Gli artisti americani sono molto diversi. Alcuni erano chiaramente cosmopoliti, come Sargent. Americano di origine, ma visse quasi tutta la sua vita adulta a Londra e Parigi.
Tra loro ci sono anche autentici americani che hanno ritratto la vita solo dei loro connazionali, come Rockwell.
E ci sono anche artisti che non sono di questo mondo, come Pollock. O quelli la cui arte è diventata un prodotto della società dei consumi. Questo, ovviamente, riguarda Warhol.
Tuttavia, sono tutti americani. Amante della libertà, audace, brillante. Leggine sette di seguito.
1. James Whistler (1834-1903)
James Whistler. Auto ritratto. 1872 Institute of Arts di Detroit, USA. Whistler difficilmente può essere definito un vero americano. Crescendo, ha vissuto in Europa. E ha trascorso la sua infanzia... in Russia. Suo padre costruì una ferrovia a San Pietroburgo.
Fu lì che il ragazzo James si innamorò dell'arte, visitando l'Ermitage e Peterhof grazie ai legami del padre (a quel tempo questi erano ancora palazzi chiusi al pubblico).
Perché Whistler è famoso? Qualunque sia lo stile in cui scrive, dal realismo al tonalismo*, si riconosce quasi immediatamente da due caratteristiche. Colori insoliti e nomi musicali.
Alcuni dei suoi ritratti sono imitazioni di antichi maestri. Come, ad esempio, il suo famoso ritratto “La madre dell’artista”.
James Whistler. La madre dell'artista. Disposizione in grigio e nero. 1871 L'artista ha creato un'opera straordinaria utilizzando colori che vanno dal grigio chiaro al grigio scuro. E un po' giallo.
Ma questo non significa che Whistler amasse questi colori. Era una persona straordinaria. Potrebbe facilmente apparire in società indossando calzini gialli e portando un ombrello luminoso. E questo accadeva quando gli uomini si vestivano esclusivamente di nero e grigio.
Ha anche opere molto più leggere di "Mother". Ad esempio, Sinfonia in bianco. Così la foto è stata chiamata da uno dei giornalisti presenti alla mostra. A Whistler l'idea piacque. Da allora, ha chiamato quasi tutte le sue opere in modo musicale.
James Whistler. Sinfonia in bianco n. 1. 1862 Galleria Nazionale di Washington, USA Ma poi, nel 1862, la Sinfonia non piacque al pubblico. Ancora una volta, a causa degli schemi di colori peculiari di Whistler. Alla gente sembrava strano scrivere una donna vestita di bianco su uno sfondo bianco.
Nella foto vediamo l'amante dai capelli rossi di Whistler. Nello spirito dei preraffaelliti. Dopotutto, a quel tempo l'artista era amico di uno dei principali fondatori del preraffaellismo, Gabriel Rossetti. Bellezza, gigli, elementi insoliti (pelle di lupo). Tutto è come dovrebbe essere.
Ma Whistler si allontanò rapidamente dal preraffaellismo. Poiché per lui non era importante la bellezza esteriore, ma l'umore e le emozioni. E ha creato una nuova direzione: il tonalismo.
I suoi paesaggi notturni nello stile del tonalismo sono davvero come la musica. Monocromatico, viscoso.
Lo stesso Whistler ha affermato che i titoli musicali aiutano a concentrarsi sul dipinto stesso, sulle linee e sui colori. Allo stesso tempo, senza pensare al luogo e alle persone raffigurate.
James Whistler. Notturno in blu e argento: Chelsea. 1871 Galleria Tate, Londra 
Maria Cassatt. Bambino addormentato. Pastello, carta. 1910 Museo d'arte di Dallas, Stati Uniti Ma fino alla fine è rimasta fedele al suo stile. Impressionismo. Pastello morbido. Madri con bambini.
Per amore della pittura, Cassatt abbandonò la maternità. Ma il suo lato femminile si manifesta sempre più in opere tenere come “Sleeping Child”. È un peccato che la società conservatrice una volta l’abbia messa di fronte a una scelta del genere.
3. Giovanni Sargent (1856-1925)
Giovanni Sargent. Auto ritratto. 1892 Museo Metropolitano d'Arte, New York John Sargent era sicuro che sarebbe stato un ritrattista per tutta la vita. La mia carriera stava andando bene. Gli aristocratici si mettevano in fila per ordinare da lui.
Ma un giorno, secondo la società, l'artista ha oltrepassato il limite. Ora è difficile per noi capire cosa ci sia di così inaccettabile nel film “Madame X”.
È vero, nella versione originale l'eroina aveva una delle cinghie abbassata. Sargent l'ha "cresciuta", ma questo non ha aiutato le cose. Gli ordini si sono prosciugati.
Giovanni Sargent. Madame H. 1878 Metropolitan Museum of Art, New York Che cosa oscena ha visto il pubblico? E il fatto che Sargent abbia ritratto la modella in una posa eccessivamente sicura di sé. Inoltre, la pelle traslucida e l'orecchio rosa sono molto eloquenti.
L'immagine sembra dire che questa donna con una maggiore sessualità non è contraria ad accettare le avances di altri uomini. Inoltre, essere sposato.
Sfortunatamente, i contemporanei non hanno visto il capolavoro dietro questo scandalo. Un vestito scuro, una pelle chiara, una posa dinamica: una combinazione semplice che solo gli artigiani più talentuosi possono trovare.
Ma non esiste male senza bene. Sargent ha ricevuto in cambio la sua libertà. Ho iniziato a sperimentare di più con l'impressionismo. Scrivi ai bambini in situazioni immediate. È così che è apparsa l'opera "Carnation, Lily, Lily, Rose".
Sargent voleva catturare un momento specifico del crepuscolo. Pertanto lavoravo solo 2 minuti al giorno quando l'illuminazione era adeguata. Ha lavorato in estate e in autunno. E quando i fiori sono appassiti, li ho sostituiti con fiori artificiali.
Giovanni Sargent. Garofano, giglio, giglio, rosa. 1885-1886 Galleria Tate, Londra Negli ultimi decenni, Sargent ha sviluppato un tale gusto per la libertà che ha iniziato ad abbandonare del tutto i ritratti. Sebbene la sua reputazione sia già stata ripristinata. Ha persino licenziato bruscamente un cliente, dicendo che sarebbe stato più felice di dipingere il suo cancello che il suo viso.
Giovanni Sargent. Navi bianche. 1908 Museo di Brooklyn, Stati Uniti I contemporanei trattavano Sargent con ironia. Considerandolo obsoleto nell’era del modernismo. Ma il tempo ha rimesso tutto al suo posto.
Ora le sue opere non valgono meno delle opere dei modernisti più famosi. Bene, non c'è niente da dire sull'amore del pubblico. Le mostre con le sue opere fanno sempre il tutto esaurito.
4. Norman Rockwell (1894-1978)
Norman Rockwell. Auto ritratto. Illustrazione per il numero del 13 febbraio 1960 del Saturday Evening Post. È difficile immaginare un artista più popolare durante la sua vita di Norman Rockwell. Diverse generazioni di americani sono cresciute con le sue illustrazioni. Amandoli con tutta l'anima.
Dopotutto, Rockwell interpretava gli americani comuni. Ma allo stesso tempo mostrando la propria vita dal lato più positivo. Rockwell non voleva mostrare né padri malvagi né madri indifferenti. E con lui non incontrerai nessun bambino infelice.
Norman Rockwell. Tutta la famiglia in vacanza e dalle vacanze. Illustrazione sulla rivista Evening Saturday Post, 30 agosto 1947. Museo Norman Rockwell a Stockbridge, Massachusetts, USA Le sue opere sono piene di umorismo, colori intensi ed espressioni facciali catturate con grande abilità dalla vita.
Ma è un'illusione che il lavoro sia stato facile per Rockwell. Per creare un dipinto, potrebbe prima scattare fino a un centinaio di fotografie dei suoi soggetti per catturare i gesti giusti.
Le opere di Rockwell hanno avuto un'enorme influenza sulle menti di milioni di americani. Dopotutto, spesso parlava attraverso i suoi dipinti.
Durante la seconda guerra mondiale, decise di mostrare per cosa combattevano i soldati del suo paese. Ha anche realizzato il dipinto “Libertà dal bisogno”. Sotto forma di Ringraziamento, dove tutti i membri della famiglia, ben nutriti e soddisfatti, si rallegrano per le vacanze in famiglia.
Norman Rockwell. Libertà dal bisogno. 1943 Museo Norman Rockwell a Stockbridge, Massachusetts, USA Dopo 50 anni al Saturday Evening Post, Rockwell partì per la rivista più democratica Look, dove poté esprimere le sue opinioni su questioni sociali.
L’opera più sorprendente di quegli anni è “Il problema con cui conviviamo”.
Norman Rockwell. Il problema con cui conviviamo. 1964 Museo Norman Rockwell, Stockbridge, Stati Uniti Questa è la storia vera di una ragazza nera che frequentava una scuola bianca. Da quando è stata approvata una legge secondo la quale le persone (e quindi le istituzioni educative) non dovrebbero più essere separate dalla razza.
Ma non c’era limite alla rabbia dei cittadini. Sulla strada per la scuola, la ragazza è stata sorvegliata dalla polizia. Questo è il momento “di routine” mostrato da Rockwell.
Se vuoi conoscere la vita degli americani sotto una luce leggermente abbellita (come loro stessi volevano vederla), assicurati di guardare i dipinti di Rockwell.
Forse, tra tutti i pittori presentati in questo articolo, Rockwell è l'artista più americano.
5. Andrew Wyeth (1917-2009)
Andrea Wyeth. Auto ritratto. 1945 Accademia Nazionale di Design, New York A differenza di Rockwell, Wyeth non era così positivo. Recluso per natura, non ha cercato di abbellire nulla. Al contrario, ha raffigurato i paesaggi più ordinari e le cose insignificanti. Solo un campo di grano, solo una casa di legno. Ma riusciva anche a intravedere in loro qualcosa di magico.
La sua opera più famosa è “Il mondo di Christina”. Wyeth ha mostrato il destino di una donna, la sua vicina. Paralizzata fin dall'infanzia, gattonava per la sua fattoria.
Quindi non c'è nulla di romantico in questa immagine, come potrebbe sembrare a prima vista. Se guardi da vicino, la donna è dolorosamente magra. E sapendo che le gambe dell'eroina sono paralizzate, capisci con tristezza quanto sia ancora lontana da casa.
A prima vista, Wyeth ha scritto la cosa più ordinaria. Ecco una vecchia finestra di una vecchia casa. Una tenda logora che ha già cominciato a ridursi in brandelli. La foresta è buia fuori dalla finestra.
Ma c'è qualche mistero in tutto questo. Qualche altro sguardo.
Andrea Wyeth. Vento dal mare. 1947 Galleria Nazionale di Washington, Stati Uniti È così che i bambini sanno guardare il mondo con mente aperta. Wyatt ha lo stesso aspetto. E noi siamo con lui.
Tutti gli affari di Wyeth erano gestiti da sua moglie. Era una buona organizzatrice. È stata lei a contattare musei e collezionisti.
C'era poco romanticismo nella loro relazione. La musa doveva apparire. E divenne una semplice, ma dall'aspetto straordinario, Helga. Questo è esattamente ciò che vediamo in numerosi lavori.
Andrea Wyeth. Trecce (dalla serie “Helga”). 1979 Collezione privata Sembrerebbe che stiamo vedendo solo l'immagine fotografica di una donna. Ma per qualche motivo è difficile staccarsi da lei. Il suo sguardo è troppo complicato, le sue spalle sono tese. È come se fossimo tesi internamente insieme a lei. Cercando di trovare una spiegazione a questa tensione.
Descrivendo la realtà in ogni dettaglio, Wyeth l'ha magicamente dotata di emozioni che non possono lasciare indifferenti.
L'artista non è stato riconosciuto per molto tempo. Con il suo realismo, seppure magico, non si adattava alle tendenze moderniste del XX secolo.
Quando i lavoratori del museo acquistavano le sue opere, cercavano di farlo in silenzio, senza attirare l'attenzione. Raramente venivano organizzate mostre. Ma per l’invidia dei modernisti, ebbero sempre un successo clamoroso. La gente arrivava in massa. E continuano ad arrivare.
6. Jackson Pollock (1912-1956)
Jackson Pollock. 1950 Foto di Hans Namuth Jackson Pollock non può essere ignorato. Ha oltrepassato un certo limite nell'arte, dopo il quale la pittura non poteva più essere la stessa. Ha dimostrato che nell'arte è generalmente possibile fare senza confini. Quando ho steso la tela sul pavimento e l'ho spruzzata di vernice.
E questo artista americano ha cominciato con l'arte astratta, nella quale si poteva ancora rintracciare il figurativo. Nella sua opera degli anni '40, “Stenographic Figure”, vediamo i contorni sia del viso che delle mani. E anche simboli che comprendiamo sotto forma di croci e zeri.
Jackson Pollock. Figura stenografica. 1942 Museo d'Arte Moderna di New York (MOMA) Il suo lavoro è stato elogiato, ma la gente non aveva fretta di comprarlo. Era povero come un topo di chiesa. E ha bevuto spudoratamente. Nonostante il matrimonio felice. Sua moglie ammirava il suo talento e faceva di tutto per il successo del marito.
Ma Pollock inizialmente aveva una personalità spezzata. Fin dalla sua giovinezza, era chiaro dalle sue azioni che la morte prematura era il suo destino.
Questa rottura alla fine porterà alla sua morte all'età di 44 anni. Ma avrà tempo per fare una rivoluzione nell'arte e diventare famoso.
Jackson Pollock. Ritmo autunnale (numero 30). 1950 Metropolitan Museum of Art di New York, Stati Uniti E lo ha fatto durante un periodo di due anni di sobrietà. Ha potuto lavorare fruttuosamente nel 1950-1952. Ha sperimentato a lungo fino ad arrivare alla tecnica del gocciolamento.
Distendendo un'enorme tela sul pavimento della sua stalla, le girò intorno, come se fosse nel dipinto stesso. E vernice schizzata o semplicemente versata.
La gente cominciò ad acquistare volentieri da lui questi insoliti dipinti per la loro incredibile originalità e novità.
Jackson Pollock. Colonne blu. 1952 Galleria Nazionale dell'Australia, Canberra Pollock fu sopraffatto dalla fama e cadde in depressione, non capendo dove muoversi dopo. La miscela mortale di alcol e depressione non gli lasciava alcuna possibilità di sopravvivenza. Un giorno si mise al volante molto ubriaco. Ultima volta.
7. Andy Warhol (1928-1987)
Andy Warhole. 1979 Foto di Arthur Tress Solo in un paese con un tale culto del consumo, come in America, poteva nascere la pop art. E il suo principale iniziatore fu, ovviamente, Andy Warhol.
È diventato famoso per aver preso le cose più ordinarie e trasformarle in un'opera d'arte. Questo è quello che è successo con una lattina di zuppa Campbell.
La scelta non è stata casuale. La madre di Warhol ha dato da mangiare a suo figlio questa zuppa ogni giorno per più di 20 anni. Anche quando si trasferì a New York e portò con sé la madre.
Andy Warhole. Lattine di zuppa Campbell. Polimero, stampa a mano. 32 quadri 50x40 ciascuno. 1962 Museo d'Arte Moderna di New York (MOMA) Dopo questo esperimento, Warhol si interessò alla serigrafia. Da quel momento in poi, ha fotografato le pop star e le ha dipinte in diversi colori.
È così che è apparsa la sua famosa Marilyn Monroe dipinta.
Furono prodotti un numero infinito di fiori acidi di Marilyn. Warhol ha messo in onda l'arte. Come dovrebbe essere nella società dei consumi.
Andy Warhole. Marilyn Monroe. Serigrafia, carta. 1967 Museo d'Arte Moderna di New York (MOMA) Warhol non ha inventato i volti dipinti dal nulla. E ancora una volta, non è stato senza l'influenza della madre. Da bambina, durante la lunga malattia del figlio, gli portava pacchi di libri da colorare.
Questo hobby infantile divenne quello che divenne il suo biglietto da visita e lo rese favolosamente ricco.
Dipinse non solo le pop star, ma anche i capolavori dei suoi predecessori. Ho capito anch'io.
"Venus", come Marilyn, è stato fatto molto. L'esclusività di un'opera d'arte è stata “cancellata” in polvere da Warhol. Perché l'artista ha fatto questo?
Per rendere popolari vecchi capolavori? O, al contrario, provare a svalutarli? Immortalare le pop star? O ravvivare la morte con ironia?
Andy Warhole. Venere Botticelli. Serigrafia, acrilico, tela. 122x183 cm 1982. Museo E. Warhol di Pittsburgh, USA Le sue opere colorate di Madonna, Elvis Presley o Lenin sono talvolta più riconoscibili delle fotografie originali.
Ma i capolavori difficilmente furono eclissati. Tuttavia, la “Venere” incontaminata rimane inestimabile.
Warhol era un appassionato animale da festa, attirando molte persone emarginate. Tossicodipendenti, attori falliti o semplicemente individui squilibrati. Uno dei quali gli ha sparato una volta.
Warhol è sopravvissuto. Ma 20 anni dopo, a causa delle conseguenze di una ferita subita in passato, morì da solo nel suo appartamento.
Melting pot statunitense
Nonostante la breve storia dell’arte americana, la gamma è ampia. Tra gli artisti americani ci sono gli impressionisti (Sargent), i realisti magici (Wyeth), gli espressionisti astratti (Pollock) e i pionieri della pop art (Warhol).
Ebbene, gli americani amano la libertà di scelta in ogni cosa. Centinaia di denominazioni. Centinaia di nazioni. Centinaia di stili artistici. Ecco perché è il crogiolo degli Stati Uniti d'America.
In contatto con
"I libri mi danno un grande senso di soddisfazione personale e creativa. Quando lavoro su un libro, vorrei che il telefono non squillasse mai. La mia soddisfazione deriva dal mettere dei segni sulla carta."
L'illustratrice americana di libri per bambini Pinkney Jerry è nata il 22 dicembre 1939 a Germantown. Al liceo, il suo amore e il suo talento per il disegno furono notati dal fumettista John Liney, che lo incoraggiò a intraprendere la carriera di artista. Dopo essersi diplomata alla Dobbins Vocational School, Pinkney ha ricevuto una borsa di studio completa per studiare al Philadelphia Museum College of Art. Successivamente si è trasferito a Boston dove ha lavorato nel design e nell'illustrazione, aprendo infine il suo studio, Jerry Pinkney Studio, e successivamente trasferendosi a New York. Pinkney Jerry vive e lavora ancora a New York, nel corso degli anni della sua carriera creativa ha condotto seminari presso le Università e le scuole d'arte di tutto il Paese.
"Volevo mostrare cosa può fare un artista afroamericano in questo paese a livello nazionale nelle arti visive. Voglio essere un forte modello per la mia famiglia e per gli altri afroamericani".
PITTURA AMERICANA
Le prime opere di pittura americana giunte fino a noi risalgono al XVI secolo; questi sono schizzi realizzati dai partecipanti alle spedizioni di ricerca. Tuttavia, gli artisti professionisti apparvero in America solo all'inizio del XVIII secolo; l'unica fonte di reddito stabile per loro era un ritratto; questo genere continuò ad occupare una posizione di primo piano nella pittura americana fino all'inizio del XIX secolo.
Periodo coloniale. Il primo gruppo di ritratti, eseguiti con la tecnica della pittura ad olio, risale alla seconda metà del XVII secolo; In questo momento, la vita dei coloni era relativamente calma, la vita si stabilizzò e apparvero opportunità per praticare l'arte. Di queste opere, la più famosa è il ritratto della signora Frick con la figlia Mary (1671-1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), dipinto da uno sconosciuto artista inglese. Negli anni Trenta del Settecento, le città della costa orientale avevano già diversi artisti che lavoravano in modo più moderno e realistico: Henrietta Johnston a Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn ad Annapolis (1708), Gustav Hesselius a Filadelfia (1712), John Watson a Perth Amboy nel New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) e John Smibert (1728) a Boston. Il dipinto di questi ultimi due ebbe un'influenza significativa sull'opera di John Singleton Copley (1738-1815), considerato il primo grande artista americano. Dalle incisioni della collezione Pelham, il giovane Copley apprese la ritrattistica cerimoniale inglese e la pittura di Godfrey Kneller, uno dei principali maestri inglesi che lavorò in questo genere all'inizio del XVIII secolo. Nel dipinto Ragazzo con scoiattolo (1765, Boston, Museum of Fine Arts), Copley ha creato un meraviglioso ritratto realistico, delicato e sorprendentemente accurato nel trasmettere la trama degli oggetti. Quando Copley inviò quest'opera a Londra nel 1765, Joshua Reynolds gli consigliò di continuare i suoi studi in Inghilterra. Tuttavia, Copley rimase in America fino al 1774 e continuò a dipingere ritratti, elaborandone attentamente tutti i dettagli e le sfumature. Fece poi un viaggio in Europa e si stabilì a Londra nel 1775; Nel suo stile apparvero il manierismo e le caratteristiche di idealizzazione caratteristiche della pittura inglese di quel tempo. Tra le opere più belle prodotte da Copley in Inghilterra ci sono grandi ritratti formali che ricordano il lavoro di Benjamin West, tra cui Brooke Watson and the Shark (1778, Boston, Museum of Fine Arts). Benjamin West (1738-1820) è nato in Pennsylvania; Dopo aver dipinto diversi ritratti di Filadelfi, si trasferì a Londra nel 1763. Qui divenne famoso come pittore storico. Un esempio del suo lavoro in questo genere è il dipinto La morte del generale Wolfe (1770, Ottawa, Galleria Nazionale del Canada). Nel 1792, West succedette a Reynolds come presidente della British Royal Academy of Arts.
Guerra d'Indipendenza e inizio del XIX secolo. A differenza di Copley e West, che rimasero stabilmente a Londra, il ritrattista Gilbert Stuart (1755-1828) tornò in America nel 1792, facendo carriera a Londra e Dublino. Ben presto divenne il principale maestro di questo genere nella giovane repubblica; Stewart dipinse ritratti di quasi tutte le figure politiche e pubbliche di spicco d'America. Le sue opere sono eseguite in modo vivace, libero, abbozzato, molto diverso dallo stile delle opere americane di Copley. Benjamin West accettò volentieri giovani artisti americani nel suo studio londinese; i suoi studenti includevano Charles Wilson Peale (1741-1827) e Samuel F. B. Morse (1791-1872). Peale divenne il fondatore di una dinastia di pittori e di un'impresa artistica di famiglia a Filadelfia. Dipinse ritratti, si dedicò alla ricerca scientifica e aprì il Museo di storia naturale e pittura a Filadelfia (1786). Dei suoi diciassette figli, molti divennero artisti e naturalisti. Morse, meglio conosciuto come l'inventore del telegrafo, dipinse numerosi bellissimi ritratti e uno dei dipinti più grandiosi di tutta la pittura americana, la Galleria del Louvre. In quest'opera circa 37 tele sono riprodotte in miniatura con sorprendente precisione. Quest'opera, come tutte le attività di Morse, aveva l'obiettivo di introdurre la giovane nazione alla grande cultura europea. Washington Alston (1779-1843) fu uno dei primi artisti americani a rendere omaggio al Romanticismo; Durante i suoi lunghi viaggi attraverso l'Europa, dipinse tempeste marine, scene italiane poetiche e ritratti sentimentali. All'inizio del XIX secolo. Nascono le prime accademie d'arte americane, che forniscono agli studenti una formazione professionale e partecipano direttamente all'organizzazione di mostre: la Pennsylvania Academy of Arts di Filadelfia (1805) e la National Academy of Drawing di New York (1825), il cui primo presidente fu S. R. Morse . Negli anni '20 e '30 dell'Ottocento, John Trumbull (1756-1843) e John Vanderlyn (1775-1852) dipinsero enormi composizioni di soggetti della storia americana che decoravano le pareti della Rotonda del Campidoglio a Washington. Negli anni '30 dell'Ottocento, il paesaggio divenne il genere dominante della pittura americana. Thomas Cole (1801-1848) scrisse della natura vergine del nord (New York). Sosteneva che le montagne battute dalle intemperie e le luminose foreste autunnali erano soggetti più adatti per gli artisti americani rispetto alle pittoresche rovine europee. Cole dipinse anche diversi paesaggi intrisi di significato etico e religioso; tra questi ci sono quattro grandi dipinti, Life's Path (1842, Washington, National Gallery) - composizioni allegoriche raffiguranti una barca che scende lungo il fiume, in cui è seduto un ragazzo, poi un giovane, poi un uomo e infine un vecchio. Molti pittori paesaggisti seguirono l'esempio di Cole e rappresentarono la natura americana nelle loro opere; sono spesso riuniti in un gruppo chiamato “Hudson River School” (il che non è vero, dal momento che lavoravano in tutto il paese e scrivevano in stili diversi). Tra i pittori di genere americani, i più famosi sono William Sidney Mount (1807-1868), che dipinse scene della vita dei contadini di Long Island, e George Caleb Bingham (1811-1879), i cui dipinti sono dedicati alla vita dei pescatori. dalle rive del Missouri ed elezioni nelle piccole città di provincia. Prima della guerra civile, l'artista più popolare era Frederick Edwin Church (1826-1900), uno studente di Cole. Dipinse per lo più opere di grande formato e talvolta utilizzò motivi eccessivamente naturalistici per attirare e sbalordire il pubblico. Church viaggiò nei luoghi più esotici e pericolosi, raccogliendo materiale per rappresentare i vulcani sudamericani e gli iceberg dei mari del nord; una delle sue opere più famose è il dipinto Cascate del Niagara (1857, Washington, Corcoran Gallery). Negli anni '60 dell'Ottocento, le enormi tele di Albert Bierstadt (1830-1902) suscitarono una diffusa ammirazione per la bellezza delle Montagne Rocciose raffigurate in esse, con i loro laghi limpidi, foreste e cime a forma di torri.
Il dopoguerra e la fine del secolo. Dopo la guerra civile, in Europa divenne di moda studiare pittura. A Düsseldorf, Monaco e soprattutto Parigi era possibile ottenere un'istruzione molto più fondamentale che in America. James McNeil Whistler (1834-1903), Mary Cassatt (1845-1926) e John Singer Sargent (1856-1925) studiarono a Parigi e vissero e lavorarono in Francia e Inghilterra. Whistler era vicino agli impressionisti francesi; nei suoi dipinti prestò particolare attenzione agli accostamenti di colori e alla composizione espressiva e laconica. Mary Cassatt, su invito di Edgar Degas, partecipò a mostre impressioniste dal 1879 al 1886. Sargent dipinse i ritratti delle persone più importanti del Vecchio e del Nuovo Mondo in modo audace, impetuoso e abbozzato. Il lato opposto dello spettro stilistico rispetto all'impressionismo nell'arte della fine del XIX secolo. occupato da artisti realisti che dipingevano nature morte illusionistiche: William Michael Harnett (1848-1892), John Frederick Peto (1854-1907) e John Haberl (1856-1933). Due importanti artisti della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo, Winslow Homer (1836-1910) e Thomas Eakins (1844-1916), non appartenevano a nessuno dei movimenti artistici in voga a quel tempo. Homer iniziò la sua carriera creativa negli anni '60 dell'Ottocento illustrando riviste di New York; già negli anni Novanta dell'Ottocento aveva la reputazione di artista famoso. I suoi primi dipinti sono scene di vita di villaggio sature di luce solare intensa. Successivamente, Homer iniziò a dedicarsi a immagini e temi più complessi e drammatici: Gulf Stream (1899, Metropolitan) raffigura la disperazione di un marinaio nero disteso sul ponte di una barca in un mare tempestoso e infestato da squali. Durante la sua vita, Thomas Eakins fu sottoposto a severe critiche per l'eccessivo oggettivismo e franchezza. Ora le sue opere sono molto apprezzate per il loro disegno rigoroso e chiaro; i suoi pennelli includono immagini di atleti e ritratti sinceri intrisi di simpatia.
Il ventesimo secolo. All'inizio del secolo, le imitazioni dell'impressionismo francese erano molto apprezzate. Il gusto del pubblico fu messo alla prova da un gruppo di otto artisti: Robert Henry (1865-1929), W. J. Glackens (1870-1938), John Sloan (1871-1951), J. B. Lax (1867-1933), Everett Shinn (1876-1953) , A. B. Davis (1862-1928), Maurice Prendergast (1859-1924) ed Ernest Lawson (1873-1939). I critici li hanno soprannominati la scuola del "bidone della spazzatura" per la loro inclinazione a rappresentare i bassifondi e altri soggetti prosaici. Nel 1913 sul cosiddetto "Armory Show" espone opere di maestri appartenenti a varie aree del postimpressionismo. Gli artisti americani erano divisi: alcuni di loro si dedicarono all'esplorazione delle possibilità del colore e dell'astrazione formale, altri rimasero nel seno della tradizione realistica. Il secondo gruppo comprendeva Charles Burchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Hopper (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew Wyeth (nato nel 1917) e altri. I dipinti di Ivan Albright (1897-1983), George Tooker (nato nel 1920) e Peter Bloom (1906-1992) sono scritti nello stile del "realismo magico" (la somiglianza con la natura nelle loro opere è esagerata e la realtà è ricorda più un sogno o un'allucinazione). Altri artisti, come Charles Sheeler (1883-1965), Charles Demuth (1883-1935), Lionel Feininger (1871-1956) e Georgia O'Keeffe (1887-1986), combinarono elementi di realismo, cubismo ed espressionismo nelle loro opere. opere e altre correnti dell'arte europea.Le vedute marine di John Marin (1870-1953) e Marsden Hartley (1877-1943) sono vicine all'espressionismo.Le immagini di uccelli e animali nei dipinti di Maurice Graves (n. 1910) sono ancora mantengono una connessione con il mondo visibile, sebbene le forme nel suo lavoro siano fortemente distorte e ridotte a designazioni simboliche quasi estreme. Dopo la seconda guerra mondiale, la pittura non oggettiva divenne la tendenza principale nell'arte americana. L'attenzione principale era ora rivolta a La superficie pittorica stessa, era vista come l'arena dell'interazione di linee, masse e macchie di colore. In questi anni prende il sopravvento l'Espressionismo astratto, che diventa il primo movimento pittorico ad emergere negli Stati Uniti e ad avere una rilevanza internazionale, guidato da Arsail Gorky (1904-1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904-1997), Jackson Pollock (1912 -1956), Mark Rothko (1903-1970) e Franz Kline (1910-1962). Una delle scoperte più interessanti dell'espressionismo astratto è stato il metodo artistico di Jackson Pollock, che faceva gocciolare la vernice sulla tela o la lanciava per creare un complesso labirinto di forme lineari dinamiche. Altri artisti di questa tendenza - Hans Hofmann (1880-1966), Clyford Still (1904-1980), Robert Motherwell (1915-1991) e Helen Frankenthaler (nata nel 1928) - praticavano la tecnica della colorazione della tela. Un'altra versione di arte non oggettiva è la pittura di Josef Albers (1888-1976) e Ad Reinhart (1913-1967); i loro dipinti sono costituiti da forme geometriche fredde e calcolate con precisione. Altri artisti che hanno lavorato in questo stile includono Ellsworth Kelly (nato nel 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (nato nel 1924), Frank Stella (nato nel 1936) e Al Held (nato nel 1928); successivamente hanno diretto la direzione artistica all'ingrosso. Alla fine degli anni ’50, Robert Rauschenberg (nato nel 1925), Jasper Johns (nato nel 1930) e Larry Rivers (nato nel 1923), che lavoravano con tecniche miste, compreso l’assemblaggio, si pronunciarono contro l’arte non figurativa. Nei loro “dipinti” includevano frammenti di fotografie, giornali, manifesti e altri oggetti. All'inizio degli anni '60 l'assemblaggio diede vita ad un nuovo movimento, il cosiddetto. pop art, i cui rappresentanti hanno riprodotto con molta attenzione e accuratezza nelle loro opere vari oggetti e immagini della cultura pop americana: lattine di Coca-Cola e cibo in scatola, pacchetti di sigarette, fumetti. Gli artisti principali di questo movimento sono Andy Warhol (1928-1987), James Rosenquist (nato nel 1933), Jim Dine (nato nel 1935) e Roy Lichtenstein (nato nel 1923). Dopo la pop art è apparsa l'optic art, basata sui principi dell'ottica e dell'illusione ottica. Negli anni '70, in America continuarono ad esistere varie scuole di espressionismo, hard edge geometrico, pop art, fotorealismo sempre più alla moda e altri stili di belle arti.
LETTERATURA
Chegodaev A.D. Arte degli Stati Uniti d'America dalla Guerra d'Indipendenza ai giorni nostri. M., 1960 Chegodaev A.D. Arte degli Stati Uniti d'America. 1675-1975. Pittura, architettura, scultura, grafica. M., 1975
Enciclopedia di Collier. - Società aperta. 2000 .
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Scene e paesaggi quotidiani di artisti americani degli anni '20 e '30, eseguiti in modo naturalistico e descrittivo. La pittura di genere americana non era un movimento organizzato; era diffusa tra gli americani... Wikipedia
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Uno dei più grandi musei d'arte degli Stati Uniti. Fondata a Boston nel 1870. Conserva eccezionali esempi di scultura dell'Antico Egitto (busto di Ankhhaf, 3° millennio a.C.), Grecia e Roma, tessuti copti, arte medievale della Cina e del Giappone... ... Grande Enciclopedia Sovietica
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Barbara Rose (nata nel 1938) è una storica dell'arte e critica d'arte americana. Ha studiato allo Smith College, al Barnard College e alla Columbia University. È stata sposata con l'artista Frank Stella nel 1961-1969. In... ...Wikipedia
Libri
- Pittura inglese e americana alla Washington National Gallery (tascabile), E. G. Milyugina, La Washington National Gallery possiede le più grandi collezioni al mondo di pittura inglese e americana di alto livello artistico. Le collezioni riflettono sia la storia della pittura mondiale,...
) nelle sue opere espressive e ampie ha saputo preservare la trasparenza della nebbia, la leggerezza della vela e il dolce dondolio della nave sulle onde.
I suoi dipinti stupiscono per la loro profondità, volume, ricchezza e la trama è tale che è impossibile distogliere lo sguardo da essi.
Calda semplicità Valentina Gubareva
Artista primitivo di Minsk Valentin Gubarev non inseguire la fama e fare solo ciò che ama. Il suo lavoro è incredibilmente popolare all'estero, ma quasi sconosciuto ai suoi connazionali. A metà degli anni '90, i francesi si innamorarono dei suoi schizzi quotidiani e firmarono un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti, che, a quanto pare, dovrebbero essere comprensibili solo per noi, portatori del “modesto fascino del socialismo sottosviluppato”, attirarono il pubblico europeo e iniziarono mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.
Realismo sensuale di Sergei Marshennikov
Sergei Marshennikov ha 41 anni. Vive a San Pietroburgo e lavora secondo le migliori tradizioni della scuola classica russa di ritrattistica realistica. Le eroine delle sue tele sono donne tenere e indifese nella loro seminuda. Molti dei dipinti più famosi raffigurano la musa e moglie dell'artista, Natalia.
Il mondo miope di Philip Barlow
Nell'era moderna delle immagini ad alta risoluzione e dell'ascesa dell'iperrealismo, il lavoro di Philip Barlow attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, è richiesto un certo sforzo da parte dello spettatore per costringersi a guardare le sagome sfocate e i punti luminosi sulle tele dell’autore. Probabilmente è così che le persone miopi vedono il mondo senza occhiali e lenti a contatto.
I coniglietti soleggiati di Laurent Parcelier
Il dipinto di Laurent Parcelier è un mondo fantastico in cui non c'è né tristezza né sconforto. Non troverai le sue foto cupe e piovose. Le sue tele contengono molta luce, aria e colori vivaci, che l'artista applica con tratti caratteristici e riconoscibili. Questo crea la sensazione che i dipinti siano tessuti da mille raggi di sole.
Le dinamiche urbane nelle opere di Jeremy Mann
L'artista americano Jeremy Mann dipinge ritratti dinamici di una metropoli moderna in olio su pannelli di legno. "Forme astratte, linee, contrasto di punti chiari e scuri: tutto crea un'immagine che evoca la sensazione che una persona prova nella folla e nel trambusto della città, ma può anche esprimere la calma che si trova quando si contempla la quieta bellezza." dice l'artista.
Il mondo illusorio di Neil Simon
Nei dipinti dell'artista britannico Neil Simone nulla è come sembra a prima vista. "Per me, il mondo che mi circonda è una serie di forme, ombre e confini fragili e in continua evoluzione", afferma Simon. E nei suoi dipinti tutto è veramente illusorio e interconnesso. I confini sono sfumati e le storie confluiscono l'una nell'altra.
Dramma d'amore di Giuseppe Lorasso
Italiano di nascita, l'artista americano contemporaneo Joseph Lorusso trasferisce su tela soggetti osservati nella vita quotidiana della gente comune. Abbracci e baci, esplosioni appassionate, momenti di tenerezza e desiderio riempiono le sue immagini emotive.
Vita di campagna di Dmitry Levin
Dmitry Levin è un maestro riconosciuto del paesaggio russo, che si è affermato come rappresentante di talento della scuola realistica russa. La fonte più importante della sua arte è l'attaccamento alla natura, che ama teneramente e appassionatamente e della quale si sente parte.
Il luminoso est di Valery Blokhin
In Oriente tutto è diverso: colori diversi, aria diversa, valori di vita diversi e la realtà è più favolosa della finzione: questo è ciò che crede l'artista moderno Valery Blokhin. Nella pittura, Valery ama soprattutto il colore. Il suo lavoro è sempre un esperimento: non parte da una figura, come la maggior parte degli artisti, ma da una macchia di colore. Blokhin ha la sua tecnica speciale: prima applica punti astratti sulla tela e poi completa la realtà.
Originale tratto da vanatik05 in PITTURA AMERICANA – 5 (Tradizioni realistiche nel XX secolo)
Nel 1913, l'Associazione dei pittori e scultori americani organizzò la prima grande mostra internazionale di arte moderna, l'Armory Show, presso l'armeria della Guardia Nazionale in Lexington Avenue. Divenne un evento importante nella storia dell'arte americana, provocando diverse emozioni: sorpresa, ammirazione, indignazione, adorazione e completo rifiuto da parte del pubblico americano, abituato al realismo, in una certa misura all'impressionismo, ma non all'arte europea d'avanguardia che ha visto in questa mostra. 1.300 dipinti, sculture e opere decorative di oltre 300 artisti contemporanei europei e americani hanno visitato non solo New York, ma anche Chicago e Washington.
Le recensioni della mostra includevano accuse di immoralità, mancanza di professionalità, follia, ciarlataneria, molte opere erano chiamate caricature e parodie della pittura, e Theodore Roosevelt disse: "Questa non è affatto arte!"
Le autorità civili, tuttavia, non sono intervenute e non hanno cercato di chiudere la mostra, e gli scandali che l'hanno circondata hanno solo contribuito alla vendita di successo di molte opere che oggi possono essere viste nei musei americani, e il MoMA (The Museum of Modern Art) può essere generalmente considerata l'erede e la continuatrice di quelle prime mostre d'arte contemporanea.
Ha influenzato indirettamente gli artisti del movimento realistico, e le tradizioni realistiche non sono mai morte in America; non solo ha contribuito a cambiamenti nelle tecniche e nei temi del disegno, ma ha anche dato vita a nuove tendenze nella pittura come il “realismo magico”*
E la sua propaggine è il “precisionismo”**, caratteristico proprio degli artisti americani,
E il movimento artistico “regionalism”*** (o regionalismo) nato in America.
Parleremo di artisti, rappresentanti di diverse aree dell'arte realistica nell'America del XX secolo.
Charles Burchfield(1893-1967), uno dei più importanti acquerellisti americani, che dipingeva i suoi dipinti al cavalletto utilizzando la tecnica del pennello asciutto, sviluppò presto (entro il 1915) il proprio stile neorealista, combinando tendenze moderniste, pittura tradizionale cinese ed elementi del fauvismo .
Nel corso della sua vita creativa, ha cambiato direzioni e tecniche, ha dipinto paesaggi e dipinti su soggetti storici, scene osservate dalla finestra di casa sua e fiori, “allucinatori”, nello spirito del realismo magico, vedute della natura e del suo potere divino.
In suo onore, nel 1966 è stato creato a Buffalo un Centro per la natura e le arti, chiamato Birchfield Penny Art Center, che comprende anche la più grande collezione al mondo di opere dell'artista.
Reginald Marsh(1898-1954), nato a Parigi, in una ricca famiglia di artisti, fu allievo di D. Sloan, conosciuto principalmente come pittore e illustratore di scene urbane, vita di strada e spiagge di New York.
I suoi dipinti si distinguono per la completezza documentaristica, intrisi di un amore ironico per i personaggi, ha dipinto molto per il burlesque e il vaudeville, considerandoli "il teatro dell'uomo comune, che esprime l'umorismo e le fantasie dei poveri, vecchi e brutti".
Ha lavorato con olio e inchiostro, acquerello, tempera all'uovo e ha iniziato la sua vita creativa con la litografia. Il suo stile può essere caratterizzato come “realismo sociale”, particolarmente evidente durante la Grande Depressione, e la sua devozione agli antichi maestri, di cui adorava il lavoro, portò alla creazione di opere contenenti metafore religiose.
Poco prima della sua morte per infarto, Marsh ha ricevuto la medaglia d'oro delle arti grafiche dall'American Academy of Arts.
Fairfield Portiere(1907-1975) nacque nella famiglia di un architetto e poeta, studiò ad Harvard e alla League of American Students, aderì alla direzione realistica per tutta la vita, dipinse principalmente paesaggi e ritratti di familiari e amici, cercando di rivelare insolitezze nella vita ordinaria e renderla più bella.
Il suo lavoro mostra l'influenza del padre architetto, del lavoro di Velázquez, e più tardi degli artisti Bonnard e Vuillard; credeva che "l'impressionismo è capace di ricreare pittoricamente la presenza della realtà".
Forse la mancanza di buoni maestri di pittura ad olio, l’atteggiamento diffidente nei confronti della sensualità e del naturalismo insito in molti americani di quegli anni, aiuta a spiegare la natura un po’ primitiva delle opere di Porter, la goffaggine, la rigidità delle sue figure, la loro staticità.
E solo nelle sue opere successive inizia a varcare il confine tra impressionismo e fauvismo, il suo disegno diventa più libero, i colori sono più luminosi e c'è più luce nelle sue opere.
Edoardo Hopper(1882-1967) nacque a Nyack, un centro di costruzione di yacht sul fiume Hudson, da una ricca famiglia di origine olandese. Il talento artistico di Hopper si manifestò all'età di 5 anni; i suoi genitori gli instillarono l'amore per l'arte francese e russa e incoraggiarono la sua passione per la pittura e i diversi interessi.
Hopper ha lavorato con penna e inchiostro, carboncino, acquerello, olio e litografia, dipingendo ritratti e paesaggi marini, vignette politiche e disegni dal vero. Nel lavoro di Hopper si possono discernere le influenze di Robert Henry, uno dei suoi insegnanti, e di Manet e Degas,
William Chase e Rembrandt, in particolare la sua "Ronda di notte", e mentre viveva a Parigi, dipingendo scene per le strade, nei caffè e nei teatri, rimase nella tradizione dell'arte realistica, anche se alcuni ricercatori attribuiscono il suo lavoro al precisismo a causa del chiaro , linee chiare caratteristiche del suo lavoro, forme geometriche, meccanicità, sterilità e vuoto dello spazio.
Ha detto che la sua "cosa preferita nella pittura è la luce del sole sul muro di casa". Durante la Grande Depressione, Hopper ebbe più fortuna di molti altri artisti: continuò a esporre ogni anno e a vendere bene per il resto della sua vita.
Il suo lavoro ha fortemente influenzato non solo le arti visive, ma anche il cinema con le sue composizioni cinematografiche e l'uso drammatico della luce e dell'oscurità.
Paolo Cadmo(1904-1999), rappresentante del movimento del “realismo magico”, combina nella sua opera elementi di erotismo e critica sociale,
ottenne una fama scandalosa grazie ai motivi omosessuali palesi nei suoi dipinti e alle raffigurazioni di figure maschili nude.
È nato in una famiglia povera di artisti, suo padre ha incoraggiato il ragazzo a dedicarsi al disegno e all'età di 14 anni ha frequentato i corsi dell'Accademia Nazionale di Design e poi dell'Accademia. Viaggiò molto con i suoi amici, dipinse grandi tele che riflettevano le sue impressioni sull'Europa, dipinse quadri a più figure della vita di pescatori, marinai, scene di vita cittadina,
E dopo aver incontrato l'impresario e balletomane Kirsten, Cadmus iniziò a produrre molte opere su temi di balletto, raffiguranti principalmente ballerini.
Paul Cadmus visse una lunga vita e morì all'età di 95 anni tra le braccia del suo amico e modello abituale, che fu al suo fianco durante gli ultimi 35 anni della sua vita. Cadmus amava ripetere le parole di Ingres: “La gente dice che i miei quadri non sono adatti a questo periodo. Forse si sbagliano e io sono l’unico che sta al passo con i tempi”.
Ivan (Ivan) Albright(1897-1983), uno dei più famosi rappresentanti del realismo magico, nacque con il fratello gemello in una famiglia di artisti.
I fratelli furono inseparabili per gran parte della loro vita, entrambi studiarono all'Art Institute di Chicago, il fratello Malvin divenne scultore e Ivan pittore, ma iniziò come architetto e durante la prima guerra mondiale realizzò disegni medici per un ospedale a Nantes. Era sempre molto esigente riguardo al suo lavoro, scriveva attentamente tutti i dettagli e dedicava molte delle sue opere ad argomenti complessi come la vita e la morte, la materialità e lo spirito, l'impatto del tempo sull'apparenza e sul mondo interiore di una persona.
Tale lavoro richiedeva molto tempo e quindi le vendite erano rare; molti dipinti rimasero di sua proprietà. Albright produceva i suoi colori e i suoi carboni ed era ossessionato dall'illuminazione al punto che indossava abiti neri e dipingeva il suo studio di nero per evitare l'abbagliamento.
Dipingeva in modo realistico ma esageratamente dettagliato, amava osservare il passare del tempo e dipinse oltre 20 autoritratti solo negli ultimi 3 anni della sua vita per riflettere i cambiamenti che avvengono in una persona.
George Claire Tooker Jr. (1920-2011), le cui opere rappresentano le direzioni del realismo socialista e del realismo magico, è nato in una famiglia con radici inglese-francese-spagnolo-cubane e americane, su insistenza dei suoi genitori ha studiato letteratura inglese ad Harvard, ma dedicò la maggior parte del suo tempo alla pittura.
Dopo aver prestato servizio nel Corpo dei Marines, dal quale fu congedato per problemi di salute, frequentò i corsi della Lega degli Studenti d'Arte, lavorò molto con la tempera all'uovo e ammirò l'arte del Rinascimento italiano.
I dipinti di Tooker raffigurano scene della vita quotidiana americana, le figure umane in essi spesso non hanno una specifica identità razziale o sessuale, esprimendo solitudine, isolamento e anonimato.
Ha prestato molta attenzione al rispetto delle proporzioni geometriche e della simmetria, per questo motivo ha dipinto molto lentamente - non più di due dipinti all'anno. Dalla sua prima grande mostra nel 1951, Tooker ha esposto ininterrottamente e con successo, e il suo lavoro è presente nei principali musei d'America.
Pietro Blume(Peter Bloom) - (1906-1992), artista e scultore, il cui lavoro contiene elementi di precisione, purismo, cubismo, surrealismo e arte popolare. Nacque in Russia da una famiglia ebrea emigrata in America nel 1912 e si stabilì a Brooklyn.
Dopo aver studiato arte in vari istituti scolastici, ha aperto il proprio studio sotto il patrocinio della famiglia Rockefeller. Come molti dei suoi contemporanei realisti, era un fan del Rinascimento, viaggiò in giro per l'Italia, il suo primo dipinto, che ricevette il riconoscimento nel 1934, fu "La Città Eterna", in cui si può discernere l'immagine di Mussolini, come un jack- in-the-box, emergente dal Colosseo.
Le sue opere, spesso raffiguranti la distruzione, possono tuttavia essere interpretate come simboli di ricostruzione e rinnovamento dopo la seconda guerra mondiale, come testimoniano le pietre, le nuove travi e le figure di lavoratori.
Lo stile artistico di Blume era un interessante ibrido di diversi movimenti artistici dell'arte americana ed europea, è definito un "artista delle fiabe".
Andrew Newell Wyeth(1917-2009), rappresentante dello stile realista prevalentemente regionalista, nacque nella famiglia di un illustratore attento allo sviluppo dei talenti dei suoi cinque figli, insegnando loro la buona letteratura, la musica e lo studio della natura. Il padre stesso insegnava ai suoi figli a casa ed erano tutti talentuosi: artisti, musicisti, compositori, inventori.
La loro casa era un luogo creativo, spesso visitato da celebrità come Scott Fitzgerald e Mary Pickford. Lo stesso Wyeth, stranamente, si considerava un astrattista e attribuiva grande importanza alla consapevolezza del significato profondo degli oggetti semplici; i suoi temi preferiti nei suoi dipinti erano la terra e le persone che lo circondavano.
Il suo dipinto più famoso, Christina's World, raffigura una ragazza di una fattoria vicina, disabile a causa della poliomielite, che striscia da sola verso una casa in lontananza.
Helga Testorf ha dedicato 247 dipinti e disegni a una donna; l'ha studiata in vari ambienti e stati emotivi, un'esperienza unica nell'arte americana.
Sebbene Wyeth abbia prodotto molte opere tecnicamente eccellenti e abbia avuto molti seguaci, la sua arte è considerata controversa, con il critico d'arte Rosenblum che lo descrive come "l'artista più sopravvalutato e sottovalutato".
Concedere legno(1891-1942), uno dei più famosi rappresentanti del regionalismo, è nato in Iowa, ha perso presto il padre, ha lavorato in un negozio di ferramenta, ha studiato alla scuola d'arte e poi all'Art Institute di Chicago.
Il giovane Grant viaggiò in Europa 4 volte per studiare gli stili pittorici, prestando particolare attenzione all'impressionismo e al post-impressionismo, ma ammirava le opere di Van Eyck e sognava di combinare metodi moderni con la chiarezza, la precisione e la profondità dell'arte medievale nel suo lavoro. .
Non per niente il suo dipinto più famoso si chiama “American Gothic”; riflette la visione tradizionale del XIX secolo sui ruoli degli uomini e delle donne in America; il dipinto fu accolto in modo ambiguo, alcuni lo considerarono una caricatura, e i giornali lo parodiarono in diversi modi.
Più tardi, mentre insegnava arte all'Università dell'Iowa, Wood divenne una figura chiave nella società culturale dell'università, ma a causa delle voci sulla sua relazione omosessuale con la sua segretaria personale, Wood fu licenziato e presto morì di cancro al pancreas.
Thomas Hart (Hart) Benton(1889-1975) nacque in una famiglia di politici, suo padre, colonnello, avvocato e filantropo, fu eletto quattro volte al Congresso. Il padre voleva che suo figlio seguisse le sue orme, ma il ragazzo era interessato all'arte, sua madre appoggiò la sua scelta ed entrò all'Art Institute di Chicago, per poi andare a Parigi per continuare gli studi alla Julian Academy.
Ritornato in America e continuando a dipingere, prestò servizio nella Marina degli Stati Uniti durante la prima guerra mondiale, lavorando su immagini mimetiche di navi e cantieri navali, che richiedevano rappresentazioni documentaristiche realistiche e in seguito influenzarono il suo stile. All'inizio degli anni '20, Benton si dichiarò un "nemico del modernismo", divenne uno dei principali rappresentanti del regionalismo e aderì alle opinioni "di sinistra".
Si interessò a El Greco, l'influenza del suo lavoro è visibile nel lavoro su enormi affreschi raffiguranti diverse fasi ed eventi della vita del paese.
Benton insegnò alla Art Students League di New York, molti dei suoi studenti divennero artisti famosi (Hopper, Pollack, Marsh), ma fu licenziato per aver rilasciato dichiarazioni di condanna sull'indebita influenza degli omosessuali nel mondo dell'arte. Dopo la seconda guerra mondiale, il regionalismo come movimento perse la sua rilevanza e Benton continuò a dipingere murales,
lavorò attivamente per circa altri 30 anni, ma non ebbe più la popolarità di un tempo.
John Stewart Curry(1897-1946) nacque in una fattoria del Kansas, si prendeva cura degli animali, amava l'atletica e fin dall'infanzia era circondato da riproduzioni di dipinti di Rubens e Doré, che giocarono un ruolo nella sua successiva scelta di stile artistico.
John ha studiato all'Art Institute di Chicago, ha lavorato come illustratore di riviste e ha trascorso un anno a Parigi studiando le opere di Courbet, Daumier, Tiziano e Rubens. Ritornato negli Stati Uniti, ha lavorato per qualche tempo nel suo studio, ha viaggiato con il circo, è stato nominato primo artista presso l'Università del Wisconsin-Madison e ha viaggiato in tutto il paese per promuovere lo sviluppo dell'arte nelle comunità agricole.
Ha dipinto murales per il Dipartimento di Giustizia di Washington e per il Campidoglio in Kansas. Carrie era uno dei tre pilastri (Benton e Wood) del regionalismo americano, particolarmente rilevante durante la Grande Depressione.
Ha rappresentato scene di lavoro, famiglia e terra e ha affrontato i disastri naturali per dimostrare al mondo la perseveranza, il duro lavoro e la fede delle persone, che Carrie credeva fossero l'essenza della vita americana.
Ad essere sincero, non mi ispiro molto agli artisti realisti in generale; mi interessa un po' il lavoro dei soli singoli rappresentanti del realismo magico (Cadmus, Blume, Hopper), ma in generale questo periodo dell'arte americana non mi è vicino , cosa posso fare.
La parte successiva e conclusiva sarà dedicata all'arte contemporanea americana. Finendo per essere...
Come sempre, uno slideshow con tante altre foto e buona musica:
* Realismo magico- Come movimento artistico, il realismo magico si è sviluppato sul suolo americano, diventando l'equivalente del surrealismo europeo. Per molti versi, incontrando i gusti e le esigenze del pubblico americano, le opere dei maestri del realismo magico erano di natura scioccante, sconvolgente nella loro franchezza, pur combinandola con la natura aneddotica delle situazioni e la caricatura dei personaggi; la realtà era più come un sogno irrequieto o un delirio allucinatorio.
**Precisionismo, o presiginismo (precisione inglese - accuratezza, chiarezza) - una direzione caratteristica della pittura americana degli anni '30, una sorta di realismo magico. Il soggetto principale per i precisisti è l'immagine della città, il tema principale è l'estetica meccanicistica, lo spazio dei dipinti è sterile, sembra che l'aria sia stata pompata fuori da essi, non c'è nessuna persona al suo interno.
***Regionalismo o regionalismo (dall'inglese regional - local) - un movimento artistico nell'arte degli Stati Uniti del 1920-1940, basato sul desiderio di creare un'arte veramente americana in contrasto con i movimenti d'avanguardia provenienti dall'Europa. Ispirati da idee di identità nazionale, gli artisti regionalisti si concentrarono sulla rappresentazione dell’America “autentica”. I temi delle loro opere includevano paesaggi americani, scene della vita dei contadini, vita di piccole città, episodi storici, leggende locali e storie folcloristiche.