Cominciamo con questo termine: "professionale". Nonostante tutta la sua natura paradossale, non esiste una comprensione esatta e unificata di chi sia un artista professionista. Ma ci sono segni in base ai quali si può giudicare un artista dal punto di vista di quella stessa professionalità.
Guarda, ogni attività professionale ha la sua soglia minima. Per un assistente avvocato, questa è un'istruzione giuridica secondaria, per un falegname - una scuola professionale, per un medico - un'università di medicina. E per un artista professionista, il livello è piuttosto elevato: istruzione superiore completata e istruzione professionale secondaria, che si concentra sulla padronanza pratica della grafica artistica, della pittura e della scultura da parte dello studente laureato. Questo è il primo segno.
Come influenza l'artista? Molto spesso, quando un cliente cerca un bravo artista, la sua ricerca si restringe agli artigiani più abili, cioè ai maestri diplomati. Quindi potrebbero non prestare attenzione all'autodidatta, ma ciò non significa che il secondo sia in qualche modo peggiore. Avere un diploma non fornisce alcuna garanzia che l'artista abbia davvero competenze elevate. Ci sono centinaia, se non migliaia, di esempi in cui gli esempi da autodidatta sono stati molto più impressionanti degli artisti diplomati. Eppure vale la pena tenere conto di questo segno formale.
Il secondo segno di professionalità è il reale livello di abilità dell'artista, ovvero la sua tecnica. E questo può essere veramente verificato solo dal lavoro che ha eseguito in modo realistico, cioè. con la natura.
Altre caratteristiche sono complementari. Ad esempio, quando la pittura è la sua attività principale, ne riceve un reddito ed è impegnato in attività espositive attive.
E un altro argomento piuttosto importante, di cui parleremo poco dopo, quando considereremo le modalità per diventare un artista professionista, è l'appartenenza all'Unione degli artisti russi.
Conclusione: ora senza parole noiose e astruse. Vale la pena studiare e ricevere un'istruzione? Diciamo solo che se la tua età te lo consente ancora, questo ti aiuterà molto come futuro maestro. E non rifiuterei una simile opportunità. Purché non ti preoccupi del denaro, delle questioni familiari, della casa, dei figli, ecc. - periodo d'oro, scrivi e studia.
Ebbene, se il treno è partito, allora ci sono gli aerei. Scherzo! Non esiste un’età per la creatività. Puoi diventare un professionista senza alcun costo. Inoltre, grazie all'odierna accessibilità alle informazioni, puoi aumentare il tuo livello di abilità da solo, nonché attraverso vari corsi per principianti e persino professionisti.
Credo che un artista professionista non sia qualcuno che ha molti diplomi, e nemmeno qualcuno che scrive magnificamente. Per me un artista professionista è colui che sa trasferire i suoi sentimenti e le sue emozioni sulla tela, evocandoli nel pubblico.
“L’artista non dipinge ciò che vede, ma ciò che sente.” Pablo Picasso
Come diventare un artista professionista e cosa è necessario per questo?
1. Da dove dovrei iniziare?
Naturalmente, dalle tue capacità. Fino a che punto pensi di arrivare senza sapere come applicare nella pratica anche le regole base del disegno? Se hai un talento da parte di Dio, anche questo non significa che puoi rinunciare a imparare. Le persone più persistenti e propositive ti supereranno. Pertanto, è necessario imparare sempre e costantemente. Ahimè, senza questo non puoi diventare un professionista.
Acquista un kit minimale per un pittore principiante e inizia a dipingere. Sono sufficienti alcuni colori, pennelli e una tela (o un foglio di fibra di legno primerizzato). Non provare a creare subito capolavori. Non affrettarti. Se ti senti a disagio a dipingere di fronte a estranei o anche a persone vicine, trova e dedica del tempo libero a te stesso quando sei solo.
Consiglio. Consiglio vivamente di leggere il libro di Betty Edwards "Scopri l'artista che è in te". Ti permetterà di sbarazzarti dei problemi psicologici interni associati alla pittura. Impara anche nuovi trucchi e tecniche tecnologiche e tecniche dal libro di Smith Ray "The Artist's Handbook". Questi due libri sono disponibili per il download su Internet.
2. Progresso, realizzazione di dipinti, promozione
Ora immagina questa situazione: diciamo che hai già acquisito una certa esperienza, dipinto diversi quadri e forse ti sei laureato in un'università d'arte. Qual è il prossimo? Dove dovrebbero andare i dipinti? E il lavoro, la famiglia, le faccende quotidiane...
È qui che si ferma il 90% degli artisti, perché semplicemente non sanno cosa fare dopo. Sapete cosa ha detto Cézanne? - "Se vuoi diventare un artista, i tuoi genitori devono essere ricchi." A cosa servono queste parole? E al fatto che un artista è una persona creativa che deve dedicare tutto il suo tempo e le sue energie alla pittura. Ma quali sono le realtà di oggi? Ogni persona ha bisogno di una casa, di cibo, di vestiti. E che tu sia un artista o qualcun altro, è necessario pensare a queste cose e dedicare il tempo ad acquisirle. Allora come può essere una persona creativa? Sulla base di quanto sopra, è ancora del tutto possibile diventare un artista professionista, e per questo ci sono solo 3 modi:
- Internet e gallerie
Vale la pena prenotare subito: un artista non è un venditore, è un produttore. Per creare veri e propri capolavori, un artista non dovrebbe sprecare le sue preziose energie pensando a vendere quadri. Lasciamo che lo facciano le persone che sanno come farlo. C’è addirittura un detto: “Un buon uomo d’affari è un cattivo artista”.
Internet ti dà molto. Qualsiasi artista può ora essere sotto gli occhi dello spettatore con l'aiuto di social network, forum e blog per artisti. Grazie a Internet, puoi creare la tua pagina e presentare alle persone il tuo lavoro su di essa.
Per quanto riguarda le gallerie, sono intermediari tra l'artista e l'acquirente. A Mosca, ad esempio, ce ne sono circa 70. Se almeno un terzo di essi contiene almeno un tuo dipinto, allora non potrai mai più preoccuparti della parte finanziaria, poiché sarai più che soddisfatto.
Sembra dolce, ovviamente, ma devi ancora arrivarci. Un artista alle prime armi dovrà essere paziente e persistente in modo che voglia anche guardare il tuo lavoro. E la perseveranza fa miracoli, esempi di questo sono i nostri grandi Levitan, Picasso, Monet e Korovin.
Inizia a portare il tuo lavoro nelle gallerie poco a poco, senza sperare davvero nella loro approvazione. Prima o poi raggiungerai il tuo obiettivo. E 'solo questione di tempo.
- Unisciti a un'organizzazione professionale
All'inizio dell'articolo abbiamo toccato questo problema. Tali organizzazioni oggi sono l'Unione degli artisti di Mosca e l'Unione russa degli artisti. Queste organizzazioni conducono attività espositive attive, su scala tutta russa e in luoghi d'élite. Tali mostre sono sempre accompagnate da una maggiore attenzione da parte dei media, dei giornalisti, dei ricchi, dei critici rispettati, degli intenditori e dei funzionari. Immagina che tipo di fama e status potresti ottenere se apparissi su uno con il tuo lavoro?!
Cosa ti dà questo? Forse questo è il percorso più diretto verso la vetta, dal momento che un artista errante solitario non può fare tanto da solo quanto due, tre o più possono fare. In 1-2 anni puoi già raggiungere traguardi incredibili grazie alla vita in un'organizzazione.
Cosa ti viene richiesto? Lavoro attivo e vita nella comunità, lavoro di talento, adempimento degli incarichi, assistenza reciproca, perseveranza, comunicazione con persone leader. Ma soprattutto, l'artista deve scegliere il gruppo con cui coincidono le sue opinioni e interessi ideologici, altrimenti dovranno essere adattati. Una posizione neutrale non porterà nulla, quindi devi scegliere. Sì, anche in tali organizzazioni c’è divisione in gruppi e competizione per promuovere e proporre la propria idea come migliore e più corretta. Pertanto, consiglio di sceglierne uno rispettabile e di difendere i suoi interessi per arrivare in cima e acquisire lì stretti contatti.
- Marchio proprio (nome)
Questo percorso è molto difficile, imprevedibile e per molti un fallimento, a causa della mancanza di pazienza e della pressione esterna. Ad esempio, hai tenuto un'altra mostra in cui non sei riuscito a vendere nulla. Il risultato è la perdita di denaro, forza, fiducia in se stessi. E all’improvviso compaiono “filosofi” che dicono: “Abbandona questa idea, non funzionerà niente, è una perdita di tempo”!
La cosa più importante qui è non arrendersi, svilupparsi e andare fino alla fine.
"Se mi fermo, morirò." A. Mironov
Trova lo strato più alto di persone a cui offrirai i tuoi dipinti. Se vai da qualche parte in rovina per vendere quadri, non otterrai nulla di utile tranne la fama tra un piccolo gruppo di persone. Hai bisogno dell'élite imprenditoriale del tuo posto, ad es. persone benestanti e di successo. Ed è con loro che è necessario stabilire un contatto, poiché il loro potenziale è molto maggiore di quello della gente comune.
Come farlo? Non è necessario organizzare una mostra costosa. Tutto ciò di cui hai bisogno è un catalogo con i tuoi quadri e con esso potrai visitare tutte le aziende grandi e di successo. Presentatevi, spiegate lo scopo della visita e, preferibilmente, rivolgetevi direttamente al manager. Se non c'è, lascia il catalogo o il disco alla segretaria, quindi chiamalo telefonicamente e scopri cosa e come. Ma è meglio incontrarsi di persona.
La maggior parte dei leader aziendali è disposta a stringere accordi con gli artisti. A loro piace guardare i quadri e comprarli. Per te, queste sono buone connessioni, nuovi contatti e fama.
Riepilogo. Per diventare un professionista devi sempre sviluppare e lavorare sui tuoi punti deboli. Mettiti alla prova in direzioni diverse, analizza i tuoi errori, rilassati, guarda il meglio. Svilupparsi su tutti i fronti: economia, relazioni sociali, cultura, religione. Dopotutto, le persone non sono interessate a contemplare le esperienze di una sola persona. Ma d'altra parte, guarderanno con gioia a ciò che li entusiasma personalmente e a ciò che è strettamente correlato alla loro vita, al loro ambiente, alla loro influenza, ecc.
PS Infine, vorrei raccomandare di non prendere a cuore le critiche degli altri. Soprattutto da quelle persone che sono lontane dalla pittura. Cosa può dirti una persona che non ha idea di come nasce un'opera d'arte? Se hai bisogno di consigli o critiche adeguate, rivolgiti ad un maestro. A tutti gli altri basta dire: “grazie per l’attenzione”. Ma non prendere sul serio le loro parole!
"Tutti mentono!" Dott. Casa.
Sarebbe interessante sapere quanti dei miei lettori avrebbero voluto provare a scrivere e dedicarsi seriamente alla pittura, ma hanno smesso non per mancanza di tempo o di fantasia, ma a causa dello stereotipo diffuso secondo cui il successo nella pittura può essere solo ottenuto raggiunto dopo lunghi anni di educazione artistica?
Molte persone credono che gli artisti autodidatti possano scrivere solo per hobby, ma non possono contare sul successo, sul riconoscimento e sulla ricchezza.
Comunicando con molte persone, sento questa opinione in varie forme. Conosco anche molti artisti che scrivono con passione e molto bene, ma considerano i loro dipinti semplicemente divertenti solo perché loro stessi non hanno ricevuto un'educazione artistica.
Per qualche ragione ci credono Un artista è una professione che deve certamente essere confermata da un diploma e da voti. E finché non hai un diploma, non puoi diventare un artista, non puoi dipingere buoni quadri, e anche se scrivi un'opera “per te stesso”, allora ti è proibito anche solo pensare di venderla o mettendolo in mostra al pubblico.
Presumibilmente, i dipinti di artisti autodidatti vengono immediatamente riconosciuti dagli esperti come poco professionali e susciteranno solo critiche e ridicoli.
Posso dire con coraggio che sono tutte sciocchezze! Non perché sono l'unico a pensarla così. Ma perché la storia conosce decine di artisti autodidatti di successo, i cui dipinti hanno preso il posto che spetta loro nella storia della pittura!
Inoltre, alcuni di questi artisti sono riusciti a diventare famosi durante la loro vita e il loro lavoro ha influenzato l'intero mondo della pittura. Inoltre, tra loro ci sono sia artisti dei secoli passati che moderni autodidatti.
Ad esempio, ti parlerò solo di alcuni di questi autodidatti.
1. Paul Gauguin / Eugène Henri Paul Gauguin
Forse uno dei più grandi artisti autodidatti. Il suo percorso nel mondo della pittura è iniziato con il fatto che, lavorando come intermediario e guadagnando buoni soldi, ha iniziato ad acquisire dipinti di artisti contemporanei.
Questo hobby lo ha affascinato, ha imparato a capire bene la pittura e ad un certo punto ha iniziato a provare a dipingere se stesso. L'arte lo affascina così tanto che inizia a dedicare sempre meno tempo al lavoro e sempre più tempo alla scrittura.
Il dipinto “Donna che cuce” è stato dipinto da Gauguin quando era un agente di cambio.
Ad un certo punto Gauguin decide di dedicarsi interamente alla creatività, lascia la famiglia e va in Francia per comunicare con persone che la pensano allo stesso modo e lavorare. Qui cominciò a dipingere tele davvero significative, ma da qui iniziarono anche i suoi problemi finanziari.
La comunicazione con l'élite artistica e il lavoro insieme ad altri artisti divennero la sua unica scuola.
Alla fine, Gauguin decide di rompere completamente con la civiltà e di fondersi con la natura per creare condizioni paradisiache, come credeva. Per fare questo, naviga verso le isole dell'Oceano Pacifico, prima a Tahiti, poi alle Isole Marchesi.
Qui rimane deluso dalla semplicità e dalla natura selvaggia del “paradiso tropicale”, gradualmente impazzisce e... dipinge i suoi quadri migliori.
Dipinti di Paul Gauguin
Purtroppo, il riconoscimento arrivò a Gauguin dopo la sua morte. Tre anni dopo la sua morte, nel 1906, fu organizzata a Parigi una mostra dei suoi dipinti, che andarono completamente esauriti e in seguito entrarono a far parte delle collezioni più costose del mondo. Il suo lavoro "Quando è il matrimonio?" inserito nella classifica dei quadri più costosi al mondo.
2. Jack Vettriano (alias Jack Hoggan)
La storia di questo maestro è, in un certo senso, l'opposto della precedente. Se Gauguin fosse morto in povertà, dipingendo i suoi quadri sotto il giogo della mancanza di riconoscimento, allora Hoggan è riuscito a guadagnare milioni durante la sua vita e trasformarsi in mecenate solo attraverso i suoi dipinti.
Allo stesso tempo, ha iniziato a scrivere all'età di 21 anni, quando un amico gli ha regalato un set di acquerelli. La nuova attività lo affascinò così tanto iniziò a provare a copiare le opere di famosi maestri nei musei. E poi iniziò a dipingere quadri basati sui suoi soggetti.
Di conseguenza, alla sua prima mostra, tutti i dipinti furono esauriti, e in seguito la sua opera "The Singing Butler" divenne una sensazione nel mondo dell'arte: fu acquistata per 1,3 milioni di dollari. I dipinti di Hoggan vengono acquistati da star di Hollywood e oligarchi russi , anche se la maggior parte dei critici d' arte li considera del tutto di cattivo gusto .
Dipinto di Jack Vettriano
I redditi elevati consentono a Jack di pagare borse di studio per studenti dotati a basso reddito e di impegnarsi in opere di beneficenza. E tutto questo senza istruzione accademica- All'età di 16 anni, il giovane Hoggan iniziò a lavorare come minatore, dopodiché non studiò formalmente da nessuna parte.
3. Henri Rousseau / Henri Julien Félix Rousseau
Uno dei più famosi rappresentanti del primitivismo in pittura, Rousseau è nato nella famiglia di un idraulico, dopo essersi diplomato ha prestato servizio nell'esercito, poi ha lavorato alla dogana.
In questo periodo iniziò a dipingere, e fu proprio la mancanza di istruzione che gli permise di formare una propria tecnica, in cui la ricchezza dei colori, i soggetti luminosi e la ricchezza della tela si uniscono alla semplicità e alla primitività dell'immagine stessa. .
Dipinti di Henri Rousseau
Anche durante la vita dell’artista, i suoi dipinti furono molto apprezzati da Guillaume Appoliner e Gertrude Stein.
4. Maurice Utrillo / Maurice Utrillo
Un altro artista autodidatta francese, senza un'educazione artistica, è riuscito a diventare una celebrità di fama mondiale. Sua madre faceva la modella nei laboratori d'arte e gli insegnò anche i principi base della pittura.
Successivamente, tutte le sue lezioni consistevano nell'osservare come i grandi artisti dipingevano a Montmartre. Per molto tempo i suoi dipinti non furono riconosciuti dalla critica seria e sopravvisse solo grazie alla vendita occasionale delle sue opere al grande pubblico.
Dipinto di Maurice Utrillo
Ma all'età di 30 anni il suo lavoro cominciò a farsi notare, a quaranta divenne famoso, a 42 riceve la Legion d'Onore per il suo contributo all'arte in Francia. Successivamente, ha creato per altri 26 anni e non era affatto preoccupato per la mancanza di un diploma in educazione artistica.
5. Maurice de Vlaminck
Artista francese autodidatta, la cui educazione formale si è conclusa in una scuola di musica: i suoi genitori volevano che diventasse un violoncellista. Da adolescente iniziò a dipingere, all'età di 17 anni iniziò l'autoeducazione con il suo amico Henri Rigalon, e a 30 vendette i suoi primi quadri.
Dipinto di Maurice de Vlaminck
Fino ad allora riuscì a mantenere se stesso e la moglie con lezioni di violoncello ed esibizioni con gruppi musicali in vari ristoranti. Con l'avvento della fama si dedicò completamente alla pittura, e alla sua i dipinti in stile fauvista in futuro influenzarono seriamente il lavoro degli impressionisti del 20 ° secolo.
6. Aimo Katainen / Obiettivoo Katajainen
Artista contemporaneo finlandese, le cui opere appartengono al genere dell '"arte naif". I dipinti contengono molto blu oltremare, che a sua volta è molto calmante... I soggetti dei dipinti sono calmi e pacifici.
Dipinti di Aimo Kataäinen
Prima di diventare artista, ha studiato finanza, ha lavorato in una clinica per la riabilitazione degli alcolisti, ma per tutto questo tempo ha dipinto per hobby finché i suoi quadri non hanno cominciato a essere venduti e a procurargli un buon reddito sufficiente per vivere.
7. Ivan Generalić / Ivan Generalić
Artista primitivista croato che si è fatto un nome con i dipinti della vita rurale. Divenne famoso per caso quando uno studente dell'Accademia di Zagabria notò i suoi dipinti e lo invitò a tenere una mostra.
Dipinto di Ivan Generalich
Dopo le sue mostre personali a Sofia, Parigi, Baden-Baden, San Paolo e Bruxelles, divenne uno dei più famosi rappresentanti croati del primitivismo.
8. Anna Moses / Anna Mary Robertson Mosé(alias Nonna Mosè)
Famoso artista americano che iniziò a dipingere all'età di 67 anni dopo la morte del marito, già affetto da artrite. Non aveva una formazione artistica, ma un suo dipinto fu notato per caso da un collezionista di New York nella finestra di casa sua.
Dipinto di Anna Moses
Ha suggerito di tenere una mostra delle sue opere. I dipinti di nonna Mosè divennero rapidamente così popolari che le sue mostre si tennero in molti paesi europei e poi in Giappone. All'età di 89 anni, la nonna ha ricevuto un premio dal presidente degli Stati Uniti Harry Truman. È interessante notare che l'artista ha vissuto per 101 anni!
9. Ekaterina Medvedeva
Il più famoso rappresentante dell'arte naif moderna in Russia, Ekaterina Medvedeva non ha ricevuto un'educazione artistica, ma ha iniziato a scrivere mentre lavorava part-time all'ufficio postale. Oggi è inclusa nella classifica dei 10.000 migliori artisti del mondo dal XVIII secolo.
Dipinto di Ekaterina Medvedeva
10. Kieron Williams / Kieron Williamson
Autodidatta prodigio inglese, che iniziò a dipingere in stile impressionista all'età di 5 anni, e a 8 anni mette all'asta per la prima volta i suoi quadri. All'età di 13 anni, ha venduto all'asta 33 dei suoi dipinti per 235mila dollari in mezz'ora, e oggi (ha già 18 anni) è un milionario in dollari.
Dipinti di Kieron Williams
Kieron dipinge 6 quadri a settimana e c'è sempre la fila per il suo lavoro. Semplicemente non ha tempo per l'istruzione.
11. Paul Ledent / Pol Ledent
L'artista belga è autodidatta e creativo. Ho iniziato ad interessarmi alle belle arti intorno ai 40 anni. A giudicare dalle immagini, sperimenta molto. Ho studiato pittura da autodidatta... e ho subito messo in pratica le mie conoscenze.
Sebbene Paul abbia preso alcune lezioni di pittura, ha imparato la maggior parte del suo hobby da solo. Ha partecipato a mostre, ha dipinto quadri su ordinazione.
Dipinti di Paul Ledent
Nella mia esperienza, le persone che pensano in modo creativo scrivono in modo interessante e libero, le cui teste non sono piene di conoscenza artistica accademica. E a proposito, non meno degli artisti professionisti ottengono un certo successo nella nicchia artistica. È solo che queste persone non hanno paura di guardare le cose ordinarie in un modo un po’ più ampio.
12.Jorge Maciel / JORGE MACIEL
Autodidatta brasiliano, artista autodidatta moderno e talentuoso. Produce fiori meravigliosi e nature morte colorate.
Dipinti di Jorge Maciel
Questo elenco di artisti autodidatti può essere continuato per molto tempo. Si può dire così Van Gogh, uno degli artisti più influenti al mondo, non ricevette un'istruzione formale, studiò sporadicamente con vari maestri e non imparò mai a dipingere la figura umana (che, tra l'altro, modellò il suo stile).
Puoi ricordare Philip Malyavin, Niko Pirosmani, Bill Traylor e tanti altri nomi: molti artisti famosi erano autodidatti, cioè studiavano da soli!
Tutti confermano che non è necessaria una formazione artistica speciale per riuscire a dipingere.
Sì, è più facile con lui, ma puoi diventare un bravo artista senza di lui. Dopotutto, nessuno ha cancellato l'autoeducazione... Proprio come senza talento, ne abbiamo già parlato... L'importante è avere un ardente desiderio di imparare da soli e scoprire tutte le sfaccettature luminose della pittura in pratica.
Se chiedi se oggi viviamo in un’era illuminata, la risposta sarà: no, ma viviamo in un’era illuminata.
Emanuele Kant
La popolarità di un artista è in gran parte la chiave del successo delle vendite degli oggetti del suo lavoro. Anche la popolarità, ovviamente, varia, ma parleremo di quella che garantisce un alto grado di domanda, della sua assoluta importanza nel business dell'arte e di alcuni metodi per ottenerla utilizzando le tecnologie Internet.
Tutto è su Internet!
Grazie agli smartphone costantemente connessi a Internet ottenere informazioni è diventato questione di secondi. La cosiddetta “navigazione” rapida sulle pagine Internet, senza un'analisi approfondita, ha completamente cambiato il principio della percezione lineare delle informazioni. Ricordi come leggiamo la letteratura nelle biblioteche - come previsto - da sinistra a destra, quando ci prepariamo per lezioni, seminari o come scriviamo saggi, ecc., Utilizzando molti libri e i loro contenuti? In gran numero, questo fenomeno sta diventando una cosa del passato. Non discuteremo se ciò sia positivo o negativo, ma ci concentreremo su come adattarsi adeguatamente alle nuove forme e fonti di informazione e, utilizzandole, diventare popolari.
Nella ricerca di qualsiasi informazione su Internet, la maggior parte degli utenti Internet è abituata a fidarsi di risorse autorevoli di vario tipo: dai siti di notizie ai siti per la prenotazione di hotel, ristoranti, ecc. E questo è vero! Più autorevole è la risorsa Internet, di regola, è popolare e molte persone la conoscono, maggiori sono le possibilità di ricevere informazioni più recenti e obiettive.
Ma queste risorse Internet inizialmente non avevano uno status elevato e autorevole; hanno anche conquistato diligentemente il loro posto al sole pubblicando contenuti (informazioni) di alta qualità, migliorando la qualità della funzionalità, vari trucchi pubblicitari e non pubblicitari, attirando sempre più persone attenzione su se stessi, conquistando la fiducia dei visitatori e aumentando così il traffico (presenze) del tuo sito.
E se hai davvero intenzione di diventare popolare e, di conseguenza, richiesto, allora devi fare scorta di autocontrollo, essere coerente e regolare nelle tue azioni, attento ai dettagli. E il successo ti è garantito! Naturalmente, anche l’elemento della fortuna o della benedizione di Dio è importante (a seconda di quale sia più conveniente), ma questo non è più rilevante per noi.
Promozione su Internet. Ne hai bisogno?
Non prestare attenzione alla parola “promozione”, è un po' pretenziosa e, a quanto pare, non corrisponde affatto alla grande arte, ma credi che sia in questa parola che molte persone e aziende nel mondo hanno investito miliardi di dollari dollari e, alla fine, sono apparsi davanti a noi nella forma ideale in cui tu ed io li conosciamo oggi. Le storie di queste persone e aziende si basano su centinaia di leggende inventate da operatori di marketing con stipendi molto elevati. E i prodotti di queste aziende, indipendentemente dal settore di produzione, ci sembrano i migliori della loro categoria e, senza accorgercene, siamo diventati follower, fidandoci ciecamente dell'impressione che abbiamo formato.
Rispondere alla domanda "Ne hai bisogno?" Dirò: sì, è necessario! Per diventare popolare e, di conseguenza, richiesto, hai bisogno di promozione su Internet, ma ti rassicurerò subito: non devi investire miliardi di dollari nella tua promozione. Inoltre, cercheremo di presentarti una certa road map, secondo la quale non dovrai spendere un centesimo, ma solo una certa parte del tuo tempo e dei tuoi sforzi.
Chi compra arte su Internet.
Al giorno d'oggi succede che se vogliamo scoprire qualcosa: su qualcosa o qualcuno, prima di tutto (nella maggior parte dei casi) apriamo un browser Internet e inseriamo i nomi nella barra di ricerca del motore di ricerca (di solito Google) oggetto, evento o nome di persona di cui vogliamo trovare informazioni. Successivamente, a seconda dei risultati della ricerca ottenuti, iniziamo a sfogliare le pagine Internet scoperte per trovare le informazioni più obiettive e dettagliate. Le nostre azioni continuano finché non siamo soddisfatti della completezza delle informazioni ricevute, o finché non siamo delusi a causa della presenza di informazioni di scarsa qualità o della loro completa assenza.
I potenziali acquirenti di oggetti d'arte su Internet seguono lo stesso principio. L'unica differenza è che cercano un autore specifico e la sua opera, oppure cercano il lavoro di un autore che soddisfi determinati criteri (genere, stile, dimensione, ecc.), un luogo o una piattaforma specifici, ad esempio una galleria online, dove puoi acquistare un'opera d'arte di qualità, in modo rapido e sicuro.
Secondo la nostra esperienza possiamo dividere grosso modo gli acquirenti d’arte in due categorie.
I primi (meno esigenti e più rari) chiamiamoli “intenditori”, coloro che acquistano sul posto l’opera di un autore. Tali acquirenti apprezzano chiaramente l’arte, altrimenti comprerebbero qualche tipo di gadget invece di un’opera originale, ma agiscono secondo il principio “se ti piace, lo compri”. Di norma, i rappresentanti di questo gruppo acquistano opere come regali o per l'interno della loro casa o ufficio. Non pensano profondamente al valore culturale e artistico del loro acquisto e quasi mai considerano l'acquisto dal punto di vista di un investimento nell'arte.
La seconda categoria (più ponderata e più frequente), chiamiamoli “investitori” - coloro che acquistano non solo il dipinto, ma anche la sua storia - la storia d'origine, la storia dell'autore. Questa categoria di acquirenti è più stravagante. Vogliono sapere cosa stanno acquistando ed avere fiducia nella qualità e nel valore dell'arte che acquistano. In altre parole, i rappresentanti di questa categoria di acquirenti considerano l'acquisto di un dipinto o di una scultura tenendo conto della componente di investimento. Anche se non intendono rivendere successivamente la tua opera, vogliono almeno essere sicuri di acquistare un'opera d'autore veramente originale che abbia valore artistico.
Quindi tracciamo una linea sotto quanto sopra.
1. Tutti, giovani e meno giovani, e anche gli acquirenti di quadri, utilizzano Internet e cercano un prodotto di qualità.
2. Una corretta promozione su Internet ti garantisce lo sviluppo della tua attività artistica e può essere raggiunta senza investire ingenti risorse finanziarie.
3. Secondo la nostra classificazione condizionale, dividiamo gli acquirenti di dipinti in due categorie: intenditori (agiscono secondo il principio "piaceto - acquistato") e investitori (considerano l'acquisto di oggetti d'arte come un investimento).
Tenendo conto di questi tre punti, continuiamo ad andare avanti, ma la cosa principale che devi capire è che la tua presenza su Internet è una componente essenziale della tua popolarità, forse la maggior parte di essa. Allo stesso tempo, devi anche imparare a distinguere tra la tua presenza online come persona puramente fisica e la tua presenza come artista.
Cosa si intende:
Tu, come individuo, sei la tua pagina sui social network, dove racconti dove sei stato, con chi hai bevuto il tè, cosa hai visto e forse anche quale immagine hai dipinto l'altro ieri, ecc.
Tu come artista è un concetto molto più ampio. Si tratta di pubblicazioni mirate, articoli tematici su di te come artista, dove puoi ottenere informazioni sulla tua attività creativa: opere d'arte e percorso creativo.
Naturalmente, in buone circostanze, l'uno è inseparabile dall'altro, ma se il tuo obiettivo è raggiungere la fama come autore di opere d'arte, allora dovrai spostare la tua attenzione sulla diffusione di informazioni su di te come artista su Internet. E tieni anche presente che gli acquirenti spesso vogliono sapere il più possibile sull'autore, ma sicuramente non vogliono approfondire i tuoi problemi quotidiani, questo potrebbe persino rovinare la loro impressione di te. Pertanto, monitora attentamente i contenuti e le informazioni che pubblichi. Inoltre, e molto spesso, quando acquistano opere d'arte, gli acquirenti credono che dietro la sua creazione ci sia una persona speciale, direi anche più di una persona: il creatore! Ricordalo nei momenti in cui ti crei la reputazione di un vero artista, anche moderno.
Nei seguenti articoli vedremo passo dopo passo come creare i giusti contenuti su di te, dove e come pubblicare articoli e in generale come effettuare la “corretta” promozione di te stesso su Internet.
Come diventare un artista famoso? Onestamente, assolutamente no. Anche se spendi tutte le tue energie, studi in tutte le università d'arte, accendi tutte le candele nelle chiese ed esprimi tutti i desideri possibili, non avrai comunque successo, non importa quanto possa sembrare triste. Il mondo dell'arte è crudele e devi essere in grado di sopravvivere al suo interno. Il primo consiglio che puoi sentire da qualsiasi artista, che sia un gallerista, un curatore o anche un artista famoso, è di non diventare un artista se puoi fare qualcos’altro. Il 99% delle persone non riesce a realizzare nulla e finisce per morire in povertà o abbandonare la propria pratica artistica. Ti ho rassicurato? È più facile vincere un milione di dollari alla lotteria che avere successo nel mondo dell'arte. Ma oltre al 99%, c’è un altro 1% che riesce, perché possiede quella conoscenza segreta che usa. Tutte queste, ovviamente, sono verità ovvie: duro lavoro, lavoro infinito sul capitale sociale, notti insonni, milioni di sorrisi forzati e miliardi di capelli strappati: questo è ciò di cui hai bisogno per avere successo nel mondo dell'arte.
Henry Moore
Giocare su un campo pubblico
Dicono che in guerra tutti i mezzi sono buoni. Così è nel mondo dell'arte. La prima cosa che devi decidere è se sei pronto per entrare nel campo pubblico. In caso contrario, siediti a casa, disegna le tue foto, scolpisci figure fantasiose e non mostrarle a nessuno, lascia che questo sia il tuo impulso creativo durante la pausa tra il “registratore di cassa gratuito” da McDonald's o il prossimo rapporto trimestrale in ufficio, niente di più.
Se vuoi la fama, la fama, mostrare il tuo lavoro al mondo, portare tutto ciò che è buono/cattivo/diverso alle masse, allora il “capitale sociale” ti aiuterà. È vero, devi prima guadagnartelo: vai a incontrare artisti, curatori, qualsiasi persona del mondo dell'arte, sii interessante per loro e interessati a loro. Non per un promemoria al telefono, ma sinceramente. La tua comunicazione si tradurrà direttamente nel tuo successo, qui tutto funziona come in qualsiasi altra attività: siamo riusciti a mostrare il tuo lavoro alla persona giusta - e fortunati, sfortunati - andiamo avanti.
Studio di Sisifo
Devi andare a studiare, senza questo è impossibile. A proposito, dopo aver studiato potresti rimanere deluso da quello che stai facendo, molto probabilmente cadrai anche in depressione, dal momento che la carriera del tuo compagno di classe si svilupperà meglio, e ora ha già mostre nei musei, ma non sei nemmeno stato incluso nel mostra finale di laurea, nessuno si accorge di te e continua in tondo. Forse i commenti degli insegnanti uccideranno del tutto il desiderio di dedicarsi all’arte (lo spero davvero).
D'altronde è lo studio che non può che aumentare proprio quel capitale sociale di cui tutti parlano costantemente: oltre a conoscere l'ambiente, studiare in una scuola d'arte ti aiuterà a formulare più chiaramente il tuo “statement” artistico ( ovvero la dichiarazione dell'artista, in realtà una breve descrizione dell'attività artistica e dell'interesse stesso per la pratica artistica), e le critiche che arriveranno dagli insegnanti non faranno male. Forse, dopo IPSI, “Rodchenko School”, “Britishka”, “Base” e qualcos'altro (è davvero “Goldsmiths”?), avendo completato la fase studentesca, diventerai già un artista affermato. Probabilità che ciò accada: 0,0000.....1%.
James Fiton
Residenza personale
Supponiamo che anni di studio, depressione e altre sofferenze non abbiano scoraggiato il desiderio di impegnarsi nella pratica artistica, quindi appare il seguente consiglio, ma generalmente abbastanza standard: cercare varie residenze artistiche, preferibilmente non in Russia. Ce ne sono molti, devi solo trovarli.
Le residenze esistono per vari scopi: in alcune l'artista cerca semplicemente tranquillamente l'ispirazione per una nuova serie di lavori, altre sono destinate alla realizzazione di un progetto prestabilito nell'ambito di un tema specifico stabilito dai curatori, altre ancora servono come un passo serio verso l'istituzionalizzazione e l'aumento della fama internazionale dell'artista - e si concluderà con una mostra a tutti gli effetti. Ci sono residenze che durano una settimana e ci sono quelle che durano un paio d'anni. Ce ne sono in tutto il mondo: in Cina, Mongolia, Brasile, in centinaia di posti in tutta Europa e in America. Alcuni di essi richiedono un investimento sia per la domanda stessa (20-45 dollari) sia per la partecipazione alla residenza (fino a 6.000 dollari), oltre alla copertura delle spese di alloggio o di un biglietto aereo, ma, fortunatamente, alcuni sono assolutamente gratuiti.
A proposito, non pensare che sarai accettato facilmente; aspettati centinaia di rifiuti, soprattutto quelli che offrono borse di studio per la formazione. Nel corso di un anno presso la galleria, abbiamo presentato più di cento domande di residenza per un artista nella mia galleria e abbiamo ricevuto solo cinque risposte positive, e alla fine è andato a studiare per un anno presso il prestigioso Jan van Eyck Residenza accademica nei Paesi Bassi, che copre non solo le spese di viaggio e soggiorno, ma anche i materiali artistici.
Questa residenza darà qualcosa all’artista? Il tempo lo dirà, forse non incontrerà nessuno e tutto sarà vano, o forse il suo anno lì si concluderà con una serie di mostre museali importanti per la sua carriera. A proposito, dopo la residenza potresti sperimentare di nuovo la depressione: lo schema è vecchio: tutti intorno a te avranno più successo e saranno più attivi, e persino i curatori ti aggireranno.
Chi sei senza la tua mostra?
Senza mostre non sei un artista. Come ottenere una mostra in galleria? Seduto a casa e meditando su Instagram, assolutamente no. Funzionando come una macchina spam, assolutamente no. Infastidendo il curatore e i galleristi, dieci volte niente. Tutto dovrebbe semplicemente corrispondere. O il capitale sociale accumulato finalmente “sparerà”, oppure all'improvviso non dimenticherai di inviare una domanda in tempo per un bando aperto e verrà notato tra centinaia. O semplicemente come qualcuno del mondo dell'arte come persona, e lui stesso ti chiederà di mostrarti il tuo portfolio. Qui è importante creare almeno la tua pagina Instagram, che, ovviamente, è sempre a portata di mano, dove pubblicherai il tuo lavoro, creerai un sito web (con le moderne tecnologie e costruttori di siti web questo è molto semplice) e, infine, creerai un portafoglio che non peserà 25 megabyte, ma un massimo di 2 - e semplicemente non archiviarlo, risparmia il tuo tempo e quello degli altri: nessuno aprirà archivi e scaricherà file di grandi dimensioni.
E riguardo alle mostre: se non ti portano da nessuna parte, fai squadra con altri artisti, organizza mostre in casa, fai promozioni, attira l’attenzione in ogni modo possibile. Nell’era del pensiero clip e del sovraccarico di informazioni, devi semplicemente essere attivo. E a proposito, non accettare tutto, se ti è già stato offerto di partecipare a una mostra, guarda chi sarà accanto a te, che tipo di artisti, quale galleria o istituzione sta organizzando l'evento, non tutto può funzionare tuo favore, niente è meglio che essere in cattiva compagnia.
Il mio ultimo consiglio. Devi capire se sei pronto a rischiare tutto e cercare di entrare in quell'1% di artisti di successo oppure spendere tutte le tue energie su qualcosa di sconosciuto e rimanere deluso? Sei pronto a ucciderti giorno e notte, incontrare persone che potrebbero non essere molto piacevoli per te, costarti la carriera, realizzare mostre, imparare lingue, fare domanda per residenze, svolgere lavori di routine, senza dimenticare di realizzare i tuoi progetti creativi (e questi i progetti non dovrebbero essere in alcun modo collegati alle condizioni di mercato e al desiderio di fare soldi)? Se la risposta è sì, allora benvenuto nel meraviglioso mondo dell'arte, anche se qui non sei affatto il benvenuto. Ma chi non ha aperto una porta con il piede almeno una volta nella vita?
Il piano standard consiste in desiderio, acquisizione di contesto e azione. L'artista moderno è un ibrido, combina equamente le qualità di un antropologo e di uno scalatore, quindi ha la formazione adeguata.
La conversazione dovrà iniziare dalla fine per indicare meglio la distanza. Cioè, dalle azioni.
1. Azioni
L'arte contemporanea è una comunità e un insieme di attività: creazione di opere, mostre, conferenze, saggi critici, teoria, vendite, borse di studio, eccetera. Non resta sospeso nel vuoto, come l'oggetto ideale socratico, ma si presenta nel momento in cui viene affrontato. Queste attività sono accomunate dal fatto che si svolgono, ancora una volta, nel contesto dell'arte contemporanea - e se le basi della logica formale suggeriscono qui una tautologia, allora è giusto. L’arte è un concetto autodefinitivo.
In altre parole, diventi un artista contemporaneo esibendoti nel contesto dell'arte contemporanea. Ecco perché quando Michael Heitzer costruisce monumenti in cemento armato nel mezzo del deserto del Nevada, ha qualcosa a che fare con l'arte contemporanea, anche se nessuno lo vede - ma vendere tazze di ceramica su Etsy continua a non farlo, anche se vanno bene.
Le porte del contesto sono aperte a chiunque bussi - e lo spettatore medio spesso lo percepisce come un permesso alla permissività, alla coprofagia e al cannibalismo. Questo non è del tutto vero.
La contestualità, come criterio, è tanto un filtro democratico quanto un mezzo di autodifesa contro gli impostori.
I fotografi di matrimonio e i fotografi di paesaggi di motel spesso si lamentano del fatto che il loro lavoro non viene acquistato da musei o gallerie d'arte non interessate. Sarebbe facile supporre che le grandi istituzioni non siano interessate a queste cose perché tutti i posti sono stati venduti da tempo a cannibali e coprofagi - ma è difficile spiegare perché le piccole gallerie, i cui curatori chiaramente organizzano mostre esclusivamente per amore, non lo siano interessato neanche a loro.
Il motivo è nel contesto. L'incoerenza nel discorso emergerà sempre sia dall'artista che dalla sua opera, ed è determinata non da un insieme di conoscenze, ma da un metodo di studio errato. È impossibile sapere tutto e nessuno lo pretende. Ma il metodo è qualcosa che non può essere sbagliato.
In altre parole, il problema del paesaggista del motel non è che non sia andato all'ultima mostra di Kiefer e quindi sia un cretino e un plebeo. Il problema è che il suo lavoro dimostra un’ignoranza sistemica degli strati culturali di intere epoche e continenti. Vedi, vuole dire a questo proposito il curatore della galleria, alla storia dell'arte non importa niente se ti piace o non ti piace l'arte del XX secolo. Anche a me forse non piacerà il Settecento, con le sue torte, gli argenti coloniali e gli amorini di porcellana. Ma devo fare i conti con loro, e tu devi fare i conti con quello che è successo nel ventesimo secolo.
Potrebbero non piacerti l'astrazione, la performance, la teoria queer e la pop art. Ma una loro comprensione distorta non è un’opinione. Questo è un errore di metodo. L'arte contemporanea non solo non ammette errori di metodo, ma ti separa dal contesto, e il contesto ti separa dalle azioni.
Questa è una prova. Non davanti a qualcuno responsabile di tutte le arti. Di fronte a. E sì, apre la strada alla congiuntura, ma questo problema va oltre lo scopo della nostra domanda.
2. Trovare il contesto
Ora che abbiamo delineato la dipendenza delle azioni dall'integrazione nel discorso, possiamo passare alla parte pratica, cioè da dove proviene questa integrazione.
Fondamentalmente, puoi semplicemente dire “scuola di specializzazione” e andare avanti.
L’importanza della scuola di specializzazione non può essere sopravvalutata. Una laurea significa poco, poiché l'intelligibilità di una persona rimane praticamente zero fino all'età di 25 anni, e solo dal livello di ambizione in alcuni casi si può determinare se una persona continuerà a dedicarsi all'arte dopo aver conseguito il diploma. La maggior parte non continua. Alcuni si dedicano al commercio, poiché la loro anima era il commercio fin dall'inizio. Alcuni entrano nel commercio perché le viscere sono piccole.
Questo perché la scuola di specializzazione, idealmente, si impegna a correggere tutti i difetti di una persona proprio a livello di metodo. Mettergli in testa il suo rabbioso eurocentrismo e il sogno di una vita artistica parigina, riportare indietro i suoi tentativi di realizzare negli anni Sessanta dell'Ottocento, e sotto gli anni Novanta dell'Ottocento, e sotto il formalismo zombie, e sotto i concettualisti, e sotto il ready-made, e sulle minoranze, sull’ambiente e su tutto il resto. L'ultima cosa di cui una buona scuola ha bisogno sono i disegnatori domenicali, che tra un paio d'anni apriranno un bar e insegneranno il ricamo etnico su YouTube.
Inoltre, la scuola di specializzazione dimostra anche che sederti nel seminterrato e disegnare non funzionerà per te. Il tuo coinvolgimento nel processo consiste in molti fattori, non ultimo il lavoro teorico: scrivere saggi, critiche, dichiarazioni dell'autore. L'arte è sempre stata un lavoro non solo con la forma, ma anche con il significato, e ora questo significa lavorare con il testo. Ignorare questa parte del lavoro come se non ti riguardasse è tanto un errore metodologico quanto una coerente cecità culturale.
Ecco perché è necessario scegliere bene la propria scuola di specializzazione. Questo non è il fattore determinante e non devi necessariamente “entrare” nella migliore università e in quella più adatta a te. Ma bisogna evitare di cadere in una brutta situazione.
La buona definizione di Dave Hickey di una buona scuola di specializzazione era che l'università dovrebbe essere situata in una grande città portuale. Ciò implica una storia di lungo accumulo di bagaglio culturale e un flusso di persone provenienti da diverse professioni. E se per quanto riguarda l’accumulazione culturale tutto è chiaro, anche la multidisciplinarietà dovrà essere discussa a parte.
Cresce la multidisciplinarietà. L'arte contemporanea è penetrata in tutte le sfere della vita in generale, quindi con quasi il cento per cento di probabilità in futuro dovrai lavorare non solo con altri artisti, ma con musicisti, architetti, migranti, industriali, scienziati, finanzieri, programmatori, politici , animali. Più le scuole di specializzazione offrono tali opportunità, meglio è.
E sì, tutto ciò implica che la scuola di specializzazione si svolge meglio negli Stati Uniti o in Europa. Triste ma vero. Dove hai studiato prima, come ho già detto, non è così importante, l'importante è che il portfolio introduttivo sia all'altezza degli standard.
E no, questo non è un criterio assoluto. Puoi essere un artista senza finire la scuola di specializzazione e dimostrare il tuo impegno nel discorso in altri modi. Ma questo è il metodo standard e, sebbene abbia i suoi problemi particolari, non è un metodo negativo.
Quindi, riassumiamo.
Essere un artista significa lavorare nel campo dell’arte. I criteri di superamento sono contestuali. Il contesto è sviluppato attraverso l’educazione formale o informale. Resta solo una cosa da capire, ovvero come evitare di morire nel processo.
Il tuo desiderio dovrebbe essere sufficiente per dedicare tutta la tua vita a questo. Immagina solo che se hai, diciamo, 15 anni e pensi di voler diventare un artista, probabilmente inizierai a esserlo solo intorno ai 30 anni. Fino ad allora, starai semplicemente, beh... facendo qualcosa. Colore. Scolpire. Potresti anche vendere qualcosa. Questo semplicemente non è sufficiente.
Perché, in definitiva, voler essere un artista significa voler far parte di un grande dialogo. Ricerca l’argomento, segui il percorso e non lasciare spazi vuoti su di esso. Non guardare due metri quadrati di spazio familiari fin dall’infanzia e affermare che tutto il resto non esiste. La precisione della forma richiede una dedizione completa, e il percorso verso la dedizione completa è lungo.