Questo materiale racconta fatti interessanti sugli artisti. La sequenza è naturalmente casuale e l'interesse dei fatti è soggettivo. Se sei interessato al mondo dell'arte e della creatività, questo materiale è assolutamente da leggere.
L'orecchio di Van Gogh
"Autoritratto con orecchio mozzato e pipa". 1888
Tutti sanno che Van Gogh si è tagliato l'orecchio, ma lo immaginano come se gli tagliasse tutto l'orecchio. Anche se in realtà si è tagliato solo la punta del lobo dell'orecchio. Poi lo portò in un bordello, all'amata donna di Gauguin, e le ordinò di conservarlo come il tesoro più prezioso. Puoi leggere di più sull'orecchio di Van Gogh nel materiale che ho pubblicato in precedenza. A proposito, il fatto seguente riguarda l'amico di Van Gogh, vale a dire Paul Gauguin.
Che tipo di donne piaceva a Paul Gauguin?
La madre di Gauguin era originaria del Perù, poiché ha trascorso tutta la sua infanzia nella patria di sua madre, ha sviluppato un amore per la bellezza femminile esotica e insolita, non europea. Era un famoso donnaiolo ed era famoso per amare le donne grasse e ruvide. Era sempre alla ricerca dei rappresentanti più insoliti e non standard del gentil sesso. Ma ben presto si trasferì nelle Marchesi, e morì di sifilide, accanto alla giovane moglie tahitiana.
Il giardino di Claude Monet
Claude Monet era un grande amante dei fiori e della flora in generale. Gli piaceva dipingere la natura in diversi momenti della giornata e della stagione. Il suo passatempo preferito è guardare come cambiano i colori dei fiori 🙂 Era un artista molto famoso e influente, questo gli ha permesso di vivere con dignità. È riuscito a realizzare il suo sogno d'infanzia, ha creato un giardino ideale che fiorisce tutto l'anno, questo è fatto apposta perché ci sia sempre qualcosa da disegnare. Esiste ancora e fiorisce magnificamente, ecco un video da lì:
Un rapido ritratto di Picasso
Lo scrittore Ehrenburg era un buon amico di Picasso e un giorno l'artista decise di dipingere un ritratto del suo buon amico. Ehrenburg era molto felice e iniziò a sedersi nervosamente, lisciarsi i capelli e prepararsi in ogni modo possibile per un processo lungo e responsabile. L'artista ha impiegato meno di 5 minuti e ha detto: "è così, guarda". Ehrenburg fu molto sorpreso e chiese perché così in fretta? Il maestro gli rispose: "Ti conosco da 40 anni, ho imparato anche a disegnare ritratti da 40 anni, motivo per cui non ho bisogno di più tempo".
Mattina in una pineta e orsi
Non tutti conoscono questo popolare "inganno", ma questa è una situazione comune tra gli artisti, soprattutto quando sono in associazioni creative. Shishkin non è mai riuscito a finire la sua foto, vale a dire, non è riuscito con gli orsi. Poi è venuto in soccorso il suo amico Konstantin Savitsky, per il quale questo compito non è stato difficile. Nel corso del tempo, per riempire il prezzo di Shishkin e "promuoverlo" come artista, Savitsky è stato rimosso dalla co-paternità.
Il logo del lecca-lecca è stato disegnato da Salvador Dalì
È stato il grande maestro del surrealismo a inventare la forma del fiore, l'ha abbozzato in una sera. Il logo in questa forma è durato per diversi decenni. Per questo è stato pagato una bella somma. Fu dopo questo incidente che fu soprannominato "Avida Dollars" (Innamorato dei dollari).
L'enigma del quadrato nero
Lo stesso Malevich ha affermato che il quadrato nero è un simbolo della rottura definitiva tra arte e accademismo. L'immagine stessa, in termini di bellezza o estetica, ovviamente, ha poco valore. Ma in termini di significato, questa immagine è molto importante e ha un grande valore. È stato scritto esattamente a suo tempo ed è diventato un vero e proprio simbolo per gli artisti contemporanei di quel tempo, ha dato loro il via libera, ha permesso loro di fare ciò che volevano.
Prima natura morta di Michelangelo da Caravaggio
Ciò significa che non si tratta solo della prima vera natura morta di questo grande artista, ma anche del fatto che si tratta di una delle prime nature morte della storia della pittura. Nei suoi dipinti prestava molta attenzione ai frutti e all'età di 23 anni (fu a quell'età che fu dipinto questo quadro), si fece coraggio e sfidò tutte le fondamenta, dipingendo solo frutta in un cesto. Prima di lui, nessuno lo aveva fatto. Ecco alcuni fatti interessanti sugli artisti.
Dali ha lavorato con Hitchcock
Hitchcock ha chiesto all'artista di aiutare a mettere in scena la scena del sogno del protagonista. Dalì era famoso per i suoi dipinti surrealisti, che in realtà erano sogni su tela. Dalì ha offerto a Hitchcock una scena lunga e contorta, con riferimenti elaborati, ma il regista ha tenuto solo pochi minuti. In realtà, puoi guardare tu stesso questa scena:
In effetti, Dali ha messo in scena una scena da sogno in un altro film di Hollywood chiamato "Padre della sposa".
Van Gogh ha mangiato vernice gialla
"Campo di grano con corvi"
Certo, non mangiava pittura ad olio, ma a volte, quando la tristezza e la malinconia si trovavano sull'artista, mangiava la vernice del suo colore preferito: il giallo. Questo colore può essere visto più spesso e soprattutto nei dipinti di Van Gogh. Vale la pena notare che il giallo è il colore preferito per le persone con schizofrenia.
Il 3 dicembre 1961 si svolse un evento storico al Museum of Modern Art di New York: il dipinto di Matisse "The Boat", che rimase appeso a testa in giù per 46 giorni, fu appeso correttamente. Vale la pena dire che questo non è un singolo caso divertente associato ai dipinti di grandi artisti.
Pablo Picasso ha dipinto uno dei suoi famosi ritratti in meno di 5 minuti
Una volta, uno dei conoscenti di Pablo Picasso, guardando i suoi nuovi lavori, disse sinceramente all'artista: “Mi dispiace, ma non riesco a capirlo. Queste cose semplicemente non esistono". Al che Picasso ribatté: “Nemmeno tu capisci il cinese. Ma esiste ancora". Tuttavia, Picasso non è stato compreso da molti. Una volta ha invitato lo scrittore russo Ehrenburg, suo buon amico, a dipingere il suo ritratto. Ha accettato felicemente, ma non ha avuto il tempo di sedersi su una poltrona per posare, poiché l'artista ha annunciato che tutto era pronto.
Ehrenburg ha espresso sorpresa per la velocità di esecuzione dell'opera, dopotutto erano passati meno di 5 minuti, a cui Picasso ha risposto: “Ti conosco da 40 anni. E in tutti questi 40 anni ho imparato a dipingere ritratti in 5 minuti.
Ilya Repin ha aiutato a vendere un dipinto che non ha dipinto
Una signora ha acquistato sul mercato per soli 10 rubli un dipinto del tutto mediocre, sul quale ostentava con orgoglio la firma "I. Repin". Quando un intenditore di pittura ha mostrato quest'opera a Ilya Efimovich, ha riso e ha aggiunto "Questo non è Repin" e ha messo il suo autografo. Dopo qualche tempo, una signora intraprendente vendette per 100 rubli un dipinto di un artista sconosciuto firmato da un grande maestro.
Gli orsi nel famoso dipinto di Shishkin sono stati dipinti da un altro artista
Tra gli artisti esiste una legge non detta: l'assistenza reciproca professionale. Dopotutto, ognuno di loro non ha solo storie e punti di forza preferiti, ma anche punti deboli, quindi perché non aiutarsi a vicenda. Quindi, è noto per certo che per il dipinto "Pushkin in riva al mare" di Aivazovsky, la figura del grande poeta è stata dipinta da Repin, e per il dipinto di Levitan "Autumn Day". Sokolniki, una signora in nero è stata dipinta da Nikolai Cechov. Il pittore paesaggista Shishkin, che poteva disegnare ogni filo d'erba e aghi nei suoi dipinti, non è riuscito a creare orsi durante la creazione del dipinto "Morning in a Pine Forest". Pertanto, Savitsky ha dipinto gli orsi per la famosa tela di Shishkin.
Un pezzo di fibra di legno, su cui veniva semplicemente versata la vernice, divenne uno dei dipinti più costosi
Il dipinto più costoso del mondo nel 2006 è stato il numero 5 di Jackson Polock, 1948. In una delle aste, il dipinto è andato a 140 milioni di dollari. Può sembrare divertente, ma l'artista non si è "preoccupato" particolarmente della creazione di questa immagine: ha semplicemente versato la vernice su un pezzo di fibra di legno steso sul pavimento.
La data di creazione del suo dipinto Rubens è crittografata dalle stelle
Critici d'arte e scienziati per lungo tempo non sono stati in grado di stabilire la data di creazione di uno dei dipinti più famosi di Rubens: il dipinto "La festa degli dei sull'Olimpo". L'enigma è stato risolto solo dopo che gli astronomi hanno dato un'occhiata più da vicino all'immagine. Si è scoperto che i personaggi nella foto si trovavano esattamente nello stesso ordine in cui si trovavano i pianeti nel cielo nel 1602.
Il logo Chupa-Chups è stato disegnato dal surrealista di fama mondiale
Nel 1961, Enrique Bernata, il proprietario dell'azienda Chupa Chups, chiese all'artista Salvador Dalì di creare un'immagine per un involucro di caramelle. Ha dato la richiesta soddisfatta. Oggi questa immagine, seppur in forma leggermente modificata, è riconoscibile sui lecca-lecca dell'azienda.
Vale la pena notare che nel 1967 in Italia, con la benedizione del Papa, uscì con le illustrazioni di Salvador Dalì.
Il dipinto più costoso La farina porta sfortuna
Il dipinto di Munch "The Scream" è stato venduto all'asta per 120 milioni di dollari ed è oggi il dipinto più costoso di questo artista. Dicono che Munch, il cui percorso di vita è una serie di tragedie, ci ha messo così tanto dolore che l'immagine ha assorbito energia negativa e si vendica dei colpevoli.
Uno dei dipendenti del Museo Munch in qualche modo ha accidentalmente lasciato cadere il dipinto, dopo di che ha iniziato a soffrire di terribili mal di testa che hanno portato quest'uomo al suicidio. Un altro dipendente del museo, che non è stato in grado di tenere in mano il dipinto, ha avuto un terribile incidente d'auto solo pochi giorni dopo. E un visitatore del museo, che si è permesso di toccare il dipinto, dopo qualche tempo è bruciato vivo in un incendio. Tuttavia, è possibile che queste siano solo coincidenze.
Il "Quadrato Nero" di Malevich ha un "fratello maggiore"
Il "Quadrato nero", forse il dipinto più famoso di Kazimir Malevich, è una tela di 79,5 * 79,5 centimetri, su cui è raffigurato un quadrato nero su sfondo bianco. Malevich dipinse il suo quadro nel 1915. E nel 1893, 20 anni prima di Malevich, Alphonse Allais, un umorista francese, disegnò il suo "quadrato nero". È vero, il dipinto di Alle si chiamava "La battaglia dei negri in una profonda caverna in una notte buia".
Cristo e Giuda hanno lo stesso volto nel dipinto di Da Vinci
Si dice che la creazione del dipinto "L'ultima cena" abbia richiesto uno sforzo titanico da parte di Leonardo da Vinci. L'artista ha trovato rapidamente la persona da cui è stata dipinta l'immagine di Cristo. Uno dei cantanti del coro della chiesa si è avvicinato a questo ruolo. Ma "Giuda" da Vinci stava cercando tre anni.
Una volta per strada, l'artista ha visto un ubriacone che ha tentato senza successo di uscire dal pozzo nero. Da Vinci lo portò in uno degli stabilimenti per bere, lo fece sedere e iniziò a disegnare. Qual è stata la sorpresa dell'artista quando, dopo essersi aperto, l'ubriacone ha ammesso che diversi anni fa aveva già posato per lui. Si è scoperto che questo è lo stesso cantante.
Anche quei capolavori della pittura che ci sembrano familiari hanno i loro segreti.
Di recente, nella storia dell'arte è stata fatta una scoperta strana e insolita: uno studente americano ha decifrato una notazione musicale raffigurata sulle natiche di un peccatore da un dipinto di Bosch. La melodia risultante è diventata una delle sensazioni di Internet degli ultimi tempi.
Crediamo che in quasi ogni opera d'arte significativa ci sia un mistero, un "doppio fondo" o una storia segreta che vuoi scoprire. Oggi ne condivideremo alcuni.
Musica sui glutei
Hieronymus Bosch, Il giardino delle delizie, 1500-1510.
Frammento del lato destro del trittico.
Le controversie sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa dell'artista olandese non si sono placate dalla sua apparizione. Nell'ala destra del trittico detto "Inferno musicale" sono raffigurati peccatori che vengono torturati negli inferi con l'ausilio di strumenti musicali. Uno di loro ha delle note impresse sulle natiche. La studentessa dell'Oklahoma Christian University Amelia Hamrick, che ha studiato il dipinto, ha adattato la notazione del XVI secolo a una svolta moderna e ha registrato "una canzone infernale di 500 anni fa".
Gioconda nuda
La famosa "Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", è stata dipinta dal poco noto artista Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono sicuri che sia stato lui a fare da modello per i dipinti di Leonardo "Giovanni Battista" e "Bacco". Ci sono anche versioni che vestivano con un abito da donna, Salai fungeva da immagine della stessa Gioconda.
Vecchio Pescatore
Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostka Chontvari dipinse il dipinto "Old Fisherman". Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nella foto, ma Tivadar vi ha posto un sottotesto, che non è mai stato rivelato durante la vita dell'artista.
Poche persone hanno pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona possono esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del vecchio è duplicata).
Gemelli nell'Ultima Cena
Leonardo da Vinci, L'Ultima Cena, 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, attribuì particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando delle modelle per loro da molto tempo. Finalmente riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantori. Leonardo non è riuscito a trovare una modella per Giuda per tre anni. Ma un giorno si imbatté in un ubriacone che giaceva nel canale di scolo per strada. Era un giovane che era stato invecchiato dal bere pesante. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a scrivere da lui Giuda. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Qualche anno fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo scrisse Cristo da lui.
Storia innocente "Gotico"
Grant Wood, Gotico americano, 1930.
L'opera di Grant Wood è considerata una delle più strane e deprimenti nella storia della pittura americana. L'immagine con un padre e una figlia cupi trabocca di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e il retrogrado delle persone raffigurate. L'artista, infatti, non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una casetta in stile gotico e decise di raffigurare quelle persone che, a suo avviso, sarebbero state ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista sono immortalati sotto forma di personaggi da cui la gente dell'Iowa era così offesa.
"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?
Rembrandt, La ronda di notte, 1642.
Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg", è rimasto in diverse sale per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano risaltare su uno sfondo scuro, fu chiamato Night Watch, e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale. E solo durante il restauro, effettuato nel 1947, si è scoperto che nella sala il quadro era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne deformava il colore. Dopo aver cancellato il dipinto originale, è stato finalmente rivelato che la scena presentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra dalla mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.
barca capovolta
Henri Matisse, La barca, 1937.
Nel Museum of Modern Art di New York nel 1961 fu esposto il dipinto "The Boat" di Henri Matisse. Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il quadro era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo, la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua. Per non sbagliare su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe trovarsi nella parte superiore del dipinto e la punta della vela del dipinto dovrebbe essere diretta nell'angolo in alto a destra.
L'inganno in un autoritratto
Vincent van Gogh, Autoritratto con la pipa, 1889.
Ci sono leggende secondo cui Van Gogh avrebbe tagliato il proprio orecchio. Ora la versione più attendibile è che l'orecchio di Van Gogh sia stato danneggiato in una piccola colluttazione con la partecipazione di un altro artista, Paul Gauguin. L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato, perché durante il lavoro utilizzava uno specchio. In effetti, l'orecchio sinistro era danneggiato.
Due "Colazioni sull'erba"
Édouard Manet, Pranzo sull'erba, 1863.
Claude Monet, Colazione sull'erba, 1865.
Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte sono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Manet, "Colazione sull'erba", Monet prese in prestito e scrisse la sua "Colazione sull'erba".
orsi alieni
Ivan Shishkin, "Mattina nella pineta", 1889.
Il famoso dipinto appartiene non solo alla penna di Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano all '"aiuto di un amico", e Ivan Ivanovich, che aveva dipinto paesaggi per tutta la vita, temeva che toccare gli orsi non sarebbe andato come aveva bisogno. Pertanto, Shishkin si è rivolto a un noto pittore di animali Konstantin Savitsky.
Savitsky ha dipinto forse i migliori orsi nella storia della pittura russa, e Tretyakov ha ordinato di cancellare il suo nome dalla tela, poiché tutto nel quadro “a partire dall'idea e finendo con l'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, di il metodo creativo peculiare di Shishkin.
L'idea di raffigurare un orologio che scorre è venuta a Salvador Dalì a cena, quando ha notato come il Camembert si scioglieva al sole.
Fu solo più tardi che a Dali fu chiesto se la teoria della relatività di Einstein fosse crittografata sulla tela, e lui rispose con uno sguardo intelligente: “Piuttosto, la teoria di Eraclito secondo cui il tempo è misurato dal flusso del pensiero. Ecco perché ho chiamato il dipinto "La persistenza della memoria". E all'inizio c'era il formaggio, il formaggio fuso."L'ultima Cena"
Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, prestò particolare attenzione a due figure: Cristo e Giuda. Leonardo ha trovato un modello per il volto di Gesù in tempi relativamente brevi: un giovane che cantava nel coro della chiesa gli si è avvicinato. Ma una persona capace di esprimere il vizio di Giuda, Leonardo cercava da tre anni. Un giorno, camminando per strada, il maestro vide un ubriacone nel canale di scolo. Da Vinci portò l'ubriacone in una taverna, dove iniziò subito a scrivere da lui Giuda.
Quando l'ubriacone si è calmato, si è ricordato che diversi anni fa aveva già posato per l'artista. Era lo stesso cantante. Nel grande affresco di Leonardo, Gesù e Giuda hanno il volto della stessa persona.
Ivan il Terribile e suo figlio Ivan
Nel 1913, un artista malato di mente tagliò con un coltello il dipinto di Repin "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan". Solo grazie al magistrale lavoro dei restauratori la tela è stata restaurata. Lo stesso Ilya Repin è venuto a Mosca e ha ridisegnato la testa di Grozny in uno strano colore viola: nel corso di due decenni, le idee dell'artista sulla pittura sono cambiate molto. I restauratori hanno rimosso queste modifiche e hanno restituito al dipinto l'esatta corrispondenza delle fotografie del museo. Repin, quando in seguito vide la tela restaurata, non si accorse delle correzioni.
"Sogno"
Nel 2006, il collezionista d'arte americano Steve Wynn ha accettato di vendere The Dream di Pablo Picasso per 139 milioni di dollari, uno dei prezzi più alti della storia. Ma quando parlava dell'immagine, agitava le braccia in modo troppo espressivo e strappava l'arte con il gomito. Wynn lo considerava un segno dall'alto e decise di non vendere la tela dopo il restauro, che, tra l'altro, costava un bel soldo.
"Barca"
Un incidente meno devastante ma non meno curioso si è verificato con un dipinto di Henri Matisse. Nel 1961, il Museum of Modern Art di New York presentò al pubblico il dipinto del maestro "The Boat". La mostra è stata un successo. Ma solo sette settimane dopo, un occasionale intenditore d'arte notò che il capolavoro era appeso a testa in giù. Durante questo periodo, 115mila persone sono riuscite a vedere l'arte, il libro degli ospiti è stato reintegrato con centinaia di commenti ammirati. L'imbarazzo si diffuse su tutti i giornali.
"Battaglia dei negri nella grotta nel cuore della notte"
Il famoso "Quadrato nero" non è stato il primo dipinto del suo genere. 22 anni prima di Malevich, nel 1893, l'artista e scrittore francese Alle Alphonse espose il suo capolavoro "Battaglia di negri in una grotta nel cuore della notte" nella Vivienne Gallery - una tela rettangolare completamente nera.
"Festa degli dei sull'Olimpo"
Negli anni '60 a Praga è stato ritrovato uno dei dipinti più famosi di Peter Paul Rubens "La festa degli dei sull'Olimpo". Per molto tempo la data della sua scrittura è rimasta un mistero. La risposta è stata trovata nell'immagine stessa, inoltre, dagli astronomi. Hanno immaginato che la posizione dei pianeti fosse sottilmente crittografata sulla tela. Ad esempio, il Duca di Mantova Gonzaga nella forma del dio Giove, Poseidone con il Sole e la dea Venere con Cupido mostrano la posizione di Giove, Venere e Sole nello Zodiaco.
Inoltre, è chiaro che Venere si sta dirigendo verso la costellazione dei Pesci. Gli astrologi meticolosi hanno capito che una posizione così rara dei pianeti nel cielo è stata osservata nei giorni del solstizio d'inverno del 1602. Quindi è stata effettuata una datazione abbastanza accurata dell'immagine.
"Colazione sull'erba"
Édouard Manet, Colazione sull'erba
Claude Monet, Colazione sull'erba
Edouard Manet e Claude Monet sono confusi non solo dagli attuali iscritti alle scuole d'arte, ma anche dai loro contemporanei. Entrambi vivevano alla fine del XIX secolo a Parigi, comunicavano tra loro ed erano quasi omonimi. Quindi, nel film Ocean's Eleven, si svolge il seguente dialogo tra i personaggi di George Clooney e Julia Roberts:
- Confondo sempre Monet e Manet. Ricordo solo che uno di loro sposò la sua amante.
-Monet.
- Allora, Manet aveva la sifilide.
Ed entrambi scrivevano di tanto in tanto.
Ma gli artisti avevano poca confusione con i nomi, inoltre, prendevano attivamente in prestito idee l'una dall'altra. Dopo che Manet ha presentato al pubblico il dipinto "Colazione sull'erba", Monet, senza pensarci due volte, ha scritto il suo con lo stesso nome. Come al solito, non c'era confusione.
"Madonna Sistina"
Guardando il dipinto di Raffaello "La Madonna Sistina", si vede chiaramente che Papa Sisto II ha sei dita sulla mano. Tra l'altro, il nome Sisto è tradotto come "sesto", che alla fine ha dato origine a molte teorie. In effetti, il "mignolo inferiore" non è affatto un dito, ma parte del palmo. È evidente se guardi da vicino. Nessun misticismo e portenti segreti dell'Apocalisse, ma è un peccato.
"Mattina in una pineta"
I cuccioli di orso del dipinto di Shishkin "Morning in a Pine Forest" replicati dai pasticceri non sono affatto opera di Shishkin. Ivan era un eccellente paesaggista, sapeva trasmettere brillantemente il gioco di luci e ombre nella foresta, ma non gli venivano date persone e animali. Quindi, su richiesta dell'artista, Konstantin Savitsky ha aggiunto simpatici cuccioli di orso e l'immagine stessa è stata firmata con due nomi. Ma Pavel Tretyakov, dopo aver acquistato il paesaggio per la sua collezione, ha cancellato la firma di Savitsky e tutti gli allori sono andati a Shishkin.
Oggi in ogni museo puoi ascoltare guide meravigliose che ti parleranno in dettaglio della collezione e degli artisti in essa rappresentati. Allo stesso tempo, molti genitori sanno che è difficile per la maggior parte dei bambini trascorrere anche un'ora in un museo e le storie sulla storia della pittura li stancano piuttosto rapidamente. Affinché i bambini nel museo non si annoino, offriamo un "cheat sheet" per i genitori: dieci storie divertenti sui dipinti della Galleria Tretyakov, che interesseranno sia i bambini che gli adulti.
1. Ivan Kramsky. Sirene, 1871
Ivan Kramskoy è principalmente conosciuta come l'autrice del dipinto "Unknown" (spesso viene erroneamente chiamata "The Stranger"), così come una serie di bellissimi ritratti: Leo Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleev. Ma è meglio che i bambini inizino a conoscere il suo lavoro dal dipinto magico "Sirene", a cui questa storia è collegata.
Nell'agosto 1871, l'artista Ivan Kramskoy stava visitando la tenuta di campagna del suo conoscente, amante dell'arte e famoso filantropo Pavel Stroganov. Camminando la sera, ammirava la luna e ammirava la sua luce magica. Durante queste passeggiate, l'artista ha deciso di dipingere un paesaggio notturno e cercare di trasmettere tutto il fascino, tutta la magia di una notte di luna, "cattura la luna" - nelle sue stesse parole.
Kramskoy ha iniziato a lavorare sul dipinto. Una riva del fiume apparve in una notte di luna, una collinetta e una casa su di essa, circondata da pioppi. Il paesaggio era bellissimo, ma mancava qualcosa: la magia non è nata sulla tela. Il libro di Nikolai Gogol "Serate in una fattoria vicino a Dikanka" è venuto in aiuto dell'artista, o meglio la storia intitolata "May Night, or the Drowned Woman" è favolosa e un po 'inquietante. E poi nella foto sono apparse le ragazze sirena, illuminate dalla luce della luna.
L'artista ha lavorato così attentamente sull'immagine che ha iniziato a sognarla e voleva costantemente finire qualcosa in essa. Un anno dopo essere stato acquistato dal fondatore della Galleria Tretyakov, Pavel Tretyakov, Kramskoy ha voluto ancora una volta cambiarne qualcosa e ha apportato piccole modifiche proprio nella sala espositiva.
La tela di Kramskoy è stata la prima pittura "favolosa" nella storia della pittura russa.
2. Vasily Vereshchagin. "Apoteosi della guerra", 1871
È successo così che le persone hanno sempre combattuto. Da tempo immemorabile, leader coraggiosi e potenti governanti equipaggiarono i loro eserciti e li mandarono in guerra. Naturalmente, volevano che i discendenti lontani conoscessero le loro imprese militari, quindi i poeti componevano poesie e canzoni e gli artisti creavano bellissimi dipinti e sculture. In questi dipinti, la guerra di solito sembrava una vacanza: colori vivaci, guerrieri senza paura che andavano in battaglia ...
L'artista Vasily Vereshchagin conosceva in prima persona la guerra - ha preso parte alle battaglie più di una volta - e ha dipinto molti dipinti in cui ha raffigurato ciò che ha visto con i suoi occhi: non solo soldati coraggiosi e i loro comandanti, ma anche sangue, dolore e sofferenza.
Una volta ha pensato a come mostrare tutti gli orrori della guerra in un'immagine, come far capire al pubblico che la guerra è sempre dolore e morte, come lasciare che gli altri guardino i suoi dettagli disgustosi? Si rese conto che non era sufficiente dipingere un'immagine con un campo di battaglia punteggiato di soldati morti: tali tele erano prima. Vereshchagin ha inventato un simbolo di guerra, un'immagine, solo guardandola, tutti possono immaginare quanto sia terribile qualsiasi guerra. Dipinse un deserto arido, al centro del quale si erge una piramide di teschi umani. Intorno - solo alberi secchi e senza vita e solo i corvi accorrono alla loro festa. In lontananza si può vedere una città fatiscente e lo spettatore può facilmente intuire che non c'è più vita lì.
3. Alexei Savrasov. "Le torri sono arrivate", 1871
Tutti conoscono l'immagine "The Rooks Have Arrived" fin dall'infanzia, e sicuramente tutti hanno scritto saggi scolastici su di essa. E oggi, gli insegnanti parleranno sicuramente ai bambini dei paesaggi lirici di Savrasov e del fatto che già nel titolo stesso di questa immagine si può sentire un gioioso presagio della mattina dell'anno e tutto in esso è pieno di profondo, vicino al significato del cuore. Nel frattempo, poche persone sanno che i famosi "Rooks ...", così come tutte le altre opere di Savrasov, non potrebbero esistere affatto.
Alexei Savrasov era figlio di un meschino mercante di Mosca. Il desiderio del ragazzo di dipingere non ha deliziato il genitore, ma tuttavia Kondrat Savrasov ha lasciato che suo figlio andasse alla Scuola di pittura e scultura di Mosca. Sia gli insegnanti che i compagni di classe hanno riconosciuto il talento del giovane artista e gli hanno predetto un grande futuro. Ma accadde che, senza aver studiato nemmeno un anno, Alessio, apparentemente a causa della malattia della madre, fu costretto a interrompere gli studi. Il suo insegnante Karl Rabus ha chiesto aiuto al capo della polizia capo di Mosca, il maggiore generale Ivan Luzhin, che ha aiutato il giovane talentuoso a ottenere un'educazione artistica.
Se Luzhin non avesse preso parte al destino del giovane artista, non sarebbe mai nato uno dei dipinti più famosi della storia dell'arte russa.
4. Vasily Polenova. "Cortile di Mosca", 1878
A volte, per dipingere un bel quadro, l'artista viaggia molto, cercando a lungo i panorami più belli e meticolosamente, alla fine, trova il luogo amato e vi torna ancora e ancora con un album da disegno. E succede anche che per creare un'opera meravigliosa, gli basta andare alla sua finestra, guardare un cortile di Mosca del tutto normale - e accade un miracolo, appare un paesaggio straordinario pieno di luce e aria.
Fu proprio un tale miracolo che accadde all'artista Vasily Polenov, che guardò fuori dalla finestra del suo appartamento all'inizio dell'estate del 1878 e scrisse rapidamente ciò che vide. Le nuvole scivolano facilmente nel cielo, il sole sale sempre più in alto, riscaldando la terra con il suo calore, illuminando di splendore le cupole delle chiese, accorciando le ombre spesse ... Sembrerebbe che un quadro semplice, che l'artista stesso non ha prendere sul serio all'inizio: ha dipinto e quasi se ne è dimenticato. Ma poi è stato invitato a prendere parte alla mostra. Non aveva nulla di significativo e Polenov decise di esporre "Moscow Courtyard".
Stranamente, è stata questa "immagine insignificante" a portare fama e gloria a Vasily Polenov - sia il pubblico che la critica l'hanno adorato: ha sia calore che colori vivaci, ei suoi personaggi possono essere considerati all'infinito, inventando una storia su ciascuno di loro.
5. Ivan Shishkin. "Mattina in una pineta", 1889
"Morning in a Pine Forest" di Ivan Shishkin è probabilmente il dipinto più famoso della collezione della Galleria Tretyakov. Nel nostro Paese la conoscono tutti, grazie alle riproduzioni nei manuali scolastici, o forse grazie ai cioccolatini Mishka kosolapy.
Ma non tutti sanno che lo stesso Shishkin ha dipinto solo una foresta mattutina in una foschia nebbiosa e non ha nulla a che fare con gli orsi. Questa immagine è il frutto del lavoro congiunto di Shishkin e del suo amico, l'artista Konstantin Savitsky.
Ivan Shishkin era un maestro insuperabile nel rappresentare ogni sorta di sottigliezze botaniche: il critico Alexander Benois lo ha praticamente rimproverato per la sua dipendenza dall'accuratezza fotografica, definendo i suoi dipinti senza vita e freddi. Ma l'artista non era amico della zoologia. Dicono che questo è il motivo per cui Shishkin si è rivolto a Savitsky chiedendogli di aiutarlo con gli orsi. Savitsky non ha rifiutato il suo amico, ma non ha preso sul serio il suo lavoro e non l'ha firmato.
Successivamente, Pavel Tretyakov ha acquistato questo dipinto da Shishkin e l'artista ha suggerito a Savitsky di lasciare una firma sul dipinto - dopotutto, ci hanno lavorato insieme. Savitsky ha fatto proprio questo, ma a Tretyakov non è piaciuto. Dichiarando di aver acquistato il dipinto da Shishkin e di non voler sapere nulla di Savitsky, ha chiesto un solvente e ha rimosso la firma "extra" con le proprie mani. E così è successo che oggi nella Galleria Tretyakov indichi la paternità di un solo artista.
6. Viktor Vasnetsov. "Bogatiri", 1898
Viktor Vasnetsov è considerato l'artista più "favoloso" nella storia della pittura russa: sono i suoi pennelli a cui appartengono opere famose come Alyonushka, Il cavaliere all'incrocio, Bogatyrsky Skok e molti altri. Ma il suo dipinto più famoso è "Bogatyrs", che raffigura i personaggi principali dell'epica russa.
L'artista stesso ha descritto l'immagine come segue: "Bogatyrs Dobrynya, Ilya e Alyosha Popovich all'eroica uscita - notano sul campo, c'è un ladro da qualche parte, stanno offendendo qualcuno da qualche parte?"
Al centro, su un cavallo nero, Ilya Muromets, guarda in lontananza da sotto il palmo, in una mano l'eroe ha una lancia, nell'altra una mazza damascata. A sinistra, su un cavallo bianco, Dobrynya Nikitich, estrae una spada dal fodero. A destra, Alyosha Popovich, su un cavallo di colore rosso, tiene in mano un arco con frecce. Una storia curiosa è collegata agli eroi di questa immagine, più precisamente ai loro prototipi.
Viktor Vasnetsov ha pensato a lungo a come dovrebbe essere Ilya Muromets, e per molto tempo non è riuscito a trovare il volto "giusto": audace, onesto, che esprime forza e gentilezza allo stesso tempo. Ma un giorno, quasi per caso, incontrò il contadino Ivan Petrov, venuto a Mosca per lavorare. L'artista è rimasto sbalordito: per strada a Mosca ha visto il vero Ilya Muromets. Il contadino accettò di posare per Vasnetsov e ... rimase per secoli.
Nell'epica, Dobrynya Nikitich è piuttosto giovane, ma per qualche motivo il dipinto di Vasnetsov raffigura un uomo di mezza età. Perché l'artista ha deciso di agire così liberamente con i racconti popolari? La risposta è semplice: nell'immagine di Dobrynya, Vasnetsov si è ritratto, è sufficiente confrontare l'immagine con i ritratti e le fotografie dell'artista.
7. Valentin Serov. "Ragazza con le pesche. Ritratto di VS Mamontova, 1887
"Ragazza con le pesche" è uno dei ritratti più famosi nella storia della pittura russa, dipinto dall'artista Valentin Serov.
La ragazza nel ritratto è Verochka, la figlia del filantropo Savva Mamontov, nella cui casa l'artista visitava spesso. È interessante notare che le pesche adagiate sul tavolo non sono state portate da regioni calde, ma sono cresciute non lontano da Mosca, proprio nella tenuta di Abramtsevo, cosa piuttosto insolita nel XIX secolo. Un giardiniere magico lavorava per Mamontov: nelle sue abili mani, gli alberi da frutto fiorivano anche a febbraio e il raccolto era già raccolto all'inizio dell'estate.
Grazie al ritratto di Serov, Vera Mamontova è passata alla storia, ma l'artista stesso ha ricordato quanto fosse difficile per lui convincere a posare una ragazza di 12 anni, che si distingueva per un carattere estremamente irrequieto. Serov ha lavorato al dipinto per quasi un mese e ogni giorno Vera è rimasta seduta in silenzio nella sala da pranzo per diverse ore.
Il lavoro non è stato vano: quando l'artista ha presentato il ritratto in mostra, il quadro è piaciuto molto al pubblico. E oggi, più di cento anni dopo, La ragazza con le pesche delizia i visitatori della Galleria Tretyakov.
8. Ilya Repin. "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan il 16 novembre 1581", 1883-1885
Guardando questa o quella foto, ti chiedi spesso quale sia stata la fonte di ispirazione per l'artista, cosa lo abbia spinto a scrivere proprio un'opera del genere? Nel caso del dipinto di Ilya Repin "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan il 16 novembre 1581", non è affatto facile indovinare le vere ragioni.
Il dipinto raffigura un episodio leggendario della vita di Ivan il Terribile, quando in un impeto di rabbia inferse un colpo mortale a suo figlio Tsarevich Ivan. Tuttavia, molti storici ritengono che in realtà non ci sia stato alcun omicidio e che il principe sia morto di malattia, e per niente per mano di suo padre. Sembrerebbe che cosa può indurre un artista a rivolgersi a un episodio così storico?
Come ha ricordato lo stesso artista, l'idea di dipingere il dipinto "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan" gli è venuta dopo ... un concerto in cui ha ascoltato la musica del compositore Rimsky-Korsakov. Era la suite sinfonica "Antar". I suoni della musica hanno preso possesso dell'artista e ha voluto incarnare nella pittura l'atmosfera che ha creato sotto l'influenza di quest'opera.
Ma non solo la musica è diventata fonte di ispirazione. Viaggiando attraverso l'Europa nel 1883, Repin assistette a una corrida. La vista di questo spettacolo sanguinoso colpì l'artista, il quale scrisse che, “contagiato ... da questa sanguinosità, all'arrivo a casa, si mise subito in scena sanguinosa“ Ivan il Terribile con suo figlio ”. E l'immagine del sangue è stata un grande successo.
9. Michail Vrubel. "Demone seduto", 1890
A volte il titolo di una foto significa molto. Cosa vede lo spettatore a prima vista sul dipinto di Mikhail Vrubel "Seated Demon"? Un giovane muscoloso si siede su una roccia e guarda tristemente il tramonto. Ma non appena pronunciamo la parola "demone", sorge immediatamente l'immagine di una creatura magica e scortese. Nel frattempo, il demone di Mikhail Vrubel non è affatto uno spirito malvagio. L'artista stesso ha detto più di una volta che il demone è uno spirito "non tanto malvagio quanto sofferente e dolente, ma nonostante tutto uno spirito imperioso, ... maestoso".
Questo dipinto è interessante per la sua tecnica pittorica. L'artista applica la vernice sulla tela non con il solito pennello, ma con una sottile lastra d'acciaio: una spatola. Questa tecnica ti consente di combinare le tecniche di un pittore e di uno scultore, letteralmente "scolpire" un'immagine con l'aiuto dei colori. È così che si ottiene un effetto "mosaico": sembra che il cielo, le rocce e il corpo stesso dell'eroe non siano dipinti con vernice, ma siano rivestiti con pietre accuratamente levigate, forse anche preziose.
10. Aleksandr Ivanov. "L'apparizione di Cristo al popolo (l'apparizione del Messia)", 1837-1857
Il dipinto di Alexander Ivanov "L'apparizione di Cristo al popolo" è un evento unico nella storia della pittura russa. Non è facile parlarne con i bambini, soprattutto di 6-7 anni, ma devono vedere questa tela monumentale, su cui l'artista lavora da più di 20 anni e che è diventata l'opera di tutta la sua vita .
La trama dell'immagine si basa sul terzo capitolo del Vangelo di Matteo: Giovanni Battista, battezzando il popolo ebraico sulle rive del Giordano nel nome dell'atteso Salvatore, vede improvvisamente Colui che cammina nel nome del quale battezza le persone . I bambini impareranno in seguito le caratteristiche compositive dell'immagine, i suoi simboli e il linguaggio artistico. Durante il primo incontro, vale la pena parlare di come un dipinto sia diventato l'opera di tutta la vita dell'artista.
Dopo essersi diplomato all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, Alexander Ivanov è stato inviato "per uno stage" in Italia. "L'apparizione di Cristo al popolo" doveva essere un'opera di cronaca. Ma l'artista prende molto sul serio il suo lavoro: studia attentamente le Sacre Scritture, la storia, passa mesi alla ricerca del paesaggio giusto, un tempo infinito alla ricerca di un'immagine per ogni personaggio del quadro. I soldi che gli sono stati assegnati per il lavoro stanno finendo, Ivanov conduce un'esistenza mendicante. Il lavoro scrupoloso sull'immagine ha portato al fatto che l'artista gli ha rovinato la vista e ha dovuto essere curato a lungo.
Quando Ivanov ha completato il suo lavoro, il pubblico italiano ha accolto con entusiasmo il quadro, questo è stato uno dei primi casi di riconoscimento europeo di un artista russo. In Russia, non è stato immediatamente apprezzato: solo dopo la morte dell'artista è arrivata la vera fama.
Mentre lavorava al dipinto, Ivanov ha creato più di 600 schizzi. Nella sala in cui è esposto, puoi vederne alcuni. È interessante utilizzare questi esempi per tracciare come l'artista ha lavorato sulla composizione, sul paesaggio e sulle immagini dei personaggi del quadro.
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