C'è stato un tempo in cui gli artisti non erano apprezzati per il loro lavoro. Ma oggigiorno questi individui sono molto apprezzati, indipendentemente dal fatto che appartengano a periodi storici o siano vivi. I pittori francesi sono particolarmente venerati per le loro opere straordinarie e deliziose.

Ecco 10 degli artisti e pittori francesi più famosi ed eccezionali. Torniamo indietro nel tempo e guardiamo tutto insieme. Divertitevi!

TOP 10 artisti e pittori francesi più famosi:

10. Paul Gauguin (1848-1903)

Paul Gauguin è stato un artista e pittore francese dell'epoca post-impressionista. Ha dato un grande contributo allo sviluppo della pittura d'avanguardia. Gauguin aveva uno stretto rapporto con Van Gogh.

9. Vincent Van Gogh (1853-1890)

Vincent Van Gogh appartiene al periodo post-impressionista. È uno dei pittori e artisti più famosi al mondo. Conosciuto per la sua audacia e i suoi dipinti vivaci, Vincent è nato nei Paesi Bassi.

8. Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro appartiene all'epoca degli impressionisti e dei postimpressionisti. È uno dei pittori più influenti e migliori di tutti i tempi. Ha lavorato su stili nuovi e unici nei suoi dipinti, che potrebbero dare un vantaggio alla sua carriera.

7. Édouard Manet (1832-1883)

Edouard Manet è noto per i suoi contributi alle scuole del Realismo e dell'Impressionismo. Fu un pittore grande e innovativo. Ha trasformato le opere in impressionismo per dare loro un aspetto moderno.

6. Eugène Delacroix (1798-1863)

Eugene Delacroix è famoso per i suoi dipinti e le sue opere d'arte romantiche. Ha ricevuto ispirazione per quest'opera dai pittori rinascimentali veneziani e da Rubens.

5. Paul Cézanne (1839-1906)

Paul Cézanne è nato nel XVIII secolo. Uno straordinario artista dell'era impressionista. Iniziò la sua carriera in forme impressionistiche, ma si sviluppò come artista innovativo, producendo le migliori opere d'arte del XIX secolo.

4. Charles-François Dabigny (1817-1878)

Charles-François Dabigny è uno degli artisti più famosi di tutti i tempi. È ancora ricordato per i suoi tradizionali dipinti di paesaggi e viene utilizzato per impressionare gli altri con opere d'arte uniche.

3. Augusto Renoir (1841-1919)

August Renoir appartiene all'era dell'impressionismo. È uno dei pittori più famosi che ha avuto un ruolo chiave nello sviluppo delle opere impressioniste.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet è un pittore impressionista. È uno dei pittori più influenti del XVIII secolo. È stato fortemente influenzato dai lavori degli studenti delle scuole superiori e sono emersi i suoi lavori, come "Impression", "Sunrise" e altri.

1. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas è considerato il precursore dell'impressionismo. Dipinse aspetti realistici della vita umana. Il suo stile di lavoro era davvero unico e molto impressionante.

Ogni paese ha i propri eroi dell'arte contemporanea, i cui nomi sono noti, le cui mostre attirano folle di appassionati e curiosi e le cui opere vengono vendute a collezioni private.

In questo articolo ti presenteremo gli artisti contemporanei più famosi in Francia.

Malika Favre

Malika Favre è stata introdotta nel mondo delle belle arti dalla madre artista: in casa loro non c'erano né TV né videogiochi, questi divertimenti sono stati sostituiti dal disegno. Dopo la laurea, Favre si è trasferita a Londra, dove vive e lavora tuttora. È stato a Londra, dopo quattro anni di lavoro presso lo studio Airside, che ha trovato la sua vocazione ed è diventata un'illustratrice professionista.

Tommaso Mainardi

Thomas è un artista francese autodidatta. I suoi dipinti, lo stile a cui l'artista chiama espressionismo pop, sono impressioni soggettive e momenti strappati alla cultura pop moderna e ricchi di emozioni e fantasie. L'artista attualmente vive e lavora in una piccola città tra Parigi e Lille.

Nushka

L'artista Nushka vive e lavora a Parigi e dipinge da oltre 10 anni. Ha studiato pittura Nushka a Detroit con l'artista americano Zawacki, che le ha insegnato le basi della pittura, e con Maggie Siner, che l'ha introdotta alla meccanica dei colori. Ha anche studiato con l'artista Hashpa. Grazie a una base così ricca, la pittura dell’artista unisce abilità tecnica e stile con temi moderni.

Laurent Botella

Laurent ha studiato pittura al laboratorio Maithe Rovino di Osson e alla scuola di Belle Arti di Tolosa. I suoi dipinti sono realizzati con la tecnica impressionistica - e la tecnica per Laurent è di fondamentale importanza: la composizione e la combinazione di colori mirano a enfatizzare la componente trama dell'immagine. Dal 1991 Laurent Botella ha partecipato regolarmente a mostre e concorsi, durante i quali ha ricevuto più volte premi e riconoscimenti.

Laurent Dauptain

Laurent Dauptin ha un master in pittura. Il soggetto delle sue opere è insolito: l'artista disegna principalmente i propri ritratti, sperimentando varie tecniche. Di tanto in tanto, Laurent si cimenta in altri generi, ma ritorna sempre all'autoritratto. Dal 1981 Dopten ha esposto costantemente, ha partecipato più volte a vari concorsi e ha ricevuto numerosi premi per il suo lavoro, tra i più significativi ricordiamo il Grand Prix del Salon Peintres de l'Armee, 2003, il Taylor Prize, 2001 e un medaglia d'oro Salon artista di Francia, 1997.

Michel Delacroix

Michel Delacroix è nato nel 1933. Il suo amore per il disegno iniziò durante l'occupazione tedesca di Parigi. È Parigi, che anche allora rimase Parigi, l'eroe dei suoi dipinti: una città tranquilla e calma dell'infanzia dell'artista. Delacroix ha sperimentato a lungo gli stili fino a quando non ha finalmente deciso la direzione che è diventata la sua firma: lo stile di pittura “ingenuo”. Delacroix ha ricevuto più volte diversi premi, tra cui il Grand Prix des Amateurs d'Art, Parigi 1973, Grand Prix de la Cote d'Azur, Cannes 1976, Premier Prix de Sept Collines, Roma 1976, ecc. Il suo lavoro si trova in diverse collezioni pubbliche e private, tra cui il Museo Nazionale d'Arte Moderna di Parigi e il Museo Internazionale d'Arte Naïve.

Silvestro Evrard

L'artista francese Sylvestre Evrard vive e lavora a Lille. Fondamentalmente, gli eroi dei suoi dipinti sono persone. Lo stile e l’umore dei dipinti dell’artista, secondo le sue stesse parole, possono essere brevemente caratterizzati dall’espressione di André Malraux: “L’arte è la presenza nella vita di ciò che dovrebbe appartenere alla morte”.

Patricia Perrier-Radix

Il lavoro di Patricia è caratterizzato da facilità, facilità e perfezione. L'artista non smette di ricercare il proprio stile, arricchisce costantemente le sue conoscenze studiando vari materiali, ma tende a lavorare con acrilico e pittura ad olio su tela. I suoi dipinti sono sorprendentemente emotivi: dipingendo personaggi senza volto, Patricia trasmette magistralmente le più piccole sfumature di sentimenti e stati d'animo con la precisione di gesti e pose fugaci.

Henri Lamy

L'artista figurativo francese contemporaneo Henri Lamy si è formato nella pittura a olio ma si è trovato attratto dall'immediatezza e dalla spontaneità dell'acrilico, valorizzando il suo lavoro con colori nitidi ed espressivi. Henri crea i suoi dipinti con la vernice che gocciola da un coltello, le cui gocce si intrecciano, si collegano e si asciugano quasi all'istante. Da vicino, questi dipinti acrilici possono sembrare astratti e mostrare i loro veri colori solo allo spettatore che fa qualche passo indietro.

Giovanna Perdu

Joanna, conosciuta tra colleghi e appassionati d'arte anche come La D'Jo, si è diplomata in belle arti e si dedica ad essa in tutte le sue diversità, dalla pittura alla fotografia, traendo le sue idee dal mondo dello spettacolo: musica, danza, teatro, circo..., e al centro dei suoi dipinti ci sono sempre creature viventi provenienti da questo mondo magico. Oggi i suoi dipinti si trovano in gallerie in diverse parti del mondo. Le opere volutamente ingenue di Perdu hanno conquistato l'attenzione della critica e hanno ha guadagnato loro molte recensioni, di solito entusiastiche.

La scuola d'arte francese a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo può essere definita la principale scuola europea; fu in Francia a quel tempo che nacquero stili artistici come il rococò, il romanticismo, il classicismo, il realismo, l'impressionismo e il postimpressionismo.

Rococò (Rococò francese, da rocaille - un motivo decorativo a forma di conchiglia) - uno stile nell'arte europea della prima metà del XVIII secolo. Il rococò è caratterizzato dall'edonismo, dal ritiro nel mondo del gioco teatrale idilliaco e da una predilezione per i soggetti pastorali e sensuali-erotici. Il carattere dell'arredamento rococò ha acquisito forme decisamente eleganti e sofisticate.

François Boucher, Antoine Watteau e Jean Honoré Fragonard lavorarono in stile rococò.

Classicismo - uno stile nell'arte europea del XVII - inizio XIX secolo, la cui caratteristica era un appello alle forme dell'arte antica come standard estetico ed etico ideale.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres e Jacques-Louis David hanno lavorato nello stile del classicismo.

Romanticismo - uno stile d'arte europea nei secoli XVIII-XIX, i cui tratti caratteristici erano l'affermazione del valore intrinseco della vita spirituale e creativa dell'individuo, la rappresentazione di passioni e personaggi forti e spesso ribelli.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault e William Blake hanno lavorato nello stile del romanticismo.

Edouard Manet. Colazione in officina. 1868

Realismo - uno stile d'arte il cui compito è catturare la realtà nel modo più accurato e oggettivo possibile. Stilisticamente, il realismo ha molte facce e molte opzioni. Vari aspetti del realismo nella pittura sono l'illusionismo barocco di Caravaggio e Velazquez, l'impressionismo di Manet e Degas e le opere di Nynen di Van Gogh.

La nascita del realismo nella pittura è spesso associata al lavoro dell'artista francese Gustave Courbet, che inaugurò la sua mostra personale "Padiglione del realismo" a Parigi nel 1855, sebbene anche prima di lui artisti della scuola di Barbizon Theodore Rousseau, Jean- François Millet e Jules Breton hanno lavorato in modo realistico. Negli anni '70 dell'Ottocento. il realismo era diviso in due direzioni principali: naturalismo e impressionismo.

La pittura realistica è diventata diffusa in tutto il mondo. Gli Itineranti lavorarono nello stile del realismo con un forte orientamento sociale nella Russia del XIX secolo.

Impressionismo (dall'impressione francese - impressione) - uno stile nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio del XX secolo, una caratteristica del quale era il desiderio di catturare nel modo più naturale il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, per trasmettere il proprio fugace impressioni. L'impressionismo non sollevava questioni filosofiche, ma si concentrava sulla fluidità del momento, dell'atmosfera e dell'illuminazione. I soggetti degli impressionisti sono la vita stessa, come una serie di piccole vacanze, feste, piacevoli picnic nella natura in un ambiente amichevole. Gli impressionisti furono tra i primi a dipingere en plein air, senza terminare il lavoro in studio.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley e altri hanno lavorato nello stile dell'impressionismo.

Post impressionismo è uno stile artistico emerso alla fine del XIX secolo. I postimpressionisti cercavano di trasmettere liberamente e in generale la materialità del mondo, ricorrendo alla stilizzazione decorativa.

Il postimpressionismo ha dato origine a movimenti artistici come l’espressionismo, il simbolismo e il modernismo.

Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne e Toulouse-Lautrec hanno lavorato in stile postimpressionista.

Diamo uno sguardo più da vicino all'impressionismo e al postimpressionismo usando l'esempio del lavoro di singoli maestri francesi nel XIX secolo.

Edgar Degas. Auto ritratto. 1854-1855

Edgar Degas (vita 1834-1917) - Pittore, grafico e scultore francese.

A partire da dipinti storici e ritratti dalla composizione rigorosa, negli anni '70 dell'Ottocento Degas si avvicinò ai rappresentanti dell'impressionismo e si dedicò alla rappresentazione della vita cittadina moderna: strade, caffè, spettacoli teatrali.

Nei dipinti di Degas, una composizione dinamica, spesso asimmetrica, un disegno flessibile e preciso, angoli inaspettati e un'interazione attiva tra figura e spazio sono attentamente pensati e verificati.

E. Degas. Bagno. 1885

In molte opere, Edgar Degas mostra il comportamento e l'aspetto caratteristici delle persone, generati dalle peculiarità della loro vita, rivela il meccanismo del gesto professionale, della postura, del movimento umano, della sua bellezza plastica. L'arte di Degas è caratterizzata da una combinazione di bello e prosaico; l'artista, come osservatore sobrio e sottile, cattura allo stesso tempo il noioso lavoro quotidiano nascosto dietro l'elegante spettacolarità.

La tecnica pastello preferita ha permesso a Edgar Degas di dimostrare pienamente il suo talento di disegnatore. Toni ricchi e tratti “scintillanti” di pastello hanno aiutato l'artista a creare quella speciale atmosfera colorata, quell'ariosità iridescente che contraddistingue così tutte le sue opere.

Nei suoi anni maturi, Degas si rivolse spesso al tema del balletto. Figure fragili e senza peso di ballerine appaiono davanti allo spettatore nel crepuscolo delle lezioni di danza, o sotto i riflettori sul palco, o in brevi minuti di riposo. L'apparente casualità della composizione e la posizione imparziale dell'autore creano l'impressione di spiare la vita di qualcun altro; l'artista ci mostra un mondo di grazia e bellezza, senza cadere in un eccessivo sentimentalismo.

Edgar Degas può essere definito un colorista sottile; i suoi pastelli sono sorprendentemente armoniosi, a volte delicati e leggeri, a volte costruiti su netti contrasti cromatici. Lo stile di Degas era notevole per la sua sorprendente libertà; applicava i pastelli con tratti audaci e spezzati, a volte lasciando trasparire il tono della carta attraverso il pastello o aggiungendo tratti ad olio o acquerello. Il colore nei dipinti di Degas nasce da uno splendore iridescente, da un flusso fluente di linee arcobaleno che danno vita alla forma.

Le ultime opere di Degas si distinguono per l'intensità e la ricchezza del colore, che sono completate dagli effetti dell'illuminazione artificiale, delle forme ingrandite, quasi piatte e dello spazio angusto, conferendo loro un carattere intensamente drammatico. In ciò

periodo Degas scrisse una delle sue opere migliori: "The Blue Dancers". L'artista lavora qui con ampie macchie di colore, dando primaria importanza all'organizzazione decorativa della superficie del dipinto. In termini di bellezza dell’armonia dei colori e del design compositivo, il dipinto “Blue Dancers” può essere considerato la migliore incarnazione del tema del balletto di Degas, che ha raggiunto in questo dipinto la massima ricchezza di combinazioni di texture e colori.

P. O. Renoir. Auto ritratto. 1875

Pierre Auguste Renoir (vita 1841-1919) - Pittore, grafico e scultore francese, uno dei principali rappresentanti dell'impressionismo. Renoir è conosciuto principalmente come maestro della ritrattistica secolare, non priva di sentimentalismo. A metà degli anni 1880. in realtà ruppe con l'impressionismo, ritornando alla linearità del classicismo durante il periodo creativo di Ingres. Un colorista straordinario, Renoir ottiene spesso l'impressione di una pittura monocromatica con l'aiuto di sottili combinazioni di valori, simili nelle tonalità di colore.

P. O. Renoir. Piscina per bambini. 1869

Come la maggior parte degli impressionisti, Renoir sceglie fugaci episodi di vita come soggetti dei suoi dipinti, preferendo scene festive della città: balli, danze, passeggiate ("Ponte Nuovo", "Splash Pool", "Moulin da la Galette" e altri). Su queste tele non vedremo né il nero né il marrone scuro. Solo una gamma di colori netti e brillanti che si fondono insieme quando si guardano i dipinti da una certa distanza. Le figure umane in questi dipinti sono dipinte con la stessa tecnica impressionistica del paesaggio che le circonda, con il quale spesso si fondono.

P. O. Renoir. Ritratto dell'attrice Zhanna Samari. 1877

Un posto speciale nell'opera di Renoir è occupato da immagini femminili poetiche e affascinanti: internamente diverse, ma esternamente leggermente simili tra loro, sembrano segnate dal timbro comune dell'epoca. Renoir dipinse tre diversi ritratti dell'attrice Jeanne Samary. In uno di essi, l'attrice è raffigurata in uno squisito abito verde-blu su uno sfondo rosa. In questo ritratto, Renoir è riuscito a enfatizzare le migliori caratteristiche del suo modello: bellezza, mente vivace, sguardo aperto, sorriso radioso. Lo stile di lavoro dell'artista è molto libero, in alcuni punti fino alla disattenzione, ma questo crea un'atmosfera di straordinaria freschezza, chiarezza spirituale e serenità. Nella rappresentazione dei nudi, Renoir raggiunge la rara raffinatezza dei garofani (dipingendo nel colore di pelle umana), costruito su una combinazione di toni caldi dell'incarnato con leggeri riflessi verdastri e grigio-azzurri, che donano alla tela una superficie liscia e opaca. Nel dipinto “Nudo alla luce del sole”, Renoir utilizza principalmente i colori primari e secondari, escludendo completamente il nero. Le macchie di colore ottenute utilizzando piccoli tratti colorati danno un caratteristico effetto di fusione quando lo spettatore si allontana dall'immagine.

Va notato che l’uso dei toni del verde, del giallo, dell’ocra, del rosa e del rosso per rappresentare la pelle sconvolse il pubblico di quel tempo, impreparato a percepire il fatto che le ombre dovrebbero essere colorate, piene di luce.

Negli anni Ottanta dell’Ottocento, nell’opera di Renoir, iniziò il cosiddetto “periodo Ingres”. L’opera più famosa di questo periodo è “Le grandi bagnanti”. Per costruire una composizione, Renoir iniziò per la prima volta a utilizzare schizzi e schizzi, le linee del disegno divennero chiare e definite, i colori persero la loro precedente luminosità e saturazione, il dipinto nel suo insieme cominciò a sembrare più sobrio e freddo.

All'inizio degli anni Novanta dell'Ottocento si verificarono nuovi cambiamenti nell'arte di Renoir. In maniera pittorica appare un'iridescenza di colore, motivo per cui questo periodo viene talvolta chiamato “perla”, poi questo periodo lascia il posto al “rosso”, così chiamato per la preferenza per le sfumature dei colori rossastri e rosa.

Eugène Henri Paul Gauguin (vita 1848-1903) - Pittore, scultore e grafico francese. Insieme a Cézanne e Van Gogh, fu il più grande rappresentante del postimpressionismo. Ha iniziato a dipingere in età adulta; il suo primo periodo di creatività è associato all'impressionismo. Le migliori opere di Gauguin furono scritte nelle isole di Tahiti e Hiva Oa in Oceania, dove Gauguin lasciò la "civiltà feroce". I tratti caratteristici dello stile di Gauguin includono la creazione su grandi tele piatte di composizioni cromatiche statiche e contrastanti, profondamente emotive e allo stesso tempo decorative.

Nel dipinto “Cristo giallo”, Gauguin ha raffigurato la crocifissione sullo sfondo di un tipico paesaggio rurale francese, Gesù sofferente è circondato da tre contadine bretoni. La pace nell'aria, le pose calme e sottomesse delle donne, il paesaggio saturo di colore giallo solare con alberi dal rosso fogliame autunnale, il contadino impegnato nei suoi affari in lontananza, non possono che entrare in conflitto con ciò che sta accadendo sulla croce. L'ambiente è in netto contrasto con Gesù, il cui volto mostra quello stadio di sofferenza che sconfina nell'apatia, nell'indifferenza verso tutto ciò che lo circonda. La contraddizione tra i tormenti sconfinati accettati da Cristo e la natura “inosservata” di questo sacrificio da parte delle persone è il tema principale di quest'opera di Gauguin.

P. Gauguin. Sei geloso? 1892

Dipinto “Oh, sei geloso?” appartiene al periodo polinesiano del lavoro dell’artista. Il dipinto si basa su una scena della vita, osservata dall'artista:

sulla riva, due sorelle - hanno appena nuotato, e ora i loro corpi sono distesi sulla sabbia in pose casuali e voluttuose - parlando d'amore, un ricordo provoca discordia: “Come? Sei geloso!".

Dipingendo la lussureggiante bellezza pura della natura tropicale, gente naturale incontaminata dalla civiltà, Gauguin ha raffigurato il sogno utopico di un paradiso terrestre, di una vita umana in armonia con la natura. I dipinti polinesiani di Gauguin assomigliano a pannelli nel colore decorativo, nella piattezza e nella monumentalità della composizione e nella generalità del disegno stilizzato.

P. Gauguin. Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando? 1897-1898

Il dipinto “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" Gauguin lo considerava il sublime culmine delle sue riflessioni. Secondo il progetto dell’artista, il dipinto va letto da destra a sinistra: tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Il gruppo di donne con bambino sul lato destro del quadro rappresenta l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo di estrema sinistra, Gauguin raffigurava la vecchiaia umana, avvicinandosi alla morte; l'idolo blu sullo sfondo simboleggia l'altro mondo. Questo dipinto è l'apice dell'innovativo stile postimpressionista di Gauguin; il suo stile combinava un chiaro uso dei colori, colori decorativi e composizione, piattezza e monumentalità dell'immagine con espressività emotiva.

L'opera di Gauguin anticipò molte caratteristiche dello stile Art Nouveau che stava emergendo in questo periodo e influenzò lo sviluppo dei maestri del gruppo “Nabi” e di altri pittori dell'inizio del XX secolo.

V. Van Gogh. Auto ritratto. 1889

Vincent Van Gogh (vita 1853-1890) - Artista postimpressionista francese e olandese, iniziò a dipingere, come Paul Gauguin, già in età adulta, negli anni ottanta dell'Ottocento. Fino a quel momento, Van Gogh ha lavorato con successo come commerciante, poi come insegnante in un collegio, e in seguito ha studiato in una scuola missionaria protestante e ha lavorato per sei mesi come missionario in un povero quartiere minerario del Belgio. All'inizio degli anni Ottanta dell'Ottocento, Van Gogh si dedicò all'arte, frequentando l'Accademia delle arti di Bruxelles (1880-1881) e Anversa (1885-1886). Nel primo periodo del suo lavoro, Van Gogh dipinse schizzi e dipinti con una tavolozza pittorica oscura, scegliendo come soggetti scene della vita di minatori, contadini e artigiani. Le opere di Van Gogh di questo periodo ("I mangiatori di patate", "Il vecchio campanile della chiesa di Nynen", "Scarpe") segnano una percezione dolorosamente acuta della sofferenza umana e dei sentimenti di depressione, un'atmosfera opprimente di tensione psicologica. Nelle sue lettere al fratello Theo, l'artista scrive quanto segue riguardo uno dei dipinti di questo periodo, “I mangiatori di patate”: “In esso, ho cercato di sottolineare che queste persone, mangiando le loro patate alla luce di una lampada, scavavano la terra con le stesse mani che avevano teso al piatto; Pertanto, il dipinto parla di duro lavoro e del fatto che i personaggi si guadagnavano onestamente il cibo." Nel 1886-1888. Van Gogh visse a Parigi, visitò il prestigioso studio d'arte privato del famoso insegnante P. Cormon in tutta Europa, studiò pittura impressionista, incisione giapponese e opere sintetiche di Paul Gauguin. Durante questo periodo, la tavolozza di Van Gogh divenne leggera, la tonalità terrosa della pittura scomparve, apparvero i toni del blu puro, del giallo dorato, del rosso, il suo caratteristico tratto di pennello dinamico e fluido (“Agostina Segatori al caffè del tamburello”, “Ponte sulla Senna, " "Père Tanguy", "Vista di Parigi dall'appartamento di Theo in Rue Lepic").

Nel 1888 Van Gogh si trasferì ad Arles, dove fu finalmente determinata l'originalità del suo stile creativo. Il temperamento artistico focoso, un doloroso impulso verso l'armonia, la bellezza e la felicità e, allo stesso tempo, la paura delle forze ostili all'uomo, si incarnano sia nei paesaggi splendenti dei colori solari del sud (“La casa gialla”, “La vendemmia”. La Croe Valley”), o in immagini inquietanti che ricordano un incubo (“Cafe Terrace at Night”); dinamica del colore e della pennellata

V. Van Gogh. Terrazza del bar notturno. 1888

riempie di vita spirituale e movimento non solo la natura e le persone che la abitano (“Vigneti rossi ad Arles”), ma anche oggetti inanimati (“La camera da letto di Van Gogh ad Arles”).

L'intenso lavoro di Van Gogh negli ultimi anni fu accompagnato da attacchi di malattie mentali, che lo portarono al manicomio di Arles, poi a Saint-Rémy (1889–1890) e ad Auvers-sur-Oise (1890), dove si suicidò. . Il lavoro degli ultimi due anni di vita dell'artista è caratterizzato da ossessione estatica, espressione estremamente accentuata di combinazioni di colori, improvvisi cambiamenti di umore - dalla disperazione frenetica e cupo visionario ("Strada con cipressi e stelle") a una tremante sensazione di illuminazione e pace (“Paesaggio ad Auvers dopo la pioggia”).

V. Van Gogh. Iris. 1889

Durante il periodo di cura presso la clinica Saint-Rémy, Van Gogh dipinse il ciclo di dipinti “Iris”. La sua pittura floreale è priva di alta tensione e mostra l'influenza delle stampe giapponesi ukiyo-e. Questa somiglianza si manifesta nell'evidenziazione dei contorni degli oggetti, degli angoli insoliti, della presenza di aree dettagliate e aree riempite con un colore solido che non corrisponde alla realtà.

V. Van Gogh. Campo di grano con corvi. 1890

“Campo di grano con corvi” è un dipinto di Van Gogh, dipinto dall'artista nel luglio 1890 ed è una delle sue opere più famose. Si suppone che il dipinto sia stato completato il 10 luglio 1890, 19 giorni prima della sua morte ad Auvers-sur-Oise. Esiste una versione secondo cui Van Gogh si suicidò mentre dipingeva questo dipinto (uscendo all'aria aperta con materiali per dipingere, si sparò nella zona del cuore con una pistola acquistata per spaventare stormi di uccelli, poi raggiunse autonomamente il ospedale, dove morì per la perdita di sangue).

Gli artisti francesi sono i più grandi nomi della cultura mondiale. Inoltre, sono stati i maestri francesi a battere tutti i record per i prezzi delle opere d'arte nelle migliori aste. È solo un peccato che i loro autori abbiano ricevuto solo fama postuma, ma tali sono le vicissitudini del destino di molti creatori di bellezza.

Artisti di Francia: il fenomeno dell'impressionismo francese

Quindi, i più venduti, e quindi i più famosi e riconosciuti nel mondo, furono gli artisti francesi del XX secolo. Anche le persone completamente inesperte nelle belle arti conoscono i loro nomi. Prima di tutto, questi sono artisti impressionisti. La Francia fu ostile nei loro confronti durante la loro vita, ma dopo la morte divennero un vero orgoglio nazionale.

I più grandi artisti francesi, che hanno ricevuto riconoscimenti, fama e fama in tutto il mondo in ampi circoli, lo sono Pierre Renoir, Edouard Manet, ‎Edgar Degas, Paolo Cézanne, Claude Monet E Paolo Gauguin. Tutti loro sono rappresentanti del movimento pittorico più famoso e più venduto del XX secolo: l'impressionismo. Inutile dire che questo movimento ha avuto origine in Francia e rivela pienamente il suo posto e il suo significato nella storia dell'arte mondiale. La straordinaria combinazione di tecnica originale e grande espressività emotiva ha affascinato e continua ad affascinare gli intenditori della bellezza di tutto il mondo nell'impressionismo.

Artisti di Francia: la formazione della pittura francese

Ma gli artisti francesi non si occupano solo di impressionismo. Come altrove in Europa, la pittura fiorì qui durante il Rinascimento. Certo, la Francia non può vantare giganti come Leonardo da Vinci o Raffaello, ma ha comunque dato il suo contributo alla causa comune. Ma le influenze italiane erano troppo forti per la formazione di una scuola nazionale originale.

Il primo grande artista francese che si liberò completamente dalle influenze esterne fu Jacques Louis David, giustamente considerato il fondatore della tradizione pittorica nazionale. Il dipinto più famoso dell’artista fu il famoso ritratto equestre dell’imperatore Napoleone intitolato “Napoleone al passo del San Bernardo” (1801).

Gli artisti francesi del XIX secolo che lavoravano in una direzione realistica sono, ovviamente, meno famosi degli impressionisti, ma hanno comunque dato un contributo significativo allo sviluppo della pittura mondiale. Ma il XX secolo fu il trionfo dell'arte francese e Parigi divenne il centro delle muse. Il famoso quartiere della capitale francese Montmartre, che diede rifugio a decine di poveri artisti divenuti poi parte del fondo d'oro del patrimonio dell'umanità, tra cui figurano i nomi Renoir, VanGogh, Toulouse-Lautrec, E Picasso E Modigliani, divenne un centro di belle arti e attira ancora folle di turisti. Anche famosi artisti francesi contemporanei vivono tradizionalmente a Montmartre.

Donna con un gatto. 1875

Pittore, grafico e scultore francese, uno dei principali rappresentanti dell'impressionismo. Renoir è conosciuto principalmente come maestro della ritrattistica secolare, non priva di sentimentalismo; fu il primo degli impressionisti ad avere successo tra i ricchi parigini. A metà degli anni 1880. in realtà ruppe con l'impressionismo, ritornando alla linearità del classicismo, all'engrismo.

Auto ritratto. 1876

Auguste Renoir nasce il 25 febbraio 1841 a Limoges, città situata nella Francia centro-meridionale. Renoir era il sesto figlio di un povero sarto di nome Léonard e di sua moglie Marguerite.

Ritratto della madre di Renoir. 1860

Nel 1844 i Renoir si trasferirono a Parigi, e qui Auguste entrò nel coro della chiesa della grande cattedrale di Saint-Estache. Aveva una voce tale che il direttore del coro, Charles Gounod, cercò di convincere i genitori del ragazzo a mandarlo a studiare musica. Tuttavia, oltre a questo, Auguste mostrò doti di artista e, all'età di 13 anni, iniziò ad aiutare la famiglia trovando lavoro presso un maestro, dal quale imparò a dipingere piatti di porcellana e altre stoviglie. La sera Auguste frequentava la scuola di pittura.

Danza a Bougival. 1883

Nel 1865, a casa del suo amico, l'artista Jules Le Coeur, incontrò una ragazza di 16 anni, Lisa Treo, che presto divenne l'amante di Renoir e la sua modella preferita. Nel 1870 nacque la loro figlia Jeanne Marguerite, anche se Renoir rifiutò di riconoscere ufficialmente la sua paternità. La loro relazione continuò fino al 1872, quando Lisa lasciò Renoir e sposò qualcun altro.

Auto ritratto. 1875

La carriera creativa di Renoir fu interrotta nel 1870-1871, quando fu arruolato nell'esercito durante la guerra franco-prussiana, che si concluse con una schiacciante sconfitta per la Francia.

Danza in campagna. 1883

Il ritratto di Aline Charigot, moglie di Renoir, fu probabilmente dipinto mentre la famiglia si trovava nelle campagne della Francia orientale. 1885

Nel 1890, Renoir sposò Alina Charigot, che aveva conosciuto dieci anni prima, quando lei era una sarta di 21 anni.

Maternità. 1886

Avevano già un figlio, Pierre, nato nel 1885, e dopo il matrimonio ebbero altri due figli: Jean, nato nel 1894, e Claude (detto "Coco"), nato nel 1901 e che divenne uno dei modelli più amati padre.

Jean Renoir dipinge. 1901

Quando finalmente la sua famiglia si formò, Renoir aveva raggiunto il successo e la fama, fu riconosciuto come uno dei principali artisti in Francia e riuscì a ricevere dallo stato il titolo di Cavaliere della Legion d'Onore.

La famiglia dell'artista. 1896

La felicità personale e il successo professionale di Renoir furono oscurati dalla malattia. Nel 1897 Renoir si ruppe il braccio destro cadendo dalla bicicletta. Di conseguenza, sviluppò i reumatismi, di cui soffrì per il resto della sua vita. I reumatismi resero difficile per Renoir vivere a Parigi e nel 1903 la famiglia Renoir si trasferì in una tenuta chiamata “Colette” nella piccola città di Cagnes-sur-Mer.

Auto ritratto. 1899

Dopo un attacco di paralisi nel 1912, nonostante due interventi chirurgici, Renoir fu costretto su una sedia a rotelle, ma continuò a dipingere con un pennello che un'infermiera gli mise tra le dita.

Augusto Renoir. Autoritratto.1910

Negli ultimi anni della sua vita, Renoir ottenne fama e riconoscimento universale. Nel 1917, quando i suoi Ombrelli furono esposti alla National Gallery di Londra, centinaia di artisti e amanti dell'arte britannici gli inviarono congratulazioni, dicendo: "Dal momento in cui il tuo quadro è stato appeso accanto alle opere degli antichi maestri, abbiamo sperimentato la gioia che i nostri contemporanei prese il posto che gli spettava nella pittura europea”.

Gli ombrelli. 1883

Il dipinto di Renoir fu esposto anche al Louvre e nell'agosto del 1919 l'artista visitò Parigi per l'ultima volta per guardarlo.

Auto ritratto. 1910

Il 3 dicembre 1919, Pierre Auguste Renoir muore a Cagnes-sur-Mer di polmonite all'età di 78 anni. Fu sepolto a Essois.

Profumo primaverile. 1866

Creazione

Selezione di generi 1862-1873

All'inizio del 1862 Renoir superò gli esami della Scuola di Belle Arti dell'Accademia di Belle Arti e si iscrisse alla bottega di Gleyre. Lì conobbe Fantin-Latour, Sisley, Basil e Claude Monet. Ben presto divennero amici di Cézanne e Pizarro, e fu così che si formò la spina dorsale del futuro gruppo di impressionisti.

Camille Monet. 1873

Nei suoi primi anni, Renoir fu influenzato dalle opere dei Barbizoniani, Corot, Prudhon, Delacroix e Courbet.

Estate 1868

Nel 1864 Gleyre chiuse il suo laboratorio e i suoi studi terminarono. Renoir iniziò a dipingere le sue prime tele e poi per la prima volta presentò al Salon il dipinto “Esmeralda che balla tra i vagabondi”. Fu accettato, ma quando la tela gli fu restituita, l'autore la distrusse.

Ritratto dei Sisley. 1868

Piscina per bambini. 1869

Avendo scelto in quegli anni i generi per le sue opere, non li cambiò fino alla fine della sua vita. Questo è un paesaggio - "Jules le Coeur nella foresta di Fontainebleau" (1866), scene di tutti i giorni - "Splashing Pool" (1869), "Pont Neuf" (1872), una natura morta - "Spring Bouquet" (1866), "Natura morta con un mazzo di fiori e un ventaglio" (1871), ritratto - "Lisa con l'ombrello" (1867), "Odalisca" (1870), nudo - "Diana cacciatrice" (1867).

Odalisca. 1870

Natura morta con un bouquet e un ventaglio. 1871

Nel 1872 Renoir e i suoi amici crearono la Società Cooperativa Anonima.

Mademoiselle Sicot. 1865

Madame Clementina Valensi Stora. 1870

Camille Monet. 1872

Madame Edouard Bernier. 1871

Donna con un pappagallo. 1871

Rafa Mater.1871

Ombrello inutile. 1872

Guidando verso Bois de Boulogne. 1873

La lotta per il riconoscimento 1874-1882

La prima mostra della partnership fu inaugurata il 15 aprile 1874. Renoir presentò pastelli e sei dipinti, tra cui “Danzatrice” e “Loggia” (entrambi del 1874). La mostra si è conclusa con un fallimento e i membri della partnership hanno ricevuto un soprannome offensivo: "Impressionisti".

Loggia. 1874

Il dipinto mostra una donna (in primo piano) e un uomo (sullo sfondo) seduti in un palco in un teatro dell'opera. Il fratello di Renoir, il giornalista Edmond Renoir, e la modella di Montmartre Nini Lopez hanno posato per questo dipinto.

Donna sorridente. Ritratto di Madame Pecchi. 1875

Pescivendola. 1875

La signora Victor Choquet. 1875

Nonostante la povertà, fu durante questi anni che l'artista creò i suoi principali capolavori: “Grand Boulevards” (1875), “Passeggiata” (1875), “Ballo al Moulin de la Galette” (1876), “Nudo” (1876) , “Nudo” alla luce del sole" (1876), "L'altalena" (1876), "Prima partenza" (1876/1877), "Sentiero nell'erba alta" (1877).

Ballo al Moulin de la Galette. 1876

Oscillazione. 1876

Ritratto di signora Alphonse Daudet. 1876

Nudo. 1876

Giovane donna che intreccia i suoi capelli. 1876

Renoir smise gradualmente di partecipare alle mostre impressioniste. Nel 1879 presentò al Salon il “Ritratto dell'attrice Jeanne Samary” a figura intera (1878) e il “Ritratto di Madame Charpentier con bambini” (1878) e ottenne il riconoscimento universale e successivamente l'indipendenza finanziaria. Continuò a dipingere nuove tele, in particolare l'ormai famoso Boulevard of Clichy (1880), Luncheon of the Rowers (1881) e On the Terrace (1881).

Ragazza che legge un libro. 1876

Ritratto di signora Charpentier. 1877

Ritratto dell'attrice Zhanna Samary. 1877

Ritratto dell'attrice Zhanna Samari. 1878

Tazza di cioccolata. 1878

In confidenza 1878

Ritratto di Alfonsine Peci. 1879

Pranzo per i rematori sulla riva del fiume. 1879

Una giovane donna che cuce. 1879

Ritratto di Teresa Berard. 1879

Vicino al lago. 1880

La colazione dei rematori. 1881

Il dipinto è stato dipinto nel ristorante Fournaise, situato su un'isola sulla Senna, a Chatou, poco a ovest di Parigi. Renoir adorava questo posto: qui è stato dipinto non solo "La colazione dei rematori", ma anche altri dipinti. In effetti, il dipinto è un ritratto di gruppo di un incontro di amici. Regna un'atmosfera gioiosa e rilassata, non c'è sfarzo, tutti sono in pose naturali e casuali. Dietro la ringhiera si vede una fitta vegetazione, dietro la quale si vede la Senna.Nel dipinto, Renoir ha raffigurato molti dei suoi amici e conoscenti.

Due sorelle (Sulla terrazza). 1881

Albert Caen, compositore d'opera francese.1881

Ragazza con un ventilatore. 1881

Ragazze in nero. 1881

Ritratto di Alfred Berard con il suo cane. 1881

Cucito Marie-Thérèse Durand-Ruel. 1882

"Periodo Ingres" 1883-1890

Renoir visitò l'Algeria, poi l'Italia, dove conobbe da vicino le opere dei classici del Rinascimento, dopo di che il suo gusto artistico cambiò. Renoir dipinse una serie di dipinti “Dance in the Country” (1882/1883), “Dance in the City” (1883), “Dance in Bougival” (1883), così come dipinti come “In the Garden” (1885 ) e “Ombrelli” (1881/1886), dove il passato impressionista è ancora visibile, ma si rivela il nuovo approccio di Renoir alla pittura.

Ragazza con un cappello di paglia. 1884

Si apre il cosiddetto “periodo Ingres”. L'opera più famosa di questo periodo è “Le Grandi Bagnanti” (1884/1887). Per la prima volta l'autore ha utilizzato schizzi e bozzetti per costruire la composizione. Le linee del disegno divennero chiare e definite. I colori hanno perso la loro luminosità e saturazione precedenti, il dipinto nel suo insieme ha cominciato a sembrare più sobrio e freddo.

Grandi bagnanti. 1884-1887.

In primo piano ci sono tre donne nude: due sono sulla riva e la terza è in piedi nell'acqua, apparentemente sul punto di schizzarle. Le figure delle donne sono disegnate in modo molto chiaro e realistico, che era uno stile caratteristico di questo periodo dell'opera di Renoir, chiamato periodo “secco” o “Ingres” (dal nome dell'artista Dominique Ingres).

In posa per il dipinto di Renoir c'erano (da sinistra a destra) Alina Charigot, futura moglie di Renoir (nel 1885 nacque il loro primo figlio, Pierre, e il matrimonio fu ufficialmente concluso nel 1890), e Suzanne Valadon (vero nome Marie-Clementine Valadon) , che in seguito divenne un artista famoso.

Renoir lavorò a questo dipinto per circa tre anni e nel frattempo produsse un gran numero di schizzi e studi, comprese almeno due versioni a più figure a grandezza naturale. Dopo “Le grandi bagnanti” non c'è stato un solo dipinto a cui abbia dedicato così tanto tempo e impegno.

Proprio in riva al mare. 1883

Danza in città. 1883

Giovani donne che giocano a badminton. 1885

Ritratto di Suzanne Valadon. 1885

Una giovane ragazza che legge. 1886

Acconciatura. 1888

Ragazza giovane con le margherite. 1889

Madame de Vernon. 1889

Ragazza con cappello rosa e nero. 1890

"Periodo della madreperla" 1891-1902

Nel 1892, Durand-Ruel aprì una grande mostra dei dipinti di Renoir, che ebbe un grande successo. Il riconoscimento arrivò anche da funzionari governativi: il dipinto “Ragazze al pianoforte” (1892) fu acquistato per il Museo del Lussemburgo.

Ragazze al pianoforte. 1892
Il dipinto raffigura due giovani ragazze: una è seduta al pianoforte e l'altra è in piedi accanto a lei. Entrambe le ragazze guardano le note con attenzione ed entusiasmo, apparentemente selezionando una sorta di melodia. Un quadro così calmo e idilliaco era un simbolo della cultura borghese francese di quel tempo.

Donna con un cappello. 1891

Le ragazze stanno leggendo. 1891

Christina Lerolle ricama. 1895

Suonare la chitarra. 1897

Renoir si recò in Spagna, dove conobbe le opere di Velazquez e Goya.
All'inizio degli anni '90 si verificarono nuovi cambiamenti nell'arte di Renoir. Nella maniera pittorica appariva un'iridescenza di colore, motivo per cui questo periodo è talvolta chiamato "madreperla".
In questo periodo, Renoir dipinse dipinti come “Mele e fiori” (1895/1896), “Primavera” (1897), “Son Jean” (1900), “Ritratto di Madame Gaston Bernheim” (1901). Ha viaggiato nei Paesi Bassi, dove si è interessato ai dipinti di Vermeer e Rembrandt.

Madame Paule Gallimard è nata Lucie Duce. 1892

Ragazze che guardano un album. 1892

Ragazza che si pettina i capelli. 1894

Donna con fard rosso. 1896

Tre bagnanti con un granchio. 1897

Ritratto di Christina Lerolle.1897

Giovane donna spagnola a suonare la chitarra. 1898

Yvonne e Christine al pianoforte. 1898

"Periodo rosso" 1903-1919

Il periodo “perlato” lasciò il posto al periodo “rosso”, così chiamato per la preferenza per le sfumature dei fiori rossastri e rosa.
Renoir continuò a dipingere paesaggi soleggiati, nature morte con fiori luminosi, ritratti dei suoi figli, donne nude, creò “Una passeggiata” (1906), “Ritratto di Ambroise Vollard” (1908), “Gabriel in a Red Blouse” (1910 ), “Mazzo di rose” "(1909/1913), "Donna con mandolino" (1919).

Ritratto di Martha Denis. 1904

Premurosità. 1906

Ritratto di Ambroise Vollard. 1908

Ambroise Vollard è uno dei più importanti mercanti d'arte (marchi) della Parigi della fine del XIX secolo e dell'inizio del XIX secolo. XX secoli Sostenne sia finanziariamente che moralmente un gran numero di artisti famosi e sconosciuti, tra cui Cezanne, Maillol, Picasso, Rouault, Gauguin e van Gogh. Era conosciuto anche come collezionista ed editore.

Gabriel sta rammendando. 1908

Signora con un ventaglio. 1908

Il signor e la signora Bernheim de Villers. 1910

Lavare. 1912

Donna ai fornelli. 1912

Fatti interessanti

Un caro amico di Auguste Renoir era Henri Matisse, che aveva quasi 28 anni meno di lui. Quando A. Renoir era essenzialmente costretto a letto a causa di una malattia, A. Matisse lo visitava ogni giorno. Renoir, quasi paralizzato dall'artrite, superato il dolore, continuò a dipingere nel suo studio. Un giorno, osservando il dolore con cui gli veniva data ogni pennellata, Matisse non riuscì a sopportarlo e chiese: “Auguste, perché non lasci la pittura, stai soffrendo così tanto?” Renoir si limitò a rispondere: “Il dolore passa, ma la bellezza resta”. E questo è stato tutto Renoir, che ha lavorato fino al suo ultimo respiro.