L'acquisizione di conoscenze, abilità e abilità nell'educazione musicale viene effettuata utilizzando materiale artistico. La percezione delle opere musicali in tutti i tipi di attività è sempre di natura originale e creativa. L'attività di apprendimento creativo dovrebbe permeare l'intero processo di acquisizione di conoscenze, sviluppo di competenze e abilità e quindi non distinguersi come elemento indipendente dell'apprendimento.
In relazione a quanto sopra, gli elementi del contenuto dell'educazione musicale sono: - l'esperienza dell'atteggiamento emotivo e morale di una persona nei confronti della realtà, incarnata nella musica (cioè la musica stessa, "materiale musicale"); - conoscenza musicale; - abilità musicali; - abilità musicali.
Criteri di selezione materiale musicale - la componente principale del contenuto dell'educazione musicale, sono:
Arte;
Divertente e accessibile ai bambini;
Fattibilità pedagogica;
Valore educativo (la possibilità di formare ideali morali e gusti estetici degli studenti.
Conoscenza musicale. La base per comprendere l'arte della musica è la conoscenza a due livelli: 1) conoscenza che contribuisce alla formazione di una comprensione olistica dell'arte della musica; 2) conoscenze che aiutano la percezione di specifiche opere musicali.
Il primo livello di conoscenza caratterizza la natura dell'arte musicale come fenomeno sociale, la sua funzione e ruolo nella vita pubblica e le norme estetiche.
Il secondo livello è la conoscenza delle caratteristiche essenziali del linguaggio musicale, delle leggi di costruzione e sviluppo della musica e dei mezzi di espressione musicale.
Queste disposizioni della scienza musicale hanno determinato l'approccio alla selezione della conoscenza sulla musica. Secondo loro, D.B. Kabalevskij ha identificato la conoscenza generalizzata (“chiave”) nel contenuto dell'educazione musicale. Questa è una conoscenza che riflette i fenomeni più generali dell'arte musicale. Caratterizzano connessioni tipiche e stabili tra musica e vita e sono correlati ai modelli di sviluppo musicale nei bambini. Le conoscenze chiave sono necessarie per comprendere l'arte della musica e le sue singole opere.
Nel contenuto dell'educazione musicale scolastica, il secondo gruppo di conoscenze è correlato alla conoscenza che di solito viene chiamata “privata” (D.B. Kabalevskij). Sono subordinati a quelli chiave. Questa categoria include la conoscenza dei singoli elementi specifici del discorso musicale (altezza, ritmo, tempo, dinamica, modalità, timbro, agogica, ecc.), informazioni biografiche su compositori, artisti, storia della creazione dell'opera, conoscenza della notazione musicale , eccetera.
Abilità musicali. La percezione della musica è la base per la formazione della cultura musicale tra gli scolari. Il suo aspetto essenziale è la consapevolezza. La percezione è strettamente correlata alla conoscenza e include l'apprezzamento artistico. La capacità di dare una valutazione estetica di un’opera può servire come uno degli indicatori della cultura musicale di uno studente. La percezione è la base di tutti i tipi di performance, poiché è impossibile senza un atteggiamento emotivo e consapevole nei confronti della musica, senza la sua valutazione.
Quindi, la capacità degli studenti di applicare le conoscenze nella pratica, nel processo di percezione della musica, si manifesta nella formazione di abilità musicali.
La conoscenza "chiave" viene utilizzata in tutti i tipi di attività educative musicali degli scolari, pertanto le competenze formate sulla base sono considerate leader.
Insieme alle principali abilità musicali, si distinguono quelle particolari, che si formano anche in forme specifiche di attività.
Tra le competenze “private” si possono distinguere tre gruppi:
Competenze legate alla conoscenza dei singoli elementi del discorso musicale (altezza, ritmo, timbro, ecc.);
Competenze relative all'applicazione delle conoscenze musicali su compositori, esecutori, strumenti musicali, ecc.;
Competenze legate alla conoscenza della notazione musicale.
Pertanto, le competenze dirigenziali e private sono correlate con le conoscenze chiave e private, nonché con varie forme di attività educativa musicale.
Abilità musicali sono in connessione diretta con le attività musicali educative degli scolari e si esibiscono in determinate tecniche di esecuzione musicale. Le abilità esecutive si formano anche sulla base della percezione musicale. Senza la loro acquisizione non si può parlare di completa assimilazione dei contenuti didattici.
Soggetto 6:
Il concetto di educazione musicale e il programma musicale D.B. Kabalevskij: passato e presente
1. Caratteristiche generali
Negli anni '70 del XX secolo, la pedagogia domestica aveva accumulato una vasta esperienza nel campo dell'educazione musicale degli scolari. Allo stesso tempo, è necessario creare un concetto unificato e generalizzante che dia indicazioni chiare per la formazione della cultura musicale degli scolari.
Un concetto, secondo il dizionario, è un sistema di opinioni su un fenomeno, il punto di vista principale da cui viene visto questo fenomeno, l'idea guida, ecc.
Un gruppo di giovani scienziati guidati dal famoso compositore e personaggio pubblico Dmitry Borisovich Kabalevskij è stato incaricato di sviluppare un simile concetto. Il concetto e il programma sono stati sviluppati nel laboratorio dell'Istituto di ricerca scolastica del Ministero dell'Istruzione della RSFSR nel periodo dal 1973 al 1979. Le idee principali del concetto sono incarnate nell’articolo che precede il programma musicale “Principi e metodi di base del programma musicale per le scuole secondarie”. Il programma stesso è stato rilasciato in piccole edizioni con la nota "Sperimentale". Contestualmente sono state pubblicate antologie musicali a supporto musicale del programma, nonché fonocrestomazia con registrazioni di tutte le opere del programma. Durante la prova sperimentale del programma, le lezioni di musica in una delle scuole di Mosca sono state impartite dallo stesso Kabalevskij. Queste lezioni sono state trasmesse in televisione. Anche il libro per bambini "About Three Whales and Much More", scritto da D.B., è stato ampiamente distribuito in tutto il paese. Kabalevskij per bambini.
Per l'uso di massa, nel 1980 è stato pubblicato un programma musicale per le classi 1-3 (con sviluppi metodologici basati su lezioni) e per le classi 4-7 - nel 1982.
Il programma di Kabalevskij è ancora ampiamente utilizzato nel nostro paese. È il punto di partenza per lo sviluppo di nuovi programmi musicali. Tuttavia, negli ultimi anni, questo programma è diventato sempre più oggetto di critiche. Allo stesso tempo, ha anche molti sostenitori. Sembra che sia illecito ritenerlo superato e inadatto.
Questo concetto è una conquista importante della nostra cultura. Ha assorbito la migliore esperienza della pedagogia domestica e ha anche anticipato una serie di processi qualitativamente nuovi emergenti sia nella storia dell'arte che in tutti gli aspetti della vita pubblica. Vale a dire, il desiderio di preservare e coltivare la cultura spirituale, il riconoscimento della priorità dei valori umani universali. Questo concetto ha un grande potenziale di sviluppo. Pur mantenendo l'essenza, questo sviluppo ha le seguenti direzioni:
Sviluppo della didattica artistica e della teoria della pedagogia dell'arte;
Giustificazione del materiale musicale del programma;
Ampliamento del materiale musicale del programma;
Ampliare il ruolo dell'improvvisazione e della produzione musicale vocale e strumentale;
Arricchire la lezione con folklore, musica sacra, esempi di musica popolare moderna, ecc.
Uno dei compiti più importanti di un insegnante che lavora secondo il D.B. Kabalevskij: sviluppare le idee umanistiche del concetto. Nella loro visione, il contenuto del processo educativo è il dialogo spirituale tra culture diverse. Il contenuto diventa il processo di educazione dei bambini a un atteggiamento morale ed estetico nei confronti della realtà, attraverso l'arte stessa, l'attività artistica del bambino come la sua “vita” nell'arte, la creazione di se stesso come individuo, uno sguardo dentro se stesso.
Pertanto, intendendo il contenuto del concetto come il processo di formazione della spiritualità di un bambino attraverso la musica, attraverso l'esperienza, il sentimento e l'impressione, si può sostenere che non c'è nulla da aggiornare nel programma.
Se parliamo di aggiornamento del contenuto del programma come aggiornamento di materiale musicale, modi di comunicare con la musica, ecc., Allora questo processo è inerente al concetto come costante, necessario e naturale.
Si concentra sul fatto che il materiale musicale può essere sostituito e sul fatto che durante l’attuazione del programma è necessario l’approccio creativo dell’insegnante nella scelta dei metodi e delle forme di fare musica pratica.
Nel 1994 È stata rilasciata una nuova edizione del programma, realizzata da Bader e Sergeeva. Gli obiettivi principali della ristampa sono eliminare il contenuto ideologico del contenuto e consentire all'insegnante di mostrare iniziativa creativa nella pianificazione delle lezioni. Pertanto in questa edizione il materiale musicale è stato modificato e sono stati eliminati gli sviluppi metodologici basati sulle lezioni.
2. Lo scopo, gli obiettivi, i principi e i metodi fondamentali del programma musicale,
sviluppato sotto la guida di D.B. Kabalevskij
Scopo delle lezioni di musica in una scuola comprensiva: l'educazione alla cultura musicale degli scolari come parte necessaria della loro cultura spirituale generale.
Compiti principali: 1) formazione di un atteggiamento emotivo nei confronti della musica basato sulla sua percezione; 2) formazione di un atteggiamento consapevole nei confronti della musica; 3) la formazione di un atteggiamento attivo e pratico nei confronti della musica nel processo della sua esecuzione, in particolare del canto corale, come forma più accessibile di fare musica.
Principi di base del programma:
Studiare la musica come arte viva, affidandosi alle leggi della musica stessa;
Connessioni tra musica e vita;
Interesse e passione per l'educazione musicale;
Unità dell'emotivo e del cosciente;
Unità artistica e tecnica;
Struttura tematica del programma musicale.
Secondo quest'ultimo principio, ogni trimestre ha il suo tema. Diventando gradualmente più complesso e approfondito, si rivela di lezione in lezione. C'è una continuità tra i trimestri e gli stadi (gradi). Tutti gli argomenti secondari e secondari sono subordinati a quelli principali e vengono studiati in relazione ad essi. L'argomento di ogni trimestre corrisponde a una conoscenza “chiave”.
Metodi fondamentali del programma. I metodi principali del programma nella loro interezza mirano principalmente al raggiungimento dell'obiettivo e all'organizzazione dell'assimilazione dei contenuti. Contribuiscono a stabilire l'integrità del processo di apprendimento musicale in una lezione di musica come lezione d'arte, cioè svolgono funzioni regolatrici, cognitive e comunicative. Questi metodi interagiscono con tutti gli altri metodi.
Metodo di generalizzazione musicale. Ogni argomento è di natura generale e unisce tutte le forme e tipi di attività. Poiché l'argomento è di natura generalizzante, è possibile padroneggiarlo solo con il metodo della generalizzazione. Gli studenti padroneggiano conoscenze generalizzate basate sulla percezione musicale. Questo metodo mira principalmente a sviluppare nei bambini un atteggiamento consapevole nei confronti della musica e a sviluppare il pensiero musicale.
Il metodo di generalizzazione musicale appare sotto forma di modalità cumulative di organizzazione delle attività degli studenti volte a padroneggiare le conoscenze chiave sulla musica e a sviluppare capacità di guida.
Il metodo include una serie di azioni sequenziali:
1a azione. Il compito è attivare l'esperienza musicale e di vita degli scolari, necessaria per introdurre l'argomento o approfondirlo. La durata della fase preparatoria è determinata dalla natura della conoscenza generalizzata. La durata della preparazione dipende anche dal livello di esperienza musicale degli studenti. La cosa principale è non permettere che l'argomento venga studiato formalmente, senza fare affidamento su un'esperienza uditiva sufficiente per questo.
2a azione. L’obiettivo è introdurre nuove conoscenze. Le tecniche di natura produttiva sono di primaria importanza: varie opzioni per organizzare una situazione di ricerca. Nel processo di ricerca emergono tre punti: 1) il compito chiaramente formulato dall'insegnante; 2) gradualmente, insieme agli studenti, risolvere un problema con l'aiuto di domande guida, organizzando l'una o l'altra azione; 3) la conclusione finale, che gli studenti stessi dovranno formulare e pronunciare.
La 3a azione è associata al consolidamento delle conoscenze in vari tipi di attività educative, con la formazione della capacità di navigare autonomamente nella musica sulla base delle conoscenze acquisite. L'attuazione di questa azione prevede l'utilizzo di una combinazione di varie tecniche di natura produttiva e riproduttiva.
Il metodo di “correre avanti” e “tornare” a ciò che è stato trattato. Il contenuto del programma è un sistema di argomenti correlati. È importante che la lezione nella mente dell'insegnante e degli studenti funga da collegamento al tema generale e all'intero programma. L'insegnante deve, da un lato, preparare costantemente il terreno per i prossimi argomenti e, dall'altro, tornare costantemente al materiale trattato per comprenderlo a un nuovo livello.
Quando si implementa il metodo, il compito dell'insegnante è scegliere le migliori opzioni di "rodaggio" e "restituzione" per una particolare classe. Ci sono tre livelli di connessioni qui.
1. Connessioni tra le fasi di apprendimento 2. Connessioni tra gli argomenti dei trimestri. 3. Collegamenti tra opere musicali specifiche nel processo di studio degli argomenti del programma.
Metodo della drammaturgia emotiva. Le lezioni sono strutturate principalmente secondo due principi emotivi: contrasto emotivo e arricchimento e sviluppo coerenti dell'uno o dell'altro tono emotivo della lezione.
Sulla base di ciò, il compito è correlare l'uno o l'altro principio di costruzione delle lezioni proposto nel programma con condizioni specifiche, livello di sviluppo musicale e generale degli studenti.
Il metodo della drammaturgia emotiva mira principalmente ad attivare l'atteggiamento emotivo degli scolari nei confronti della musica. Aiuta a creare un'atmosfera di passione e vivo interesse per gli studi musicali. Questo metodo consente, se necessario, di chiarire la sequenza dei lavori previsti per la lezione (il suo inizio, continuazione, culmine - un momento particolarmente importante della lezione, alla fine) in conformità con le condizioni specifiche della lezione.
È importante determinare la migliore combinazione di forme e tipi di attività musicale (attività) nelle condizioni di una determinata classe.
La personalità dell'insegnante (la sua passione per la materia, manifestata nell'esecuzione della musica, nei giudizi, nell'obiettività nella valutazione degli studenti, ecc.) funge da potente incentivo per intensificare le attività degli scolari in classe.
Argomento 1. La musica come fenomeno. Tipi di creatività musicale.
Musica(dal greco musike, lett. - l'arte delle muse) - un tipo di arte in cui i mezzi per incarnare immagini artistiche sono sequenze sonore significative e appositamente organizzate (in altezza e nel tempo). Esprimendo pensieri e sentimenti in forma udibile, la musica, insieme alla parola, funge da mezzo sonoro di comunicazione umana.
In una cultura musicale sviluppata, la creatività è rappresentata da molteplici varietà che si intersecano e che possono essere differenziate secondo criteri diversi.
Classificazione dei fenomeni musicali per tipi di creatività musicale:
1. Folklore o arte popolare.
Caratteristiche della creatività:
1) Orale. Passato di bocca in bocca.
2) Poco professionale.
3) Canonico (il canone è un modello, la legge secondo la quale viene creata questa o quell'opera)
2. Creatività del tipo menestrello. Oppure la musica di intrattenimento urbano dall'alto medioevo al pop moderno o alla musica leggera.
Caratteristiche della creatività:
1) Orale.
2) Professionale.
3) Canonico.
4) Teoricamente incomprensibile.
3. Improvvisazione canonica(musica religiosa).
Caratteristiche della creatività:
1) Orale.
2) Professionale.
3) Canonico.
4) Teoricamente significativo.
4. Opus - musica(l'opus è una composizione originale registrata in notazione musicale). Opus - viene anche chiamata la musica - del compositore, autonomo, serio, classico, accademico.
Caratteristiche della creatività:
1) Scritto.
2) Professionale.
3) Originale (requisiti – unicità, individualità).
4) Teoricamente significativo.
Caratteristiche di classificazione della musica come arte:
1. Non figurativo.
2. Temporale (non spaziale).
3. Esecuzione.
Argomento 2. Proprietà del suono musicale. Mezzi espressivi della musica.
Nel linguaggio musicale, separato suoni musicali concettualizzati e organizzati in modo tale da formarsi complesso di mezzi espressivi della musica. I mezzi espressivi della musica servono a incarnare immagini artistiche che possono evocare nell'ascoltatore una certa gamma di associazioni attraverso le quali viene percepito il contenuto di un'opera musicale.
Proprietà del suono musicale:
1. Altezza.
2. Durata.
3. Volume.
Mezzi espressivi della musica:
1. Melodia.
2. Armonia.
3. Trama.
5. Dinamica.
Melodia. Organizza i suoni in base all'altezza nella loro sequenza.
Uno dei mezzi di espressione più importanti (insieme al ritmo). La parola "melodia" può essere usata come sinonimo della parola "musica". (Pushkin A.S. "Tra i piaceri della vita, la musica è inferiore solo all'amore, ma l'amore è anche una melodia"). La melodia è anche chiamata pensiero musicale.
L'espressività di una melodia si basa sul fatto che il suo analogo al di fuori dei fenomeni musicali è la parola. La melodia nella musica svolge lo stesso ruolo del parlato nella nostra vita quotidiana. Cosa hanno in comune la melodia e il parlato? intonazione. Nel discorso, l'intonazione ha principalmente una connotazione emotiva, nella musica - sia semantica che emotiva.
Armonia. Organizza i suoni per altezza (verticale) in simultaneità.
L'armonia organizza i suoni in consonanza.
Consonanze sono divisi in consonanze(bel suono) e dissonanze(suono acuto).
Le consonanze possono suonare stabile e instabile. Queste qualità sono un colossale mezzo di espressione. Trasmettono un aumento della tensione, una diminuzione della tensione e creano una sensazione di sviluppo.
Struttura. Si tratta di un tessuto musicale che organizza i suoni sia orizzontalmente che verticalmente.
Tipi di fatture:
1. Monodia (melodia senza accompagnamento).
A) La polifonia è il suono simultaneo di melodie uguali.
3. Melodia con accompagnamento (tessitura omofonica).
4. Accordo e figurazione dell'accordo.
Ritmoè l'organizzazione dei suoni nel tempo. I suoni hanno durate diverse. I suoni hanno un accento (accentato e non accentato). Funzioni del ritmo:
a) il ritmo organizza il tempo musicale, lo divide in sezioni proporzionali da accento ad accento. La sezione da accento ad accento è una battuta. Questa è una funzione metrica del ritmo (chiamata "metro");
b) il ritmo trasmette movimento in avanti, crea una sensazione di vita, unicità, poiché suoni di diversa durata si sovrappongono alla griglia metrica.
Il campo associativo del ritmo è molto ampio. L'associazione principale è con il movimento del corpo: la plasticità di un gesto, il ritmo di un passo. Può anche essere associato al battito cardiaco e al ritmo respiratorio. Ti ricorda il conto alla rovescia. Attraverso il ritmo la musica è collegata ad altre forme d'arte, in particolare alla poesia e alla danza.
Dinamica– organizzazione dei suoni per volume. Il forte è forte, il pianoforte è silenzioso. Crescendo - diminuzione della dinamica, tensione e diminuendo - aumento.
Timbro- il colore del suono che contraddistingue questo o quello strumento, questa o quella voce che canta. Per caratterizzare il timbro, vengono spesso utilizzate associazioni visive, tattili e gustative (timbro luminoso, lucido o opaco, timbro caldo o freddo, timbro succoso), che parla ancora una volta della natura associativa della percezione musicale.
Uomo: tenore, baritono, basso
Da donna: soprano, mezzosoprano, contralto
Composizione dell'orchestra sinfonica:
4 gruppi principali
(l'ordine di elencazione degli strumenti nei gruppi è per altezza, dall'alto verso il basso):
Archi (violino, viola, violoncello, contrabbasso).
Fiati (flauto, oboe, clarinetto, fagotto).
Ottoni (tromba, corno, trombone, tuba).
Percussioni (timpani, grancassa, rullante, piatti, triangolo).
Composizione del quartetto d'archi:
2 violini, viola, violoncello
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Orlov G. A. L'albero della musica. San Pietroburgo, 2005
Palestra dell'istituto educativo municipale autonomo n. 26 della città di Tomsk
Test di controllo sulla musica per IO trimestre
(secondo il programma di Naumenko T.I., Aleeva V.V.)
7 ° grado
Compilato da: Zhukova Lyubov Ivanovna,
insegnante di musica,
G. Tomsk
2016
Prova finale n.1 in musica (domande)
7 ° grado
A) vera comprensione della natura: non un cast, non un volto senz'anima.
2. Affinché un artista possa creare una vera opera d'arte, deve:
R) niente
B) vedere e capire
3. Quale compositore fu colpito da una melodia (nell'oratorio “La creazione del mondo”), che esprimeva la nascita della luce, ed esclamò: “Questo non viene da me, viene dall'alto!”
A) J. Brahms
B) M. Glinka
B) I. Haydn
4. Natura dentro III
A) vivo, furioso
B) calmo, pacifico
B) furioso e pacifico
A) unità di contenuto
B) unità della forma
A) non programma
B)software
A) uno B) due C) tre
A) dal programma letterario
A) dettagli
B) generalizzazione
C) entrambe le risposte sono corrette
A) tutti i dolori del mondo
B) tutte le gioie del mondo
C) la tristezza e la gioia dell'eroe
A) il mare e la nave di Sinbad
B) Principe Guidon
Prova finale n.1 in musica (risposte)
7 ° grado
1.Cosa ci insegna di più F. Tyutchev nella sua poesia:
Non quello che pensi, la natura,
A) una vera comprensione della natura Non un cast, non una faccia senz'anima.
B) immaginazione Ha un'anima, ha la libertà,
C) l'uso dei doni della natura: in esso c'è l'amore, fuori c'è il linguaggio.
2. Affinché un artista possa creare una vera opera d'arte, deve:
R) niente
B) vedere, comprendere e incarnare
B) vedere e capire
3. Il compositore, colpito da una melodia (nell'oratorio “La creazione del mondo”), che esprimeva la nascita della luce, ed esclamò: “Questo non viene da me, questo viene dall'alto!”
A) J. Brahms
B) M. Glinka
B) I. Haydn
4. Natura dentro III parte del concerto “Estate” (dal ciclo “Stagioni”) A. Vivaldi appare:
A) vivo, furioso
B) calmo, pacifico
B) furioso e pacifico
5. Quale idea unisce la poesia di F. Tyutchev, il dipinto di I. Repin e I. Aivazovsky (pagina 4 del libro di testo), la musica di A. Vivaldi:
A) unità di contenuto
B) unità di contenuto e forma
B) unità della forma
6. Che tipo di musica è difficile da spiegare a parole:
A) non programma
B)software
C) avere un nome (“Foresta”, “Scheherazade”, “Notte a Madrid” e altri)
7. Quanti stati d'animo ci sono nell'opera di P. Ciajkovskij “Novembre. Sui tre":
Un soloB) due Alle tre
8. Lo studio n. 12 di A. Scriabin è la prova che l'espressività del contenuto di un'opera musicale non dipende sempre da:
A) dal programma letterario
B) dai mezzi di espressione musicale
C) dall’esperienza personale del compositore
9. La base della creatività nell'arte è (scegli quella strana):
A) esprimere sentimenti e pensieri di estranei
B) espressione di sentimenti e pensieri vissuti dall'autore
C) esperienza personale di sconfitte e vittorie
10. Qual è la proprietà più importante del contenuto musicale:
A) dettagli
B) generalizzazione
C) entrambe le risposte sono corrette
11. Quali sentimenti riassume la musica della "Sonata al chiaro di luna" di L. Beethoven:
A) tutti i dolori del mondo
B) tutte le gioie del mondo
C) la tristezza e la gioia dell'eroe
12. N. Rimsky-Korsakov nella suite sinfonica “Scheherazade” usa i nomi delle singole parti come un programma (scegli quello dispari):
A) il mare e la nave di Sinbad
B) la storia di Kalender - il principe
B) Principe Guidon
Lo sviluppo delle capacità musicali è uno dei compiti principali dell'educazione musicale dei bambini. Una questione cardinale per la pedagogia è la questione della natura delle abilità musicali: se sono proprietà umane innate o si sviluppano come risultato dell'esposizione all'ambiente, dell'educazione e della formazione. Un altro importante aspetto teorico del problema, da cui dipende in modo significativo la pratica dell'educazione musicale, è la definizione del contenuto dei concetti abilità musicali, musicalità, talento musicale. La direzione delle influenze pedagogiche, la diagnosi delle abilità musicali, ecc., dipendono in gran parte da ciò che viene preso come base per il contenuto di questi concetti.
Nelle diverse fasi storiche della formazione della psicologia e della pedagogia musicale (straniera e domestica), così come attualmente, nello sviluppo degli aspetti teorici e quindi pratici del problema dello sviluppo delle capacità musicali, ci sono diversi approcci e ci sono discrepanze nella definizione dei concetti più importanti.
B.M. Teplov nelle sue opere ha fornito un'analisi profonda e completa del problema dello sviluppo delle capacità musicali. Ha confrontato i punti di vista degli psicologi che rappresentano una varietà di direzioni in psicologia e ha delineato la sua visione del problema.
B.M. Teplov definì chiaramente la sua posizione sulla questione delle capacità musicali innate. Basato sul lavoro dell'eccezionale fisiologo I.P. Pavlov, riconobbe le proprietà innate del sistema nervoso umano, ma non le considerò solo ereditarie (dopo tutto, possono formarsi durante il periodo di sviluppo intrauterino del bambino e per un certo numero di anni dopo la nascita). Proprietà innate del sistema nervoso B.M. Teplov si separa dalle proprietà mentali di una persona. Sottolinea che solo le caratteristiche anatomiche e fisiologiche possono essere congenite, cioè inclinazioni che sono alla base dello sviluppo delle capacità.
Abilità B.M. Teplov lo definisce come le caratteristiche psicologiche individuali di una persona legate al successo nello svolgimento di una o più attività. Non si limitano alla presenza di competenze, abilità o conoscenze, ma possono spiegare la facilità e la velocità della loro acquisizione.
Le abilità musicali necessarie per la riuscita attuazione delle attività musicali sono riunite nel concetto di “musicalità”.
Musicalità, come scrive B.M.. Teplov, questo è un complesso di abilità richieste per praticare l'attività musicale, diverso da qualsiasi altro, ma allo stesso tempo associato a qualsiasi tipo di attività musicale.
Oltre alla musicalità, che include un complesso di abilità speciali, vale a dire musicali, di B.M. Teplov sottolinea che una persona ha capacità più generali che si manifestano nell'attività musicale (ma non solo in essa). Questa è immaginazione creativa, attenzione, ispirazione, volontà creativa, senso della natura, ecc. La combinazione qualitativa di abilità generali e speciali forma uno spettro più ampio della musicalità. concetto di talento musicale.
B.M. Teplov sottolinea che ogni persona ha una combinazione unica di abilità: generali e speciali. Le peculiarità della psiche umana suggeriscono la possibilità di una diffusa compensazione di alcune proprietà da parte di altre. Pertanto, la musicalità non si riduce a un’abilità: “Ogni abilità cambia e acquisisce un carattere qualitativamente diverso a seconda della presenza e del grado di sviluppo delle altre abilità”.
Ogni persona ha una combinazione originale di abilità che determina il successo di una particolare attività.
"Il problema della musicalità", sottolinea B.M. Teplov, “questo è un problema che è principalmente qualitativo, non quantitativo”. Ogni persona normale ha una certa musicalità. La cosa principale che dovrebbe interessare un insegnante non è la questione di quanto sia musicale questo o quello studente, ma la questione di quale sia la sua musicalità e quali, quindi, dovrebbero essere le modalità del suo sviluppo.
Pertanto, B.M. Teplov riconosce come innate alcune caratteristiche, predisposizioni e inclinazioni umane. Le abilità stesse sono sempre il risultato dello sviluppo. L’abilità per sua stessa essenza è un concetto dinamico. Esiste solo nel movimento, solo nello sviluppo. Le capacità dipendono da inclinazioni innate, ma si sviluppano nel processo di istruzione e formazione.
Una conclusione importante fatta da B.M. Il termico è il riconoscimento del dinamismo, delle capacità sviluppate. "Non è questo il punto,- scrive lo scienziato, - che le abilità si manifestano nell'attività, ma che vengono create in questa attività.
Pertanto, quando si diagnosticano le abilità, qualsiasi test o test che non dipenda dalla pratica, dalla formazione e dallo sviluppo non ha senso.
Quindi, B.M. Teplov definisce la musicalità come un complesso di abilità sviluppate sulla base di inclinazioni innate nell'attività musicale, necessarie per la sua riuscita attuazione.
Per evidenziare il complesso di abilità che compongono la musicalità , È importante determinare le specificità del contenuto della musica (e, quindi, le qualità necessarie per la sua percezione), nonché le caratteristiche che distinguono i suoni musicali dagli altri suoni incontrati nella vita (e, quindi, le qualità necessarie per la loro discriminazione e riproduzione).
Rispondendo alla prima domanda (sulle specificità del contenuto musicale), B.M. Warm discute con il rappresentante dell'estetica tedesca E. Hanslick, che difende la visione dell'arte musicale come un'arte che non può esprimere alcun contenuto. I suoni musicali, secondo Hanslick, possono soddisfare solo le esigenze estetiche di una persona.
B.M. Teplov contrappone questo al punto di vista della musica come arte che ha varie possibilità per riflettere il contenuto della vita, trasmettere i fenomeni della vita e il mondo interiore di una persona.
Evidenziando due funzioni della musica: visiva ed espressiva, B.M. Teplov osserva che la musica visiva programmatica ha prototipi specifici, "visibili" (onomatopea, fenomeni naturali, rappresentazioni spaziali - avvicinarsi, allontanarsi, ecc.), un nome specifico o un testo letterario, una trama, che trasmette specifici fenomeni della vita, mentre esprime sempre una certa contenuto emotivo, stato emotivo.
Si sottolinea che sia la musica visiva, programmatica (la cui quota nell'arte musicale è trascurabile) che la musica non visiva, non programmatica, portano sempre contenuti emotivi: sentimenti, emozioni, stati d'animo. La specificità del contenuto musicale è determinata non dalle capacità visive della musica, ma dalla presenza di colorazione emotiva delle immagini musicali (sia visive che non programma). Pertanto, la funzione principale della musica è espressiva. Le ampie possibilità dell'arte musicale di trasmettere le sfumature più sottili dei sentimenti umani, i loro cambiamenti, le transizioni reciproche determinano le specificità del contenuto musicale. B.M. Teplov sottolinea che nella musica comprendiamo il mondo attraverso le emozioni. La musica è cognizione emotiva. Pertanto, il segno principale della musicalità di B.M. è Teplov chiama l'esperienza della musica in cui è compreso il suo contenuto. Poiché l’esperienza musicale per sua stessa essenza è un’esperienza emotiva e il contenuto della musica non può essere compreso se non in modo emotivo, il centro della musicalità è la capacità di una persona di rispondere emotivamente alla musica.
Quali capacità ha l'arte musicale di trasmettere determinati contenuti emotivi?
La musica è il movimento di suoni, diversi per altezza, timbro, dinamica, durata, organizzati in un certo modo in modi musicali (maggiore, minore), aventi una certa colorazione emotiva e capacità espressive. In ciascuna modalità, i suoni si relazionano tra loro, interagendo tra loro (alcuni sono percepiti come più stabili, altri - meno). Per percepire profondamente il contenuto musicale, una persona deve avere la capacità di differenziare i suoni in movimento a orecchio, distinguere e percepire l'espressività del ritmo. Pertanto, il concetto di “musicalità” comprende l'orecchio musicale, così come il senso del ritmo, che sono indissolubilmente legati alle emozioni.
I suoni musicali hanno proprietà diverse: hanno altezza, timbro, dinamica e durata. La loro discriminazione nei singoli suoni costituisce la base delle più semplici capacità sensoriali musicali. L'ultima delle proprietà dei suoni elencate (la durata) è alla base del ritmo musicale. La sensazione dell'espressività emotiva di un ritmo musicale e la sua riproduzione formano una delle capacità musicali di una persona: il sentimento ritmico-musicale. Le prime tre proprietà nominate dei suoni musicali (altezza, timbro e dinamica) costituiscono rispettivamente la base dell'altezza, del timbro e dell'udito dinamico.
In senso lato, l'orecchio musicale comprende l'altezza, il timbro e l'udito dinamico.
Tutte le proprietà elencate (altezza, timbro, dinamica e durata) sono inerenti non solo ai suoni musicali, ma anche ad altri: suoni del linguaggio, rumori, voci di animali e uccelli. Da cosa dipende l'unicità dei suoni musicali? A differenza di tutti gli altri suoni e rumori, i suoni musicali hanno un tono e una durata definiti e fissi. Pertanto, i principali portatori di significato nella musica di B.M. Teplov chiama intonazione e movimento ritmico.
Orecchio musicale nel senso stretto del termine B.M. Teplov lo definisce come ascolto del tono. Fornendo giustificazioni teoriche e sperimentali, dimostra che l'altezza gioca un ruolo di primo piano nella sensazione del suono musicale. Confrontando la percezione dell'altezza nei suoni rumorosi, nei suoni del parlato e nella musica, B.M. Teplov giunge alla conclusione che nel rumore e nei suoni del parlato l'altezza viene percepita nella sua totalità, indifferenziata. Le componenti del timbro non sono separate dalle componenti dell'altezza stesse.
La sensazione di altezza è inizialmente fusa con il timbro. La loro divisione si forma nel processo dell'attività musicale, poiché solo nella musica il movimento del tono diventa essenziale per la percezione. Pertanto, viene creata una sensazione di altezza musicale come l'altezza dei suoni che formano un certo movimento musicale, che stanno tra loro in una o nell'altra relazione di altezza. Di conseguenza, si giunge alla conclusione che l'orecchio musicale per sua stessa essenza deve essere udito in tono, altrimenti non sarà musicale. Non può esserci musicalità senza sentire l’altezza musicale.
Comprendere l'orecchio musicale (in senso stretto) come l'orecchio dell'orecchio non riduce il ruolo del timbro e dell'udito dinamico. Timbro e dinamica permettono di percepire e riprodurre la musica in tutta la ricchezza dei suoi colori e sfumature. Queste proprietà dell'udito sono particolarmente importanti per il musicista che si esibisce. Poiché l'altezza dei suoni è fissata nelle note e ci sono solo istruzioni generali dell'autore riguardo al timbro e alla dinamica, è la scelta dei diversi colori dei suoni (timbro e dinamica) che determina in gran parte le possibilità di libertà creativa dell'esecutore e l'originalità dell'interpretazione. Tuttavia, B.M. Teplov consiglia di coltivare l'udito timbrico solo quando sono disponibili le basi dell'udito tonale: “Prima di occuparsi dello sviluppo di un orecchio esecutivo, è necessario garantire la presenza di un suono musicale semplice, ad es. tono, udito."
Pertanto, l’orecchio musicale è un concetto multicomponente. L'udito dell'altezza ha due varietà: melodico e armonico. L'udito melodico è l'udito dell'altezza poiché si manifesta in una melodia a voce singola; udito armonico - udito dell'altezza nella sua manifestazione in relazione alle consonanze, e quindi alla musica polifonica. L'udito armonico può restare significativamente indietro rispetto all'udito melodico nello sviluppo. Nei bambini in età prescolare, l'udito armonico è solitamente sottosviluppato. Esistono dati osservativi che indicano che in età prescolare molti bambini sono indifferenti all'accompagnamento armonico di una melodia: non riescono a distinguere un accompagnamento falso da uno non falso. L'udito armonico implica la capacità di percepire e distinguere la consonanza (eufonia), che, a quanto pare, si sviluppa in una persona come risultato di qualche esperienza musicale. Inoltre, per dimostrare l'udito armonico, è necessario ascoltare simultaneamente più suoni di altezze diverse e distinguere ascoltando il suono simultaneo di più linee melodiche. Si acquisisce come risultato di attività che non possono essere svolte senza di essa, quando si lavora con la musica polifonica.
Oltre all'udito melodico e armonico, c'è anche concetto di altezza assoluta. Si tratta della capacità di una persona di distinguere e nominare i suoni senza avere un vero e proprio standard di paragone, cioè senza ricorrere al confronto con il suono di un diapason o di uno strumento musicale. L'altezza assoluta è una qualità molto utile, ma la pratica musicale di successo è possibile anche senza di essa, quindi non è una delle abilità musicali di base che costituiscono la struttura della musicalità.
Come già notato, l'orecchio musicale è strettamente correlato alle emozioni. Questa connessione si manifesta particolarmente chiaramente quando si percepisce la musica, distinguendo la colorazione emotiva, modale, gli stati d'animo, i sentimenti espressi in essa. Quando si suonano le melodie, opera una diversa qualità dell'udito: diventa necessario avere idee sulla posizione dei suoni in altezza, cioè avere idee musicale-uditive sul movimento dell'altezza.
Queste due componenti dell'udito dell'altezza - uditiva emotiva e uditiva reale - sono distinte da B.M. Termico come due abilità musicali, che chiamò senso modale e percezioni musicale-uditive. Ladovoe sentimento, percezioni musicali e uditive E senso del ritmo costituiscono tre abilità musicali di base che costituiscono il nucleo della musicalità.
Diamo un'occhiata alla struttura della musicalità in modo più dettagliato.
Sensazione di ansia. I suoni musicali sono organizzati in una certa modalità. I modi maggiori e minori differiscono nella colorazione emotiva. A volte il maggiore è associato a una gamma di stati d'animo emotivamente positivi - uno stato d'animo allegro, gioioso e minore - uno triste. In alcuni casi è esattamente così, ma non sempre.
Come si distingue la modalità di colorazione della musica?
Il sentimento modale è un'esperienza emotiva, una capacità emotiva. Inoltre, il sentimento modale rivela l'unità dei lati emotivo e uditivo della musicalità. Non solo il tasto nel suo insieme ha un proprio colore, ma anche i singoli suoni del tasto (che hanno una certa altezza). Dei sette gradi della scala, alcuni sembrano stabili, altri instabili. I passi principali del modo (primo, terzo, quinto), e soprattutto la tonica, suonano in modo costante ( primo stadio). Questi suoni costituiscono la base della modalità, il suo supporto. I restanti suoni sono instabili; nella melodia tendono ad essere stabili. Il sentimento modale è la distinzione non solo della natura generale della musica, degli stati d'animo in essa espressi, ma anche di alcune relazioni tra i suoni: stabili, completi (quando la melodia termina su di essi) e che richiedono completamento.
Il senso modale si manifesta quando percezione la musica come esperienza emotiva, “percezione sentita”. B.M. Teplov lo chiama componente percettiva ed emotiva dell'udito musicale. Può essere rilevato quando si riconosce una melodia, determinando se la melodia è finita o meno, nella sensibilità all'accuratezza dell'intonazione, nella colorazione modale dei suoni.In età prescolare, l'amore e l'interesse per la musica sono indicatori dello sviluppo del senso modale . Poiché la musica è essenzialmente un'espressione di contenuto emotivo, l'orecchio musicale dovrebbe ovviamente essere un orecchio emotivo. Il sentimento modale è uno dei fondamenti della reattività emotiva alla musica (il centro della musicalità). Poiché il sentimento modale si manifesta nella percezione del movimento dell'altezza, traccia la relazione tra la reattività emotiva alla musica e la sensazione dell'altezza musicale.
Spettacoli musicali e uditivi. Per riprodurre una melodia con la voce o con uno strumento musicale, è necessario avere rappresentazioni uditive di come si muovono i suoni della melodia: su, giù, dolcemente, bruscamente, sia che si ripetano, cioè avere rappresentazioni musicale-uditive del movimento dell’intonazione (e del ritmo). Per riprodurre una melodia a orecchio, è necessario ricordarla. Pertanto, le rappresentazioni musicale-uditive includono memoria e immaginazione. Proprio come la memorizzazione può essere involontaria e volontaria, le rappresentazioni musicale-uditive differiscono nel grado della loro volontarietà. Le rappresentazioni musicale-uditive volontarie sono associate allo sviluppo dell'udito interno. L'udito interiore non è solo la capacità di immaginare mentalmente i suoni musicali, ma di operare volontariamente con idee uditive musicali.
Osservazioni sperimentali dimostrano che per immaginare arbitrariamente una melodia, molte persone ricorrono al canto interno, e gli studenti che imparano a suonare il pianoforte accompagnano la presentazione della melodia con movimenti delle dita (reali o appena registrati), imitandone la riproduzione sulla tastiera. Ciò dimostra la connessione tra percezioni musicali e uditive e capacità motorie. Questa connessione è particolarmente stretta quando una persona ha bisogno di ricordare volontariamente una melodia e conservarla in memoria. “Memorizzazione attiva delle idee uditive” nota B.M. Teplov, - rende particolarmente significativa la partecipazione dei momenti motori.” 1 .
La conclusione pedagogica che consegue da queste osservazioni è la capacità di coinvolgere le capacità motorie vocali (canto) o di suonare strumenti musicali per sviluppare la capacità di percezioni musicale-uditive.
Pertanto, la percezione musicale-uditiva è un'abilità che si manifesta in riproduzione ascoltando melodie. È chiamato uditivo, O riproduttivo, componente dell'udito musicale.
Senso del ritmo- questa è la percezione e la riproduzione delle relazioni temporanee nella musica. Gli accenti svolgono un ruolo importante nella divisione del movimento musicale e nella percezione dell'espressività del ritmo.
Come evidenziato da osservazioni e numerosi esperimenti, durante la percezione della musica una persona effettua movimenti evidenti o impercettibili che corrispondono al suo ritmo e ai suoi accenti. Si tratta di movimenti della testa, delle braccia, delle gambe, nonché movimenti invisibili dell'apparato vocale e respiratorio. Spesso sorgono inconsciamente, involontariamente. I tentativi di una persona di fermare questi movimenti portano al fatto che o si presentano in una veste diversa, o l'esperienza del ritmo si interrompe del tutto. L'Io parla della presenza di una connessione profonda tra le reazioni motorie e la percezione del ritmo, della natura motoria del ritmo musicale.
L'esperienza del ritmo, e quindi la percezione della musica, è un processo attivo. “L'ascoltatore sperimenta il ritmo solo quando coproduce, realizza... Qualsiasi percezione completa della musica è un processo attivo che coinvolge non solo l'ascolto, ma anche facendo. E fabbricazione comprende una gamma molto diversificata di movimenti. Di conseguenza, la percezione della musica non è mai solo un processo uditivo; è sempre un processo uditivo-motorio”.
Il senso del ritmo musicale non ha solo natura motoria, ma anche emotiva. Il contenuto della musica è emotivo.
Il ritmo è uno dei mezzi espressivi della musica attraverso il quale viene trasmesso il contenuto. Pertanto, il senso del ritmo, come il senso della modalità, costituisce la base della reattività emotiva alla musica. La natura attiva ed efficace del ritmo musicale consente di trasmettere nei movimenti (che, come la musica stessa, hanno natura temporanea) i più piccoli cambiamenti nell'umore della musica e quindi comprendere l'espressività del linguaggio musicale. I tratti caratteristici del discorso musicale (accenti, pause, movimenti fluidi o a scatti, ecc.) possono essere trasmessi da movimenti corrispondenti nella colorazione emotiva (applausi, timbri, movimenti fluidi o a scatti delle braccia, delle gambe, ecc.). Ciò consente loro di essere utilizzati per sviluppare la reattività emotiva alla musica.
Pertanto, il senso del ritmo è la capacità di sperimentare attivamente (motoriamente) la musica, sentire l'espressività emotiva del ritmo musicale e riprodurlo accuratamente. La memoria musicale non si accende B.M. Termico tra le abilità musicali di base, da allora "immediato la memorizzazione, il riconoscimento e la riproduzione dell’altezza e dei movimenti ritmici sono manifestazioni dirette dell’orecchio musicale e del senso del ritmo”.
Quindi, B.M. Teplov identifica tre principali abilità musicali che costituiscono il nucleo della musicalità: senso modale, percezione musicale-uditiva e senso del ritmo.
SUL. Vetlugina nomina due principali abilità musicali: l'udito del tono e il senso del ritmo. Questo approccio enfatizza la connessione inestricabile tra le componenti emotive (sentimento modale) e uditive (percezioni musicale-uditive) dell'udito musicale. La combinazione di due capacità (due componenti dell'orecchio musicale) in una (udito dell'altezza) indica la necessità di sviluppare l'orecchio musicale nell'interrelazione delle sue basi emotive e uditive.
Il concetto di “musicalità” non si limita alle tre (due) abilità musicali di base sopra menzionate. Oltre a questi, la struttura della musicalità può includere performance, abilità creative, ecc.
L'unicità individuale delle inclinazioni naturali di ogni bambino, l'unicità qualitativa dello sviluppo delle capacità musicali devono essere prese in considerazione nel processo pedagogico.
La musica, come risultato finale della mescolanza di suoni e silenzio nel tempo, trasmette l'atmosfera emotiva, i sentimenti sottili della persona che l'ha scritta.
Secondo il lavoro di alcuni scienziati, la musica ha la capacità di influenzare sia lo stato psicologico che quello fisico di una persona. Naturalmente, un'opera musicale del genere ha il suo carattere, stabilito dal creatore intenzionalmente o inconsciamente.
Determinare la natura della musica in base al tempo e al suono.
Dalle opere di V.I. Petrushin, musicista russo e psicologo dell'educazione, si possono identificare i seguenti principi fondamentali del carattere musicale nell'opera:
- Il suono e il tempo lento trasmettono le emozioni della tristezza. Un brano musicale del genere può essere descritto come triste, che trasmette dolore e sconforto, portando dentro di sé il rimpianto per l'irrevocabile passato luminoso.
- Il suono e il tempo lento trasmettono uno stato di pace e contentezza. Il carattere dell'opera musicale in questo caso incarna tranquillità, contemplazione ed equilibrio.
- Il suono in tonalità minore e il tempo veloce suggeriscono emozioni di rabbia. Il carattere della musica può essere descritto come appassionato, eccitato, intensamente drammatico.
- La colorazione principale e il ritmo veloce trasmettono senza dubbio emozioni di gioia, indicate da un carattere ottimista e di affermazione della vita, allegro e giubilante.
Va sottolineato che elementi di espressività nella musica come dinamica, timbro e mezzi di armonia sono molto importanti per riflettere qualsiasi emozione, da essi dipende in gran parte la luminosità della trasmissione del carattere musicale nell'opera. Se conduci un esperimento e suoni la stessa melodia con un suono maggiore o minore, un tempo veloce o lento, la melodia trasmetterà un'emozione completamente diversa e, di conseguenza, il carattere generale dell'opera musicale cambierà.
Il rapporto tra la natura di un brano musicale e il temperamento dell'ascoltatore.
Se confrontiamo le opere dei compositori classici con le opere dei maestri moderni, possiamo tracciare una certa tendenza nello sviluppo della colorazione musicale. Diventa sempre più complesso e sfaccettato, ma il background emotivo e il carattere non cambiano in modo significativo. Di conseguenza, la natura di un'opera musicale è una costante che non cambia nel tempo. Le opere scritte 2-3 secoli fa hanno sull'ascoltatore lo stesso impatto che durante il periodo di popolarità tra i loro contemporanei.
È stato rivelato che una persona sceglie la musica da ascoltare non solo in base al suo umore, ma inconsciamente tenendo conto del suo temperamento.
- Malinconico – musica lenta minore, emozione – tristezza.
- Collerico – musica minore e veloce – emozione – rabbia.
- Flemmatico – musica lenta e maggiore – emozione – calma.
- Sanguine – tonalità maggiore, musica veloce – emozione – gioia.
Assolutamente tutte le opere musicali hanno il proprio carattere e temperamento. Sono stati originariamente stabiliti dall'autore, guidato da sentimenti ed emozioni al momento della creazione. Tuttavia, l’ascoltatore non può sempre decifrare esattamente ciò che l’autore voleva trasmettere, poiché la percezione è soggettiva e passa attraverso il prisma delle sensazioni ed emozioni dell’ascoltatore, in base al suo temperamento personale.