico di terzine su uno sfondo di ottave sostenute in basso profondo. È questo movimento in terzine, che viene mantenuto per tutto il primo movimento, a creare un'immagine di immobilità, disperazione e cupa concentrazione. La melodia, che appare sullo sfondo di terzine, è congelata e inespressiva (ripetizione su un suono), contiene la base ritmica di una marcia funebre, e solo una deviazione in mi maggiore parallelo rivela l'elemento lirico in essa contenuto. Nella sezione di sviluppo centrale, l'argomento si sviluppa tonalmente (nome tonalità) e intonazione. Al centro della melodia appare il cosiddetto motivo della croce, che sin dai tempi di J.S. Bach è stato considerato una manifestazione delle emozioni più tragiche. Il climax è segnato dall'introduzione di un punto d'organo dominante nel basso, contro il quale risuonano figurazioni spezzate in un movimento ascendente con un accordo di settima diminuita alla base. Il tema copre una gamma molto ampia e sembra intenso e appassionato. Raggiunto l'apice, i passaggi si muovono ora in direzione discendente, comunicando un graduale calo di tensione, e conducono ad una ripresa. Alla fine della prima parte, gli echi della melodia risuonano nei bassi profondi. Si tratta di uno spirito ribelle, incatenato dalla sofferenza, che deve superare i colpi del destino.
La seconda parte della sonata contrasta con la prima. Secondo la felice espressione di Franz Liszt, questo è “un fiore tra due abissi”. Forse Beethoven ha creato qui un ritratto della graziosa, frivola e civettuola Giulietta Guicciardi. La musica della Parte II contiene le caratteristiche di un elegante minuetto (¾ indicazione del tempo, tempo moderato, ritmo caratteristico) e ricorda anche uno scherzo giocoso (accordi leggeri in un registro acuto, frasi brevi, staccato). Non c'è contrasto figurativo nel trio, la tonalità del Des major è conservata, ma il tema diventa pesante e ruvido grazie al ronzio delle ottave e quinte nel registro grave e al ritmo sincopato.
La Parte III è il culmine del ciclo. Sentimenti come il risentimento, la rabbia, l'indignazione, che erano nascosti nella Parte I, “irruppero” in superficie. Non è un caso che sia tornata la tonalità originaria del cis minore. La Parte III è scritta in forma sonata, dove G.P. è composto da quattro frasi. Si tratta di una sorta di quattro onde, basate sul rapido movimento verso l'alto delle sedicesime lungo i suoni degli accordi. Questo movimento sembra poggiare sugli accordi potenti di sf, trasmettendo l'immagine di un impulso drammatico. L'accompagnamento motorio completa l'immagine. P.P. non è in contrasto con G.P., è altrettanto attivo e impetuoso (tonalità di dominante minore, accompagnamento motorio, ritmo puntato e salti ad ampi intervalli nella melodia). Allo stesso tempo è melodioso, grazie ai finali morbidi delle frasi. Z.P. ostinato nel ritmo e molto intenso nel linguaggio armonico.
Tutti i temi della mostra sono in fase di sviluppo. Ha tre sezioni: sviluppo di G.P., sviluppo di P.P. e un punto dell'organo dominante che funge da precursore della ripresa.
Nella ripresa, tutti i temi vengono ascoltati nella tonalità principale, ma non c'è sensazione di risoluzione del conflitto. Il culmine principale è il codice, che in scala può essere equiparato al secondo sviluppo. Solo nell'episodio finale, basato sul tema di P.P., la tensione si allenta. Il compositore sottolinea la forza di volontà e l'attività vitale di una persona, il suo desiderio di superare tutti gli ostacoli sul cammino della vita.
L. BEETHOVEN Sonata n. 23 in fa minore “Appasionata”
Sonata n. 23 in fa minore (op. 57)è stato scritto nel 1806 e dedicato a Franz Brunswick. È generalmente accettato che l'Appassionata appartenga ai più grandi successi di Beethoven nel campo dell'arte eroica. Questo è il culmine dello sviluppo della sonata eroico-drammatica, un'opera di enorme impatto. Lo stesso compositore considerava l'Appassionata la sua migliore sonata. Il titolo non è stato dato dall'autore. Apparve più tardi in una delle edizioni postume (di proprietà dell'editore di Amburgo Kranz). Il latino "passio" significa passione, ma anche sofferenza, prova. Il titolo riflette in modo molto accurato l'essenza dell'opera di Beethoven, nella cui musica infuriano passioni di scala veramente shakespeariana. È noto che Beethoven collegò il contenuto dell’Appassionata (così come della Sonata n. 17) con “La Tempesta” di Shakespeare, che glorifica il coraggio dell’uomo, la sua mente e la volontà nell’affrontare le forze elementari della natura. Beethoven afferma: il significato della vita umana sta nel superare la paura e la disperazione, la resistenza eroica e la lotta instancabile.
L'Appassionata è la più sinfonica di tutte le sonate di Beethoven. Il suo ciclo della terza parte è caratterizzato da un'unità sorprendente: rappresenta un tutto inestricabile, in cui il ruolo del centro drammatico è svolto dal finale. Con eccezionale chiarezza, l'Appassionata mostra gli schemi più tipici dello sviluppo di Beethoven: questo sviluppo effettuato attraverso la lotta delle contraddizioni, l'unità degli opposti .
La sonata allegro del primo movimento è un classico esempio dell'incarnazione del principio del contrasto derivato. Tutti i vari argomenti, anche quelli fortemente contrastanti, sono qui in un modo o nell'altro collegati tema della festa principale. Questo è uno dei temi più "inaspettati" di Beethoven. Già il quarto tempo di apertura dimostra una nuova qualità di contrasto tra due elementi opposti. Uno di questi è dato in un movimento all'unisono lungo i toni di una triade minore, che copre un'ampia gamma (un dettaglio interessante: l'unisono è “allargato” su 2 ottave. Questa tecnica non si trova quasi mai nella letteratura pianistica prima di Beethoven). Il personaggio è severo, tragico, segretamente potente. Un altro elemento, basato su un secondo motivo di lamento, si contrappone in una gamma ristretta alla precedente presentazione armonica a 4 voci. Dopo una ripetizione modificata del nucleo iniziale contrastante, un altro, terzo elemento invade inaspettatamente lo sviluppo. Questa è un'intonazione semitonale del VI – I st. (t. 10), persistentemente minaccioso nel basso. Il nuovo motivo entra in dialogo con il secondo elemento del contrasto originario. L'aumento della respirazione (4 volumi - 2 volumi - I volume, cioè le frasi melodiche sono accorciate), il predominio dell'instabilità armonica, una maggiore tensione allarmante e nascosta - preparano una "esplosione" culminante di forza eccezionale. Una rapida ondata di arpeggi basati sui suoni della mente. 5/3 copre quasi tutta la tastiera del pianoforte (misure 14 – 15). Questo è il quarto elemento di G.P. La luminosità del climax enfatizza il primo nello sviluppo del tema principale F. In termini di modo e tonalità, il tema principale è estremamente instabile: la tonica non appare nemmeno una volta dopo i due movimenti iniziali. Ma “l’armonia napoletana” gioca un ruolo estremamente importante. Colora molti dei temi dell'Appassionata, essendo un fattore notevole nell'unità dell'insieme.
Seconda frase del cap.t. dinamizzato: il motivo iniziale è ora accompagnato da accordi potenti, che si precipitano verso l'alto in onde potenti R a fragoroso ss. Questa continuazione del tema principale funziona come un collegamento, che è la norma nella forma sonata di Beethoven. Viene alla ribalta il "motivo della lamentela" (2o elemento), che risuona sullo sfondo del ritmo ostinato del "motivo del destino" (3o elemento) sul suono "es", la dominante di As-dur - una tonalità secondaria (perciò percepita come precursore di essa). Quindi, la parte di collegamento rappresenta una nuova fase più elevata nello sviluppo del tema principale e dei suoi elementi.
Lotto laterale, con la sua fanfara volitiva "innica", è associata a canzoni rivoluzionarie francesi come "La Marseillaise". A differenza della parte principale, la stabilità tonale è chiaramente evidente in essa. Con il suo entusiasmo, la storia secondaria si allontana in larga misura dal materiale tematico precedente. Tuttavia, intonazionalmente e ritmicamente è legato al primo elemento della parte principale. Il trionfo della luce non dura a lungo: già nell'ottava battuta del tema secondario, la S minore trasforma lo sviluppo nello stesso come-minore, in cui si svolge il tema finale. Il suo sfogo spontaneo segna il culmine dell'esposizione. Il personaggio è cupamente intenso, furioso, ma anche titanicamente forte. È percepito come un'immagine di coraggiosa resistenza. Tematismo Z.P. derivato anche da G.P. (4 e 3 el-you, e il “motivo del destino” si intromette con una fanfara minacciosa). Quindi, tutti i temi della mostra sono cresciuti da quello principale secondo il principio del contrasto derivativo: dal 1° elemento - quello secondario, dal 2° - quello di collegamento, dal 4° - quello finale, in cui il 3° appare l'elemento: il "motivo del destino". Successivamente questo motivo (3° elemento) segna i momenti di massima tensione, ad esempio al culmine dello sviluppo. Inoltre, si trasforma ripetutamente in un movimento di prova continuo in ottave durate, formando uno sfondo ritmico immutabile per l'intero movimento (simile a una “precedenza” prima di un tema secondario).
Il tema principale rappresenta una sorta di prototipo per ogni ulteriore sviluppo. Lo svolgersi degli “eventi” musicali sia nella prima parte che nell'intero ciclo segue il “canale” da esso tracciato - secondo il principio dell'evidenziazione più luminosa del culmine finale: per il tema principale questo è il 4o elemento; per l'intera mostra – il lotto finale; per sonata allegro I movimento – coda; per l'intero ciclo: il finale. Nella prima parte dell'Appassionata Beethoven si rifiutò per la prima volta di ripetere l'esposizione (“il movimento della passione è troppo forte per tornare indietro”– R. Rolland). Lo sviluppo inizia con la parte principale in mi-dur (la transizione è rapidissima, attraverso la sostituzione enarmonica di as-moll 5/3 con gis-moll) e ripete lo schema tematico dell'esposizione: la parte principale è seguita da una parte di collegamento, poi una parte laterale ed una parte finale. Tutti i temi sono accompagnati da uno sviluppo tonale-armonico, di registro e di intonazione molto attivo. La musica dà origine a un sentimento di lotta intensa, di sforzo doloroso e di estrema tensione della forza mentale. Il tema tematico della parte finale si trasforma in un flusso continuo di arpeggi nella mente.VII fa-moll, che viene “tagliato” da un motivo battente dal tema principale (3° elemento). Lui "rimbomba" continua ss a volte in maiuscolo e talvolta in minuscolo, a indicare il culmine dello sviluppo che porta a predukt. La particolarità di questo prefisso è che sullo sfondo della pulsazione ostinata sul suono “s” avviene l'intera ripresa del capitolo. temi, offuscando così il confine tra le sezioni della forma della sonata. Il basso ostinato cementa ulteriormente i singoli elementi del tema.
Vengono forniti il culmine più alto e il nuovo sviluppo evolutivo dei temi codice. Il codice effettua una trasformazione qualitativa del materiale e della sintesi, a seguito della quale è quasi impossibile separare il tema tematico del capitolo. e def. perché si fondono così tanto.
Seconda parte La sonata contiene profondità e focus filosofico. Questo Andante a Des-dur sotto forma di variazioni. Il suo tema maestoso, calmo e solenne combina le caratteristiche di un corale e di un inno. Le quattro variazioni sono accomunate da uno stato d'animo di sublime illuminazione.
Più viene percepito come tragico Il finale(fa minore), invadente attacca con acute grida di protesta. La mente VII4/3 su cui si ferma l'Andante si ripete per 13 volte, come un segnale al temporale, mentre la dinamica passa bruscamente da pag A ss. Non basta ascoltare solo l'infuriare delle forze elementali della natura nella tempesta del finale: queste sono tempeste e un turbine di passioni spirituali. In contrasto con i finali vittoriosi delle sinfonie eroico-drammatiche di Beethoven, nell'ultimo movimento dell'Appassionata l'oscurità si addensa e il dramma diventa estremo. La forma sonata del finale (più precisamente, una sonata con un episodio, cioè un nuovo tema in sviluppo) è davvero unica: non ha melodie estese e complete. Sullo sfondo di un flusso ininterrotto di ondate di passaggi ascendenti e discendenti, sorgono brevi motivi, a volte eroici, orgogliosi, invitanti (nella sezione principale), a volte dolorosamente dolorosi (un secondo motivo in quella secondaria, soprattutto un nuovo tema in si minore dallo sviluppo); Non ci sono nemmeno soste di soccorso o cesure. Il rapido vortice ondulatorio si ferma una sola volta (la calma prima della ripresa); nonostante tutta l'individualità dei vari temi del finale, non vi sono chiari contrasti figurativi. L'intero finale è impulso, movimento, lotta.
Il risultato semantico dell'intera sonata è codice. Ha espresso un'idea che sarà ascoltata con rinnovato vigore nella Quinta sinfonia: solo in unità con le altre persone, con le masse, una persona può vincere e acquisire forza. Il tema della coda è nuovo, non è stato incluso nella mostra né nello sviluppo del finale. Questa è una potente danza eroica con un ritmo semplice, che crea un'immagine delle persone.
Le caratteristiche principali del metodo sinfonico di Beethoven:
· Mostrando l'immagine nell'unità di elementi opposti in lotta tra loro. I temi di Beethoven sono spesso costruiti su motivi contrastanti che formano un'unità interna. Da qui il loro conflitto interno, che funge da prerequisito per un intenso ulteriore sviluppo.
· L'enorme ruolo del contrasto derivato. Il contrasto derivato si riferisce a un principio di sviluppo in cui un nuovo motivo o tema contrastante è il risultato di una trasformazione del materiale precedente. Il nuovo nasce dal vecchio, che si trasforma nel suo opposto.
Continuità dello sviluppo e cambiamenti qualitativi delle immagini. Lo sviluppo degli argomenti inizia letteralmente fin dall'inizio della loro presentazione. Pertanto, nella 5a sinfonia, nel primo movimento, non c'è una sola battuta dell'esposizione vera e propria (ad eccezione dell '"epigrafe" - le primissime battute). Già durante la parte principale, il motivo iniziale viene radicalmente trasformato: è percepito contemporaneamente sia come un “elemento fatale” (il motivo del destino) sia come un simbolo di resistenza eroica, cioè un inizio che si oppone al destino. Anche il tema della parte principale della sinfonia “Eroica” è estremamente dinamico, anch'esso immediatamente dato nel processo di rapido sviluppo. Ecco perché, data la laconicità dei temi di Beethoven, le parti delle forme della sonata sono molto estese. Iniziato nella mostra, il processo di sviluppo comprende non solo lo sviluppo, ma anche la ripresa e la coda, che si trasforma in un secondo sviluppo.
· Un'unità qualitativamente nuova del ciclo sonata-sinfonico , rispetto ai cicli di Haydn e Mozart. La sinfonia diventa "dramma strumentale”, dove ogni parte è anello necessario di un’unica “azione” musicale e drammatica. Il culmine di questo “dramma” è il finale. L'esempio più brillante del dramma strumentale di Beethoven è la sinfonia “Eroica”, tutte le cui parti sono collegate da una linea di sviluppo comune, diretta al grandioso quadro del trionfo nazionale nel finale.
1. Parlando delle sinfonie di Beethoven, dovremmo sottolineare le sue innovazione orchestrale. Tra le novità:
2. formazione effettiva del gruppo del rame. Sebbene le trombe vengano ancora suonate e registrate insieme ai timpani, dal punto di vista funzionale esse e i corni cominciano a essere trattati come un unico gruppo. A loro si uniscono anche i tromboni, che non erano nell'orchestra sinfonica di Haydn e Mozart. I tromboni suonano nel finale della 5a sinfonia (3 tromboni), nella scena del temporale della 6a (qui ce ne sono solo 2), così come in alcune parti della 9a (nello scherzo e nell'episodio di preghiera del finale , così come nella coda).
3. · la compattazione del “livello intermedio” costringe la verticale ad aumentare sopra e sotto. Il flauto piccolo appare in alto (in tutti i casi sopra, ad eccezione dell'episodio di preghiera nel finale della Nona sinfonia), e il controfagotto appare in basso (nei finali della Quinta e Nona sinfonia). Ma in ogni caso in un'orchestra di Beethoven ci sono sempre due flauti e due fagotti.
Continuando la tradizione delle Sinfonie londinesi di Haydn e delle successive sinfonie di Mozart, Beethoven esalta l'indipendenza e il virtuosismo delle parti di quasi tutti gli strumenti, compresi la tromba e i timpani. Spesso in realtà ha 5 parti di archi (i contrabbassi sono separati dai violoncelli), e talvolta di più (suonare divisi). Tutti i legni, compreso il fagotto, così come i corni, possono eseguire esecuzioni soliste di materiale molto brillante.
Sinfonia n. 3 “Eroica”
Essendo già autore di otto sinfonie (cioè fino alla creazione dell'ultima, la 9a), quando gli fu chiesto quale di esse considerasse la migliore, Beethoven chiamò la 3a. Ovviamente aveva in mente il ruolo fondamentale svolto da questa sinfonia. "Eroica" ha aperto non solo il periodo centrale nell'opera del compositore stesso, ma anche una nuova era nella storia della musica sinfonica: il sinfonismo del XIX secolo, mentre le prime due sinfonie sono in gran parte associate all'arte del XVIII secolo , con l'opera di Haydn e Mozart. È noto che la sinfonia sarebbe stata dedicata a Napoleone, che Beethoven percepiva come l'ideale del leader popolare. Tuttavia, non appena seppe della proclamazione di Napoleone a imperatore di Francia, il compositore distrusse con rabbia la dedica originale. La straordinaria luminosità figurativa della 3a sinfonia ha spinto molti ricercatori a ricercare nella sua musica uno speciale intento programmatico. Allo stesso tempo, non vi è alcuna connessione con eventi storici specifici: la musica della sinfonia generalmente trasmette gli ideali eroici e amanti della libertà dell'epoca, l'atmosfera stessa dei tempi rivoluzionari.
Le quattro parti del ciclo sonata-sinfonico sono quattro atti di un unico dramma strumentale: la parte I dipinge un panorama dell'eroica battaglia con la sua intensità, drammaticità e trionfo vittorioso; La parte 2 sviluppa l'idea eroica in senso tragico: è dedicata alla memoria degli eroi caduti; il contenuto della parte 3 è superare il dolore; La parte 4 è un dipinto grandioso nello spirito delle celebrazioni di massa della Rivoluzione francese. La 3a Sinfonia ha molte cose in comune con l'arte del classicismo rivoluzionario: idee civiche, pathos di gesta eroiche, forme monumentali. Rispetto alla Quinta sinfonia, la Terza è più epica, racconta i destini di un intero popolo. La portata epica caratterizza tutti i movimenti di questa sinfonia, una delle più monumentali dell'intera storia della sinfonia classica.
Proporzioni davvero grandiose Parte I, che A.N. Serov lo definì "un'aquila allegra". argomento principale(Es-dur, violoncello), preceduto da due potenti accordi di tutti orchestrali, inizia con intonazioni generalizzate, nello spirito dei generi rivoluzionari di massa. Tuttavia già nella battuta 5 il tema ampio e libero sembra incontrare un ostacolo: il suono alterato “cis”, enfatizzato dalla sincope e dalla deviazione in sol minore. Ciò introduce una sfumatura di conflitto nel tema coraggioso ed eroico. Inoltre, l'argomento è estremamente dinamico, è immediatamente in fase di rapido sviluppo. La sua struttura è come un'onda crescente, che si precipita verso un picco culminante, che coincide con l'inizio di una partita secondaria. Questo principio dell’“onda” viene mantenuto durante tutta la mostra. Lotto laterale risolto in un modo davvero non convenzionale. Non ha uno, ma 2 temi. Entrambi sono lirici, scritti nella stessa tonalità di Si-dur, ma il primo è basato su motivi a tre note nei legni e negli archi (appelli), che gli conferiscono un carattere pastorale, mentre il secondo ha una trama più densa , sembra tenero e sognante. Tra questi due argomenti si colloca elemento drammatico, personificando l'immagine del potere sinistro. Ha un carattere drammatico, permeato di rapida energia; la sua base ritmica è un ottavo e due note 16x. Dipendenza dalla mente. VII 7 lo rende instabile.
Simile all'esposizione sviluppo(l'immagine della lotta) è multitematica, in essa sono sviluppati quasi tutti i temi dell'esposizione. I temi sono dati in interazione conflittuale tra loro, il loro aspetto cambia profondamente. Ad esempio, il tema della parte principale all'inizio dello sviluppo suona cupo e teso (in tonalità minori, registro inferiore). Poco dopo, ad esso si unisce contrappunto un secondo tema secondario, che aumenta la tensione drammatica complessiva. Non è un caso che nel timbro dell'oboe compaia un nuovo, triste tema in mi minore, percepito come un lamento per gli eroi caduti. È questa musica gentile e triste che diventa il risultato del precedente potente accumulo. I cambiamenti di intonazione nel tema principale continuano riprendere. La colorazione modalità-tonale del tema cambia: invece di una deviazione in g-moll, brillano i colori principali brillanti. Come lo sviluppo del codice per la Parte I, uno dei
il più grandioso in volume e drammaticamente intenso. In una forma più condensata, ripete il percorso di sviluppo, ma il risultato di questo percorso è diverso: non un climax triste in tonalità minore, ma l'affermazione di un'immagine eroica vittoriosa. La sezione finale della coda crea un'atmosfera di celebrazione popolare, un impulso gioioso, facilitato da una ricca trama orchestrale con il ruggito di timpani e fanfare di ottoni.
Seconda parte(do minore) – sposta lo sviluppo figurativo nell’area dell’alta tragedia. Il compositore la chiamò "Marcia funebre". Il tema principale della marcia - la melodia di una processione lugubre - combina le figure retoriche dell'esclamazione (ripetizione dei suoni) e del pianto (sospiri secondari) con sincopi “a scatti”, sonorità tranquille e colori minori. Il tema del lutto si alterna con un'altra, coraggiosa melodia in Es maggiore, che è percepita come una glorificazione dell'eroe. La composizione della marcia si basa sulla complessa forma parziale 3x con un trio leggero maggiore (Do maggiore) caratteristica di questo genere. Tuttavia, la forma in 3 parti è piena di sviluppo sinfonico end-to-end: la ripresa, a partire dalla consueta ripetizione del tema iniziale, si trasforma inaspettatamente in fa minore, dove si svolge fugato su un argomento nuovo (ma correlato a quello principale). La musica è piena di un'enorme tensione drammatica e la sonorità orchestrale aumenta. Questo è il culmine dell'intera parte. In generale, il volume della ripresa è due volte più grande della Parte I. Un'altra nuova immagine - la cantilena lirica - appare nella coda (Des - dur): nella musica del dolore civile si sente una nota “personale”.
Il contrasto più evidente dell'intera sinfonia è tra la marcia funebre e quella che la segue Scherzo, le cui immagini popolari preparano il Finale. La musica dello Scherzo (Es - dur, forma complessa a 3 parti) è tutta in costante movimento, impulso. Il suo tema principale è un flusso rapido e impetuoso di motivazioni attraenti e volitive. Nell'armonia c'è abbondanza di bassi ostinati e punti d'organo, che formano quarte armonie dal suono originale. Trio pieno della poesia della natura: il tema della fanfara dei tre corni solisti ricorda i segnali dei corni da caccia.
Parte IV(Es-dur, variazioni) – questo è il culmine dell'intera sinfonia, l'affermazione dell'idea di una celebrazione nazionale.
Ritratto in miniatura di Giulietta Guicciardi (Julie "Giulietta" Guicciardi, 1784-1856), sposata con la contessa Gallenberg
La sonata è sottotitolata “nello spirito della fantasia” (italiano: quasi una fantasia), perché rompe la tradizionale sequenza di movimenti “veloce-lento-[veloce]-veloce”. La sonata segue invece una traiettoria lineare dal lento primo movimento al tempestoso finale.
La sonata ha 3 movimenti:
1. Adagio sostenuto
2. Allegretto
3. Presto agitato
(Wilhelm Kempff)
(Heinrich Neuhaus)
La sonata fu scritta nel 1801 e pubblicata nel 1802. È questo un periodo in cui Beethoven lamenta sempre più il deterioramento dell'udito, ma continua ad essere popolare nell'alta società viennese e ha molti studenti negli ambienti aristocratici. Il 16 novembre 1801 scriveva a Bonn al suo amico Franz Wegeler: “Il cambiamento avvenuto in me è causato da una ragazza dolce e meravigliosa che mi ama ed è amata da me. Ci sono stati dei momenti magici in quei due anni e per la prima volta ho sentito che il matrimonio poteva rendere felice una persona”.
Si ritiene che la “ragazza meravigliosa” fosse una studentessa di Beethoven, la diciassettenne contessa Giulietta Guicciardi, alla quale dedicò la seconda sonata Opus 27 o “Moonlight Sonata” (Mondscheinsonate).
Beethoven incontrò Giulietta (che veniva dall'Italia) alla fine del 1800. La lettera citata a Wegeler risale al novembre 1801, ma già all'inizio del 1802 Giulietta preferì a Beethoven il conte Robert Gallenberg, mediocre compositore dilettante. Il 6 ottobre 1802 Beethoven scrisse il famoso "Testamento di Heiligenstadt" - un tragico documento in cui pensieri disperati sulla perdita dell'udito si uniscono all'amarezza dell'amore ingannato. I sogni furono finalmente dissipati il 3 novembre 1803, quando Giulietta sposò il conte Gallenberg.
Il nome popolare e sorprendentemente duraturo “lunare” fu assegnato alla sonata su iniziativa del poeta Ludwig Relstab, che (nel 1832, dopo la morte dell'autore) paragonò la musica della prima parte della sonata al paesaggio del lago Firvaldstätt in una notte illuminata dalla luna.
Le persone si sono ripetutamente opposte a un nome del genere per la sonata. L. Rubinstein, in particolare, ha protestato energicamente. "Moonlight", ha scritto, richiede in un'immagine musicale qualcosa di sognante, malinconico, premuroso, pacifico, generalmente delicatamente splendente. Il primo movimento della sonata cis-minore è tragico dalla prima all'ultima nota (anche il modo minore lo suggerisce) e rappresenta quindi un cielo coperto di nuvole - un cupo stato d'animo spirituale; l'ultima parte è tempestosa, appassionata e, quindi, esprime qualcosa di completamente opposto alla luce gentile. Solo la piccola seconda parte permette un minuto di chiaro di luna...”
Questa è una delle sonate di Beethoven più popolari e una delle opere per pianoforte più apprezzate in generale (
La famosa Sonata al chiaro di luna di Beethoven apparve nel 1801. In quegli anni il compositore non stava attraversando il periodo migliore della sua vita. Da un lato ebbe successo e popolarità, le sue opere divennero sempre più popolari, fu invitato in famose case aristocratiche. Il compositore trentenne dava l'impressione di una persona allegra, felice, indipendente e disprezzatrice della moda, orgogliosa e contenta. Ma Ludwig era tormentato da emozioni profonde nella sua anima: iniziò a perdere l'udito. Questa fu una terribile disgrazia per il compositore, perché prima della sua malattia l'udito di Beethoven si distingueva per sorprendente sottigliezza e accuratezza, era in grado di notare la minima sfumatura o nota sbagliata e immaginava quasi visivamente tutte le sottigliezze dei ricchi colori orchestrali.
Le cause della malattia sono rimaste sconosciute. Forse era dovuto a un eccessivo affaticamento dell'udito, oppure a un raffreddore e a un'infiammazione del nervo uditivo. Comunque sia, Beethoven soffriva giorno e notte di acufeni insopportabili e l'intera comunità di professionisti medici non poteva aiutarlo. Già nel 1800 il compositore doveva stare molto vicino al palco per sentire i suoni acuti dell'orchestra che suonava; aveva difficoltà a distinguere le parole delle persone che gli parlavano. Nascondeva la sua sordità agli amici e alla famiglia e cercava di stare nella società il meno possibile. In questo momento, la giovane Giulietta Guicciardi apparve nella sua vita. Aveva sedici anni, amava la musica, suonava magnificamente il pianoforte e divenne allieva del grande compositore. E Beethoven si innamorò, immediatamente e irrevocabilmente. Vedeva sempre solo il meglio nelle persone e Giulietta gli sembrava la perfezione, un angelo innocente che veniva da lui per placare le sue preoccupazioni e i suoi dolori. Era affascinato dall'allegria, dalla buona natura e dalla socievolezza del giovane studente. Beethoven e Giulietta iniziarono una relazione e lui sentì il gusto della vita. Cominciò ad uscire più spesso, imparò di nuovo ad apprezzare le cose semplici: la musica, il sole, il sorriso della sua amata. Beethoven sognava che un giorno avrebbe chiamato Giulietta sua moglie. Pieno di felicità, iniziò a lavorare su una sonata, che chiamò "Sonata nello spirito della fantasia".
Ma i suoi sogni non erano destinati a realizzarsi. La civetta volubile e frivola iniziò una relazione con l'aristocratico conte Robert Gallenberg. Si disinteressò ai sordi, poveri compositori di famiglia semplice. Ben presto Giulietta divenne contessa di Gallenberg. La sonata, che Beethoven iniziò a scrivere in uno stato di vera felicità, gioia e tremante speranza, fu completata con rabbia e rabbia. La prima parte è lenta e gentile, e il finale suona come un uragano, spazzando via tutto sul suo cammino. Dopo la morte di Beethoven, nel cassetto della sua scrivania si trovava una lettera che Ludwig indirizzò alla sbadata Giulietta. In esso, scrisse di quanto lei significasse per lui e di quale malinconia lo travolse dopo il tradimento di Giulietta. Il mondo del compositore è crollato e la vita ha perso il suo significato. Uno dei migliori amici di Beethoven, il poeta Ludwig Relstab, chiamò dopo la sua morte la sonata “Chiaro di luna”. Al suono della sonata immaginò la superficie tranquilla del lago e una barca solitaria che vi galleggiava sotto la luce incerta della luna.