Courbet fu un grande ritrattista. Allo stesso tempo, lui stesso fungeva spesso da modello per i suoi dipinti.
All'inizio degli anni Quaranta dell'Ottocento. Courbena ha scritto "Autoritratto con cane nero" - uno spaniel che gli era appena stato regalato. Si è raffigurato a Ornans sullo sfondo delle rocce vicino alla grotta di Plaisirre Fontaine. I suoi occhi sono ombreggiati dalla tesa di un cappello nero, lunghi capelli ricci gli scendono sulle spalle e un album da disegno si trova nelle vicinanze. La sagoma di un cane nero completa l'immagine romantica del giovane artista.
"Autoritratto con cane nero"
A metà degli anni Quaranta dell’Ottocento appare accanto a uno dei suoi modelli nel dipinto “Amanti felici”.
Fine anni 1840 appare ancora una volta sullo sfondo della natura sotto forma di un giovane sdraiato sotto un albero, ferito in un duello
"Ferito"
E al Salon del 1849 fu esposto “L'uomo con una cintura di pelle”: appoggiando il gomito su album e disegni, Courbet guardò tristemente lo spettatore. Sembrava che la sofferenza, i sogni, l'astrazione dalla prosa della vita diventassero la linea principale della sua arte. Tuttavia, alla fine del decennio, davanti al pubblico apparve un nuovo Courbet, colui che poteva chiamatelo realista.
Nel 1848-1850, Courbet dipinge tele di grandi dimensioni, il cui tema è la vita dei suoi contemporanei: nel dipinto “Pomeriggio a Ornans”, raffigura se stesso, suo padre e due amici davanti al camino nella cucina di casa sua. Sul tavolo ci sono bottiglie di vino disordinate, un bulldog dorme sotto una sedia. Dipinto esposto al Salon del 1849 ha stupito il pubblico con la sua insolita. In primo luogo, le trame del classicismo della storia dell'antica Roma, del Medioevo, dei motivi orientali e letterari dei romantici furono sostituite dalle scene più prosaiche della vita quotidiana. In secondo luogo, nessun artista aveva mai dipinto dipinti di genere di dimensioni così grandi - Le figure umane di Courbet erano raffigurate a grandezza naturale. Il suono del genere il dipinto fu elevato al rango di monumentale, ricevette una seconda medaglia d'oro al Salon e fu acquistato dallo Stato. Ciò ha messo l'artista fuori concorso: ora la giuria non aveva il diritto di rifiutare i suoi dipinti (anche se in pratica ciò non è sempre stato rispettato).
Pomeriggio a Ornans
Nel 1847 Courbet visitò l'Olanda. Dopo questo viaggio ci fu una svolta nel lavoro dell’artista. Sotto l'influenza dell'arte olandese, ruppe con il romanticismo, almeno nelle sue tecniche stilistiche.
autoritratto con la pipa
Oggi, una delle sue opere più riprodotte è “Hello, Monsieur Courbet” del Museo Fabre di Montpellier: non per niente ha così tanto in comune con le stampe popolari e con una tradizione che risale al Rinascimento. I caricaturisti parodiavano il quadro con particolare cura, ma ciò che più importava ai posteri era la cordialità dell'incontro tra il borghese e l'artista, che sognava di rivolgersi direttamente al pubblico e accettava per questo scopo di interpretare il ruolo del vagabondo e del selvaggio. Tuttavia, i critici gli hanno dato un titolo più eloquente: "La ricchezza si inchina al genio".
Nel maggio 1854, Courbet si reca a Montpellier su invito di Alfred Bruil, famoso filantropo e collezionista. Courbet si immaginava con un bastone e uno zaino sulle spalle nel momento stesso in cui Bruyat, il suo servitore e il suo cane lo incontravano sulla strada per Montpellier. La scelta di una trama simile, scritta con schietto realismo e veridicità, fece scalpore all'Esposizione Mondiale di Parigi nel 1855.
"Salve, signor Courbet"
Le convinzioni socialiste non hanno impedito a Courbet di ritrarre un cameriere rispettoso senza un pizzico di ironia. Il suo sguardo esprime la convinzione di considerarsi indegno di essere presente all'incontro.
Courbet e Bruyat erano massoni, come dimostrano i loro gesti caratteristici del rito dell'incontro massonico. Anche i guanti bianchi sono una parte obbligatoria del costume massonico.
La testa di Courbet è sollevata in alto, il suo viso esprime una gioia sincera. Bruya si comporta con disinvoltura. La barba sporgente dell'artista divenne successivamente il bersaglio preferito dei fumettisti.
Particolare del dipinto
L'enorme influenza del dipinto sui suoi contemporanei è testimoniata dal fatto che successivamente, in una forma o nell'altra, molti artisti lo citarono nelle loro opere, tra cui chiameremo almeno Paul Gauguin e il suo “Hello, Monsieur Gauguin” (1889 ).
Gauguin. "Salve, signor Gauguin"
Subito dopo aver dipinto questo dipinto, Courbet fu dichiarato sostenitore di un nuovo tipo di arte anti-intellettuale, libera dalle convenzioni della pittura accademica su soggetti storici e religiosi. Abbandonando i soggetti letterari a favore del mondo reale che circondava l'artista, Courbet ebbe una profonda influenza su Edouard Manet e sugli impressionisti. Si dice che quando gli fu chiesto di aggiungere figure di angeli ad un dipinto destinato ad una chiesa, rispose: "Non ho mai visto angeli. Mostrami un angelo e lo dipingerò".
Courbet amava osservare i giochi di luce sull'acqua. Dipinse tutta una serie di paesaggi marini. La tela “Spiaggia del mare a Palavas” (1854) raffigura l’artista stesso che saluta il Mar Mediterraneo.
Spiaggia del mare a Palavas
L’autoritratto “L’uomo con la pipa” (1873-1874) ebbe successo nel salone. Fu acquistato da Luigi Napoleone.
"L'uomo con la pipa" (1873-1874)
Alcuni degli autoritratti, dipinti con molta sobrietà, mostrano l'influenza degli antichi maestri spagnoli e olandesi, le cui opere Courbet studiò diligentemente durante la sua visita al Louvre.
Vignetta disegnata nel 1859 dall'amico di Courbet, il critico Jules Champfleury
William Hogarth (1697-1764) - artista inglese, incisore, illustratore, autore satirico.
Autoritratto con cane. 1745
I ritratti erano molto venerati in Inghilterra nel XVIII secolo; erano appesi nelle sale di rappresentanza delle tenute familiari e dei club aristocratici. I rifugi di beneficenza commissionavano immagini ai loro clienti e gli attori adoravano essere fotografati in qualche ruolo. Gli artisti dipingevano ritratti più spesso che composizioni su temi biblici e di storia antica, sebbene questo tipo di pittura, chiamata storica, fosse considerata la più sublime.
L'Inghilterra è un paese insulare. Tutto è diverso qui che nel continente europeo. E la vita artistica non ha fatto eccezione. In Francia all'inizio del XVIII secolo, all'epoca paese leader nel campo dell'arte, stava emergendo un nuovo stile: il rococò. Sta emergendo la moda di creare parchi con una disposizione regolare. L'esempio è la maestosa Versailles con cespugli tagliati, vicoli diritti e un ampio specchio d'acqua con fontane. L’Inghilterra va per la sua strada nell’arte. Qui adorano l'antichità e costruiscono palazzi nello spirito classico. Sta emergendo una versione nazionale del parco: paesaggistica. Questa è la natura, nobilitata dalle mani di un giardiniere; gli alberi che oscurano la splendida vista vengono rimossi, il letto del ruscello viene leggermente deviato di lato e vengono costruiti tumuli da cui si possono vedere prati verdi con erba rigogliosa. Era in questi parchi che gli artisti amavano presentare graziose signore e gentiluomini della società. Tuttavia, nel genere dei ritratti dell’inizio del XVIII secolo, l’Inghilterra non aveva ancora gli alti risultati della Francia.
Tutto cambiò con l'avvento di William Hogarth. È conosciuto come incisore e caricaturista, dimenticando i meriti dell'artista nella ritrattistica. Uno dei tipi più comuni di ritratti erano le scene di interviste. Nel parco o all'interno venivano raffigurati membri di una famiglia, personaggi impegnati in un gioco di carte, in una conversazione o mentre bevevano il tè. È con questo tipo di pittura che Hogarth inizia la sua ritrattistica, rivelando l'appartenenza sociale e il carattere dei personaggi. Rivela il contenuto dell'opera attraverso i gesti dei personaggi, gli oggetti circostanti e crea una sorta di scene teatrali in miniatura. Emerge una relazione drammatica e psicologica tra le persone raffigurate. Questo è il ritratto dei bambini Graham.
Ci sono quattro personaggi nella foto. Le ragazze assomigliano a signorine che vengono intrattenute da un gentiluomo che suona l'organo. Non si scambiano sguardi, ma si ha la sensazione che siano uniti da una sincera simpatia reciproca.
Poco dopo, Hogarth crea il famoso “Autoritratto con cane”. Ha 45 anni. L'artista appare in abiti modesti, senza parrucca, in abiti semplici. Davanti a noi c'è una persona diretta e aperta che valuta con sobrietà se stesso e coloro che lo circondano. Ci sono molti dettagli “parlanti” nella foto: libri dei classici inglesi Swift, Shakespeare e Milton, uno scalpello, una tavolozza con la scritta “line of beauty”. Hogarth ha immediatamente raffigurato il suo amato cane, il cui muso ricorda il volto del proprietario. Questa tecnica di paragonare l'uomo e l'animale ha una lunga tradizione, ad esempio Michelangelo fu paragonato a un drago e Leonardo a un leone.
Lo sviluppo dell'arte inglese nel XVIII secolo è associato all'ascesa generale della cultura dopo la rivoluzione borghese del 1640-1660. Gli artisti si sono rivolti direttamente alla realtà circostante e hanno cercato nuovi mezzi espressivi. Hanno creato un circolo i cui membri si sono incontrati al bar di Slaughter. Oltre a Hogarth, questa società comprendeva lo scultore Roubiliac, l'incisore e illustratore francese Gravelot, lo scrittore Fielding e l'attore Garrick. Stesso anno dell'autoritratto, un ritratto di Garrick nei panni di Riccardo III. Questo ruolo ha reso famoso l'attore e ha segnato nuovi metodi di recitazione teatrale.
I servitori di Hogarth. 1760.
Alla fine della sua vita, Hogarth dipinse forse due dei suoi migliori ritratti: “I servitori di Hogarth” e “La ragazza con i gamberetti”. In entrambi, il compito principale era rivelare i personaggi delle persone.
Ragazza con gamberetti. 1750.
"Girl with Shrimp" ricorda uno schizzo pittorico nella sua velocità e facilità di esecuzione. Hogarth crea immagini realistiche purosangue di persone comuni. I colori freddi che dominano la combinazione di colori si combinano naturalmente con quelli caldi: sfumature rosa e marroni. L'impressione istantanea della natura è trasmessa dal maestro con tratti commoventi, flessibili e ampi, che rendono le sue tele insolitamente vive e spontanee.
Rivista E. Gagarina "YUH"
Le opere di Hogarth sono veri e propri libri... Guardiamo altri dipinti - leggiamo i suoi dipinti. Charles Lamb (Sul genio e il carattere di Hogarth).
La vita di William Hogarth, il famoso pittore, grafico e teorico dell'arte inglese del XVIII secolo, era indissolubilmente legata a Londra. Questa città fece parte della sua anima fin dalla culla; qui il futuro artista, figlio di un insegnante rurale trasferitosi nella capitale, si familiarizzò con l'arte all'età di 17 anni, diventando apprendista di un incisore d'argento. A singhiozzo, frequentò la scuola degli artisti Vanderbank e Sharon, e poi Thornhill, che allora stava diventando famoso. Qui trovò la felicità personale, sposando la figlia di quest’ultimo, che rapì romanticamente nel 1729 dalla casa paterna
E Londra, la città in cui, come una goccia d'acqua, si rifletteva l'intera Inghilterra della prima metà del XVIII secolo con la sua crescita economica e fioritura culturale senza precedenti, profonde contraddizioni sociali e sorprendenti contrasti tra lusso e povertà, servì per Hogarth come fonte inesauribile di trame per le sue opere...
Inverno 1728. Il pubblico londinese, come se si fosse dimenticato dei trionfi del Royal Drury Lane Theatre, si è riversato al Lincoln's Inn Fields, dove il 29 gennaio ha avuto luogo con straordinario successo la prima di Beggar's Opera di John Gay. Nella prima stagione lo spettacolo fu rappresentato sessantadue volte. L'enorme popolarità dell'opera era dovuta non tanto alla brillante recitazione degli attori, ma al fatto che si trattava di una satira piuttosto trasparente nei confronti degli ambienti dominanti inglesi. L'opera raffigurava episodi della vita di vagabondi, ladri, banditi, ma nei personaggi era facile discernere le caratteristiche di molte persone di alto rango e nelle situazioni dell'opera teatrale - una connessione con la realtà inglese.
"L'opera del mendicante" VI. 1729-1731.
Hogarth amava il teatro, era amico degli attori e dipingeva i loro ritratti. “L’opera del mendicante” ha affascinato immediatamente l’artista. Dal 1728 al 1731 dipinse sei versioni del dipinto su questo soggetto. L'ultima versione della scena dell'Atto III dell'Opera del mendicante è quella di maggior successo. Il dinamismo della composizione, la capacità di trasmettere il forte movimento emotivo dei personaggi principali dell'opera e l'eccellente pittura rendono il quadro il migliore dei primi lavori di Hogarth.
Allo stesso tempo, Hogarth dipinse numerosi ritratti di famiglia in piccoli gruppi, le cosiddette “scene di conversazione”, e raggiunse la fama. Ma presto abbandonò questa occupazione. "Mi sono rivolto", ha ricordato in seguito l'artista, "a un genere completamente nuovo, vale a dire: dipingere e creare incisioni su temi morali moderni - un'area che non era stata ancora tentata in nessun paese e in nessun momento".
È così che è apparsa la famosa serie satirica "La storia di una puttana" (1732). In sei scene, Hogarth ha catturato gli episodi principali della vita di una certa Mary Hackabout, una ragazza di campagna venuta a Londra. Del tutto impreparata a resistere alle tentazioni della grande città, cade nelle mani di un vecchio mezzano, diventa una mantenuta e finisce la sua vita tra gli abitanti del “fondo” londinese. Questi dipinti furono distrutti da un incendio nel 1755, ma la storia di Mary ci è giunta nelle incisioni di Hogarth.
Sta banchettando. La storia del libertino III. Intorno al 1733.
Ben presto l'artista dipinse e incise una nuova serie di otto dipinti. Questa è "La storia del libertino", la storia di un'eredità vissuta con noncuranza. La storia della vita di un libertino sembra meno convincente della storia di una puttana. Ma il dipinto “He Feasts” è un vero capolavoro. La scena del banchetto notturno sfrenato dell'eroe della serie, Tom Rakewell, "nonostante tutta la sua spontaneità, è eseguita con grazia artistica, è artistica, semplicemente bellissima".
Così, insieme agli scrittori illuministi della prima metà del XVIII secolo, Hogarth espresse le idee dell'Illuminismo e intraprese la lotta per sradicare i vizi della società contemporanea.
Alla fine degli anni '30, il maestro creò una meravigliosa serie di dipinti, “Le quattro volte del giorno”, raffiguranti la capitale britannica in un momento specifico nello stato della natura e dell'illuminazione. Il peso di un anno e un giorno. Particolarmente impressionante è il dipinto “Mattino”, che raffigura Covent Garden all’alba, in una leggera nebbia invernale, questa piazza che non si calma né si addormenta mai. Quindici anni dopo, Hogarth mostrerà la vita di altre strade di Londra; dipingerà un quadro terribile di "Gin Lane": orribile ubriachezza, povertà senza speranza e oppressione fino alla perdita dell'umanità dei suoi abitanti.
Capitano Coram. 1740
Gli anni Quaranta del Settecento sono il periodo della maturità creativa di Hogarth. In questo periodo creò le sue opere migliori sia come ritrattista che come autore satirico. La galleria dei ritratti si apre con il famoso ritratto del capitano Thomas Coram, un caro amico e artista, navigatore e filantropo con idee affini, famoso per aver fondato la cosiddetta Foundling House (orfanotrofio) a Londra. Hogarth ripete qui lo schema di un ritratto cerimoniale, ma lo fa solo per creare una tela che incarni il riconoscimento pubblico dei meriti di una persona della “classe media”. Dipinto con genuina simpatia, il volto aperto e “casalingo” del vecchio capitano, per nulla aristocratico, mal si adatta all'ambiente elegante.
Maria Edwards. 1742
I ritratti di donne occupano un posto speciale nell'opera di Hogarth. Prima di tutto, questo è un ritratto profondamente psicologico e artisticamente perfetto di Mary Edwards, che era un’ammiratrice del talento dell’artista e forse l’unica persona che lo ha veramente aiutato. Hogarth non lusinga la modella, ma la ammira. Con pennello sicuro dipinge il volto nervoso e peculiare della persona ritratta, in cui la bellezza e l'irregolarità dei lineamenti si combinano stranamente. L'abito elegante e la preziosa decorazione sul petto furono dipinti con non minore maestria.
Elisabetta Salter. 1744
Uno dei ritratti più famosi degli anni ’40 è “Ritratto di Lavinia Fenton”. Hogarth l'aveva scritta in precedenza come il personaggio del titolo di The Beggar's Opera. Catturata più di dieci anni dopo, l'immagine di questa giovane donna bella e allegra è notevole per la sua espressività e penetrazione psicologica; emana una sorta di fascino segreto, che gradualmente si rivela.
Nel 1745 Hogarth dipinse un Autoritratto. L'artista ci guarda dalla tela ovale, vestito a casa con una vestaglia, senza parrucca e con indosso un caldo cappello da caccia. Il viso con luminosi occhi azzurri e fronte nodosa è trasmesso con straordinaria forza e profondità. In primo piano c'è una tavolozza con la famosa "linea della bellezza" serpentina, il suo amato cane Trump e libri: Shakespeare, Milton, Swift.
La selezione di libri è rivelatrice. Swift era particolarmente imparentato con Hogarth per la natura del suo talento. I classici di Milton ispirarono l'"alta pittura" di Hogarth, dipinti come Satana, Il peccato e la Morte, che per la prima volta riflettevano la visione romantica dell'artista. Le opere di Shakespeare hanno dato a Hogarth il desiderio di "interpretare le trame come uno scrittore drammatico".
Il matrimonio di Stephen Buckingham con Mary Hawkes. 1740.
La somiglianza tra i dipinti di Hogarth e le opere drammatiche è particolarmente pronunciata nella terza, più famosa serie satirica, il suo capolavoro “Marriage a la mode”. Qui l'acuto potere di osservazione di Hogarth fu dimostrato con particolare brillantezza. la sua audace innovazione: la capacità di mostrare conflitti drammatici ai vertici della società inglese, il suo talento come disegnatore e colorista, che ha imparato molto dai maestri francesi.
Matrimonio alla moda. 1745 Incisione.
La trama della serie, composta da sei dipinti, è un matrimonio di convenienza. Un aristocratico in rovina sposa il figlio minorenne con la figlia di un ricco borghese che aspira a diventare un membro della nobiltà - un fenomeno molto comune in Inghilterra a quel tempo. Di. Come avviene questa deliberata alleanza, Hogarth lo descrive nel dipinto "Il contratto di matrimonio" - la prima immagine della serie.
Subito dopo il matrimonio. Intorno al 1743.
Mattinata nella casa dei giovani. Dalla serie Matrimonio alla moda. 1743-1745. Incisione.
La storia, iniziata con la conclusione di un patto, si conclude con un tragico epilogo: la morte del conte, pugnalato a morte dall'amante della contessa, che per questo finisce sul patibolo, e il suicidio della contessa.
La serie di dipinti satirici "Elezioni parlamentari" (1754) è un altro dei capolavori di Hogarth. Difficilmente si può vedervi una condanna diretta del sistema politico inglese. L'artista mette a nudo solo i lati brutti del parlamentarismo inglese. Binge drinking allo scopo di attirare la simpatia degli elettori; tangente; la farsa stessa delle elezioni; il torbido trionfo degli eletti al parlamento: questi sono i quattro atti del dramma politico rappresentato sulle tele di Hogarth.
La serie delle "Elezioni al Parlamento", il risultato di soggetti morali moderni, si colloca tra le altre conquiste più alte del defunto Hogarth: "Ritratto di servi" e "La ragazza con i gamberetti". Questi ritratti testimoniano l'arte di Hogarth di vedere la bellezza nella realtà circostante, le sue spiccate simpatie e il rispetto per la gente comune.
Quanto sopra si applica principalmente a “La ragazza con i gamberetti”. Questo è l'apice della creatività dell'artista. Dipinto con straordinaria brillantezza, tratti liberi e rapidi e vernice liquida, quasi trasparente, il ritratto unisce le caratteristiche sia di uno studio dal vero che di un dipinto finito. I toni del marrone, del grigio e del rosa si fondono in un'unica tavolozza comune e dal caos delle pennellate appare sulla tela un volto sorridente sorprendentemente gentile, leggermente stagionato con occhi lucenti. E questa immagine di un venditore di gamberetti, piena di vibrante vitalità ed espressività, è percepita come parte della rumorosa folla londinese.
L'attività di Hogarth è multiforme: pubblica il trattato “Analisi della bellezza”, dove espone le sue opinioni sull'arte; sostenuto da altri artisti, ha ottenuto l'attuazione della legge sul copyright del Parlamento; divenne il promotore delle prime mostre d'arte pubbliche e diresse la più grande scuola d'arte.
L'arte vibrante e originale di Hogarth determinò in gran parte il carattere della scuola nazionale inglese. I suoi dipinti satirici, l'approccio democratico ai soggetti e il linguaggio chiaro e comprensibile aprirono la strada alla diffusione capillare della pittura di genere e di tutti i giorni e alla rapida fioritura della caricatura inglese alla fine del XVIII secolo. E non è un caso che l’arte di Hogarth trovi degno apprezzamento tra i suoi grandi contemporanei Swift e Fielding, così come tra Dickens e Thackeray. Whistler definì Hogarth il più grande artista inglese. L'arte del “grande Hogarth” è stata studiata dal meraviglioso artista russo Fedotov...
Gli inglesi apprezzano il loro patrimonio culturale, onorano i nomi di coloro che ne hanno accresciuto la gloria e ne sono l'orgoglio. Tra questi nomi, il primo è il nome di William Hogarth.
Sull'antico Leicester Fields (oggi Leicester Square), fondato a metà del XVII secolo, amato da Hogarth, tra i lussuosi cinema, sale teatrali, ristoranti e caffè situati nella piazza, vediamo una galleria di sculture di eccezionali figure di scienza e cultura in Inghilterra. Uno di questi è un busto di monumento a Hogarth. Sull'alto piedistallo c'è un'iscrizione: “William Hogarth. Artista. 1697-1764. Pittore di corte del re Giorgio II. Abitava sul lato est di questa piazza."
B. Kudryavtsev. Rivista "YUH"
"Da quale mostro... poteva venire questo bastardo? Sotto quale cappa, su quale letamaio, inzuppato con una mistura di vino, birra, saliva velenosa e muco puzzolente, cresceva questa zucca dalla voce vuota e pelosa, questo grembo che fingeva essere un uomo e un artista, l'incarnazione dell'idiota e dell'impotente", scrisse con rabbia Figlio di Alessandro Dumas sul dipinto di Gustave Courbet "Dormienti"(1866). Chissà cosa direbbe il grande scrittore se vedesse il dipinto "L'origine del mondo", che è stato mostrato al pubblico solo alla fine del XX secolo - un secolo e mezzo dopo la sua creazione? Per molto tempo il dipinto scandaloso è stato in una collezione privata, ora è esposto al Museo d'Orsay. Le è ancora assegnata una guardia di sicurezza, progettata per prevenire una reazione violenta da parte del pubblico.
Gustavo Courbetè considerato il fondatore di un nuovo stile artistico: il realismo. Richard Muter ha scritto: "Era odiato perché, avendo una perfetta padronanza della sua arte, scriveva con la stessa naturalezza con cui gli altri mangiano, bevono o parlano". In effetti, il lavoro dell’artista ha suscitato forti scandali nel corso della sua vita.
Courbet nasce il 10 giugno 1819 a Ornans, vicino al confine svizzero. Suo padre possedeva vigneti vicino a Ornans. Nel 1831, il giovane iniziò a frequentare il seminario di Ornans e nel 1837, su insistenza del padre, entrò alla facoltà di giurisprudenza di Besançon. In questo periodo frequenta anche le lezioni dell'Accademia, dove il suo insegnante è Charles-Antoine Flajoulot, uno studente del più grande artista classicista francese, Jacques-Louis David. Nel 1839 Courbet si recò a Parigi, dove conobbe la collezione d'arte del Louvre. Rimase particolarmente colpito dai piccoli artisti olandesi e spagnoli, in particolare Velazquez. Il giovane preferiva le lezioni nei laboratori d'arte alla giurisprudenza. Nel 1844 il suo dipinto "Autoritratto con cane" fu esposto al Salon di Parigi (il resto dei dipinti da lui proposti furono respinti dalla giuria). Negli stessi anni dipinge un gran numero di autoritratti, visita più volte Ornan e viaggia in Belgio e nei Paesi Bassi, dove stabilisce contatti con venditori di quadri. Uno degli acquirenti delle sue opere fu l'artista e collezionista olandese, uno dei fondatori della scuola di pittura dell'Aia, Hendrik Willem Mesdag. A Parigi ha incontrato e Honoré Daumier.
Alla fine degli anni Quaranta dell’Ottocento, la direzione ufficiale della pittura francese era ancora l’accademismo e le opere di artisti realistici venivano periodicamente respinte dagli organizzatori delle mostre. Nel 1847 tutte e tre le sue opere furono respinte dalla giuria. Inoltre, il salone non accettava dipinti di maestri famosi come Eugène Delacroix e Théodore Rousseau. Nel 1871, Courbet aderisce alla Comune di Parigi, ne gestisce i musei pubblici e guida il rovesciamento della Colonna Vendôme (noto simbolo del bonapartismo). Dopo la caduta del Comune scontò sei mesi di carcere e fu condannato a contribuire alle spese di restauro della colonna da lui distrutta. Ciò costrinse l'artista a ritirarsi in Svizzera, dove morì in povertà il 31 dicembre 1877.
"Serata Mosca" ti invita a ricordare i dipinti più famosi di Gustave Courbet.
1. "Autoritratto con cane nero" (1842)
Il primo dipinto di Courbet, che fu un vero successo, fu dipinto a Parigi. L'artista si è raffigurato seduto per terra all'ingresso della grotta di Plaisir-Fontaine (non lontano da Ornans). Alla sua sinistra giacciono un bastone e un album da disegno; alla sua destra, sullo sfondo di un paesaggio soleggiato, uno spaniel nero dalle orecchie piegate si staglia in sagoma scura. Nel cielo e sullo sfondo sono presenti diversi tratti di prova realizzati con una spatola, uno strumento che Courbet utilizzerà successivamente con grande abilità. Nel maggio 1842, Courbet scrive ai suoi genitori: "Ho preso un bellissimo cane, uno spaniel inglese di razza pura, me lo ha regalato un mio amico; tutti lo ammirano, e a casa di Udo lo accolgono molto più di me". Due anni dopo, questo autoritratto aprirà a Courbet le porte del Salon: un onore a cui aspirano strenuamente tutti i principianti. Il dipinto è attualmente conservato al Musée du Petit Palace di Parigi.
2. "Pomeriggio a Ornans" (1849)
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Il dipinto fu concepito e parzialmente dipinto prima del 1849, durante una delle visite dell'artista nella sua città natale. Era già stato completato a Parigi. Filologo e romanziere Francesco Wei scrive del suo incontro con Courbet: “Siamo stati ricevuti da un giovane alto, dagli occhi magnifici, ma magro, pallido, giallo, ossuto... Mi ha fatto un cenno in silenzio e si è seduto di nuovo sullo sgabello davanti al cavalletto dove si trovava il si trovava la tela “Pomeriggio a Ornans”.<...>Perché non sei ancora diventato famoso con un talento così raro e meraviglioso? - esclamai. “Nessuno ha mai scritto come te!” “Esatto! - ha risposto l'artista con l'accento contadino di un residente della Franca Contea. "Scrivo come un dio!"
3. "Frantoio di pietre" (1849)
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In una lettera a Francis Vey, Courbet descrive questo dipinto e racconta le circostanze che hanno dato origine alla sua idea: “Stavo andando sul nostro carro al castello di Saint-Denis, vicino a Sein-Vare, non lontano da Mezières, e mi sono fermato guardare due persone: rappresentavano la personificazione completa della povertà. Ho subito pensato che fosse il soggetto di un nuovo dipinto, li ho invitati entrambi nel mio studio la mattina dopo e da allora ho lavorato al dipinto... da un lato della tela c'è un uomo di settant'anni; è chino sul suo lavoro, il martello alzato, la pelle è abbronzata, la testa è ombreggiata da un cappello di paglia, i pantaloni di stoffa ruvida sono tutti a toppe, i tacchi sporgono da calzini un tempo blu strappati e da zoccoli scoppiati sul fondo. Dall'altro lato c'è un ragazzo giovane con la testa impolverata e la faccia scura. Attraverso una camicia unta e sbrindellata si vedono fianchi e spalle nude, pelle bretelle che sostengono quelli che una volta erano pantaloni, scarpe di cuoio sporche e bucate su tutti i lati, un vecchio in ginocchio, un ragazzo che trascina un cesto di macerie. Ahimè! È così che molte persone iniziano e finiscono la loro vita." Nel romanzo "Bieze da Serin", scritto poco dopo, Francis Wey utilizza quasi alla lettera le frasi della lettera di Courbet per descrivere due frantoi di pietre sul ciglio della strada. Famoso politico, filosofo e sociologo francese Pierre-Joseph Proudhon nel 1864 definì Courbet il primo vero artista sociale e “Il frantoio di pietre” il primo dipinto sociale.
4. "Salve, signor Courbet!" (1854)
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Nel maggio 1954, Courbet si reca a Montpellier su invito di un famoso filantropo e collezionista Alfredo Bruia. Nel dipinto, l'artista si è raffigurato con un bastone e uno zaino sulla schiena nel momento in cui Bruye, un servitore e un cane lo hanno incontrato per strada. Il dipinto, dipinto con estremo realismo, fece scalpore all'Esposizione Mondiale di Parigi nel 1855. Courbet si dichiara paladino di una nuova arte anti-intellettuale, libera dalle convenzioni della pittura accademica. Courbet dipinse quadri basati su soggetti reali e questo, in particolare, ebbe una seria influenza sul lavoro degli impressionisti. Si dice che quando gli fu chiesto di completare le figure degli angeli in un dipinto destinato alla chiesa, rispose: "Non ho mai visto un angelo. Mostrami un angelo e lo dipingerò".
5. "Dormienti" (1866)
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Nella foto, che ha letteralmente fatto saltare in aria l'Europa borghese, due donne nude giacciono abbracciate su un letto coperto da un lenzuolo bianco, per cui la scena presentata allo spettatore sembra essere una scena di amore lesbico. Una collana di perle strappata e un lenzuolo disordinato non fanno altro che intensificare questa sensazione. La tela indignò il pubblico a tal punto che la stampa esplose letteralmente con un grido indignato. Il valore artistico del dipinto divenne evidente solo anni dopo, quando lo scandalo si era calmato.
"Autoritratto con cane nero" , scritto Courbet nel 1842 colpisce la sicurezza di sé che emana la figura del giovane artista.
Courbet è vestito come uno scienziato naturale: ha sia visione artistica che conoscenza pratica (non dimentichiamo che Courbet proviene da una famiglia contadina). Il cane nero seduto accanto a lui con lunghi capelli ondulati non solo enfatizza i riccioli dello stesso Courbet, ma, riecheggiando la silhouette fluente del suo mantello, è una sorta di incarnazione della natura che si è sottomessa all'artista.
L'estetica del manierismo, unita alla struttura plastica generale del quadro, nonché dettagli molto specifici come l'accento posto sulla mano, suggeriscono paragoni con l'“Autoritratto allo specchio convesso” del giovane Parmigianino, venuto conquistare Roma nel 1524.
Già sotto questo primo “Autoritratto con un cane nero” si può firmare la successiva affermazione di Courbet, “il ruggito dell’oceano è potente, ma non coprirà il ruggito della mia gloria”. Decisamente, Courbet è determinato: la sua postura, la testa orgogliosamente sollevata, gli abiti scuri gli danno una somiglianza con un misterioso principe tornato dall'esilio per prendere il trono che gli appartiene. Passeranno tre decenni, Courbet andrà davvero in esilio e gli autoritratti raffiguranti una bella bruna lasceranno il posto a nature morte allegoriche con una trota sanguinante.
Tipo di moda simile: Jaco Van den Hoven
Nome: Eugène Delacroix
Età: 15 anni
Compagna di classe Eugène Delacroix in seguito ricordò l'apparizione dell'adolescente Delacroix: “ Un ragazzo con la pelle olivastra, gli occhi scintillanti, il viso vivace, le guance infossate, con un sorriso beffardo che giocava sempre sulle sue labbra. Era magro, con una figura aggraziata, ei suoi folti capelli scuri e ondulati testimoniavano le sue origini meridionali." Ebbene, questa descrizione è abbastanza soddisfacente per il primo ritratto realizzato dallo zio dell’artista. Tuttavia un quadro più completo dei lineamenti somatici del giovane Delacroix è dato da un acquerello dipinto qualche anno dopo. L'autore è sconosciuto, il che però non sorprende: il suo stile chiaramente non si distingueva per la sua originalità, anche se proprio per questo motivo questo ritratto ci interessa particolarmente. Speriamo nella coscienziosità dell'artista, che non si lascia trasportare dalla pittura tanto da distorcere i lineamenti della persona ritratta nella ricerca dell'espressività.
Una grande testa, l'oggetto principale del ridicolo dei suoi coetanei, con grandi riccioli rigogliosi, zigomi larghi e un mento appuntito con una fossetta: il volto del giovane raffigurato nel ritratto si adatterebbe perfettamente al medaglione del cuore.
Un sorriso vago, molto vago gioca sulle labbra socchiuse, “piegando” un angolo verso l'alto; sopracciglia appena aggrottate; lo sguardo dei suoi grandi occhi, gentile e curioso allo stesso tempo, è diretto da qualche parte di lato più di quanto sia necessario per creare un “angolo nobile”, come se qualcosa avesse attirato la sua attenzione. Eccola, un'illustrazione delle parole di Julian sull'infanzia di Delacroix: “ Nel bel mezzo di un gioco o nel bel mezzo di una lezione, poteva, avendo dimenticato tutto, immergersi nelle fantasticherie, e poi all'improvviso i sogni ad occhi aperti furono sostituiti da esplosioni di una sorta di attività tempestosa, e poi si rivelò molto più vivace e dispettoso dei suoi compagni» .
Tipo di moda simile: Beniamino Eidem
Nome: Jean Auguste Dominique Ingres
Età: 20 anni
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| Jacques Louis David, "Ritratto di Jean Auguste Dominique Ingres", 1800. |
In un primo ritratto dipinto da David, Jean Auguste Dominique Ingres è ancora piuttosto giovane, ma, a differenza di Delacroix, che è altrettanto giovane nel ritratto di Géricault, non può essere definito un ragazzo. Nonostante la rotondità infantile del suo viso e i capelli arruffati come un passero, la postura del futuro leader dell'accademismo francese irradia calma fiducia, nella piega ostinata che esce dall'angolo delle sue labbra si può leggere la determinazione, nelle sopracciglia accigliate - confrontali con i semicerchi confusamente sollevati delle sopracciglia di Delacroix - si può sentire la perseveranza. Lo schema cromatico generale – caldo, molto “terreno” – rafforza l’impressione di una persona che guarda le cose in modo sensato, data dal volto del giovane.
Furono proprio queste qualità - perseveranza, integrità di carattere, serietà - a distinguere Ingres, a giudicare dalle memorie di Etienne Delecluze, anche nella bottega di David. Il primo sviluppo del carattere fu facilitato anche dalle difficoltà finanziarie che Ingres dovette affrontare in gioventù: i suoi genitori non avevano molto reddito e, mentre studiava pittura a Tolosa, suonò nell'orchestra del Teatro Capitol. La situazione cambierà in meglio con il trasferimento di Ingres a Parigi, dove, dopo aver acquisito una certa fama come miglior allievo di David, il giovane artista iniziò a guadagnare soldi con i ritratti. Il rapporto tra il leggendario Jacques-Louis David e il suo nuovo studente non è stato facile. L’alienazione di David dal suo modello si avverte anche nel ritratto in questione del 1800: sembra che David non stia cercando di penetrare il personaggio di Ingres, e lui, a sua volta, non ha fretta di aprirsi con lui.
Tipo di moda simile: Nils Butler
IV
Nome: Pablo Picasso
Età: 19 anni
Una delle metafore preferite del XX secolo è uno specchio, una porta verso un altro mondo, un viaggio nel quale sarà quasi certamente rischioso e spiacevole. Nell'autoritratto, Picasso sembra studiare la propria immagine riflessa, trovando il coraggio di guardarsi così com'è, senza difendersi dal mondo esterno con ironia, senza trasformare tutto in uno scherzo, senza lottare con una coinvolgente malinconia. . Si trova a un bivio: se entrare nelle profondità vertiginose o rimanere al di qua della realtà esterna - e sceglie la prima. Non c’è da stupirsi, sapendo che sarà proprio Picasso a scoprire in seguito la visione cubista, la cui componente più importante è la visione “dall’interno”.
Tipo di moda simile: Bastian Van Gaalen
Nome: Egon Schiele
Età: 17 anni
Prima in modo creativo Egon Schiele C'è stato, in senso letterale, un cambiamento drammatico; le sue opere, come lui, sembravano così lisce, così pettinate. Non riesco nemmeno a credere che questo scolaretto dalle guance rosee con un fiocco e il diavolo nevrotico e scarmigliato con dipinti pieni di disperato esibizionismo siano la stessa persona. Tuttavia, il ragazzo non è così semplice come potrebbe sembrare: non è creato da carne e sangue, ma da una sorta di sostanza pittorica super pesante, che ha una carica colossale di energia oscura. Fate attenzione agli occhi: così grandi, dovrebbero sembrare belli, ma, privi di bianco, sono privi di ogni espressione umana. Questi sono gli occhi di una bestia, gli occhi di una creatura, non di una persona. La luce bluastra cade sul viso e su una ciocca di folti capelli, privando completamente il campo colorato di ogni accenno di calore e conforto. Un rossore sano si trasforma in uno splendore febbrile e un sorriso piacevole si trasforma in un sorriso ambiguo.