Balletto in tre atti con prologo ed epilogo

Libretto di L. Lavrovsky, A. Piotrovsky, S. Radlov e S. Prokofiev tratto dall'omonima tragedia di W. Shakespeare.
Coreografo L. Lavrovsky.
Prima rappresentazione: Leningrado, Teatro dell'Opera e del Balletto. SM Kirov, 11 gennaio 1940
Caratteri:
Escalo, duca di Verona. Paride, giovane nobile, fidanzato di Giulietta. Capuleti. La moglie di Capuleti. Giulietta, loro figlia Tebaldo, nipote di Capuleti. La nutrice di Giulietta.
Montecchi. La moglie di Montecchi. Romeo, loro figlio. Mercuzio e Benvolio, amici di Romeo. Lorenzo, monaco.

Sansone, Gregorio, Pietro - servi dei Capuleti. Abramio, Balthazar - servitori dei Montecchi. Pagina di Parigi. Pagina Romeo. Gli amici di Giulietta.
Il proprietario delle zucchine. Cameriere. Mendicanti. Trovatore. Giullare.
Gioventù in battaglia. Mercante di verde. Cittadini.

Al centro dell'introduzione orchestrale, il sipario si apre, rivelando al pubblico un dipinto trittico a tre foglie: a destra - Romeo, a sinistra - Giulietta, al centro - Lorenzo. Questa è l'epigrafe dell'opera.

Verona nelle prime ore del mattino. La città è ancora inattiva. Romeo non riesce a dormire da solo. Vaga senza meta per le strade deserte, immerso in sogni d'amore.
A poco a poco le strade prendono vita, compaiono i primi passanti. Allungandosi pigramente, separandosi appena dal sonno, le cameriere dell'osteria sparecchiano i tavoli.
Dalla casa dei Capuleti escono i servi Gregorio, Sansone e Pietro. Sono gentili con le cameriere e iniziano a ballare. Dall'altra parte della piazza, Balthazar e Abramio escono dalla casa dei Montecchi.
I servi di due famiglie in guerra si guardano di traverso, cercando un motivo per litigare. Le battute taglienti si trasformano in un battibecco, qualcuno ha spinto qualcuno e ne è seguita una rissa. L'arma è estratta. Uno dei servi è ferito. Benvolio, nipote di Montague, separa i combattimenti e dice a tutti di disperdersi. I servi, brontolando di dispiacere, obbediscono.
Ecco Tebaldo, nipote di Capuleti. Un avventuriero e un prepotente, sta solo aspettando un'opportunità per combattere gli odiati Montecchi. Succedendo
si è presentato. La lotta inizia. I Montecchi e i Capuleti corrono fuori dalle loro case al rumore. La lotta divampa. L'intera città era in movimento. Si sentono forti colpi di allarme. Appare il duca di Verona. Con un movimento della spada fa cenno di deporre le armi. D'ora in poi, dichiara il duca, chi comincerà a combattere con un'arma in mano sarà messo a morte. Il popolo, soddisfatto dell'ordine del Duca, si disperde.

La stanza di Giulietta. La cattiva Giulietta stuzzica allegramente la sua infermiera, le lancia dei cuscini, scappa da lei e lei, dondolando goffamente, cerca di prenderla.
Il clamore allegro viola la madre di Giulietta. A poco a poco e severamente, dice a sua figlia di smetterla con i suoi scherzi: dopotutto, Giulietta è già una sposa. La sua mano lo chiede
giovane degno, come Parigi. Juliet ricambia il sorriso. Quindi la madre porta solennemente sua figlia allo specchio. Juliet può vederlo da sola: è piuttosto adulta.
È stato annunciato un ballo al Palazzo dei Capuleti. Alla celebrazione vengono inviati nobili veronesi in abiti festosi. Accompagnato da cantanti e musicisti vanno a
il ballo dell'amica di Giulietta e Paride con il suo paggio. Parlando e ridendo animatamente, Mercuzio corre attraverso. È insoddisfatto di Romeo, non comprende la sua tristezza. E
Lo stesso Romeo non riesce a capire cosa gli sta succedendo. È tormentato da minacciose premonizioni.
L'azione viene trasferita nella sala della casa dei Capuleti. Seduti solennemente ai tavoli, gli ospiti conducono una pacata conversazione. Iniziano le danze. Gli invitati invitano Juliet a ballare. Lei è d'accordo. La danza di Giulietta rivela la sua purezza, il suo fascino e la sua poesia. Romeo entrò nella sala, incapace di staccare gli occhi da lei.
Indossando una maschera esilarante, Mercuzio diverte gli ospiti fino alle lacrime. Approfittando del fatto che Mercuzio ha catturato l'attenzione di tutti, Romeo si avvicina a Giulietta e
le racconta con entusiasmo del sentimento che è sorto in lui. La maschera cade accidentalmente dal viso di Romeo. Giulietta è colpita dalla bellezza e nobiltà di Romeo. IN
Anche il cuore di Giulietta era acceso d'amore.
Tebaldo, testimone inconsapevole di questa scena, riconobbe Romeo. Indossando una maschera, Romeo scompare. Quando gli ospiti si disperdono, l'infermiera informa Giulietta che Romeo appartiene al clan dei Montecchi. Ma niente può fermare Romeo Giulietta.

In una notte di luna si incontrano in giardino. Juliet è in balia del primo scoppio di sentimenti. Incapace di sopportare anche la più breve separazione dal suo amato, Giulietta invia a Romeo una lettera che gli sarà consegnata dalla nutrice. Alla ricerca di Romeo, la nutrice e Pietro che l'accompagna cadono nel vivo del divertimento carnevalesco.
Centinaia di cittadini ballano, cantano e si divertono in piazza. Al suono di un'orchestra si esibisce una processione che trasporta una statua della Madonna.
Alcune persone dispettose prendono in giro l'infermiera, ma lei è impegnata con una cosa: sta cercando Romeo. Ed eccolo qui. La lettera è stata consegnata. Romeo legge con riverenza il messaggio di Giulietta.
Accetta di diventare sua moglie.
Romeo viene nella cella di padre Lorenzo. Racconta a Lorenzo del suo amore per Giulietta e chiede di sposarli. Toccato dalla purezza e dalla forza dei sentimenti
Romeo e Giulietta, Lorenzo è d'accordo. E quando Giulietta entra nella cella, Lorenzo benedice la loro unione.
E sulle piazze di Verona il carnevale è chiassoso e frizzante. Tra gli allegri veronesi, gli amici di Romeo sono Mercuzio e Benvolio. Vedendo Mercuzio, Tebaldo
inizia una lite e lo sfida a duello. Romeo, che è venuto in soccorso in questo momento, cerca di placare i litigi, ma Tebaldo schernisce Romeo, chiamando
suo codardo. E quando Romeo ritira la spada di Mercuzio per evitare spargimenti di sangue, Tebaldo infligge un colpo mortale a Mercuzio. superamento
dolore, tenta di scherzare Mercuzio; balla, ma i suoi movimenti si indeboliscono e cade morto.
Fuori di sé dal dolore, vendicando il suo amato amico, Romeo entra in battaglia con Tebaldo e lo uccide.
La madre di Giulietta scappa dalla casa dei Capuleti. Lei chiede vendetta. Benvolio conduce via Romeo, che deve fuggire subito Di notte, Romeo
si intrufola di nascosto nella stanza di Giulietta per vedere la sua amata prima di separarsi ... L'alba si avvicina. Gli amanti salutano a lungo. Finalmente Romeo
foglie.
Mattina. Entra l'infermiera, seguita dai genitori di Giulietta. Riferiscono che il giorno del suo matrimonio con Parigi è stato fissato. Juliet supplica sua madre e suo padre
risparmiarla, non costringerla a un'odiata unione con una persona non amata. La volontà dei genitori è irremovibile. Il padre alza la mano verso Giulietta. Lei è disperata
corre da Lorenzo. Dà a Giulietta una pozione, dopo averla bevuta cadrà in un sonno profondo, simile alla morte. Solo Romeo lo saprà
la verità. Tornerà per lei e la prenderà segretamente dalla cripta aperta. Juliet accetta felicemente il piano di Lorenzo.
Tornata a casa e fingendosi sottomessa, accetta di sposare Paride. Rimasta sola, Juliet beve la pozione. Quando al mattino
gli amici vengono a vestirla per la corona, trovano la sposa morta. La notizia della morte di Giulietta giunge a Mantova, dove Romeo è fuggito.
Sopraffatto dal dolore, si affretta a Verona.
Il corteo funebre si sta muovendo. Giulietta riposa in una bara aperta. La bara viene deposta nella tomba di famiglia. Partono tutti.
Notte. Romeo corre nel cimitero. Cade nella tomba, saluta Giulietta e beve il veleno.
Giulietta si sveglia. La coscienza e la memoria non le ritornano immediatamente. Ma quando si vede al cimitero, ricorda tutto. Il suo sguardo cade su Romeo.
Si precipita da lui. Salutandolo, salutando la vita, Giulietta viene pugnalata con il pugnale di Romeo.
I vecchi Montecchi e Capuleti si avvicinano alla tomba. Con orrore, guardano i bambini morti. Quindi allungano le mani l'un l'altro e giurano in nome della vita, dentro
il ricordo di due bellissime creature per porre fine per sempre all'inimicizia.

La prima del balletto "non danzante" "Romeo e Giulietta" sulla musica di Sergei Prokofiev è stata rinviata e bandita in URSS per cinque anni. Ha avuto luogo per la prima volta sul palcoscenico del Teatro dell'Opera e del Balletto Kirov di Leningrado (oggi Teatro Mariinsky) nel 1940. Oggi, la sinfonia del balletto va in scena sui palcoscenici più famosi del mondo e le sue singole opere vengono ascoltate ai concerti di musica classica.

Trama classica e musica "non dance".

Leonid Lavrovskij. Foto: fb.ru

Sergej Prokof'ev. Foto: musica classica.ru

Sergej Radlov. Foto: peoples.ru

Sergei Prokofiev, pianista e compositore di fama mondiale, partecipante all'impresa Russian Seasons di Sergei Diaghilev, tornò in URSS negli anni '30 dopo lunghe tournée all'estero. A casa, il compositore ha concepito l'idea di scrivere un balletto basato sulla tragedia Romeo e Giulietta di William Shakespeare. Di solito lo stesso Prokofiev creava il libretto per le sue opere e cercava di preservare il più possibile la trama originale. Tuttavia, questa volta lo studioso di Shakespeare e direttore artistico del Teatro Kirov di Leningrado Sergei Radlov e Adrian Piotrovsky, drammaturgo e noto critico teatrale, hanno preso parte alla stesura del libretto di Romeo e Giulietta.

Nel 1935, Prokofiev, Radlov e Piotrovsky completarono il lavoro sul balletto, la direzione del Teatro Kirov ne approvò la musica. Tuttavia, il finale dell'opera musicale era diverso da quello di Shakespeare: nel finale del balletto, i personaggi non solo sono rimasti vivi, ma hanno anche mantenuto la loro relazione romantica. Un simile tentativo sulla trama classica ha causato sconcerto tra i censori. Gli autori hanno riscritto la sceneggiatura, ma la produzione si è comunque rivelata vietata, presumibilmente a causa della musica "non dance".

Ben presto il quotidiano Pravda pubblicò articoli critici su due opere di Dmitry Shostakovich: l'opera Lady Macbeth del distretto di Mtsensk e il balletto The Bright Stream. Una delle pubblicazioni si chiamava "Confusione invece di musica", e la seconda - "Falsità del balletto". Dopo recensioni così devastanti dalla pubblicazione ufficiale, la direzione del Teatro Mariinsky non poteva correre rischi. La prima del balletto potrebbe causare non solo insoddisfazione da parte delle autorità, ma una vera e propria persecuzione.

Due anteprime di alto profilo

Balletto Romeo e Giulietta. Giulietta - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939 Foto: mariinsky.ru

Alla vigilia della prima: Isai Sherman, Galina Ulanova, Pyotr Williams, Sergei Prokofiev, Leonid Lavrovsky, Konstantin Sergeev. 10 gennaio 1940. Foto: mariinsky.ru

Balletto Romeo e Giulietta. Il finale. Teatro accademico statale dell'opera e del balletto di Leningrado intitolato a S.M. Kirov. 1940 Foto: mariinsky.ru

Il culturologo Leonid Maksimenkov in seguito scrisse di Romeo e Giulietta: “La censura è avvenuta al più alto livello - dal principio di opportunità: nel 1936, 1938, 1953 e così via. Il Cremlino è sempre partito dalla domanda: è necessaria una cosa del genere al momento? E in effetti, la questione della messa in scena veniva sollevata quasi ogni anno, ma negli anni '30 il balletto veniva mandato sullo scaffale ogni anno.

La sua prima ebbe luogo solo tre anni dopo la scrittura, nel dicembre 1938. Non a Mosca o San Pietroburgo, ma nella città cecoslovacca di Brno. Il balletto è stato coreografato da Ivo Psota, che ha anche ballato la parte di Romeo. Il ruolo di Giulietta è stato interpretato dalla ballerina ceca Zora Shemberova.

In Cecoslovacchia, l'esibizione sulla musica di Prokofiev è stata un grande successo, ma per altri due anni il balletto è stato bandito in URSS. Romeo e Giulietta poté essere messo in scena solo nel 1940. Gravi passioni divamparono intorno al balletto. L'innovativa musica "non di balletto" di Prokofiev ha causato una vera resistenza da parte di artisti e musicisti. I primi non riuscivano ad abituarsi al nuovo ritmo, mentre i secondi avevano tanta paura del fallimento che si rifiutarono persino di suonare alla prima, due settimane prima dello spettacolo. Nel team creativo è nata persino una battuta: "Non c'è storia più triste al mondo della musica di Prokofiev nel balletto". Il coreografo Leonid Lavrovsky ha chiesto a Prokofiev di cambiare la partitura. Dopo le discussioni, il compositore ha comunque completato diversi nuovi balli ed episodi drammatici. Il nuovo balletto era significativamente diverso da quello messo in scena a Brno.

Lo stesso Leonid Lavrovsky si è preparato seriamente per il lavoro. Ha studiato artisti del Rinascimento all'Hermitage e ha letto romanzi medievali. Il coreografo ha poi ricordato: “Nel creare l'immagine coreografica della performance, sono partito dall'idea di contrapporre il mondo del Medioevo al mondo del Rinascimento, lo scontro di due sistemi di pensiero, cultura, visione del mondo.<...>Le danze di Mercuzio nello spettacolo erano costruite su elementi di danza popolare... Per il ballo al ballo dei Capuleti, ho usato una descrizione di un autentico ballo inglese del XVI secolo, il cosiddetto "Pillow Dance".

La prima di "Romeo e Giulietta" in URSS si è tenuta a Leningrado, sul palcoscenico del Teatro Kirov. I ruoli principali sono stati interpretati dal duetto di balletto stellare degli anni '30 e '40: Galina Ulanova e Konstantin Sergeev. Il ruolo di Giulietta nella carriera di ballo di Ulanova è considerato uno dei migliori. Il design dello spettacolo corrispondeva alla prima di alto profilo: lo scenario è stato creato dal famoso scenografo Peter Williams. Il balletto ha portato lo spettatore nella raffinata epoca rinascimentale con mobili antichi, arazzi, tendaggi densi e costosi. La produzione ha ricevuto il Premio Stalin.

Produzioni del Teatro Bolshoi e coreografi stranieri

Prove del balletto Romeo e Giulietta. Giulietta - Galina Ulanova, Romeo - Yuri Zhdanov, Parigi - Alexander Lapauri, capo coreografo - Leonid Lavrovsky. Teatro Statale Accademico Bolshoi. 1955 Foto: mariinsky.ru

Balletto Romeo e Giulietta. Giulietta - Galina Ulanova, Romeo - Yuri Zhdanov. Teatro Statale Accademico Bolshoi. 1954 Foto: theaterhd.ru

Balletto Romeo e Giulietta. Giulietta - Irina Kolpakova. Teatro accademico statale dell'opera e del balletto di Leningrado intitolato a S. M. Kirov. 1975 Foto: mariinsky.ru

La successiva produzione di Romeo e Giulietta ebbe luogo dopo la Grande Guerra Patriottica, nel dicembre 1946 al Teatro Bolshoi. Due anni prima, per decisione del Comitato Centrale, Galina Ulanova si è trasferita al Bolshoi e il balletto si è "trasferito" con lei. In totale, il balletto è stato ballato più di 200 volte sul palcoscenico del teatro principale del paese, la parte femminile principale è stata eseguita da Raisa Struchkova, Marina Kondratieva, Maya Plisetskaya e altre famose ballerine.

Nel 1954, il regista Leo Arnshtam, insieme a Leonid Lavrovsky, girò il film-balletto Romeo e Giulietta, che vinse un premio al Festival di Cannes. Due anni dopo, gli artisti di Mosca hanno mostrato il balletto in tournée a Londra e di nuovo hanno fatto colpo. La musica di Prokofiev è stata messa in scena da coreografi stranieri: Frederick Ashton, Kenneth Macmillan, Rudolf Nureyev, John Neumeier. Il balletto è stato messo in scena nei più grandi teatri europei: l'Opera di Parigi, La Scala di Milano, il Royal Theatre di Londra a Covent Garden.

Nel 1975, lo spettacolo iniziò di nuovo a essere messo in scena a Leningrado. Nel 1980, la compagnia di balletto del Teatro Kirov ha girato l'Europa, gli Stati Uniti e il Canada.

La versione originale del balletto - con un lieto fine - è stata rilasciata nel 2008. A seguito della ricerca del professor Simon Morrison della Princeton University, il libretto originale è stato reso pubblico. È stato messo in scena dal coreografo Mark Morris per il Bard College Music Festival di New York. Durante il tour, gli artisti hanno mostrato il balletto sui palcoscenici di Berkeley, Norfolk, Londra e Chicago.

Le opere di Romeo e Giulietta, che il musicologo Givi Ordzhonikidze ha definito una sinfonia di balletto, vengono spesso ascoltate ai concerti di musica classica. I numeri "Juliet the Girl", "Montagues and Capulets", "Romeo and Juliet before Parting", "Dance of the Antilles Girls" sono diventati popolari e indipendenti.

Prokofiev S. Balletto "Romeo e Giulietta"

BALLETTO "ROMEO E GIULIETTA"

Il balletto "Romeo e Giulietta" è stato scritto da Prokofiev nel 1935-1936. Il libretto è stato sviluppato dal compositore insieme al regista S. Radlov e al coreografo L. Lavrovsky (L. Lavrovsky ha messo in scena la prima produzione del balletto nel 1940 al Teatro dell'Opera e del Balletto di Leningrado intitolato a S. M. Kirov).

Il lavoro di Prokofiev ha continuato le tradizioni classiche del balletto russo. Ciò si esprimeva nel grande significato etico del tema scelto, nel riflesso di profondi sentimenti umani, nella drammaturgia sinfonica sviluppata dello spettacolo di balletto. E allo stesso tempo, la partitura del balletto di Romeo e Giulietta era così insolita che ci è voluto del tempo per abituarsi. C'era anche un detto ironico: "Non c'è storia più triste al mondo della musica di Prokofiev nel balletto". Solo gradualmente tutto questo è stato sostituito da un atteggiamento entusiasta degli artisti, e poi del pubblico, nei confronti della musica 35 .

35 Su quanto fosse insolita la musica del balletto di Prokofiev per i ballerini, G. Ulanova racconta nelle sue memorie sul compositore: sembrava incomprensibile e scomodo. Ma più lo ascoltavamo, più lavoravamo, cercavamo, sperimentavamo, più luminose si presentavano davanti a noi le immagini nate dalla musica. E gradualmente è arrivata la sua comprensione, gradualmente è diventata a suo agio per ballare, coreograficamente e psicologicamente chiara ”(Ulanova G. Autore dei balletti preferiti. Cit. ed., p. 434).

Prima di tutto, la trama era insolita. Passare a Shakespeare è stato un passo coraggioso nella coreografia sovietica, poiché, secondo l'opinione generalmente accettata, si credeva che l'incarnazione di temi filosofici e drammatici così complessi fosse impossibile usando il balletto 36 . Il tema shakespeariano richiede al compositore di dare una caratterizzazione realistica sfaccettata dei personaggi e del loro ambiente di vita, concentrandosi su scene drammatiche e psicologiche.

La musica di Prokofiev e la performance di Lavrovsky sono intrise dello spirito di Shakespeare. Nel tentativo di avvicinare il più possibile lo spettacolo di balletto alla sua fonte letteraria, gli autori del libretto hanno mantenuto gli eventi principali e la sequenza della tragedia di Shakespeare. Sono state tagliate solo poche scene. I cinque atti della tragedia sono raggruppati in tre atti principali. Sulla base delle peculiarità della drammaturgia del balletto, gli autori hanno introdotto, tuttavia, alcune nuove scene che consentono di trasmettere l'atmosfera dell'azione e l'azione stessa nella danza, in movimento: una festa popolare nell'atto II, un funerale processione con il corpo di Tebaldo e altri.

La musica di Prokofiev rivela vividamente il conflitto principale della tragedia: lo scontro del brillante amore dei giovani eroi con l'inimicizia familiare della vecchia generazione, che caratterizza la ferocia dello stile di vita medievale (le precedenti esibizioni di balletto di Romeo e Giulietta e Gounod opere famose si limitano principalmente a rappresentare la linea d'amore della tragedia). Prokofiev è stato anche in grado di incarnare nella musica i contrasti di Shakespeare tra il tragico e il comico, il sublime e il buffone.

Prokofiev, che aveva davanti a sé esempi così nobili dell'incarnazione sinfonica di Romeo e Giulietta come la sinfonia di Berlioz e l'ouverture-fantasy di Ciajkovskij, creò un'opera completamente originale. I testi del balletto sono sobri e puri, a volte raffinati. Il compositore evita lunghi sfoghi lirici, ma dove necessario, passione e tensione sono inerenti ai suoi testi. L'accuratezza figurativa caratteristica di Prokofiev, la visibilità della musica, così come il laconismo delle caratteristiche, sono state rivelate con particolare forza.

Il legame più stretto tra musica e azione contraddistingue la drammaturgia musicale dell'opera, che è vivacemente teatrale nella sua essenza. Si basa su scene pensate per la combinazione organica di pantomima e danza: si tratta di scene di ritratto solista"

36 Nell'era di Ciajkovskij e Glazunov, le trame romantiche da favola erano le più comuni nel balletto. Čajkovskij li considerava i più adatti al balletto, utilizzando le trame poetiche di "Il lago dei cigni", "La bella addormentata", "Lo schiaccianoci" per esprimere idee generalizzate, profondi sentimenti umani.

Il balletto sovietico, insieme alle trame romantiche fiabesche, è caratterizzato da un appello a temi realistici: storico-rivoluzionario, moderno, tratto dalla letteratura mondiale. Questi i balletti: Il fiore rosso e Il cavaliere di bronzo di Gliere, Le fiamme di Parigi e La fontana di Bakhchisarai di Asafiev, Gayane e Spartacus di Khachaturian, Anna Karenina e Il gabbiano di Shchedrin.

(“Giulietta la ragazza”, “Mercuzio”, “Pater Lorenzo”), e scene di dialogo (“Al balcone”. Roma e Giulietta si separano”), e drammatiche scene di folla (“Litigio”, “Lotta”).

Qui non c'è assolutamente divertissement, cioè inseriti numeri di "concerto" di pura danza (cicli di variazioni e danze caratteristiche). I balli sono caratteristici ("Dance of the Knights", altrimenti chiamati "Montagues and Capuleti"), oppure ricreano l'atmosfera dell'azione (balli da ballo aristocraticamente aggraziati, allegri balli popolari), accattivanti per la loro vivacità e dinamica.

Uno dei mezzi drammatici più importanti in "Romeo e Giulietta" sono i leitmotiv. Nei suoi balletti e opere, Prokofiev ha sviluppato una tecnica peculiare di sviluppo del leitmotiv. Di solito, i ritratti musicali dei suoi personaggi sono intrecciati da diversi temi che caratterizzano diversi lati dell'immagine. Possono essere ripetuti, variare in futuro, ma l'apparizione di nuove qualità dell'immagine spesso provoca l'emergere di un nuovo tema, che, allo stesso tempo, è strettamente connesso con l'intonazione del tema precedente.

L'esempio più chiaro sono i tre temi dell'amore, che segnano tre fasi nello sviluppo dei sentimenti: il suo inizio (vedi esempio 177), fioritura (esempio 178), e la sua tragica intensità (esempio 186).

Prokofiev contrappone le immagini sfaccettate e intricate di Romeo e Giulietta a una, quasi invariata in tutto il balletto, l'immagine di una cupa, stupida inimicizia, il male che ha causato la morte degli eroi.

Il metodo di confronti nettamente contrastanti è uno dei dispositivi drammatici più forti di questo balletto. Ad esempio, la scena del matrimonio di padre Lorenzo è incorniciata da scene di festoso divertimento popolare (la solita immagine della vita cittadina mette in risalto l'esclusività e la tragedia del destino degli eroi); nell'ultimo atto, alle immagini della più intensa lotta spirituale di Giulietta rispondono i suoni luminosi e trasparenti della "Serenata mattutina".

Il compositore costruisce il balletto sull'alternanza di numeri musicali relativamente piccoli e molto chiaramente progettati. In questa ultima completezza, "sfaccettatura" delle forme - il laconicismo dello stile pro-Kofiev. Ma le connessioni tematiche, le linee dinamiche comuni, spesso unendo più numeri, si oppongono all'apparente mosaico della composizione e creano la costruzione di un grande respiro sinfonico. E il continuo sviluppo delle caratteristiche del leitmotiv durante l'intero balletto conferisce integrità all'intera opera, la unisce drammaturgicamente.

In che modo Prokofiev crea un senso del tempo e del luogo dell'azione? Come già accennato in relazione alla cantata "Alexander Nevsky", non è tipico per lui rivolgersi a campioni autentici di musica che sono passati nel passato. A questo preferisce la trasmissione di un'idea moderna dell'antichità. Il minuetto e la gavotta, danze del XVIII secolo di origine francese, non corrispondono alla musica italiana del XV secolo, ma sono ben note agli ascoltatori come antiche danze europee ed evocano ampie associazioni storiche e specifiche figurative. Il minuetto e la gavotta 37 caratterizzano una certa rigidità e gradazione condizionale nella scena del ballo ai Capuleti. Allo stesso tempo, in essi si avverte una leggera ironia di un compositore moderno, che ricrea le immagini dell'era “cerimoniale”.

La musica della festa popolare è originale, raffigurante l'atmosfera bollente, satura di sole e vivida dei sentimenti dell'Italia rinascimentale. Prokofiev usa qui le caratteristiche ritmiche della tarantella di danza popolare italiana (vedi "Danza popolare" Atto II)..

Colorata è l'introduzione alla partitura del mandolino (vedi "Dance with Mandolins", "Morning Serenade"), strumento comune nella vita italiana. Ma è più interessante che in molti altri episodi, per lo più di genere, il compositore avvicini la trama e la colorazione timbrica al suono "pizzicato" specifico e senza pretese di questo strumento (vedi "The Street Wakes Up", "Masks", " Prepararsi al ballo”, “Mercuzio”).

agisco. Il balletto si apre con una breve "Introduzione". Inizia con il tema dell'amore, conciso come un'epigrafe, leggero e dolente insieme:

La prima scena raffigura Romeo che vaga per la città nelle ore piccole 38 . Una melodia premurosa caratterizza un giovane che sogna l'amore:

87 La musica della gavotta è stata presa da Prokofiev dalla sua Sinfonia classica.

88 Shakespeare non ha una scena del genere. Ma questo viene raccontato da Benvolio, un amico di Romeo. Trasformando la storia in azione, gli autori del libretto procedono dalle peculiarità della drammaturgia del balletto.

Questo è uno dei due temi principali di Romeo (l'altro è stato dato nell'"Introduzione").

Le immagini si alternano rapidamente una dopo l'altra, raffiguranti la mattina, che ravviva gradualmente le strade della città, un allegro trambusto, una lite tra i servi di Montecchi e Capuleti e, infine, una battaglia e un formidabile ordine di disperdersi del duca.

Una parte significativa della prima immagine è intrisa di uno stato d'animo di spensieratezza, divertimento. È, come se fosse a fuoco, raccolto in un piccolo sketch "The Street Wakes Up", basato su una melodia da dance warehouse, con un accompagnamento anche "pizzicato", con la più modesta, sembrerebbe, armonizzazione.

Pochi tocchi parsimoniosi: doppi secondi, rare sincopi, giustapposizioni tonali inaspettate conferiscono alla musica una particolare intensità e malizia. L'orchestrazione è spiritosa, il fagotto dialoga alternativamente con violino, oboe, flauto e clarinetto:

Le intonazioni e i ritmi caratteristici di questa melodia o vicini ad essa uniscono diversi numeri dell'immagine. Sono in "Morning Dance", nella scena del litigio.

Impegnandosi per una vivida teatralità, il compositore utilizza mezzi musicali visivi. Così, l'ordine rabbioso del duca provocava un minaccioso "calpestio" lento su suoni nettamente dissonanti e acuti contrasti dinamici. Sul movimento continuo, imitando i colpi e il tintinnio delle armi, si costruisce un'immagine della battaglia. Ma qui passa anche il tema della generalizzazione del significato espressivo, il tema dell'inimicizia. "Goffaggine", semplicità del movimento melodico, bassa mobilità ritmica, rigidità armonica e suono forte e "inflessibile" del rame: tutti i mezzi mirano a creare un'immagine di un primitivo e fortemente cupo:

grazioso, gentile

Diversi aspetti dell'immagine appaiono in modo netto e inaspettato, sostituendosi a vicenda (come è tipico per una ragazza, un'adolescente). La leggerezza, la vivacità del primo tema si esprime in una semplice melodia "corrente" simile a una scala, che, per così dire, si infrange contro diversi gruppi e strumenti dell'orchestra. Colorati "lanci" armonici di accordi - le triadi maggiori (sul VI ridotto, III e I grado) ne sottolineano la nitidezza ritmica e la mobilità. La grazia del secondo tema è trasmessa dal ritmo di danza preferito di Prokofiev (gavotta), la melodia plastica del clarinetto.

Il lirismo sottile e puro è la "sfaccettatura" più significativa dell'immagine di Giulietta. Pertanto, l'apparizione del terzo tema del ritratto musicale di Giulietta si distingue dal contesto generale per un cambiamento di tempo, un cambiamento netto di trama, così trasparente, in cui solo leggeri echi mettono in risalto l'espressività della melodia, un cambiamento nel timbro (flauto solo).

Tutti e tre i temi di Giulietta passano nel futuro, e poi nuovi temi si uniscono a loro.

La trama della tragedia è la scena del ballo ai Capuleti. È qui che è nato il sentimento d'amore tra Romeo e Giulietta. Qui Tebaldo, rappresentante della famiglia Capuleti, decide di vendicarsi di Romeo, che ha osato varcare la soglia della loro casa. Questi eventi si svolgono sullo sfondo luminoso e festoso del ballo.

Ognuna delle danze ha la sua funzione drammatica. Al suono del minuetto, creando un'atmosfera di solennità ufficiale, gli ospiti si riuniscono:

"Danza dei Cavalieri"- questo è un ritratto di gruppo, caratteristica generalizzata dei "padri". Il ritmo saltellante e punteggiato, combinato con il passo pesante e misurato del basso, crea un'immagine di militanza e stupidità, combinate con una sorta di grandiosità. L'espressività figurativa della "Danza dei Cavalieri" si intensifica quando il tema dell'inimicizia, già familiare all'ascoltatore, entra nel basso. Il tema stesso della "Danza dei Cavalieri" è utilizzato in futuro come caratteristica della famiglia Capuleti:

Come episodio in netto contrasto all'interno della "Danza dei Cavalieri", viene introdotta una danza fragile e raffinata di Giulietta con Paride:

La scena del ballo mostra per la prima volta Mercuzio, l'allegro e spiritoso amico di Romeo. Nella sua musica (vedi n. 12, "Maschere"), la marcia stravagante è sostituita da una serenata beffarda e scherzosa:

Il movimento sceriotico, pieno di sorprese ritmiche materiche e armoniose, incarna la brillantezza, l'arguzia, l'ironia di Mercuzio (vedi n. 15, Mercuzio):

Nella scena del ballo (alla fine della variazione n. 14) si sente il tema infuocato di Romeo, dato per la prima volta nell'introduzione al balletto (Romeo nota Giulietta). In Madrigal, con cui Romeo si rivolge a Giulietta, compare il tema dell'amore, una delle melodie liriche più importanti del balletto. Il gioco di maggiore e minore conferisce un fascino speciale a questo tema triste e leggero:

I temi dell'amore sono ampiamente sviluppati nel grande duetto di eroi ("Scena al balcone", n. 19-21), che conclude il primo atto. Inizia con una melodia contemplativa, precedentemente solo leggermente delineata (Romeo, n. 1, battute finali). Poco più avanti, in modo nuovo, aperto, emotivamente intenso, i violoncelli e il corno inglese suonano il tema dell'amore, apparso per la prima volta in Madrigal. L'intero grande palcoscenico, come se fosse costituito da numeri separati, è soggetto a un unico sviluppo musicale. Qui diversi leittem si intrecciano tra loro; ogni successivo svolgimento dello stesso argomento è più intenso del precedente, ogni nuovo argomento è più dinamico. Al culmine dell'intera scena ("Love Dance"), si alza una melodia estatica e solenne:

La sensazione di serenità, estasi che ha attanagliato gli eroi si esprime in un altro tema. Cantando, morbido, in un ritmo dolcemente ondeggiante, è il più ballabile tra i temi d'amore del balletto:

Nella coda di Love Dance appare il tema di Romeo dall'"Introduzione":

Il secondo atto del balletto è pieno di forti contrasti. Brillanti danze popolari incorniciano la scena del matrimonio, piena di lirismo profondo e mirato. Nella seconda metà dell'azione, l'atmosfera frizzante della festa è sostituita dalla tragica immagine del duello tra Mercuzio e Tebaldo e della morte di Mercuzio. Il corteo funebre con il corpo di Tebaldo è il culmine del secondo atto, segnando una tragica svolta nella trama.

I balli qui sono magnifici: l'impetuoso, allegro "Folk Dance" (n. 22) nello spirito della tarantella, il rude ballo di strada di cinque coppie, il ballo con i mandolini. Va notato l'elasticità, la plasticità delle melodie che trasmettono gli elementi dei movimenti di danza.

Nella scena del matrimonio è raffigurato il ritratto del saggio e filantropico padre Lorenzo (n. 28). È caratterizzato dalla musica del magazzino corale, che si distingue per la morbidezza e il calore delle intonazioni:

L'apparizione di Giulietta è accompagnata dalla sua nuova melodia al flauto (questo è il leittimbre per una serie di temi dell'eroina del balletto):

Il suono trasparente del flauto viene quindi sostituito da un duetto di violoncelli e violini, strumenti vicini per espressività alla voce umana. Appare una melodia appassionata, piena di intonazioni luminose e "parlanti":

Questo "momento musicale" riproduce il dialogo, per così dire! Romeo e Giulietta in una scena simile in Shakespeare:

Romeo

Oh, se la misura della mia felicità

Uguale alla tua, mia Giulietta,

Ma tu hai più arte

"Per esprimerlo, poi delizia

L'aria circostante con discorsi gentili.

Giulietta

Lascia che la melodia delle tue parole sia viva

Descrivi una beatitudine indicibile.

Solo un mendicante può contare il suo patrimonio,

Il mio amore è cresciuto così immensamente

Che non riesco a contare la metà dei suoi 39 .

La musica corale che accompagna la cerimonia nuziale completa la scena.

Padroneggiando magistralmente la tecnica della trasformazione sinfonica dei temi, Prokofiev conferisce tratti cupi e minacciosi a uno dei temi più allegri del balletto ("The Street Wakes", n. 3) nell'Atto II. Nella scena dell'incontro di Tebaldo con Mercuzio (n. 32), la melodia familiare è distorta, la sua integrità è distrutta. Colorazione minore, sfumature cromatiche nitide che tagliano la melodia, il timbro "ululante" del sassofono: tutto ciò cambia radicalmente il suo carattere:

Shakespeare a. Poli. coll. cit., vol.3, p. 65.

Lo stesso tema, come immagine di sofferenza, percorre la scena della morte di Mercuzio, scritta da Prokofiev con grande profondità psicologica. La scena è basata sul tema ricorrente della sofferenza. Insieme all'espressione del dolore, fornisce un'immagine realisticamente forte dei movimenti e dei gesti di una persona che si indebolisce. Con un enorme sforzo di volontà, Mercuzio si sforza di sorridere - frammenti dei suoi temi precedenti si sentono appena nell'orchestra, ma suonano nel registro superiore "lontano" degli strumenti di legno - l'oboe e il flauto.

Il tema principale di ritorno è interrotto da una pausa. L'insolito del silenzio che ne segue è enfatizzato dagli accordi finali, "stranieri" per la tonalità principale (dopo Re minore - triadi in Si minore e Mi bemolle minore).

Romeo decide di vendicare Mercuzio. In un duello, uccide Tebaldo. L'atto II si conclude con un grandioso corteo funebre con il corpo di Tebaldo. La sonorità penetrante e ruggente del rame, la densità della trama, il ritmo persistente e monotono: tutto ciò rende la musica della processione vicina al tema dell'inimicizia. Un altro corteo funebre - "Il funerale di Giulietta" nell'epilogo del balletto - si distingue per la spiritualità del dolore.

Nell'Atto III tutto è incentrato sullo sviluppo delle immagini di Romeo e Giulietta, che difendono eroicamente il loro amore di fronte a forze ostili. Prokofiev ha prestato particolare attenzione qui all'immagine di Giulietta.

Nel corso del terzo atto si sviluppano i temi del suo “ritratto” (il primo e soprattutto il terzo) ei temi dell'amore, che assumono un aspetto drammatico o dolente. Emergono nuove melodie, segnate da tragica intensità e forza.

L'atto III differisce dai primi due per la maggiore continuità dell'azione passante, che unisce le scene in un unico insieme musicale (cfr. Scene di Giulietta, nn. 41-47). Lo sviluppo sinfonico, "non adatto" alla struttura del palcoscenico, si traduce in due intermezzi (n. 43 e 45).

La breve introduzione all'Atto III riproduce la musica del formidabile "Ordine del Duca" (dall'Atto I).

Sul palco c'è la stanza di Giulietta (n. 38). Con i più sottili accorgimenti, l'orchestra ricrea la sensazione del silenzio, l'atmosfera squillante e misteriosa della notte, l'addio di Romeo e Giulietta: il tema della scena del matrimonio passa dal flauto e dalla celesta al fruscio degli archi.

Il piccolo duetto è pieno di tragedia trattenuta. La sua nuova melodia è basata sul tema dell'addio (vedi esempio 185).

L'immagine in esso contenuta è complessa e internamente contrastante. Qui e il destino fatale e un impulso vivente. La melodia sembra salire faticosamente e altrettanto difficile cadere. Ma nella seconda metà del tema si sente un'intonazione di protesta attiva (vedi battute 5-8). L'orchestrazione lo sottolinea: il suono vivace degli archi sostituisce il richiamo "fatale" del corno e il timbro del clarinetto che suonava all'inizio.

È interessante che questa sezione della melodia (la sua seconda metà) si sviluppi in ulteriori scene come tema indipendente dell'amore (vedi n. 42, 45). Viene data anche come epigrafe all'intero balletto nell'"Introduzione".

Il tema dell'addio è completamente diverso in Interludio (n. 43). Qui acquisisce il carattere di un impulso appassionato, una determinazione tragica (Giulietta è pronta a morire in nome dell'amore). La trama e la colorazione timbrica del tema ora affidato agli ottoni sta cambiando radicalmente:

Nella scena del dialogo tra Giulietta e Lorenzo, nel momento in cui il monaco dà a Giulietta un sonnifero, suona per la prima volta il tema della Morte ("Giulietta da sola", n. 47) - un'immagine musicale che corrisponde esattamente a quella di Shakespeare:

La paura fredda e languida mi perfora le vene. Congela il calore vitale 40 .

Il movimento automatico pulsante degli ottavi trasmette un intorpidimento; bassi attutiti in aumento - crescente "paura languida":

Nell'Atto III, gli elementi di genere che caratterizzano l'ambientazione dell'azione sono usati molto più parsimoniosamente di prima. Due graziose miniature - "Morning Serenade" e "Dance of Girls with L and L and I" - vengono introdotte nel tessuto del balletto per creare il più sottile contrasto drammatico. Entrambi i numeri sono trasparenti nella trama: accompagnamento leggero e una melodia affidata a strumenti solisti. "Morning Serenade" viene eseguita dagli amici di Juliet sotto la sua finestra, non sapendo che è morta.

40 Elefante Giulietta.

41 Mentre questa è ancora una morte immaginaria.

il suono chiaro degli archi risuona come una leggera melodia che scivola come una trave (strumenti: mandolini posti dietro le quinte, flauto ottavino, violino solo):

Danza delle ragazze con i gigli, congratulandosi con la sposa, cava fragile grazia:

Ma poi si sente un breve tema fatale ("Al capezzale di Jula etta", n. 50), che appare per la terza volta nel balletto 42:

Nel momento in cui la Madre e la Nutrice vanno a svegliare Giulietta, il suo tema passa mesto e leggero nel registro più acuto dei violini. Giulietta è morta.

L'epilogo si apre con la scena "Il funerale di Giulietta". Il tema della morte, trasmesso dai violini, sviluppato melodicamente, circondato

42 Vedi anche i finali delle scene "Ragazza Giulietta", "Romeo da padre Lorenzo".

Dal luccicante pianoforte misterioso allo straordinario fortissimo: tale è la scala dinamica di questa marcia funebre.

Tratti precisi segnano l'apparizione di Romeo (il tema dell'amore) e la sua morte. Il risveglio di Giulietta, la sua morte, la riconciliazione dei Montecchi e dei Capuleti costituiscono il contenuto dell'ultima scena.

Il finale del balletto è un brillante inno dell'amore che trionfa sulla morte. Si basa sul suono abbagliante gradualmente crescente del tema di Giulietta (il terzo tema, dato di nuovo in la maggiore). Il balletto si conclude con armonie tranquille e "riconcilianti".

Biglietto numero 3

Romanticismo

Background socio-storico del romanticismo. Caratteristiche del contenuto ideologico e del metodo artistico. Manifestazioni caratteristiche del romanticismo nella musica

Il classicismo, che ha dominato l'arte dell'Illuminismo, nell'Ottocento lascia il posto al romanticismo, all'insegna del quale si sviluppa anche la creatività musicale della prima metà del secolo.

Il cambiamento delle tendenze artistiche fu una conseguenza degli enormi cambiamenti sociali che segnarono la vita sociale dell'Europa a cavallo dei due secoli.

Il prerequisito più importante per questo fenomeno nell'arte dei paesi europei era il movimento delle masse, risvegliato dalla Grande Rivoluzione Francese *.

* “Le rivoluzioni del 1648 e del 1789 non furono le rivoluzioni inglese e francese; si trattava di rivoluzioni su scala europea ... proclamavano il sistema politico della nuova società europea ... Queste rivoluzioni esprimevano in misura molto maggiore i bisogni dell'intero mondo di quel tempo rispetto ai bisogni di quelle parti del mondo dove hanno avuto luogo, ad es. Inghilterra e Francia ”(Marx K. ed Engels F. Works, 2a ed., v.6, p. 115).

La rivoluzione, che ha aperto una nuova era nella storia dell'umanità, ha portato a un enorme aumento della forza spirituale dei popoli d'Europa. La lotta per il trionfo degli ideali democratici caratterizza la storia europea del periodo in esame.

Indissolubilmente legato al movimento di liberazione popolare, emerse un nuovo tipo di artista: un personaggio pubblico avanzato che si batteva per la completa emancipazione delle forze spirituali dell'uomo, per le più alte leggi della giustizia. Non solo scrittori come Shelley, Heine o Hugo, ma anche musicisti hanno spesso difeso le loro convinzioni prendendo in mano una penna. Elevato sviluppo intellettuale, ampia visione ideologica e coscienza civica caratterizzano Weber, Schubert, Chopin, Berlioz, Wagner, Liszt e molti altri compositori del XIX secolo*.

* Il nome di Beethoven non è menzionato in questo elenco, poiché l'arte di Beethoven appartiene a un'epoca diversa.

Allo stesso tempo, il fattore decisivo nella formazione dell'ideologia degli artisti del nuovo tempo è stata la profonda delusione del grande pubblico per i risultati della Grande Rivoluzione Francese. La natura illusoria degli ideali dell'Illuminismo è stata rivelata. I principi di "libertà, uguaglianza e fraternità" sono rimasti un sogno utopico. Il sistema borghese, che sostituì il regime feudale-assolutista, si distinse per forme spietate di sfruttamento delle masse.

"Lo stato della ragione ha subito un completo collasso". Le istituzioni pubbliche e statali sorte dopo la rivoluzione "... si sono rivelate una caricatura malvagia e amaramente deludente delle brillanti promesse dell'Illuminismo" *.

* Marx K. e Engels F. Opere, ed. 2°, volume 19, pag. 192 e 193.

Ingannati nelle migliori speranze, incapaci di venire a patti con la realtà, gli artisti del nuovo tempo hanno espresso la loro protesta contro il nuovo ordine delle cose.

Così sorse e si sviluppò una nuova direzione artistica: il romanticismo.

La denuncia dell'ottusità borghese, del filisteismo inerte, del filisteismo costituisce la base della piattaforma ideologica del romanticismo. Ha determinato principalmente il contenuto dei classici artistici di quel tempo. Ma è proprio nella natura dell'atteggiamento critico nei confronti della realtà capitalista che sta la differenza tra i suoi due flussi principali; si rivela a seconda degli interessi di quali circoli sociali questa o quell'arte si riflette oggettivamente.

Gli artisti, associati all'ideologia della classe uscente, rimpiangendo i "bei vecchi tempi", nel loro odio per l'ordine esistente delle cose, si sono allontanati dalla realtà circostante. Il romanticismo di questo tipo, chiamato "passivo", è caratterizzato dall'idealizzazione del Medioevo, dall'attrazione per il misticismo, dalla glorificazione di un mondo immaginario lontano dalla civiltà capitalista.

Queste tendenze sono anche caratteristiche dei romanzi francesi di Chateaubriand, e delle poesie dei poeti inglesi della "scuola del lago", e dei racconti tedeschi di Novalis e Wackenroder, e degli artisti nazareni in Germania, e degli artisti preraffaelliti in Germania. Inghilterra. I trattati filosofici ed estetici dei romantici "passivi" ("Il genio del cristianesimo" di Chateaubriand, "Il cristianesimo o l'Europa" di Novalis, articoli sull'estetica di Ruskin) promuovevano la separazione dell'arte dalla vita, glorificando il misticismo.

Un'altra direzione del romanticismo - "efficace" - rifletteva diversamente la discordia con la realtà. Artisti di questo tipo hanno espresso il loro atteggiamento nei confronti della modernità sotto forma di un'appassionata protesta. Ribellione contro la nuova situazione sociale, difesa degli ideali di giustizia e libertà sollevati dall'era della Rivoluzione francese: questo motivo in una varietà di interpretazioni domina la nuova era nella maggior parte dei paesi europei. Permea il lavoro di Byron, Hugo, Shelley, Heine, Schumann, Berlioz, Wagner e molti altri scrittori e compositori della generazione post-rivoluzionaria.

Il romanticismo nell'arte nel suo insieme è un fenomeno complesso ed eterogeneo. Ognuna delle due correnti principali sopra menzionate aveva le sue varietà e sfumature. In ogni cultura nazionale, a seconda dello sviluppo socio-politico del Paese, della sua storia, della composizione psicologica delle persone, delle tradizioni artistiche, le caratteristiche stilistiche del romanticismo hanno assunto forme peculiari. Di qui la moltitudine delle sue caratteristiche propaggini nazionali. E anche nel lavoro dei singoli artisti romantici, correnti di romanticismo diverse, a volte contraddittorie, a volte si incrociavano, si intrecciavano.

Le manifestazioni del romanticismo in letteratura, arti visive, teatro e musica variavano in modo significativo. Tuttavia, nello sviluppo di varie arti del XIX secolo ci sono molti importanti punti di contatto. Senza comprenderne le caratteristiche, è difficile comprendere la natura dei nuovi percorsi nella creatività musicale dell '"età romantica".

Innanzitutto, il romanticismo ha arricchito l'arte di molti nuovi temi, sconosciuti nell'opera artistica dei secoli precedenti o toccati in precedenza con molto meno spessore ideologico ed emotivo.

La liberazione dell'individuo dalla psicologia della società feudale ha portato all'affermazione dell'alto valore del mondo spirituale dell'uomo. La profondità e la varietà delle esperienze emotive sono di grande interesse per gli artisti. Raffinata elaborazione immagini lirico-psicologiche- uno dei principali risultati dell'arte del XIX secolo. Riflettendo sinceramente la complessa vita interiore delle persone, il romanticismo ha aperto una nuova sfera di sentimenti nell'arte.

Anche nella rappresentazione del mondo esterno oggettivo, gli artisti sono partiti dalla percezione personale. Si è detto sopra che l'umanesimo e l'ardore combattivo nel difendere le proprie opinioni determinarono il loro posto nei movimenti sociali dell'epoca. E allo stesso tempo, le opere d'arte dei romantici, comprese quelle che trattano problemi sociali, hanno spesso il carattere di uno sfogo intimo. Il nome di una delle opere letterarie più straordinarie e significative di quell'epoca è indicativo: "Confessione del figlio del secolo" (Musset). Non è un caso che la poesia lirica occupasse una posizione di primo piano nell'opera degli scrittori del XIX secolo. Il fiorire dei generi lirici, l'espansione della gamma tematica dei testi sono insolitamente caratteristici dell'arte di quel periodo.

E nella creatività musicale, il tema della "confessione lirica" ​​acquisisce un'importanza dominante, in particolare i testi d'amore, che rivelano in modo più completo il mondo interiore dell '"eroe". Questo tema percorre come un filo rosso tutta l'arte del romanticismo, dai romanzi da camera di Schubert alle monumentali sinfonie di Berlioz, ai grandiosi drammi musicali di Wagner. Nessuno dei compositori classici ha creato nella musica immagini della natura così diverse e finemente definite, immagini di languore e sogni, sofferenza ed esplosione spirituale così sviluppate in modo convincente, come i romantici. In nessuno di essi troviamo pagine di diario intimo, molto caratteristiche dei compositori del XIX secolo.

Tragico conflitto tra l'eroe e il suo ambiente- un tema che domina la letteratura del romanticismo. Il motivo della solitudine permea il lavoro di molti scrittori di quell'epoca - da Byron a Heine, da Stendhal a Chamisso ... E per l'arte musicale, le immagini di discordia con la realtà diventano un inizio altamente caratteristico, rifratte in essa come motivo di desiderio per un mondo inaccessibilmente bello e come l'ammirazione di un artista per la vita elementare della natura. Questo tema della discordia dà origine sia a un'amara ironia sull'imperfezione del mondo reale, sia ai sogni, sia a un tono di appassionata protesta.

Il tema eroico-rivoluzionario suona in modo nuovo nelle opere dei romantici, che era uno dei principali nell'opera musicale dell '"era gluco-Beethoven". Rifratto attraverso lo stato d'animo personale dell'artista, acquista un caratteristico aspetto patetico. Allo stesso tempo, in contrasto con le tradizioni classiche, il tema dell'eroismo tra i romantici è interpretato non in modo universale, ma enfaticamente patriottico nazionale.

Qui tocchiamo un'altra caratteristica di fondamentale importanza della creazione artistica dell '"età romantica" nel suo insieme.

Anche la tendenza generale dell'arte romantica è in aumento interesse per la cultura nazionale. Fu chiamato in vita da un'accresciuta autocoscienza nazionale, che fu portata con sé dalle guerre di liberazione nazionale contro l'invasione napoleonica. Varie manifestazioni di tradizioni popolari nazionali attirano artisti del nuovo tempo. All'inizio del XIX secolo apparvero studi fondamentali di folklore, storia e letteratura antica. Le leggende medievali, l'arte gotica, la cultura del Rinascimento, sepolte nell'oblio, stanno risorgendo. Dante, Shakespeare, Cervantes diventano i dominatori dei pensieri della nuova generazione. La storia prende vita nei romanzi e nelle poesie, nelle immagini del teatro drammatico e musicale (Walter Scott, Hugo, Dumas, Wagner, Meyerbeer). Lo studio approfondito e lo sviluppo del folklore nazionale hanno ampliato la gamma di immagini artistiche, reintegrando l'arte con temi precedentemente poco conosciuti dalla sfera dell'epopea eroica, antiche leggende, immagini di fantasia fiabesca, poesia pagana e natura.

Allo stesso tempo, si risveglia un vivo interesse per l'originalità della vita, della vita e dell'arte dei popoli di altri paesi.

Basta confrontare, ad esempio, il Don Juan di Molière, che l'autore francese ha presentato come un nobile alla corte di Luigi XIV e un francese dall'acqua purissima, con il Don Juan di Byron. Il drammaturgo classico ignora l'origine spagnola del suo eroe, mentre nel poeta romantico è un iberico vivente, che agisce nella situazione specifica della Spagna, dell'Asia Minore e del Caucaso. Così, se nelle opere esotiche diffuse nel Settecento (ad esempio "L'India galante" di Rameau o "Il ratto dal serraglio" di Mozart) turchi, persiani, nativi americani o "indiani" si comportavano essenzialmente come parigini civilizzati o viennesi dello stesso XVIII secolo, poi già Weber nelle scene orientali di "Oberon" usa un autentico canto orientale per raffigurare le guardie dell'harem, e la sua "Preciosa" è satura di motivi popolari spagnoli.

Per l'arte musicale della nuova era, l'interesse per la cultura nazionale ebbe conseguenze di enorme portata.

Il XIX secolo è caratterizzato dal fiorire delle scuole musicali nazionali basate sulle tradizioni dell'arte popolare. Questo vale non solo per quei paesi che già nei due secoli precedenti hanno prodotto compositori di importanza mondiale (come l'Italia, la Francia, l'Austria, la Germania). Diverse culture nazionali (Russia, Polonia, Repubblica Ceca, Norvegia e altre), che fino ad allora erano rimaste nell'ombra, sono apparse sulla scena mondiale con le proprie scuole nazionali indipendenti, molte delle quali hanno iniziato a svolgere un ruolo importante e a volte ruolo di primo piano nello sviluppo della musica paneuropea.

Naturalmente, anche nell '"era preromantica" la musica italiana, francese e tedesca differiva l'una dall'altra per le caratteristiche emanate dalla loro composizione nazionale. Tuttavia, le tendenze verso un certo universalismo del linguaggio musicale * hanno prevalso nettamente su questo inizio nazionale.

* Quindi, ad esempio, nel Rinascimento, fu soggetto allo sviluppo della musica professionale in tutta l'Europa occidentale franco-fiammingo tradizioni. Nel XVII e in parte nel XVIII secolo lo stile melodico dominava ovunque. Italiano opere. Inizialmente formatosi in Italia come espressione della cultura nazionale, divenne successivamente portatore di un'estetica di corte paneuropea, con la quale combatterono artisti nazionali in diversi paesi, ecc.

Nei tempi moderni, affidamento su locale, "locale", nazionale diventa il momento determinante dell'arte musicale. I risultati paneuropei sono ora costituiti dal contributo di molte scuole nazionali distinte.

Come risultato del nuovo contenuto ideologico dell'arte, sono apparse nuove tecniche espressive, caratteristiche di tutti i diversi rami del romanticismo. Questa comunanza ci permette di parlare di unità metodo artistico del romanticismo in generale, che lo distingue ugualmente sia dal classicismo dell'Illuminismo che dal realismo critico dell'Ottocento. È ugualmente caratteristico dei drammi di Hugo, della poesia di Byron e dei poemi sinfonici di Liszt.

Possiamo dire che la caratteristica principale di questo metodo è maggiore espressione emotiva. L'artista romantico trasmetteva nella sua arte un vivace ribollire di passioni, che non rientrava nei consueti schemi dell'estetica illuminista. Il primato del sentimento sulla ragione è un assioma della teoria del romanticismo. Nel grado di eccitazione, passione, vivacità delle opere d'arte del XIX secolo, si manifesta innanzitutto l'originalità dell'espressione romantica. Non è un caso che la musica, la cui specificità espressiva corrispondesse più pienamente alla struttura romantica dei sentimenti, fosse dichiarata dai romantici una forma d'arte ideale.

Una caratteristica altrettanto importante del metodo romantico è fantascienza fantastica. Il mondo immaginario, per così dire, eleva l'artista al di sopra della realtà poco attraente. Secondo Belinsky, la sfera del romanticismo era quel "terreno dell'anima e del cuore, da dove sorgono tutte le aspirazioni indefinite per il meglio e il sublime, cercando di trovare soddisfazione negli ideali creati dalla fantasia".

Questa profonda esigenza degli artisti romantici è stata superbamente soddisfatta dalla nuova sfera di immagini favolosamente panteistica, presa in prestito dal folklore, dalle antiche leggende medievali. Per la creatività musicale del XIX secolo, aveva, come noi vedremo più avanti, fondamentale.

Le nuove conquiste dell'arte romantica, che hanno notevolmente arricchito l'espressività artistica rispetto alla fase classicista, includono l'esposizione dei fenomeni nella loro contraddizione e unità dialettica. Superando le distinzioni condizionali insite nel classicismo tra il regno del sublime e la vita quotidiana, gli artisti del XIX secolo hanno deliberatamente unito i conflitti della vita, sottolineando non solo il loro contrasto, ma anche la loro connessione interna. Come il principio di "antitesi drammatiche"è alla base di molte opere di quel periodo. È tipico del teatro romantico di Hugo, delle opere di Meyerbeer, dei cicli strumentali di Schumann, Berlioz. Non è un caso che sia stata l'"età romantica" a riscoprire la drammaturgia realistica di Shakespeare, con tutti i suoi ampi contrasti di vita. Vedremo in seguito quale ruolo importante e fruttuoso ebbe l'opera di Shakespeare nella formazione della nuova musica romantica.

Dovrebbero includere anche i tratti caratteristici del metodo della nuova arte del XIX secolo attrazione per la concretezza figurativa, che è enfatizzato dalla delineazione di dettagli caratteristici. Dettagli- un fenomeno tipico nell'arte dei tempi moderni, anche per l'opera di quelle figure che non erano romantici. Nella musica questa tendenza si manifesta nel desiderio della massima raffinatezza dell'immagine, di una significativa differenziazione del linguaggio musicale rispetto all'arte del classicismo.

Le nuove idee e immagini dell'arte romantica non potevano essere eguagliate dai mezzi artistici che si svilupparono sulla base dell'estetica del classicismo, caratteristica dell'Illuminismo. Nei loro scritti teorici (vedi, ad esempio, la prefazione di Hugo al dramma Cromwell, 1827), i romantici, difendendo la libertà illimitata di creatività, dichiararono una lotta spietata contro i canoni razionalistici del classicismo. Hanno arricchito ogni area dell'arte con generi, forme e tecniche espressive che corrispondono al nuovo contenuto del loro lavoro.

Vediamo come si è espresso questo processo di rinnovamento nell'ambito dell'arte musicale.

Il romanticismo è una tendenza ideologica e artistica nella cultura europea e americana della fine XVIII- 1° tempo XIX v.
Nella musica si è formato il romanticismo 1820. e ha mantenuto il suo significato fino all'inizio XX v. Il principio guida del romanticismo è la netta opposizione tra vita quotidiana e sogni, esistenza quotidiana e mondo ideale superiore creato dall'immaginazione creativa dell'artista.

Rifletteva la delusione dei circoli più ampi nei risultati della Rivoluzione francese del 1789-1794, nell'ideologia dell'Illuminismo e del progresso borghese. Pertanto, è caratterizzato da un orientamento critico, una negazione della vita filistea in una società in cui le persone si preoccupano solo della ricerca del profitto. Al mondo rifiutato, dove tutto, fino ai rapporti umani, è soggetto alla legge della vendita, i romantici si opponevano a un'altra verità: la verità dei sentimenti, il libero arbitrio di una persona creativa. Da qui il loro

molta attenzione al mondo interiore di una persona, un'analisi sottile dei suoi complessi movimenti spirituali. Il romanticismo ha dato un contributo decisivo all'affermazione dell'arte come autoespressione lirica dell'artista.

Inizialmente, il romanticismo ha agito come principio

oppositore del classicismo. L'antico ideale era contrastato dall'arte del Medioevo, lontani paesi esotici. Il romanticismo ha scoperto i tesori dell'arte popolare: canzoni, racconti, leggende. Tuttavia, l'opposizione del romanticismo al classicismo è ancora relativa, poiché i romantici accettarono e svilupparono ulteriormente le conquiste dei classici. Molti compositori sono stati fortemente influenzati dal lavoro dell'ultimo classico viennese -
L. Beethoven.

I principi del romanticismo sono stati affermati da compositori eccezionali di diversi paesi. Questi sono K. M. Weber, G. Berlioz, F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Chopin,

F. Schubert F. Lista, R. Wagner. G. Verdi.

Tutti questi compositori hanno adottato il metodo sinfonico di sviluppo musicale, basato sulla trasformazione coerente del pensiero musicale, che genera in sé il suo contrario. Ma i romantici cercavano una maggiore concretezza delle idee musicali, il loro più stretto legame con le immagini della letteratura e di altre forme d'arte. Questo li ha portati a creare opere software.

Ma il risultato principale della musica romantica si è manifestato in un'espressione sensibile, sottile e profonda del mondo interiore di una persona, la dialettica delle sue esperienze spirituali. A differenza dei classici del romanticismo, non affermavano tanto l'obiettivo finale delle aspirazioni umane, acquisito in una lotta ostinata, ma dispiegavano un movimento senza fine verso un obiettivo che si allontanava costantemente, scivolava via. Pertanto, il ruolo delle transizioni, dei cambiamenti fluidi di umore è così grande nelle opere dei romantici.
Per un musicista romantico, il processo è più importante del risultato, più importante del risultato. Da un lato, gravitano verso la miniatura, che spesso includono nel ciclo di altri giochi, di regola, diversi; dall'altro, affermano composizioni libere, nello spirito delle poesie romantiche. Furono i romantici a sviluppare un nuovo genere: il poema sinfonico. Anche il contributo dei compositori romantici allo sviluppo della sinfonia, dell'opera e del balletto è estremamente grande.
Tra i compositori della seconda metà del XIX e dell'inizio del XX secolo: nel cui lavoro le tradizioni romantiche hanno contribuito all'affermazione di idee umanistiche, - I. Brahms, A.Brückner, G. Mahler, R. Strauss, E. Grieg, B. Panna acida, A. Dvorak e altri

Quasi tutti i grandi maestri della musica classica russa hanno reso omaggio al romanticismo in Russia. Il ruolo della visione romantica del mondo nelle opere del fondatore dei classici musicali russi è eccezionale MI Glinka, specialmente nella sua opera "Ruslan e Lyudmila".

Nell'opera dei suoi grandi successori, con un generale orientamento realistico, il ruolo dei motivi romantici è stato significativo. Hanno colpito in una serie di opere favolose e fantastiche N. A. Rimskij-Korsakov, nei poemi sinfonici PI. Čajkovskij e compositori del "Mighty Handful".
L'inizio romantico permea le opere di A. N. Scriabin e S. V. Rachmaninov.

2. R.-Korsakov

Informazioni simili.

Balletto di S. Prokofiev "Romeo e Giulietta"

La letteratura mondiale conosce molte belle, ma tragiche storie d'amore. Di questo set, uno spicca notevolmente, che è definito il più triste del mondo: la storia di due amanti di Verona Romeo e Giulietta. Questa tragedia immortale di Shakespeare ha agitato i cuori di milioni di persone premurose per più di quattro secoli: vive nell'arte come esempio di amore puro e vero, che è stato in grado di sconfiggere la rabbia, l'inimicizia e la morte. Una delle interpretazioni musicali più sorprendenti di questa storia nel corso della sua esistenza è il balletto. Sergej Prokof'ev "Romeo e Giulietta". Il compositore è riuscito in modo sorprendente a "trasferire" l'intero complesso tessuto della narrazione di Shakespeare nella partitura del balletto.

Riassunto del balletto di Prokofiev " Romeo e Giulietta”e molti fatti interessanti su questo lavoro, leggi sulla nostra pagina.

Caratteri	Descrizione
Giulietta	figlia del signor e della signora Capuleti
Romeo	figlio di Montecchi
Signor Montecchi	capostipite della famiglia Montecchi
Signor Capuleti	capostipite della famiglia Capuleti
Signora Capuleti	La moglie del signor Capuleti
Tebaldo	Cugino di Giulietta e nipote della signora Capuleti
Escalo	Duca di Verona
Mercuzio	amico di Romeo, parente di Escalus
Parigi	conte, parente di Escalus, fidanzato di Giulietta
Padre Lorenzo	frate francescano
Infermiera	La babysitter di Giulietta

Riassunto di Romeo e Giulietta

La trama dell'opera si svolge nell'Italia medievale. Tra le due eminenti famiglie veronesi, i Montecchi ei Capuleti, l'inimicizia va avanti da molti anni. Ma prima del vero amore non ci sono confini: due giovani creature di famiglie in guerra si innamorano l'una dell'altra. E niente può fermarli: né la morte dell'amico di Romeo Mercuzio, caduto per mano del cugino di Giulietta, Tebaldo, né la successiva vendetta di Romeo sull'assassino del suo amico, né l'imminente matrimonio di Giulietta con Paride.

Cercando di evitare un matrimonio odiato, Giulietta chiede aiuto a padre Lorenzo, e il saggio prete le propone un piano astuto: la ragazza berrà la droga e cadrà in un sonno profondo, che gli altri prenderanno per morte. Solo Romeo saprà la verità, verrà per lei nella cripta e la porterà via di nascosto dalla sua città natale. Ma il destino malvagio aleggia su questa coppia: Romeo, avendo saputo della morte della sua amata e non conoscendo mai la verità, beve veleno vicino alla sua bara, e Giulietta, risvegliata dalla pozione, vedendo il corpo senza vita del suo amante, si uccide con il suo pugnale.

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Fatti interessanti

• La tragedia di W. Shakespeare si basa su eventi reali. La sfortunata storia d'amore di due adolescenti di famiglie nobili in guerra avvenne proprio all'inizio del XIII secolo.
• Nella prima versione del balletto presentato S. Prokof'ev Il Teatro Bolshoi ha avuto un lieto fine. Tuttavia, un trattamento così libero della tragedia di Shakespeare ha causato molte polemiche, a seguito delle quali il compositore ha composto un finale tragico.
• Dopo la produzione di incredibile successo di "Romeo e Giulietta" con la partecipazione di G. Ulanova e K. Sergeev nel 1946, il regista Leonid Lavrovsky ricevette l'incarico di direttore artistico del Teatro Bolshoi.
• Il noto musicologo G. Ordzhonikidze ha definito la performance un balletto sinfonico a causa del ricco contenuto drammatico.
• Spesso, in vari concerti, si ascoltano numeri di balletto individuali come parte di suite sinfoniche. Inoltre, molti numeri sono diventati popolari nella trascrizione per pianoforte.
• In totale, la partitura dell'opera presenta 52 melodie espressive di diverso carattere.
• Il fatto che Prokofiev si sia rivolto alla tragedia di Shakespeare è definito dai ricercatori un passo molto audace. C'era un'opinione secondo cui i temi filosofici complessi non potevano essere trasmessi nel balletto.

• Nel 1954 fu girato il balletto. Il regista Leo Arnshtam e il coreografo L. Lavrovsky hanno girato il loro film in Crimea. Il ruolo di Giulietta è stato affidato a Galina Ulanova, Romeo - a Yuri Zhdanov.
• Nel 2016 a Londra è stata eseguita un'esibizione di balletto molto insolita, alla quale ha preso parte la famosa cantante oltraggiosa Lady Gaga.
• Il motivo per cui Prokofiev ha originariamente creato il lieto fine nel balletto è estremamente semplice. L'autore stesso ha ammesso che il punto è che in questo modo gli eroi potranno continuare a ballare.
• Una volta lo stesso Prokofiev ha ballato in una produzione di balletto. Questo è successo durante un concerto nella sala del Brooklyn Museum. Il famoso coreografo Adolf Bolm ha presentato al pubblico la sua lettura del ciclo per pianoforte "Fleeting", dove lo stesso Sergey Sergeevich ha eseguito la parte per pianoforte.
• C'è una strada a Parigi che prende il nome dal compositore. Riposa sulla strada del famoso impressionista Claudio Debussy e confinante con la strada Mozart .
• Galina Ulanova, che ha interpretato il ruolo principale nella commedia, inizialmente ha considerato la musica di Prokofiev inadatta al balletto. A proposito, era questa ballerina la preferita di Joseph Stalin, che ha assistito molte volte agli spettacoli con la sua partecipazione. Ha persino suggerito di alleggerire il finale del balletto in modo che il pubblico potesse vedere la felicità dei personaggi.
• Mentre si preparava per la tanto attesa prima dello spettacolo nel 1938, Prokofiev per molto tempo non volle cedere al coreografo Lavrovsky, che chiedeva costantemente che venissero apportate alcune modifiche e correzioni alla partitura. Il compositore ha risposto che la performance era stata completata nel 1935, quindi non ci sarebbe tornato. Tuttavia, presto l'autore ha dovuto cedere al coreografo e persino aggiungere nuovi balli ed episodi.

Numeri popolari del balletto "Romeo e Giulietta"

Intro (tema d'amore) - ascolta

Danza dei Cavalieri (Montecchi e Capuleti) - ascolta

Ragazza Giulietta (ascolta)

La morte di Tebaldo - ascolta

Prima di separarti, ascolta

Storia di Romeo e Giulietta

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balletto totale SS Prokof'ev basato sull'omonima tragedia di Shakespeare, creata nel 1595 e da allora ha conquistato il cuore di milioni di persone in tutto il mondo. Molti compositori hanno prestato attenzione a quest'opera durante la creazione delle loro creazioni: Gounod, Berlioz, Tchaikovsky e altri, di ritorno da un viaggio all'estero nel 1933, Prokofiev ha rivolto la sua attenzione anche alla tragedia di Shakespeare. Inoltre, questa idea gli è stata suggerita da S. Radlov, che a quel tempo era il direttore artistico del Teatro Mariinsky.

A Prokofiev questa idea piacque molto e si mise al lavoro con grande entusiasmo. Parallelamente, il compositore ha anche sviluppato il libretto insieme a Radlov e al critico A. Piotrovsky. Tre anni dopo, la versione originale della performance è stata mostrata dal compositore al Teatro Bolshoi, dove era prevista la prima produzione. Se la direzione approvava la musica, un'interpretazione in qualche modo libera della trama veniva immediatamente respinta. Il lieto fine del balletto non era in alcun modo adatto alla tragedia di Shakespeare. Dopo alcune polemiche su questo argomento, gli autori hanno comunque accettato di apportare modifiche, avvicinando il più possibile il libretto alla fonte originale e restituendo il finale tragico.

Dopo aver studiato ancora una volta la partitura, alla direzione non è piaciuta la parte musicale, considerata “non danza”. Ci sono prove che tale pignoleria è associata alla situazione politica. Fu in quel momento che nel paese si sviluppò una lotta ideologica con molti grandi musicisti, tra cui c'era D. Shostakovich con il suo balletto "The Bright Stream" e opera "Katerina Izmailova" .

In questo caso, molto probabilmente la direzione ha deciso di stare attenta e di non correre rischi. La tanto attesa prima era prevista per la fine del 1938, ma non poteva nemmeno aver luogo. Un ostacolo significativo era il fatto che uno dei librettisti (A. Piotrovsky) era già stato represso e il suo nome era stato cancellato dai documenti relativi al balletto. A questo proposito, L. Lavrovsky è diventato coautore dei librettisti. Un giovane e promettente coreografo da circa 10 anni amava mettere in scena balletti e Romeo e Giulietta divennero il vero apice del suo lavoro.

Produzioni

La prima dello spettacolo ebbe luogo nella città di Brno (Repubblica Ceca) nel 1938, ma lo stesso compositore non poté partecipare. Come è successo che per la prima volta il lavoro del compositore sovietico è stato presentato al pubblico lì? Si scopre che proprio nel 1938 Sergei Sergeevich andò in tournée all'estero come pianista. A Parigi presenta al pubblico le Suite di Romeo e Giulietta. Proprio in quel momento era presente in sala il direttore del Teatro di Brno, a cui piaceva la musica di Prokofiev. Dopo una conversazione con lui, Sergei Sergeevich gli ha fornito copie delle sue suite. La produzione del balletto nella Repubblica Ceca è stata accolta molto calorosamente dal pubblico e apprezzata. Il coreografo Ivo Vanya Psota, che ha anche interpretato il ruolo di Romeo, e lo scenografo V. Skrushny hanno lavorato alla performance. La performance è stata diretta da K. Arnoldi.

Il pubblico sovietico ha potuto conoscere la nuova creazione di Prokofiev nel 1940, durante la produzione di Leonid Lavrovsky, che è stata messa in scena con successo al Teatro di Leningrado. S. Kirov. Le parti principali sono state eseguite da K. Sergeev, G. Ulanova, A. Lopukhov. Sei anni dopo, Lavrovsky ha presentato la stessa versione nella capitale, insieme al direttore d'orchestra I. Sherman. Su questo palco lo spettacolo è durato circa 30 anni ed è stato eseguito 210 volte in tutto il tempo. Successivamente, è stato spostato in un'altra fase nel Palazzo dei Congressi del Cremlino.

Il balletto di Prokofiev ha costantemente attirato l'attenzione di molti coreografi e registi. Quindi, una nuova versione di Yuri Grigorovich è apparsa nel giugno 1979. I ruoli principali sono stati interpretati da Natalya Bessmertnova, Vyacheslav Gordeev, Alexander Godunov. Questa performance è stata data 67 volte fino al 1995.

La produzione di Rudolf Nureyev, presentata con successo nel 1984, è considerata più cupa e tragica delle versioni precedenti. Fu nel suo balletto che l'importanza della parte del protagonista Romeo aumentò e raggiunse persino la parte della sua amata. Fino a quel momento il primato nelle esibizioni era assegnato alla prima ballerina.

La versione di Joël Bouvier può essere definita una produzione astratta. È stato presentato nel 2009 al Grand Theatre di Ginevra. È interessante notare che il coreografo non utilizza completamente gli eventi presentati nella partitura di Prokofiev. Tutto mira a mostrare lo stato interiore dei personaggi principali. Il balletto inizia con il fatto che tutti i partecipanti appartenenti ai due clan in guerra si allineano sul palco quasi come squadre di calcio. Romeo e Giulietta ora devono sfondare l'un l'altro attraverso di loro.

Un vero e proprio spettacolo mediatico, in cui ci sono nove Giuliette, è stato presentato da Mauro Bigonzetti nella sua versione del balletto classico di Prokofiev a Mosca, al festival di danza moderna del novembre 2011. La sua brillante ed eclettica coreografia ha focalizzato tutta l'attenzione del pubblico sull'energia stessa dei ballerini. Inoltre, non ci sono parti soliste stesse. La produzione è stata trasformata in uno spettacolo in cui la media art e il balletto si sono strettamente fusi. È interessante notare che anche i numeri musicali stessi sono stati invertiti dal coreografo e la performance inizia dalla scena finale.

Una versione interessante è stata mostrata nel luglio 2008. A differenza degli altri, questo balletto è stato rappresentato nella sua versione originale, datata 1935. Lo spettacolo è stato presentato al Bard College Festival di New York. Il coreografo Mark Morris ha completamente ripristinato la composizione, la struttura e, soprattutto, il lieto fine della partitura. Dopo una prima di successo, questa versione è stata messa in scena nelle principali città europee.

Alcune opere classiche sono considerate i beni più importanti e persino i tesori della cultura mondiale. È a questi capolavori che appartiene il balletto. Prokof'ev"Romeo e Giulietta". La musica profonda e sensuale, che segue molto sottilmente la trama, non lascerà nessuno indifferente, costringendoti a entrare in empatia con i personaggi principali e condividere con loro tutta la gioia dell'amore e della sofferenza. Non è un caso che quest'opera sia una delle più famose e riuscite oggi. Ti invitiamo a guardare questa storia di un'intera generazione, apprezzando non solo la musica indimenticabile di Prokofiev, ma anche la magnifica messa in scena e l'abilità dei ballerini. Ogni misura, ogni movimento del balletto è saturo del più profondo dramma e sincerità.

Video: guarda il balletto "Romeo e Giulietta" di Prokofiev

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1. La storia della creazione del balletto "Romeo e Giulietta"

La prima grande opera - il balletto "Romeo e Giulietta" - divenne un vero capolavoro. È stato difficile iniziare la sua vita da palcoscenico. È stato scritto nel 1935-1936. Il libretto è stato sviluppato dal compositore insieme al regista S. Radlov e al coreografo L. Lavrovsky (L. Lavrovsky ha messo in scena la prima produzione del balletto nel 1940 al Teatro dell'Opera e del Balletto S. M. Kirov di Leningrado). Ma il graduale abituarsi alla musica insolita di Prokofiev è stato comunque coronato dal successo. Il balletto "Romeo e Giulietta" fu completato nel 1936, ma fu concepito prima. Il destino del balletto ha continuato a svilupparsi difficile. All'inizio c'erano difficoltà con il completamento del balletto. Prokofiev, insieme a S. Radlov, mentre sviluppava la sceneggiatura, pensava a un lieto fine, che provocò una tempesta di indignazione tra gli studiosi di Shakespeare. L'apparente mancanza di rispetto per il grande drammaturgo è stata spiegata semplicemente: "Le ragioni che ci hanno spinto a questa barbarie erano puramente coreografiche: i vivi possono ballare, i morenti non balleranno sdraiati". La decisione di concludere tragicamente il balletto, come quella di Shakespeare, è stata influenzata soprattutto dal fatto che nella musica stessa, nei suoi episodi finali, non c'era pura gioia. Il problema è stato risolto dopo le conversazioni con i coreografi, quando si è scoperto che "è possibile risolvere la fine fatale del balletto". Tuttavia, il Teatro Bolshoi ha violato l'accordo, considerando la musica come non danza. Per la seconda volta, la Scuola coreografica di Leningrado ha rifiutato il contratto. Di conseguenza, la prima produzione di "Romeo e Giulietta" ebbe luogo nel 1938 in Cecoslovacchia, nella città di Brno. Il famoso coreografo L. Lavrovsky divenne il direttore del balletto. La parte di Giulietta è stata ballata dalla famosa G. Ulanova.

Sebbene in passato ci siano stati tentativi di presentare Shakespeare sul palcoscenico del balletto (ad esempio, nel 1926 Diaghilev ha messo in scena il balletto Romeo e Giulietta con musiche del compositore inglese C. Lambert), ma nessuno di questi è considerato un successo. Sembrava che se le immagini di Shakespeare potessero essere incarnate nell'opera, come facevano Bellini, Gounod, Verdi, o nella musica sinfonica, come in Čajkovskij, allora nel balletto, a causa della sua specificità di genere, fosse impossibile. A questo proposito, l'appello di Prokofiev alla trama di Shakespeare è stato un passo coraggioso. Tuttavia, le tradizioni del balletto russo e sovietico hanno preparato questo passaggio.

L'apparizione del balletto "Romeo e Giulietta" è un importante punto di svolta nel lavoro di Sergei Prokofiev. Il balletto "Romeo e Giulietta" è diventato uno dei risultati più significativi nella ricerca di una nuova performance coreografica. Prokofiev si impegna per l'incarnazione delle emozioni umane viventi, l'istituzione del realismo. La musica di Prokofiev rivela vividamente il conflitto principale della tragedia di Shakespeare: lo scontro dell'amore luminoso con la faida familiare della vecchia generazione, che caratterizza la ferocia dello stile di vita medievale. Il compositore ha creato una sintesi nel balletto: una fusione di dramma e musica, proprio come ai suoi tempi Shakespeare combinava la poesia con l'azione drammatica in Romeo e Giulietta. La musica di Prokofiev trasmette i movimenti psicologici più sottili dell'anima umana, la ricchezza del pensiero di Shakespeare, la passione e il dramma della sua prima delle tragedie più perfette. Prokofiev è riuscito a ricreare i personaggi di Shakespeare nel balletto nella loro diversità e completezza, profonda poesia e vitalità. La poesia d'amore di Romeo e Giulietta, l'umorismo e la malizia di Mercuzio, l'innocenza della Nutrice, la saggezza di Pater Lorenzo, la furia e la crudeltà di Tebaldo, il colore festoso e violento delle strade italiane, la tenerezza dell'alba mattutina e il dramma delle scene di morte: tutto questo è incarnato da Prokofiev con abilità e grande forza espressiva.

La specificità del genere del balletto richiedeva l'allargamento dell'azione, la sua concentrazione. Tagliando tutto ciò che è secondario o secondario nella tragedia, Prokofiev ha concentrato la sua attenzione sui momenti semantici centrali: amore e morte; fatale inimicizia tra le due famiglie della nobiltà veronese: i Montecchi e i Capuleti, che portarono alla morte degli innamorati. Romeo e Giulietta di Prokofiev è un dramma coreografico riccamente sviluppato con una complessa motivazione di stati psicologici, un'abbondanza di chiari ritratti-caratteristiche musicali. Il libretto mostra in modo conciso e convincente le basi della tragedia di Shakespeare. Conserva la sequenza principale delle scene (solo poche scene sono ridotte - 5 atti della tragedia sono raggruppati in 3 grandi atti).

Romeo e Giulietta è un balletto profondamente innovativo. La sua novità si manifesta anche nei principi dello sviluppo sinfonico. La drammaturgia sinfonica del balletto contiene tre diversi tipi.

Il primo è l'opposizione conflittuale dei temi del bene e del male. Tutti gli eroi - portatori di bontà sono mostrati in modi vari e sfaccettati. Il compositore presenta il male più in generale, avvicinando i temi dell'ostilità ai temi del rock dell'Ottocento, ad alcuni temi del male del Novecento. I temi del male compaiono in tutti gli atti tranne l'epilogo. Invadono il mondo degli eroi e non si sviluppano.

Il secondo tipo di sviluppo sinfonico è associato alla graduale trasformazione delle immagini: Mercuzio e Giulietta, con la divulgazione degli stati psicologici dei personaggi e la visualizzazione della crescita interna delle immagini.

Il terzo tipo rivela le caratteristiche di variazione, varianza, caratteristiche del sinfonismo di Prokofiev nel suo insieme, colpisce soprattutto i temi lirici.

Tutti e tre questi tipi sono subordinati anche nel balletto ai principi del montaggio cinematografico, al ritmo speciale delle inquadrature, alle tecniche dei primi piani, delle inquadrature a medio e lungo raggio, alle tecniche degli "influssi", nette opposizioni contrastanti che danno il scene un significato speciale.

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