Courbet fu un grande ritrattista. Allo stesso tempo, lui stesso fungeva spesso da modello per i suoi dipinti.

All'inizio degli anni Quaranta dell'Ottocento. Courbena ha scritto "Autoritratto con cane nero" - uno spaniel che gli era appena stato regalato. Si è raffigurato a Ornans sullo sfondo delle rocce vicino alla grotta di Plaisirre Fontaine. I suoi occhi sono ombreggiati dalla tesa di un cappello nero, lunghi capelli ricci gli scendono sulle spalle e un album da disegno si trova nelle vicinanze. La sagoma di un cane nero completa l'immagine romantica del giovane artista.

A metà degli anni Quaranta dell’Ottocento appare accanto a uno dei suoi modelli nel dipinto “Amanti felici”.

Fine anni 1840 appare ancora una volta sullo sfondo della natura sotto forma di un giovane sdraiato sotto un albero, ferito in un duello

"Ferito"

E al Salon del 1849 fu esposto “L'uomo con una cintura di pelle”: appoggiando il gomito su album e disegni, Courbet guardò tristemente lo spettatore. Sembrava che la sofferenza, i sogni, l'astrazione dalla prosa della vita diventassero la linea principale della sua arte. Tuttavia, alla fine del decennio, davanti al pubblico apparve un nuovo Courbet, colui che poteva chiamatelo realista.

Nel 1848-1850, Courbet dipinge tele di grandi dimensioni, il cui tema è la vita dei suoi contemporanei: nel dipinto “Pomeriggio a Ornans”, raffigura se stesso, suo padre e due amici davanti al camino nella cucina di casa sua. Sul tavolo ci sono bottiglie di vino disordinate, un bulldog dorme sotto una sedia. Dipinto esposto al Salon del 1849 ha stupito il pubblico con la sua insolita. In primo luogo, le trame del classicismo della storia dell'antica Roma, del Medioevo, dei motivi orientali e letterari dei romantici furono sostituite dalle scene più prosaiche della vita quotidiana. In secondo luogo, nessun artista aveva mai dipinto dipinti di genere di dimensioni così grandi - Le figure umane di Courbet erano raffigurate a grandezza naturale. Il suono del genere il dipinto fu elevato al rango di monumentale, ricevette una seconda medaglia d'oro al Salon e fu acquistato dallo Stato. Ciò ha messo l'artista fuori concorso: ora la giuria non aveva il diritto di rifiutare i suoi dipinti (anche se in pratica ciò non è sempre stato rispettato).

Pomeriggio a Ornans

Nel 1847 Courbet visitò l'Olanda. Dopo questo viaggio ci fu una svolta nel lavoro dell’artista. Sotto l'influenza dell'arte olandese, ruppe con il romanticismo, almeno nelle sue tecniche stilistiche.

autoritratto con la pipa

Oggi, una delle sue opere più riprodotte è “Hello, Monsieur Courbet” del Museo Fabre di Montpellier: non per niente ha così tanto in comune con le stampe popolari e con una tradizione che risale al Rinascimento. I caricaturisti parodiavano il quadro con particolare cura, ma ciò che più importava ai posteri era la cordialità dell'incontro tra il borghese e l'artista, che sognava di rivolgersi direttamente al pubblico e accettava per questo scopo di interpretare il ruolo del vagabondo e del selvaggio. Tuttavia, i critici gli hanno dato un titolo più eloquente: "La ricchezza si inchina al genio".

Nel maggio 1854, Courbet si reca a Montpellier su invito di Alfred Bruil, famoso filantropo e collezionista. Courbet si immaginava con un bastone e uno zaino sulle spalle nel momento stesso in cui Bruyat, il suo servitore e il suo cane lo incontravano sulla strada per Montpellier. La scelta di una trama simile, scritta con schietto realismo e veridicità, fece scalpore all'Esposizione Mondiale di Parigi nel 1855.

"Salve, signor Courbet"

Le convinzioni socialiste non hanno impedito a Courbet di ritrarre un cameriere rispettoso senza un pizzico di ironia. Il suo sguardo esprime la convinzione di considerarsi indegno di essere presente all'incontro.

Courbet e Bruyat erano massoni, come dimostrano i loro gesti caratteristici del rito dell'incontro massonico. Anche i guanti bianchi sono una parte obbligatoria del costume massonico.

La testa di Courbet è sollevata in alto, il suo viso esprime una gioia sincera. Bruya si comporta con disinvoltura. La barba sporgente dell'artista divenne successivamente il bersaglio preferito dei fumettisti.

L'enorme influenza del dipinto sui suoi contemporanei è testimoniata dal fatto che successivamente, in una forma o nell'altra, molti artisti lo citarono nelle loro opere, tra cui chiameremo almeno Paul Gauguin e il suo “Hello, Monsieur Gauguin” (1889 ).

Subito dopo aver dipinto questo dipinto, Courbet fu dichiarato sostenitore di un nuovo tipo di arte anti-intellettuale, libera dalle convenzioni della pittura accademica su soggetti storici e religiosi. Abbandonando i soggetti letterari a favore del mondo reale che circondava l'artista, Courbet ebbe una profonda influenza su Edouard Manet e sugli impressionisti. Si dice che quando gli fu chiesto di aggiungere figure di angeli ad un dipinto destinato ad una chiesa, rispose: "Non ho mai visto angeli. Mostrami un angelo e lo dipingerò".

Courbet amava osservare i giochi di luce sull'acqua. Dipinse tutta una serie di paesaggi marini. La tela “Spiaggia del mare a Palavas” (1854) raffigura l’artista stesso che saluta il Mar Mediterraneo.

L’autoritratto “L’uomo con la pipa” (1873-1874) ebbe successo nel salone. Fu acquistato da Luigi Napoleone.

Alcuni degli autoritratti, dipinti con molta sobrietà, mostrano l'influenza degli antichi maestri spagnoli e olandesi, le cui opere Courbet studiò diligentemente durante la sua visita al Louvre.

Vignetta disegnata nel 1859 dall'amico di Courbet, il critico Jules Champfleury

Autoritratto con cane Trump
1745. Olio su tela, 90x65. Galleria Tate, Londra.

William Hogarth è un importante pittore inglese, incisore del periodo rococò, teorico dell'arte, autore della famosa "Analisi della bellezza". Già da bambino ha mostrato interesse per il disegno e una memoria fenomenale, che gli ha permesso di ricordare molti dettagli non correlati. All'età di 16 anni, Hogarth iniziò ad allenarsi con l'intagliatore d'argento E. Gamble e padroneggiò non solo l'arte dell'intaglio decorativo, ma anche l'incisione su rame. Nel 1720 Hogarth iniziò il suo viaggio nell'arte. I primi esperimenti dell'artista furono associati all'incisione e alla grafica, e la sua prima opera importante furono le illustrazioni per "Hudibras" di S. Butler (pubblicate nel 1726). Alla fine degli anni '20 del Settecento, Hogarth divenne noto come un maestro dei ritratti di piccoli gruppi. Ha lavorato anche in altri generi e si è dimostrato con successo come creatore di opere satiriche. L'autoritratto con il suo amato cane Trump è una delle opere più famose di Hogarth. Qui viene utilizzato l'effetto “falso”: il ritratto sembra essere montato su volumi di Shakespeare, Swift, Milton. Pertanto, l’artista ha reso omaggio alla letteratura, che può competere con la pittura. Circondato da drappeggi, il ritratto ricorda uno specchio in cui si riflette l’aspetto dell’artista. Altre opere famose: "La ragazza con i gamberetti". Primi anni '60 del Settecento. Galleria Nazionale, Londra; "Signora Salter." 1744. Galleria Tate, Londra; "I figli della famiglia Graham" 1742. Galleria Tate, Londra.

Pieter Bruegel St. Cacciatori nella neve. Frammento

I cacciatori di Bruegel, la sentinella di Fabricius, il carlino di Hogarth, le catene di Pereslavl-Zalessky

Pieter Bruegel il Vecchio. Cacciatori nella neve. 1565. Kunsthistorisches Museum, Vienna

Basta non confondere questi cacciatori con “Cacciatori nella neve” di Pieter Bruegel il Giovane, il che è piuttosto difficile. Cerca di orientarti con i cani: quelli di Elder sono completamente noiosi. Questo dipinto fa parte della serie "Le Stagioni" di sei dipinti (cinque sono sopravvissuti). Tre di loro fanno parte della collezione del Kunsthistorisches Museum di Vienna. È inverno qui, ovviamente. A quanto pare, la nitidezza unica dell'immagine ha affascinato i registi ed è stata spesso citata da molti, da Tarkovsky in Lo specchio a Treviri in Melancholia. Nell'originale, si dice che le ombre delle persone siano visibili sul ghiaccio. Questo è con tempo nuvoloso!

Uccelli allo stato brado e in trappola, cani e cacciatori: tutti sono davvero molto malinconici. Ai cacciatori praticamente senza preda (una volpe per tutti) è ovviamente sgradevole guardare a sinistra, verso il fuoco, dove viene bruciato un maiale domestico, e anche i bambini sono al lavoro. Il paesaggio malinconico non è stato quasi dipinto dal vero, ma la vita qui continua ancora come al solito, la gente trasporta legna da ardere, spegne fuochi, pattina e slitta. Pieter Bruegel il Vecchio ci rimanda non solo a Lars von Trier, ma anche alla recente conferenza di Boris Groys a Kiev sul fatto che l'arte è pronta da tempo per la fine del mondo. Ma ancora non possiamo.

Anton van Dyck. Ritratto di James Stewart. Intorno al 1634-1635. Metropolitan Museum of Art, New York

Il fiammingo Anton van Dyck nacque il 22 marzo 1599 ad Anversa ed era il settimo figlio della famiglia di un ricco commerciante tessile. All'età di dieci anni fu mandato nello studio del famoso pittore Hendrik van Balen. Successivamente conobbe la forte influenza di Rubens, per il quale lavorò anche come assistente, e poi l'influenza della scuola veneziana. Van Dyck dipinse così tanti graziosi ritratti cerimoniali che può essere considerato complice del suicidio di questo genere. Il "Ritratto di James Stuart" (1632) ne è un perfetto esempio. L'elegante Duca, scritto non meno elegantemente, perde molto accanto al suo cane vivace e spontaneo. Fortunatamente lo sfarzo non si estese ai cani.

Gerardo Terborch. Donna che si lava le mani. 1665. Galleria di Dresda

Gerard Terborch è un maestro della pittura di genere della scuola olandese. Lasciò molte scene di vita contadina, dipinse mungitrici e mucche, ma dalla fine degli anni Quaranta del Seicento iniziò a specializzarsi in interni con un piccolo numero di personaggi. L'artista aveva un grande bisogno e, ovviamente, usava spesso come modello una cerchia di persone vicine, in particolare sua sorella Gezina. Molto probabilmente, sono lei e il suo cane ad essere raffigurati nel dipinto. E i dipinti sul muro molto probabilmente appartengono al pennello dello stesso Gerard. È un peccato, la nitidezza qui non è la stessa di Bruegel il Vecchio. Il cane è estremamente dolce e si comporta con grande dignità. È facile leggere nei suoi occhi: “E nella povertà la virtù è degna”. Leggiamo lo stesso sotto le spoglie di una signora. Le signore e i loro cani sono spesso in completo accordo, come immortalato dall'attento artista olandese.

Samuel Dirks van Hoogstraten. Veduta lungo il corridoio. 1662. Fiducia nazionale Dyrham Park, Regno Unito

Allievo, scrittore, poeta, studioso, teorico dell'arte di Rembrandt. Contemporaneamente a Samuel, Carel Fabricius studiò nella bottega di Rembrandt, grazie alla sua comunicazione con il quale Hoogstraten si interessò alla prospettiva e ai vari effetti di illusione ottica. Fu in questa zona che divenne famoso. La "scatola prospettica" è diventata famosa, all'interno della quale è possibile vedere attraverso il foro di osservazione un'immagine in miniatura dell'interno di una tipica casa olandese. Tuttavia, anche i suoi dipinti tradizionali come “Vista lungo il corridoio” si basano spesso su effetti prospettici.

Karel Fabricio. Ogni ora". 1654. Museo d'arte, Schwerin

Lo studente più famoso di Rembrandt. Il suo destino è esoticamente tragico: lui e la sua famiglia sono esplosi in una polveriera. Sono sopravvissuti solo dieci dipinti di questo artista. Tra i capolavori ci sono la composizione virtuosa “Sentinella” e il piccolo dipinto “Cardellino” con il contrasto di un trespolo accuratamente dipinto e un uccello sfocato. Entrambe le opere furono scritte nello stesso anno. Il dipinto “La Sentinella” è famoso per la sua complessa soluzione di luci e ombre: il sole irrompe energicamente nello spazio urbano e organizza la prospettiva in modo molto arbitrario. Nel frattempo la sentinella con la pistola dorme profondamente. Il toccante cane nero ha preso una posizione intermedia: immobile, come una sentinella, esprime una complessa gamma di sentimenti dalla curiosità oziosa alla devozione e al rimprovero vivente.

Bartolomé Esteban Murillo. Ragazzo con un cane. 1650-1660. Eremo, San Pietroburgo

Famoso pittore spagnolo, capofila della scuola di Siviglia. Fu influenzato da van Dyck, Velazquez, del quale era amico, e ovviamente dalla scuola italiana. Ha lasciato un'enorme eredità: più di 400 dipinti di generi diversi. Tra questi ci sono scene della vita popolare e della vita quotidiana dei bambini, abitanti delle strade di Siviglia. Il dipinto "Ragazzo con cane" di questa serie. Il genere quotidiano spagnolo è caratterizzato da una composizione con figure di grandi dimensioni e dalla mancanza di azione della trama. Un tocco di sentimentalismo è facilmente riconoscibile nelle immagini di Murillo. Tra questo ritratto e il “Ritratto di James Stewart” ci sono trent'anni e tutta l'Europa. La presenza del cane sottolinea i gravi cambiamenti avvenuti nel ritratto pittorico.

William Hogarth. Autoritratto con il carlino Trump. 1745. Galleria Tate, Londra

Hogarth è spesso definito il fondatore della scuola nazionale inglese di pittura, sebbene nessuno dei suoi compatrioti più giovani fosse suo allievo diretto. L'artista ha sperimentato coraggiosamente la composizione, la combinazione di colori e lo stile della pennellata. Il famoso "Autoritratto con cane" ricorda un busto scultoreo, sebbene sia stato realizzato come una natura morta, la cui parte centrale è occupata da un'immagine ovale situata su una pila di libri, tra cui, ovviamente, Shakespeare. Hogarth fu fortemente influenzato dall'idea illuminista secondo cui attraverso la creatività si potevano sradicare i vizi. In primo piano ci sono il cane preferito di Hogarth, Trump, e una tavolozza su cui è applicata una linea ondulata, che l’artista per qualche motivo ha chiamato la “linea della bellezza”. Trump, come il proprietario, è severo e triste: il mondo non è così perfetto. E notate come lo stesso Trump si confronta favorevolmente con i carlini di oggi. Ai nostri giorni, un monumento a Hogarth è stato eretto, naturalmente, con Trump, sebbene quest'ultimo sia stato ingiustamente relegato al ruolo di artista. Non penso che Hogarth lo avrebbe permesso.

Filippo Reinegle. Ritratto di un cane musicale. 1805. Museo delle Belle Arti della Virginia, Stati Uniti

Un artista straordinario che ad un certo punto ebbe un'avversione per la ritrattistica e alla fine divenne un pittore di animali di successo. Niente da aggiungere.

Arthur Elsley. I cani del cacciatore. Circa 1908. Collezione privata

E ai nostri tempi, l'amore per i cani può fare uno scherzo crudele a un pittore. Se Arthur Elsley non avesse preferito i cani alle persone in modo così evidente, la sua pittura ne avrebbe sicuramente tratto beneficio. E ora, a detta di tutti, è al confine tra arte e kitsch: non ancora kitsch, ma non più arte. Nel dipinto "I cani del cacciatore" puoi vedere la sgradevole qualità da bambola dei volti dei bambini (mi sembra che questo a volte sia evidente nei dipinti del nostro Perov). E il cacciatore stesso non ha l'aspetto dei suoi cani. Anche se è meglio dei bambini...

EdmundBlair Leighton. Signora Godiva. 1892. Fiducia nazionale Dyrham Park, Regno Unito

Edmund Leighton è un artista della seconda ondata di preraffaelliti. Questo dipinto è l'unico che conosco in cui la leggendaria Lady Godiva è completamente vestita. E l'unica foto in cui i cani sono raffigurati da dietro.

La leggendaria dama era la moglie del conte Leofric, una delle persone più influenti d'Inghilterra e stretto collaboratore del re Edoardo il Confessore (XI secolo). Autorizzato dal monarca, il conte riscuoteva tasse esorbitanti dai suoi sudditi. Le prove storiche della crudeltà del conte nei confronti degli inadempienti sono sopravvissute fino ad oggi, persino la pena di morte! La pia Godiva pregò il marito di cambiare il suo comportamento e un giorno, essendo molto ubriaco, Leofric promise di farlo se sua moglie avesse cavalcato nuda a cavallo per le strade di Coventry. Era assolutamente sicuro che Godiva, nota per il suo comportamento monastico, non avrebbe osato compiere un atto del genere. Ma lei ha deciso. È vero, ha chiesto ai residenti della città di chiudere le persiane in questo momento. Secondo la leggenda, il conte crudele si vergognò e divenne molto più tenero.

Nel 1678, la gente di Coventry istituì un festival annuale in onore di Lady Godiva, che continua ancora oggi.

La storia di Lady Godiva ricorda in qualche modo la leggenda conosciuta dagli abitanti di Pereslavl-Zalessky sul duro esattore delle tasse Nikita. Questo esattore delle tasse era così testardo e crudele che un giorno la sua pia moglie vide le braccia e le gambe delle sfortunate vittime nel borscht, cosa che indicò immediatamente a Nikita. Rimase inorridito e, con la sua caratteristica tenacia, intraprese con fermezza la via dei giusti. Oggi il monastero Nikitsky a Pereslavl conserva le sue catene, utili per curare la possessione (pratiche di esorcismo).

I ricercatori erano molto interessati alla domanda sul perché Gustave Courbet creò più di venti autoritratti nel corso degli anni Quaranta dell'Ottocento. Alcuni credevano che Courbet, che aveva un bell'aspetto, stesse semplicemente ammirando il suo viso. Altri credevano: l'artista si considerava il modello più accessibile, poiché a quel tempo viveva in grande bisogno e talvolta doveva persino disegnare su carta da regalo.

Il pittore, grafico e scultore francese Gustave Courbet è nato a Combe-aux-Roux vicino a Ornans nella famiglia di un ricco contadino che possedeva vaste terre. Il padre sognava che suo figlio sarebbe diventato un avvocato, ma la carriera legale non interessava Gustave, che scelse la professione di artista. A Besançon frequenta una scuola di disegno, dove il suo insegnante è S. A. Flajoulot, allievo di J. L. David. Per le sue straordinarie capacità, i suoi compagni soprannominarono Courbet il “re dei colori”.

Nel 1840, il futuro pittore venne a Parigi, dove, su richiesta di suo padre, iniziò a studiare alla facoltà di giurisprudenza. Nel tempo libero, Courbet visitava il Louvre e altri musei parigini e vi realizzava copie di dipinti di famosi maestri. Ammirava particolarmente le opere di Rembrandt, D. Velazquez, J. Ribera, T. Gericault, E. Delacroix. Il giovane visitò anche il laboratorio di Suisse, dove dipinse modelli.

Courbet era povero perché suo padre, insoddisfatto della sua scelta, mandava pochi soldi al figlio. Gustave affittò un appartamento economico e spesso soffriva la fame per trovare soldi per colori, carta e tele. Dipingeva con insistenza, ma i suoi dipinti non erano richiesti.

Tra le opere più famose di Courbet dipinte in questo periodo c'è il famoso Autoritratto con un cane nero (1842–1845, Petit Palais, Parigi). Questo non è solo un ritratto, ma un ritratto-dipinto in cui lo spettatore vede un paesaggio con una roccia, la figura di un artista seduto a terra, un grosso cane nero, un bastone e un album da disegno. È così che Courbet racconta a tutti non solo la sua professione, ma anche il suo amore per il mondo che lo circonda. L'uomo raffigurato sulla tela ci guarda con senso di superiorità, è fiducioso nelle sue capacità, coraggioso e indipendente.

Una certa teatralità si avverte anche in altri autoritratti del maestro, tra cui il dipinto noto come “I feriti” (Louvre, Parigi). C'è anche uno sfondo paesaggistico accuratamente realizzato (una radura, un tronco d'albero vicino al quale è seduto l'artista) e dettagli che conferiscono alla composizione un tocco narrativo (una spada e una macchia rossa sulla maglietta della modella).

L'immagine in sé è piuttosto romantica: gli occhi della persona ritratta sono chiusi, la tristezza e il dolore sono congelati sul suo viso. Tutti questi dettagli indicano che il personaggio soffre di una ferita inflittagli in un duello. Ma questo è solo uno sguardo superficiale al quadro, che in realtà è in qualche modo una bufala. Se guardi da vicino la tela, puoi vedere che l'eroe era sopraffatto solo dalla stanchezza. Un leggero rossore è evidente sulle sue guance e la forza e l'energia nascoste si avvertono in tutta la sua figura. L'ottimismo della composizione è enfatizzato dalla natura della pennellata: ampia e dinamica.

Interessante è anche l’autoritratto “L’uomo con una cintura di cuoio” (1845–1846, Louvre, Parigi), che testimonia il profondo interesse di Courbet per i maestri del Rinascimento. C'è anche qualcosa di Rembrandt e dei ritrattisti olandesi del XVII secolo in questo dipinto, anche se l'autore stesso ha affermato che il suo modello qui era opera di D. Velazquez. Resta indubbia l'enorme influenza esercitata su Courbet dagli antichi artisti, di cui copiò le opere al Louvre. I ricercatori hanno stabilito che "L'uomo con una cintura di cuoio" è stato dipinto su una copia del "Ritratto di giovane con un guanto" di Tiziano. Gli autoritratti di Courbet, presentati in ordine cronologico, mostrano non solo come è cambiato l'aspetto dell'artista nel corso degli anni, ma anche come è cambiato il suo atteggiamento nei confronti del mondo. Negli autoritratti più maturi non c'è energia e ottimismo precedenti, così come una maggiore emotività.

G. Courbet. "Autoritratto con cane nero", 1842–1845, Petit Palais, Parigi

Si presenta davanti a noi un uomo maturo e saggio. Lo stesso Courbet ammette: "Durante la mia vita, ho realizzato molti ritratti man mano che il mio modo di pensare cambiava. In una parola, ho dipinto la mia vita".

Con il passare del tempo, Courbet smette di dipingere lo sfondo con tanta cura e sposta tutta la sua attenzione sul volto della modella.

Negli anni Quaranta dell'Ottocento l'artista dipinse numerosi ritratti dei suoi parenti. Tra le migliori c'è “Juliette Courbet” (1844, Petit Palais, Parigi). L'artista ha raffigurato la sorella minore Juliette seduta su una sedia con lo schienale in vimini. Colpisce l'evidente discrepanza tra l'aspetto della modella e lo sfondo: una giovane ragazza, vestita con un abito modesto, è mostrata sullo sfondo di un lussureggiante drappeggio, più appropriato per un ritratto cerimoniale del XVII secolo. Questo dettaglio riflette il desiderio del maestro per un elemento teatrale e giocoso, una mistificazione caratteristica dei suoi primi autoritratti.

Courbet invia i suoi ritratti al Salon, ma la giuria li respinge ogni volta.

Tra i modelli del maestro non c'erano solo parenti, ma anche amici, nonché persone a lui vicine nello spirito. Poeti, scrittori e filosofi posarono per l'artista.

Uno dei primi dipinti che mostrano rappresentanti dell'ambiente intellettuale della capitale è il “Ritratto di Charles Baudelaire” (1847–1848, Museo Fabre, Montpellier). Le caratteristiche spirituali del modello sono enfatizzate dagli oggetti circostanti: libri, un tavolo con una cartella, un calamaio. È difficile cogliere l'espressione del volto commovente del poeta. Mentre lavorava al ritratto, Courbet si lamentava: “Non so come finire il ritratto di Baudelaire, la sua espressione cambia ogni giorno”. La complessità della natura di Baudelaire ha scoraggiato l'artista, che ha cercato la chiarezza delle immagini nei suoi ritratti. L’artista non ha mai messo i tratti finali sulla tela e in questo modo ha trasmesso l’essenza del carattere del suo modello.

In modo più deciso e inequivocabile, Courbet caratterizza il famoso critico e storico dell'arte nel “Ritratto di Chanfleury” (1854, Louvre, Parigi). Il volto di un uomo risalta su uno sfondo scuro, la cui essenza è completamente chiara e comprensibile allo spettatore. Chanfleury è democratico, intelligente e premuroso. Gli stessi pensieri sono evocati da molti altri ritratti di Courbet ("Ritratto di Bruyas", 1854, Museo Fabre, Montpellier; "Ritratto di Valles", 1861, Museo Carnavalet, Parigi). Per Courbet, le persone raffigurate sulle tele sono, prima di tutto, persone che la pensano allo stesso modo e sono vicine alle sue convinzioni.

G. Courbet. "Juliette Courbet", 1844, Petit Palais, Parigi

Un po’ a parte si trova il “Ritratto di Pierre-Joseph Proudhon” (1865, Petit Palais, Parigi).

Courbet ha inserito la figura del famoso filosofo nel paesaggio e ha inserito nella composizione le immagini di due bambini. L’artista aveva un grande rispetto per la personalità di Proudhon e probabilmente per questo definì questo ritratto storico, anche se non era così. Courbet iniziò il ritratto dopo la morte di Proudhon e utilizzò una fotografia e un'immagine del filosofo realizzata da un altro maestro. Forse come risultato di ciò, l'immagine di Proudhon, nonostante l'evidente somiglianza esterna, si è rivelata poco convincente e senza vita.

I ritratti maschili non hanno la sincerità e l'emotività presenti nei ritratti femminili ("Influenza spagnola", 1855, collezione privata, Filadelfia; "Ritratto di Madame Brier", 1858, Metropolitan Museum of Art, New York).

Allo stesso tempo, alcune immagini di donne testimoniano i tentativi del maestro di esprimere la sua comprensione della bellezza in queste immagini. Courbet ammira la bellezza sensuale dei suoi modelli, la loro perfezione fisica. Questo è "Ritratto di Jo" ("La bella donna irlandese", 1865, Metropolitan Museum of Art, New York; versione - al Museo Nazionale, Stoccolma). Il dipinto raffigura Joanna, l'amante del pittore James Whistler. L'artista ammiratore trasmette i lussuosi capelli rossi della ragazza che si guarda in un piccolo specchio, il suo viso gentile. Questa immagine è vicina nello spirito alla famosa “Venere allo specchio” di Tiziano. Tra i capolavori più famosi di Courbet c'è il dipinto "Funerali a Ornans" (1850, Louvre, Parigi), che combinava elementi di due generi: ritrattistica e vita quotidiana. La tela raffigura un funerale di provincia, ma l'azione quasi non si fa sentire, e quindi lo spettatore può esaminare attentamente tutti i personaggi della composizione: i parenti del defunto, i servi, gli impiegati, il sindaco della città, il notaio, il prete , il becchino e altre persone venute al cimitero. È interessante notare che quasi tutti quelli raffigurati avevano il proprio vero prototipo. Gli abitanti di Ornans si affollavano attorno allo studio di Courbet, sognando che l'artista li immortalasse in un dipinto.

G. Courbet. "Autoritratto con la pipa", 1846–1847, Museo Fabre, Montpellier

In ciascuno dei suoi personaggi, il pittore si sforza di mostrare i tratti caratteriali individuali. Lo spettatore vede persone diverse: astute, intelligenti, volitive, ipocrite. E allo stesso tempo hanno tutti qualcosa di simile, di tipico. Non c'è spiritualità nei volti degli ornaniani pratici e con i piedi per terra. Presentando ciascun modello separatamente, Courbet crea un ritratto generale della provincia francese con la sua inerzia e arretratezza di pensiero. L'idea dell'autore è enfatizzata da una combinazione di colori sobria, che gravita verso le sfumature del bianco e nero e dalla trama densa del dipinto.

Un’altra opera significativa di Courbet nel genere dei ritratti è “Atelier” (1855, Louvre, Parigi), che divenne l’incarnazione artistica del credo creativo del pittore. Al centro dell'immagine vediamo lo stesso Courbet, intorno a lui ci sono le sue persone che la pensano allo stesso modo, le cui immagini dei ritratti si trasformano in allegorie. Così Baudelaire personifica la poesia, Chanfleury la prosa, Proudhon la filosofia, ecc.

Hogarth, William (1697-1764) - un eccezionale incisore, pittore e teorico dell'arte inglese. eseguito in uno stile realistico e vivente, ha rivelato i vizi della società contemporanea. Questi sono i cicli di dipinti “La vita di un libertino”, “Matrimonio alla moda”, “Matrimonio felice”, “Elezioni”. Inoltre, dipinse molte scene di genere e ritratti. Di seguito verranno riportati altri dipinti con titoli di William Hogarth. Per cominciare, presenteremo l'artista stesso nel pieno della sua creatività.

“Autoritratto con cane” (1745). Galleria Tate, Londra

Oltre a questo dipinto di William Hogarth con il suo amato carlino, c'è anche un autoritratto su un cavalletto con una parrucca. Ma ci concentreremo specificamente sulla tela con il cane Trump, poiché l'artista ha raccolto in essa tutto ciò che gli è caro e dolce. Innanzitutto l’amato cane, che fu amico fedele del pittore. In secondo luogo, tre volumi di libri preferiti, i cui autori erano Milton, Shakespeare e Swift. William Hogarth trasse idee per i suoi dipinti dalle opere di questi geni. La descrizione del ritratto che abbiamo iniziato continuerà di seguito. L’artista era molto amichevole con Swift, che sosteneva il desiderio del pittore di schiacciare i vizi della società con la satira. L'artista, che credeva di non avere eguali in Inghilterra a quel tempo, si avvicinò al suo ritratto con ironia. Non si esalta, ma si raffigura in abiti casalinghi: senza parrucca, con un cappello caldo e una vestaglia. Il suo viso è assolutamente calmo. Quest'uomo volitivo con tratti piuttosto ponderosi ha ottenuto tutto da solo nella vita e ne è giustamente orgoglioso. Di fronte a lui in primo piano c'è una tavolozza con una linea ondulata, che lui chiama la linea della bellezza. Gli occhi dell'artista guardano attentamente e apertamente lo spettatore. Ci scruta, studiando i suoi personaggi. La sua composizione è molto insolita: un dipinto nel dipinto. Lo stile di questo autoritratto è quello della natura morta con elementi barocchi, poiché racchiuso in un ovale, molto utilizzato fino alla fine del XVII secolo.

Creazione

Sei dipinti e incisioni (tutti i dipinti non sono sopravvissuti, alcuni rimangono solo nelle incisioni) compongono un ciclo sulla vita di una ragazza di provincia, divenuta nella capitale una persona di facili costumi. Furono eseguiti nel 1730-1731 ("La carriera di una donna corrotta"). Le incisioni divennero popolari. Sono stati venduti in quasi tutte le librerie. Il fondatore della scuola di pittura inglese fu glorificato dai cicli dei suoi dipinti, di cui abbiamo già parlato, così come dai ritratti che erano un'impressionante satira sulla chiesa - "The Asleep Flock" (1728-1729), sulla creatività persone - "Il poeta torturato" e sui giudici - "Denuncia" "(1729) e "La Corte" (1758). Nell'ultima foto, è semplicemente spaventoso guardare la faccia del giudice, che ricorda il muso di un bulldog.

Con una tale presa mortale si aggrapperà all'imputato e lo condannerà indipendentemente dalla colpa. Inizialmente l'artista ha irritato pubblico e critica con la luminosità delle sue opere. I dipinti di William Hogarth furono attaccati a causa della luminosità dei suoi colori, della squisita bellezza della sua tavolozza, dell'insolita freschezza dei suoi temi, ed era un innovatore e riformatore nella pittura inglese. Se i ritratti erano di gruppo, il maestro li allineava davanti a noi come su un palco, esaminando i soggetti come uno scrittore, affinando le immagini dei suoi personaggi. I dipinti di William Hogarth indicano la loro volgarità, depravazione e maleducazione morale. L'arte, come credeva Hogarth, dovrebbe sviluppare l'anima e la mente, e non solo intrattenere, come faceva il rococò.

"Ragazza con gamberetti" (1760 circa)

È impossibile passare da questa tela, irradiando la gioia della vita. C'è luce proveniente dall'interno di questo ritratto. Qui, come in “Ritratti di servi”, il pittore cessa di essere un autore satirico. È pieno di ammirazione per la giovane ragazza che porta in testa come una corona un piatto di gamberi. Il modello raffigurato semigirato è illuminato dai raggi del sole. L'opera è scritta con tratti dinamici e potenti. Non ci sono sottili transizioni di colore in esso. La complessa combinazione di colori, che combina toni dorati, brunastri e rosati, è scomposta in componenti semplici. Pertanto, sembra che l'immagine nasca da sola davanti agli occhi dello spettatore. Questa impressione istantanea dell'artista è un salto attraverso i secoli verso l'impressionismo. Questo lavoro ha mostrato amore per l'uomo comune della gente. L'immagine della commessa è estremamente affascinante. Questo è uno dei dipinti più famosi dell’artista, in cui mostra a tutti le basi naturali di una persona che vive senza maschera.

Ritratti del maestro

Hogarth non dipinse quasi mai ritratti di uomini, donne o bambini su commissione. Le persone a lui vicine nello spirito diventano i suoi eroi. Questi sono la sua famiglia o i suoi amici. Pertanto, sono colorati con rispetto e simpatia per i modelli. In essi non troveremo l'effeminatezza e l'affettazione del rococò. Al contrario, ci viene rivelata l'integrità della natura della persona raffigurata. Hogarth mostra anche la loro pletora terrena.

Gli esempi includono "Miss Mary Edwards" (1740, collezione privata, New York), "Children of the Graham Family" (1742), "Mrs. Salter" (≈ 1741 o 1744). Entrambi i dipinti recenti sono esposti alla Tate Gallery (Londra).

La storia della serie satirica

Nel 1743-1745 Hogarth dipinse un ciclo di sei dipinti. Si prendevano gioco dell'alta società. Il figlio di un aristocratico impoverito decise di sposare la figlia di un ricco borghese e di migliorare i suoi dipinti di Hogarth “A Fashionable Marriage” è una parodia dell'alta società che, dimenticandosi dell'onore e della dignità, per desiderio di ricchezza materiale, cercò di avvicinarsi a loro in qualsiasi modo, anche attraverso matrimoni ineguali. Ciascuno dei A Fashionable Marriage di William Hogarth ripercorre attentamente e coerentemente la sua evoluzione fino alla morte di tutti i personaggi principali. Non solo il matrimonio non ha portato loro la felicità, ma ha anche distrutto le loro speranze di una vita umana normale.

William Hogarth, “Un matrimonio alla moda”: descrizione del dipinto

Così Hogarth parlava dei costumi della società contemporanea.

In sintesi, sottolineiamo ancora una volta che il pittore fu un innovatore che, nello spirito dell'Illuminismo, mostrò i difetti e i lati oscuri della società.