II. Argomento: “Jean Georges Noverre e la sua riforma. Nover Jean Georges Nover Jean Georges

NOVER JEAN GEORGES

(Noverre) Jean Georges (29.4.1727, Parigi, - 19.10.1810, Saint-Germain-en-Laye), coreografo francese. Allievo del coreografo L. Dupre. Si esibì come ballerino dal 1743. Nel 1755-57 diresse la compagnia di balletto al Drury Lane Theatre di Londra. Nelle produzioni di “Rinaldo e Armida”, “Admeto e Alceste”, “Medea e Giasone” di Rodolphe, “Avenged Agamemnon” e “Apelles and Campaspe” di Aspelmayr, “Horaces and Curiaces” di Startzer e altri (sui palcoscenici di teatri di Stoccarda e Vienna) N. sviluppò i principi del balletto eroico e del balletto tragico. Nel 1776-1780 fu coreografo alla Grand Opera di Parigi. Nel 1781-94 (con interruzioni) lavorò a Londra. N. ha messo in scena oltre 80 balletti. Nel 1759 fu pubblicata la sua famosa opera "Lettere sulla danza e sui balletti", in cui N. confermava i principi del balletto, incarnati mediante un'efficace pantomima e danza in collaborazione con un compositore, coreografo e artista. Studenti di N.: J. Dauberval, C. Didelot, C. Le Pic e altri.La teoria, supportata dalla pratica, portò a N. la gloria di "il padre del balletto moderno".

Op.: Lettres sur la danse, sur les ballets et les arts, v. 1-4, San Pietroburgo, 1803-1804; Lettres sur les arts imitateurs en general et sur la dans en particulier, v. 1-2, P., 1807; in russo trad. - Lettere sulla danza e sui balletti. [Ed.

e ingresso Arte. Yu. I. Slonimsky], L. - M., 1965.

Lett.: Sollertinsky I.I., Vita e creatività di Novera, nel libro: Classics of Choreography, L. - M., 1937; Lynham D., Il Cavaliere Noverre: il padre del balletto moderno, una biografia, L., 1972.

V. M. Krasovskaya.

Grande Enciclopedia Sovietica, TSB. 2012

Vedi anche interpretazioni, sinonimi, significati della parola e cosa è NOVER JEAN GEORGES in russo nei dizionari, nelle enciclopedie e nei libri di consultazione:

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Nel 1982, l’UNESCO, l’Organizzazione delle Nazioni Unite per l’Educazione, la Scienza e la Cultura, ha deciso di istituire la Giornata internazionale della danza. La data scelta è stata il 29 aprile. Perché questo?

Il 29 aprile 1727 nacque il coreografo, riformatore e teorico del balletto francese Jean Georges Noverre.

È chiamato il "padre del balletto moderno". Si ritiene che sia stato lui a rendere il balletto una forma indipendente di arte scenica. Ora è difficile immaginare un’epoca in cui il balletto fosse “indipendente”. Tuttavia, in quegli anni in cui il giovane Jean Georges era appena all'inizio della sua carriera di ballerino, la danza sul palco era presentata da divertissement pacati e monotoni con la dimostrazione di alcuni trucchi tecnici - un attuale studente di quarta elementare in una scuola coreografica avrebbe subito diventare un virtuoso.

Never è nata vicino a Parigi e balla fin dall'infanzia. Ha studiato con il famoso Dupré e il famoso maestro di ballo Marcel. Sembrerebbe che ci sia un percorso diretto all'Opera di Parigi, o addirittura al corpo di ballo. Ma non ha funzionato, e Dupré, che ha coreografato le danze per un altro teatro musicale parigino, l'Opéra-Comique, fondato nel 1715, ha fatto debuttare lì il suo allievo. Rifiutato nel 1743, Nover andò a Berlino e vi lavorò per tre anni. Dal 1747 al 1750 danzò a Strasburgo, dal 1750 al 1753 a Lione, poi ritornò a Strasburgo. Anche il secondo tentativo di entrare all'Opera di Parigi fallì. Ma la luce non convergeva su di lei come un cuneo: c'era anche l'Opera Comica a Parigi. Proprio allora iniziarono ad essere messe in scena opere di famosi compositori e Nover accettò di prendere il posto del coreografo. Lì si dichiarò immediatamente autore dei divertissement originali messi in scena e progettati "Festival cinesi", "La fontana della giovinezza" e altri. Di conseguenza, la compagnia di balletto dell'Opera Comica fu invitata in tournée a Londra dal famoso attore inglese David Garik, che allora diresse il Drury Lane Theatre.

A casa di Garik, Nover ha incontrato il coreografo inglese John Weaver. Weaver era vecchio e deluso: le sue idee di "balletto efficace", che erano in anticipo sui tempi, non erano benvenute nel teatro inglese. Ed ecco che arriva un giovane francese, pronto ad ascoltare e discutere, leggere libri seri e dare vita con talento a idee coreografiche.

La loro comunicazione fu di breve durata: il tour iniziò nel novembre 1755 e quell'anno fu difficile nelle relazioni anglo-francesi. Nel Nord America, le scaramucce tra coloni inglesi e francesi portarono a una vera guerra, alla quale parteciparono sia gli indiani alleati che le unità militari regolari. Non importava molto: nel 1765 la Gran Bretagna dichiarò guerra alla Francia. E questo ha rovinato il tour dell'Opera Comica iniziato con successo. A causa dei pogrom compiuti nel teatro da inglesi ostili durante le rappresentazioni, la scenografia più preziosa andò perduta. Il tour dovette essere interrotto, la troupe se ne andò, ma lo stesso Nover rimase a Londra con il suo amico Garik.

Conobbe il teatro inglese avanzato, la drammaturgia di Shakespeare, l'esperienza del teatro pantomimico inglese, i libri di Weaver. Ha avuto le prime idee su come far parlare una danza silenziosa, farle esprimere i sentimenti e i movimenti dell'anima.

Nel 1757, Nover tornò in Francia e diresse la compagnia di balletto a Lione, che allora era uno dei principali centri musicali e coreografici della Francia. L'Opera di Parigi preservava le tradizioni e resisteva alle nuove tendenze, ma in provincia gli esperimenti erano possibili. Fu lì che nacquero i primi "balletti efficaci" di Novera, in cui abbandonò completamente le maschere e i tradizionali costumi pesanti, sviluppò la base drammatica delle rappresentazioni e invase persino la simmetria delle danze del corpo di ballo, che provenivano dai balli di corte. di Luigi XIV.

E tre anni dopo, nel 1760, fu pubblicato a Lione e Stoccarda un libro che di fatto rivoluzionò il teatro del balletto. Si chiamava "Lettere sulla danza e sui balletti". Questo lavoro ha portato a Novera la fama europea, il riconoscimento da parte degli scienziati pedagogici e il rispetto di tutti coloro che erano stanchi delle vecchie forme di danza classica e divertissement.

Per realizzare i suoi progetti, tradurre le teorie in pratica e mostrare all'Europa quale strada prendere, Nover si recò a Stoccarda e lavorò lì per sette anni. È vero, ha scelto un percorso molto rigoroso e serio. Never decise di abbandonare le arlecchino, le commedie slapstick e le farse di cui aveva visto abbastanza nei teatri delle fiere, nelle pantomime inglesi e nelle rappresentazioni dei comici italiani. Decise che avrebbe scelto solo “soggetti nobili”. Così lo giustificò: “I miti mi hanno fornito dei, la storia - eroi; avendo abbandonato i personaggi volgari che possono solo muovere i piedi con gioia o tristezza, ho cercato di dare alle mie opere la nobiltà dell'epica e la grazia della poesia pastorale.

Di conseguenza, il principale mezzo espressivo dei balletti di Novera divenne la pantomima, a volte ballata, ricca di situazioni tese e passioni violente, meno spesso - danza sviluppata, che ai suoi occhi personificava la diversificazione insignificante che dominava le scene del balletto dell'era precedente. Never si preoccupava molto del flusso dell’azione, della corrispondenza tra azione e musica, delle personalità dei personaggi, e si assicurava che le loro gioie e i loro dolori iniziassero a suscitare forti emozioni nell’auditorium. Prima questo era impensabile.

Da tutta Europa, artisti e coreografi accorrevano a Stoccarda per idee e balletti. Il parigino Dauberval trasferisce alcune innovazioni all'Opera, poi Vestris mette in scena la Medea di Nover, prima a Varsavia, poi a Parigi. Ma nel 1767 il teatro di Stoccarda chiuse. Sembrerebbe che i piani di Novera siano crollati? Niente del genere!

Tre dozzine di ballerini rimasti senza lavoro si dispersero nei teatri di Italia, Germania, Inghilterra, Spagna e Portogallo. Ognuno di loro aveva nel bagaglio spartiti e programmi dei balletti di Nover, bozzetti di costumi e coreografie di Nover in memoria. E non importa che abbiano ordinato di stampare i loro nomi sui manifesti. L'arte nuova e innovativa si diffuse in tutta Europa, le basi del vecchio balletto furono minate, anche se i suoi fan non si arresero.

E lo stesso Nover si trasferì a Vienna e creò numerose esibizioni in collaborazione con il compositore Christophe Gluck. Dopo aver lavorato a Vienna per sette anni, si recò a Milano, poi a Napoli, Torino e Lisbona. Lui stesso propagò le sue idee, egli stesso assicurò che le "Lettere sulla danza" fossero tradotte in altre lingue e nel 1776 pubblicò a Vienna una raccolta delle sue sceneggiature con commenti. È stato un buon anno per lui. La principessa austriaca Maria Antonietta, che prese lezioni di danza da lui e divenne regina di Francia nel 1774, si prese cura di lui: ricevette l'incarico di direttore del balletto dell'Opera di Parigi. Fu davvero un ritorno trionfante a Parigi. Ma il trionfo fu di breve durata. Gli aristocratici e gli artisti da loro patrocinati iniziarono una guerra contro Novera. Il ballerino Antoine Bournonville (padre del famoso coreografo danese) ha ricordato questo: "Gli artisti erano così affascinati dal genere della porcellana-profumo che non capivano cosa veniva loro richiesto e nascondevano la loro stupidità sotto una maschera di disprezzo". Definì il pubblico parigino "frivolo e impaziente, abituato a balletti inventati da vaudeville, le cui allegre canzoni li divertivano ricordando peccati segreti".

E da un lato, Nover è all'apice della sua fama, gli scienziati pedagogici lo mettono alla pari con Diderot, Beaumarchais, Gluck, è rispettato da tutta Europa, sta iniziando un balletto basato sull'antica storia romana “Orazio e Curiazia”, che dovrebbe diventare la sua migliore idea. D'altra parte, i giornalisti ridono che le sue performance non possono essere comprese senza un libro con libretto, che ha perso i confini dell'arte del balletto, che il pubblico è deluso e vuole le solite liriche e pastorali invece delle sue trame eroiche. E il balletto “Orazi e Curiati” è destinato al fallimento.

Dal 1778 Nover coreografò solo danze nelle opere. Il balletto in un atto "Trinkets" sulla musica di V.A. è stato un successo. Mozart e il balletto Medea e Giasone, ripreso nel 1780. Tuttavia, gli intrighi intorno a Novera lo misero effettivamente in un angolo.

Il coreografo si arrese. Accettò di partire in cambio della grande pensione vitalizia che gli era stata promessa. Il 30 novembre 1779 scrive: “Ho lasciato la mia patria con la decisione di non usare mai più qui le mie capacità”. Andò in Inghilterra, dove fu accolto bene, le produzioni furono chiamate “capolavori” e Novera fu definito un brillante coreografo. Ai suoi balletti hanno preso parte i migliori artisti. Ha segnato il suo incontro con il pubblico londinese con un nuovo balletto, “Reunited Lovers”. Ci sono state anche riproduzioni di “Reno e Armide” e “Medea e Giasone”. Il divertissement “Apollo e le Muse” e il balletto “Apelle e Campapa” sono stati accolti con particolare entusiasmo dal pubblico e dalla critica.

Ma iniziò una serie di sfortune: malattia, problemi finanziari o un incendio in teatro. Tutto ciò costrinse Nover ad allontanarsi dalla sua attività preferita per cinque anni. Decide tuttavia di ritornare in patria e attraversa la Manica nel momento più inopportuno: è il luglio 1789, e i parigini stanno prendendo d'assalto la Bastiglia. Sopravvisse al periodo più sanguinoso del villaggio, poi andò in Inghilterra e lì mise in scena i suoi ultimi balletti: "Gli sposi di Tempe", "Venere e Adone", "Adelaide, o la pastorella alpina". Nessun eroismo, nessuna impresa dell'antica Roma: la fine del secolo si è rivelata così tempestosa che non vogliono vedere nulla di duro e crudele nel teatro.

E di nuovo torna in Francia, chiede ancora alla direzione dell'Opera di dargli un lavoro. La storia si ripete: gli viene rifiutato di nuovo. Ma almeno cominciano a pagare le pensioni, così puoi stabilirti nella periferia di Parigi e vivere senza preoccuparti del futuro. Aveva il diritto di riposare: furono messi in scena più di ottanta balletti e innumerevoli balli nelle opere.

I suoi ultimi anni furono tristi. A volte visitava i teatri e vedeva che i giovani coreografi avevano realizzato i suoi piani, superato i suoi risultati, il teatro di balletto indipendente stava fiorendo e poche persone ricordavano il nome del fondatore. Cosa rimane?

Mai più riprende il libro della sua vita, Lettere sulla danza. Ai quindici capitoli che componevano l'edizione lionese, ne aggiunge altri venti nuovi. Questa è in realtà un'autobiografia: Nover scrive onestamente dei suoi errori e delusioni, scarta le disposizioni obsolete, ne propone di nuove e mette in guardia i giovani dai pericoli. Ricorda tutti gli artisti e coreografi famosi che ha incontrato nella sua vita, per i quali è particolarmente grato.

Sentimentalismo del balletto.

Nella seconda metà del XVIII secolo. L’era del sentimentalismo è arrivata. A differenza dell'Illuminismo, i sentimentalisti hanno reso il personaggio delle loro opere una persona comune, e non un antico dio o eroe. Il teatro del balletto divenne uno spettacolo pubblico per i cittadini e apparve il suo tipo di spettacolo: commedia e melodramma. È venuta alla ribalta la pantomima, che, spingendo la danza nell'ombra, ha trasformato il balletto in coreodramma, e quindi ha aumentato l'interesse per la base letteraria dell'azione. Apparvero i primi libretti di balletto.

Jean Dauberval, allievo di Noverre, ballerino virtuoso dell'Opera di Parigi, dei teatri musicali di Stoccarda, Bordeaux e Londra, portò per primo i rappresentanti del terzo stato sul palco del balletto nel famoso balletto pastorale Vain Precaution, 1789 (titolo originale Ballet of Paglia, ovvero Dal male al bene c'è solo un passo). In questa performance, Doberval è riuscito a combinare la danza classica con la pantomima ed elementi di danza popolare e quotidiana. Se Dauberval divenne il creatore della commedia di balletto, allora il suo allievo, il capo coreografo dell'Opera di Parigi Jean Omer (1774-1833), riuscì nel genere del melodramma, che mise in scena il famoso balletto Manon Lescaut (1830) sulla musica di J.F. Halévy. Nelle opere della generazione più giovane di sentimentalisti - Salvatore Vigano (1769–1821), Pierre Gardel (1758–1840), Charles-Louis Didelot, sono visibili i primi segni di romanticismo: interesse per personalità eroiche e soggetti esotici. Il teorico e insegnante del romanticismo emergente fu Carlo Blasis (1795–1878), che nel 1837–1850 diresse la Reale Accademia di Danza alla Scala e scrisse tre libri sulla teoria della danza classica, incluso il libro di testo Codice di Tersicore (1828 ), in cui ha sviluppato il sistema della danza classica . Dividendo la danza di scena in classica (accademica) e caratteristica (quotidiana, popolare), ha identificato i tipi di danza solista, d'insieme e di massa. La sua scuola divenne la scuola leader per la formazione di ballerini di stile virtuosistico; tra i suoi allievi c'erano una galassia di eccezionali ballerini dell'epoca romantica (C. Grisi, L. Gran, F. Cerrito). Lavorando a San Pietroburgo negli anni '60 dell'Ottocento, contribuì alla formazione della scuola di balletto russa.

Nel 1790, sotto l'influenza della moda ispirata all'imitazione dell'antichità, il costume da balletto femminile divenne più leggero e apparvero scarpe senza tacco. Con lo sviluppo della tecnica delle dita, negli stessi anni furono inventate le scarpe da punta (dal francese pointe - point, speciali scarpette da ballo con punta dura), con l'aiuto delle quali la danza acquisì il carattere del volo. Le ballerine a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo furono le prime a indossare scarpe da punta negli anni venti dell'Ottocento. Genevieve Goslin e Amalia Brugnoli. Lo stile di danza francese si distingueva per leggerezza e ariosità, mentre lo stile italiano continuava a sviluppare il virtuosismo della danza: salti, rotazioni. Il preromanticismo ha preparato un cambiamento qualitativo nell'arte del balletto, una nuova poetica del balletto. All'inizio degli anni Trenta dell'Ottocento emersero i contrasti tra il sublime e la base quotidiana, che costituiranno l'essenza del romanticismo. La danza femminile è stata al centro della scena.

Balletto dell'era romantica. La critica al nuovo modo di vivere, delineata dai sentimentalisti, prese la forma di una discordia tra sogno e realtà tra i romantici. Contrastavano il mondo reale con il mondo della fantasia e dell'esotismo. Il romanticismo del balletto ottenne un grande successo in Francia, dove la tecnica di danza, soprattutto per le donne, era elevata. Il primo coreografo romantico fu Philippe Taglioni, che mise in scena i balletti La Sylphide (1832) e Maid of the Danube (1838) con sua figlia Maria Taglioni nel ruolo del titolo. Tra i coreografi romantici figurano anche Jean Coralli (1779–1854), Jules Perrot e Arthur Saint-Leon.

Le eroine dei balletti erano silfidi e spiriti della foresta, Willis, personaggi del folklore celtico e tedesco. L'immagine di una ballerina in tunica bianca, che incarna una creatura ultraterrena con una ghirlanda in testa e le ali dietro la schiena, è stata inventata dai costumisti francesi I. Leconte, E. Lamy, P. Lormier. Successivamente nacque il termine balletto “bianco”, “tunica bianca”. Il bianco è il colore dell'assoluto, il “balletto bianco” esprimeva un desiderio romantico verso l'ideale, la ballerina in arabesco divenne la sua formula grafica. Il ruolo del corpo di ballo è aumentato, la danza e la pantomima, l'assolo, il corpo di ballo e la danza d'insieme si sono fusi in un unico insieme. Grazie allo sviluppo della tecnica delle dita, i movimenti aerei sono diventati un nuovo stile di danza.

Il balletto romantico si basava maggiormente sulla fonte letteraria (Esmeralda, 1844, da V. Hugo, Corsair, 1856 da J. G. Byron), Katharina, la figlia di un ladro, Ts. Puni, 1846). Il ruolo della musica è aumentato ed è diventata musica d'autore; prima la musica per balletto era spesso un pezzo collettivo, fungeva da sottofondo e accompagnamento ritmico della danza e creava l'atmosfera dello spettacolo. La stessa musica da balletto del romanticismo creava drammi e conferiva caratteristiche musicali fantasiose ai personaggi.

L'apice del balletto romantico fu Giselle (1841), messo in scena all'Opera di Parigi da J. Coralli e J. Perrot su libretto di T. Gautier su musica di A. Adam. In Giselle si raggiunge l'unità di musica, pantomima e danza. Oltre alla pantomima, l'azione della performance è stata sviluppata da leitmotiv musicali e coreografici, e l'espressività dell'intonazione della melodia ha conferito ai personaggi caratteristiche musicali. Adan iniziò il processo di sinfonizzazione della musica del balletto, arricchendola con un arsenale di mezzi espressivi inerenti alla musica sinfonica.

M. Taglioni e F. Elsler sono i maggiori rappresentanti e rivali del balletto romantico. La loro individualità corrisponde a due rami del romanticismo: irrazionale (fantastico) ed eroico-esotico. L'italiana Maria Taglioni rappresentò la prima direzione, la sua Silfide divenne un simbolo del balletto romantico, la sua danza aveva grazia, volo e poesia. La danza della ballerina austriaca Fanny Elsler era caratterizzata da temperamento, rapidità e virtuosismo; rappresentava la direzione eroico-esotica del balletto romantico. Essendo una ballerina di carattere, ha eseguito la danza spagnola cachacha, la polacca Krakowiak e la tarantella italiana. Altre ballerine romantiche eccezionali: Carlotta Grisi, Fanny Cerrito (1817–1909), Lucile Gran (1819–1907). Grisi, la prima interprete del ruolo di Giselle, divenne famosa anche per la sua interpretazione del ruolo principale nel balletto Esmeralda di Ts. Puni. Nel 1845 Perrault compose il famoso divertissement Pas de Quatre (musica di C. Pugni), in cui si esibivano contemporaneamente Taglioni, Elsler, Grisi e Cerrito.

Il suo ramo danese si distingue nella storia del romanticismo del balletto, soprattutto nell'opera di August Bournonville. Nel 1836 creò la sua versione di La Sylphide sulla musica di H.S. Lowenskiöld. Il balletto romantico danese (stile Biedermeier sullo sfondo del romanticismo) è uno stile più terreno e da camera con motivi folcloristici, dove la pantomima gioca un ruolo importante e viene prestata maggiore attenzione alla danza maschile, meno uso della tecnica delle dita e i ruoli femminili sono secondari. Queste caratteristiche sono caratteristiche anche del balletto danese dei nostri giorni. Nel 1830, Bournoville guidò la compagnia del Royal Copenhagen Theatre e creò numerosi balletti nel corso di 50 anni. La sua tecnica di danza maschile rimane una delle principali in Europa.

Si ritiene che il breve periodo del romanticismo sia stato il periodo migliore dell'intera storia del balletto europeo. Se prima il simbolo del balletto era Tersicore, dall'era del romanticismo divenne la silfide, la jeep. Il romanticismo del balletto esiste da più tempo in Russia (le scene del cigno nel Lago dei cigni e la danza dei fiocchi di neve nello Schiaccianoci di L. Ivanov, l’atto delle ombre in La Bayadère, La figlia del faraone e Raymond M. Petipa). A cavallo tra il XIX e il XX secolo. Il romanticismo ha ricevuto una nuova nascita in Chopinian di M. M. Fokina. Questo era il romanticismo di un'altra epoca: l'era dell'impressionismo. Il genere del balletto romantico continuò nella seconda metà del XX secolo. (Leaves Wither di E. Tudor sulla musica di A. Dvorak, Dancing at Parties di J. Robbins sulla musica di F. Chopin).

Mai(Noverre) Jean Georges (29.4.1727, Parigi, ‒ 19.10.1810, Saint-Germain-en-Laye), coreografo francese. Allievo del coreografo L. Dupre. Si esibì come ballerino dal 1743. Nel 1755–57 diresse la compagnia di balletto al Drury Lane Theatre di Londra. Nelle produzioni di “Rinaldo e Armida”, “Admeto e Alceste”, “Medea e Giasone” di Rodolphe, “Agamennone vendicato” e “Apelle e Campaspe” di Aspelmayr, “Orazio e Curiazia” di Startzer e altri (sui palcoscenici dei teatri di Stoccarda e Vienna) N. sviluppò i principi del balletto eroico e del balletto tragico. Dal 1776 al 1780 fu coreografo alla Grand Opera di Parigi. Nel 1781–94 (con interruzioni) lavorò a Londra. N. ha messo in scena oltre 80 balletti. Nel 1759 fu pubblicata la sua famosa opera "Lettere sulla danza e sui balletti", in cui N. confermava i principi del balletto, incarnati mediante un'efficace pantomima e danza in collaborazione con un compositore, coreografo e artista. Studenti di N.: J. Dauberval, C. Didelot, C. Le Pic e altri. La teoria, supportata dalla pratica, portò a N. la gloria di “padre del balletto moderno”.

Op.: Lettres sur la danse, sur les ballets et les arts, v. 1‒4, San Pietroburgo, 1803‒1804; Lettres sur les arts imitateurs en général et sur la dans en particulier, v. 1‒2, P., 1807; in russo corsia ‒ Lettere sulla danza e sui balletti. [Ed.

e ingresso Arte. Yu. I. Slonimsky], L. - M., 1965.

Lett.: Sollertinsky I.I., Vita e creatività di Novera, nel libro: Classics of Choreography, L. - M., 1937; Lynham D., Il Cavaliere Noverre: il padre del balletto moderno, una biografia, L., 1972.

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