Al mercato dell'arte contemporanea è dedicato un nuovo portale di ricerca Artprice.com, basato sull'analisi dei risultati delle vendite all'asta da luglio 2015 a giugno 2016. Artguide porta alla tua attenzione le sue tesi principali e, ovviamente, conclusioni ottimistiche. Spoiler: il nome dell'artista russo contemporaneo di maggior successo molto probabilmente non ti dirà nulla.
Konstantin Razumov. Odalisca con uno specchio. Prima metà degli anni 2010. Tela, olio. Fonte: gargantya.dreamwidth.org. Secondo Artprice.com, Konstantin Razumov è l'artista russo contemporaneo di maggior successo secondo i risultati delle aste aperte nel 2015-2016, classificandosi al 297° posto: 43 dei suoi dipinti hanno guadagnato $ 475.634, il più costoso dei quali è costato $ 22.478.
Portal Artprice ha pubblicato la prossima rassegna annuale dello stato del mercato dell'arte contemporanea da luglio 2015 a giugno 2016, sulla base di un'analisi delle vendite all'asta per questo periodo. Dal 2000, il mercato dell'arte contemporanea è cresciuto di 14 volte. Questa crescita è stata guidata dalla facilità di accesso al mercato e dalla dematerializzazione delle vendite, con Internet che è diventato il principale mezzo di ricerca e condivisione delle informazioni. Almeno il 95% dei partecipanti al mercato partecipa alle transazioni utilizzando dispositivi mobili. Tra gli altri fattori che influenzano lo sviluppo del mercato dell'arte contemporanea, la finanziarizzazione non è l'ultima (secondo la definizione di alcuni ricercatori, questo è “il processo di trasformazione del capitale finanziario in capitale fittizio e virtuale e la sua separazione dalla reale sfera di produzione. ” — Artguide). A questo aspetto si aggiunge un massiccio aumento del numero di compratori d'arte (dai 500mila del dopoguerra ai 70 milioni del 2015), una significativa diminuzione della loro età media e l'espansione geografica del mercato in Asia, Asia -Regione del Pacifico, Sud Africa, India, Medio Oriente e America Latina. Un'altra forza trainante dello sviluppo del mercato dell'arte contemporanea è diventata l'industria museale globale: ogni anno vengono aperti circa 700 nuovi musei nel mondo, il che rende l'industria museale una realtà economica del 21° secolo. Queste istituzioni entrano anche nel mercato dell'arte alla ricerca di opere di altissima qualità e valore artistico e storico. Attualmente il mercato dell'arte contemporanea è attrattivo anche per investimenti di capitale: per opere di valore superiore a 20.000 dollari, l'incremento medio del valore del capitale investito è di circa il 9%. Lo sviluppo del mercato dell'arte contemporanea ha portato anche a un'evoluzione sociologica: il luogo comune “Un grande artista è un artista morto” è già stato dimenticato. Nel moderno "villaggio globale" l'artista espande la profondità e la portata delle nostre connessioni con il mondo. Questo ruolo soddisfa un'esigenza continua mentre ci muoviamo verso la virtualizzazione, che senza dubbio porterà a un cambio di paradigma in un futuro non troppo lontano.
Lo stato generale del mercato dell'arte contemporanea
Il volume del mercato delle aste per il periodo in esame è stato di $ 1,5 miliardi (nel corrispondente periodo dello scorso anno - $ 2,1 miliardi), ovvero il mercato è diminuito di oltre un quarto, ma il trend di sviluppo a lungo termine rimane positivo (crescita del 1370% dal 2000). Dopo quattro anni di continua crescita, nella prima metà del 2015 il fatturato del segmento dell'arte contemporanea ha iniziato a diminuire drasticamente e la flessione nella seconda metà dell'anno è stata una continuazione di questa tendenza. Il calo complessivo del mercato nel 2015 è stato del 39%. Dopo gli ottimi risultati del 2013-2014, una correzione nel mercato dell'arte contemporanea è diventata inevitabile. I collezionisti di arte contemporanea sono diventati più cauti. Mentre Nudo sdraiato di Amedeo Modigliani è stato di $ 170 milioni sul mercato dell'arte modernista nel novembre 2015, le vendite di arte contemporanea hanno continuato a diminuire nella seconda metà del 2015. Le nuove opere (realizzate non oltre tre anni prima della data di vendita) sono state le prime a risentire della riduzione della domanda: il loro prezzo medio è sceso da 28mila dollari a 20mila.Agli inizi del 2016 il mercato dell'arte contemporanea ha iniziato a dare segnali di ripresa : nella prima metà dell'anno è sceso del 14%, meno del calo del mercato dell'arte nel suo complesso. Il mercato dell'arte contemporanea si è adattato alle nuove condizioni: le aste hanno smesso di inseguire nuovi record e si sono concentrate su opere della fascia bassa del segmento alto e opere di prezzo medio. Ciò ha subito inciso sulla struttura delle vendite - il 6% dei lotti venduti erano opere di valore superiore a 50mila dollari, nel corrispondente periodo dello scorso anno erano l'8% di tali opere - e questo ha permesso di raggiungere la stabilizzazione dei prezzi. L'offerta limitata di opere di fascia alta, tuttavia, non ha impedito alle opere di qualità di stabilire nuovi record d'asta. "Untitled" di Jean-Michel Basquiat all'asta di Christie's a New York di Yusaku Maezawa per 57,3 milioni di dollari
Un altro indicatore di stabilità del mercato è la quota di lotti invenduti, il cui "livello pericoloso" è stimato al 37%. Christie's e Phillips hanno attualmente elenchi di invenduti inferiori al 30%, mentre Sotheby's è al 34%. Al culmine della crisi, questa quota era del 50%. D'altra parte, la quota di lotti invenduti inferiore al 20% indica la natura speculativa del commercio. Pertanto, si può affermare che il mercato dell'arte contemporanea è attualmente in un periodo di stabilità a lungo termine.
L'arte contemporanea (artisti nati dopo il 1945) è attualmente il secondo segmento più grande del mercato dell'arte dopo l'arte del dopoguerra (artisti nati tra il 1920 e il 1944). Le opere dei maggiori artisti contemporanei sono vendute agli stessi prezzi delle opere dei maggiori artisti dei periodi precedenti. Un tale cambiamento si è verificato negli ultimi due decenni, nel 20° secolo sembrava del tutto impossibile.
Geografia del mercato dell'arte contemporanea
Mentre il mercato dell'arte cinese sta attraversando una fase di profonda riorganizzazione, la quota combinata di Stati Uniti e Regno Unito è aumentata del 5%, e rappresentano il 65% del mercato globale delle aste di arte contemporanea e un quarto di tutte le vendite di opere di gli artisti contemporanei passano per Londra e New York. Gli Stati Uniti sono attualmente il mercato più forte per l'arte contemporanea, rappresentando il 38% del mercato globale, ovvero 582 milioni di dollari, con quasi il 95% di tale importo generato a New York. Nell'ultimo anno, il fatturato attribuibile agli Stati Uniti in questo segmento di mercato è diminuito del 24%, ma rimangono comunque leader. Il Regno Unito rappresenta un quarto del mercato globale dell'arte contemporanea e si è ridotto del 10% a 399 milioni di dollari, ma si tratta di 40 milioni di dollari in più rispetto alla Cina, che ha perso il secondo posto nel segmento dell'arte contemporanea, ma è rimasta il leader indiscusso del mercato globale mercato dell'arte in generale. Il mercato cinese sta subendo una profonda ristrutturazione dal 2014. L'attenzione dei collezionisti cinesi si è spostata sulle opere d'arte “storiche”, il che ha comportato un calo del mercato cinese dell'arte contemporanea del 47% e un raddoppio del volume delle transazioni. I collezionisti cinesi si sono concentrati nuovamente su "grandi nomi" come Claude Monet o Vincent van Gogh. Allo stesso tempo, il mercato cinese dell'arte contemporanea è cresciuto del 470% negli ultimi sei anni. Inoltre, l'adozione di misure e regolamenti draconiane da parte del governo cinese per sradicare la pratica delle (false) scommesse non pagate ha avuto un impatto significativo su di lui.
Il mercato europeo dell'arte contemporanea nel suo complesso non ha risentito troppo del rallentamento, anzi è cresciuto in alcune città: Vienna (7,3 milioni di dollari), Amsterdam (4,9 milioni di dollari), Berlino (4,2 milioni di dollari), Bruxelles (3,2 milioni di dollari) e Milano ($ 1,6 milioni). Ciò è dovuto principalmente alla gara particolarmente prestigiosa, in cui le città specificate hanno un peso significativo. Allo stesso tempo, il mercato tedesco dell'arte contemporanea è sceso del 19% a 17,6 milioni di dollari, mentre la quota di lotti invenduti nelle vendite all'asta tedesche è aumentata dal 44% al 55%. Il mercato francese dell'arte contemporanea, che detiene il quarto posto con un giro d'affari di 41,4 milioni di dollari, è diminuito del 6,8%, il che sembra abbastanza naturale nelle attuali condizioni di mercato. I volumi delle transazioni in Francia sono rimasti elevati e il paese è riuscito a mantenere la sua posizione nel segmento di mercato di fascia alta.
L'analisi della classifica di mercato dei primi 500 artisti contemporanei mostra una forte rappresentanza nazionale di paesi con una quota elevata nel mercato globale dell'arte. 99 americani e 187 cinesi rappresentano quasi il 60% dei primi 500. Allo stesso tempo, cinque americani e un solo cinese sono rappresentati nella top 10. Ci sono solo 36 britannici nella top 500, ma la maggior parte di loro è in cima alla lista: Peter Doig (5), Damian Hirst (14), Anthony Gormley (31). La Germania è rappresentata da 31 artisti, tra cui Anselm Kiefer, Günter Förg, Martin Kippenberger, Neo Rauch e altri. Sfortunatamente, le migliori opere di artisti tedeschi contemporanei vengono vendute alle aste di Londra e New York, il che influisce negativamente sul mercato tedesco. Insieme, questi quattro paesi rappresentano il 70% dei primi 500. La Russia è rappresentata nella classifica da cinque artisti: Konstantin Razumov (297), Georgy Guryanov (333), Pavel Pepperstein (443), Valery Koshlyakov (460) e Timur Novikov (475).
Le principali case d'asta riducono il fatturato
Nonostante un calo delle vendite del 19%, Christie's rimane la principale casa d'aste d'arte contemporanea con 545 milioni di dollari di vendite annuali.Gli operatori rappresentano il 61% del mercato globale delle aste d'arte contemporanea. Phillips ha mostrato un fatturato stabile e si è assicurata il terzo posto nella classifica mondiale, ma in termini di vendite è ancora molto indietro rispetto ai leader. Al fine di garantire la stabilità dei prezzi in un mercato indebolito, Sotheby's e Christie's hanno limitato la vendita delle opere più costose che vengono messe all'asta, solitamente con sostanziali garanzie di prezzo, il che ha portato a un calo del fatturato di Christie's e Sotheby's.
Nel contesto della lotta tra Stati Uniti e Cina per il predominio nel mercato dell'arte, la più grande quota del 13,5% di Sotheby's è di particolare importanza, questo è particolarmente importante per il fatto che il 24% di Taikang Life Insurance è di proprietà dell'asta cinese casa China Guardian. Così, sono iniziate le trattative sui tentativi della Chinese Poly Auction di acquisire la casa d'aste britannica Bonhams.
La struttura del mercato dell'arte contemporanea
Nell'ultimo anno sono state vendute 55mila opere sul mercato delle aste di arte contemporanea, 4,7 volte di più rispetto al 2000. Questa espansione del mercato ha aumentato il fatturato delle aste per lo stesso periodo del 1370%. I prezzi sono spinti verso l'alto dalla globalizzazione, dalle vendite online, nonché dall'aumento della domanda causato dal fatto che sempre più persone sono interessate all'acquisto di opere d'arte. Alla crescita della domanda contribuiscono una serie di fattori nuovi per il mercato dell'arte: un accesso molto più facile a informazioni affidabili e l'organizzazione di aste e vendite online (il 95% degli offerenti utilizza dispositivi mobili), la finanziarizzazione del mercato, un aumento del numero di compratori (da 500 mila del secondo dopoguerra a 70 milioni nel 2015), età media più bassa dei compratori, espansione del mercato dell'arte contemporanea in Asia, India, Sud Africa, Medio Oriente e America Latina. Christie's sostiene un aumento del 96% del numero dei propri clienti online. Un'altra forza trainante del mercato dell'arte è stata l'industria museale (fino a 700 nuovi musei nascono ogni anno), che ha portato a un aumento significativo della domanda da parte delle istituzioni museali e un aumento della domanda di opere d'arte di altissima qualità.
Il record mondiale d'asta per l'arte contemporanea è decuplicato negli ultimi dieci anni, ma i risultati più impressionanti in questo segmento di mercato arrivano da soli tre artisti: Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat e Peter Doig. La prima volta che un dipinto di un artista contemporaneo ha superato il milione di dollari è stato nel 1998, quando l'opera di Basquiat è stata venduta per 3,3 milioni di dollari; Nella prima metà del 2016 sono stati venduti 115 lotti per oltre 1 milione di dollari.
Sarebbe sbagliato ridurre l'intero mercato dell'arte contemporanea solo alle opere del segmento più costoso: il mercato dell'arte contemporanea ha raggiunto la maturità e vi sono rappresentate tutte le categorie di prezzo. Il maggior numero di vendite (69%) si verifica nel segmento delle opere che costano meno di $ 5.000.
La quota maggiore del mercato dell'arte contemporanea è rappresentata dalla vendita di dipinti, che ha un fatturato di oltre 1 miliardo di dollari, ovvero i due terzi del mercato globale dell'arte contemporanea. È la pittura a fare la parte del leone nel segmento di mercato di fascia alta: rappresenta 173 lotti del valore di oltre 1 milione di dollari, mentre tutti gli altri tipi di arte visiva rappresentano solo 38 di tali risultati. Tuttavia, la parte quantitativa più consistente dei 28mila quadri venduti (60%) ricade su lotti di valore inferiore a 5mila dollari, i cui acquirenti erano più probabilmente guidati dal desiderio di nuove scoperte che da motivazioni speculative. In ogni caso, il numero di vendite all'asta di dipinti nell'ultimo anno è aumentato del 15%.
Al secondo posto, dopo la pittura, c'è la scultura, che vale 225 milioni di dollari, cifra che include due opere di Jeff Koons, vendute a più di 15 milioni di dollari ciascuna. Ma la vera sorpresa è arrivata da Maurizio Cattelan, il cui "Him" è stato venduto l'8 maggio 2016 da Christie's New York per 17,2 milioni di dollari. Ma tutte queste sono eccezioni: la maggior parte delle opere scultoree viene venduta a prezzi inferiori a $ 50mila.
Nel mercato della grafica puoi acquistare opere economiche di artisti famosi. La maggior parte dei lotti (60%) in questo segmento sono venduti a prezzi inferiori a $ 5000. Ad esempio, le grafiche di Tracey Emin o Wim Delvoye possono essere acquistate per meno di $ 10.000, e talvolta anche la metà del prezzo. Tuttavia, in caso di forte aumento dei prezzi dell'opera di un artista, questo aumento si ripercuote anche sulle sue opere grafiche, che possono essere vendute a prezzi superiori a $ 100.000.
In assenza di vendite significative di opere dei fotografi Andreas Gursky o Cindy Sherman, i primi 100 risultati d'asta dello scorso anno includevano solo immagini di Richard Prince. Tre delle sue fotografie sono state vendute per oltre 1 milione di dollari ciascuna da Christie's a New York il 10 maggio 2016. 15 fotografie di Cindy Sherman l'anno scorso sono state vendute per più di $ 100.000 ciascuna, mentre la maggior parte delle sue opere ha raccolto da $ 5.000 a $ 20.000.In generale, non sono stati stabiliti record d'asta significativi nel segmento fotografico del mercato, che non riflette lo stato attuale del mercato, il numero di lotti venduti che è cresciuto del 10% nel corso dell'anno.
Tra gli artisti che rappresentano il maggior numero di articoli venduti nel mercato della stampa ci sono Takashi Murakami, Keith Haring e Damian Hirst. La quota maggiore di stampe vendute appartiene a Takashi Murakami, l'86% dei cui lotti venduti sono stampe. Murakami è anche un artista di mercato di successo in altri segmenti del mercato dell'arte, classificandosi tra i primi 100 artisti in termini di fatturato annuale all'asta.
Artisti e mercato dell'arte contemporanea
Sebbene nuovi artisti contemporanei compaiano costantemente sul mercato, il suo stato attuale è ancora determinato dai nomi più famosi. I tre artisti di maggior successo nel mercato secondario dell'arte contemporanea - Jean-Michel Basquiat, Jeff Koons e Christopher Wool (il trio è rimasto invariato negli ultimi cinque anni) - generano quasi il 19% del fatturato totale del mercato, mentre la quota di 4268 newcomers in Il mercato rappresenta solo il 2,3% del giro d'affari del mercato dell'arte contemporanea. Questa tendenza è diventata più visibile nell'ultimo anno, quando un numero significativo di collezionisti ha spostato la propria attenzione dai nuovi artisti a nomi più affermati.
L'anno scorso, il mercato delle aste ha debuttato il lavoro di 4268 nuovi artisti contemporanei, unendosi al lavoro di 8248 artisti già presenti su di esso. Mentre la maggior parte dei nuovi arrivati non è riuscita a superare la soglia dei $ 5.500, alcuni sono riusciti a entrare direttamente nella top 500, tra cui Xu Jin, Barry Ball ed Ella Kruglyanskaya.
Gli artisti nati dopo il 1980 cominciano a ricoprire un ruolo sempre più importante nel mercato dell'arte contemporanea. Con il supporto di importanti gallerie, il loro lavoro riesce a raggiungere livelli di prezzo inimmaginabili anche solo cinque anni fa. La precaria posizione di mercato di questi giovani artisti rende il loro lavoro particolarmente sensibile alle fluttuazioni del mercato. Tra gli artisti più importanti nati dopo il 1980 ci sono Tauba Auerbach, Oscar Murillo e Alex Israel. Diversi artisti hanno attirato l'attenzione negli ultimi 12 mesi e sono subito entrati nella top 500, tra cui l'artista belga-americano Harold Ankart e gli americani Petra Cortright e Matt Bass. La più grande richiesta per il lavoro di giovani artisti è nelle aste di Londra e New York.
Tra gli artisti che hanno fatto più progressi sul mercato c'è il rumeno Adrian Ghenie, la cui partecipazione di successo alla Biennale di Venezia del 2015 lo ha proiettato in prima linea nella scena dell'arte contemporanea e ha alimentato un drammatico aumento delle sue vendite. Il suo recente record è stato stabilito da Sotheby's a Londra il 10 febbraio 2016, a $ 4,5 milioni, portandolo da 62 a 15 nella top 500. Anche l'artista americano Mark Bradford ha mostrato progressi significativi nel mercato, il suo lavoro è stato venduto all'asta Phillips di Londra per 5,8 milioni di dollari e in appena un anno le sue opere hanno raccolto più di 16 milioni di dollari all'asta.Anche Yoshimoto Nara, Rudolf Stingel e Anselm hanno migliorato significativamente la loro asta risultati Kiefer.
Investimenti nel mercato dell'arte contemporanea
Il mercato dell'arte contemporanea vende opere di artisti la cui reputazione d'asta non è ancora del tutto consolidata ed è soggetta a fluttuazioni, il che rende questo segmento meno stabile rispetto ad altri segmenti del mercato dell'arte. Allo stesso tempo, queste stesse caratteristiche lo rendono il più attraente per gli investimenti rischiosi. Le esplosioni di prezzo tendono a dipendere da due fenomeni complementari: l'emergere di nuovi artisti e il passaggio di artisti noti alla categoria di icone del mercato dell'arte. Il rischio di flessioni del mercato e di aggiustamenti periodici dei prezzi non frena la crescita del numero dei collezionisti d'arte contemporanea. Mentre le banche centrali praticano tassi di interesse negativi che spazzano via i risparmi, il mercato dell'arte mostra una crescita dell'arte contemporanea del 1370% in 16 anni. Il costo medio di un'opera d'arte contemporanea nello stesso periodo è aumentato del 115%, che dà un reddito medio annuo del 4,9%, e per opere acquistate per importi superiori ai 20.000 dollari, addirittura del 9% annuo. Negli ultimi anni, i prezzi per il lavoro di importanti artisti contemporanei hanno raggiunto altezze precedentemente disponibili solo per i grandi capolavori del passato. Sebbene non abbiano acquisito l'aura degli antichi maestri, le star dell'arte contemporanea beneficiano dell'uso dei media.
L'aumento dei prezzi delle opere d'arte contemporanea è ben illustrato dalla storia del mercato del dipinto di Richard Prince "Two Jokes of the Leopard" (1989). Venduto nel maggio 1993 da Sotheby's a New York per 26,5 mila dollari, dopo 13 anni è stato venduto per 13 volte di più. Certo, nessuno sarebbe stato in grado di prevedere il posto che occuperà Richard Prince nella storia dell'arte contemporanea, l'indice dei prezzi per il suo lavoro ha cominciato a essere calcolato solo nel 2003. Un altro fattore significativo che influenza il livello dei prezzi è la morte dell'artista. La morte improvvisa può portare a un aumento dell'interesse e a un'esplosione del costo dei lavori, come è successo con le opere di Günter Förg, scomparso nel dicembre 2013. Nel 2012, un anno prima della morte dell'artista, il suo dipinto "Untitled" (1987) è stato venduto per $ 26.000, nel giugno 2016 la stessa opera ha fruttato $ 438.000. artista. Ciò è dovuto al fatto che durante la formazione della domanda vengono prese in considerazione tutte le informazioni disponibili, il che a volte ha un effetto molto significativo sulla struttura dei prezzi delle opere all'asta.
Lo straordinario aumento della redditività dell'opera di alcuni artisti è inevitabilmente bilanciato da una correzione dei prezzi dell'opera di altri. In questo caso, c'è un "equo" ritorno al livello di prezzo corrispondente all'attuale stato dell'arte del mercato. Ad esempio, il dipinto di Jacob Cassey "Untitled" (2010), venduto nel maggio 2014 per $ 125.000, nel novembre 2015 è riuscito a ottenere solo $ 50.000 all'asta di Christie's a New York. Del resto, anche le star dell'arte contemporanea non sono immuni alla correzione dei prezzi: Jim Beam Boxcar (1986) di Jeff Koons nel 2008, poco prima della crisi dei mutui, fu venduto per 2 milioni di dollari, e nello stesso novembre 2015 riuscì a raccogliere solo $ 845.000.
Fortunatamente, il mercato dell'arte contemporanea rimane un investimento redditizio nel medio-lungo termine. Nonostante gli aggiustamenti, il mercato rimane vitale e la crescita del fatturato del 1370% negli ultimi 16 anni parla da sé. Per la prima volta in questo secolo, il rialzo dei prezzi delle opere d'arte contemporanea si è interrotto nel 2008 a causa della crisi finanziaria, e ci sono voluti 2-3 anni perché il mercato si riprendesse. Mentre nel mercato si registrano periodicamente importanti record di prezzo, il 99% delle transazioni viene effettuato al di sotto della soglia di $ 400.000.Quando un collezionista acquista un'opera d'arte contemporanea, è chiaramente consapevole di non poter sapere a quale posto è destinato l'artista nella storia dell'arte. Tuttavia, negli ultimi 15 anni, un portafoglio ben diversificato di arte contemporanea ha generato un rendimento medio annuo di circa il 5,6%, ben al di sopra del rendimento del 2,3% del mercato dell'arte nel suo complesso.
Il mercato dell'arte è un sistema di relazioni socio-culturali ed economiche legate al giro d'affari delle opere d'arte e ai servizi per la realizzazione delle opere d'arte. È una componente importante della cultura: costituisce la base materiale per lo sviluppo dell'arte, influenza in modo significativo e versatile la creazione, la distribuzione e l'esistenza di opere d'arte.
Il concetto di mercato dell'arte è spesso usato in senso lato, riferendosi al giro d'affari di qualsiasi opera artistica, comprese le arti dello spettacolo, la musica e la letteratura. Insieme a ciò, è consentita anche un'applicazione più ristretta di questo concetto, in relazione solo alla sfera delle belle arti.
Secondo D.Ya. Severyukhin, il mercato dell'arte comprende due aree, ognuna delle quali ha la propria storia di sviluppo, le proprie specificità e meccanismi interni. Il primo di questi lo chiama il "mercato primario dell'arte"; la sua particolarità sta nel fatto che l'artista in quanto "produttore di beni" è un partecipante diretto ("soggetto") delle relazioni di mercato. Il secondo lo chiamò "mercato secondario dell'arte"; la sua particolarità sta nel fatto che le opere d'arte come “merce” sono alienate dal loro creatore ed esistono sul mercato indipendentemente da lui. Il mercato secondario comprende non solo il commercio di antiquariato, come tradizionalmente interpretato da molti studiosi, ma anche in generale tutte le transazioni commerciali relative ad opere d'arte, effettuate senza la partecipazione del loro autore e senza tener conto dei suoi interessi, .
I meccanismi tradizionali del mercato dell'arte sono la vendita di opere d'arte tramite commissionari, tramite botteghe e botteghe, gallerie e saloni, tramite aste e lotterie.
L'origine del mercato dell'arte a San Pietroburgo risale all'inizio del XVIII secolo, l'epoca in cui Pietro I fondò la nuova capitale russa. In questi anni, grazie alle riforme di Pietro il Grande, l'arte russa entra nel cammino europeo e comincia ad acquisire un carattere laico; L'emergere delle relazioni di mercato nella sfera artistica risale allo stesso periodo. Dopo aver attraversato diverse fasi storiche, il mercato dell'arte ha raggiunto il suo massimo sviluppo nei primi decenni del Novecento, quando la vita culturale della capitale è stata caratterizzata da un dinamismo senza precedenti, alimentato dal crescente interesse del pubblico per le belle arti.
Il mercato dell'arte è un fenomeno socio-culturale complesso e specifico che è sorto in connessione con il passaggio dalla sfera dell'arte a un'economia di mercato e la formazione di nuove condizioni per l'esistenza dell'arte. Questi cambiamenti sono dovuti all'interazione di una parte significativa dei fenomeni culturali con i processi economici: ha cominciato a prendere forma un nuovo modello di coscienza artistica della società, basato sulla combinazione di impresa e cultura, che ha attivato la commercializzazione dell'arte. La circolazione mercantile delle opere d'arte comincia ad essere percepita come una realtà oggettiva che ha un impatto significativo sia sullo sviluppo dell'arte contemporanea sia sulla personalità dell'artista-produttore.
La storia della formazione delle relazioni di mercato è inseparabile dai processi di formazione della sfera artistica e dallo sviluppo dell'arte stessa. Pertanto, l'emergere del mercato dell'arte è associato ai bisogni della società nell'arte e si basa sulla formazione di meccanismi specifici sviluppati dalla società per promuovere l'arte presso il consumatore. Il sistema di questi meccanismi chiamato "mercato dell'arte" cominciò a formarsi nelle condizioni di nuove relazioni tra lo stato e l'ambiente artistico, la società e l'artista, .
Esistono diversi approcci per comprendere il mercato dell'arte come fenomeno: culturale, economico, sociologico.
Secondo la comprensione culturologica, il mercato dell'arte esiste come "un'esperienza artistica, culturale e socio-economica di generazioni nel contesto della storia dell'arte e della cultura, compresi metodi e tecnologie, tipi e forme di attività di mercato nel campo dell'arte ", . Questo approccio si basa sull'affermazione del fatto che a un certo stadio dello sviluppo storico sono apparse relazioni merce-denaro. Gli oggetti della cultura materiale, prima di tutto, iniziarono ad essere scambiati con altri, in base alle specificità della loro produzione da parte di singoli gruppi sociali e al bisogno che ne avevano altre comunità e individui. Nacque il valore di consumo e di scambio, la cui analisi fu fatta nell'opera classica di K. Marx "Capitale".
Sulla base della teoria di K. Marx, il valore d'uso di un prodotto è determinato dal livello di bisogno di coloro che agiscono come potenziali consumatori. I bisogni stessi, basati sulla teoria di A. Maslow, sorgono sia sotto l'influenza di fattori naturali che socio-culturali. L'uomo come essere biosociale ha una serie di cosiddetti bisogni fisiologici. Determinano il desiderio di acquisire quegli elementi di produzione materiale che assicurano l'esistenza del corpo umano. Parliamo di generi alimentari, vestiario, alloggio, ecc. Le differenze nei bisogni che assicurano la vita dei singoli individui sono determinate dalle condizioni climatiche, dalla presenza in una determinata area di quelle piante, animali utilizzabili per l'alimentazione, eccetera. Praticamente per molti secoli, il valore d'uso di questi oggetti può non cambiare, mentre il valore di scambio è soggetto a grandi oscillazioni, poiché è in gran parte determinato dalla scarsità di oggetti specifici della vita materiale.
Ad un certo stadio dello sviluppo storico del mercato, le opere di produzione spirituale, in particolare le opere d'arte, divennero oggetto di scambio. È sorta una situazione fondamentalmente nuova relativa alla formazione e all'implementazione del valore del consumatore. Cominciò a essere determinato non dalle proprietà utilitaristiche dei beni, ma da quelle che caratterizzano uno stadio qualitativamente diverso nello sviluppo dell'uomo come essere generico. Le persone hanno iniziato ad apprezzare ciò che provoca ammirazione, gioia, crea un'esperienza di bellezza, sublime. Nacque e cominciò ad affermarsi un sistema di valori, associato al significato di forti esperienze sensoriali-emotive che sorgono non quando si percepiscono fenomeni naturali, ma quando si comunica con ciò che è stato creato da persone dotate di abilità speciali.
La capacità di tali esperienze estetiche, a quanto pare, è sorta nell'uomo anche prima dell'avvento dello scambio di merci. Tuttavia, è il mercato che ha formato negli individui e nei gruppi la necessità di avere per uso personale ciò che provoca esperienze sublimi. Erano pronti ad unirsi al creatore di un'opera d'arte nel determinare il valore di scambio di un oggetto di autorealizzazione creativa. Allo stesso tempo, la condizione più importante era l'unicità, l'originalità del lavoro acquisito e la sua capacità di evocare forti emozioni e sentimenti in molte persone. La presenza nell'uso personale di un tale oggetto indicava lo status di una persona, elevandola al di sopra delle altre persone. Pertanto, da un punto di vista culturale, il mercato dell'arte ha sviluppato un sistema per valutare varie opere d'arte, la possibilità di un atteggiamento attento nei loro confronti e il trasferimento dei valori culturali del passato alle generazioni successive.
Il mercato dell'arte si configura come un sistema di eventi per l'organizzazione della cultura artistica ed economica della società, basato sui criteri estetici dell'arte e sulla pragmatica del mercato. Inoltre, il mercato dell'arte viene esplorato come uno spazio che contiene oggetti artistici come messaggi iconici dotati di valore simbolico. Tale approccio, che interpreta l'arte come simboli di vere e proprie opere d'arte, consente di considerare la sfera dell'arte come un “mercato di produzione simbolica”. pratica economica etica ed estetica.
La sua visione del fenomeno del mercato dell'arte è stata proposta dal culturologo e filosofo V. Bychkov nella sua opera "Lexicon of non-classics": "il mercato dell'arte rappresenta un sistema di meccanismi di influenza sulla formazione di gusti diversi". L'autore considera l'attività del mercato dell'arte come un fattore che assicura l'influenza dei creatori e distributori di opere d'arte sul consumatore. Viene sottolineata una caratteristica importante del mercato dell'arte, ovvero che fornisce, in primo luogo, la formazione di idee su ciò che è considerato prezioso nell'arte tra quelle persone che non hanno ancora sviluppato i propri criteri per comprendere la bellezza. Le persone, come sai, hanno una percezione specifica individuale di vari fenomeni del mondo naturale e sociale. Pertanto, secondo la saggezza popolare, "non ci sono compagni per il colore e il gusto".
Ora componenti che si escludono a vicenda si combinano e si completano a vicenda nell'arte, si stanno sviluppando nuovi metodi di sintesi artistica, incluso, tra l'altro, lo sviluppo di tecnologie moderne, dovrebbero apparire i criteri di una nuova generazione. Inoltre, il mercato dell'arte, per sua stessa natura, richiede un costante aggiornamento dell'approccio valutativo, che è associato non solo al movimento del gusto, ma anche all'emergere di nuove tendenze creative e al rinnovamento dei materiali artistici. Nel nostro tempo, la sfera di interesse dell'attività artistica va oltre l'ambiente reale ben vissuto. L'arte coglie sempre più l'area trascendente, in cui cerca di trovare le vere fonti della vita e della creatività, e ogni autore, secondo la direzione del proprio sguardo, chiarisce da sé qual è l'essenza dell'attività artistica. I creatori cominciano a interessarsi alle possibilità virtuali della tecnologia informatica, agli spazi semantici creati dal pensiero tecnico o scientifico, .
La valutazione dei fenomeni artistici in tali condizioni dovrebbe essere effettuata non semplicemente dal fatto della loro conformità con le caratteristiche tradizionali della forma o dello stile artistico.
Il business dell'arte moderna non è solo l'attività di introdurre opere d'arte, idee e progetti artistici, tecnologie artistiche in un'ampia circolazione, ma anche garantire la loro comprensione, interpretazione e coinvolgimento in vari ambiti dell'attività umana, il che implica la necessità di partecipare a lo sviluppo del mercato della critica d'arte teorico scientifica e critica. E quindi la capacità di vedere e valutare (attività critica), di identificare ed esplorare, di generalizzare e concepire (attività scientifica), di fissare un obiettivo e determinare il risultato (attività proiettiva), di rappresentare, mostrare e attuare la propria posizione ( attività di presentazione) sono le condizioni più importanti per il lavoro professionale nel mercato dell'arte.
A differenza di un museo, una galleria è solitamente attiva in attività commerciali. Per molte gallerie la vendita di opere d'arte è una condizione fondamentale per l'esistenza. Ma allo stesso tempo, la piena commercializzazione diventa un segno della morte della galleria, perché in tale condizione la galleria perde le sue funzioni principali e si trasforma in un normale negozio di souvenir.
Il prestigio della galleria non si basa sul numero di vendite, ma sulla grandezza della risonanza artistica e culturale che acquisisce nel campo dell'arte contemporanea, sulla sua autorità.
Lo sviluppo favorevole della pratica della galleria dipende direttamente dallo sviluppo economico e politico.
Le funzioni delle gallerie sono cambiate nel corso dei secoli: galleria coperta per le passeggiate, sala per feste e spettacoli. Nel XIV secolo in tali sale iniziarono ad essere esposte collezioni di dipinti e sculture. Le gallerie dei palazzi del XVII e XVIII secolo uniscono sale di ricevimento e luoghi di passeggio, ma anche per l'esposizione di varie collezioni.
Il ricercatore delle strutture sociali dell'arte A. Mol definisce le seguenti funzioni della galleria:
- 1. La galleria unisce le funzioni di produzione e di vendita, rappresentando un laboratorio di assemblaggio di parti (creazione di collezioni da singole opere) realizzate da terzisti in appalto (artisti in convenzione con un gallerista);
- 2. La Galleria vende investimenti immateriali (opere d'arte) che non hanno nulla a che vedere con la semplice pubblicità;
- 3. Con la vendita di opere d'arte, la galleria influenza un mercato ristretto e speciale;
- 4. La galleria dovrebbe garantire la circolazione dei beni culturali in essa collocati, nonché stimolare la loro penetrazione nel mercato, tenendo conto del grado di "usura" dello stile di un artista, della banalità, della mancanza di novità dei prodotti culturali da lui creati, .
L'attività della Galleria svolge una comunicazione attiva attraverso diversi canali di diffusione delle informazioni:
- 1. Con critici d'arte che replicheranno le informazioni attraverso riviste d'arte e altri media
- 2. Con vari saloni "dove si svolgono conversazioni" e che possono influenzare le informazioni su artisti e mostre in galleria.
- 3. Attratto da pubblicità e conversazioni nei salotti e articoli su riviste di amanti dell'arte che esplorano per distinguersi dai collezionisti.
- 4. Distribuzione casuale di opere d'arte a turisti o acquirenti occasionali, da non trascurare.
(mercato dell'arte inglese, Kunstmarkt tedesco). Mercato dell'arte - un sistema di relazioni culturali ed economiche che determinano il valore monetario specifico delle opere d'arte; sfera del commercio.
In senso artistico ed economico, il mercato dell'arte implica l'ambito della domanda e dell'offerta di opere d'arte e tipi specifici di servizi relativi al servizio di questo mercato (ad esempio, competenze).
Il mercato dell'arte può essere visto su scala globale (mercato globale dell'arte), su scala nazionale (mercato nazionale dell'arte) e nelle sue singole regioni. Le sue caratteristiche di prezzo sono inerenti ai mercati dell'arte locali, ad esempio Mosca, San Pietroburgo, Parigi. Esistono centri speciali in cui si svolgono vendite regolari (Londra, Tokyo, Kiev).
Il mercato dell'arte non esiste indipendentemente dall'economia globale. Le sue tendenze, alti e bassi sono determinati dalle dinamiche dell'economia regionale e mondiale. L'aumento della produzione contribuisce all'aumento del mercato dell'arte e viceversa.
Le linee guida per i prezzi nel mercato dell'arte sono precedenti per la vendita di opere di autori specifici, prezzi, solitamente fissati in aste o altre vendite pubbliche. I prezzi mondiali hanno un significato universale solo per le opere di artisti riconosciuti come classici dell'arte mondiale e molto apprezzati ovunque (ad esempio, Leonardo da Vinci, Vincent van Gogh, K. S. Malevich, M. Z. Chagall). In tutti i casi, i prezzi di determinate opere sono determinati dalla moda e dalla congiuntura dei mercati regionali. Pertanto, la popolarità e i prezzi elevati in Russia per i dipinti di V. M. Vasnetsov o V. I. Surikov possono solo influenzare indirettamente il costo di questi dipinti nell'Europa occidentale.
In termini di vendite, i principali mercati internazionali dell'arte sono Londra e New York. Esistono mercati d'arte per l'arte moderna e non moderna (cioè oggetti d'antiquariato e arte antica), mercati "bianchi" e "neri" (cioè la vendita di opere d'arte ufficialmente, attraverso gallerie e negozi convenzionati, e ufficiosamente, attraverso un affare privato, senza registrazione adeguata).
Ci sono mercati per l'arte che sono principalmente di interesse per i musei o rivolti a collezionisti privati. La struttura organizzativa del mercato dell'arte è determinata da società specializzate per il commercio, la pubblicità, la promozione e l'esame delle opere d'arte (aste, gallerie, saloni, negozi, fiere, agenzie di concessionari, ecc.).
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Badinova Tatiana Vladimirovna Fasi di formazione del mercato dell'arte nella cultura della Russia: Dis. ... cand. scienze culturologiche: 24.00.01: San Pietroburgo, 2004 191 p. RSL OD, 61:04-24/72
introduzione
Capitolo I. Il mercato dell'arte come oggetto di ricerca culturale 13
1. Il mercato dell'arte come fenomeno culturale 13
2. Caratteristiche della circolazione delle opere d'arte nel mercato dell'arte 31
3. L'evoluzione del mercato dell'arte nella cultura artistica 42
Capitolo II. Il funzionamento delle opere d'arte come fattore nella formazione del mercato dell'arte in Russia 53
1. Il mercato delle belle arti in Russia dall'inizio del XVIII secolo al 1917 53
2. Il periodo sovietico nello sviluppo del mercato dell'arte 112
3. Il mercato dell'arte russo nella fase attuale 128
4. Belle arti della Russia nel mercato internazionale dell'arte 137
Conclusione 153
Letteratura di riferimento 159
Cataloghi d'asta 160
Materiali d'archivio 162
Letteratura 163
Elenco delle abbreviazioni accettate 180
Introduzione al lavoro
La rilevanza della ricerca. Il mercato dell'arte è un fenomeno socio-culturale complesso e sfaccettato che ha un impatto significativo e diversificato sulla vita artistica della società moderna. I cambiamenti avvenuti in Russia, associati all'inizio della transizione verso un'economia di mercato, hanno portato alla commercializzazione attiva dell'arte, alla formazione di un nuovo modello di coscienza artistica della società, all'interazione tra impresa e cultura. La circolazione mercantile delle opere d'arte cominciò ad essere percepita come una realtà oggettiva che ha un impatto significativo sia sullo sviluppo dell'arte contemporanea che sui processi creativi e sulla personalità dell'artista.
Contemporaneamente allo sviluppo della circolazione interna delle merci di oggetti d'arte, la quota di arte domestica nel mercato internazionale dell'arte è aumentata in modo significativo. È aumentato il numero di opere di maestri della scuola nazionale che partecipano ad aste e mostre estere presentate nelle gallerie d'arte. C'è un evidente aumento della popolarità dell'arte russa e, di conseguenza, un aumento del valore di mercato delle opere dei maestri russi.
Il ruolo crescente delle relazioni di mercato nella cultura ha stimolato la necessità di studiare la circolazione mercantile delle opere d'arte. Nella letteratura di ricerca, ci sono lavori dedicati a certi aspetti di questo problema. Tuttavia, la maggior parte delle questioni non è ancora diventata oggetto di analisi scientifica, non esiste ancora un quadro completo dello sviluppo storico del mercato dell'arte in Russia. Lo studio della storia di questo fenomeno, l'identificazione delle fasi principali della sua formazione e sviluppo ci consentiranno di sistematizzare i materiali relativi alla circolazione mercantile delle opere d'arte, utilizzarli per formare analisti ed esperti del mercato dell'arte, e in modo significativo espandere la nostra comprensione della storia della cultura russa. Teorico non sviluppato
La natura e il significato pratico del problema hanno determinato la pertinenza di questo studio.
Il grado di sviluppo del problema. Il problema del mercato dell'arte è complesso, i suoi singoli aspetti sono considerati nell'ambito di varie discipline scientifiche. Uno dei principali è l'approccio sociologico, affermato nelle opere di G.V. Plekhanov, V.M. Fritsche, W. Gauzenstein, in cui l'arte era considerata in connessione con l'economia, nel contesto dell'idea marxista, che ne affermava la dipendenza dalla correlazione delle forze produttive e dei rapporti di produzione.
Aspetti socio-psicologici e sociologici del funzionamento delle opere d'arte e dei valori culturali, il loro studio teorico ed empirico è intrapreso in specifici studi sociologici dell'arte. L'Istituto statale di studi artistici, dalla metà degli anni '70, conduceva regolarmente analisi sociologiche sulla percezione del pubblico di vari tipi di arte. I risultati di questi studi si riflettono nelle opere di V.Yu. Boreva, V.M. Petrova, N.M. Zorkoy, G.G. Dadamyan, V. Ladmyae e altri Dal punto di vista dei modelli sociologici generali di funzionamento, la cultura artistica è stata studiata nelle opere di Yu.N. Daydova, Yu.V. Perova, A.N. Sohora, K.B. Sokolova, Yu.U. Foght-Babushkina, N.A. Cazzo.
Le questioni del funzionamento dell'arte in un'economia di mercato hanno attirato l'attenzione dei sociologi in relazione alle riforme economiche della fine degli anni '80. Si stanno sviluppando le basi dell'economia dell'arte e della cultura, i concetti teorici del meccanismo economico dell'attività culturale (R.S. Grinberg, V.S. Zhidkov, V.M. Petrov, A.Ya. Rubinshtein, L.I. Yakobson, S. Shishkin, ecc.). A questo problema vengono pubblicate apposite pubblicazioni scientifiche che esaminano l'impatto complesso di un sistema di fattori sociali, politici ed economici sui processi del funzionamento sociale dell'arte: “L'arte e il mercato” (M., 1996), fondamentale studio in quattro volumi di un team di scienziati dell'Istituto statale di studi artistici “Artistic
vita della società moderna” (San Pietroburgo, vol. 1, 1996; vol. 2, 1997; vol. 3, 1998; vol. 4, 2001).
Nella storia dell'arte storica, l'aspetto del mercato dell'arte può essere rintracciato in opere dedicate alla vita artistica della Russia e alle attività di varie associazioni creative, alla vita e al lavoro dei singoli maestri (I.E. Grabar, V.P. Lapshin, G.G. Pospelov, D.V. Sarabyanov , G. Yu. Sternin, A. D. Chegodaev, A. M. Efros, ecc.). Questo problema è considerato in modo più completo nel lavoro di V.P. Lapshin "Il mercato dell'arte in Russia alla fine del XIX secolo - l'inizio del XX secolo", (1996).
Nelle opere degli storici russi I.E. Zabelina, V.O. Klyuchevsky, P.P. Pekarsky, SM. Solovyov, contiene importanti informazioni relative alla vita e alle tradizioni della Rus' pre-petrina, che sono ampiamente utilizzate in questo lavoro di ricerca.
Le questioni del collezionismo di opere d'arte, con le quali la storia del mercato artistico russo è strettamente connessa, furono considerate all'inizio del XX secolo da A.N. Benois, N.N. Wrangel, A.V. Prakhov, così come gli scienziati moderni K.A. Akinsha, SO. Androsov, V.F. Levinson Lessing, CA. Ovsyannikova, L.Yu. Savinskaya, A.I. Frolov, e altri.Le opere dedicate al collezionismo d'arte contengono materiale fattuale, estremamente importante per questo studio, sui prezzi delle opere d'arte, informazioni storiche sul processo e sui luoghi della loro acquisizione.
Le memorie e la corrispondenza di collezionisti, artisti e loro contemporanei contengono anche importanti informazioni sulla storia del mercato dell'arte, il cui studio fornisce un ricco materiale fattuale (A.N. Benois, A.P. Botkina, I.E. Grabar, V.P. Komardenkov, K. A. Korovin, SK Makovsky, M. V. Nesterov, A. A. Sidorov, F. I. Chaliapin, S. Shcherbatov, P. I. Shchukin, ecc.).
Le opere dedicate al mecenatismo russo riflettono il ruolo significativo del commercio e dei fattori economici nello sviluppo della cultura russa. Importante materiale storico e teorico rivelatore
la motivazione del mecenatismo si riflette nelle opere del XIX-inizio XX secolo (V.O. Klyuchevsky, Yu.A. Bakhrushin, P.A. Buryshkin). Nella moderna società russa, il tema della carità ha acquisito particolare rilevanza ed è stato studiato nelle opere di A.A. Aronova, A.N. Bokhanova, P.V. Vlasova, N.G. Dumov, E.P. Horkov e altri.
I problemi del rapporto tra impresa e cultura, la possibilità di utilizzare il marketing, la raccolta fondi nel campo dell'arte, la previsione a lungo termine dello sviluppo della cultura artistica, relativi all'economia della sfera socio-culturale, sono stati studiati nelle opere di V.M. Petrova, Yu.A. Pompeeva, F. F. Rybakov, G.L. Tulchinsky e altri.
Le questioni di correlazione tra il valore estetico e il valore economico delle opere d'arte, rilevanti per l'argomento in esame, non hanno ricevuto sufficiente sviluppo nella scienza domestica. Parzialmente, questo problema è stato considerato nelle opere dei classici della scienza economica: D. Ricardo, A. Smith. Le principali disposizioni della teoria del valore del lavoro (K. Marx) e della teoria dell'utilità marginale (E. Böhm-Bawerk, F. Wieser, K. Menger) sono rilevanti per lo studio del funzionamento delle opere d'arte come merce nel sistema delle relazioni di mercato.
Nelle opere degli scienziati occidentali sono state prese in considerazione anche le questioni del funzionamento e della percezione delle opere d'arte. Alla fine del XIX secolo, T. Veblen introdusse nella teoria sociologica il termine “consumo vistoso”, che si applica anche alla produzione artistica. Il cambiamento nella natura delle opere d'arte, la perdita della loro "aura" sotto l'influenza del progresso tecnologico, così come il cambiamento nel modo in cui vengono percepite, è stato studiato da W. Benjamin. A partire dagli anni Cinquanta, numerosi lavori di scienziati stranieri sono stati dedicati all'analisi dello status dell'artista nella società (A. Hauser), della sua situazione finanziaria, dei processi di isolamento e integrazione delle professioni artistiche (R. Koenig, A. Silbermann (R. Konig, A. Sil-bermann), Analisi della sfera delle professioni artistiche e del mercato (J.-C. Passeron, P.-M. Menger (Menger R.-M.). analisi moderna società dei consumi piena di
"simulacro", a testimonianza della mancanza di autenticità nella cultura postmoderna, è stato intrapreso negli scritti di G. Baudrillard.
Di particolare interesse per lo studio del mercato dell'arte sono gli studi del sociologo francese P. Bourdieu, autore del concetto di "capitale simbolico", in relazione alla divulgazione del concetto di "campo di produzione culturale" e alla analisi del processo di "consumo artistico" nella cultura moderna.
Fonti di ricerca. Di fondamentale importanza sono le fonti documentarie conservate nell'Archivio Storico di Stato Russo (RGIA): il fondo dell'Accademia Russa delle Arti (fondo 789), che contiene documenti relativi alla storia dell'Accademia delle Arti, documenti finanziari (fondo 789, op . 1, parte P, 1831, pos. 1433), materiali sulla partecipazione dell'Accademia a mostre in Russia e all'estero (fondo 789, op. 10, 1876, pos. l'Esposizione Internazionale di Roma (fondo 789, op. 13, 1909, pos. 221, libro n. 1); il fondo personale dei conti Tolstoj (fondo 696, op. 1), che contiene lettere di F.G. Berenshtam al conte D.I. Tolstoj sul lavoro del dipartimento russo all'Esposizione Internazionale d'Arte di Roma (1911) - (fondo 696, op. 1,1910-1911, n. 115).
Per lo studio sono stati utilizzati i documenti dell'Archivio centrale di letteratura e arte dello Stato di San Pietroburgo (TsGALI San Pietroburgo): materiali sul lavoro della Commissione di valutazione e antiquaria (fondo 36, op. 1, fascicolo 49), materiali sull'attività del Dipartimento dei Musei (f. 36, op. 1 , caso 345).
In questo lavoro, abbiamo studiato i materiali conservati nell'Archivio storico centrale dello Stato di San Pietroburgo (TSGIA SPb): rendiconti finanziari e corrispondenza della Società per l'incoraggiamento degli artisti (fondo 448, op. 1, fascicolo 40), nonché nei fondi del dipartimento dei manoscritti della Biblioteca nazionale russa: una selezione di pubblicazioni e note su aste e mostre russe del XIX secolo; recensioni e articoli critici sulla partecipazione del dipartimento russo alle Esposizioni mondiali e internazionali (1878-1892) nell'archivio di N.P. Sobko (fondo 708, voce 737).
Osservazioni e fatti interessanti della vita culturale di San Pietroburgo e Mosca, riguardanti il funzionamento commerciale dell'arte, sono contenuti in guide di saggi e letteratura di storia locale (I.G. Georgi (1794), M.I. Pylyaeva (1888, 1889, 1891), V Kurbatov (1913), L. V. Uspensky (1990), D. A. Zasosov, V. I. Pyzina (1991), P. Ya. Kann (1994), ecc.)
Una ricchezza di materiale fattuale sui mercati dell'arte russi e stranieri del XIX e dell'inizio del XX secolo è contenuta in pubblicazioni letterarie e artistiche periodiche: Domestic Notes (1820-1884), Living Antiquity (1890-1916), World of Art (1898- 1904), Il vello d'oro (1906-1909), Old Years (1907-1916), Apollo (1909-1918), Tra collezionisti (1921-1924). Il lavoro di P.N. Stolpyansky "Vecchia Pietroburgo. Il commercio di opere d'arte nel XVIII secolo” (1913), che descrive le varie forme di vendita di opere d'arte e di scultura. I periodici russi moderni pubblicano pubblicazioni sulla circolazione delle merci di opere d'arte (Pinakoteka, Collector, Our Heritage, New World of Art, Russian Antiquary, Antique, ecc.).
Il materiale relativo alla pratica del mercato estero dell'arte è contenuto in apposite pubblicazioni di riferimento per mercanti d'arte e collezionisti ( Newsletter, Anteprima, Indiceecc.), articoli su periodici ("Art", "Artforum", "Art in America", "Flash Art", "Capital", "Art Business Today"ecc. Il lavoro utilizzava cataloghi stranieri("Sotheby's", "Christie") e case d'aste nazionali ("Alfa-Art", "Gelos", "Four Arts"). L'esperienza pratica di gallerie d'arte (Art-Collegia, Palette, Borey), negozi di antiquariato a Mosca (Metropol, Kupina, Golden Casket) e San Pietroburgo (Harmony, Panteleimonovsky), "Rhapsody", "Renaissance", "Russian antiquity" , "L'età dell'argento").
L'oggetto della ricerca è la cultura artistica della Russia XVIH-XXsecoli.
L'oggetto della ricerca è la formazione del mercato delle opere d'arte nella cultura della Russia nei secoli XVIII-XX.
Lo scopo dello studio: studiare le fasi di sviluppo e funzionamento del mercato dell'arte per le opere d'arte in Russia XVIII-XXsecoli.
In accordo con l'obiettivo, lo studio definisce i seguenti compiti:
considerare il mercato dell'arte come un fenomeno culturale;
analizzare le caratteristiche della circolazione delle opere d'arte come merce nel mercato dell'arte.
considerare l'evoluzione del mercato dell'arte nella vita artistica;
identificare ed esplorare le fasi principali della formazione e dello sviluppo del mercato delle belle arti in Russia;
analizzare l'importanza del mercato dell'arte nella divulgazione della cultura nazionale all'estero sulla base della partecipazione di opere di artisti russi a mostre e aste internazionali;
L'ipotesi principale dello studio. Il mercato dell'arte in Russia, a partire dal XVIII secolo, è diventato uno dei principali modi di diffusione dei valori artistici nella società e può essere considerato parte integrante della cultura artistica russa.
Basi metodologiche e teoriche dello studio. La specificità e complessità dell'oggetto e del soggetto di ricerca, nonché la novità del problema, hanno determinato la necessità di un approccio interdisciplinare e sistematico, che consenta di considerare il mercato dell'arte come un fenomeno socioculturale complesso e sfaccettato. Lo studio si basa sul principio dello storicismo e sul metodo storico comparativo, che consentono un'analisi culturale completa della storia della formazione e dello sviluppo del mercato delle belle arti in Russia.
La base teorica di questo studio era il lavoro di filosofi domestici, culturologi, che riflettevano un approccio sistematico allo studio della cultura come fenomeno olistico (T.A. Apinyan, S.N. Artanovsky, A.F. Eremeev, S.N. Ikonnikova, M.S. Kagan , Y. M. Lotman, ST. Makhlina , V. V. Selivanov, N. N. Suvorov, A. Ya. Flier, V. A. Shchuchenko, ecc.).
La base scientifica e teorica per considerare il mercato dell'arte come un fenomeno culturale era lo studio della vita sociale dell'arte nelle opere di filosofi e sociologi occidentali, come W. Benjamin, S. N. Behrman, G. Baudrillard , P. Bourdieu (P. Bourdieu), T. Veblen, A. Gehlen, K. Marx. In questa tesi di ricerca, per identificare le specificità di un'opera d'arte come merce, le idee dei rappresentanti della teoria dell'arte "istituzionale", presentate nelle opere di T. Binkley, D. Dickie, P. Ziff, Ch. Lallo.
Novità scientifica:
vengono determinate le fasi principali della formazione e dello sviluppo del mercato artistico delle belle arti in Russia nel contesto delle mutevoli epoche storiche: la fase pre-rivoluzionaria (dall'inizio del XVIII secolo al 1917); Fase sovietica; palcoscenico moderno; sono fornite le loro caratteristiche e caratteristiche generali;
Viene tracciata la dinamica dello sviluppo del mercato dell'arte nella prima fase della sua formazione: da casi isolati di vendita di beni artistici all'inizio del XVIII secolo alla creazione entro il 1917 di una struttura complessa e ramificata, che comprende: mostre e vendite, negozi d'arte e antiquariato, aste; si è rivelato un aumento del ruolo delle relazioni commerciali nella cultura russa, tuttavia, in questa fase non sono diventate dominanti;
vengono determinate le caratteristiche del funzionamento del mercato dell'arte in epoca sovietica, che consistono nella presenza di un sistema centralizzato per l'ordinazione e la distribuzione di prodotti artistici, nonché un commercio non ufficiale
una compagnia di opere d'arte; si nota che le tradizioni del collezionismo d'arte in questo periodo della cultura russa non furono interrotte;
è stato studiato lo stato del mercato dell'arte russo nella fase attuale, sono stati identificati i problemi principali: l'imperfezione della legislazione, l'immaturità della base giuridica per la competenza, la mancanza di una raccolta cronologica accessibile di cataloghi, la mancanza di una domanda attiva di opere d'arte; sono state determinate le prospettive di sviluppo: integrazione del mercato russo nel mercato internazionale dell'arte;
il ruolo del mercato dell'arte nella divulgazione della cultura nazionale all'estero è stato rivelato sulla base della partecipazione di opere di artisti russi a mostre e aste internazionali;
nuove fonti documentarie sui risultati finanziari della partecipazione di opere di artisti russi a mostre straniere, che sono conservate negli Archivi storici di stato russi (RGIA), sono state introdotte nella circolazione scientifica: fondo 789, op. 1, parte II, 1831, n cresta 1433;. Documenti sullo stato del commercio antico nel periodo post-rivoluzionario, conservati presso l'Archivio centrale di letteratura e arte dello Stato di San Pietroburgo (TsGALI San Pietroburgo): fondo 36, op. 1, caso 49; F. 36, op. 1, caso 345. Documenti dalla corrispondenza della Società per l'incoraggiamento degli artisti, conservati nell'Archivio storico centrale dello Stato di San Pietroburgo (TSGIA SPb): fondo 448, op. 1, caso 40.
Le seguenti disposizioni sono proposte per la difesa:
1. Modi per diffondere i valori artistici nella società
includere le seguenti opzioni: a) un percorso personalizzato, effettuato secondo lo schema
"ordine - esecuzione", caratteristico del tradizionale, precapitalista
società; b) il modo di mercato di distribuzione dei valori artistici in
una società in cui i beni sono il male oggettivamente incarnato
valori femminili.
2. Nell'attuale situazione socio-culturale, il mercato dell'arte
regola la diffusione dei valori artistici nella società, nonché
è una sorta di filtro, costituito da numerosi mediatori
organizzazioni culturali (gallerie, mostre di vendita, aste, fiere d'arte, stampa specializzata, cataloghi, critica d'arte, ecc.), attraverso le quali l'arte arriva al consumatore.
Il mercato dell'arte in Russia, a partire dal XVIII secolo, è diventato parte integrante della cultura, il cui fattore più significativo è stato lo sviluppo del collezionismo privato di opere d'arte.
Dalla seconda metà del XIX secolo, l'arte russa è stata inclusa nella circolazione internazionale delle opere d'arte, mentre il mercato dell'arte è diventato uno dei modi per divulgare le conquiste della cultura russa.
Il collezionismo privato durante il periodo sovietico non fu interrotto; insieme alle forme ufficiali di acquisizione di valori artistici, funzionava attivamente il ricambio non ufficiale di opere d'arte.
Il moderno mercato dell'arte russo si trova in una nuova fase di sviluppo, caratterizzata dalla formazione attiva di una nuova struttura di circolazione delle merci di opere d'arte, orientamento al modello del mercato internazionale dell'arte.
Il significato pratico dello studio. I materiali, le disposizioni, le conclusioni di questo lavoro scientifico possono essere utilizzati in un corso di lezioni sulla storia della cultura russa, sulla storia del mercato dell'arte in Russia, nonché nella formazione di esperti e specialisti nella circolazione delle merci delle opere dell'arte.
Approvazione del lavoro. Le idee e i materiali della tesi hanno costituito la base del corso di lezioni "Storia dello sviluppo del mercato dell'arte in Russia" presso l'Università statale di cultura e arte di San Pietroburgo (1999-2003), e sono state anche riportate a livello scientifico conferenze ("Problemi della cultura e dell'arte" - 1999, 2000, 2001). Sono stati pubblicati sei articoli sull'argomento della tesi.
link1 Il mercato dell'arte come fenomeno culturale link1 .
In questo studio è fondamentale definire la cultura artistica come un sistema evoluto con una struttura estremamente complessa, il cui funzionamento si esplica in tre fasi successive: la creazione di valori artistici (produzione artistica), la loro diffusione attraverso apposite istituzioni e lo stadio di sviluppo dei valori artistici (consumo artistico)1. Numerosi componenti della cultura artistica nel processo del suo funzionamento formano diversi grandi "sottosistemi". Secondo il ricercatore culturale K.B. Sokolov “Il primo sottosistema è la produzione di valori artistici e i suoi soggetti: artisti professionisti e dilettanti... Il secondo sottosistema è il consumo artistico e i suoi soggetti: spettatori, lettori, ascoltatori... Il terzo sottosistema è un "intermediario" tra produzione artistica e consumo, tra produzione e consumo di soggetti... Il quarto sottosistema è la gestione scientifica dello sviluppo della cultura artistica...”2 È ovvio che l'oggetto di questa ricerca di dissertazione è organicamente compreso nel terzo, “ intermediario”, sottosistema della cultura artistica.
Proviamo a definire cos'è il mercato dell'arte. Questo è un sistema di circolazione delle merci di opere d'arte, oggetti, oggetti. di valore storico, varie antichità e rarità. Tuttavia, l'elenco delle cose relative ai beni artistici nella cultura moderna è diventato molto più ampio. È difficile attribuire a uno qualsiasi dei concetti di cui sopra carte telefoniche, tappi di bottiglia, pu 1 Cultura artistica: concetti, termini. - gufi, ditali, flaconi di profumo, oggetti personali di personaggi famosi, ecc. Inoltre, esiste anche un mercato delle arti dello spettacolo, che esula dallo scopo di questo studio. Nel lavoro presentato, stiamo parlando di un prodotto intellettuale che ha un'incarnazione materiale (reale). Pertanto, al fine di identificare le specificità del mercato dell'arte, è necessario considerare ciò che costituisce un prodotto artistico.
Quando si parla di mercato dell'arte, in primo luogo, si vedono operazioni di compravendita di opere d'arte. Valutando questa o quell'opera d'arte, parlano del suo valore artistico. Ma l'abilità artistica è un concetto relativo. Non è una qualità intrinseca di un oggetto come la densità o la temperatura, ma è un giudizio del soggetto sull'oggetto. Esplorando la natura dei valori in generale e il valore artistico in particolare, M.S. Kagan osserva che "... la realtà artistica che stiamo vivendo ... è una realtà immaginaria, illusoria e realizzata dall'artista, e non il suo vero" essere esistente "" 3. Lo scienziato vede la particolarità del valore artistico in " ... il valore di questa stessa trasformazione, cioè una trasformazione olistica esteticamente-anesteticamente significativa dell'essere "4. Studiando in modo completo il concetto di valore, M.S. Kagan indica "la struttura gerarchica del sistema di valori, in cui un tipo di valore, allora un altro viene avanzato al suo vertice"5.
Il sociologo K. Manheim collega la struttura gerarchica del valore con il fatto che, in virtù della sua costituzione spirituale, una persona non solo pensa, ma sperimenta anche gerarchicamente6. Egli osserva che "Questa struttura gerarchica della vita è strettamente correlata al fatto che ... l'ultimo elemento, che sta al di sopra di tutti gli altri, ricevendo il punteggio più alto su questa scala gerarchica, dovrebbe, per così dire, garantirne la qualità"7. Inoltre, tale valutazione dipende “dalla coscienza collettiva esistente in quel momento e solo attraverso di essa può essere percepita come qualcosa di indiscutibile”8.
Di conseguenza, il concetto di abilità artistica è storicamente e socioculturalmente mutevole, poiché è indissolubilmente legato alla scala gerarchica di valori generalmente accettata che esiste in una data società e in un dato momento - “per i maestri del Rinascimento non era la stessa cosa di per quelli medievali, per i maestri barocchi era diverso che per i classicisti, per i modernisti diverso dai realisti - e così via.”9 Secondo M.S. Kagan "Il cambiamento di varie fasi storiche nello sviluppo della cultura porta a un cambiamento nei valori dominanti e, di conseguenza, a una costante ristrutturazione dell'assiosfera"10.
Della stessa opinione il filosofo A. Banfi. Esplorando il problema del rapporto tra arte e società, osserva che “non c'è dubbio che ogni società, e spesso ogni singolo strato sociale, ha non solo una propria scala di valori spaziali e temporali, ma anche le proprie preferenze nel campo della pittura e della musica”11.
È noto quanto l'aspetto dei dipinti impressionisti a metà degli anni '60 dell'Ottocento fosse percepito in modo ostile dai circoli accademici ufficiali della Francia, e la critica d'arte ufficiale sovietica nel periodo degli anni '30 -'70 non vedeva valore artistico nell'opera dell'avanguardia. artisti del garde. La storia della cultura abbonda di tali esempi di epoche diverse, a conferma dell'apprezzamento instabile e in continua evoluzione delle opere d'arte.
La storia del mercato dell'arte non può essere studiata senza la storia del collezionismo e del collezionismo. Le collezioni del tesoro reale, doni di ambasciate straniere, che a partire dal XVI secolo erano conservate nell'Armeria, nonché i tesori situati nelle sagrestie della chiesa del monastero, possono essere considerati l'inizio della raccolta, o meglio l'accumulo , di valori artistici in Russia. Fondamentalmente si trattava di oggetti in oro e argento, oltre a gioielli, che possono essere considerati le prime collezioni di oggetti d'arte applicata. La situazione è diversa per quanto riguarda la pittura e altri tipi di belle arti. L'originalità della vita culturale russa, l'isolamento dall'Europa, il rifiuto di tutto ciò che è estraneo nella vita di tutti i giorni non hanno contribuito all'emergere della pittura dell'Europa occidentale in Russia. I primi e unici dipinti di artisti dell'Europa occidentale furono portati a Mosca per la prima volta nel XVI secolo, ad esempio il ritratto di Sophia Paleolog inviato da papa Paolo II a Giovanni III, i ritratti di spose commissionati da Ivan il Terribile118.
Nel XVII secolo furono invitati a corte pittori stranieri. Nel 1642 Ivan (Hans) Deterson lavorò come pittore di corte, poi Stanislav Loputsky, un polacco, prese il suo posto. Nel 1667 c'era Danilo Danilovich Vukhters "che scrisse una pittoresca lettera con la più saggia abilità", poi l'armeno Bogdan Soltanov. Nel 1679 fu invitato il tedesco Ivan Andreevich Walter.
Va notato che la vita degli stranieri nella Rus' moscovita, compresi gli artisti, non era facile. Erano pagati poco e la gente li percepiva come estranei, "non cristiani", non credenti. Il viaggiatore italiano Guanini, che visitò Mosca nel 1560, lasciò le seguenti memorie: “Ho incontrato esperti artigiani stranieri a Mosca. Il loro lavoro, anche il più abile, è pagato molto male. Appena sufficiente per pane e acqua. Soprattutto, i medici sono stati sfortunati. Così, nel XVI secolo, un medico straniero Anton Nemchin fu pugnalato a morte, poiché non curò il figlio di un nobile boiardo, la dottoressa reale Eliza Bomel, affettuosamente chiamata "Dottor Eliseo", fu pubblicamente bruciata, con l'accusa di voler avvelenare qualcuno121. Spesso gli "specialisti" stranieri preferivano indossare abiti russi per non distinguersi dalla massa, rischiando semplicemente di essere picchiati. Nelle loro case a volte appesero icone ortodosse, sebbene fossero cattolici o protestanti, perché senza questo pochi avrebbero osato varcare la soglia della loro casa. Gli stranieri si stabilirono in luoghi appositamente designati: insediamenti tedeschi.
Nel XVII secolo, la Russia iniziò ad avvicinarsi agli stati occidentali. Si presentarono altri stranieri. Ma l'atteggiamento nei loro confronti era ancora ostile. Ad esempio, durante un incendio scoppiato a Mosca nell'insediamento tedesco, gli arcieri, che sono corsi nella casa del pittore Hans Deterson e hanno visto un vecchio teschio umano, hanno legato l'artista e lo hanno accusato di stregoneria. Il pittore fu salvato da un russo più illuminato che si trovava nelle vicinanze, spiegando agli arcieri che il teschio non era destinato alla stregoneria, ma al "disegno". All'inizio del XVIII secolo si osservò anche un atteggiamento negativo nei confronti degli stranieri. Così, uno dei tutori di Tsarevich Alexei, un giovane ufficiale tedesco, dopo essere tornato in patria, pubblicò un opuscolo: "Sulle azioni atroci dei moscoviti con gli stranieri"124, che descriveva vari incidenti perpetrati contro sudditi stranieri.
Nel XVII secolo, le incisioni straniere a Mosca non erano più una rarità. Si chiamavano "fogli Fryazhsky". Le incisioni decoravano le pareti delle camere reali e delle camere dei boiardi. Alcune stanze dei palazzi del Cremlino erano completamente incollate con questi fogli, spesso le incisioni venivano inserite in cornici. Ad esempio, durante il regno dello zar Fyodor Alekseevich, le pareti delle sue dimore di legno e delle stanze delle principesse erano ricoperte di incisioni, e nelle stanze dello zarevich Alexei Alekseevich c'erano "cinquanta rampe con fogli di Fryazh"125. Nel XVII secolo, alla corte di Mosca, venivano già raccolte piccole raccolte di "fogli divertenti tedeschi" (un altro nome per incisioni) e "libri divertenti" o "libri con kunshtami". Sono stati utilizzati per scopi didattici come ausilio visivo. Così, nel 1632-1636 furono acquistati fogli divertenti per l'educazione del giovane Tsarevich Alexei Mikhailovich e di sua sorella Irina. Nel 1682 furono acquistati 100 fogli Fryazh per l'educazione di Peter Alekseevich.
Secondo la ricerca dello storico I.E. Zabelin, alla fine del XVII secolo, anche le camere reali erano decorate con dipinti, sebbene non numerosi. La ritrattistica era la più comune e si trovava principalmente nei palazzi dei letti, ma c'erano anche altre stanze nel palazzo. È noto che nel 1678 I. Bezmin dipinse una "persona di stato", nello stesso anno I. Saltanov - "la persona dello zar Alessio nell'Assunzione", inoltre, dipingendo sulla tela "La crocifissione e l'immagine dello zar Alexei, la persona della regina Mary Ilyinichna e la persona Tsarevich Alexei Alekseevich in previsione della crocifissione. È stata conservata l'informazione che "nel 1682, tre persone erano conservate nel tesoro del defunto zar Fyodor Alekseevich: lo zar Alexei Mikhailovich, lo zarevich Alexei Alekseevich, scritto sulla tela, e un ritratto della zarina Maria Ilyinichna, scritto sulla lavagna", e nel 1681 nelle dimore di Fyodor Alekseevich c'erano persone dei re di Polonia e Francia127.
Oltre a quelle reali, esistevano anche collezioni private, di regola, con persone vicine al re, che svolgevano varie missioni diplomatiche e conoscevano meglio la cultura europea. Quasi l'unica fonte di informazioni sulla vita di quel tempo sono gli inventari compilati in varie occasioni. Ad esempio, dall'inventario della proprietà del principe Vasily Vasilyevich Golitsin (1643-1714) nella sua casa di Mosca a Okhotny Ryad, si può scoprire in quali oggetti consistevano gli arredi della casa di un ricco e nobile nobile della fine del XVII secolo Di. La casa del principe, costruita all'inizio del 1680, stupì i contemporanei con la sua architettura e decorazione d'interni. "Nella sua vasta casa di Mosca", ha scritto lo storico V.O. Klyuchevsky, - tutto era disposto in modo europeo: nelle grandi sale, i pilastri tra le finestre erano pieni di grandi specchi, dipinti, ritratti di sovrani russi e stranieri, mappe geografiche tedesche in cornici dorate appese alle pareti; il sistema planetario era dipinto sui soffitti, molti orologi e termometri artistici completavano la decorazione delle stanze. Concentriamoci sulle belle arti. Ritratti di zar russi erano appesi nella grande sala da pranzo, ritratti dei patriarchi Nikon e Joachim, immagini di re stranieri in pesanti cornici di quercia. “Tre personaggi reali, dipinti su tela, in cornici nere. La persona del re polacco a cavallo. In due cornici, la persona del re polacco e della sua regina. C'erano anche due ritratti dello stesso proprietario e quattro incisioni, tutti in ricche cornici dorate. Il soffitto era coperto da "soffitti ricoperti di leoni", che raffiguravano "il cerchio del sole, gli dei del cielo ... e i pianeti". Le pareti della camera da letto erano decorate con numerose incisioni, c'erano ritratti e dipinti. Ad esempio, "Due angeli, tra loro bambini, sono scritti sulla tela", oppure "la forma umana è scritta sulla tela". Una tale varietà di opere d'arte nella casa del principe ci permette di parlare della presenza di una collezione di incisioni e dipinti. Non erano considerati opere d'arte, ma erano usati come cose costose, belle e "stravaganti" per decorare gli interni.
Il mercato dell'arte russo nella fase attuale
La sfera più conservatrice della cultura sovietica - il mercato dell'arte - fu l'ultima ad essere interessata dalla perestrojka, ma i cambiamenti successivi si rivelarono i più radicali. Nella società iniziò un'ondata di interesse senza precedenti per l'arte in generale, e per l'antiquariato in particolare. Il numero di negozi di antiquariato cresce rapidamente ogni anno. A Mosca nel 2000 ce n'erano più di 50, a San Pietroburgo - circa 40. Si può sostenere che il centro del mercato dell'arte si sia trasferito a Mosca. Lo dimostrano le grandi case d'aste specializzate nella vendita di opere d'arte, apparse di recente anche a Mosca.
Molti critici d'arte nominano un evento specifico, dopo il quale è iniziata la rapida crescita del mercato dell'arte: la famosa asta tenuta dalla più grande società d'aste del mondo Sotheby's a Mosca nell'estate del 1988. Collezionisti e mercanti d'arte di molti paesi sono venuti all'asta. La collezione dell'asta era composta da due parti. La prima parte comprendeva 18 opere di artisti d'avanguardia russi (A. Rodchenko, V. Stepanova, A. Drevnії), la seconda parte comprendeva più di cento opere di 34 artisti russi contemporanei. Gran parte di questa asta è stata per la prima volta. Per la prima volta, gli spettatori russi hanno potuto assistere a come si tiene un'asta professionale, per la prima volta è diventato evidente che la vendita di opere d'arte è un'attività estremamente redditizia. Così, un dipinto dell'artista allora poco conosciuto Grisha Bru-skin fu acquistato da un acquirente anonimo per un'enorme somma di 242mila sterline. L'asta è stata guidata dall'amministratore delegato della filiale europea della società «Sotheby s» - Simon de Pury. L'asta è stata preceduta da una due giorni di visione dei dipinti, a cui hanno partecipato circa 11.000 persone. L'ingresso era limitato, la visione veniva effettuata rigorosamente tramite biglietti d'invito. All'asta sono venuti collezionisti stranieri, rappresentanti di musei stranieri, amanti dell'arte.
I risultati dell'asta hanno superato tutte le aspettative: i dipinti sono stati venduti per un importo di circa 2 milioni e 81 mila sterline. Solo 6 dipinti non hanno trovato un acquirente. Ovviamente, questa asta era di natura pubblicitaria. Ciò è confermato dalla partecipazione di celebrità. Il famoso cantante Elton John ha acquistato due tele di Svetlana e Igor Kopystyansky, il proprietario di Sotheby's A. Taubman ha acquistato il dipinto di I. Kabakov "Risposte dal gruppo sperimentale" per 22mila sterline e lo ha presentato al futuro museo di arte moderna nel nostro paese .
Il ricavato di questa asta ammontava a $ 1 milione. Con decisione del Ministero della Cultura dell'URSS, le lettere di A.S. Pushkin. Il successo dell'asta ci ha permesso di sperare in un'ulteriore espansione dei legami e dei contatti del mercato dell'antiquariato russo con le più grandi case d'asta. Si prevedeva di tenere una serie di aste congiunte, non più sul territorio della Russia. Ma la prossima asta, prevista per Londra, è stata interrotta. Associazione tutta russa di arte e industria intitolata a E.V. Vuchetich, insieme a Sotheby s, è stata determinata per lui la composizione della collezione. La sezione dell'antiquariato era costituita principalmente da opere non uniche degli artisti dichiarati. Avevano analoghi e repliche sia nelle collezioni dei musei che nelle collezioni private. Inoltre, alcuni di questi reperti erano stati precedentemente presentati per l'acquisto ai musei, ma sono stati respinti. La collezione è stata studiata da una commissione di 20 importanti critici d'arte, rappresentanti di musei e del Fondo culturale sovietico, ed è giunta alla conclusione che l'esportazione di questa collezione all'estero per partecipare all'asta non danneggerebbe il fondo museale del paese. Ma l'asta non ha avuto luogo, perché i reperti non hanno ricevuto il permesso per l'esportazione, poiché in conformità con la legge della Federazione Russa "Sull'esportazione e importazione di beni culturali" del 15 aprile 1993 (n. 4804-1) , l'esportazione di oggetti d'arte antica di oltre 100 anni.
Con l'assistenza di un'altra casa d'aste di fama mondiale "Christie's" nel 1995, si prevedeva di tenere "Russian Antiques" a Mosca. L'asta è stata preparata sotto la supervisione della Galleria Tretyakov. Lo scopo principale dell'asta, oltre a quello finanziario, è un tentativo di creare un mercato civile dell'antiquariato. Gli organi del ministero dell'Interno sono stati ufficialmente invitati a visionare le cose. Una parte dei lotti è stata annunciata come possibile per l'esportazione, il che di per sé è stato un grande cambiamento nell'attività delle aste. Ma è stato anche praticamente vanificato a causa dell'imperfezione della legislazione russa esistente: due ore prima dell'asta, l'amministrazione ha ricevuto una lettera secondo la quale le opere autorizzate all'esportazione sono state ritirate dalla vendita. L'asta è stata “sottosopra”, tutti i lotti sono andati sottosopra. Anche la ditta "Christie s" ha ricevuto un'esperienza negativa nel mercato dell'antiquariato russo.
Delle società di aste di antiquariato di Mosca, due spiccano: Alfa-Art e Gelos. L'associazione antiquaria "Gelos", fondata nel 1988 come laboratori di restauro, è una grande impresa complessa, che comprende nella sua struttura divisioni che si occupano di valutazione, perizia, restauro, commercio, aste. Questa è una delle poche ditte antiche che ha una rete di filiali nelle città della Russia e della CSI. L'esame viene effettuato da specialisti dell'associazione Gelos, dei musei del Cremlino di Mosca, del VKhNRTS im. N.E. Grabar, il Museo tutto russo di arte decorativa, applicata e popolare, ecc. A dicembre
La vita artistica della società moderna. T. 4. Libro. 2. - P. 343. Nel 1992 l'associazione ha creato il Museo delle Antichità, il primo museo non statale in Russia. Dal 1995, Gelos ha perseguito una nuova politica d'asta: aste settimanali di rivenditori, in cui i commercianti d'arte privati possono scambiare i loro oggetti (la commissione per il rivenditore è del 5%. Se l'asta termina con la sua offerta, deve pagare l'1% al venditore società dall'importo che ha raccolto). L'associazione antiquaria "Gelos" comprende: un complesso espositivo e commerciale, una sala per le aste, un museo, un business club e un club per gli amanti delle antichità. "Gelos" ha la più vasta biblioteca di antiquariato del paese. Nel febbraio 1998, presso la casa d'aste di Mosca, il dipinto di V. Kandinsky "Ritratto della moglie dell'artista" è stato venduto al prezzo più alto sul mercato dell'arte russo: oltre 1 milione di dollari USA.
La casa d'aste Alfa-Art, fino al 1995, è stata la più grande e stabile azienda di antiquariato in Russia. È stato creato nel 1991 con il supporto di Alfa-Bank. Durante i lavori si sono svolte 28 aste di pittura russa e opere d'arte. Nel 1994 è stata organizzata l'Alfa-Art Gallery, la cui esposizione comprende circa 1.000 dipinti e oggetti. Ogni asta era accompagnata da un catalogo illustrato, nel 1993 è stato pubblicato un catalogo consolidato. Gli esperti della casa d'aste sono dipendenti del Museo tutto russo di arte decorativa, applicata e popolare, del Museo statale di belle arti intitolato ad A.S. Pushkin, Galleria Statale Tretyakov. Il prezzo massimo dell'articolo venduto alle aste di questa società è di 104mila dollari USA. (Dipinto di V.M. Vasnetsov "Il cavaliere all'incrocio"). Dal 1995 la casa d'aste non tiene aste pubbliche e si occupa solo della vendita in galleria. In Alfa-Art, la commissione era del 35% più un altro 2% del valore dell'articolo per il suo deposito, Gelos prende il 10% e il deposito è gratuito.
Il mercato dell'arte nazionale sta diventando ogni anno più attivo e diversificato. In Russia esiste un "Club dei collezionisti della Russia", "Unione degli antiquari della Russia", "Associazione degli antiquari
Pietroburgo", ecc. A Mosca si tengono regolarmente fiere d'arte moderna, dal novembre 1996 viene aperto ogni anno il "Salone dell'antiquariato russo". Nell'estate del 1999 si è tenuto a San Pietroburgo il "Primo Salone dell'Antiquariato". Ci sono nuovi periodici che coprono i problemi del mercato dell'arte. Ne citiamo alcuni: "Il nostro patrimonio" (rubrica "Collezionisti"), "Creatività" (rubrica "Arte e mercato"), bollettino informativo e analitico "Veduta-Antiques", volume di riferimento "Art-Media. Art Market”, nel 1995 la rivista “Collector”, “Pinakoteka”, il quotidiano “Antique Trade”, la rivista “Art-Prestige”, “Antik”, ecc.
Il mercato dell'arte è un fenomeno e un meccanismo socio-economico e storico-culturale, che è un sistema di circolazione delle merci di opere d'arte, un modo per diffondere e ridistribuire i valori culturali nella società. Il mercato dell'arte svolge funzioni informative, intermediarie, di prezzo, stimolanti e regolatrici, nonché artistiche ed estetiche: vari fattori sono serviti come prerequisiti socio-culturali per l'emergere del mercato dell'arte: politico, economico, compreso l'istruzione. Il mercato dell'arte, essendo un fenomeno potente e multifunzionale, ha attraversato diverse importanti fasi di sviluppo, tra le quali vale la pena evidenziare quelle più significative.
Una delle prime tappe degne di nota è la rivoluzione borghese, che ha contribuito alla formazione di un'economia di mercato. Anche l'etica protestante del primo capitalismo ha svolto un ruolo importante. Con l'avvento del mercato dell'arte, lo status di un artista era in gran parte determinato dall'asta, cioè un indicatore costituito dal prezzo di un'opera e dal numero di opere vendute. I mercati d'arte nazionali iniziarono a svilupparsi rapidamente in Olanda, Germania e Stati Uniti.La data esatta dell'emergere del mercato dell'arte è il 21 giugno 1693, quando Lord Melford organizzò una grande asta d'arte nella Banqueting House nella tenuta di Whitehall. Nella prima metà del XVIII secolo, tali aste divennero uno degli intrattenimenti dell'aristocrazia britannica.
A metà dell'Ottocento si forma la matrice del mercato dell'arte (si crea una struttura: galleristi, mercanti d'arte, mostre e gallerie, vendite e aste, pubblicazione di cataloghi e riviste specializzate, pubblicità); ci sono collezionisti, critici d'arte, specialisti museali.
L'espansione del mercato dell'arte inizia nella seconda metà dell'Ottocento, c'è una divisione del mercato dell'arte in due aree: la sfera delle vendite dei maestri del passato e la sfera delle vendite degli autori contemporanei. La classe dei consumatori di arte costosa è cambiata (l'aristocrazia ei ricchi rappresentanti della borghesia). Una nuova ondata di ascesa nel mercato dell'arte inizia a cavallo tra il XX e il XXI secolo: è la virtualizzazione del mercato, l'emergere di nuovi tipi di arte, i sistemi di aste virtuali, i centri del mercato mondiale dell'arte sono determinati - Londra, New York, Tokio.
Ci sono i seguenti tipi di mercati d'arte:
mondo,
· Nazionale,
regionale.
Ogni tipo di mercato dell'arte ha le proprie caratteristiche di prezzo, procedure per l'acquisto e la vendita di opere d'arte e la rilevanza di questo prodotto in un particolare mercato. Il mercato dell'arte non esiste separatamente dal mercato finanziario globale. Tutti i disordini ei cambiamenti dell'economia globale e locale rispondono anche al mercato dell'arte. Ciascuno dei mercati dell'arte, globale o regionale, ha la propria infrastruttura. Nel mercato dell'arte di oggi, l'infrastruttura svolge il ruolo di collegamento tra i due elementi principali del mercato: tra l'artista, il produttore di valori artistici e l'acquirente.
Il mercato globale dell'arte è di gran lunga l'industria più attraente per gli investimenti, quindi funge da area redditizia per l'imprenditorialità. Il mercato dell'arte è più stabile dello stesso mercato azionario, che è costantemente fluttuante con vari sconvolgimenti sociali ed economici. Sempre più persone benestanti iniziano a investire in opere d'arte.
Il mercato dell'arte è un fenomeno complesso a più livelli, integra un gran numero di soggetti che svolgono tutti i processi della sua attualizzazione. I soggetti principali del mercato dell'arte sono i produttori (artisti) ei consumatori (pubblico). Tra i soggetti principali in epoche culturali e storiche diverse c'era un gruppo di intermediari, che oggi si sono differenziati al massimo. La condizione più importante per il buon funzionamento del mercato dell'arte è la formazione e lo sviluppo della sua infrastruttura, che garantisce la continua promozione dei prodotti artistici dall'artista al pubblico. Non oggi, il mondo ha sviluppato un'infrastruttura complessa e multilivello del mercato dell'arte. Le figure chiave del mercato dell'arte sono i produttori del prodotto artistico ei suoi consumatori. Esistono numerosi intermediari tra questi due principali gruppi infrastrutturali. Il mercato moderno differisce dal mercato dell'inizio delle relazioni capitaliste in quanto la sua parte ausiliaria-accompagnatrice e organizzativa-intermediaria è cresciuta in modo significativo, che comprende:
§ organizzazioni di informazione;
§ organizzazione del supporto legale e legale;
§ organizzazioni commerciali e intermediarie;
§ organizzazioni di consulenza e intermediazione;
§ strutture finanziarie.
I produttori di un prodotto artistico sono le persone principali del mercato dell'arte, poiché i risultati delle loro attività sono oggetto di vendita e acquisto. Nelle arti visive il creatore è personificato, ma anche qui possono apparire artisti collettivi e associazioni creative. Possono agire come consumatori di un prodotto artistico singoli soggetti del pubblico: estimatori e conoscitori d'arte, investitori, collezionisti, rappresentanti dello Stato, associazioni pubbliche, strutture imprenditoriali, musei, enti e imprese. Le organizzazioni di intermediari commerciali includono gallerie, fiere, case d'asta, commercianti. I servizi di consulenza e intermediazione nell'ambito del mercato dell'arte sono forniti da organizzazioni coinvolte nell'esame delle opere d'arte, nella loro registrazione, valutazione, assicurazione, sicurezza, logistica e audit. Il blocco dei servizi legali è fornito da organizzazioni che si occupano di assistenza legale per la vendita e l'acquisto di oggetti d'arte, la formazione di rapporti contrattuali, la fornitura di servizi di rappresentanza e patrocinio giudiziario, questioni ereditarie e vari altri aspetti legali che sorgono durante la circolazione dell'arte valori. Le organizzazioni finanziarie, in particolare le banche, forniscono servizi specializzati e accompagnano lo sviluppo e il funzionamento del mercato dell'arte.
Sono chiamati a svolgere un ruolo importante anche gli organismi di controllo: diverse associazioni, sindacati, fondazioni che monitorano le azioni illegali degli enti del mercato dell'arte, le autorità fiscali e doganali e altri organismi. Un mercato dell'arte civile non può svolgere le sue attività al di fuori delle organizzazioni di informazione, un'ampia varietà di media, che contribuiscono alla trasparenza e all'apertura di questo mercato. Si tratta di pubblicazioni cartacee ed elettroniche specializzate e non core, che pubblicano le opinioni della comunità di esperti - critici e storici dell'arte; questa è l'attività dei dipartimenti di pubbliche relazioni di vari enti che fanno informazione di opinione pubblica che caratterizza l'attività di quasi tutti i soggetti dell'infrastruttura del mercato dell'arte.
Per rivelare l'essenza del mercato dell'arte, è necessario considerare le sue funzioni principali.
Funzione informativa del mercato dell'arte. In senso lato, questo è informare la società sull'opera dell'artista, questo è il campo informativo che si sviluppa attorno all'artista, vale a dire: la totalità dei riferimenti all'artista nella critica d'arte, testi biografici e biografie, chiesa, documenti storici. Nelle condizioni moderne, un ruolo speciale è occupato dalla stampa professionale e dai media elettronici. L'ampliamento del campo informativo è facilitato dalla presenza di cataloghi, monografie sull'opera dell'artista, che sono tradizionali forme di comunicazione agli interessati. La funzione informativa è una delle sue funzioni più antiche.
Funzione di intermediario del mercato dell'arte.Mediazione - facilitare la conclusione di transazioni tra le parti. Nel business dell'arte, la mediazione è l'agevolazione delle transazioni tra l'artista o il proprietario dell'opera d'arte e l'acquirente (mercato primario e secondario). Ciò può avvenire in via "aperta", cioè sulla base di rapporti contrattuali o informalmente, a trattativa privata.
Sia un privato che una società creata appositamente per questo scopo possono fungere da intermediario. Nel mondo degli affari, gli intermediari tradizionali sono commercianti, gallerie, aste, saloni d'arte. L'intermediario può portare l'acquirente direttamente dal venditore o effettuare una transazione per conto di una o entrambe le parti, nel rispetto dei propri interessi commerciali. Come pagamento per il suo lavoro, l'intermediario riceve una commissione, cioè una certa percentuale dell'importo pagato da una delle parti o da entrambe. Il mercato dell'arte è progettato per riunire il prodotto artistico e il suo consumatore su un'unica piattaforma, contribuendo alla soddisfazione dei bisogni di entrambe le parti: l'artista e il pubblico.
La funzione di prezzo del mercato dell'arte.Il problema del prezzo nell'arte è uno dei più difficili. Qui funzionano sia le leggi generali sui prezzi che quelle private, che si sviluppano proprio nello spazio del mercato dell'arte. A causa del predominio di valori estetici non pragmatici nell'arte, spesso sorgono controversie sul fatto che l'arte non debba essere considerata una merce. Pertanto, alcuni ritengono che arte e denaro siano incompatibili, mentre altri aderiscono alla posizione secondo cui sia i valori non pragmatici che quelli pragmatici sono inerenti all'arte, che, per ragioni oggettive, sono costretti a coesistere tra loro.
Un'opera d'arte è il risultato del talento e della creatività dell'artista, incarnato in una forma materiale unica. Questo non è solo il suo valore spirituale, ma anche materiale. Nasce a questo proposito un ramo speciale dell'imprenditoria artistica, dal punto di vista del quale le opere d'arte sono considerate non solo valori spirituali, ma anche commerciali. Si pone la questione del valore materiale di un'opera d'arte. Fattori che influenzano il prezzo:
§ l'età dell'opera;
§ il genere in cui si svolge l'opera;
§ presenza delle opere del maestro in importanti collezioni museali e gallerie;
§ master class generalmente riconosciuta;
§ valutazione delle critiche;
§ appartenenza dell'artista a una certa epoca;
§ provenienza del dipinto (dall'inglese provenance - origin, source).
§ la dimensione dell'immagine;
§ la tecnica con cui è stato eseguito il lavoro;
§ il livello di innovazione, poiché la novità è il criterio principale e principale della creatività;
§ partecipazione a progetti internazionali;
§ frequenza delle mostre personali;
Pertanto, il prezzo nelle belle arti è influenzato da una combinazione di fattori oggettivi e soggettivi. A quanto sopra va aggiunto che esistono meccanismi che possono aumentare significativamente il valore di un'opera d'arte con l'ausilio di una serie di tecnologie di marketing associate, ad esempio, alla tecnologia di branding, quando il prezzo iniziale di un'opera può aumentare di molti volte.
Funzione regolatrice del mercato dell'arte.Il mercato deve regolare la domanda e l'offerta. È noto che la percentuale di persone costantemente interessate all'arte è piuttosto ridotta. I bisogni che l'arte soddisfa non sono vitali ed esistenziali, una persona può vivere senza di essi. La cerchia di persone che formano la domanda di arte è piuttosto ristretta. Ma l'arte, svolgendo i suoi compiti sociali, spesso funge da fissatore e traduttore di vari stati attuali della società, pertanto la domanda di opere d'arte può variare notevolmente a seconda dello stato dell'arte stesso.
La funzione regolatrice del mercato dell'arte implica anche la legislazione dei diversi paesi. Nei paesi in cui la legislazione e la tassazione dell'arte sono sfavorevoli ai collezionisti, l'importazione e l'esportazione di opere d'arte saranno molto diverse dai paesi in cui il sistema fiscale lo incoraggia.
Funzione stimolante del mercato dell'arte. Il mercato incoraggia i produttori a creare i benefici economici di cui la società ha bisogno al minor costo ea ricevere profitti sufficienti. Qui un elemento importante è la concorrenza, la rivalità dei partecipanti a questo processo per il mercato delle vendite. Ciò implica la competizione degli artisti per l'attenzione e il riconoscimento da parte del pubblico. La conseguenza del riconoscimento è un aumento del numero di ordini, un aumento delle vendite di opere d'arte. Tuttavia, le libertà economiche contribuiscono al progressivo sviluppo della società, ma stimolano la concorrenza commerciale più che artistica. Il valore commerciale dell'arte sul mercato prevale sul suo valore spirituale. La qualità dell'arte generalmente ne risente a causa di questo tipo di concorrenza. Il mercato cerca sempre di ottenere benefici, quindi si concentra sulla maggioranza, il che porta inevitabilmente a una diminuzione della qualità di un prodotto artistico, alla sua massificazione. Tuttavia, sono i meccanismi di mercato che devono essere utilizzati per trovare un compromesso a favore del sostegno alla vera arte.
Man mano che il mercato dell'arte si sviluppa, forme di finanziamento dell'arte da parte di imprese, istituzioni o individui come sponsorizzazioni, mecenati, beneficenza, mecenatismo, donazioni iniziano a svolgere un ruolo sempre più significativo nelle sue attività. Di norma, un filantropo è un mecenate disinteressato e finanzia iniziative culturali, lo sponsor funge da investitore in progetti, ricevendo parte dell'immagine pubblicitaria o proventi da profitti dopo la realizzazione di progetti culturali.
Tema 8
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