L'esistenza di strumenti musicali nell'antichità è stata raccontata per la prima volta dagli archeologi, che in quasi tutti gli scavi hanno trovato pipe, tweeter e altri oggetti per riprodurre musica. Allo stesso tempo, reperti simili furono scoperti in quei territori in cui gli archeologi riuscirono a portare alla luce i siti dei popoli primitivi.

Gli archeologi attribuiscono alcuni degli strumenti musicali ritrovati al Paleolitico superiore: in altre parole, questi strumenti sono apparsi 22-25 mila anni prima della nostra era.

Inoltre, gli antichi erano in grado non solo di realizzare strumenti musicali, ma anche di musica, scrivendo note su tavolette di argilla. La più antica notazione musicale fino ad oggi è stata scritta nel XVIII secolo a.C. Gli archeologi lo hanno trovato nella città sumera di Nippur, che un tempo si trovava nel territorio del moderno Iraq, che hanno scavato. Gli scienziati dell'Università della California che decifrarono lo spartito nel 1974 affermarono che conteneva le parole e la musica di una ballata d'amore assira per lira a corde.

Lo strumento musicale più antico

Nel 2009, gli archeologi hanno scoperto in una delle grotte situate nel sud-ovest della Germania i resti di uno strumento che somiglia molto a quello moderno. Le analisi e gli studi effettuati hanno dimostrato che l'età dell'antico flauto supera i 35mila anni. Nel corpo del flauto erano praticati cinque fori perfettamente rotondi, che dovevano essere chiusi con le dita quando si suonava, e alle sue estremità erano presenti due profondi tagli a forma di V.

La lunghezza dello strumento musicale era di 21,8 centimetri e lo spessore era di soli 8 millimetri.

Il materiale con cui era realizzato il flauto si è rivelato non essere legno, ma un'ala di uccello. Questo strumento è di gran lunga il più antico, ma non il primo nella storia dei ritrovamenti archeologici: pipe in osso, corna cave di animali, pipe fatte di conchiglie, sonagli in pietra e legno, nonché tamburi realizzati con pelli di animali sono stati ritrovati più volte scavi.

Ci sono molte leggende sull'origine della musica. Gli antichi greci credevano che glielo avessero dato i grandi dei dell'Olimpo, ma gli scienziati moderni hanno condotto una serie di studi etnografici e archeologici. Come risultato di questi studi, si è scoperto che la prima musica apparve nella società primitiva e veniva usata come ninna nanna per cullare

Gli strumenti a fiato sono il tipo più antico di strumenti musicali arrivati ​​​​al Medioevo dall'antichità. Tuttavia, nel processo di sviluppo e formazione della civiltà occidentale medievale, la portata degli strumenti a fiato è notevolmente ampliata: alcuni, come, ad esempio, l'olifante, appartengono alle corti dei nobili signori, altri - i flauti - sono usati sia nell'arte popolare e tra i musicisti professionisti, ed altri ancora, come la tromba, diventano strumenti musicali esclusivamente militari.

Il più antico rappresentante degli strumenti a fiato in Francia è probabilmente da considerare un fretel (fretel), o "flauto di Pan". Uno strumento simile può essere visto su una miniatura di un manoscritto dell'XI secolo. nella Biblioteca Nazionale di Parigi (Fig. I). Si tratta di un flauto a più canne, costituito da un insieme di canne (ancia, canna o legno) di diverse lunghezze, con un'estremità aperta e l'altra chiusa. Fretel è spesso menzionato insieme ad altri tipi di flauti nei romanzi dei secoli XI-XII. Tuttavia, già nel XIV secolo. del fretel si parla solo come di uno strumento musicale suonato nelle feste paesane, diventa uno strumento della gente comune.

Il flauto (fluûte), invece, sta vivendo una "ascesa": da comune strumento popolare a strumento di corte. I flauti più antichi sono stati rinvenuti sul territorio della Francia nello strato culturale gallo-romano (I-II secolo d.C.). La maggior parte di loro sono ossei. Fino al XIII secolo il flauto è solitamente doppio, come in una miniatura di un manoscritto del X secolo. dalla Biblioteca Nazionale di Parigi (Fig. 3), e i tubi possono avere lunghezze uguali o diverse. Il numero dei fori sulla canna del flauto poteva variare (da quattro a sei, sette). I flauti venivano solitamente suonati da menestrelli, giocolieri e spesso il loro gioco precedeva l'apparizione di una solenne processione o di una persona di alto rango.

I menestrelli suonavano anche un doppio flauto con trombe di diversa lunghezza. Un flauto di questo tipo è raffigurato su una vignetta di un manoscritto del XIII secolo. (Fig. 2). Nell'immagine in miniatura si vede un'orchestra di tre menestrelli: uno suona la viola; il secondo su un flauto simile al clarinetto moderno; la terza percuote un tamburello quadrato di cuoio teso su un telaio. Il quarto personaggio versa il vino ai musicisti per rinfrescarli. Orchestre simili di flauto, tamburo e violino esistevano nei villaggi della Francia fino all'inizio del XIX secolo.

Nel XV secolo. cominciarono ad apparire flauti di cuoio bollito. Inoltre, il flauto stesso potrebbe essere sia rotondo che ottagonale in sezione trasversale, e non solo dritto, ma anche ondulato. Uno strumento simile è conservato nella collezione privata del signor Fo (Fig. 4). La sua lunghezza è di 60 cm, nel punto più largo il diametro è di 35 mm. Il corpo è in pelle cotta nera, la testa decorativa è dipinta. Un tale flauto è servito da prototipo per la creazione della pipa serpan. I flauti serpentini venivano usati sia durante i servizi divini nelle chiese che nelle festività secolari. I flauti traversi, così come i flageolets, vengono menzionati per la prima volta in testi del XIV secolo.

Un altro tipo di strumenti musicali a fiato sono le cornamuse. Ne esistevano diversi tipi anche nella Francia medievale. Questa è una chevrette, uno strumento a fiato costituito da una borsa di pelle di capra, un tubo dell'aria e un duda. Un musicista che suona questo strumento (Fig. 6) è raffigurato in un manoscritto del XIV secolo. "Il romanzo della rosa", dalla Biblioteca Nazionale di Parigi. Alcune fonti separano lo chevret e la cornamusa, mentre altre si riferiscono semplicemente allo chevret come "piccola cornamusa". Lo strumento, che nel suo aspetto ricorda molto un chevret, risale al XIX secolo. si sono incontrati nei villaggi delle province francesi della Borgogna e del Limosino.

Un altro tipo di cornamusa era l'horo o horum (choro). Secondo una descrizione rinvenuta in un manoscritto dell'abbazia di S. Biagio (IX secolo), questo è uno strumento a fiato con un tubo per la fornitura di aria e un tubo, ed entrambi i tubi si trovano sullo stesso piano (sono, per così dire, una continuazione l'uno dell'altro). Nella parte centrale dell'oro è presente un serbatoio per l'aria, realizzato in cuoio conciato, e di perfetta forma sferica. Poiché la pelle della "borsa" ha iniziato a vibrare quando il musicista ha soffiato nell'horo, il suono era un po' tintinnante e acuto (Fig. 6).

Cornamusa (coniemuese), il nome francese di questo strumento deriva dal latino corniculans (cornuto) e si trova nei manoscritti solo del XIV secolo. Né il suo aspetto né il suo utilizzo nella Francia medievale differivano dalle tradizionali cornamuse scozzesi a noi conosciute, come si può vedere da un'immagine tratta da un manoscritto del XIV secolo. (Fig. 9).

Corna e corna (corna). Tutti questi strumenti a fiato, compreso il grande corno olifante, differiscono poco l'uno dall'altro nel design e nell'uso. Erano fatti di legno, cuoio bollito, avorio, corno e metallo. Di solito venivano indossati sulla cintura. La gamma di corni dal suono non è ampia, ma i cacciatori del XIV secolo. su di essi venivano suonate semplici melodie composte da determinati segnali. I corni da caccia, come abbiamo già detto, venivano indossati prima alla vita, poi, fino al XVI secolo, su una fascia a tracolla; un ciondolo simile si trova spesso nelle immagini, in particolare nel Libro sulla caccia di Gaston Phoebe (Fig. 8). Il corno da caccia di un nobile signore è una cosa preziosa; così, Sigfrido nel "Canto dei Nibelunghi" portava con sé per cacciare un corno d'oro di pregevole fattura.

Separatamente, va detto dell'alifante: un enorme corno con anelli di metallo realizzati appositamente in modo che l'olifante possa essere appeso sul lato destro del suo proprietario. Hanno creato olifanti dalle zanne di elefante. Utilizzato nella caccia e durante le operazioni militari per segnalare l'avvicinarsi del nemico. Una caratteristica distintiva dell'olifante è che potrebbe appartenere solo al sovrano signore, alla cui subordinazione si trovano i baroni. La natura onoraria di questo strumento musicale è confermata dalla scultura del XII secolo. dalla chiesa abbaziale di Vaselles, dove è raffigurato un angelo con al fianco un olifante, che annuncia la Natività del Salvatore (Fig. 13).

I corni da caccia erano diversi da quelli usati dai menestrelli. Quest'ultimo utilizzava uno strumento dal design più avanzato. Sul capitello di una colonna della stessa chiesa abbaziale di Vazelle è raffigurato un menestrello (Fig. 12) che suona un corno, sul quale sono stati praticati dei fori non solo lungo il tubo, ma anche sulla campana, che permettevano di modulare il suono, dandogli un volume maggiore o minore.

I tubi erano rappresentati da tubi veri e propri (trompe) e da tubi curvi lunghi più di un metro - busine. Le bacche di sambuco erano fatte di legno, pelle bollita, ma molto spesso di ottone, come si può vedere in una miniatura di un manoscritto del XIII secolo. (Fig. 9). Il loro suono era acuto e forte. E poiché si sentiva lontano, gli anziani venivano usati nell'esercito per la sveglia mattutina, davano segnali di togliere l'accampamento, di far salpare le navi. Hanno anche annunciato l'arrivo dei reali. Così, nel 1414, a suon di anziani fu annunciato l'ingresso di Carlo VI a Parigi. A causa della particolare intensità del suono nel Medioevo, si credeva che suonando il sambuco gli angeli avrebbero annunciato l'inizio del Giorno del Giudizio.

La tromba era esclusivamente uno strumento musicale militare. Serviva a sollevare il morale nell'esercito, a radunare le truppe. La pipa è più piccola del sambuco ed è un tubo metallico (diritto o piegato più volte) con una presa all'estremità. Il termine stesso apparve alla fine del XV secolo, ma uno strumento di questo tipo (tubi dritti) era in uso nell'esercito già dal XIII secolo. Entro la fine del XIV secolo. la forma della pipa cambia (il suo corpo si piega) e la pipa stessa è necessariamente decorata con uno stendardo con uno stemma (Fig. 7).

Un tipo speciale di pipa - il serpan (serpente) - è servito da prototipo per molti strumenti a fiato moderni. Nella collezione del signor Fo c'è una falce (Fig. 10), realizzata in cuoio bollito, la sua altezza è di 0,8 me la lunghezza totale è di 2,5 M. Il musicista teneva lo strumento con entrambe le mani, mentre la mano sinistra teneva la parte ricurva (A), e le dita della mano destra passavano sopra i fori praticati sulla parte superiore della falce. Il suono del serpan era potente, questo strumento a fiato veniva utilizzato sia nelle bande militari che nelle funzioni religiose.

L'organo (orgue) occupa una posizione un po' a parte nella famiglia degli strumenti a fiato. Questo strumento a pedale con una serie di diverse dozzine di canne (registri) messi in suono dall'aria soffiata da un soffietto è attualmente associato solo a grandi organi stazionari: chiesa e concerto (Fig. 14). Tuttavia, nel Medioevo, forse, un altro tipo di questo strumento, l'organetto (orgue de main), era più diffuso. Si basa sul "flauto di Pan", che viene messo in suono con l'ausilio di aria compressa, che entra nei tubi da un serbatoio con aperture chiuse da valvole. Tuttavia già nell'antichità, in Asia, nell'Antica Grecia e a Roma, erano conosciuti organi di grandi dimensioni a comando idraulico. In Occidente, questi strumenti apparvero solo nell'VIII secolo, e anche allora come doni offerti ai monarchi occidentali dagli imperatori bizantini (Costantino V Copronimo inviò un organo del genere in dono a Pipino il Breve, e Costantino Curopolat a Carlo Magno e Luigi il Bene).

Immagini di organi manuali compaiono in Francia solo nel X secolo. Con la mano destra il musicista seleziona i tasti e con la sinistra preme il mantice che pompa l'aria. Lo strumento stesso si trova solitamente sul petto o sullo stomaco del musicista, negli organi manuali di solito ci sono otto canne e, di conseguenza, otto chiavi. Durante i secoli XIII-XIV gli organi manuali praticamente non cambiarono, ma il numero di canne poteva variare. Solo nel XV secolo apparvero negli organi manuali una seconda fila di canne e una doppia tastiera (quattro registri). I tubi sono sempre stati di metallo. Organo manuale di opera tedesca del XV secolo. disponibile nel Pinotek di Monaco (Fig. 15).

Gli organi a mano si diffusero tra i musicisti itineranti che potevano cantare e accompagnarsi sullo strumento. Risuonavano nelle piazze, nelle feste dei villaggi, ma mai nelle chiese.

Gli organi, più piccoli di quelli da chiesa, ma più di quelli manuali, un tempo venivano collocati nei castelli (alla corte di Carlo V, per esempio) o potevano essere installati su piattaforme stradali durante le cerimonie solenni. Così, diversi organi simili suonarono a Parigi, quando Isabella di Baviera fece il suo ingresso solenne in città.

Batteria

Forse non esiste civiltà che non abbia inventato uno strumento musicale simile al tamburo. Una pelle secca stesa su una pentola o un tronco scavato: quello è già un tamburo. Tuttavia, sebbene i tamburi fossero conosciuti fin dall'antico Egitto, erano poco utilizzati nell'alto Medioevo. Solo a partire dal tempo delle Crociate la menzione dei tamburi divenne regolare, e a partire dal XII secolo. sotto questo nome ci sono strumenti di un'ampia varietà di forme: lunghi, doppi, tamburelli, ecc. Entro la fine del XII secolo. questo strumento, che risuona sul campo di battaglia e nella sala dei banchetti, attira già l'attenzione dei musicisti. Allo stesso tempo, è così diffuso che nel XIII secolo. I trovatori, che pretendono di preservare antiche tradizioni nella loro arte, lamentano il "dominio" di tamburi e tamburelli, che stanno sostituendo strumenti "più nobili".

Tamburelli e tamburi accompagnano non solo il canto, le esibizioni dei trovatori, ma vengono anche raccolti da ballerini, attori, giocolieri erranti; le donne ballano, accompagnando le loro danze suonando i tamburelli. Allo stesso tempo, il tamburello (tambour, bosquei) viene tenuto in una mano e l'altra, libera, lo colpisce ritmicamente. A volte i menestrelli, suonando il flauto, si accompagnavano su un tamburello o un tamburo, che fissavano sulla spalla sinistra con una cinghia. Il menestrello suonava il flauto, accompagnandone il canto con colpi ritmati del tamburello, che faceva con la testa, come si può vedere nella scultura del XIII secolo. dalla facciata della Casa dei Musicisti a Reims (Fig. 17).

Secondo la scultura della Casa dei Musici sono noti anche tamburi saraceni, o doppi (Fig. 18). Nell'era delle Crociate trovarono distribuzione nell'esercito, poiché erano facilmente installabili su entrambi i lati della sella.

Un altro tipo di strumento musicale a percussione, comune nel Medioevo in Francia, era il timbro (tymbre, cembel) - due emisferi, e successivamente - piastre, fatte di rame e altre leghe, usate per battere il ritmo, accompagnamento ritmico delle danze. In un manoscritto di Limoges del XII secolo. proveniente dalla Biblioteca Nazionale di Parigi, la danzatrice è raffigurata con questo strumento (Fig. 14). Entro il XV secolo si riferisce a un frammento di scultura dell'altare della chiesa abbaziale di O, sul quale viene utilizzato il timbro nell'orchestra (fig. 19).

Il timbro dovrebbe includere un piatto (cymbalum) - uno strumento che era un anello con tubi di bronzo saldati ad esso, alle estremità dei quali suonano le campane quando vengono scosse, l'immagine di questo strumento è nota da un manoscritto del XIII secolo. dall'Abbazia di San Biagio (Fig. 20). Il piatto era comune in Francia durante l'alto medioevo e veniva utilizzato sia nella vita secolare che nelle chiese: veniva dato loro un segno per iniziare il culto.

Anche le campane (chochettes) appartengono agli strumenti a percussione medievali. Erano molto diffusi, le campane suonavano durante i concerti, venivano cucite sui vestiti, appese al soffitto nelle abitazioni - per non parlare dell'uso delle campane in chiesa... Anche le danze erano accompagnate dalle campane, e ci sono esempi di questo - immagini su miniature, risalenti all'inizio del X secolo! A Chartres, Sens, Parigi, sui portali delle cattedrali, si trovano bassorilievi in ​​cui una donna che suona le campane appese simboleggia la musica nella famiglia delle arti liberali. Il re Davide veniva raffigurato mentre suonava le campane. Come si può vedere nella miniatura della Bibbia del XIII secolo, li suona con l'aiuto di mazze (Fig. 21). Il numero di campane poteva variare, solitamente da cinque a dieci o più.

Anche le campane turche, uno strumento musicale militare, sono nate nel Medioevo (alcuni chiamano i piatti delle campane turche).

Nel XII secolo. si diffuse la moda dei campanellini o dei campanellini cuciti sui vestiti. Erano usati sia dalle donne che dagli uomini. Inoltre, quest'ultimo non si separò da questa moda per molto tempo, fino al XIV secolo. Allora era consuetudine decorare i vestiti con spesse catene d'oro e gli uomini spesso vi appendevano campanelli. Questa moda era un segno di appartenenza all'alta nobiltà feudale (Fig. 8 e 22): alla piccola nobiltà e alla borghesia era vietato indossare campanelli. Ma già nel XV secolo. i campanelli rimangono solo sugli abiti dei giullari. La vita orchestrale di questo strumento a percussione continua ancora oggi; e non è cambiato molto da allora.

Corde ad arco

Di tutti gli strumenti ad arco medievali, la viola (vièle) è il più nobile e il più difficile da eseguire. Secondo la descrizione del monaco domenicano Girolamo di Moravia, nel XIII secolo. la viola aveva cinque corde, ma le miniature più antiche mostrano strumenti sia a tre che a quattro corde (Fig. 12 e 23, 23a). Allo stesso tempo, le corde vengono tirate sia sul “cavallo” che direttamente sul ponte. A giudicare dalle descrizioni, la viola non suonava forte, ma molto melodica.

Interessante la scultura proveniente dalla facciata della Casa dei Musici, che raffigura un musicista a grandezza naturale (Fig. 24) che suona una viola a tre corde. Poiché le corde sono tese sullo stesso piano, l'arco, estraendo il suono da una corda, potrebbe toccare le altre. Il "modernizzato" per la metà del XIII secolo merita un'attenzione particolare. forma ad arco.

Entro la metà del XIV secolo. in Francia la forma della viola si avvicina a quella della chitarra moderna, il che probabilmente rendeva più semplice suonarla con l'archetto (Fig. 25).

Nel XV secolo. compaiono grandi viole: viola da gamba. Sono stati suonati con lo strumento tra le ginocchia. Entro la fine del XV secolo la viola da gamba diventa una a sette corde. Successivamente la viola da gamba sarà sostituita dal violoncello. Tutti i tipi di viole erano molto diffusi nella Francia medievale, suonarle accompagnava sia le feste che le serate intime.

La viola si distingueva dalla gola per il doppio fissaggio delle corde sulla tavola armonica. Non importa quante corde ci siano su questo strumento medievale (nei cerchi più antichi ci sono tre corde), sono sempre attaccate al “cavallo”. Inoltre, la tavola armonica stessa ha due fori lungo le corde. Questi fori sono passanti e servono a far passare la mano sinistra, le cui dita premono alternativamente le corde sul ponte, quindi le rilasciano. L'esecutore di solito teneva un arco nella mano destra. Una delle più antiche raffigurazioni del kroot si trova in un manoscritto dell'XI secolo. dall'Abbazia di S. Marziale (Fig. 26). Bisogna però sottolineare che il krut è prevalentemente uno strumento inglese e sassone. Il numero di corde su un cerchio aumenta con il tempo. E sebbene sia considerato il progenitore di tutti gli strumenti ad arco, il krut non ha mai messo radici in Francia. Molto più comune dopo l'XI secolo. qui si trova ruber o gige.

Gigue (gigue, gigle), a quanto pare, è stato inventato dai tedeschi, nella forma ricorda una viola, ma non ha un'intercettazione sul ponte. Il jig è lo strumento preferito dei menestrelli. Le capacità esecutive di questo strumento erano significativamente inferiori a quelle della viola, ma richiedeva anche meno abilità nell'esecuzione. A giudicare dalle immagini, i musicisti suonavano la giga (Fig. 27) come un violino, mettendo l'era sulla spalla, come si può vedere sulla vignetta del manoscritto "Il libro delle meraviglie del mondo", risalente al inizio del XV secolo.

Ruber (rubère) - strumento ad arco a corde, che ricorda il rebab arabo. Simile nella forma a un liuto, il ruber ha una sola corda tesa su un “crestone” (Fig. 29), come raffigurato in una miniatura in un manoscritto dell'abbazia di S. Biagio (IX secolo). Secondo Jerome Moravsky, nei secoli XII-XIII. il rubert è già uno strumento a due corde, viene utilizzato nell'esecuzione d'insieme e dirige sempre la parte di basso “inferiore”. Zhig, rispettivamente, - "superiore". Risulta quindi che il monocorde (monocorde) - uno strumento ad arco che servì in una certa misura come progenitore del contrabbasso - è anche una sorta di ruber, poiché veniva utilizzato anche nell'ensemble come strumento che imposta il ritmo tono basso. Talvolta era possibile suonare il monocordo senza arco, come si vede nella scultura della facciata della chiesa abbaziale di Vaselles (Fig. 28).

Nonostante l'uso diffuso e le numerose varietà, il ruber non era considerato uno strumento alla pari della viola. La sua sfera è piuttosto la strada, le vacanze popolari. Non è del tutto chiaro, però, quale fosse effettivamente il suono del ruber, poiché alcuni ricercatori (Jerome Moravsky) parlano di ottave basse, mentre altri (Aymeric de Peyrac) affermano che il suono del ruber è acuto e “forte”, simile allo "stridio femminile". Forse però stiamo parlando di strumenti di epoche diverse, ad esempio del XIV o XVI secolo...

Pizzicato a corda

Probabilmente, le discussioni su quale strumento sia antico dovrebbero essere riconosciute come irrilevanti, dal momento che lo strumento a corda, la lira, è diventato l'emblema della musica, con il quale inizieremo la storia degli strumenti a pizzico.

L'antica lira è uno strumento a corda con tre o sette corde tese verticalmente tra due montanti montati su una tavola armonica di legno. Le corde della lira venivano diteggiate o suonate con l'aiuto di un risonatore a plettro. Su una miniatura da un manoscritto dei secoli X-XI. (Fig. 30), conservata nella Biblioteca Nazionale di Parigi, puoi vedere una lira con dodici corde, raccolte in gruppi di tre e tese a diverse altezze (Fig. 30a). Tali lire hanno solitamente bellissimi manici scolpiti su entrambi i lati, per cui era possibile allacciare la cintura, il che ovviamente rendeva più facile suonare al musicista.

La lira fu confusa nel Medioevo con il sitar (cithare), apparso anche nell'antica Grecia. In origine è uno strumento a pizzico a sei corde. Secondo Girolamo di Moravia, il sitar nel Medioevo era di forma triangolare (più precisamente, aveva la forma della lettera "delta" dell'alfabeto greco) e il numero di corde su di esso variava da dodici a ventiquattro. Un sitar di questo tipo (IX secolo) è raffigurato in un manoscritto dell'abbazia di S. Vlasia (Fig. 31). Tuttavia la forma dello strumento poteva variare: è nota l'immagine di un sitar irregolarmente arrotondato con manico per esporre il gioco (Fig. 32). Tuttavia, la differenza principale tra il sitar e il salterio (vedi sotto) e altri strumenti a pizzico è che le corde vengono semplicemente tirate sul telaio e non su una sorta di "contenitore sonoro".

Anche la guiterne medievale (guiterne) trae la sua origine dal sitar. Anche la forma di questi strumenti è varia, ma di solito ricorda un mandolino o una chitarra (cetra). Menzioni di tali strumenti iniziano ad essere trovate a partire dal XIII secolo e vengono suonati sia da donne che da uomini. Il gitern accompagnava il canto dell'esecutore, ma lo suonava con l'aiuto di un risuonatore a plettro o senza di esso. . In un altro caso, nel romanzo "Tristano e Isotta" (metà del XIII secolo), c'è una miniatura che raffigura un menestrello che accompagna la danza del suo compagno suonando l'iterna (Fig. 33). Le corde sull'iterna sono tese dritte (senza puledra), ma sul corpo è presente un foro (rosetta). Come mediatore fungeva un bastoncino d'osso, che veniva tenuto con il pollice e l'indice, come si vede chiaramente nella scultura di un musicista della chiesa abbaziale di O (Fig. 35).

Gitern, a giudicare dalle immagini disponibili, potrebbe essere uno strumento d'insieme. È noto il coperchio di uno scrigno della collezione del Museo di Cluny (XIV secolo), dove lo scultore scolpì su avorio un'incantevole scena di genere: due giovani giocano in giardino, deliziando l'orecchio; uno ha in mano un liuto, l'altro un iterno (Fig. 36).

A volte la chitarra, come prima il sitar, era chiamata compagnia (rote) nella Francia medievale, aveva diciassette corde. La compagnia è stata interpretata in cattività da Riccardo Cuor di Leone.

Nel XIV secolo. si parla di un altro strumento simile al githeron: il liuto (luth). Entro il XV secolo la sua forma sta già finalmente prendendo forma: un corpo molto convesso, quasi semicircolare, con un foro rotondo sulla tavola armonica. Il "collo" non è lungo, la "testa" si trova ad angolo retto rispetto ad esso (Fig. 36). Allo stesso gruppo di strumenti appartiene il mandolino, la mandora, che aveva nel XV secolo. la forma più varia.

L'arpa (arpa) può anche vantare l'antichità della sua origine: le sue immagini si trovano già nell'antico Egitto. Tra i Greci l'arpa è solo una variante del sitar; tra i Celti è chiamata sambuk. La forma dell'arpa è immutata: è uno strumento sul quale corde di diversa lunghezza sono tese su un telaio a forma di angolo più o meno aperto. Le arpe antiche sono a tredici corde, accordate in scala diatonica. Suonavano l'arpa in piedi o seduti, con entrambe le mani e rinforzando lo strumento in modo che il suo supporto verticale fosse al petto dell'esecutore. Nel XII secolo apparvero anche arpe di piccole dimensioni con un diverso numero di corde. Un tipo caratteristico di arpa è presentato su una scultura proveniente dalla facciata della Casa dei Musicisti a Reims (Fig. 37). I giocolieri nelle loro esibizioni li usavano solo e si potevano creare interi ensemble di arpisti. Gli irlandesi e i bretoni erano considerati i migliori arpisti. Nel XVI secolo. l'arpa praticamente scomparve in Francia e qui apparve solo secoli dopo, nella sua forma moderna.

Una menzione speciale meritano i due strumenti medievali a pizzico. Questi sono il salterio e il sifone.

Salterio antico (salterio) - uno strumento a corda di forma triangolare, che ricorda vagamente la nostra arpa. Nel Medioevo la forma dello strumento cambiò: nelle miniature sono rappresentati anche salteri quadrati. Il suonatore lo teneva sulle ginocchia e suonava ventuno corde con le dita o con il plettro (l'estensione dello strumento era di tre ottave). L'inventore del salterio è il re Davide, che, secondo la leggenda, usò il becco di un uccello come plettro. Una miniatura del manoscritto di Gerardo di Landsberg conservato alla Biblioteca di Strasburgo raffigura il re biblico che gioca con la sua prole (fig. 38).

Nella letteratura francese medievale, i salteri iniziano a essere menzionati dall'inizio del XII secolo, la forma degli strumenti poteva essere molto diversa (Fig. 39 e 40), venivano suonati non solo dai menestrelli, ma anche dalle donne - nobili dame e il loro seguito. Entro il XIV secolo. il salterio lascia gradualmente la scena, lasciando il posto al clavicembalo, ma il clavicembalo non riusciva a raggiungere il suono cromatico caratteristico dei salteri a doppia corda.

In un certo senso è simile all'intonaco un altro strumento medievale, praticamente scomparso già nel XV secolo. Questa è una sifonia (chifonie) - una versione occidentale dell'arpa a ruota russa. Tuttavia, oltre ad una ruota con una spazzola di legno, che, ruotando la maniglia, tocca tre corde diritte, il sifone è dotato anche di tasti che ne regolano anche il suono.I tasti sul sifone sono sette, e sono ubicati all'estremità opposta a quella su cui gira la ruota. Di solito due persone suonavano il sifone, il suono dello strumento era, secondo le fonti, armonioso e tranquillo. Il disegno tratto da una scultura sul capitello di una delle colonne di Boshville (XII secolo) dimostra un modo simile di suonare (Fig. 41). Il sifone più diffuso si ha nei secoli XI-XII. Nel XV secolo. popolare era la piccola sifonia, suonata da un musicista. Nel manoscritto “Il romanzo di Gerard de Nevers e la bella Arianna” della Biblioteca Nazionale di Parigi, esiste una miniatura raffigurante il protagonista travestito da menestrello, con uno strumento simile al fianco (Fig. 42).

Origini della musica francese.

Le origini popolari della musica francese risalgono all'alto medioevo: nell'VIII-IX secolo c'erano melodie da ballo e canzoni di vari generi: lavoro, calendario, epica e altri.
Entro la fine dell'VIII secolo fu fondato Canto gregoriano.
IN Nell'XI-XII secolo, l'arte cavalleresca musicale e poetica dei trovatori fiorì nel sud della Francia.
IN Nel XII-XIII secolo, i cavalieri e i cittadini della Francia settentrionale, i trovieri, continuarono la tradizione dei trovatori. Tra questi, il più noto è Adam de la Halle (morto nel 1286).

Adam de la Al "Il gioco di Robin e Marion".

Nel XIV secolo, il movimento della Nuova Arte apparve nella musica francese. Il capo di questo movimento fu Philippe de Vitry (1291-1361) - teorico musicale e compositore, autore di molte opere secolari mottetti. Tuttavia, verso la fine del XVI secolo, al tempo di Carlo IX, la natura della musica francese cambiò. Iniziò l'era del balletto, quando la musica accompagnava la danza. In quest'epoca erano ampiamente utilizzati i seguenti strumenti: flauto, clavicembalo, violoncello, violino. E questa volta può essere definita il momento della nascita della vera musica strumentale.

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Philippe de Vitry "Il Signore dei Signori" (mottetto).

Il XVII secolo è una nuova fase nello sviluppo della musica francese. Il grande compositore francese Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28/11/1632, Firenze - 22/3/1687, Parigi) crea le sue opere. Jean Baptiste è un eccellente ballerino, violinista, direttore d'orchestra e coreografo di origine italiana, considerato il creatore riconosciuto dell'opera nazionale francese. Tra questi ci sono opere come: Teseo (1675), Iside (1677), Psiche (1678, Perseo (1682), Fetonte (1683), Rolando (1685) e Armide (1686) e altri. Nelle sue opere, chiamate "tragédie mise en musique" ("tragedia sulla musica"), Jean-Baptiste Lully cercò di esaltare gli effetti drammatici con la musica. Grazie alla maestria della messa in scena, allo spettacolare balletto, le sue opere durarono sul palco per circa 100 anni. i cantanti per la prima volta iniziarono a esibirsi senza maschere e le donne iniziarono a ballare balletti su un palco pubblico.
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - Compositore e teorico musicale francese. Utilizzando i risultati delle culture musicali francese e italiana, ha modificato in modo significativo lo stile dell'opera classica, ha preparato una riforma dell'opera di Christoph Willibaldi Gluck. Scrisse le tragedie liriche Ippolito e Arisia (1733), Castore e Polluce (1737), l'opera-balletto Gallant India (1735), brani per clavicembalo e altro ancora. I suoi lavori teorici rappresentano una tappa significativa nello sviluppo della dottrina dell'armonia.
Francois Couperin (1668-1733) - Compositore, clavicembalista e organista francese. Da una dinastia paragonabile alla dinastia tedesca dei Bach, poiché nella sua famiglia c'erano diverse generazioni di musicisti. Couperin è stato soprannominato "il grande Couperin" in parte per il suo senso dell'umorismo, in parte per il suo carattere. Il suo lavoro è l'apice dell'arte del clavicembalo francese. La musica di Couperin si distingue per l'inventiva melodica, la grazia e la perfezione dei dettagli.

1. Jean-Baptiste Lully sonata in la minore, 4a parte di "Gig".

2. Jean Philippe Rameau "Pollo" - interpretato da Arkady Kazaryan.

3. Francois Couperin "Sveglia" - interpretato da Ayana Sambuyeva.

Nel XVIII secolo - fine XIX secolo, la musica diventa una vera arma nella lotta per le proprie convinzioni e desideri. Appare un'intera galassia di compositori famosi: Maurice Ravel (Maurice Ravel), Jean-Philippe Rameau (Jean-Philippe Rameau), Claude Joseph Rouget de Lisle (1760-1836) ingegnere militare, poeta e compositore francese. Ha scritto inni, canzoni, romanzi. Nel 1792 scrisse la composizione "La Marseillaise", che in seguito divenne l'inno della Francia.

Inno di Francia.

Glück Christoph Willibald (1714-1787) è stato un famoso compositore franco-tedesco. La sua attività più gloriosa è legata alla scena operistica parigina, per la quale scrisse le sue migliori opere in parole francesi. Pertanto, i francesi lo considerano un compositore francese. Numerose sue opere: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" ed altre furono rappresentate a Milano, Torino, Venezia, Cremona. Dopo aver ricevuto un invito a Londra, Gluck scrisse due opere per il teatro Hay-Market: "La Caduta de Giganti" (1746) e "Artamene" e l'opera pot-pourri (pasticcio) "Pyram"

Melodia dall'opera "Orfeo ed Euridice".

Nel 19 ° secolo - i compositori Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel e altri.

Nel 20 ° secolo compaiono veri artisti professionisti. Sono stati loro a rendere le canzoni francesi così famose, creando un'intera direzione del chansonnier francese. Oggi i loro nomi sono fuori dal tempo e dalle mode. Questi sono Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Tutti loro sono conosciuti per le loro bellissime canzoni liriche, che hanno conquistato non solo il pubblico francese, ma anche altri paesi. Molti di loro sono stati coperti da altri artisti.

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http://ru.wikipedia.org/wiki, http://www.tlemb.ru/articles/french_music;
http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc1p/14802
http://www.fonstola.ru/download/84060/1600x900/
Materiale tratto dal libro "Musician's Companion" Editore - compilatore A. L. Ostrovsky; casa editrice "MUSIC" Leningrado 1969, p.340

musica francese- una delle culture musicali europee più interessanti e influenti, che trae le sue origini dal folklore delle tribù celtiche e germaniche che vivevano nell'antichità sul territorio dell'attuale Francia. Con la formazione della Francia durante il Medioevo, le tradizioni musicali popolari di numerose regioni del paese si fusero nella musica francese. La cultura musicale francese si sviluppò, interagendo anche con le culture musicali di altre nazioni europee, in particolare italiane e tedesche. Dalla seconda metà del XX secolo, la scena musicale francese si è arricchita delle tradizioni musicali degli africani. Non si allontana dalla cultura musicale mondiale, assorbe le nuove tendenze musicali e dà uno speciale sapore francese al jazz, al rock, all'hip-hop e alla musica elettronica.

Storia

origini

La cultura musicale francese cominciò a prendere forma su un ricco strato di canzoni popolari. Sebbene le più antiche testimonianze affidabili di canzoni sopravvissute fino ad oggi risalgano al XV secolo, i materiali letterari e artistici indicano che sin dai tempi dell'Impero Romano, la musica e il canto hanno occupato un posto di rilievo nella vita quotidiana delle persone.

La musica sacra arrivò nelle terre francesi con il cristianesimo. Originariamente latino, è gradualmente cambiato sotto l'influenza della musica popolare. La chiesa utilizzava materiale durante il culto comprensibile alla gente del posto. Tra il V e il IX secolo in Gallia si sviluppò un tipo particolare di liturgia: il rito gallicano con canto gallicano. Tra gli autori di inni sacri era famosa Ilario di Poitiers. Il rito gallicano è noto da fonti storiche, il che indica che differiva notevolmente da quello romano. Non sopravvisse, perché i re francesi lo abolirono, cercando di ricevere il titolo di imperatori da Roma, e la chiesa romana cercò di raggiungere l'unificazione dei servizi ecclesiastici.

La polifonia ha dato vita a nuovi generi di musica sacra e secolare, tra cui la direzione e il mottetto. La condotta veniva originariamente eseguita principalmente durante il servizio religioso festivo, ma in seguito divenne un genere puramente secolare. Tra gli autori della condotta c'è Perotin.

Basato sul direttore d'orchestra della fine del XII secolo. in Francia si formò il genere più importante della musica polifonica, il mottetto. I suoi primi esempi appartengono anche ai maestri della scuola parigina (Perotin, Franco di Colonia, Pierre de la Croix). Il mottetto consentiva la libertà di combinare melodie e testi liturgici e profani, combinazione che portò alla nascita nel XIII secolo. mottetto scherzoso. Il genere del mottetto ricevette un aggiornamento significativo nel XIV secolo sotto le condizioni della direzione ars nova, il cui ideologo era Philippe de Vitry.

Nell'arte dell'ars nova grande importanza veniva attribuita all'interazione tra la musica "quotidiana" e quella "scientifica" (cioè canto e mottetto). Philippe de Vitry creò un nuovo tipo di mottetto: il mottetto isoritmico. Le innovazioni di Philippe de Vitry interessarono anche la dottrina della consonanza e della dissonanza (annunciava consonanze di terze e seste).

Le idee dell'ars nova e, in particolare, del mottetto isoritmico continuarono il loro sviluppo nell'opera di Guillaume de Machaux, che combinò le conquiste artistiche dell'arte musicale e poetica cavalleresca con i suoi canti unanimi e la cultura musicale urbana polifonica. Possiede canzoni con un magazzino popolare (laici), virele, rondò, ha anche sviluppato per la prima volta il genere delle ballate polifoniche. Nel mottetto, Machaux ha utilizzato gli strumenti musicali in modo più coerente rispetto ai suoi predecessori (probabilmente le voci più basse prima erano strumentali). Macheud è considerato anche l'autore della prima Messa polifonica francese (1364).

Rinascimento

Alla fine del XV secolo in Francia si afferma la cultura del Rinascimento. Lo sviluppo della cultura francese fu influenzato da fattori come l'emergere della borghesia (XV secolo), la lotta per l'unificazione della Francia (che fu completata entro la fine del XV secolo) e la creazione di uno stato centralizzato. Di notevole importanza furono anche il continuo sviluppo dell'arte popolare e l'attività dei compositori della scuola franco-fiamminga.

Il ruolo della musica nella vita sociale è in crescita. I re francesi crearono grandi cappelle nelle loro corti, organizzarono festival musicali, la corte reale divenne il centro dell'arte professionale. Il ruolo della cappella di corte fu rafforzato. Con Enrico III approvò l'incarico di "intendente capo della musica" a corte, il primo a ricoprire questo incarico fu il violinista italiano Baltazarini de Belgioso. Oltre alla corte reale e alla chiesa, anche i salotti aristocratici furono importanti centri dell'arte musicale.

Il periodo di massimo splendore del Rinascimento, associato alla formazione della cultura nazionale francese, cade a metà del XVI secolo. In questo momento, la canzone polifonica secolare - chanson - divenne un genere eccezionale di arte professionale. Il suo stile polifonico riceve una nuova interpretazione, in consonanza con le idee degli umanisti francesi: Rabelais, Clement Marot, Pierre de Ronsard. L'autore principale delle chanson di quest'epoca è considerato Clement Janequin, che scrisse più di 200 canzoni polifoniche. Le canzoni hanno guadagnato fama non solo in Francia, ma anche all'estero, in gran parte grazie alla notazione musicale e al rafforzamento dei legami tra i paesi europei.

Durante il Rinascimento il ruolo della musica strumentale aumentò. Viola, liuto, chitarra, violino (come strumento popolare) erano ampiamente utilizzati nella vita musicale. I generi strumentali penetrarono sia nella musica quotidiana che nella musica professionale, in parte sacra. I brani di danza per liuto spiccavano tra quelli dominanti nel XVI secolo. opere polifoniche per plasticità ritmica, composizione omofonica, trasparenza della trama. Caratteristica era la combinazione di due o più danze secondo il principio del contrasto ritmico in cicli peculiari, che divennero la base della futura suite da ballo. Anche la musica d'organo acquisì un significato più indipendente. L'emergere della scuola d'organo in Francia (fine XVI secolo) è associato al lavoro dell'organista J. Titluz.

Formazione scolastica

17 ° secolo

Una forte influenza sulla musica francese del XVII secolo fu esercitata dall'estetica razionalistica del classicismo, che proponeva i requisiti di gusto, equilibrio tra bellezza e verità, chiarezza di intenzioni, armonia della composizione. Il classicismo, che si sviluppò contemporaneamente allo stile barocco, fu ricevuto in Francia nel XVII secolo. espressione completa.

In questo momento, la musica secolare in Francia prevale su quella spirituale. Con l'instaurazione della monarchia assoluta, l'arte di corte acquisì grande importanza, determinando la direzione dello sviluppo dei generi più importanti della musica francese di quel tempo: l'opera e il balletto. Gli anni del regno di Luigi XIV furono segnati dallo straordinario splendore della vita di corte, dal desiderio della nobiltà di lusso e di divertimenti sofisticati. A questo proposito, un ruolo importante è stato assegnato al balletto di corte. Nel XVII secolo Le tendenze italiane si intensificarono a corte, cosa facilitata soprattutto dal cardinale Mazzarino. La conoscenza dell'opera italiana è servita da incentivo per creare la propria opera nazionale, la prima esperienza in questo settore appartiene a Elisabeth Jacquet de la Guerre ("Il trionfo dell'amore").

Alla fine del XVII - prima metà del XVIII secolo, compositori come N. A. Charpentier, A. Kampra, M. R. Delaland, A. K. Detouche scrissero per il teatro. Con i successori di Lully la convenzionalità dello stile teatrale di corte si intensifica. Nelle loro tragedie liriche emergono i lati del balletto decorativo e dell'idillio pastorale e l'inizio drammatico è sempre più indebolito. La tragedia lirica lascia il posto all'opera-balletto.

Nel XVII secolo in Francia si svilupparono varie scuole strumentali: liuto (D. Gauthier, che influenzò lo stile del clavicembalo di J.-A. d "Anglebert, J. Ch. de Chambonnière), clavicembalo (Chambonniere, L. Couperin), violino (M. Marin , che per la prima volta in Francia introdusse il contrabbasso al posto della viola da viola nell'orchestra dell'opera). La scuola francese di clavicembalisti acquisì la massima importanza. Il primo stile di clavicembalo si formò sotto l'influenza diretta dell'arte del liuto. Il modo di ornamentare la melodia, caratteristico dei clavicembalisti francesi, si rifletteva nelle opere di Chambonnière. L'abbondanza di decorazioni conferiva alle opere per clavicembalo una certa raffinatezza, così come una maggiore coerenza, "melodiosità", suono "lungo" a scatti di questo strumento Nella musica strumentale fu ampiamente utilizzata la combinazione di danze accoppiate (pavana, gagliarda, ecc.) utilizzata fin dal XVI secolo, che portò nel XVII secolo alla creazione di una suite strumentale.

18esimo secolo

Nel XVIII secolo, con la crescente influenza della borghesia, presero forma nuove forme di vita musicale e sociale. A poco a poco i concerti vanno oltre le sale del palazzo e i salotti aristocratici. Ad A. Philidor (Danikan) ha organizzato regolarmente "Concerti spirituali" pubblici a Parigi, a Francois Gossec ha fondato la società "Concerti amatoriali". Le serate della società accademica "Amici di Apollo" (fondata nel) erano di carattere più chiuso, la serie annuale di concerti era organizzata dalla "Royal Academy of Music".

Negli anni 20-30 del XVIII secolo. la suite per clavicembalo raggiunge il suo apice. Tra i clavicembalisti francesi il ruolo di primo piano spetta a F. Couperin, autore di cicli liberi basati sui principi di somiglianza e contrasto dei brani. Oltre a Couperin, un grande contributo allo sviluppo della suite per clavicembalo caratteristica del programma è stato dato anche da J. F. Dandre e soprattutto da J. F. Rameau.

Anche il sistema dell’educazione musicale ha subito radicali trasformazioni. Le metriche furono abolite; ma nella scuola di musica della Guardia Nazionale fu aperta la formazione di musicisti militari, e nell'Istituto Nazionale di Musica (con il Conservatorio di Parigi).

Il periodo della dittatura napoleonica (1799-1814) e della Restaurazione (1814-15, 1815-30) non portò risultati brillanti alla musica francese. Con la fine della Restaurazione si assiste ad una ripresa nel campo della cultura. Nella lotta contro l'arte accademica dell'Impero napoleonico prese forma l'opera romantica francese, che negli anni '20 e '30 occupò una posizione dominante (F. Aubert). Negli stessi anni si formò il genere della grande opera su argomenti storici, patriottici ed eroici. Il romanticismo musicale francese ha trovato la sua espressione più vivida nell'opera di G. Berlioz, il creatore del sinfonismo romantico programmatico. Berlioz, insieme a Wagner, è anche considerato il fondatore di una nuova scuola di direzione d'orchestra.

Un evento importante nella vita sociale della Francia negli anni '70 dell'Ottocento fu la Comune di Parigi del 1870-1871. Questo periodo diede origine a molte canzoni di lavoro, una delle quali - "L'Internazionale" (musica di Pierre Degeyter sulle parole di Eugene Pottier) divenne l'inno dei partiti comunisti, e nel 1944 - l'inno dell'URSS.

20 ° secolo

Tra la fine degli anni '80 e '90 del XIX secolo, in Francia sorse una nuova tendenza, che si diffuse all'inizio del XX secolo: l'impressionismo. L'impressionismo musicale ha fatto rivivere alcune tradizioni nazionali: il desiderio di concretezza, programmatismo, raffinatezza di stile, trasparenza di trama. L'impressionismo ha trovato la sua massima espressione nella musica di C. Debussy, ha influenzato il lavoro di M. Ravel, P. Duke e altri. L'impressionismo introdusse innovazioni anche nel campo dei generi musicali. Nell'opera di Debussy, i cicli sinfonici lasciano il posto agli abbozzi sinfonici; la musica per pianoforte è dominata dalle miniature dei programmi. Maurice Ravel fu influenzato anche dall'estetica dell'impressionismo. Nel suo lavoro si intrecciano varie tendenze estetiche e stilistiche: romantiche, impressioniste e, nelle sue opere successive, tendenze neoclassiche.

Insieme alle tendenze impressioniste nella musica francese a cavallo tra il XIX e il XX secolo. le tradizioni di Saint-Saëns continuarono a svilupparsi, così come quelle di Franck, la cui opera è caratterizzata da una combinazione di chiarezza di stile classica con vivide immagini romantiche.

La Francia ha svolto un ruolo significativo nello sviluppo della musica elettronica - fu qui che alla fine degli anni '40 apparve la musica concreta, un computer con input grafico di informazioni - l'UPI fu sviluppato sotto la guida di Xenakis e negli anni '70 la direzione della musica spettrale è nato in Francia. Dal 1977 l'IRCAM, istituto di ricerca fondato da Pierre Boulez, è diventato il centro della musica sperimentale.

Modernità

musica accademica

Il centro musicale della Francia rimane la sua capitale: Parigi. L'Opera di Stato di Parigi funziona a Parigi (dà spettacoli all'Opera Garnier e all'Opera Bastille), concerti e spettacoli d'opera si tengono al Teatro degli Champs Elysees, tra i principali gruppi musicali ci sono l'Orchestra Nazionale di Francia, l'Orchestra Filarmonica di Radio France, l'Orchestra di Parigi, l'Orchestra della Colonna e altri.

Tra le istituzioni educative musicali specializzate ci sono il Conservatorio di Parigi, la Scola Cantorum, l'Ecole Normal - a Parigi. Il centro di ricerca musicale più importante è l'Istituto di Musicologia dell'Università di Parigi. Libri, materiali d'archivio sono conservati nella Biblioteca Nazionale (nel cui è stato creato il dipartimento di musica), nella Biblioteca e nel Museo degli Strumenti Musicali del Conservatorio.

Nella cultura moderna, la musica popolare francese è chiamata chanson, che conserva il ritmo specifico della lingua francese, a differenza delle canzoni scritte sotto l'influenza della musica in lingua inglese. Tra i brillanti interpreti di chanson ci sono Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Leo Ferret, Jean Ferrat, Georges Moustaki, Mireille Mathieu, Patricia Kaas e altri. Gli artisti di chanson francesi vengono solitamente chiamati chansonniers. Negli anni '60, una varietà popolare di chanson era la regia e yé-yé, yéyé, rappresentata principalmente da interpreti femminili, tra cui France Gall, Sylvie Vartan, Brigitte Bardot, Francoise Hardy, Dalida, Michel Torre.

La Francia ha ospitato l'Eurovision Song Contest tre volte, e anni. Cinque musicisti francesi hanno vinto l'Eurovision Song Contest: Andre Clavier (), Jacqueline Boyer (), Isabelle Aubret (), Frida Boccara () e Marie Miriam (), dopo di che il secondo posto è stato il più alto risultato francese degli ultimi anni.

Jazz

Un fenomeno specifico è stato l'house francese, caratterizzato dall'abbondanza di effetti faser e tagli di frequenza, inerenti all'Eurodisco degli anni '70. I fondatori di questa direzione sono Daft Punk, Cassius ed Etienne de Crécy. Negli anni 2000, il DJ house David Guetta è diventato uno dei musicisti francesi più pagati.

Rock e hip-hop

La musica rock in Francia esiste dalla fine degli anni '50, grazie ad artisti come Johnny Hallyday, Richard Anthony, Dick Rivers e Claude François, che eseguivano rock and roll nello spirito di Elvis Presley. Negli anni '70, il rock progressivo era ben sviluppato in Francia. Tra i patriarchi del rock francese negli anni '60 e '70 ci sono i gruppi di rock progressivo Art Zoyd, Gong, Magma, simili nel suono al kraut rock tedesco. Gli anni '70 videro anche una fiorente scena rock celtica, soprattutto nel nord-ovest del paese da cui provengono Alan Stivell, Malicorne, Tri Yann e altri. I gruppi chiave degli anni '80 sono i post-punk Noir Désir, i metaller Shakin "Street e Mystery Blue. Negli anni '90, in Francia si è formato un movimento underground black metal Les Légions Noires. I gruppi di maggior successo dell'ultimo decennio sono i metaller Anorexia Nervosa e l'esecuzione del rapcore Pleymo.

I Pleymo sono anche associati alla scena hip hop francese. Questo stile "street" è molto popolare tra i non indigeni, gli immigrati arabi e africani. Alcuni artisti provenienti da famiglie immigrate hanno raggiunto la fama di massa, come K. Maro, Diam's, MC Solaar, Stromae, Sexion d'Assaut.

La Francia ospita festival di musica rock come Eurockéennes (dal 1989), La Route du Rock (dal 1991), Vieilles Charrues Festival (dal 1992), Rock en Seine (dal 2003), Main Square Festival (dal 2004), Les Massiliades (dal 2008).

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Letteratura

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Un estratto che caratterizza la musica francese

Tutte queste notizie mi hanno dato le vertigini... Ma Veya, come al solito, era sorprendentemente calma, e questo mi ha dato la forza di chiedere ancora.
- E chi chiami adulto? .. Se ce ne sono, ovviamente.
- Beh, certo! La ragazza rise sinceramente. - Voglio vedere?
Ho semplicemente annuito, perché all'improvviso la mia gola è stata completamente presa dalla paura, e il mio dono di conversazione "svolazzante" si è perso da qualche parte ... Ho capito perfettamente che in questo momento avrei visto una vera creatura "stellare"! .. E, nonostante ciò, che, per quanto potevo ricordare, avevo aspettato questo per tutta la mia vita cosciente, ora all'improvviso tutto il mio coraggio per qualche motivo rapidamente "è andato alle calcagna" ...
Veya agitò la mano: il terreno è cambiato. Invece di montagne dorate e un ruscello, ci siamo ritrovati in una "città" meravigliosa, commovente, trasparente (in ogni caso sembrava una città). E proprio verso di noi, lungo una "strada" ampia, bagnata e argentata, camminava lentamente un uomo straordinario... Era un vecchio alto e orgoglioso, che non poteva essere definito altro che maestoso! a volte molto corretto e pensieri saggi - e puri, come il cristallo (che per qualche motivo ho sentito molto chiaramente); e lunghi capelli argentati lo ricoprono con un mantello scintillante; e gli stessi, sorprendentemente gentili, enormi occhi viola "Vaina" ... E sulla sua fronte alta brillava, meravigliosamente scintillante d'oro, una "stella" di diamanti.
"Riposa in pace, padre", disse Veya dolcemente, toccandosi la fronte con le dita.
"E tu, il defunto", rispose tristemente il vecchio.
Da lui emanava infinita gentilezza e affetto. E all'improvviso volevo davvero, come un bambino piccolo, seppellire la testa tra le sue ginocchia e nascondermi da tutto per almeno qualche secondo, respirando la pace profonda che emana da lui, e non pensare al fatto che ho paura . .. che non so dove sia casa mia... e che non so affatto - dove mi trovo, e cosa mi sta realmente accadendo in questo momento...
– Chi sei, creatura?.. – Sentii mentalmente la sua voce gentile.
“Sono umano”, risposi. “Mi dispiace disturbare la vostra pace. Il mio nome è Svetlana.
L'anziano mi guardò calorosamente e attentamente con i suoi occhi saggi, e per qualche motivo in essi brillava l'approvazione.
"Volevi vedere il Saggio - lo vedi", disse Veya tranquillamente. - Vuoi chiedermi una cosa?
- Per favore dimmi, esiste il male nel tuo meraviglioso mondo? – anche se mi vergognavo della mia domanda, ho comunque deciso di chiedere.
- Cosa chiami "malvagio", umana-Svetlana? chiese il saggio.
- Bugie, omicidi, tradimenti... Non hai parole del genere?...
- È stato tanto tempo fa... nessuno se lo ricorda più. Solo io. Ma sappiamo di cosa si trattava. Questo è incorporato nella nostra "memoria antica" per non dimenticare mai. Vieni da dove vive il male?
Ho annuito tristemente. Ero molto dispiaciuto per la mia Terra natale e per il fatto che la vita su di essa fosse così selvaggiamente imperfetta da farmi porre tali domande... Ma, allo stesso tempo, volevo davvero che il Male lasciasse la nostra Casa per sempre, perché quella Amavo questa casa con tutto il cuore e molto spesso sognavo che un giorno sarebbe arrivato un giorno così meraviglioso in cui:
una persona sorriderà di gioia, sapendo che le persone possono solo portargli del bene...
quando una ragazza sola non ha paura di camminare di sera per la strada più buia, senza paura che qualcuno la offenda...
quando potrai aprire il tuo cuore con gioia, senza paura che il tuo migliore amico ti tradisca...
quando sarà possibile lasciare qualcosa di molto costoso proprio per strada, senza temere che se ti giri dall'altra parte, verrà immediatamente rubato ...
E sinceramente, con tutto il cuore, credevo che da qualche parte esistesse davvero un mondo così meraviglioso, dove non c'è male e paura, ma c'è una semplice gioia di vivere e bellezza ... Ecco perché, seguendo il mio sogno ingenuo, Ho approfittato della minima occasione per imparare almeno qualcosa su come sia possibile distruggere proprio questo, così tenace e così indistruttibile, il nostro Male terreno... E ancora una cosa - affinché non si vergogni mai di dirlo a qualcuno da qualche parte che sono un essere umano....
Naturalmente, questi erano sogni d'infanzia ingenui ... Ma allora ero ancora solo un bambino.
– Mi chiamo Atis, Svetlana Man. Vivo qui dall'inizio, ho visto il Male... Tanto male...
– E come hai fatto a sbarazzartene, saggio Hatis?! Qualcuno ti ha aiutato?.. - chiesi speranzoso. - Puoi aiutarci?.. Dacci almeno un consiglio?
– Abbiamo trovato il motivo... E l'abbiamo ucciso. Ma la tua malvagità è fuori dal nostro controllo. È diverso... Proprio come te e gli altri. E non sempre il bene di qualcun altro può essere un bene per te. Devi trovare la tua ragione. E distruggilo, - mi mise delicatamente la mano sulla testa e una pace meravigliosa fluì dentro di me ... - Addio, umana Svetlana ... Troverai la risposta alla tua domanda. Riposati...
Rimasi immerso nei miei pensieri e non prestai attenzione al fatto che la realtà che mi circondava era cambiata molto tempo fa, e invece di una città strana e trasparente, ora "galleggiavamo" su una densa "acqua" viola su alcune insolite, dispositivo piatto e trasparente, sul quale non c'erano maniglie, né remi: niente di niente, come se fossimo su un grande, sottile vetro trasparente in movimento. Anche se non si è sentito alcun movimento o beccheggio. Scivolava sulla superficie in modo sorprendentemente fluido e calmo, facendoti dimenticare che si stesse muovendo...
– Di cosa si tratta?.. Dove stiamo navigando? chiesi sorpreso.
"Per andare a prendere il tuo piccolo amico", rispose Veya con calma.
- Ma come?!. Lei non può...
- Sarà in grado. Ha il tuo stesso cristallo, fu la risposta. - La incontreremo al "ponte", - e senza spiegare altro, presto fermò la nostra strana "barca".
Ora eravamo già ai piedi di una sorta di brillante muro nero "lucido" come la notte, che era nettamente diverso da tutto ciò che era luminoso e scintillante intorno, e sembrava creato artificialmente e alieno. All'improvviso, il muro “si aprì”, come se in quel luogo fosse costituito da una fitta nebbia, e in un “bozzolo” dorato apparve… Stella. Fresca e sana, come se fosse appena andata a fare una piacevole passeggiata... E, naturalmente, era molto contenta di quello che stava succedendo... Quando mi vide, il suo bel viso si illuminò di gioia e, per abitudine, lei subito chiacchierato:
– Ci sei anche tu?!... Oh, che bello!!! Ed ero così preoccupato!... Così preoccupato!... Pensavo che ti fosse successo qualcosa. Ma come sei arrivata qui?.. - il bambino mi guardò interdetto.
"La penso come te", sorrisi.
- E quando ho visto che eri portato via, ho subito cercato di raggiungerti! Ma ho provato e riprovato e niente ha funzionato... finché non è arrivata lei. Stella indicò Wei con la penna. “Ti sono molto grato per questo, ragazza Wei! - secondo la sua buffa abitudine di rivolgersi a due persone contemporaneamente, ringraziò dolcemente.
- Questa "ragazza" ha due milioni di anni... - sussurrai all'orecchio del mio amico.
Gli occhi di Stella si spalancarono per la sorpresa, e lei stessa rimase in piedi in un tranquillo tetano, digerendo lentamente la straordinaria notizia ...
"Ka-a-ak - due milioni? .. Perché è così piccola? .." sussurrò Stella, sbalordita.
- Sì, dice che vivono a lungo ... Forse la tua essenza viene dallo stesso posto? Scherzavo. Ma a Stella, a quanto pare, la mia battuta non è piaciuta affatto, perché si è subito indignata:
- Come puoi?!..io sono uguale a te! Non sono affatto viola!
Mi sono sentito strano e mi sono vergognato un po': il bambino era un vero patriota...
Non appena Stella è apparsa qui, mi sono sentita subito felice e forte. Apparentemente, le nostre comuni, a volte pericolose, "passeggiate sul pavimento" hanno avuto un effetto positivo sul mio umore, e questo ha immediatamente rimesso tutto al suo posto.
Stella si guardò attorno contenta, ed era chiaro che era ansiosa di bombardare la nostra “guida” con mille domande. Ma la ragazzina si trattenne eroicamente, cercando di apparire più seria e matura di quanto non fosse in realtà...
"Dimmi per favore, ragazza di Weya, dove possiamo andare?" chiese Stella molto educatamente. A quanto pare, non è mai riuscita a "mettersi" in testa l'idea che Veya potesse essere così "vecchia" ...
"Dove vuoi, visto che sei qui", rispose con calma la ragazza della "stella".
Ci siamo guardati intorno: siamo stati trascinati in tutte le direzioni contemporaneamente! .. È stato incredibilmente interessante e volevo vedere tutto, ma abbiamo capito perfettamente che non potevamo restare qui per sempre. Pertanto, vedendo come Stella si agita con impazienza, le ho suggerito di scegliere dove saremmo andati.
- Oh, per favore, possiamo vedere che tipo di "animale" hai qui? – inaspettatamente per me, chiese Stella.
Certo, mi piacerebbe vedere qualcos'altro, ma non c'era nessun posto dove andare - lei stessa le ha suggerito di scegliere ...
Ci siamo trovati nelle sembianze di una foresta luminosissima, infuriata di colori. Era assolutamente incredibile!... Ma per qualche motivo all'improvviso ho pensato che non avrei voluto restare a lungo in una foresta del genere... Era, ancora una volta, troppo bello e luminoso, un po' opprimente, per niente come la nostra foresta terrosa, rilassante e fresca, verde e leggera.
Forse è vero che ognuno dovrebbe essere dove veramente appartiene. E ho subito pensato alla nostra dolce bambina "stella"... Quanto le sarà mancata la sua casa e il suo ambiente nativo e familiare!.. Solo ora potevo almeno capire un po' quanto dovesse essere sola sul nostro pianeta imperfetto e talvolta Terra pericolosa...
- Per favore dimmi, Veya, perché Atis ti ha detto che sei andato via? - Alla fine ho posto la domanda che mi girava fastidiosamente in testa.
“Oh, è perché, molto tempo fa, la mia famiglia si offrì volontaria per aiutare altri esseri che avevano bisogno del nostro aiuto. Questo ci succede spesso. E i defunti non tornano mai a casa loro... Questo è il diritto di libera scelta, quindi sanno cosa stanno facendo. Ecco perché Atis ha avuto pietà di me...
Chi se ne va se non puoi tornare? Stella rimase sorpresa.
"Moltissimi... A volte anche più del necessario", disse tristemente Veya. – Una volta i nostri “saggi” avevano addirittura paura che non ci sarebbero rimasti abbastanza viilis per abitare normalmente il nostro pianeta...
"Cos'è un wiilis?" chiese Stella.
- Questi siamo noi. Proprio come voi umani, siamo viilis. E il nostro pianeta si chiama Viilis. Wei rispose.
E poi all'improvviso mi sono reso conto che per qualche motivo non avevamo nemmeno pensato di chiederlo prima!.. Ma questa è la prima cosa che avremmo dovuto chiedere!
Sei cambiato o sei sempre stato così? ho chiesto di nuovo.
"Sono cambiati, ma solo all'interno, se è questo che intendevi", rispose Veya.
Un uccello enorme, follemente luminoso e multicolore volò sopra le nostre teste ... Una corona di brillanti "piume" arancioni brillava sulla sua testa e le sue ali erano lunghe e soffici, come se indossasse una nuvola multicolore. L'uccello si sedette su una pietra e guardò molto serio nella nostra direzione...
Perché ci guarda così da vicino? - chiese Stella tremante, e mi sembrò che avesse un'altra domanda in testa: “questo “uccellino” ha già cenato oggi?”...
L'uccello saltò cautamente più vicino. Stella squittì e fece un salto indietro. L'uccello fece un altro passo... Era tre volte più grande di Stella, ma non sembrava aggressivo, quanto piuttosto curioso.
"Cosa? Le piacevo, vero?" Stella fece il broncio. Perché non viene da te? Cosa vuole da me?
È stato divertente vedere come la ragazzina si tratteneva a malapena per non sparare un proiettile lontano da qui. Apparentemente un bellissimo uccello non le ha causato molta simpatia ...
All'improvviso l'uccello spiegò le ali e ne uscì uno splendore accecante. Lentamente, lentamente, una nebbia cominciò a turbinare sulle ali, simile a quella che svolazzava su Veya quando l'abbiamo vista per la prima volta. La nebbia vorticava e si addensava sempre di più, diventando come una fitta cortina, e da questa cortina enormi occhi quasi umani ci guardavano ...
- Oh, si sta trasformando in qualcuno?!.. - strillò Stella. - Guarda guarda!
C'era davvero qualcosa da guardare, dal momento che l '"uccello" cominciò improvvisamente a "deformarsi", trasformandosi in una bestia, con occhi umani, o in un uomo, con un corpo animale ...
- Che cos'è? La mia ragazza ha strabuzzato gli occhi castani per la sorpresa. - Cosa le sta succedendo?
E l '"uccello" era già scivolato fuori dalle ali e davanti a noi c'era una creatura molto insolita. Sembrava un mezzo uccello e metà umano, con un grande becco e un volto umano triangolare, molto flessibile, come quello di un ghepardo, corpo e movimenti predatori e selvaggi... Era molto bella e, allo stesso tempo, molto allarmante.
Questo è Miard. – presentato come Weya. - Se vuoi, ti mostrerà le "creature viventi", come dici tu.
La creatura, chiamata Miard, cominciò di nuovo ad apparire con ali di fata. E li ha agitati in modo invitante nella nostra direzione.
– E perché proprio lui? Sei molto impegnata, "stella" Weya?
Stella aveva una faccia molto infelice, perché aveva chiaramente paura di questo strano “bellissimo mostro”, ma a quanto pare non aveva il coraggio di ammetterlo. Penso che preferirebbe andare con lui piuttosto che poter ammettere di essere semplicemente spaventata ... Veya, leggendo chiaramente i pensieri di Stella, la rassicurò immediatamente:
È molto affettuoso e gentile, ti piacerà. Dopotutto, volevi vedere i vivi, ed è lui che lo sa meglio di tutti.
Miard si avvicinò con cautela, come se intuisse che Stella aveva paura di lui... Ma questa volta, per qualche motivo, non avevo affatto paura, anzi il contrario: mi interessava moltissimo.
Si avvicinò a Stella, che in quel momento stava già quasi strillando dentro per l'orrore, e le toccò dolcemente la guancia con la sua ala morbida e soffice ... Una nebbia viola vorticava sopra la testa rossa di Stella.
- Oh, guarda - Ho lo stesso di Weya!.. - esclamò entusiasta la ragazzina sorpresa. – Ma come è potuto succedere?.. Oh-oh, che bello!.. – già questo si riferiva ad una nuova zona con animali assolutamente incredibili apparsi davanti ai nostri occhi.
Ci trovavamo sulla riva collinare di un ampio fiume a specchio, la cui acqua era stranamente "congelata" e sembrava facile camminarci sopra - non si muoveva affatto. Sopra la superficie del fiume, come un dolce fumo trasparente, vorticava una nebbia scintillante.
Come ho finalmente intuito, questa “nebbia, che abbiamo visto ovunque qui, in qualche modo ha potenziato qualsiasi azione delle creature che vivono qui: ha aperto loro la luminosità della loro visione, è servita come mezzo affidabile di teletrasporto, in generale, ha aiutato in tutto, non importa cosa in quel momento questi esseri non erano impegnati. E penso che fosse usato per qualcos'altro, molto, molto di più, che ancora non riuscivamo a capire...
Il fiume serpeggiava in un bellissimo e ampio "serpente" e, allontanandosi dolcemente in lontananza, scompariva da qualche parte tra le lussureggianti colline verdi. E animali meravigliosi camminavano, giacevano e volavano lungo entrambe le sue sponde... Era così bello che siamo rimasti letteralmente congelati, stupiti da questo spettacolo incredibile...
Gli animali erano molto simili a draghi reali senza precedenti, molto luminosi e orgogliosi, come se sapessero quanto fossero belli ... I loro colli lunghi e ricurvi brillavano di oro arancione e sulle loro teste brillavano corone a spillo con denti rossi. Gli animali reali si muovevano lentamente e maestosamente, e ad ogni movimento risplendevano i loro corpi squamosi, blu madreperla, che letteralmente prendevano fuoco, cadendo sotto i raggi del sole blu-oro.
- Bellezza-e-e-sche!!! Stella sospirò deliziata. - Sono molto pericolosi?
“Quelli pericolosi non vivono qui, non li abbiamo da molto tempo. Non ricordo quanto tempo fa... – è arrivata la risposta, e solo allora ci siamo accorti che Veya non era con noi, ma Miard si stava rivolgendo a noi...
Stella si guardò intorno timorosa, apparentemente non sentendosi troppo a suo agio con la nostra nuova conoscenza...
"Quindi non corri alcun pericolo?" Ero sorpreso.
“Solo esterni”, fu la risposta. - Se attaccano.
– Succede anche questo?
"L'ultima volta è stato davanti a me", rispose Miard seriamente.
La sua voce risuonava morbida e profonda nel nostro cervello, come il velluto, ed era molto insolito pensare che un essere mezzo umano così strano comunichi con noi nella nostra "lingua"... Ma probabilmente siamo già troppo abituati a cose diverse, miracoli trascendenti, perché dopo un minuto hanno comunicato liberamente con lui, dimenticando completamente che questa non è una persona.
- E cosa - non ne hai mai, nessun problema?!. La bambina scosse la testa incredula. “Ma allora non ti interessa affatto vivere qui!”
Esprimeva la vera, inestinguibile "sete di avventura" terrestre. E l'ho capito perfettamente. Ma per Miard, penso che sarebbe molto difficile spiegarlo...
- Perché non è interessante? - la nostra "guida" rimase sorpresa e all'improvviso, interrompendosi, indicò in alto. – Guarda – Savii!!!
Abbiamo alzato lo sguardo e siamo rimasti sbalorditi... Nel cielo rosa chiaro, creature favolose si libravano dolcemente!... Erano completamente trasparenti e, come ogni altra cosa su questo pianeta, incredibilmente colorate. Sembrava che fiori meravigliosi e scintillanti volassero nel cielo, solo che erano incredibilmente grandi ... E ognuno di loro aveva un volto diverso, straordinariamente bello e ultraterreno.
“Oh-oh.... Guarda-e-quelli... Oh, che meraviglia...” disse Stella, completamente sbalordita, in un sussurro per qualche motivo.
Non credo di averla mai vista così scioccata. Ma c'era davvero qualcosa di cui stupirsi... In nessuna fantasia, nemmeno nella più violenta, era impossibile immaginare creature simili!... Erano così aerei che sembrava che i loro corpi fossero intessuti di una nebbia lucente... , spruzzando scintillante polvere dorata dietro di lui... Miard "fischiò" qualcosa di strano, e le favolose creature iniziarono improvvisamente a scendere dolcemente, formando un enorme "ombrello" sopra di noi, lampeggiando con tutti i colori del loro folle arcobaleno... Era così bellissimo da togliere il fiato!
Savia, blu madreperla e dalle ali rosa, è stata la prima ad "atterrare" su di noi, la quale, dopo aver piegato le sue scintillanti ali-petali in un "bouquet", ha iniziato a guardarci con grande curiosità, ma senza alcuna paura ... Era impossibile guardare con calma la sua bizzarra bellezza, che attraeva come una calamita e voleva ammirarla all'infinito ...
– Non cercare a lungo – i Savii sono affascinanti. Non vorrai andartene da qui. La loro bellezza è pericolosa se non vuoi perderti", disse tranquillamente Miard.
"Ma come hai detto che qui non c'è niente di pericoloso?" Quindi non è vero? Stella si indignò immediatamente.
“Ma questo non è il tipo di pericolo da temere o da combattere. Pensavo che intendessi questo quando hai chiesto: - Miard era sconvolta.
- Dai! Sembra che abbiamo idee diverse su molte cose. E' normale, no? - "nobilmente" rassicurò il suo bambino. - Posso parlare con loro?
- Parla se puoi sentire. - Miard si è rivolto al miracolo Savia, che era sceso da noi, e ha mostrato qualcosa.
La meravigliosa creatura sorrise e si avvicinò a noi, mentre il resto dei suoi (o lei? ..) amici continuava a librarsi facilmente proprio sopra di noi, scintillando e scintillando alla luce del sole.
"Io sono Lilis... volpe... è..." sussurrò una voce straordinaria. Era molto morbido e allo stesso tempo molto risonante (se concetti così opposti possono essere combinati in uno solo).
Ciao bella Lilis. Stella salutò con gioia la creatura. - Sono Stella. Ed eccola qui: Svetlana. Siamo persone. E tu, lo sappiamo, Savia. Da dove sei volato? E cos'è Savya? - le domande sono piovute ancora come grandine, ma non ho nemmeno provato a fermarla, perché era completamente inutile ... Stella semplicemente “voleva sapere tutto!”. Ed è sempre rimasto così.
Lilis le si avvicinò molto e cominciò a esaminare Stella con i suoi bizzarri occhi enormi. Erano di un cremisi brillante, con pagliuzze dorate all'interno, e scintillavano come pietre preziose. Il volto di questa creatura miracolosa sembrava sorprendentemente delicato e fragile e aveva la forma di un petalo del nostro giglio terrestre. Lei “parlava” senza aprire bocca, sorridendoci allo stesso tempo con le sue piccole labbra rotonde... Ma, probabilmente, la cosa più sorprendente erano i loro capelli... Erano lunghissimi, arrivavano quasi al limite della un'ala trasparente, assolutamente senza peso e, non avendo un colore permanente, lampeggiava continuamente con gli arcobaleni brillanti più vari e inaspettati ... I corpi trasparenti di Savia erano asessuati (come il corpo di un piccolo bambino terreno), e dal in seguito si trasformavano in “ali-petali”, che li facevano davvero sembrare dei grandi fiori colorati...
"Siamo arrivati ​​in aereo dalle montagne... oppure..." risuonò di nuovo la strana eco.
"Potresti dircelo prima?" chiese Miarda, impaziente, Stella. - Loro chi sono?
- Una volta furono portati da un altro mondo. Il loro mondo stava morendo e noi volevamo salvarli. All'inizio pensavano di poter vivere con tutti, ma non potevano. Vivono molto in alto sulle montagne, nessuno può arrivarci. Ma se li guardi a lungo negli occhi, lo porteranno con sé... E tu vivrai con loro.
Stella rabbrividì e si allontanò leggermente da Lilis, che le stava accanto... - E cosa fanno quando ti portano via?
- Niente. Vivono semplicemente con coloro che vengono portati via. Probabilmente avevano un mondo diverso nel mondo, ma ora lo fanno solo per abitudine. Ma per noi sono molto preziosi: "puliscono" il pianeta. Nessuno si è mai ammalato dopo il loro arrivo.
– Quindi li hai conservati non perché ti compatissero, ma perché ne avevi bisogno?!.. Fa bene usarli? - Avevo paura che Miard si offendesse (come si suol dire - non entrare nella capanna di qualcun altro con gli stivali ...) e spinsi con forza Stella di lato, ma lei non mi prestò attenzione, e ora si voltò verso Savia. – Ti piace vivere qui? Sei triste per il tuo pianeta?
- No, no ... È bellissimo-salice selvatico ... - sussurrò la stessa voce dolce. - E beh, osho...
Lilis sollevò inaspettatamente uno dei suoi scintillanti "petali" e accarezzò dolcemente la guancia di Stella.
"Baby... Good-shay-ay... Stella-la-a..." e la nebbia scintillò sopra la testa di Stella per la seconda volta, ma questa volta era multicolore...
Lilis sbatté dolcemente le sue ali di petali trasparenti e cominciò lentamente ad alzarsi finché non si unì alle sue. I Savii si agitarono e all'improvviso, lampeggiando molto intensamente, scomparvero ...
- Dove vanno? la bambina rimase sorpresa.
- Se ne sono andati. Ecco, guarda... – e Miard indicò già molto lontano, in direzione delle montagne, fluttuanti dolcemente nel cielo rosa, creature meravigliose illuminate dal sole. Sono andati a casa...
Wei è apparso all'improvviso...
"È ora per te", disse tristemente la ragazza della "stella". «Non puoi restare qui così a lungo. È difficile.
“Oh, ma non abbiamo ancora visto nulla! Stella era sconvolta. – Possiamo tornare qui, cara Veya? Addio, caro Miard! Sei bravo. Tornerò sicuramente da te! - come sempre, rivolgendosi a tutti insieme, Stella ha salutato.
Veya agitò la mano, e noi ancora una volta volteggiammo in un frenetico vortice di materia scintillante, dopo un breve (o forse solo sembrò breve?) attimo che ci "gettò" sul nostro solito "pavimento" Mentale...
- Oh, quanto è interessante! .. - squittì Stella deliziata.
Sembrava che fosse pronta a sopportare i carichi più pesanti, se non altro per tornare ancora una volta nel colorato mondo di Weiying che aveva tanto amato. All'improvviso ho pensato che le doveva essere piaciuto davvero, visto che era molto simile al suo, che le piaceva crearsi qui, sui “pavimenti”...
Il mio entusiasmo è un po' diminuito, perché avevo già visto con i miei occhi questo bellissimo pianeta, e ora volevo qualcos'altro!.. sentivo quel vertiginoso “sapore dell'ignoto”, e avevo proprio voglia di ripeterlo... sapevo che questa "fame" avrebbe avvelenato la mia ulteriore esistenza e che mi sarebbe mancata continuamente. Quindi, volendo rimanere almeno una piccola persona felice in futuro, dovevo trovare un modo per "aprire" per me stesso la porta su altri mondi ... Ma poi ancora difficilmente capivo che aprire una porta del genere non era così semplice ... E che passeranno ancora tanti inverni mentre liberamente "camminerò" dove voglio, e che qualcun altro mi aprirà questa porta... E quest'altro sarà il mio meraviglioso marito.
"Bene, cosa faremo dopo?" Stella mi ha tirato fuori dai miei sogni.
Era sconvolta e triste di non poter vedere di più. Ma ero molto felice che fosse tornata se stessa e ora ero assolutamente sicuro che da quel giorno in poi avrebbe smesso definitivamente di deprimersi e sarebbe stata di nuovo pronta per qualsiasi nuova "avventura".
"Perdonami, per favore, ma probabilmente non farò altro oggi..." dissi in tono di scusa. Ma grazie mille per l'aiuto.
Stella sorrise. Amava sentirsi necessaria, quindi ho sempre cercato di mostrarle quanto significasse per me (il che era assolutamente vero).
- OK. Andiamo da qualche altra parte, - concordò con compiacenza.
Penso che anche lei, come me, fosse un po' smunta, solo che, come sempre, cercava di non darlo a vedere. Le ho fatto un cenno con la mano... e sono finito a casa, sul mio divano preferito, con un mucchio di impressioni che ora dovevo comprendere con calma, e lentamente, senza fretta, da "digerire"...

Quando avevo dieci anni, mi ero molto affezionato a mio padre.
L'ho sempre adorato. Ma, sfortunatamente, nella mia prima infanzia viaggiava molto ed era a casa troppo raramente. Ogni giorno trascorso con lui in quel periodo era per me una vacanza, che poi ricordavo a lungo, e raccoglievo poco a poco tutte le parole pronunciate da papà, cercando di conservarle nell'anima, come un dono prezioso.
Fin da piccolo ho sempre avuto l'impressione di dover meritare l'attenzione di mio padre. Non so da dove venga né perché. Nessuno mi ha mai impedito di vederlo o di parlargli. Mia madre, al contrario, cercava sempre di non disturbarci se ci vedeva insieme. E papà era sempre felice di trascorrere con me tutto il tempo libero rimasto dal lavoro. Andavamo con lui nel bosco, piantavamo fragole nel nostro giardino, andavamo al fiume a fare una nuotata o semplicemente chiacchieravamo sotto il nostro vecchio melo preferito, che è quello che mi piaceva fare quasi di più.

Nel bosco per i primi funghi...

Sulla riva del fiume Nemunas (Neman)

Papà era un grande conversatore ed ero pronto ad ascoltarlo per ore se si fosse presentata l'opportunità ... Probabilmente solo il suo atteggiamento severo nei confronti della vita, l'allineamento dei valori della vita, l'abitudine immutabile di non ottenere nulla per niente, tutto questo mi ha creato l'impressione che anch'io devo meritarmelo...
Ricordo molto bene come, da bambino, gli andavo al collo quando tornava a casa dai viaggi di lavoro, ripetendogli all'infinito quanto lo amo. E papà mi ha guardato serio e mi ha risposto: “Se mi vuoi bene, questo non devi dirmelo, ma devi sempre dimostrarlo...”
E sono state proprio queste sue parole a rimanere per me una legge non scritta per il resto della mia vita ... È vero, probabilmente non sono sempre riuscito molto bene a “mostrarlo”, ma ci ho sempre provato onestamente.
E in generale, per tutto quello che sono adesso, lo devo a mio padre, che, passo dopo passo, ha scolpito il mio futuro “io”, senza mai fare concessioni, nonostante mi amasse altruisticamente e sinceramente. Negli anni più difficili della mia vita, mio ​​padre è stato la mia “isola di tranquillità”, dove potevo tornare in qualsiasi momento, sapendo che lì mi aspettavano sempre.
Avendo vissuto lui stesso una vita molto difficile e tempestosa, voleva essere sicuro che sarei stato in grado di difendermi in qualsiasi circostanza per me sfavorevole e non sarei crollato per nessun problema nella vita.
In realtà posso dire con tutto il cuore che sono stato molto, molto fortunato con i miei genitori. Se fossero un po' diversi, chissà dove sarei adesso, e se lo sarei davvero...
Penso anche che il destino abbia unito i miei genitori per un motivo. Perché sembrava assolutamente impossibile incontrarli...
Mio padre è nato in Siberia, nella lontana città di Kurgan. La Siberia non era il luogo di residenza originario della famiglia di mio padre. Questa fu la decisione dell'allora "giusto" governo sovietico e, come sempre, non fu oggetto di discussione...
Così, i miei veri nonni, un bel mattino, furono scortesemente scortati fuori dalla loro amata e bellissima, enorme tenuta di famiglia, tagliati fuori dalla loro vita abituale e caricati su un'auto completamente inquietante, sporca e fredda, seguendo la spaventosa direzione - Siberia ...
Tutto ciò di cui parlerò ulteriormente, l'ho raccolto poco a poco dalle memorie e dalle lettere dei nostri parenti in Francia, Inghilterra, nonché dalle storie e dalle memorie dei miei parenti e amici in Russia e Lituania.
Con mio grande rammarico, ho potuto farlo solo dopo la morte di mio padre, dopo molti, molti anni...
Anche la sorella del nonno Alexandra Obolenskaya (in seguito - Alexis Obolensky) fu esiliata con loro, e Vasily e Anna Seregins, che andarono volontariamente, seguirono il nonno per loro scelta, poiché Vasily Nikandrovich per molti anni fu l'avvocato del nonno in tutti i suoi affari e uno dei suoi amici più intimi.

Alexandra (Alexis) Obolenskaya Vasily e Anna Seryogin

Probabilmente bisognava essere un vero AMICO per trovare in se stessi la forza di fare una tale scelta e andare di propria spontanea volontà dove si stava andando, poiché si va solo verso la propria morte. E questa "morte", purtroppo, allora si chiamava Siberia ...
Sono sempre stato molto triste e ferito per la nostra, così orgogliosa, ma così spietatamente calpestata dagli stivali bolscevichi, la bellissima Siberia! ... E nessuna parola può dire quanta sofferenza, dolore, vite e lacrime questo orgoglioso, ma esausto al limite, terra assorbita... Sarà perché un tempo era il cuore della nostra patria ancestrale, "rivoluzionari lungimiranti" hanno deciso di denigrare e distruggere questa terra, scegliendola per i loro scopi diabolici?... Dopotutto, per molte persone, anche dopo tanti anni, la Siberia rimaneva ancora una terra "maledetta", dove morì il padre di qualcuno, il fratello di qualcuno, poi il figlio... o forse anche l'intera famiglia di qualcuno.
Mia nonna, che io, con mio grande dispiacere, non ho mai conosciuto, a quel tempo era incinta di mio padre e sopportò molto duramente la strada. Ma, ovviamente, non c'era bisogno di aspettare aiuto da nessuna parte ... Quindi la giovane principessa Elena, invece del silenzioso fruscio dei libri nella biblioteca di famiglia o dei soliti suoni del pianoforte quando suonava le sue opere preferite, questo il tempo ascoltava solo il rumore minaccioso delle ruote, che, come se minacciosamente, contavano le restanti ore della sua vita, così fragile e trasformata in un vero incubo... Era seduta su alcuni sacchi davanti al finestrino sporco dell'auto e fissava alle ultime pietose tracce della "civiltà" a lei così familiare e familiare che si allontana sempre più...
La sorella del nonno, Alexandra, con l'aiuto degli amici, è riuscita a scappare ad una delle fermate. Di comune accordo, avrebbe dovuto arrivare (se fosse stata fortunata) in Francia, dove al momento viveva tutta la sua famiglia. È vero, nessuno dei presenti poteva immaginare come avrebbe potuto farlo, ma poiché questa era la loro unica, anche se piccola, ma sicuramente l'ultima speranza, era troppo lusso rifiutarla per la loro situazione completamente senza speranza. In quel momento si trovava in Francia anche il marito di Alexandra, Dmitrij, con l'aiuto del quale speravano, già da lì, di cercare di aiutare la famiglia del nonno a uscire da quell'incubo in cui la vita li aveva gettati così spietatamente, con il vile mani di persone brutalizzate...
All'arrivo a Kurgan, furono sistemati in un seminterrato freddo, senza spiegare nulla e senza rispondere ad alcuna domanda. Due giorni dopo, alcune persone vennero a chiamare il nonno e dissero che presumibilmente erano venute per "scortarlo" verso un'altra "destinazione" ... Lo portarono via come un criminale, non permettendogli di portare nulla con sé e non degnandosi per spiegare dove e per quanto tempo lo stanno assumendo. Nessuno ha mai più rivisto il nonno. Dopo qualche tempo, un militare sconosciuto portò alla nonna gli effetti personali del nonno in un sacco di carbone sporco ... senza spiegare nulla e senza lasciare speranza di vederlo vivo. Su questo cessò ogni informazione sul destino del nonno, come se fosse scomparso dalla faccia della terra senza tracce e prove ...
Il cuore tormentato e tormentato della povera principessa Elena non voleva accettare una perdita così terribile, e lei letteralmente bombardò l'ufficiale dello staff locale con richieste di chiarire le circostanze della morte della sua amata Nikolai. Ma gli ufficiali "rossi" erano ciechi e sordi alle richieste di una donna sola, come la chiamavano - "dal nobile", che per loro era solo una delle migliaia e migliaia di unità "numerate" senza nome che non significavano nulla in il loro mondo freddo e crudele... Era un vero inferno, dal quale non c'era via d'uscita per tornare a quel mondo familiare e gentile in cui la sua casa, i suoi amici e tutto ciò a cui era abituata fin dalla tenera età, e che amava così tanto e sinceramente, rimaneva .. E non c'era nessuno che potesse aiutare o anche solo dare la minima speranza di sopravvivere.
I Seryogin cercarono di mantenere la loro presenza di spirito per tre, e tentarono con ogni mezzo di rallegrare la principessa Elena, ma lei sprofondava sempre più in uno stupore quasi completo, e talvolta sedeva per giorni interi in uno stato indifferentemente congelato, quasi non reagendo ai tentativi dei suoi amici di salvare il suo cuore e la sua mente dalla depressione finale. C'erano solo due cose che l'avevano riportata brevemente al mondo reale: se qualcuno avesse iniziato a parlare del suo bambino non ancora nato o se fossero emersi nuovi dettagli, anche i più piccoli, sulla presunta morte del suo amato Nikolai. Voleva disperatamente sapere (mentre era ancora viva) cosa fosse realmente accaduto, e dove fosse suo marito, o almeno dove fosse sepolto (o abbandonato) il suo corpo.
Sfortunatamente, non è rimasta quasi nessuna informazione sulla vita di queste due persone coraggiose e brillanti, Elena e Nikolai de Rohan-Hesse-Obolensky, ma anche quelle poche righe delle due lettere rimanenti di Elena alla nuora Alexandra , che in qualche modo sono sopravvissuti negli archivi di famiglia di Alexandra in Francia, mostrano quanto profondamente e teneramente la principessa amasse il marito scomparso. Sono sopravvissuti solo pochi fogli manoscritti, di cui purtroppo alcune righe non sono affatto leggibili. Ma anche ciò che è stato realizzato grida con profondo dolore una grande sventura umana, che, senza averla vissuta, non è facile da comprendere e impossibile da accettare.

12 aprile 1927 Da una lettera della principessa Elena ad Alexandra (Alix) Obolenskaya:
"Sono molto stanco oggi. È tornata da Sinyachikha completamente distrutta. I carri sono pieni di gente, sarebbe un peccato anche portarci del bestiame………….. Ci siamo fermati nel bosco – lì c'era un odore così delizioso di funghi e fragole… È difficile da credere che queste persone sfortunate sono state uccise lì! La povera Ellochka (cioè la granduchessa Elizaveta Feodorovna, parente di mio nonno della linea di Hesse) è stata uccisa lì vicino, in questa terribile miniera di Staroselim... che orrore! La mia anima non può accettarlo. Ricordate, abbiamo detto: “Che la terra crolli”?.. Gran Dio, come può crollare una terra simile?!..
Oh, Alix, mia cara Alix! Come puoi abituarti a un simile orrore? ...................................................... Sono così stanco di chiedere l'elemosina e umiliandomi... Tutto sarà completamente inutile se la Cheka non accetterà di inviare una richiesta ad Alapaevsk ...... Non saprò mai dove cercarlo, e non saprò mai cosa gli hanno fatto. Non passa un'ora senza che io pensi a un volto per me così familiare... Che orrore è immaginare che giaccia in qualche pozzo abbandonato o in fondo a una miniera!.. Come puoi sopportare questo incubo quotidiano, sapendo che già non lo vedrò mai?!.. Così come il mio povero Vasilek (nome che fu dato a mio padre alla nascita) non lo vedrà mai... Dov'è il limite della crudeltà? E perché si definiscono umani?
Mia cara, gentile Alix, quanto mi manchi!... Se solo sapessi che per te va tutto bene e che Dmitrij, caro alla tua anima, non ti lascia in questi momenti difficili........ ... ................................... Se avessi anche solo una goccia di speranza di ritrovare il mio caro Nikolai, sembra che l'abbia preso tutto. L'anima sembra essersi abituata a questa terribile perdita, ma fa ancora molto male ... Tutto senza di lui è diverso e così deserto.

18 maggio 1927 Un estratto da una lettera della principessa Elena ad Alexandra (Alix) Obolenskaya:
“Lo stesso gentile dottore è venuto di nuovo. Non posso dimostrargli che semplicemente non ho più forza. Dice che devo vivere per il bene della piccola Vasilka ... È così? .. Cosa troverà in questa terribile terra, il mio povero bambino? .............................. La tosse riprende, a volte diventa impossibile respirare. Il dottore lascia sempre qualche goccia, ma mi vergogno di non poterlo ringraziare in alcun modo. ............................ A volte sogno la nostra stanza preferita. E il mio pianoforte... Dio, quanto è lontano! Ed era tutto? ............................... e le ciliegie nel giardino, e la nostra tata, così affettuosa e gentile. Dov'è tutto questo adesso? ................................ (fuori dalla finestra?) Non voglio guardare, è tutto coperto si vedono solo fuliggine e stivali sporchi… odio l’umidità.”

La mia povera nonna, a causa dell'umidità della stanza, che non era riscaldata nemmeno d'estate, si ammalò presto di tubercolosi. E, apparentemente indebolita dagli shock, dalla fame e dalla malattia, morì durante il parto, senza mai vedere il suo bambino, e senza trovare (almeno!) la tomba di suo padre. Letteralmente prima della sua morte, prese la parola dai Seryogin che, non importa quanto fosse difficile per loro, avrebbero portato il neonato (se, ovviamente, sopravvive) in Francia, dalla sorella di suo nonno. Il che, in quel momento selvaggio, promettere, ovviamente, era quasi "sbagliato", dal momento che i Seryogin, sfortunatamente, non avevano una vera opportunità per farlo ... Ma, tuttavia, le promisero che almeno in qualche modo avrebbe alleviato l'ultimo minuti della sua vita così brutalmente rovinata, ancora molto giovane, e affinché la sua anima, tormentata dal dolore, potesse, almeno con poche speranze, lasciare questo mondo crudele... E anche sapendo che faranno tutto il possibile per mantenere la loro parola ad Elena, i Seryogin non credevano ancora in cuor loro che sarebbero mai stati in grado di dare vita a tutta questa folle idea...

Chernyshev A.F. Suonatore d'organo.

Adesso quasi nessuno si ricorda dell'organetto, ma un tempo era molto comune. Un vecchio entrava nel cortile con una scatola dipinta a colori sulla spalla, spesso con una scimmia seduta sopra. Era un suonatore d'organo. Si tolse il fardello dalla spalla, cominciò a girare misuratamente la maniglia della ghironda, e tra sibili e singhiozzi si udirono suoni di valzer e polche, spesso discordanti e falsi.

C'è una leggenda che già nel VI secolo a.C. Confucio trascorse sette giorni godendosi continuamente il suono delle melodie sulle "costole di tigre" (piastre di metallo che emettono suoni di varie altezze), si ritiene che questo meccanismo sia stato inventato nel 1769 dal meccanico svizzero Antoine Favre.

Henry William Bunbury. 1785

Nell'Europa occidentale, questo strumento musicale meccanico apparve alla fine del XVII secolo. All'inizio era un "organo per uccelli" per insegnare agli uccelli canori, poi veniva preso "in braccio" da musicisti itineranti.

Emil Orlik. 1901

Quindi c'era uno strumento musicale per coloro che non sanno suonare. Gira la manopola e la musica suona. Molto spesso suonava l'allora successo "Charmant Katarina" (in francese "Charmant Katarina"). Il nome dello strumento deriva dal nome della canzone: l'organo da strada.

Uno dei primi maestri coinvolti nella fabbricazione dell'organetto fu l'italiano Giovanni Barberi (da cui il nome francese di questo strumento - orgue do Barbarie, letteralmente "organo del paese dei barbari", distorto orgue do Barbcri). I nomi tedesco e inglese di questo strumento includono anche la radice morfema "organo". Sì, e in russo "organo" funge spesso da sinonimo di "ghironda": "Nella stanza c'era anche un suonatore di organetto, con un piccolo organo manuale..." (Dostoevskij. Delitto e castigo).

La ghironda arrivò in Russia all'inizio del XIX secolo e la conoscenza dei russi con il nuovo strumento iniziò proprio con la canzone francese "Charman Catherine". La canzone piacque subito a tutti e il nome "katerinka", l'ucraino "katerinka", il bielorusso "katserynka", il polacco "katarynka, o "Lee ghironda" rimasero saldamente attaccati allo strumento.

Si presume anche che il nome principale non fosse una ghironda, ma una shirmanka.

“... E veniva dagli schermi, per cui Pulcinella, compagno quasi costante del suonatore d'organetto, chiama spettatori e curiosi con la sua voce sonora, gli organi apparsi nel nostro Paese erano inseparabili dalla commedia dei burattini” ( saggio “Suonatori di organo di Pietroburgo” da “Fisiologia di Pietroburgo” di D.V. Grigorovich).

V.G. Perov. Suonatore d'organo.

Gli olandesi sostengono che la prima ghironda sia apparsa nella loro terra natale. E questo accadeva 500 anni fa. Tuttavia, dalle prove materiali, hanno solo un disegno della fine del XV secolo, così fatiscente che è difficile distinguere qualcosa su di esso. Di quegli esemplari giunti fino a noi, il più antico fu realizzato in Francia all'inizio del XVII secolo.

R. Zink.Le Farandole. 1850

Spesso ci sembra che un organetto sia solo un grande carillon e in esso nasce una melodia con l'aiuto di un rullo con perni e una piastra di ferro con “code”. Il rullo gira, i birilli disposti nell'ordine giusto toccano le “code” - ecco “Sulle colline della Manciuria”. Tuttavia, non tutto è così semplice. Sì, ci sono organi a botte con un tale meccanismo, e anche con un meccanismo a xilofono, quando i perni del rullo toccano i martelletti musicali che colpiscono i tasti di metallo, ma questi sono già derivati.

Una vera ghironda è quasi un organo e la sua disposizione è molto più complicata di quanto pensiamo. Affinché l'organo a botte possa suonare, devi prima girare la sua maniglia: il cancello. Questa maniglia mette in moto due meccanismi contemporaneamente: un perno che pompa aria nel soffietto nella parte inferiore dello strumento e un rullo musicale con rientranze - perni. Il rullo, ruotando, mette in moto le leve che, aggrappandosi ai perni, si muovono su e giù in un determinato ordine. A loro volta, le leve azionano le lamelle che aprono e chiudono le valvole dell'aria. E le valvole controllano l'alimentazione dell'aria ai tubi, simili alle canne d'organo, grazie alle quali suona la melodia.

Girando la maniglia, il suonatore d'organo poteva riprodurre 6-8 melodie registrate sul rullo. Tali "dispositivi a camma" sono noti fin dall'antichità: piccole sporgenze - "camme" sono montate su cilindri o dischi rotanti, attivando alternativamente il suono di una particolare nota. Su un rullo è stata registrata solo una melodia, ma il rullo non è stato difficile da sostituire.

Nel XX secolo, al posto dei rulli, iniziarono ad essere utilizzati nastri di carta perforati, sui quali ad ogni suono corrisponde un foro specifico. Spesso la ghironda è dotata di un dispositivo che rende appositamente il suono intermittente e tremolante, in modo che sia meglio “spremere una lacrima” agli ascoltatori. Ma c'erano anche gli organi a canne: ora sembrano giocattoli per bambini. Col passare del tempo, i piroli della ghironda furono cancellati, il suono divenne indistinto e invadente - da qui "Bene, ho ricominciato la mia ghironda! .."

Il repertorio della ghironda consisteva nelle canzoni più popolari dei vecchi tempi, ad esempio: "Mother Dove", "Along the Piterskaya". Ma il successo dell'inizio del secolo scorso fu la canzone "Marusya si è avvelenata". La canzone fu pubblicata nel 1911 su un disco di Nina Dulkevich, con la paternità di Yakov Prigozhy, pianista e arrangiatore del ristorante Yar di Mosca.

La canzone è rimasta popolare per decenni. C'è una registrazione della clownerie circense del 1919 "Street organ", dove suona la canzone "Marusya got avvelenata" eseguita dal famoso clown acrobata Vitaly Lazarenko.

Sono stanco di saltare

E, cittadini, ve lo confesso,

Mi sono occupato di qualcos'altro:

Vado in giro per i cortili con la ghironda.

I suoni dell'organo a botte sono tristi,

E a volte bravura.

Conoscete tutti le motivazioni

Suona ovunque!

Per le loro esibizioni, i burattinai si univano ai suonatori d'organetto e dalla mattina alla sera andavano di luogo in luogo, ripetendo molte volte le avventure di Petrushka. Il suonatore d'organo fungeva anche da "spinta": ha presentato Petrushka al pubblico, ha discusso con lui, lo ha spinto, avvertito o cercato di dissuaderlo da cattive azioni, ha suonato l'organetto o altri strumenti musicali.

100-200 anni fa, i suonatori di organetto giravano per i cortili e suonavano romanze popolari, valzer o canzoni amate dalle masse come “Separation”. finestre. A volte una scimmia sedeva sulla spalla del suonatore d'organo, che partecipava allo spettacolo: faceva le smorfie, faceva capriole a terra e ballava persino al ritmo della musica.

Oppure un compagno era un grande pappagallo o un topo bianco ammaestrato, che per un centesimo tirava fuori dalla scatola i biglietti arrotolati “con felicità” - su un pezzo di carta era scritto cosa attende una persona in futuro. Spesso, un ragazzino molto piccolo camminava insieme al suonatore d'organo e cantava canzoni lugubri con una voce sottile (è meglio leggere il romanzo di Hector Malo "Senza famiglia" sul destino dei musicisti di strada).

Dalla storia di I. T. Kokorev "Savvushka" apprendiamo quelle commedie musicali che facevano parte del repertorio dei suonatori d'organo: "L'audace troika", "Non ci crederai", (Usignolo", "Lady", "polka ", "camerieri". Qui viene menzionata un'altra melodia estremamente popolare: è stata eseguita dalla famosa ghironda Nozdryova in "Dead Souls". Come dice Gogol, "La ghironda suonava non senza piacevolezza, ma nel mezzo di sembra che sia successo qualcosa, perché la mazurka si è conclusa con la canzone: " Malbrook è andato in campeggio", e "Malbrook è andato in campeggio" si è concluso inaspettatamente con un valzer a lungo familiare." Nozdryov cerca di consegnare la ghironda a Chichikov insieme a anime morte, pur sostenendo che è fatto "di mogano".

Successivamente, anche altre melodie entrarono nel repertorio dei suonatori d'organo: romanzi sensibili “Sotto la sera dell'autunno piovoso” e “Apri la finestra, apri” [le memorie di I. A. Belousov “Gone Mosca”]. E la ghironda, con la quale si esibivano gli eroi del "Barboncino bianco" di Kuprin, suonava il "noioso valzer tedesco" del compositore I.F. Lanner e il galoppo dell'opera "Viaggio in Cina".

L '"organo da strada" è menzionato più di una volta nelle opere di F. M. Dostoevskij. L'eroe della storia “Povera gente” Makar Devushkin incontra un suonatore di organo in via Gorokhovaya a San Pietroburgo, e l'artista non solo suona il suonatore di organo, ma mostra anche al pubblico bambole danzanti: “Un signore è passato e ha lanciato una piccola moneta al suonatore d'organo; la moneta cadde proprio in quella scatola col giardinetto in cui è rappresentato il francese che balla con le dame.

I suonatori d'organo erano molto popolari in Francia, Germania, Russia e Italia. Una descrizione dettagliata del suonatore di organetto di San Pietroburgo può essere letta da Dmitry Grigorovich: "Un berretto strappato, da sotto il quale escono in disordine lunghi capelli neri come la pece, che oscurano un viso magro e abbronzato, una giacca senza colore e bottoni , una sciarpa di Garus avvolta con noncuranza attorno a un collo scuro, pantaloni di tela, stivali mutilati e, infine, un enorme organo che ha piegato questa figura in tre morti, tutto questo appartiene al più sfortunato degli artigiani di San Pietroburgo: un suonatore di organo.

Korzuchin Aleksej Ivanovic Prezzemolo.

- "Signor Volodya, guarda il taccuino!"

“Non stai rileggendo, bugiardo?

Aspetta, non osare giocare

Nimmer mehr, quel disgustoso suonatore d'organo!»

raggi dorati del giorno

Scaldavano l'erba con una calda carezza.

- "Brutto ragazzo, impara i verbi!"

Oh, quanto è difficile studiare ad aprile!..

Chinandosi, guardando fuori dalla finestra

Una governante con un mantello viola.

Fräulein Else è triste oggi

Anche se vuole essere duro.

In esso, i sogni passati sono freschi

Questi echi di vecchie melodie,

E le lacrime tremano da molto tempo

Sulle ciglia del malato Volodya.

Jan Michael Ruyten

Lo strumento è goffo, goffo:

Dopotutto è stato pagato con una misera somma!

Tutti sono liberi: uno studente inquilino-ginnasio,

E Natasha e Dorik con una pala,

E un venditore ambulante con un vassoio pesante,

Cosa vende le torte al piano di sotto...

Fräulein Else coperta da una sciarpa

E occhiali e occhi sotto gli occhiali.

Il suonatore d'organetto cieco non se ne va,

Un vento leggero scuote la tenda,

E cambia: "Canta, uccellino, canta"

L'audace sfida del Toreador.

Fräulein piange: il gioco emoziona!

Il ragazzo guida la penna lungo la carta assorbente.

- “Non essere triste, lieber Junge, è ora

Camminiamo lungo Tverskoy Boulevard.

Nascondi i tuoi quaderni e i tuoi libri!

- “Chiederò ad Alyosha delle caramelle!

Signora Else, dov'è la pallina nera?

Dove sono le mie, signorina Else, le galosce?»

Non sopraffare l'angoscia delle caramelle!

O grande richiamo della vita!

Nel cortile senza speranza, senza fine

La ghironda suona tristemente.

Marina Cvetaeva. Album della sera.

Makovsky Vladimir Egorovich Suonatore d'organo. 1879

Rupert Bunny. Artista a Parigi.

Valery Krylatov. Suonatore d'organo parigino. 1995

Nikolaj Blokhin. Commerciante di felicità.

Carl Henry d'Unker.

Fritz von Uhde.

Makovsky Vladimir Egorovich

Francois-Hubert Drouais.

musica francese- una delle culture musicali europee più interessanti e influenti, che trae le sue origini dal folklore delle tribù celtiche e germaniche che vivevano nell'antichità sul territorio dell'attuale Francia. Con la formazione della Francia durante il Medioevo, le tradizioni musicali popolari di numerose regioni del paese si fusero nella musica francese. La cultura musicale francese si sviluppò, interagendo anche con le culture musicali di altre nazioni europee, in particolare italiane e tedesche. Dalla seconda metà del XX secolo, la scena musicale francese si è arricchita delle tradizioni musicali degli africani. Non si allontana dalla cultura musicale mondiale, assorbe le nuove tendenze musicali e dà uno speciale sapore francese al jazz, al rock, all'hip-hop e alla musica elettronica.

Storia

origini

La cultura musicale francese cominciò a prendere forma su un ricco strato di canzoni popolari. Sebbene le più antiche testimonianze affidabili di canzoni sopravvissute fino ad oggi risalgano al XV secolo, i materiali letterari e artistici indicano che sin dai tempi dell'Impero Romano, la musica e il canto hanno occupato un posto di rilievo nella vita quotidiana delle persone.

La musica sacra arrivò nelle terre francesi con il cristianesimo. Originariamente latino, è gradualmente cambiato sotto l'influenza della musica popolare. La chiesa utilizzava materiale durante il culto comprensibile alla gente del posto. Tra il V e il IX secolo in Gallia si sviluppò un tipo particolare di liturgia: il rito gallicano con canto gallicano. Tra gli autori di inni sacri era famosa Ilario di Poitiers. Il rito gallicano è noto da fonti storiche, il che indica che differiva notevolmente da quello romano. Non sopravvisse, perché i re francesi lo abolirono, cercando di ricevere il titolo di imperatori da Roma, e la chiesa romana cercò di raggiungere l'unificazione dei servizi ecclesiastici.

La polifonia ha dato origine a nuovi generi di musica sacra e secolare, tra cui la direzione e il mottetto. La condotta veniva originariamente eseguita principalmente durante il servizio religioso festivo, ma in seguito divenne un genere puramente secolare. Tra gli autori della condotta c'è Perotin.

Basato sul direttore d'orchestra della fine del XII secolo. in Francia si formò il genere più importante della musica polifonica: il mottetto. I suoi primi esempi appartengono anche ai maestri della scuola parigina (Perotin, Franco di Colonia, Pierre de la Croix). Il mottetto consentiva la libertà di combinare melodie e testi liturgici e profani, combinazione che portò alla nascita nel XIII secolo. mottetto scherzoso. Il genere del mottetto ricevette un aggiornamento significativo nel XIV secolo sotto le condizioni della direzione ars nova, il cui ideologo era Philippe de Vitry.

Nell'arte dell'ars nova grande importanza veniva attribuita all'interazione tra la musica "quotidiana" e quella "scientifica" (cioè canto e mottetto). Philippe de Vitry creò un nuovo tipo di mottetto: il mottetto isoritmico. Le innovazioni di Philippe de Vitry interessarono anche la dottrina della consonanza e della dissonanza (annunciava consonanze di terze e seste).

Le idee dell'ars nova e, in particolare, del mottetto isoritmico continuarono il loro sviluppo nell'opera di Guillaume de Machaux, che combinò le conquiste artistiche dell'arte musicale e poetica cavalleresca con le sue canzoni unanimi e la cultura musicale urbana polifonica. Possiede canzoni con un magazzino popolare (laici), virele, rondò, ha anche sviluppato per la prima volta il genere delle ballate polifoniche. Nel mottetto, Machaux ha utilizzato gli strumenti musicali in modo più coerente rispetto ai suoi predecessori (probabilmente le voci più basse prima erano strumentali). Macheud è considerato anche l'autore della prima Messa polifonica francese (1364).

Rinascimento

Alla fine del XV secolo in Francia si afferma la cultura del Rinascimento. Lo sviluppo della cultura francese fu influenzato da fattori come l'emergere della borghesia (XV secolo), la lotta per l'unificazione della Francia (completata entro la fine del XV secolo) e la creazione di uno stato centralizzato. Di notevole importanza furono anche il continuo sviluppo dell'arte popolare e l'attività dei compositori della scuola franco-fiamminga.

Il ruolo della musica nella vita sociale è in crescita. I re francesi crearono grandi cappelle nelle loro corti, organizzarono festival musicali, la corte reale divenne il centro dell'arte professionale. Il ruolo della cappella di corte fu rafforzato. Con Enrico III approvò l'incarico di "intendente capo della musica" a corte, il primo a ricoprire questo incarico fu il violinista italiano Baltazarini de Belgioso. Oltre alla corte reale e alla chiesa, anche i salotti aristocratici furono importanti centri dell'arte musicale.

Il periodo di massimo splendore del Rinascimento, associato alla formazione della cultura nazionale francese, cade a metà del XVI secolo. In questo momento, la canzone polifonica secolare - chanson - diventa un genere eccezionale di arte professionale. Il suo stile polifonico riceve una nuova interpretazione, in consonanza con le idee degli umanisti francesi: Rabelais, Clement Marot, Pierre de Ronsard. Il principale autore di chanson di quest'epoca è considerato Clément Janequin, che scrisse oltre 200 canzoni polifoniche. Le canzoni hanno guadagnato fama non solo in Francia, ma anche all'estero, in gran parte grazie alla notazione musicale e al rafforzamento dei legami tra i paesi europei.

Durante il Rinascimento il ruolo della musica strumentale aumentò. Viola, liuto, chitarra, violino (come strumento popolare) erano ampiamente utilizzati nella vita musicale. I generi strumentali penetrarono sia nella musica quotidiana che nella musica professionale, in parte sacra. I brani di danza per liuto spiccavano tra quelli dominanti nel XVI secolo. opere polifoniche per plasticità ritmica, composizione omofonica, trasparenza della trama. Caratteristica era la combinazione di due o più danze secondo il principio del contrasto ritmico in cicli peculiari, che divennero la base della futura suite da ballo. Anche la musica d'organo acquisì un significato più indipendente. L'emergere della scuola d'organo in Francia (fine XVI secolo) è associato al lavoro dell'organista J. Titluz.

Formazione scolastica

17 ° secolo

L'estetica razionalistica del classicismo ha avuto una forte influenza sulla musica francese del XVII secolo, che proponeva requisiti di gusto, equilibrio tra bellezza e verità, chiarezza di intenzioni, armonia della composizione. Il classicismo, che si sviluppò contemporaneamente allo stile barocco, fu ricevuto in Francia nel XVII secolo. espressione completa.

In questo momento, la musica secolare in Francia prevale su quella spirituale. Con l'instaurazione della monarchia assoluta, l'arte di corte acquisì grande importanza, determinando la direzione dello sviluppo dei generi più importanti della musica francese di quel tempo: l'opera e il balletto. Gli anni del regno di Luigi XIV furono segnati dallo straordinario splendore della vita di corte, dal desiderio della nobiltà di lusso e di divertimenti sofisticati. A questo proposito, un ruolo importante è stato assegnato al balletto di corte. Nel XVII secolo Le tendenze italiane si intensificarono a corte, promossa soprattutto dal cardinale Mazzarino. La conoscenza dell'opera italiana è servita da incentivo per creare la propria opera nazionale, la prima esperienza in questo settore appartiene a Elisabeth Jacquet de la Guerre ("Il trionfo dell'amore").

Alla fine del XVII - prima metà del XVIII secolo, compositori come N. A. Charpentier, A. Kampra, M. R. Delaland, A. K. Detouche scrissero per il teatro. Con i successori di Lully la convenzionalità dello stile teatrale di corte si intensifica. Nelle loro tragedie liriche emergono i lati del balletto decorativo e dell'idillio pastorale e l'inizio drammatico è sempre più indebolito. La tragedia lirica lascia il posto all'opera-balletto.

Nel XVII secolo in Francia si svilupparono varie scuole strumentali: liuto (D. Gautier, che influenzò lo stile del clavicembalo di J.-A. d "Anglebert, J. Ch. de Chambonnière), clavicembalo (Chambonniere, L. Couperin), violino (M. Maren , che per la prima volta in Francia introdusse il contrabbasso al posto della viola da viola nell'orchestra dell'opera). La scuola francese di clavicembalisti acquisì la massima importanza. Il primo stile di clavicembalo si formò sotto l'influenza diretta dell'arte del liuto. Il modo di ornamentare la melodia, caratteristico dei clavicembalisti francesi, si rifletteva nelle opere di Chambonnière. L'abbondanza di decorazioni conferiva alle opere per clavicembalo una certa raffinatezza, così come una maggiore coerenza, "melodiosità", suono "lungo" a scatti di questo Nella musica strumentale era molto diffuso l'abbinamento di danze accoppiate (pavane, gagliarda, ecc.) utilizzato fin dal XVI secolo, che portò nel XVII secolo alla creazione di una suite strumentale.

18esimo secolo

Nel XVIII secolo, con la crescente influenza della borghesia, presero forma nuove forme di vita musicale e sociale. A poco a poco i concerti vanno oltre le sale del palazzo e i salotti aristocratici. Ad A. Philidor (Danikan) ha organizzato regolarmente "Concerti spirituali" pubblici a Parigi, a Francois Gossec ha fondato la società "Concerti amatoriali". Le serate della società accademica Amici di Apollo (fondata nel ) erano di carattere più chiuso, la Reale Accademia di Musica organizzava cicli annuali di concerti.

Negli anni 20-30 del XVIII secolo. la suite per clavicembalo raggiunge il suo apice. Tra i clavicembalisti francesi il ruolo di primo piano spetta a F. Couperin, autore di cicli liberi basati sui principi di somiglianza e contrasto dei brani. Oltre a Couperin, un grande contributo allo sviluppo della suite per clavicembalo caratteristica del programma è stato dato anche da J. F. Dandre e soprattutto da J. F. Rameau.

Anche il sistema dell’educazione musicale ha subito radicali trasformazioni. Le metriche furono abolite; ma nella scuola di musica della Guardia Nazionale fu aperta la formazione di musicisti militari, e nell'Istituto Nazionale di Musica (con il Conservatorio di Parigi).

Il periodo della dittatura napoleonica (1799-1814) e della Restaurazione (1814-15, 1815-30) non portò risultati brillanti alla musica francese. Con la fine della Restaurazione si assiste ad una ripresa nel campo della cultura. Nella lotta contro l'arte accademica dell'Impero napoleonico prese forma l'opera romantica francese, che negli anni '20 e '30 occupò una posizione dominante (F. Aubert). Negli stessi anni si formò il genere della grande opera su argomenti storici, patriottici ed eroici. Il romanticismo musicale francese ha trovato la sua espressione più sorprendente nell'opera di G. Berlioz, il creatore del sinfonismo romantico programmatico. Berlioz, insieme a Wagner, è anche considerato il fondatore di una nuova scuola di direzione d'orchestra.

Un evento importante nella vita sociale della Francia negli anni '70 dell'Ottocento fu la Comune di Parigi del 1870-1871. Questo periodo diede origine a molte canzoni di lavoro, una delle quali - "L'Internazionale" (musica di Pierre Degeyter sulle parole di Eugene Pottier) divenne l'inno dei partiti comunisti, e nel 1944 - l'inno dell'URSS.

20 ° secolo

Tra la fine degli anni '80 e '90 del XIX secolo, in Francia sorse una nuova tendenza, che si diffuse all'inizio del XX secolo: l'impressionismo. L'impressionismo musicale ha fatto rivivere alcune tradizioni nazionali: il desiderio di concretezza, programmatismo, raffinatezza di stile, trasparenza di trama. L'impressionismo ha trovato la sua espressione più completa nella musica di C. Debussy, ha influenzato il lavoro di M. Ravel, P. Duke e altri. L'impressionismo introdusse innovazioni anche nel campo dei generi musicali. Nell'opera di Debussy, i cicli sinfonici lasciano il posto agli abbozzi sinfonici; la musica per pianoforte è dominata dalle miniature dei programmi. Maurice Ravel fu influenzato anche dall'estetica dell'impressionismo. Nel suo lavoro si intrecciano varie tendenze estetiche e stilistiche: romantiche, impressioniste e, nelle sue opere successive, tendenze neoclassiche.

Insieme alle tendenze impressioniste nella musica francese a cavallo tra il XIX e il XX secolo. le tradizioni di Saint-Saëns continuarono a svilupparsi, così come quelle di Franck, la cui opera è caratterizzata da una combinazione di chiarezza di stile classica con vivide immagini romantiche.

La Francia ha svolto un ruolo significativo nello sviluppo della musica elettronica: è qui che alla fine degli anni '40 è apparsa la musica specifica, sotto la guida di Xenakis è stato sviluppato un computer con input grafico di informazioni - UPI, e negli anni '70 la direzione della musica spettrale è nato in Francia. Dal 1977 l'IRCAM, istituto di ricerca fondato da Pierre Boulez, è diventato il centro della musica sperimentale.

Modernità

musica accademica

Il centro musicale della Francia rimane la sua capitale: Parigi. A Parigi, c'è l'Opera di Stato di Parigi (dà spettacoli all'Opera Garnier e all'Opera Bastille), concerti e spettacoli d'opera si tengono al Théâtre des Champs Elysées, tra i principali gruppi musicali ci sono l'Orchestra Nazionale di Francia, l'Orchestra Filarmonica di Radio France, dell'Orchestre de Paris, dell'Orchestra Colonna e altri.

Tra le istituzioni educative musicali specializzate ci sono il Conservatorio di Parigi, "Skola cantorum", "Ecole Normal" - a Parigi. Il centro di ricerca musicale più importante è l'Istituto di Musicologia dell'Università di Parigi. Libri, materiali d'archivio sono conservati nella Biblioteca Nazionale (nel cui è stato creato il dipartimento di musica), nella Biblioteca e nel Museo degli Strumenti Musicali del Conservatorio.

Nella cultura moderna, la musica popolare francese è chiamata chanson, che conserva il ritmo specifico della lingua francese, a differenza delle canzoni scritte sotto l'influenza della musica in lingua inglese. Tra gli interpreti di spicco di chanson ci sono Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Leo Ferre, Jean Ferrat, Georges Moustaki, Mireille Mathieu, Patricia Kaas e altri. Gli artisti di chanson francesi vengono solitamente chiamati chansonniers. Negli anni '60, la direzione e yé-yé (yé-yé, yéyé) era una varietà popolare di chanson, rappresentata principalmente da interpreti femminili, tra cui France Gall, Sylvie Vartan, Brigitte Bardot, Francoise Hardy, Dalida, Michel Torr.

La Francia ha ospitato l'Eurovision Song Contest tre volte, e anni. Cinque musicisti francesi hanno vinto l'Eurovision Song Contest: Andre Clavier (), Jacqueline Boyer (), Isabelle Aubret (), Frida Boccara () e Marie Miriam (), dopo di che il secondo posto è stato il più alto risultato francese degli ultimi anni.

Jazz

Un fenomeno specifico è stato l'house francese, caratterizzato dall'abbondanza di effetti faser e tagli di frequenza, inerenti all'Eurodisco degli anni '70. I fondatori di questa direzione sono Daft Punk, Cassius ed Etienne de Crécy. Negli anni 2000, il DJ house David Guetta è diventato uno dei musicisti francesi più pagati.

Rock e hip-hop

La musica rock in Francia è apparsa dalla fine degli anni '50 grazie a artisti come Johnny Hallyday, Richard Anthony, Dick Rivers e Claude Francois, che hanno eseguito rock and roll nello spirito di Elvis Presley. Negli anni '70, il rock progressivo era ben sviluppato in Francia. Tra i patriarchi del rock francese negli anni '60 e '70 ci sono i gruppi di rock progressivo Art Zoyd, Gong, Magma, simili nel suono al kraut rock tedesco. Gli anni '70 videro anche una fiorente scena rock celtica, soprattutto nel nord-ovest del paese da cui provengono Alan Stivell, Malicorne, Tri Yann e altri. I gruppi chiave degli anni '80 sono i post-punk Noir Désir, i metaller Shakin "Street e Mystery Blue. Negli anni '90, in Francia si è formato un movimento underground black metal Les Légions Noires. I gruppi di maggior successo dell'ultimo decennio sono i metaller Anorexia Nervosa e l'esecuzione del rapcore Pleymo.

I Pleymo sono anche associati alla scena hip hop francese. Questo stile "street" è molto popolare tra i non indigeni, gli immigrati arabi e africani. Alcuni artisti provenienti da famiglie immigrate hanno raggiunto la fama di massa, come K. Maro, Diam's, MC Solaar, Stromae, Sexion d'Assaut.

La Francia ospita festival di musica rock come Eurockéennes (dal 1989), La Route du Rock (dal 1991), Vieilles Charrues Festival (dal 1992), Rock en Seine (dal 2003), Main Square Festival (dal 2004), Les Massiliades (dal 2008).

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Letteratura

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• Musica francese della seconda metà del XIX secolo (art. sab.), Intro. Arte. ed ed. M. S. Druskina, M., 1938
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• Edith Weber, Storia della musica francese dal 1500 al 1650, Saluti alla storia, 1999 (ISBN 978-2-7181-9301-4)
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• Dizionario dei musicisti: les Interpretes. : Enciclopedia universalis Francia, 2016. ISBN 9782852295582.

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Un estratto che caratterizza la musica francese

Tutte queste notizie mi hanno dato le vertigini... Ma Veya, come al solito, era sorprendentemente calma, e questo mi ha dato la forza di chiedere ancora.
- E chi chiami adulto? .. Se ce ne sono, ovviamente.
- Beh, certo! La ragazza rise sinceramente. - Voglio vedere?
Ho semplicemente annuito, perché all'improvviso la mia gola è stata completamente presa dalla paura, e il mio dono di conversazione "svolazzante" si è perso da qualche parte ... Ho capito perfettamente che in questo momento avrei visto una vera creatura "stellare"! .. E, nonostante ciò, che, per quanto potevo ricordare, avevo aspettato questo per tutta la mia vita cosciente, ora all'improvviso tutto il mio coraggio per qualche motivo rapidamente "è andato alle calcagna" ...
Veya agitò la mano: il terreno è cambiato. Invece di montagne dorate e un ruscello, ci siamo ritrovati in una "città" meravigliosa, commovente, trasparente (in ogni caso sembrava una città). E proprio verso di noi, lungo una "strada" ampia, bagnata e argentata, camminava lentamente un uomo straordinario... Era un vecchio alto e orgoglioso, che non poteva essere definito altro che maestoso! a volte molto corretto e pensieri saggi - e puri, come il cristallo (che per qualche motivo ho sentito molto chiaramente); e lunghi capelli argentati lo ricoprono con un mantello scintillante; e gli stessi, sorprendentemente gentili, enormi occhi viola "Vaina" ... E sulla sua fronte alta brillava, meravigliosamente scintillante d'oro, una "stella" di diamanti.
"Riposa in pace, padre", disse Veya dolcemente, toccandosi la fronte con le dita.
"E tu, il defunto", rispose tristemente il vecchio.
Da lui emanava infinita gentilezza e affetto. E all'improvviso volevo davvero, come un bambino piccolo, seppellire la testa tra le sue ginocchia e nascondermi da tutto per almeno qualche secondo, respirando la pace profonda che emana da lui, e non pensare al fatto che ho paura . .. che non so dove sia casa mia... e che non so affatto - dove mi trovo, e cosa mi sta realmente accadendo in questo momento...
– Chi sei, creatura?.. – Sentii mentalmente la sua voce gentile.
“Sono umano”, risposi. “Mi dispiace disturbare la vostra pace. Il mio nome è Svetlana.
L'anziano mi guardò calorosamente e attentamente con i suoi occhi saggi, e per qualche motivo in essi brillava l'approvazione.
"Volevi vedere il Saggio - lo vedi", disse Veya tranquillamente. - Vuoi chiedermi una cosa?
- Per favore dimmi, esiste il male nel tuo meraviglioso mondo? – anche se mi vergognavo della mia domanda, ho comunque deciso di chiedere.
- Cosa chiami "malvagio", umana-Svetlana? chiese il saggio.
- Bugie, omicidi, tradimenti... Non hai parole del genere?...
- È stato tanto tempo fa... nessuno se lo ricorda più. Solo io. Ma sappiamo di cosa si trattava. Questo è incorporato nella nostra "memoria antica" per non dimenticare mai. Vieni da dove vive il male?
Ho annuito tristemente. Ero molto dispiaciuto per la mia Terra natale e per il fatto che la vita su di essa fosse così selvaggiamente imperfetta da farmi porre tali domande... Ma, allo stesso tempo, volevo davvero che il Male lasciasse la nostra Casa per sempre, perché quella Amavo questa casa con tutto il cuore e molto spesso sognavo che un giorno sarebbe arrivato un giorno così meraviglioso in cui:
una persona sorriderà di gioia, sapendo che le persone possono solo portargli del bene...
quando una ragazza sola non ha paura di camminare di sera per la strada più buia, senza paura che qualcuno la offenda...
quando potrai aprire il tuo cuore con gioia, senza paura che il tuo migliore amico ti tradisca...
quando sarà possibile lasciare qualcosa di molto costoso proprio per strada, senza temere che se ti giri dall'altra parte, verrà immediatamente rubato ...
E sinceramente, con tutto il cuore, credevo che da qualche parte esistesse davvero un mondo così meraviglioso, dove non c'è male e paura, ma c'è una semplice gioia di vivere e bellezza ... Ecco perché, seguendo il mio sogno ingenuo, Ho approfittato della minima occasione per imparare almeno qualcosa su come sia possibile distruggere proprio questo, così tenace e così indistruttibile, il nostro Male terreno... E ancora una cosa - affinché non si vergogni mai di dirlo a qualcuno da qualche parte che sono un essere umano....
Naturalmente, questi erano sogni d'infanzia ingenui ... Ma allora ero ancora solo un bambino.
– Mi chiamo Atis, Svetlana Man. Vivo qui dall'inizio, ho visto il Male... Tanto male...
– E come hai fatto a sbarazzartene, saggio Hatis?! Qualcuno ti ha aiutato?.. - chiesi speranzoso. - Puoi aiutarci?.. Dacci almeno un consiglio?
– Abbiamo trovato il motivo... E l'abbiamo ucciso. Ma la tua malvagità è fuori dal nostro controllo. È diverso... Proprio come te e gli altri. E non sempre il bene di qualcun altro può essere un bene per te. Devi trovare la tua ragione. E distruggilo, - mi mise delicatamente la mano sulla testa e una pace meravigliosa fluì dentro di me ... - Addio, umana Svetlana ... Troverai la risposta alla tua domanda. Riposati...
Rimasi immerso nei miei pensieri e non prestai attenzione al fatto che la realtà che mi circondava era cambiata molto tempo fa, e invece di una città strana e trasparente, ora "galleggiavamo" su una densa "acqua" viola su alcune insolite, dispositivo piatto e trasparente, sul quale non c'erano maniglie, né remi: niente di niente, come se fossimo su un grande, sottile vetro trasparente in movimento. Anche se non si è sentito alcun movimento o beccheggio. Scivolava sulla superficie in modo sorprendentemente fluido e calmo, facendoti dimenticare che si stesse muovendo...
– Di cosa si tratta?.. Dove stiamo navigando? chiesi sorpreso.
"Per andare a prendere il tuo piccolo amico", rispose Veya con calma.
- Ma come?!. Lei non può...
- Sarà in grado. Ha il tuo stesso cristallo, fu la risposta. - La incontreremo al "ponte", - e senza spiegare altro, presto fermò la nostra strana "barca".
Ora eravamo già ai piedi di una sorta di brillante muro nero "lucido" come la notte, che era nettamente diverso da tutto ciò che era luminoso e scintillante intorno, e sembrava creato artificialmente e alieno. All'improvviso, il muro “si aprì”, come se in quel luogo fosse costituito da una fitta nebbia, e in un “bozzolo” dorato apparve… Stella. Fresca e sana, come se fosse appena andata a fare una piacevole passeggiata... E, naturalmente, era molto contenta di quello che stava succedendo... Quando mi vide, il suo bel viso si illuminò di gioia e, per abitudine, lei subito chiacchierato:
– Ci sei anche tu?!... Oh, che bello!!! Ed ero così preoccupato!... Così preoccupato!... Pensavo che ti fosse successo qualcosa. Ma come sei arrivata qui?.. - il bambino mi guardò interdetto.
"La penso come te", sorrisi.
- E quando ho visto che eri portato via, ho subito cercato di raggiungerti! Ma ho provato e riprovato e niente ha funzionato... finché non è arrivata lei. Stella indicò Wei con la penna. “Ti sono molto grato per questo, ragazza Wei! - secondo la sua buffa abitudine di rivolgersi a due persone contemporaneamente, ringraziò dolcemente.
- Questa "ragazza" ha due milioni di anni... - sussurrai all'orecchio del mio amico.
Gli occhi di Stella si spalancarono per la sorpresa, e lei stessa rimase in piedi in un tranquillo tetano, digerendo lentamente la straordinaria notizia ...
"Ka-a-ak - due milioni? .. Perché è così piccola? .." sussurrò Stella, sbalordita.
- Sì, dice che vivono a lungo ... Forse la tua essenza viene dallo stesso posto? Scherzavo. Ma a Stella, a quanto pare, la mia battuta non è piaciuta affatto, perché si è subito indignata:
- Come puoi?!..io sono uguale a te! Non sono affatto viola!
Mi sono sentito strano e mi sono vergognato un po': il bambino era un vero patriota...
Non appena Stella è apparsa qui, mi sono sentita subito felice e forte. Apparentemente, le nostre comuni, a volte pericolose, "passeggiate sul pavimento" hanno avuto un effetto positivo sul mio umore, e questo ha immediatamente rimesso tutto al suo posto.
Stella si guardò attorno contenta, ed era chiaro che era ansiosa di bombardare la nostra “guida” con mille domande. Ma la ragazzina si trattenne eroicamente, cercando di apparire più seria e matura di quanto non fosse in realtà...
"Dimmi per favore, ragazza di Weya, dove possiamo andare?" chiese Stella molto educatamente. A quanto pare, non è mai riuscita a "mettersi" in testa l'idea che Veya potesse essere così "vecchia" ...
"Dove vuoi, visto che sei qui", rispose con calma la ragazza della "stella".
Ci siamo guardati intorno: siamo stati trascinati in tutte le direzioni contemporaneamente! .. È stato incredibilmente interessante e volevo vedere tutto, ma abbiamo capito perfettamente che non potevamo restare qui per sempre. Pertanto, vedendo come Stella si agita con impazienza, le ho suggerito di scegliere dove saremmo andati.
- Oh, per favore, possiamo vedere che tipo di "animale" hai qui? – inaspettatamente per me, chiese Stella.
Certo, mi piacerebbe vedere qualcos'altro, ma non c'era nessun posto dove andare - lei stessa le ha suggerito di scegliere ...
Ci siamo trovati nelle sembianze di una foresta luminosissima, infuriata di colori. Era assolutamente incredibile!... Ma per qualche motivo all'improvviso ho pensato che non avrei voluto restare a lungo in una foresta del genere... Era, ancora una volta, troppo bello e luminoso, un po' opprimente, per niente come la nostra foresta terrosa, rilassante e fresca, verde e leggera.
Forse è vero che ognuno dovrebbe essere dove veramente appartiene. E ho subito pensato alla nostra dolce bambina "stella"... Quanto le sarà mancata la sua casa e il suo ambiente nativo e familiare!.. Solo ora potevo almeno capire un po' quanto dovesse essere sola sul nostro pianeta imperfetto e talvolta Terra pericolosa...
- Per favore dimmi, Veya, perché Atis ti ha detto che sei andato via? - Alla fine ho posto la domanda che mi girava fastidiosamente in testa.
“Oh, è perché, molto tempo fa, la mia famiglia si offrì volontaria per aiutare altri esseri che avevano bisogno del nostro aiuto. Questo ci succede spesso. E i defunti non tornano mai a casa loro... Questo è il diritto di libera scelta, quindi sanno cosa stanno facendo. Ecco perché Atis ha avuto pietà di me...
Chi se ne va se non puoi tornare? Stella rimase sorpresa.
"Moltissimi... A volte anche più del necessario", disse tristemente Veya. – Una volta i nostri “saggi” avevano addirittura paura che non ci sarebbero rimasti abbastanza viilis per abitare normalmente il nostro pianeta...
"Cos'è un wiilis?" chiese Stella.
- Questi siamo noi. Proprio come voi umani, siamo viilis. E il nostro pianeta si chiama Viilis. Wei rispose.
E poi all'improvviso mi sono reso conto che per qualche motivo non avevamo nemmeno pensato di chiederlo prima!.. Ma questa è la prima cosa che avremmo dovuto chiedere!
Sei cambiato o sei sempre stato così? ho chiesto di nuovo.
"Sono cambiati, ma solo all'interno, se è questo che intendevi", rispose Veya.
Un uccello enorme, follemente luminoso e multicolore volò sopra le nostre teste ... Una corona di brillanti "piume" arancioni brillava sulla sua testa e le sue ali erano lunghe e soffici, come se indossasse una nuvola multicolore. L'uccello si sedette su una pietra e guardò molto serio nella nostra direzione...
Perché ci guarda così da vicino? - chiese Stella tremante, e mi sembrò che avesse un'altra domanda in testa: “questo “uccellino” ha già cenato oggi?”...
L'uccello saltò cautamente più vicino. Stella squittì e fece un salto indietro. L'uccello fece un altro passo... Era tre volte più grande di Stella, ma non sembrava aggressivo, quanto piuttosto curioso.
"Cosa? Le piacevo, vero?" Stella fece il broncio. Perché non viene da te? Cosa vuole da me?
È stato divertente vedere come la ragazzina si tratteneva a malapena per non sparare un proiettile lontano da qui. Apparentemente un bellissimo uccello non le ha causato molta simpatia ...
All'improvviso l'uccello spiegò le ali e ne uscì uno splendore accecante. Lentamente, lentamente, una nebbia cominciò a turbinare sulle ali, simile a quella che svolazzava su Veya quando l'abbiamo vista per la prima volta. La nebbia vorticava e si addensava sempre di più, diventando come una fitta cortina, e da questa cortina enormi occhi quasi umani ci guardavano ...
- Oh, si sta trasformando in qualcuno?!.. - strillò Stella. - Guarda guarda!
C'era davvero qualcosa da guardare, dal momento che l '"uccello" cominciò improvvisamente a "deformarsi", trasformandosi in una bestia, con occhi umani, o in un uomo, con un corpo animale ...
- Che cos'è? La mia ragazza ha strabuzzato gli occhi castani per la sorpresa. - Cosa le sta succedendo?
E l '"uccello" era già scivolato fuori dalle ali e davanti a noi c'era una creatura molto insolita. Sembrava un mezzo uccello e metà umano, con un grande becco e un volto umano triangolare, molto flessibile, come quello di un ghepardo, corpo e movimenti predatori e selvaggi... Era molto bella e, allo stesso tempo, molto allarmante.
Questo è Miard. – presentato come Weya. - Se vuoi, ti mostrerà le "creature viventi", come dici tu.
La creatura, chiamata Miard, cominciò di nuovo ad apparire con ali di fata. E li ha agitati in modo invitante nella nostra direzione.
– E perché proprio lui? Sei molto impegnata, "stella" Weya?
Stella aveva una faccia molto infelice, perché aveva chiaramente paura di questo strano “bellissimo mostro”, ma a quanto pare non aveva il coraggio di ammetterlo. Penso che preferirebbe andare con lui piuttosto che poter ammettere di essere semplicemente spaventata ... Veya, leggendo chiaramente i pensieri di Stella, la rassicurò immediatamente:
È molto affettuoso e gentile, ti piacerà. Dopotutto, volevi vedere i vivi, ed è lui che lo sa meglio di tutti.
Miard si avvicinò con cautela, come se intuisse che Stella aveva paura di lui... Ma questa volta, per qualche motivo, non avevo affatto paura, anzi il contrario: mi interessava moltissimo.
Si avvicinò a Stella, che in quel momento stava già quasi strillando dentro per l'orrore, e le toccò dolcemente la guancia con la sua ala morbida e soffice ... Una nebbia viola vorticava sopra la testa rossa di Stella.
- Oh, guarda - Ho lo stesso di Weya!.. - esclamò entusiasta la ragazzina sorpresa. – Ma come è potuto succedere?.. Oh-oh, che bello!.. – già questo si riferiva ad una nuova zona con animali assolutamente incredibili apparsi davanti ai nostri occhi.
Ci trovavamo sulla riva collinare di un ampio fiume a specchio, la cui acqua era stranamente "congelata" e sembrava facile camminarci sopra - non si muoveva affatto. Sopra la superficie del fiume, come un dolce fumo trasparente, vorticava una nebbia scintillante.
Come ho finalmente intuito, questa “nebbia, che abbiamo visto ovunque qui, in qualche modo ha potenziato qualsiasi azione delle creature che vivono qui: ha aperto loro la luminosità della loro visione, è servita come mezzo affidabile di teletrasporto, in generale, ha aiutato in tutto, non importa cosa in quel momento questi esseri non erano impegnati. E penso che fosse usato per qualcos'altro, molto, molto di più, che ancora non riuscivamo a capire...
Il fiume serpeggiava in un bellissimo e ampio "serpente" e, allontanandosi dolcemente in lontananza, scompariva da qualche parte tra le lussureggianti colline verdi. E animali meravigliosi camminavano, giacevano e volavano lungo entrambe le sue sponde... Era così bello che siamo rimasti letteralmente congelati, stupiti da questo spettacolo incredibile...
Gli animali erano molto simili a draghi reali senza precedenti, molto luminosi e orgogliosi, come se sapessero quanto fossero belli ... I loro colli lunghi e ricurvi brillavano di oro arancione e sulle loro teste brillavano corone a spillo con denti rossi. Gli animali reali si muovevano lentamente e maestosamente, e ad ogni movimento risplendevano i loro corpi squamosi, blu madreperla, che letteralmente prendevano fuoco, cadendo sotto i raggi del sole blu-oro.
- Bellezza-e-e-sche!!! Stella sospirò deliziata. - Sono molto pericolosi?
“Quelli pericolosi non vivono qui, non li abbiamo da molto tempo. Non ricordo quanto tempo fa... – è arrivata la risposta, e solo allora ci siamo accorti che Veya non era con noi, ma Miard si stava rivolgendo a noi...
Stella si guardò intorno timorosa, apparentemente non sentendosi troppo a suo agio con la nostra nuova conoscenza...
"Quindi non corri alcun pericolo?" Ero sorpreso.
“Solo esterni”, fu la risposta. - Se attaccano.
– Succede anche questo?
"L'ultima volta è stato davanti a me", rispose Miard seriamente.
La sua voce risuonava morbida e profonda nel nostro cervello, come il velluto, ed era molto insolito pensare che un essere mezzo umano così strano comunichi con noi nella nostra "lingua"... Ma probabilmente siamo già troppo abituati a cose diverse, miracoli trascendenti, perché dopo un minuto hanno comunicato liberamente con lui, dimenticando completamente che questa non è una persona.
- E cosa - non ne hai mai, nessun problema?!. La bambina scosse la testa incredula. “Ma allora non ti interessa affatto vivere qui!”
Esprimeva la vera, inestinguibile "sete di avventura" terrestre. E l'ho capito perfettamente. Ma per Miard, penso che sarebbe molto difficile spiegarlo...
- Perché non è interessante? - la nostra "guida" rimase sorpresa e all'improvviso, interrompendosi, indicò in alto. – Guarda – Savii!!!
Abbiamo alzato lo sguardo e siamo rimasti sbalorditi... Nel cielo rosa chiaro, creature favolose si libravano dolcemente!... Erano completamente trasparenti e, come ogni altra cosa su questo pianeta, incredibilmente colorate. Sembrava che fiori meravigliosi e scintillanti volassero nel cielo, solo che erano incredibilmente grandi ... E ognuno di loro aveva un volto diverso, straordinariamente bello e ultraterreno.
“Oh-oh.... Guarda-e-quelli... Oh, che meraviglia...” disse Stella, completamente sbalordita, in un sussurro per qualche motivo.
Non credo di averla mai vista così scioccata. Ma c'era davvero qualcosa di cui stupirsi... In nessuna fantasia, nemmeno nella più violenta, era impossibile immaginare creature simili!... Erano così aerei che sembrava che i loro corpi fossero intessuti di una nebbia lucente... , spruzzando scintillante polvere dorata dietro di lui... Miard "fischiò" qualcosa di strano, e le favolose creature iniziarono improvvisamente a scendere dolcemente, formando un enorme "ombrello" sopra di noi, lampeggiando con tutti i colori del loro folle arcobaleno... Era così bellissimo da togliere il fiato!
Savia, blu madreperla e dalle ali rosa, è stata la prima ad "atterrare" su di noi, la quale, dopo aver piegato le sue scintillanti ali-petali in un "bouquet", ha iniziato a guardarci con grande curiosità, ma senza alcuna paura ... Era impossibile guardare con calma la sua bizzarra bellezza, che attraeva come una calamita e voleva ammirarla all'infinito ...
– Non cercare a lungo – i Savii sono affascinanti. Non vorrai andartene da qui. La loro bellezza è pericolosa se non vuoi perderti", disse tranquillamente Miard.
"Ma come hai detto che qui non c'è niente di pericoloso?" Quindi non è vero? Stella si indignò immediatamente.
“Ma questo non è il tipo di pericolo da temere o da combattere. Pensavo che intendessi questo quando hai chiesto: - Miard era sconvolta.
- Dai! Sembra che abbiamo idee diverse su molte cose. E' normale, no? - "nobilmente" rassicurò il suo bambino. - Posso parlare con loro?
- Parla se puoi sentire. - Miard si è rivolto al miracolo Savia, che era sceso da noi, e ha mostrato qualcosa.
La meravigliosa creatura sorrise e si avvicinò a noi, mentre il resto dei suoi (o lei? ..) amici continuava a librarsi facilmente proprio sopra di noi, scintillando e scintillando alla luce del sole.
"Io sono Lilis... volpe... è..." sussurrò una voce straordinaria. Era molto morbido e allo stesso tempo molto risonante (se concetti così opposti possono essere combinati in uno solo).
Ciao bella Lilis. Stella salutò con gioia la creatura. - Sono Stella. Ed eccola qui: Svetlana. Siamo persone. E tu, lo sappiamo, Savia. Da dove sei volato? E cos'è Savya? - le domande sono piovute ancora come grandine, ma non ho nemmeno provato a fermarla, perché era completamente inutile ... Stella semplicemente “voleva sapere tutto!”. Ed è sempre rimasto così.
Lilis le si avvicinò molto e cominciò a esaminare Stella con i suoi bizzarri occhi enormi. Erano di un cremisi brillante, con pagliuzze dorate all'interno, e scintillavano come pietre preziose. Il volto di questa creatura miracolosa sembrava sorprendentemente delicato e fragile e aveva la forma di un petalo del nostro giglio terrestre. Lei “parlava” senza aprire bocca, sorridendoci allo stesso tempo con le sue piccole labbra rotonde... Ma, probabilmente, la cosa più sorprendente erano i loro capelli... Erano lunghissimi, arrivavano quasi al limite della un'ala trasparente, assolutamente senza peso e, non avendo un colore permanente, lampeggiava continuamente con gli arcobaleni brillanti più vari e inaspettati ... I corpi trasparenti di Savia erano asessuati (come il corpo di un piccolo bambino terreno), e dal in seguito si trasformavano in “ali-petali”, che li facevano davvero sembrare dei grandi fiori colorati...
"Siamo arrivati ​​in aereo dalle montagne... oppure..." risuonò di nuovo la strana eco.
"Potresti dircelo prima?" chiese Miarda, impaziente, Stella. - Loro chi sono?
- Una volta furono portati da un altro mondo. Il loro mondo stava morendo e noi volevamo salvarli. All'inizio pensavano di poter vivere con tutti, ma non potevano. Vivono molto in alto sulle montagne, nessuno può arrivarci. Ma se li guardi a lungo negli occhi, lo porteranno con sé... E tu vivrai con loro.
Stella rabbrividì e si allontanò leggermente da Lilis, che le stava accanto... - E cosa fanno quando ti portano via?
- Niente. Vivono semplicemente con coloro che vengono portati via. Probabilmente avevano un mondo diverso nel mondo, ma ora lo fanno solo per abitudine. Ma per noi sono molto preziosi: "puliscono" il pianeta. Nessuno si è mai ammalato dopo il loro arrivo.
– Quindi li hai conservati non perché ti compatissero, ma perché ne avevi bisogno?!.. Fa bene usarli? - Avevo paura che Miard si offendesse (come si suol dire - non entrare nella capanna di qualcun altro con gli stivali ...) e spinsi con forza Stella di lato, ma lei non mi prestò attenzione, e ora si voltò verso Savia. – Ti piace vivere qui? Sei triste per il tuo pianeta?
- No, no ... È bellissimo-salice selvatico ... - sussurrò la stessa voce dolce. - E beh, osho...
Lilis sollevò inaspettatamente uno dei suoi scintillanti "petali" e accarezzò dolcemente la guancia di Stella.
"Baby... Good-shay-ay... Stella-la-a..." e la nebbia scintillò sopra la testa di Stella per la seconda volta, ma questa volta era multicolore...
Lilis sbatté dolcemente le sue ali di petali trasparenti e cominciò lentamente ad alzarsi finché non si unì alle sue. I Savii si agitarono e all'improvviso, lampeggiando molto intensamente, scomparvero ...
- Dove vanno? la bambina rimase sorpresa.
- Se ne sono andati. Ecco, guarda... – e Miard indicò già molto lontano, in direzione delle montagne, fluttuanti dolcemente nel cielo rosa, creature meravigliose illuminate dal sole. Sono andati a casa...
Wei è apparso all'improvviso...
"È ora per te", disse tristemente la ragazza della "stella". «Non puoi restare qui così a lungo. È difficile.
“Oh, ma non abbiamo ancora visto nulla! Stella era sconvolta. – Possiamo tornare qui, cara Veya? Addio, caro Miard! Sei bravo. Tornerò sicuramente da te! - come sempre, rivolgendosi a tutti insieme, Stella ha salutato.
Veya agitò la mano, e noi ancora una volta volteggiammo in un frenetico vortice di materia scintillante, dopo un breve (o forse solo sembrò breve?) attimo che ci "gettò" sul nostro solito "pavimento" Mentale...
- Oh, quanto è interessante! .. - squittì Stella deliziata.
Sembrava che fosse pronta a sopportare i carichi più pesanti, se non altro per tornare ancora una volta nel colorato mondo di Weiying che aveva tanto amato. All'improvviso ho pensato che le doveva essere piaciuto davvero, visto che era molto simile al suo, che le piaceva crearsi qui, sui “pavimenti”...
Il mio entusiasmo è un po' diminuito, perché avevo già visto con i miei occhi questo bellissimo pianeta, e ora volevo qualcos'altro!.. sentivo quel vertiginoso “sapore dell'ignoto”, e avevo proprio voglia di ripeterlo... sapevo che questa "fame" avrebbe avvelenato la mia ulteriore esistenza e che mi sarebbe mancata continuamente. Quindi, volendo rimanere almeno una piccola persona felice in futuro, dovevo trovare un modo per "aprire" per me stesso la porta su altri mondi ... Ma poi ancora difficilmente capivo che aprire una porta del genere non era così semplice ... E che passeranno ancora tanti inverni mentre liberamente "camminerò" dove voglio, e che qualcun altro mi aprirà questa porta... E quest'altro sarà il mio meraviglioso marito.
"Bene, cosa faremo dopo?" Stella mi ha tirato fuori dai miei sogni.
Era sconvolta e triste di non poter vedere di più. Ma ero molto felice che fosse tornata se stessa e ora ero assolutamente sicuro che da quel giorno in poi avrebbe smesso definitivamente di deprimersi e sarebbe stata di nuovo pronta per qualsiasi nuova "avventura".
"Perdonami, per favore, ma probabilmente non farò altro oggi..." dissi in tono di scusa. Ma grazie mille per l'aiuto.
Stella sorrise. Amava sentirsi necessaria, quindi ho sempre cercato di mostrarle quanto significasse per me (il che era assolutamente vero).
- OK. Andiamo da qualche altra parte, - concordò con compiacenza.
Penso che anche lei, come me, fosse un po' smunta, solo che, come sempre, cercava di non darlo a vedere. Le ho fatto un cenno con la mano... e sono finito a casa, sul mio divano preferito, con un mucchio di impressioni che ora dovevo comprendere con calma, e lentamente, senza fretta, da "digerire"...

Quando avevo dieci anni, mi ero molto affezionato a mio padre.
L'ho sempre adorato. Ma, sfortunatamente, nella mia prima infanzia viaggiava molto ed era a casa troppo raramente. Ogni giorno trascorso con lui in quel periodo era per me una vacanza, che poi ricordavo a lungo, e raccoglievo poco a poco tutte le parole pronunciate da papà, cercando di conservarle nell'anima, come un dono prezioso.
Fin da piccolo ho sempre avuto l'impressione di dover meritare l'attenzione di mio padre. Non so da dove venga né perché. Nessuno mi ha mai impedito di vederlo o di parlargli. Mia madre, al contrario, cercava sempre di non disturbarci se ci vedeva insieme. E papà era sempre felice di trascorrere con me tutto il tempo libero rimasto dal lavoro. Andavamo con lui nel bosco, piantavamo fragole nel nostro giardino, andavamo al fiume a fare una nuotata o semplicemente chiacchieravamo sotto il nostro vecchio melo preferito, che è quello che mi piaceva fare quasi di più.

Nel bosco per i primi funghi...

Sulla riva del fiume Nemunas (Neman)

Papà era un grande conversatore ed ero pronto ad ascoltarlo per ore se si fosse presentata l'opportunità ... Probabilmente solo il suo atteggiamento severo nei confronti della vita, l'allineamento dei valori della vita, l'abitudine immutabile di non ottenere nulla per niente, tutto questo mi ha creato l'impressione che anch'io devo meritarmelo...
Ricordo molto bene come, da bambino, gli andavo al collo quando tornava a casa dai viaggi di lavoro, ripetendogli all'infinito quanto lo amo. E papà mi ha guardato serio e mi ha risposto: “Se mi vuoi bene, questo non devi dirmelo, ma devi sempre dimostrarlo...”
E sono state proprio queste sue parole a rimanere per me una legge non scritta per il resto della mia vita ... È vero, probabilmente non sono sempre riuscito molto bene a “mostrarlo”, ma ci ho sempre provato onestamente.
E in generale, per tutto quello che sono adesso, lo devo a mio padre, che, passo dopo passo, ha scolpito il mio futuro “io”, senza mai fare concessioni, nonostante mi amasse altruisticamente e sinceramente. Negli anni più difficili della mia vita, mio ​​padre è stato la mia “isola di tranquillità”, dove potevo tornare in qualsiasi momento, sapendo che lì mi aspettavano sempre.
Avendo vissuto lui stesso una vita molto difficile e tempestosa, voleva essere sicuro che sarei stato in grado di difendermi in qualsiasi circostanza per me sfavorevole e non sarei crollato per nessun problema nella vita.
In realtà posso dire con tutto il cuore che sono stato molto, molto fortunato con i miei genitori. Se fossero un po' diversi, chissà dove sarei adesso, e se lo sarei davvero...
Penso anche che il destino abbia unito i miei genitori per un motivo. Perché sembrava assolutamente impossibile incontrarli...
Mio padre è nato in Siberia, nella lontana città di Kurgan. La Siberia non era il luogo di residenza originario della famiglia di mio padre. Questa fu la decisione dell'allora "giusto" governo sovietico e, come sempre, non fu oggetto di discussione...
Così, i miei veri nonni, un bel mattino, furono scortesemente scortati fuori dalla loro amata e bellissima, enorme tenuta di famiglia, tagliati fuori dalla loro vita abituale e caricati su un'auto completamente inquietante, sporca e fredda, seguendo la spaventosa direzione - Siberia ...
Tutto ciò di cui parlerò ulteriormente, l'ho raccolto poco a poco dalle memorie e dalle lettere dei nostri parenti in Francia, Inghilterra, nonché dalle storie e dalle memorie dei miei parenti e amici in Russia e Lituania.
Con mio grande rammarico, ho potuto farlo solo dopo la morte di mio padre, dopo molti, molti anni...
Anche la sorella del nonno Alexandra Obolenskaya (in seguito - Alexis Obolensky) fu esiliata con loro, e Vasily e Anna Seregins, che andarono volontariamente, seguirono il nonno per loro scelta, poiché Vasily Nikandrovich per molti anni fu l'avvocato del nonno in tutti i suoi affari e uno dei suoi amici più intimi.

Alexandra (Alexis) Obolenskaya Vasily e Anna Seryogin

Probabilmente bisognava essere un vero AMICO per trovare in se stessi la forza di fare una tale scelta e andare di propria spontanea volontà dove si stava andando, poiché si va solo verso la propria morte. E questa "morte", purtroppo, allora si chiamava Siberia ...
Sono sempre stato molto triste e ferito per la nostra, così orgogliosa, ma così spietatamente calpestata dagli stivali bolscevichi, la bellissima Siberia! ... E nessuna parola può dire quanta sofferenza, dolore, vite e lacrime questo orgoglioso, ma esausto al limite, terra assorbita... Sarà perché un tempo era il cuore della nostra patria ancestrale, "rivoluzionari lungimiranti" hanno deciso di denigrare e distruggere questa terra, scegliendola per i loro scopi diabolici?... Dopotutto, per molte persone, anche dopo tanti anni, la Siberia rimaneva ancora una terra "maledetta", dove morì il padre di qualcuno, il fratello di qualcuno, poi il figlio... o forse anche l'intera famiglia di qualcuno.
Mia nonna, che io, con mio grande dispiacere, non ho mai conosciuto, a quel tempo era incinta di mio padre e sopportò molto duramente la strada. Ma, ovviamente, non c'era bisogno di aspettare aiuto da nessuna parte ... Quindi la giovane principessa Elena, invece del silenzioso fruscio dei libri nella biblioteca di famiglia o dei soliti suoni del pianoforte quando suonava le sue opere preferite, questo il tempo ascoltava solo il rumore minaccioso delle ruote, che, come se minacciosamente, contavano le restanti ore della sua vita, così fragile e trasformata in un vero incubo... Era seduta su alcuni sacchi davanti al finestrino sporco dell'auto e fissava alle ultime pietose tracce della "civiltà" a lei così familiare e familiare che si allontana sempre più...
La sorella del nonno, Alexandra, con l'aiuto degli amici, è riuscita a scappare ad una delle fermate. Di comune accordo, avrebbe dovuto arrivare (se fosse stata fortunata) in Francia, dove al momento viveva tutta la sua famiglia. È vero, nessuno dei presenti poteva immaginare come avrebbe potuto farlo, ma poiché questa era la loro unica, anche se piccola, ma sicuramente l'ultima speranza, era troppo lusso rifiutarla per la loro situazione completamente senza speranza. In quel momento si trovava in Francia anche il marito di Alexandra, Dmitrij, con l'aiuto del quale speravano, già da lì, di cercare di aiutare la famiglia del nonno a uscire da quell'incubo in cui la vita li aveva gettati così spietatamente, con il vile mani di persone brutalizzate...
All'arrivo a Kurgan, furono sistemati in un seminterrato freddo, senza spiegare nulla e senza rispondere ad alcuna domanda. Due giorni dopo, alcune persone vennero a chiamare il nonno e dissero che presumibilmente erano venute per "scortarlo" verso un'altra "destinazione" ... Lo portarono via come un criminale, non permettendogli di portare nulla con sé e non degnandosi per spiegare dove e per quanto tempo lo stanno assumendo. Nessuno ha mai più rivisto il nonno. Dopo qualche tempo, un militare sconosciuto portò alla nonna gli effetti personali del nonno in un sacco di carbone sporco ... senza spiegare nulla e senza lasciare speranza di vederlo vivo. Su questo cessò ogni informazione sul destino del nonno, come se fosse scomparso dalla faccia della terra senza tracce e prove ...
Il cuore tormentato e tormentato della povera principessa Elena non voleva accettare una perdita così terribile, e lei letteralmente bombardò l'ufficiale dello staff locale con richieste di chiarire le circostanze della morte della sua amata Nikolai. Ma gli ufficiali "rossi" erano ciechi e sordi alle richieste di una donna sola, come la chiamavano - "dal nobile", che per loro era solo una delle migliaia e migliaia di unità "numerate" senza nome che non significavano nulla in il loro mondo freddo e crudele... Era un vero inferno, dal quale non c'era via d'uscita per tornare a quel mondo familiare e gentile in cui la sua casa, i suoi amici e tutto ciò a cui era abituata fin dalla tenera età, e che amava così tanto e sinceramente, rimaneva .. E non c'era nessuno che potesse aiutare o anche solo dare la minima speranza di sopravvivere.
I Seryogin cercarono di mantenere la loro presenza di spirito per tre, e tentarono con ogni mezzo di rallegrare la principessa Elena, ma lei sprofondava sempre più in uno stupore quasi completo, e talvolta sedeva per giorni interi in uno stato indifferentemente congelato, quasi non reagendo ai tentativi dei suoi amici di salvare il suo cuore e la sua mente dalla depressione finale. C'erano solo due cose che l'avevano riportata brevemente al mondo reale: se qualcuno avesse iniziato a parlare del suo bambino non ancora nato o se fossero emersi nuovi dettagli, anche i più piccoli, sulla presunta morte del suo amato Nikolai. Voleva disperatamente sapere (mentre era ancora viva) cosa fosse realmente accaduto, e dove fosse suo marito, o almeno dove fosse sepolto (o abbandonato) il suo corpo.
Sfortunatamente, non è rimasta quasi nessuna informazione sulla vita di queste due persone coraggiose e brillanti, Elena e Nikolai de Rohan-Hesse-Obolensky, ma anche quelle poche righe delle due lettere rimanenti di Elena alla nuora Alexandra , che in qualche modo sono sopravvissuti negli archivi di famiglia di Alexandra in Francia, mostrano quanto profondamente e teneramente la principessa amasse il marito scomparso. Sono sopravvissuti solo pochi fogli manoscritti, di cui purtroppo alcune righe non sono affatto leggibili. Ma anche ciò che è stato realizzato grida con profondo dolore una grande sventura umana, che, senza averla vissuta, non è facile da comprendere e impossibile da accettare.

12 aprile 1927 Da una lettera della principessa Elena ad Alexandra (Alix) Obolenskaya:
"Sono molto stanco oggi. È tornata da Sinyachikha completamente distrutta. I carri sono pieni di gente, sarebbe un peccato anche portarci del bestiame………….. Ci siamo fermati nel bosco – lì c'era un odore così delizioso di funghi e fragole… È difficile da credere che queste persone sfortunate sono state uccise lì! La povera Ellochka (cioè la granduchessa Elizaveta Feodorovna, parente di mio nonno della linea di Hesse) è stata uccisa lì vicino, in questa terribile miniera di Staroselim... che orrore! La mia anima non può accettarlo. Ricordate, abbiamo detto: “Che la terra crolli”?.. Gran Dio, come può crollare una terra simile?!..
Oh, Alix, mia cara Alix! Come puoi abituarti a un simile orrore? ...................................................... Sono così stanco di chiedere l'elemosina e umiliandomi... Tutto sarà completamente inutile se la Cheka non accetterà di inviare una richiesta ad Alapaevsk ...... Non saprò mai dove cercarlo, e non saprò mai cosa gli hanno fatto. Non passa un'ora senza che io pensi a un volto per me così familiare... Che orrore è immaginare che giaccia in qualche pozzo abbandonato o in fondo a una miniera!.. Come puoi sopportare questo incubo quotidiano, sapendo che già non lo vedrò mai?!.. Così come il mio povero Vasilek (nome che fu dato a mio padre alla nascita) non lo vedrà mai... Dov'è il limite della crudeltà? E perché si definiscono umani?
Mia cara, gentile Alix, quanto mi manchi!... Se solo sapessi che per te va tutto bene e che Dmitrij, caro alla tua anima, non ti lascia in questi momenti difficili........ ... ................................... Se avessi anche solo una goccia di speranza di ritrovare il mio caro Nikolai, sembra che l'abbia preso tutto. L'anima sembra essersi abituata a questa terribile perdita, ma fa ancora molto male ... Tutto senza di lui è diverso e così deserto.

18 maggio 1927 Un estratto da una lettera della principessa Elena ad Alexandra (Alix) Obolenskaya:
“Lo stesso gentile dottore è venuto di nuovo. Non posso dimostrargli che semplicemente non ho più forza. Dice che devo vivere per il bene della piccola Vasilka ... È così? .. Cosa troverà in questa terribile terra, il mio povero bambino? .............................. La tosse riprende, a volte diventa impossibile respirare. Il dottore lascia sempre qualche goccia, ma mi vergogno di non poterlo ringraziare in alcun modo. ............................ A volte sogno la nostra stanza preferita. E il mio pianoforte... Dio, quanto è lontano! Ed era tutto? ............................... e le ciliegie nel giardino, e la nostra tata, così affettuosa e gentile. Dov'è tutto questo adesso? ................................ (fuori dalla finestra?) Non voglio guardare, è tutto coperto si vedono solo fuliggine e stivali sporchi… odio l’umidità.”

La mia povera nonna, a causa dell'umidità della stanza, che non era riscaldata nemmeno d'estate, si ammalò presto di tubercolosi. E, apparentemente indebolita dagli shock, dalla fame e dalla malattia, morì durante il parto, senza mai vedere il suo bambino, e senza trovare (almeno!) la tomba di suo padre. Letteralmente prima della sua morte, prese la parola dai Seryogin che, non importa quanto fosse difficile per loro, avrebbero portato il neonato (se, ovviamente, sopravvive) in Francia, dalla sorella di suo nonno. Il che, in quel momento selvaggio, promettere, ovviamente, era quasi "sbagliato", dal momento che i Seryogin, sfortunatamente, non avevano una vera opportunità per farlo ... Ma, tuttavia, le promisero che almeno in qualche modo avrebbe alleviato l'ultimo minuti della sua vita così brutalmente rovinata, ancora molto giovane, e affinché la sua anima, tormentata dal dolore, potesse, almeno con poche speranze, lasciare questo mondo crudele... E anche sapendo che faranno tutto il possibile per mantenere la loro parola ad Elena, i Seryogin non credevano ancora in cuor loro che sarebbero mai stati in grado di dare vita a tutta questa folle idea...

Origini della musica francese.

Le origini popolari della musica francese risalgono all'alto medioevo: nell'VIII-IX secolo c'erano melodie da ballo e canzoni di vari generi: lavoro, calendario, epica e altri.
Entro la fine dell'VIII secolo fu fondato Canto gregoriano.
IN Nell'XI-XII secolo, l'arte cavalleresca musicale e poetica dei trovatori fiorì nel sud della Francia.
IN Nel XII-XIII secolo, i cavalieri e i cittadini della Francia settentrionale, i trovieri, continuarono la tradizione dei trovatori. Tra questi, il più noto è Adam de la Halle (morto nel 1286).

Adam de la Al "Il gioco di Robin e Marion".

Nel XIV secolo, il movimento della Nuova Arte apparve nella musica francese. Il capo di questo movimento fu Philippe de Vitry (1291-1361) - teorico musicale e compositore, autore di molte opere secolari mottetti. Tuttavia, verso la fine del XVI secolo, al tempo di Carlo IX, la natura della musica francese cambiò. Iniziò l'era del balletto, quando la musica accompagnava la danza. In quest'epoca erano ampiamente utilizzati i seguenti strumenti: flauto, clavicembalo, violoncello, violino. E questa volta può essere definita il momento della nascita della vera musica strumentale.

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Philippe de Vitry "Il Signore dei Signori" (mottetto).

Il XVII secolo è una nuova fase nello sviluppo della musica francese. Il grande compositore francese Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28/11/1632, Firenze - 22/3/1687, Parigi) crea le sue opere. Jean Baptiste è un eccellente ballerino, violinista, direttore d'orchestra e coreografo di origine italiana, considerato il creatore riconosciuto dell'opera nazionale francese. Tra questi ci sono opere come: Teseo (1675), Iside (1677), Psiche (1678, Perseo (1682), Fetonte (1683), Rolando (1685) e Armide (1686) e altri. Nelle sue opere, chiamate "tragédie mise en musique" ("tragedia sulla musica"), Jean-Baptiste Lully cercò di esaltare gli effetti drammatici con la musica. Grazie alla maestria della messa in scena, allo spettacolare balletto, le sue opere durarono sul palco per circa 100 anni. i cantanti per la prima volta iniziarono a esibirsi senza maschere e le donne iniziarono a ballare balletti su un palco pubblico.
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - Compositore e teorico musicale francese. Utilizzando i risultati delle culture musicali francese e italiana, ha modificato in modo significativo lo stile dell'opera classica, ha preparato una riforma dell'opera di Christoph Willibaldi Gluck. Scrisse le tragedie liriche Ippolito e Arisia (1733), Castore e Polluce (1737), l'opera-balletto Gallant India (1735), brani per clavicembalo e altro ancora. I suoi lavori teorici rappresentano una tappa significativa nello sviluppo della dottrina dell'armonia.
Francois Couperin (1668-1733) - Compositore, clavicembalista e organista francese. Da una dinastia paragonabile alla dinastia tedesca dei Bach, poiché nella sua famiglia c'erano diverse generazioni di musicisti. Couperin è stato soprannominato "il grande Couperin" in parte per il suo senso dell'umorismo, in parte per il suo carattere. Il suo lavoro è l'apice dell'arte del clavicembalo francese. La musica di Couperin si distingue per l'inventiva melodica, la grazia e la perfezione dei dettagli.

1. Jean-Baptiste Lully sonata in la minore, 4a parte di "Gig".

2. Jean Philippe Rameau "Pollo" - interpretato da Arkady Kazaryan.

3. Francois Couperin "Sveglia" - interpretato da Ayana Sambuyeva.

Nel XVIII secolo - fine XIX secolo, la musica diventa una vera arma nella lotta per le proprie convinzioni e desideri. Appare un'intera galassia di compositori famosi: Maurice Ravel (Maurice Ravel), Jean-Philippe Rameau (Jean-Philippe Rameau), Claude Joseph Rouget de Lisle (1760-1836) ingegnere militare, poeta e compositore francese. Ha scritto inni, canzoni, romanzi. Nel 1792 scrisse la composizione "La Marseillaise", che in seguito divenne l'inno della Francia.

Inno di Francia.

Glück Christoph Willibald (1714-1787) è stato un famoso compositore franco-tedesco. La sua attività più gloriosa è legata alla scena operistica parigina, per la quale scrisse le sue migliori opere in parole francesi. Pertanto, i francesi lo considerano un compositore francese. Numerose sue opere: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" ed altre furono rappresentate a Milano, Torino, Venezia, Cremona. Dopo aver ricevuto un invito a Londra, Gluck scrisse due opere per il teatro Hay-Market: "La Caduta de Giganti" (1746) e "Artamene" e l'opera pot-pourri (pasticcio) "Pyram"

Melodia dall'opera "Orfeo ed Euridice".

Nel 19 ° secolo - i compositori Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel e altri.

Nel 20 ° secolo compaiono veri artisti professionisti. Sono stati loro a rendere le canzoni francesi così famose, creando un'intera direzione del chansonnier francese. Oggi i loro nomi sono fuori dal tempo e dalle mode. Questi sono Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Tutti loro sono conosciuti per le loro bellissime canzoni liriche, che hanno conquistato non solo il pubblico francese, ma anche altri paesi. Molti di loro sono stati coperti da altri artisti.

Per preparare questa pagina sono stati utilizzati i materiali del sito:
http://ru.wikipedia.org/wiki, http://www.tlemb.ru/articles/french_music;
http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc1p/14802
http://www.fonstola.ru/download/84060/1600x900/
Materiale tratto dal libro "Musician's Companion" Editore - compilatore A. L. Ostrovsky; casa editrice "MUSIC" Leningrado 1969, p.340

Imparare a suonare uno strumento musicale è una delle cose più belle che tu possa mai fare. Che tu abbia appena finito la scuola e abbia deciso che ti piacerebbe suonare in una band, o che tu decida di imparare a suonare ora che i bambini sono cresciuti, è divertente e gratificante e assolutamente da fare. Se non sai ancora a cosa vuoi giocare, sei in ottima forma: significa che tutto è possibile per te! Consulta il passaggio 1 per suggerimenti utili sulla scelta dello strumento giusto.

Passi

Scegliendo dalla varietà

A cominciare dal pianoforte. Il pianoforte è uno strumento di partenza comune perché è facile vedere realmente la musica. Comuni a molte culture e stili musicali, il pianoforte e le tastiere sono un'ottima scelta se vuoi imparare uno strumento, indipendentemente dalla tua età. Le opzioni di pianoforte che puoi aggiungere al tuo repertorio in seguito possono includere:

• Organo
• Fisarmonica
• Sintetizzatore
• Clavicembalo
• Armonico

Scatenati con la chitarra. Dalla classica al metal, imparare a suonare la chitarra apre tutte le porte a nuovi stili musicali. La chitarra ha avuto un impatto sulla cultura pop forse più di ogni altro strumento ed è diventata la scelta più popolare tra i principianti di tutto il mondo. Prendi una chitarra acustica per essere mobile o prova la sua versione elettrica per iniziare a scherzare con i tuoi vicini e suonare frasi inebrianti. Una volta padroneggiate le basi della chitarra, puoi anche aggiungere altri strumenti dell'azienda a sei corde:

• Basso-chitarra
• Mandolino
• Banjo
• Dulcimer

Considera l'uso di strumenti classici. Una delle carriere più praticabili nella musica è suonare strumenti a corda classici in orchestre, quartetti d'archi o altri ensemble. Gli strumenti dell'orchestra da camera potrebbero interessarti se sei interessato alla musica classica. Sebbene possano avere una reputazione conservatrice, sono ancora ampiamente utilizzati nella musica folk e in altri generi in tutto il mondo. Gli archi classici includono:

• Violino. È generalmente considerato lo strumento "leader" nel mondo degli strumenti ad arco. Ha un'ampia estensione, è comodo da tenere in mano e può essere così sublimemente espressivo che nessun altro strumento può nemmeno provare ad eguagliarlo.
• Alto. Un po' più grande di un violino, con un tono più profondo e più morbido di un violino. Se hai le braccia più lunghe e le mani più grandi, potresti essere in grado di suonare la viola invece del violino.
• Violoncello. Il violoncello è molto più grande dei violini e delle viole e dovresti suonare con lo strumento tra le ginocchia. Ha un tono ricco e profondo simile a una voce maschile. Sebbene non possa raggiungere le vette del violino, è uno strumento molto lirico.
• Contrabbasso. È il membro dal suono più basso della famiglia dei violini. Nelle orchestre classiche o da camera, viene spesso suonato con l'arco e talvolta con le dita per effetto. La musica jazz o folk (dove spesso troverai il contrabbasso) viene suonata principalmente con le dita e talvolta con l'arco per effetto.

Conosci gli ottoni. Sia semplici che complessi, gli strumenti della famiglia degli ottoni sono fondamentalmente lunghi tubi metallici con valvole e chiavi che cambiano il tono. Per suonarli, fai roteare le labbra all'interno di un bocchino di metallo per creare un suono. Sono utilizzati in tutti i tipi di gruppi e orchestre dal vivo, combo jazz, orchestre e come accompagnamento nella musica rhythm and blues e soul della vecchia scuola. Gli strumenti in ottone includono:

• Tubo
• Trombone
• Corno francese
• Baritono
• Sousafono

Non dimenticare i legni. Come gli strumenti in ottone, i legni vengono suonati soffiandoci dentro. A differenza degli ottoni, i legni hanno ance che vibrano quando ci soffi sopra. Creano molti toni meravigliosi. Si tratta di strumenti estremamente versatili per la musica jazz o classica. Gli strumenti a fiato includono:

• Flauto, ottavino o piffero
• Sassofono
• Clarinetto
• Oboe
• Fagotto
• Armonico

Crea ritmo suonando strumenti a percussione. Tenere il ritmo nella maggior parte delle band è un lavoro da batteristi. In alcuni gruppi si tratta di batterie, in altre orchestre sono rappresentati da una gamma più ampia di strumenti suonati con martelli, mani o bacchette. Gli strumenti a percussione includono:

• Batteria
• Vibrafono, marimba e xilofono
• campane
• Campane e piatti
• Congo e Bongo
• timpani

Considera nuovi strumenti musicali. Le persone fanno musica con più strumenti che mai. Potresti aver visto il ragazzo all'angolo della strada suonare il ritmo su secchi di vernice da 20 litri e coperchi di pentole. Batteria? Forse. Percussioni, ovviamente. Consideriamo il gioco:

• iPad. Se ne hai uno, sai già che ci sono alcuni strumenti musicali davvero sorprendenti che sfidano la classificazione. Clicca sullo schermo e la voce esce dalla pozzanghera blu su sfondo verde. Cambia l'app e ora stai suonando un sintetizzatore vintage degli anni '80 che costava $ 50.000 ora costa 99 centesimi e suona meglio.
• Hai un paio di giradischi? Ci vuole molta abilità e molta pratica per essere un grande DJ, e chiunque ti dica che non è musica si sbaglia.

Dai un'occhiata a questo elenco. Come puoi vedere, ci sono più strumenti di quelli che puoi usare per il ritmo. Alcuni di quelli difficili da classificare sono elencati di seguito:

• Erhu (violino cinese a due corde)
• Guqin (strumento a corde cinese)
• Sitar
• Dulcimer
• Koto (arpa giapponese)
• Cornamuse
• Ukulele
• cor inglese
• Flauto di Pan/flauto
• Ocarina
• Flauto a blocco
• fischio
• Dudka
• Mellophone (versione da viaggio del corno)
• Althorn
• tromba piccola
• Flicorno

Scegliere lo strumento giusto

1. Sperimenta molti strumenti diversi prima di scegliere. Prendi una tromba, una chitarra o un trombone e suona alcune note. Non è ancora musica, ma ti darà un'idea se è divertente da suonare e se vale la pena dedicarci un po' di tempo.

   Guarda le tue opzioni. Se inizi a suonare in una banda del liceo, controlla quali strumenti include la banda. La maggior parte delle bande da concerto nelle scuole dispone di clarinetti, flauti, sassofoni, tube, baritoni, tromboni, trombe e strumenti a percussione per cominciare, e puoi prepararti per altri strumenti come l'oboe, il fagotto e il flicorno.

   • Puoi iniziare a prendere una decisione sulla scelta di uno strumento tra quelli disponibili. Puoi anche chiedere al manager quali strumenti mancano: ti sarà molto grato se riuscirai a riempire lo spazio vuoto.

2. Mantieni aperte le tue opzioni. Puoi suonare il baritono-sassofono, ma il gruppo ha già tre baritoni. Potrebbe essere necessario suonare prima il clarinetto, poi passare al sassofono contralto e infine al baritono quando se ne presenta l'occasione.

   Considera le tue dimensioni. Se stai iniziando la scuola superiore e sei più basso dello studente medio, una tuba o un trombone non lo sono Forse essere lo strumento giusto per te. Puoi provare invece con la tromba o la cornetta.

   • Se sei più giovane o stai ancora perdendo i denti, potresti avere difficoltà a suonare alcuni strumenti in ottone perché i tuoi denti non sono molto forti.
   • Se hai le mani o le dita piccole, il fagotto potrebbe non essere comodo per te, anche se esistono fagotti realizzati per principianti con chiavi per mani piccole.

   Trovare lo strumento giusto

   1. Gioca a quello che ti piace. Quando ascolti la radio, Spotify o la musica preferita dei tuoi amici, cosa ti porta istintivamente in vita?

      • Tamburi con le dita seguendo la linea di basso o ti ecciti con frenetici assoli di chitarra? Forse dovresti considerare gli strumenti a corda.
      • Scuoti costantemente l'aria battendo le dita sul tavolo? Questi sono tutti ottimi indizi su quale potrebbe essere il tuo "strumento naturale", e questo include colpire con bastoni, mani o entrambi!

   2. Pensa a cosa sarà pratico per la tua situazione. Potresti avere un'attrazione naturale per la batteria, ma i tuoi genitori ti hanno detto: "Assolutamente no, è troppo forte!" Sii creativo: offri batterie digitali che puoi ascoltare solo tramite le cuffie oppure ripensa alle tue esigenze e inizia con qualcosa di morbido come una batteria Kong. Suona la batteria nella banda della scuola, ma esercitati a casa su tappetini di gomma.

   3. Basta sceglierne uno. Sebbene tu possa essere molto analitico su cosa giocare, c'è un'altra cosa da provare che ha molti vantaggi. Chiudi gli occhi (dopo aver letto questo) e scrivi i primi 5 strumenti che ti vengono in mente. Ora guarda cosa hai scritto.

      • Una di queste scelte è il tuo strumento. Il primo è sulla prima riga: potrebbe essere lo strumento che vuoi veramente suonare, o potrebbe essere semplicemente lo strumento a cui associ l'apprendimento della musica.
      • Con ogni scelta riuscita, presti maggiore attenzione a ciò che volevi. Con la quinta scelta, puoi trovare la risposta. È chiaro che tutti gli strumenti ti piacciono, ma qual è la scelta migliore? Tutto dipende da chi sei e da come imparerai.
   • Se lo strumento che vuoi suonare è costoso, prova a noleggiarlo o a prenderlo in prestito per un po'.
   • È una buona idea scegliere strumenti che ti permettano di esplorare tutti i tipi di musica. Strumenti come il flauto o la chitarra hanno molte possibilità. Inoltre, la scelta del sassofono o della tromba ti permetterà di esplorare facilmente altri strumenti. Ad esempio, per un sassofonista è più semplice scegliere altri strumenti ad ancia come il clarinetto, mentre per un trombettista è molto più semplice imparare il corno francese o altri ottoni.
   • Considera la tua personalità. Confronta te stesso con un attore. Devi essere il personaggio principale? Scegli uno strumento che suoni melodie e spesso suoni da solo come flauto, tromba, clarinetto, violino. Supportare l'esecutore? Se sei nel tuo elemento e lavori insieme in gruppo per creare bellissime armonie, allora uno strumento basso come la tuba, il baritono, il sassofono baritono o il contrabbasso potrebbe essere perfetto.
   • Prima di iniziare, impara il più possibile sullo strumento che hai scelto per assicurarti di volerlo imparare.
   • Considera le tue risorse locali. Mettiti in contatto con gli insegnanti locali e prova a trovare un modo per acquistare uno strumento.
   • Se non sei sicuro di voler davvero suonare lo strumento che hai scelto, noleggialo e, se ti piace, puoi acquistarlo. In caso contrario, puoi scegliere un altro strumento.
   • Scegli uno strumento raro. Molte persone sanno suonare il piano, la chitarra e la batteria, quindi per brillare nel suonarli devi suonare molto bene, ma se scegli uno strumento strano, insolito, anche se suoni male, puoi trovare lavori come insegnante o concerti.
   • Tieni presente che molte scuole considerano la "batteria" come uno strumento, nel senso che non si accordano solo sul rullante o sulla batteria. Dovrai quindi imparare e suonare tutti gli strumenti a percussione. Questa è una buona cosa. Più sai, meglio ti sentirai.

   Avvertenze

   • Non pensare agli stereotipi di genere. Alcuni suonatori di tuba e batteristi straordinari sono ragazze, ma i flautisti e clarinettisti più brillanti possono essere ragazzi.
   • Non scegliere uno strumento solo perché è rumoroso. Un suonatore di tuba in un'orchestra o un bassista in un gruppo rock possono essere altrettanto utili quanto un solista. In ogni caso, esiste materiale solista per quasi tutti gli strumenti, quindi le possibilità di rimanere bloccati per sempre su una noiosa linea di basso sul tuo strumento sono basse.
   • Non pensare che alcuni strumenti siano "limitati" in termini di ciò che puoi suonare su di essi. Qualsiasi strumento ha letteralmente infinite possibilità. Non puoi mai smettere di migliorare e di riprodurre ottima musica.
   • Non lasciare che le persone ti dicano quali strumenti sono "interessanti" o "trendy". Suonare uno strumento non significa solo poter dire di saperlo fare.

La musica francese che ascoltiamo ha radici profonde. Appare dall'arte popolare dei contadini e dei cittadini, dalla poesia religiosa e cavalleresca, dal genere della danza. La formazione della musica dipende dalle epoche. Le credenze celtiche, e in seguito le usanze regionali delle province francesi e dei popoli vicini, formano melodie e generi musicali speciali inerenti al suono musicale della Francia.

La musica dei Celti

I Galli, il popolo celtico più numeroso, persero la loro lingua parlando il latino, ma acquisirono tradizioni musicali, danze, poemi epici e strumenti musicali celtici: flauto, cornamusa, violino, lira. La musica gallica è cantata ed è indissolubilmente legata alla poesia. La voce dell'anima e l'espressione delle emozioni venivano trasmesse dai bardi erranti. Conoscevano molte canzoni, possedevano una voce e sapevano suonare, e usavano anche la musica in rituali misteriosi. Nel folklore francese sono note 2 versioni di opere musicali: ballate e testi - poesia popolare con un coro che ha sostituito la musica. Tutte le canzoni sono scritte in francese, nonostante il fatto che gli abitanti di diverse parti della Francia parlassero i propri dialetti. La lingua della Francia centrale era considerata solenne e poetica.

canzoni epiche

Le ballate erano tenute in grande considerazione dalla gente. Le leggende tedesche hanno preso il talento del popolo come base per le loro canzoni leggendarie. Il genere epico è stato eseguito da un giocoliere, un cantante folk che, come cronista, ha perpetuato gli eventi in una canzone. Successivamente, la sua esperienza musicale fu trasmessa ai cantanti itineranti medievali: trovatori, menestrelli, trovatori. Tra le canzoni leggendarie, un gruppo significativo è la canzone - una denuncia, come risposta a eventi tragici o ingiusti. Una storia religiosa o secolare è solitamente triste, con una predominanza di una tonalità minore. La denuncia potrebbe essere romantica o avventurosa, in cui la trama principale si rivela essere una storia d'amore con una fine tragica o scene di passione, a volte piene di crudeltà. La canzone di denuncia si diffuse in profondità nei villaggi e acquisì gradualmente un carattere comico e satirico. La melodia delle lamentele potrebbe essere inni della chiesa o canti di villaggio: lunghe storie con pause. Un classico esempio di canti narrativi è la "Canzone di Reno", che ha un ritmo in do maggiore. La melodia è calma e commovente.

Una ballata con motivi celtici può essere ascoltata nell'opera di Nolwen Leroy, una cantante folk bretone. Il primo album "Breton" (2010) ha fatto rivivere canzoni popolari. Le ballate vengono ascoltate anche dai classici del rock-folk - "Tri Yann". La storia di un semplice marinaio e della sua ragazza è riconosciuta come un successo e una perla del folklore. Il gruppo è stato fondato da tre musicisti di nome Jean nel 1970. Lo dice anche il nome del gruppo, che dal bretone significa “tre jeans”. Un'altra canzone-ballata "Nelle prigioni di Nantes" su un prigioniero evaso con l'aiuto della figlia del carceriere è popolare e conosciuta in tutta la Francia.

testi d'amore

In tutte le forme di musica popolare è nata una storia d'amore. Nell'epopea, questa è una storia sull'amore sullo sfondo di eventi militari o quotidiani. In una canzone comica, questo è un dialogo ironico, dove un interlocutore ride di un altro, non c'è unità di cuori amorevoli e spiegazioni. Le canzoni per bambini cantano sul matrimonio degli uccelli. La canzone lirica francese in senso classico è una pastorale emersa dal genere rurale ed migrata nel repertorio dei trovatori. I suoi eroi sono pastorelle e signori. I cantanti pubblici specificano anche l'ora e il luogo dell'azione: di solito è la natura, un vigneto o un giardino. Una canzone popolare regionale sull'amore differisce nel tono. Canzone bretone molto sensibile. Una melodia seria ed eccitata parla di sentimenti sublimi. La musica alpina è pura, fluida, piena di aria di montagna. Nella Francia centrale - "canzoni semplici" nello stile del romanticismo. La Provenza e il sud del paese componevano serenate, al centro delle quali c'era una coppia innamorata, e la ragazza veniva paragonata a un fiore o a una stella. Il canto era accompagnato dal suono del tamburello o della pipa francese. I poeti trovatori componevano le loro canzoni nella lingua della Provenza e cantavano l'amor cortese e le gesta cavalleresche. Nelle raccolte di canti popolari del XV secolo. sono incluse molte canzoni umoristiche e satiriche. Nei testi d'amore non c'è la raffinatezza caratteristica delle canzoni calde di Italia e Spagna, hanno una caratteristica sfumatura di ironia.

La sensualità delle canzoni popolari gioca un ruolo decisivo e l'amore per questo genere si è diffuso ai creatori di chanson e vive ancora in Francia.

satira musicale

Lo spirito gallico si manifesta negli scherzi e nelle canzoni. Pieno di vita e di scherno, costituisce un tratto caratteristico della canzone francese. Il folklore urbano, molto vicino all'arte popolare, nacque nel XVI secolo. Allora i chansonnier parigini, che abitavano vicino al Pont Neuf, cantavano dei problemi attuali, ma qui si scambiavano i loro testi. Le risposte a vari eventi sociali con versi satirici sono diventate di moda. Le canzoni popolari taglienti hanno determinato lo sviluppo del cabaret.

musica dance

Anche la musica della direzione classica traeva ispirazione dal lavoro dei contadini. Le melodie popolari si riflettono nelle opere dei compositori francesi: Berlioz, Saint-Saens, Bizet, Lully e molti altri. Le danze antiche - farandole, gavotte, rigodon, minuetto e bourre sono strettamente legate alla musica, e i loro movimenti e ritmo sono basati su canzoni.

• Farandole apparve nell'alto Medioevo nel sud della Francia dai canti natalizi. La danza era accompagnata dai suoni di un tamburello e di un dolce flauto. La danza della gru, come fu chiamata in seguito, veniva ballata durante le festività e le feste di massa. Farandole suona nella suite "Arlesiana" di Bizet dopo la "Marcia dei Re Magi".
• Gavotta- un'antica danza degli abitanti delle Alpi - gavotes, e in Bretagna. Originariamente una danza in cerchio nella cultura celtica, veniva eseguita a ritmo veloce secondo il principio del "passo - metti il ​​piede" sulla cornamusa. Inoltre, a causa della sua forma ritmica, si trasformò in una danza da salotto e divenne il prototipo del minuetto. È possibile ascoltare una gavotta in un'interpretazione reale nell'opera Manon Lescaut.
• Rigaudón- Un'allegra danza dei contadini della Provenza al suono del violino, cantando e colpendo zoccoli di legno era popolare in epoca barocca. La nobiltà si innamorò di lui per la sua leggerezza e il suo temperamento.
• Burre- un'energica danza popolare con salti nata nella Francia centrale nel XV secolo. Nei secoli XVII e XVIII, dall'ambiente popolare della provincia del Poitou emerge una graziosa danza di cortigiani. Il minuetto è caratterizzato da un ritmo lento con piccoli passi, inchini e riverenze. La musica del minuetto è modellata dal clavicembalo, ad un ritmo più veloce rispetto ai movimenti dei ballerini.

C'erano varie composizioni musicali e musicali: folk, lavoro, vacanze, ninne nanne, canzoni di conteggio.

L'espressione moderna nell'album "Breton" di Leroy è stata ricevuta dal contatore di melodie popolari "Mare from Michaud" (La Jument de Michao). Le sue origini musicali sono la danza rotonda. Le canzoni popolari incluse nell'album bretone sono state scritte per le vacanze Fest-noz e in ricordo della tradizione popolare di danze e canzoni della Bretagna.

La canzone francese ha assorbito tutte le caratteristiche della cultura musicale popolare. Si distingue per sincerità e realismo, non contiene elementi soprannaturali e miracoli. E ai nostri giorni in Francia e nel mondo, i cantanti pop francesi, successori delle migliori tradizioni popolari, sono molto popolari.

Gli strumenti musicali sono progettati per produrre vari suoni. Se il musicista suona bene, questi suoni possono essere chiamati musica, altrimenti cacofonia. Ci sono così tanti strumenti che impararli è come un gioco emozionante peggio di Nancy Drew! Nella pratica musicale moderna, gli strumenti sono divisi in varie classi e famiglie a seconda della fonte del suono, del materiale di fabbricazione, del metodo di produzione del suono e di altre caratteristiche.

Strumenti musicali a fiato (aerofoni): un gruppo di strumenti musicali la cui sorgente sonora sono le vibrazioni di una colonna d'aria nella canna (tubo). Sono classificati secondo molti criteri (per materiale, design, metodi di estrazione del suono, ecc.). In un'orchestra sinfonica, il gruppo degli strumenti musicali a fiato è diviso in legni (flauto, oboe, clarinetto, fagotto) e ottoni (tromba, corno, trombone, tuba).

1. Flauto: uno strumento musicale a fiato. Il tipo moderno di flauto traverso (con valvole) fu inventato dal maestro tedesco T. Bem nel 1832 e ha varietà: flauto piccolo (o piccolo), flauto alto e basso.

2. Oboe - strumento musicale ad ancia a fiato. Conosciuto fin dal XVII secolo. Varietà: piccolo oboe, oboe d "cupido, corno inglese, haeckelphone.

3. Clarinetto - strumento musicale ad ancia a fiato. Progettato all'inizio 18esimo secolo Nella pratica moderna vengono comunemente usati clarinetti soprano, clarinetto piccolo (ottavino italiano), contralto (il cosiddetto corno di bassetto), clarinetto basso.

4. Fagotto - uno strumento musicale a fiato (principalmente orchestrale). Sorse al 1° piano. 16 ° secolo La varietà di basso è il controfagotto.

5. Tromba - uno strumento musicale con bocchino in ottone a fiato, conosciuto fin dall'antichità. Il tipo moderno di tubo per valvole si è sviluppato fino a diventare ser. 19esimo secolo

6. Corno: uno strumento musicale a fiato. Apparve alla fine del XVII secolo come risultato del miglioramento del corno da caccia. Il tipo moderno di corno a valvole fu creato nel primo quarto del XIX secolo.

7. Trombone - uno strumento musicale a fiato in ottone (principalmente orchestrale), in cui l'altezza è regolata da un dispositivo speciale - un backstage (il cosiddetto trombone scorrevole o zugtrombone). Esistono anche tromboni a valvole.

8. La tuba è lo strumento musicale in ottone dal suono più basso. Progettato nel 1835 in Germania.

I metallofoni sono una sorta di strumenti musicali, il cui elemento principale sono le chiavi a piastre, che vengono battute con un martello.

1. Strumenti musicali con suono automatico (campane, gong, vibrafoni, ecc.), la cui sorgente sonora è il loro corpo metallico elastico. Il suono viene estratto con martelli, bastoncini, speciali percussioni (lingue).

2. Strumenti come lo xilofono, a differenza del quale le piastre del metallofono sono di metallo.

Strumenti musicali a corda (cordofoni): secondo il metodo di produzione del suono, sono divisi in ad arco (ad esempio violino, violoncello, gidzhak, kemancha), a pizzico (arpa, arpa, chitarra, balalaika), percussioni (piatti), percussioni tastiere (pianoforte), schipkovo - tastiere (clavicembalo).

1. Violino: uno strumento musicale ad arco a 4 corde. Il più alto nel registro della famiglia dei violini, che costituì la base dell'orchestra sinfonica classica e del quartetto d'archi.

2. Violoncello - uno strumento musicale della famiglia dei violini del registro basso-tenore. Apparso nei secoli 15-16. Campioni classici furono creati da maestri italiani dei secoli XVII-XVIII: A. e N. Amati, J. Guarneri, A. Stradivari.

3. Gidzhak - strumento musicale ad arco a corde (tagico, uzbeko, turkmeno, uiguro).

4. Kemancha (kamancha) - Strumento musicale ad arco a 3-4 corde. Distribuito in Azerbaigian, Armenia, Georgia, Daghestan, nonché nei paesi del Medio e Vicino Oriente.

5. Arpa (dal tedesco Harfe) - uno strumento musicale a pizzico a più corde. Prime immagini - nel terzo millennio aC. Nella sua forma più semplice, si trova in quasi tutti i popoli. La moderna arpa a pedali fu inventata nel 1801 da S. Erard in Francia.

6. Gusli - Strumento musicale a corde russo. I gusli pterigoidi ("doppiati") hanno 4-14 o più corde, a forma di elmo - 11-36, rettangolari (a forma di tavolo) - 55-66 corde.

7. Chitarra (guitarra spagnola, dal greco cithara) - uno strumento a pizzico a corde tipo liuto. È conosciuto in Spagna dal XIII secolo e nei secoli XVII e XVIII si diffuse nei paesi dell'Europa e dell'America, anche come strumento popolare. Dal 18° secolo, la chitarra a 6 corde è diventata comune, la 7 corde si è diffusa soprattutto in Russia. Le varietà includono il cosiddetto ukulele; nella musica pop moderna viene utilizzata la chitarra elettrica.

8. Balalaika - Strumento musicale popolare russo a pizzico a 3 corde. Conosciuto fin dall'inizio 18esimo secolo Migliorato nel 1880. (sotto la direzione di V.V. Andreev) V.V. Ivanov e F.S. Paserbsky, che disegnarono la famiglia delle balalaika, in seguito - S.I. Nalimov.

9. Piatti (cymbaly polacco) - uno strumento musicale a percussione a più corde di origine antica. Fanno parte delle orchestre popolari di Ungheria, Polonia, Romania, Bielorussia, Ucraina, Moldavia, ecc.

10. Pianoforte (fortepiano italiano, da forte - forte e piano - silenzioso) - il nome generale degli strumenti musicali a tastiera con azione del martello (pianoforte, pianoforte). All'inizio fu inventato il pianoforte. 18esimo secolo L'aspetto del moderno tipo di pianoforte - con il cosiddetto. doppia prova - si riferisce agli anni venti dell'Ottocento. Il periodo di massimo splendore dell'esecuzione pianistica - 19-20 secoli.

11. Clavicembalo (clavicembalo francese) - uno strumento musicale a corde pizzicato con tastiera, il precursore del pianoforte. Conosciuto fin dal XVI secolo. C'erano clavicembali di varie forme, tipi e varietà, tra cui cembalo, virginel, spinetta, claviciterium.

Strumenti musicali a tastiera: un gruppo di strumenti musicali uniti da una caratteristica comune: la presenza di una meccanica a tastiera e di una tastiera. Sono divisi in diverse classi e tipologie. Gli strumenti musicali a tastiera sono combinati con altre categorie.

1. Archi (percussioni e tastiere a pizzico): pianoforte, celesta, clavicembalo e sue varietà.

2. Fiati (tastiere a fiato e ad ancia): organo e sue varietà, armonium, fisarmonica a bottoni, fisarmonica, melodia.

3. Elettromeccanico: piano elettrico, clavinet

4. Elettronica: pianoforte elettronico

pianoforte (fortepiano italiano, da forte - forte e piano - silenzioso) - il nome generale degli strumenti musicali a tastiera con azione del martello (pianoforte, pianoforte). È stato inventato all'inizio del XVIII secolo. L'aspetto del moderno tipo di pianoforte - con il cosiddetto. doppia prova - si riferisce agli anni venti dell'Ottocento. Il periodo di massimo splendore dell'esecuzione pianistica - 19-20 secoli.

Strumenti musicali a percussione: un gruppo di strumenti combinati secondo il metodo di produzione del suono - impatto. La sorgente sonora è un corpo solido, una membrana, una corda. Esistono strumenti ad altezza definita (timpani, campane, xilofoni) e indefinita (tamburi, tamburelli, nacchere).

1. Timpani (timpani) (dal greco polytaurea) - uno strumento musicale a percussione a forma di calderone con una membrana, spesso accoppiato (nagara, ecc.). Diffuso fin dall'antichità.

2. Campane - strumento musicale a percussione orchestrale dal suono automatico: una serie di dischi in metallo.

3. Xilofono (da xylo... e telefono greco - suono, voce) - strumento musicale a percussione dal suono automatico. È costituito da una serie di blocchi di legno di varie lunghezze.

4. Tamburo - strumento musicale a membrana a percussione. Le varietà si trovano in molti popoli.

5. Tamburello: uno strumento musicale a membrana a percussione, a volte con pendenti in metallo.

6. Castanetvas (spagnolo: castanetas) - uno strumento musicale a percussione; piatti di legno (o plastica) a forma di conchiglia, fissati sulle dita.

Strumenti musicali elettrici: strumenti musicali in cui il suono viene creato generando, amplificando e convertendo segnali elettrici (utilizzando apparecchiature elettroniche). Hanno un timbro particolare, possono imitare vari strumenti. Gli strumenti musicali elettrici includono theremin, emiriton, chitarra elettrica, organi elettrici, ecc.

1. Theremin: il primo strumento musicale elettrico domestico. Progettato da LS Theremin. L'altezza del theremin varia a seconda della distanza della mano destra dell'esecutore da una delle antenne, il volume varia a seconda della distanza della mano sinistra dall'altra antenna.

2. Emiriton - uno strumento musicale elettrico dotato di tastiera tipo pianoforte. Progettato in URSS dagli inventori A. A. Ivanov, A. V. Rimsky-Korsakov, V. A. Kreutser e V. P. Dzerzhkovich (1° modello nel 1935).

3. Chitarra elettrica - una chitarra, solitamente in legno, con pickup elettrici che convertono le vibrazioni delle corde metalliche in vibrazioni di corrente elettrica. Il primo pickup magnetico fu costruito dall'ingegnere Gibson Lloyd Loer nel 1924. Le più comuni sono le chitarre elettriche a sei corde.

La cultura musicale francese cominciò a prendere forma su un ricco strato di canzoni popolari. Sebbene le più antiche testimonianze affidabili di canzoni sopravvissute fino ad oggi risalgano al XV secolo, i materiali letterari e artistici indicano che sin dai tempi dell'Impero Romano, la musica e il canto hanno occupato un posto di rilievo nella vita quotidiana delle persone.

La musica sacra arrivò nelle terre francesi con il cristianesimo. Originariamente latino, è gradualmente cambiato sotto l'influenza della musica popolare. La chiesa utilizzava materiale durante il culto comprensibile alla gente del posto. Tra il V e il IX secolo in Gallia si sviluppò un tipo particolare di liturgia: il rito gallicano con canto gallicano. Tra gli autori di inni sacri era famosa Ilario di Poitiers. Il rito gallicano è noto da fonti storiche, il che indica che differiva notevolmente da quello romano. Non sopravvisse, perché i re francesi lo abolirono, cercando di ricevere il titolo di imperatori da Roma, e la chiesa romana cercò di raggiungere l'unificazione dei servizi ecclesiastici.

Dal IX al XII secolo. Sono state conservate le "canzoni sulle azioni" (chansons de geste).

musica folk

Nelle opere dei folcloristi francesi vengono considerati numerosi generi di canzoni popolari: liriche, d'amore, canzoni di denuncia (complaintes), danza (rondes), satiriche, canzoni di artigiani (chansons de metiers), calendario, ad esempio Natale (Noel); lavoro, storico, militare, ecc. Il folklore comprende anche canti associati alle credenze galliche e celtiche. Tra i generi lirici un posto speciale è occupato dalla pastorale (l'idealizzazione della vita rurale). I temi dell'amore non corrisposto e della separazione predominano nelle opere di contenuto amoroso. Molte canzoni sono dedicate ai bambini: ninne nanne, giochi, filastrocche (fr. comptines). I canti del lavoro (canti dei mietitori, degli aratori, dei viticoltori, ecc.), dei soldati e delle reclute sono vari. Un gruppo speciale è composto da ballate sulle crociate, canzoni che espongono la crudeltà di signori feudali, re e cortigiani, canzoni sulle rivolte contadine (i ricercatori chiamano questo gruppo di canzoni "l'epopea poetica della storia della Francia").

Medioevo

musica da chiesa

Durante il Medioevo, lo sviluppo della musica sacra fu meglio documentato. Le prime forme gallicane di liturgia cristiana furono sostituite dalla liturgia gregoriana. La diffusione del canto gregoriano durante il regno della dinastia carolingia (751-987) è legata principalmente all'attività dei monasteri benedettini. Le abbazie cattoliche di Jumiège (sulla Senna, anche a Poitiers, Arles, Tours, Chartres e altre città) divennero centri di musica sacra, cellule di cultura musicale spirituale e secolare professionale. Per insegnare a cantare agli studenti, in molte abbazie furono create apposite scuole di canto (metrisas). Insegnavano non solo il canto gregoriano, ma anche a suonare strumenti musicali, la capacità di leggere la musica. A metà del IX sec. apparve la notazione non obbligatoria, il cui graduale sviluppo, dopo molti secoli, portò alla formazione della moderna notazione musicale.

Nel IX secolo Il canto gregoriano si arricchì di sequenze, che in Francia vengono anche chiamate prosa. La creazione di questa forma è stata attribuita al monaco Notker del monastero di San Gallo (la moderna Svizzera). Tuttavia Notker ha indicato nella prefazione al suo "Libro degli inni" di aver ricevuto informazioni sulla sequenza da un monaco dell'abbazia di Jumièges. Successivamente, gli autori della prosa Adam dell'Abbazia di Saint-Victor (XII secolo) e il creatore della famosa "Prosa dell'asino" Pierre Corbeil (inizio del XIII secolo) divennero particolarmente famosi in Francia. Un'altra innovazione sono stati i tropi: inserti nel mezzo del canto gregoriano. Attraverso di loro, le melodie secolari iniziarono a penetrare nella musica sacra.

Dal X sec. a Limoges, Tours e in altre città, nel profondo del servizio divino stesso, è apparso un dramma liturgico, nato da tropi dialogici con "domande" e "risposte" alternate di due gruppi antifonali del coro. A poco a poco, il dramma liturgico si allontanò sempre più dal culto (insieme alle immagini del Vangelo furono inclusi personaggi realistici).

Fin dall'antichità i canti popolari sono stati caratterizzati dalla polifonia, mentre il canto gregoriano si è formato come monofonico. Nel IX secolo anche elementi di polifonia iniziarono a penetrare nella musica sacra. Nel IX secolo furono scritti manuali sulla polifonia d'organum. Il monaco Gukbald di Saint-Aman vicino a Tournai nelle Fiandre è considerato l'autore del più antico di essi. Lo stile polifonico che si è sviluppato nella musica sacra, tuttavia, differisce dalla pratica musicale popolare.

musica secolare

Insieme alla musica di culto si sviluppò la musica secolare, che risuonava nella vita popolare, nelle corti dei re franchi, nei castelli dei signori feudali. I portatori delle tradizioni musicali popolari del Medioevo erano principalmente musicisti itineranti - giocolieri, che erano molto popolari tra la gente. Cantavano canzoni moralistiche, umoristiche, satiriche, ballavano con l'accompagnamento di vari strumenti, tra cui tamburello, tamburo, flauto, strumento a pizzico tipo liuto (questo ha contribuito allo sviluppo della musica strumentale). I giocolieri si esibivano durante le feste nei villaggi, nelle corti feudali e persino nei monasteri (partecipavano ad alcuni rituali, cortei teatrali dedicati alle festività religiose, chiamati carolina). Furono perseguitati dalla Chiesa in quanto rappresentanti di una cultura secolare ad essa ostile. Nei secoli XII-XIII. tra i giocolieri c'era una stratificazione sociale. Alcuni di loro si stabilirono nei castelli dei cavalieri, cadendo in completa dipendenza dal cavaliere feudale, altri rimasero nelle città. Così, i giocolieri, avendo perso la libertà di creatività, divennero menestrelli stanziali nei castelli dei cavalieri e musicisti cittadini. Tuttavia, questo processo allo stesso tempo ha contribuito alla penetrazione dell'arte popolare nei castelli e nelle città, che diventa la base dell'arte musicale e poetica cavalleresca e borghese.

Nell'era del tardo Medioevo, in connessione con l'ascesa generale della cultura francese, l'arte della musica iniziò a svilupparsi intensamente. Nei castelli feudali, sulla base della musica popolare, fiorì l'arte musicale e poetica secolare dei trovatori e dei trovatori (XI-XIV secolo). Famosi tra i trovatori erano Markabrun, Guillaume IX - il Duca d'Aquitania, Bernard de Ventadorne, Geoffre Rudel (fine XI-XII secolo), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquier (fine XII-XIII secolo). Al 2° piano. 12° sec. nelle regioni settentrionali del paese sorse una tendenza simile: l'arte dei trovatori, che all'inizio era cavalleresca, e poi convergeva sempre di più con l'arte popolare. Tra i trovatori, insieme ai re, l'aristocrazia - Riccardo Cuor di Leone, Thibault di Champagne (re di Navarra), rappresentanti degli strati democratici della società - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony e altri - divennero successivamente famosi.

In connessione con la crescita di città come Arras, Limoges, Montpellier, Tolosa, ecc., nei secoli XII-XIII si sviluppò l'arte musicale urbana, i cui creatori furono poeti-cantanti delle classi urbane (artigiani, cittadini comuni e , inoltre, il borghese). Hanno introdotto le proprie caratteristiche nell'arte dei trovatori e dei trovatori, allontanandosi dalle sue immagini musicali e poetiche sublimemente cavalleresche, padroneggiando temi popolari e quotidiani, creando uno stile caratteristico, i propri generi. Il maestro più eminente della cultura musicale urbana del XIII secolo fu il poeta e compositore Adam de la Halle, autore di canzoni, mottetti e, inoltre, dell'opera popolare "Il gioco di Robin e Marion" (1283 circa). , saturo di canti cittadini, balli (l'idea stessa di creare uno spettacolo teatrale secolare permeato di musica era già insolita). Ha interpretato in modo nuovo i tradizionali generi musicali e poetici unanimi dei trovatori, utilizzando la polifonia.

scuola di notre dame

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Rafforzando il significato economico e culturale delle città, la creazione di università (tra cui l'Università di Parigi all'inizio del XIII secolo), dove la musica era una delle materie obbligatorie (parte del quadrivio), contribuì a valorizzare il ruolo della musica come arte. Nel XII secolo, Parigi divenne uno dei centri della cultura musicale, e soprattutto la sua Scuola di canto della Cattedrale di Notre Dame, che riunì i più grandi maestri: cantanti-compositori, scienziati. A questa scuola è legata la fioritura nei secoli XII-XIII. polifonia cult, l'emergere di nuovi generi musicali, scoperte nel campo della teoria musicale.

Nelle opere dei compositori della Scuola di Notre Dame, il canto gregoriano ha subito cambiamenti: il canto precedentemente ritmicamente libero e flessibile ha acquisito maggiore regolarità e morbidezza (da cui il nome di tale canto canto piano). Le complicazioni del tessuto polifonico e della sua struttura ritmica richiedevano l'esatta designazione delle durate e il miglioramento della notazione: di conseguenza, i rappresentanti della scuola parigina arrivarono gradualmente a sostituire la dottrina dei modi con la notazione mensurale. In questa direzione ha dato un contributo significativo il musicologo Giovanni de Garlandia.

La polifonia ha dato vita a nuovi generi di musica sacra e secolare, tra cui la direzione e il mottetto. La condotta veniva originariamente eseguita principalmente durante il servizio festivo in chiesa, ma allo stesso tempo in seguito divenne un genere puramente secolare. Tra gli autori della condotta c'è Perotin.

Basato sul direttore d'orchestra della fine del XII secolo. in Francia si formò il genere più importante della musica polifonica, il mottetto. I suoi primi esempi appartengono anche ai maestri della scuola parigina (Perotin, Franco di Colonia, Pierre de la Croix). Il mottetto consentiva la libertà di combinare melodie e testi liturgici e profani, combinazione che portò alla nascita nel XIII secolo. mottetto scherzoso. Il genere del mottetto ricevette un aggiornamento significativo nel XIV secolo sotto le condizioni della direzione ars nova, il cui ideologo era Philippe de Vitry.

Nell'arte dell'ars nova grande importanza veniva attribuita all'interazione tra la musica "quotidiana" e quella "scientifica" (cioè canto e mottetto). Philippe de Vitry creò un nuovo tipo di mottetto: il mottetto isoritmico. Le innovazioni di Philippe de Vitry interessarono anche la dottrina della consonanza e della dissonanza (annunciava consonanze di terze e seste).

Le idee dell'ars nova e, in particolare, del mottetto isoritmico continuarono il loro sviluppo nell'opera di Guillaume de Machaux, che combinò le conquiste artistiche dell'arte musicale e poetica cavalleresca con i suoi canti unanimi e la cultura musicale urbana polifonica. Possiede canzoni con un magazzino popolare (laici), virele, rondò, ha anche sviluppato per la prima volta il genere delle ballate polifoniche. Nel mottetto, Machaux ha utilizzato gli strumenti musicali in modo più coerente rispetto ai suoi predecessori (probabilmente le voci più basse prima erano strumentali). Macheud è considerato anche l'autore della prima Messa polifonica francese (1364).

Rinascimento

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Nel XV secolo durante la Guerra dei Cent'anni, la posizione di leader nella cultura musicale della Francia nel XV secolo. occupato da rappresentanti della scuola franco-fiamminga (olandese). Per due secoli, i compositori più importanti della scuola polifonica olandese hanno lavorato in Francia: nel mezzo. XV sec. - J. Benchois, G. Dufay, al 2° piano. XV sec. - J. Okegem, J. Obrecht, in con. 15 - implorare. XVI secolo - Josquin Despres, al 2° piano. 16 ° secolo -Orlando di Lasso.

Alla fine del XV secolo in Francia si afferma la cultura del Rinascimento. Lo sviluppo della cultura francese fu influenzato da fattori come l'emergere della borghesia (XV secolo), la lotta per l'unificazione della Francia (che fu completata entro la fine del XV secolo) e la creazione di uno stato centralizzato. Di notevole importanza furono anche il continuo sviluppo dell'arte popolare e l'attività dei compositori della scuola franco-fiamminga.

Il ruolo della musica nella vita sociale è in crescita. I re francesi crearono grandi cappelle nelle loro corti, organizzarono festival musicali, la corte reale divenne il centro dell'arte professionale. Il ruolo della cappella di corte fu rafforzato. Nel 1581 Enrico III approvò a corte la carica di "intendente capo della musica", il primo a ricoprire questo incarico fu il violinista italiano Baltazarini de Belgioso. Oltre alla corte reale e alla chiesa, anche i salotti aristocratici furono importanti centri dell'arte musicale.

Il periodo di massimo splendore del Rinascimento, associato alla formazione della cultura nazionale francese, cade a metà del XVI secolo. In questo momento, la canzone polifonica secolare - chanson - divenne un genere eccezionale di arte professionale. Il suo stile polifonico riceve una nuova interpretazione, in consonanza con le idee degli umanisti francesi: Rabelais, Clement Marot, Pierre de Ronsard. L'autore principale delle chanson di quest'epoca è considerato Clement Janequin, che scrisse più di 200 canzoni polifoniche. Le canzoni sono diventate famose non solo in Francia, ma anche all'estero, soprattutto grazie alla notazione musicale e al rafforzamento dei legami tra i paesi europei.

Durante il Rinascimento il ruolo della musica strumentale aumentò. Viola, liuto, chitarra, violino (come strumento popolare) erano ampiamente utilizzati nella vita musicale. I generi strumentali penetrarono sia nella musica quotidiana che nella musica professionale, in parte sacra. I brani di danza per liuto spiccavano tra quelli dominanti nel XVI secolo. opere polifoniche per plasticità ritmica, composizione omofonica, trasparenza della trama. Caratteristica era la combinazione di due o più danze secondo il principio del contrasto ritmico in cicli peculiari, che divennero la base della futura suite da ballo. Anche la musica d'organo acquisì un significato più indipendente. L'emergere della scuola d'organo in Francia (fine XVI secolo) è associato al lavoro dell'organista J. Titluz.

Nel 1570 Jean-Antoine de Baif fondò l'Accademia di poesia e musica. I membri di questa accademia cercarono di far rivivere le antiche metriche poetico-musicali e difesero il principio del legame inscindibile tra musica e poesia.

Uno strato significativo nella cultura musicale della Francia nel XVI secolo. era la musica degli ugonotti. Le canzoni ugonotte utilizzavano melodie di canzoni popolari domestiche e popolari, adattandole ai testi liturgici francesi tradotti. Poco dopo, la lotta religiosa in Francia diede origine ai salmi ugonotti con il loro caratteristico trasferimento della melodia alla voce superiore e il rifiuto delle complessità polifoniche. I più grandi compositori ugonotti che composero i salmi furono Claude Goudimel, Claude Lejeune.

Formazione scolastica

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17 ° secolo

Una forte influenza sulla musica francese del XVII secolo fu esercitata dall'estetica razionalistica del classicismo, che proponeva i requisiti di gusto, equilibrio tra bellezza e verità, chiarezza di intenzioni, armonia della composizione. Il classicismo, che si sviluppò contemporaneamente allo stile barocco, fu ricevuto in Francia nel XVII secolo. espressione completa.

In questo momento, la musica secolare in Francia prevale su quella spirituale. Con l'instaurazione della monarchia assoluta, l'arte di corte acquisì grande importanza, determinando la direzione dello sviluppo dei generi più importanti della musica francese di quel tempo: l'opera e il balletto. Gli anni del regno di Luigi XIV furono segnati dallo straordinario splendore della vita di corte, dal desiderio della nobiltà di lusso e di divertimenti sofisticati. A questo proposito, un ruolo importante è stato assegnato al balletto di corte. Nel XVII secolo Le tendenze italiane si intensificarono a corte, cosa facilitata soprattutto dal cardinale Mazzarino. La conoscenza dell'opera italiana è stata un incentivo per creare la propria opera nazionale, la prima esperienza in quest'area appartiene a Elisabeth Jacquet de la Guerre (Il trionfo dell'amore, 1654).

Nel 1671, un teatro dell'opera chiamato Royal Academy of Music aprì a Parigi. Il capo di questo teatro era J. B. Lully, che oggi è considerato il fondatore della scuola d'opera nazionale. Lully creò una serie di commedie-balletti, che divennero il precursore del genere della tragedia lirica, e in seguito - opera-balletto. Il contributo di Lully alla musica strumentale è essenziale. Creò una sorta di ouverture dell'opera francese (il termine fu istituito nella seconda metà del XVII secolo in Francia). Numerose danze delle sue opere di grande forma (minuetto, gavotta, sarabanda, ecc.) Hanno influenzato l'ulteriore formazione della suite orchestrale.

Alla fine del XVII - prima metà del XVIII secolo, compositori come N. A. Charpentier, A. Kampra, M. R. Delaland, A. K. Detouche scrissero per il teatro. Con i successori di Lully la convenzionalità dello stile teatrale di corte si intensifica. Nelle loro tragedie liriche emergono i lati del balletto decorativo e dell'idillio pastorale e l'inizio drammatico è sempre più indebolito. La tragedia lirica lascia il posto all'opera-balletto.

Nel XVII secolo in Francia si svilupparono varie scuole strumentali: il liuto (D. Gauthier, che influenzò lo stile del clavicembalo di J. A. Anglebert, J. Ch. de Chambonnière), il clavicembalo (Chambonniere, L. Couperin), la viola (M. In Francia, egli introdusse il contrabbasso nell'orchestra dell'opera al posto della viola contrabbasso). La scuola francese dei clavicembalisti acquisì la massima importanza. Il primo stile del clavicembalo si sviluppò sotto l'influenza diretta dell'arte del liuto. Nelle opere di Chambonnière si rifletteva il modo di ornamentazione della melodia, caratteristico dei clavicembalisti francesi. L'abbondanza di decorazioni conferiva alle opere per clavicembalo una certa raffinatezza, oltre a maggiore coerenza, "melodiosità", "lunghezza" e suono a scatti di questo strumento. Nella musica strumentale, la musica utilizzata a partire dal XVI secolo è stata ampiamente utilizzata. l'unione di danze di coppia (pavane, gagliarda, ecc.), che portò nel XVII secolo alla creazione di una suite strumentale.

18esimo secolo

Nel XVIII secolo, con la crescente influenza della borghesia, presero forma nuove forme di vita musicale e sociale. A poco a poco i concerti vanno oltre le sale del palazzo e i salotti aristocratici. Nel 1725 A. Philidor (Danikan) organizzò regolarmente "Concerti spirituali" pubblici a Parigi e nel 1770 Francois Gossec fondò la società "Concerti amatoriali". Le serate della società accademica Amici di Apollo (fondata nel 1741) erano di carattere più chiuso e la Royal Academy of Music organizzava cicli annuali di concerti.

Negli anni 20-30 del XVIII secolo. la suite per clavicembalo raggiunge il suo apice. Tra i clavicembalisti francesi il ruolo di primo piano spetta a F. Couperin, autore di cicli liberi basati sui principi di somiglianza e contrasto dei brani. Oltre a Couperin, un grande contributo allo sviluppo della suite per clavicembalo caratteristica del programma è stato dato anche da J. F. Dandre e soprattutto da J. F. Rameau.

Nel 1733, la prima di successo dell'opera Hippolyte et Arisia di Rameau assicurò a questo compositore una posizione di primo piano nell'opera di corte, la Royal Academy of Music. Nell'opera di Rameau, il genere della tragedia lirica ha raggiunto il suo culmine. Il suo stile vocale-declamatorio si arricchì di espressione melodico-armonica. Le sue ouverture in due parti si distinguono per una grande varietà, ma allo stesso tempo nella sua opera sono rappresentate anche ouverture in tre parti, vicine all'opera italiana "sinfonia". In numerose opere, Rameau anticipò molti risultati successivi nel campo del dramma musicale, aprendo la strada alla riforma operistica di K. V. Gluck. Rameau possiede un sistema scientifico, alcune delle quali servirono come base per la moderna dottrina dell'armonia ("Trattato sull'armonia", 1722; "L'origine dell'armonia", 1750, ecc.).

Verso la metà del XVIII secolo, le opere eroico-mitologiche di Lully, Rameau e altri autori non soddisfacevano più le esigenze estetiche del pubblico borghese. Nella loro popolarità, sono inferiori agli spettacoli fieristici fortemente satirici conosciuti dalla fine del XVII secolo. Queste rappresentazioni mirano a ridicolizzare la morale degli strati "superiori" della società e anche a parodiare l'opera di corte. I primi autori di tali opere comiche furono i drammaturghi A. R. Lesage e C. S. Favara. Nelle viscere del teatro fieristico è maturato un nuovo genere operistico francese: il comico d'opera. La sua posizione fu rafforzata dall'arrivo a Parigi nel 1752 di una compagnia d'opera italiana, che mise in scena una serie di opere buff, tra cui La serva-padrona di Pergolesi, e da una controversia sull'arte operistica che divampò tra sostenitori (circoli democratici borghesi) e oppositori (rappresentanti dell'aristocrazia) dell'appassionato d'opera italiano, - il cosiddetto. "La guerra dei buffoni".

Nel clima teso di Parigi, questa controversia acquistò particolare urgenza e suscitò un'enorme protesta pubblica. Le figure dell'Illuminismo francese vi presero parte attiva, sostenendo l'arte democratica dei "buffonisti", e la pastorale "Lo stregone del villaggio" di Rousseau (1752) costituì la base della prima opera comica francese. Lo slogan da loro proclamato "imitazione della natura" ha avuto una grande influenza sulla formazione dello stile operistico francese del XVIII secolo. Le opere degli enciclopedisti contengono anche preziose generalizzazioni estetiche e teorico-musicali.

Tempo post-rivoluzionario

Una delle prime pubblicazioni de "La Marseillaise", l'inno nazionale della Francia, del 1792

La Grande Rivoluzione Francese portò enormi cambiamenti in tutti i settori dell’arte musicale. La musica diventa parte integrante di tutti gli eventi del tempo rivoluzionario, acquisendo funzioni sociali che hanno contribuito alla creazione di generi di massa: canzoni, inni, marce e altri. Il teatro subì anche l'influenza della Rivoluzione francese: sorsero generi come l'apoteosi, uno spettacolo di propaganda con grandi messe corali. Durante gli anni della rivoluzione, l '"opera della salvezza" ricevette uno sviluppo speciale, sollevando i temi della lotta alla tirannia, smascherando il clero, glorificando lealtà e devozione. La musica degli ottoni acquistò grande importanza e fu fondata la Banda della Guardia Nazionale.

Anche il sistema dell’educazione musicale ha subito radicali trasformazioni. Le metriche furono abolite; ma nel 1792 fu aperta la scuola di musica della Guardia Nazionale per formare musicisti militari, e nel 1793 l'Istituto Nazionale di Musica (dal 1795 Conservatorio di Parigi).

Il periodo della dittatura napoleonica (1799-1814) e della Restaurazione (1814-15, 1815-30) non portò risultati brillanti alla musica francese. Con la fine della Restaurazione si assiste ad una ripresa nel campo della cultura. Nella lotta contro l'arte accademica dell'Impero napoleonico prese forma l'opera romantica francese, che negli anni '20 e '30 occupò una posizione dominante (F. Aubert). Negli stessi anni si formò il genere della grande opera su argomenti storici, patriottici ed eroici. Il romanticismo musicale francese ha trovato la sua espressione più vivida nell'opera di G. Berlioz, il creatore del sinfonismo romantico programmatico. Berlioz, insieme a Wagner, è anche considerato il fondatore di una nuova scuola di direzione d'orchestra.

Durante gli anni del Secondo Impero (1852-70), la cultura musicale francese era caratterizzata dalla passione per i caffè-concerto, le riviste teatrali e l'arte dello chansonnier. Durante questi anni sorsero numerosi teatri di generi leggeri, dove venivano messi in scena vaudeville e farse. L'operetta francese si sta sviluppando, tra i suoi creatori ci sono J. Offenbach, F. Herve. Dal 1870, nelle condizioni della Terza Repubblica, l'operetta perse la sua satira, la parodia, l'attualità, le trame storiche, quotidiane e lirico-romantiche divennero predominanti e la lirica venne alla ribalta nella musica.

Opera e balletto nella seconda metà dell'Ottocento. c'è un aumento delle tendenze realistiche. Nell'opera, questa tendenza si manifestava nel desiderio di trame quotidiane, di rappresentare la gente comune con le loro esperienze intime. Il creatore più famoso dell'opera lirica è Ch. Gounod, autore di opere come Faust (1859, 2a edizione 1869), Mireil e Romeo e Giulietta. Anche J. Massenet e J. Bizet si sono rivolti al genere dell'opera lirica, nella sua opera Carmen il principio realistico si manifesta più chiaramente.

Maurizio Ravel, 1912

Tra la fine degli anni '80 e '90 del XIX secolo, in Francia sorse una nuova tendenza, che si diffuse all'inizio del XX secolo: l'impressionismo. L'impressionismo musicale ha fatto rivivere alcune tradizioni nazionali: il desiderio di concretezza, programmatismo, raffinatezza di stile, trasparenza di trama. L'impressionismo ha trovato la sua massima espressione nella musica di C. Debussy, ha influenzato il lavoro di M. Ravel, P. Duke e altri. L'impressionismo introdusse innovazioni anche nel campo dei generi musicali. Nell'opera di Debussy, i cicli sinfonici lasciano il posto agli abbozzi sinfonici; la musica per pianoforte è dominata dalle miniature dei programmi. Maurice Ravel fu influenzato anche dall'estetica dell'impressionismo. Nel suo lavoro si intrecciano varie tendenze estetiche e stilistiche: romantiche, impressioniste e, nelle sue opere successive, tendenze neoclassiche.

Insieme alle tendenze impressioniste nella musica francese a cavallo tra il XIX e il XX secolo. le tradizioni di Saint-Saëns continuarono a svilupparsi, così come quelle di Franck, la cui opera è caratterizzata da una combinazione di chiarezza di stile classica con vivide immagini romantiche.

Compositori dei "Sei francesi".

Dopo la prima guerra mondiale, l'arte francese tende a rifiutare l'influenza tedesca, a tendere alla novità e, allo stesso tempo, alla semplicità. In questo periodo, sotto l'influenza del compositore Eric Satie e del critico Jean Cocteau, si formò un'associazione creativa, chiamata i "Sei francesi", i cui membri si opposero non solo al wagnerianesimo, ma anche alla "vaghezza" impressionista. Tuttavia, secondo il suo autore, Francis Poulenc, il gruppo “non aveva altro scopo che un’associazione puramente amichevole e per nulla ideologica”, e a partire dagli anni ’20 i suoi membri (tra i più famosi anche Arthur Honegger e Darius Milhaud) hanno sviluppati ciascuno in modo individuale.

Nel 1935, in Francia emerse una nuova associazione creativa di compositori: la "Giovane Francia", che comprendeva, tra le altre cose, compositori come O. Messiaen, A. Jolivet, che, come i "Sei", misero in risalto la rinascita delle tradizioni nazionali e idee umanistiche in prima linea. Rifiutando l'accademismo e il neoclassicismo, concentrarono i loro sforzi sull'aggiornamento dei mezzi di espressione musicale. Le più influenti furono le ricerche di Messiaen nel campo delle strutture modali e ritmiche, che furono incarnate sia nelle sue opere musicali che nei trattati musicologici.

Dopo la seconda guerra mondiale, nella musica francese si diffondono correnti musicali d'avanguardia. Un eccezionale rappresentante dell'avanguardia musicale francese è stato il compositore e direttore d'orchestra Pierre Boulez, che, sviluppando i principi di A. Webern, utilizza ampiamente metodi di composizione come il puntinismo e la serialità. Uno speciale sistema di composizione "stocastico" è utilizzato dal compositore di origine greca J. Xenakis.

La Francia ha svolto un ruolo significativo nello sviluppo della musica elettronica - fu qui che alla fine degli anni '40 apparve la musica concreta, un computer con input grafico di informazioni - l'UPI fu sviluppato sotto la guida di Xenakis e negli anni '70 la direzione della musica spettrale è nato in Francia. Dal 1977 l'IRCAM, istituto di ricerca fondato da Pierre Boulez, è diventato il centro della musica sperimentale.

Il suono vellutato dell'armonica francese dal fascino francese crea un'atmosfera primaverile. La sua melodia riporta al passato della Francia, dove il garçon si agita attorno ai tavolini dei caffè, uomini con le sciarpe bevono vino, donne con i cappelli camminano lungo le strade tranquille e le coppie ballano un valzer e le castagne fioriscono sull'argine della Senna.

In altre parole, la fisarmonica è un'emozione speciale fusa nei suoni urbani. Come le pittoresche scene quotidiane di Renoir e Manet, gli schizzi urbani di Monet, Degas e i suoi ballerini, la fisarmonica francese disegna immagini della vita urbana e della vita dei suoi personaggi.

Come è apparsa la fisarmonica in Francia

Sinonimo dello stile di vita parigino è il muzet (dal francese pipa), una danza tradizionale della cornamusa francese sviluppata alla corte del Re Sole. I balli parigini furono l'emblema della Musette e riscossero un grande successo all'inizio del XX secolo. Dopo la prima guerra mondiale, la musette della cornamusa lasciò il posto alla fisarmonica e ai nuovi balli: valzer, foxtrot, quadriglia. Nelle nuove forme di danza, alla fisarmonica venne assegnato un posto centrale. Lo stile musicale "musette" combina passaggi virtuosistici, chanson francese e melodie, pot-pourri. La fisarmonica si è sviluppata come strumento della cultura di massa. In Francia, la sua popolarità è stata determinata dalla disponibilità e dalla facilità di riproduzione delle melodie popolari.

"L'armonica è uno strumento di tortura utilizzato dai giovani maschi che la sera disturbano l'ordine nelle strade" - così vengono descritti il ​​potere e la popolarità dello strumento nel XIX secolo.

Cos'è la fisarmonica francese

UN La fisarmonica è una versione moderna dell'armonica a mano, dove c'è una tastiera destra e una sinistra. Questo strumento si suona con entrambe le mani, in piedi o seduti. La fisarmonica francese si differenzia da quella russa per le sue grandi dimensioni e la tastiera simile a un pianoforte con 2 file di pulsanti. Bayan è un altro tipo di fisarmonica, già modernizzata. Questo è uno strumento a bottone, ma con una gamma sonora estesa. Dopo i cambiamenti nel design della fisarmonica, divenne nota come fisarmonica a bottoni solo in Russia.

L'idea progettuale degli artigiani popolari si è sviluppata nella direzione del suono originale. Quindi, i maestri Deben Busson e Leterme hanno combinato 2 voci timbriche, suonando "in disaccordo". Tale modello ha determinato una melodia peculiare e un prototipo della fisarmonica moderna. A lui sono soggetti graziosi valzer, polka leggera, danze latine incendiarie e tango. La musica jazz è un'area interessante per padroneggiare la fisarmonica. C'è abbastanza spazio e dinamica per eseguire le interpretazioni più inaspettate. Con una tecnica espressiva - l'intonazione - la fisarmonica è in grado di penetrare l'essenza dell'arte jazz e di improvvisare liberamente.

Nella musica popolare degli anni '30 e '50. la fisarmonica francese si è mostrata nell'opera dei conti Guido e Pietro Deiro, e negli anni '70 e '90 il mondo ha ascoltato lo strumento del virtuoso Myron Florin.

La musica vintage di Jaeger de Montmartre, chansonnier e fisarmonicista di Grenoble, sta attualmente conquistando i cuori dei moscoviti. Il suo carillon contiene melodie retrò, canzoni popolari francesi, bossa nova, composizioni jazz e blues che creano l'immagine di una Parigi diversa.

Come mostra il repertorio degli artisti moderni, l'arte della fisarmonica costituisce uno strato enorme nella musica strumentale. Lo strumento è strettamente connesso con le tradizioni europee e con la musica di massa. Definisce il valore della cultura musicale francese ed è un potente mezzo di comunicazione moderna.