Chaim Soutine è un pazzo brillante. C'era una volta un artista chaim sutin sutin, nome dello sposo raffigurato in francese

04.09.2019

VIVEVA UN ARTISTA CHAIM SUTIN

Grigorij Anisimov

Molti artisti venuti dalla Russia, partiti negli anni della rivoluzione, prima e dopo di essa, sono stati a lungo considerati nella loro patria come se non esistessero. Vivevano a Parigi e venivano classificati come "artisti francesi". Chagall, Soutine, Zadkine, Lipchitz rimasero fuori dall'attenzione di storici e critici d'arte. Chagall è stato più fortunato, gli altri meno. Qualcuno li ha giustamente definiti geni silenziosi. E' proprio così. Soutine è uno di quelli dimenticati. Non ci sono libri, album, monografie su di lui in russo. E ha scritto nei documenti "russo", ha indicato il luogo di nascita - Russia. Grazie a Ilya Ehrenburg: è stato il primo a scrivere di Chaim Soutine. Forse, per la prima volta sulla nostra rivista, viene pubblicato un saggio sulla vita e l'opera di questo grande artista, che ha influenzato il destino dell'arte mondiale.

O miele, o calice amaro,

O il fuoco dell'inferno, o un tempio,

Tutto quello che era suo ora è tuo.

Tutto è per te. Dedicato a te.

B. Okudzhava

Da un piccolo luogo oscuro vicino a Minsk, l'artista alle prime armi Soutine è finito a Parigi. Sognava questa città, aspirava ad andarci, la sognava appassionatamente, per passione, solo con se stesso, pensava direttamente di diventare famoso lì. La potente e numerosa Rus' era per la gioventù ebraica un paese particolarmente difficile e crudele. Ma Soutine l'amava, vedeva la sua impotenza e ingenuità, anche se non l'ha mai cantata come Chagall, cioè non l'ha resuscitata nelle sue opere. Originario della Russia, Chagall, Soutine era associato a uno straordinario romanticismo di sincerità. Se Chagall ha creato le sue dolci fiabe, allora Soutine era Shakespeare nell'arte, ricorrendo audacemente a colori tragici, guardando nell'abisso dell'inferno.

Ha vissuto quasi la metà del tempo di Chagall, ma è diventato alla pari con lui, anche se è molto meno conosciuto nel mondo, il che significa solo una cosa: verrà ancora il momento di Soutine.

Auto ritratto. 1917

Durante i primi dieci anni della sua vita a Parigi (vi arrivò nel 1912), Soutine soffriva di fame, si stancava, vagava. Parigi è molto bella, bella, accogliente, affascinante e bella quando ci sono franchi in tasca. E Parigi è ripugnantemente fredda e spietata quando le tasche sono vuote. Posso testimoniare per la mia esperienza.

È avvenuto un brusco cambiamento nella vita di Soutine, come in una fiaba: è arrivato uno zio gentile e lo ha reso felice. Un filantropo e collezionista americano acquistò tutte le opere di Soutine per 20.000 franchi nel 1922.

Con l'avvento del denaro, Soutine cambiò poco: non era molto ordinato, evitava le donne a causa della sua estrema timidezza. Ma i suoi amici si presero cura di lui, lo vestirono bene, gli insegnarono gradualmente le buone maniere, gli affittarono un posto decente in cui vivere. Sempre più lontano da Soutine, il suo nativo Smilovichi si trasferì, dove era il decimo figlio della famiglia. Sua madre Sarah era una donna gentile e aveva a malapena il tempo di nutrire e servire la sua numerosa famiglia. Il padre era un sarto. Alcuni libri su Sutin dicono che il nome di suo padre era Borukh, in altri si chiama Solomon. Molto probabilmente, entrambi sono veri: probabilmente il nome del padre dell'artista era Borukh-Sholom. Non era né un erudito eccezionale né un uomo che credeva infinitamente nel potere della mente. Credeva nelle sue mani di lavoratore ed era l'unico capofamiglia di un'intera orda di bocche affamate.

Quando Khaim sviluppò una passione per il disegno, suo padre incoraggiò gli studi di suo figlio. Ma in un luogo ortodosso con stretta osservanza delle leggi della religione, era severamente vietato disegnare ciò che era già stato creato da Dio, così Chaim fu picchiato più di una volta, e quando iniziò a disegnare un rabbino, fu picchiato a metà a morte. C'è una leggenda secondo cui il rabbino lo scoprì e diede a Soutine venticinque rubli. Durante il quale andò a Vilna ed entrò alla scuola d'arte.

Magro, allampanato, malaticcio: questo era Chaim Soutine. Dipingeva avidamente, rannicchiato in un angolo. Hanno anche detto che Soutine non ha superato l'esame di ammissione la prima volta. Si gettò in ginocchio davanti agli insegnanti e chiese il permesso di ripetere. E superato. E lo ha fatto.

Probabilmente, a causa dell'eterna malnutrizione, Soutine aveva un'ulcera allo stomaco, si contorceva costantemente dal dolore. La sofferenza era comune sul suo viso, incorniciato da capelli arruffati. Narici ampiamente gonfie, labbra rosse e spesse e occhi ardenti: tale era il giovane Soutine.

Le sue differenze rispetto agli altri furono immediatamente evidenti: tensione speciale, modi insoliti, movimenti goffi. Ma l'istinto artistico in lui era così forte che il disegno lo portò lontano dalla realtà, nei magici mondi della fantasia, della finzione, della calda immaginazione. Quando dipingeva, la sua mente sembrava abbandonarlo completamente: non vedeva nulla, non sentiva nulla, non capiva nulla ... I suoi dipinti riflettevano il volto e l'anima dell'artista. Erano colorati, ambigui, estremamente espressivi.

A. Modigliani. Ritratto di Chaim Soutine. 1915

Non esiste arte senza la natura della personalità del creatore. In questo senso Soutine è un artista estremamente soggettivo. Era un grande teatro in cui recitava un attore. C'era un teatro dell'esperienza di Stanislavskij. C'era il teatro dell'alienazione di Brecht, c'era il teatro della biomeccanica di Meyerhold, il teatro dell'assurdo di Ionesco. Soutine ha combinato tutto in sé e ha dato a tutto un'interpretazione sensibile, acuta e perspicace. Non puoi confonderlo con nessuno.

Ha incarnato la verità dei sentimenti personali con tale forza che continua a scioccare le persone con un dramma genuino.

Vedo Soutine come una figura misteriosa e demoniaca. Questo non è Levitan con la sua tristezza autunnale, non i Wanderers con il loro fastidioso realismo. Soutine è un temporale, un elemento, un uragano. Questo è un nuovo tipo di artista che strappa la pelle dagli oggetti e scopre l'interno non sempre piuttosto umano. Dostoevskij e Tolstoj fecero lo stesso in letteratura. Soutine legge Balzac. La poesia artistica di questo scrittore era di suo gradimento: nessun ideale romantico. In un certo senso, Balzac è in sintonia con il nostro tempo: il socialismo è stato costruito, costruito, ma mai completato, e a tutta velocità è caduto nel capitalismo con le sue zanne gialle predatrici.

A Parigi, Soutine entra all'Accademia Cormon. Dietro il nome forte c'era una scuola privata. Inoltre, è pagato. Soutine non aveva soldi. Lavorava part-time, scaricava vagoni e chiatte. Il suo amico Modigliani gli dava un franco al giorno. Poi si sono ubriacati insieme nei caffè economici. Soutine si addormentò a un tavolo o su un divano trasandato con una ragazza a caso. Al mattino Soutine si ubriacò e si mise al lavoro.

Ha dipinto le sue tele con violenza, passione, dando il meglio di sé fino alla fine. Si allontanò dal cavalletto quando le sue gambe non riuscirono più a reggerlo.

Ci sono due modi di vivere: o vivi, trascinato dall'incoscienza, dall'incoscienza, da un sogno ardito che non ti dà riposo né giorno né notte. Oppure sei guidato da un calcolo sobrio, dalla ricerca di una vita migliore, sicura e confortevole. Amato da Soutine, Balzac ha mostrato in modo convincente nei suoi romanzi che il denaro non può comprare il vero amore e che la moralità del lupo mina tutte le basi e spinge per un accordo con la coscienza. Le aspirazioni egoistiche di una persona portano al collasso. L'Onnipotente ha fornito a Soutine un talento di grande forza, ma lo ha privato della salute. Visse solo cinquant'anni. Soutine seguiva la voce della coscienza dell'artista, prescelto e lavoratore di Dio. Ha lavorato instancabilmente. Modigliani gli diceva costantemente: Soutine, sei un artista brillante! E la fiducia di Soutine in se stesso si è rafforzata, ha aiutato a sopportare tutte le difficoltà. Ha raggiunto l'apice della creatività, che raggiunge pochi. Salito in montagna. Molto più in basso brulicavano i mercanti d'arte che sembravano piccoli negozianti. I freddi artigiani non conoscono il vero amore, le passioni universali.

I complici hanno cuori indifferenti e dita appiccicose e avide. A Soutine sembrava che non avessero alcun cuore, ma solo pistoni. E lui stesso visse per usura, ascendendo in spirito nel cosmo divino.

Dopo aver appena imparato a usare un fazzoletto e a indossare camicie di seta con gemelli, questo ragazzo di provincia si rese conto che tutto doveva trascendere se stesso per essere se stesso. Non sapeva mai cosa fare per avere successo. Ma sapeva che la sua pittura era nuova e insolita. Ciascuno dei suoi ritratti, paesaggi, composizioni, natura morta con la carcassa di un toro macellato è diventato un segno, un simbolo, un'immagine generalizzata della natura. I gladioli rossi soffocavano con un urlo, le persone nei suoi dipinti si contorcevano per contraddizioni interne, sembrava che venissero fatte a pezzi dall'interno.

La pittura per Chaim Soutine era un modo di esistere, cibo per l'anima, aria per i polmoni. Se gli venissero tolti dipinti e tele, morirebbe immediatamente su una panchina del suo studio. La pittura nascondeva un elemento di infinito, sebbene fosse proprio qui, vicino, nel cuore e nei tubi.

C'era una volta Mikhail Kikoin, originario del villaggio di Rezhitsa, nella provincia di Vitebsk, studiava alla scuola d'arte di Vilna vicino a Sutin. Lì studiò anche Pavel Kremen, arrivato a Vilna dal villaggio di Zheludka. Questi ragazzi del villaggio stavano insieme a Parigi, erano i veri amici di Soutine, persone che la pensavano allo stesso modo. Lavavano i piatti, spolveravano i tappeti degli altri, spazzavano le strade e si aiutavano a vicenda a sopravvivere.

Modigliani stabilì Soutine con lo scultore russo Oscar Meshchaninov. Era originario di Vitebsk, andò a Parigi nel 1907. Quando Soutine arrivò a Parigi, Meshchaninov aveva ricevuto il riconoscimento. Fu amico di Picasso e Modigliani, di Diego Rivera e Zadkine.

Oscar Meshchaninov era una persona insolitamente gentile, comprensiva e aperta. Soutine lo adorava per la sua vivacità, compiacenza ed efficienza. Oscar potrebbe leggere Pushkin per ore. Soutine si innamorò di Pushkin. Di notte, i giganti della pittura sussurravano qualcosa a Soutine. Udì chiaramente le loro voci. Stavano accanto alla sua testiera: grandi, concentrati e significativi. Ecco che arriva Tiziano. In silenzio si fermò accanto a me, prese fiato e parlò, come se continuasse una conversazione di lunga data: "Ascolta, Chaim, guarda attentamente il mio "Autoritratto", il "Denarius Caesar", prendi in considerazione la "Madonna della famiglia Pisaro” e “Venere di Urbino”, forse basta questo... E capirai che l'abilità dell'artista è un favore speciale di D-o. Viene dal cielo. La pittura più violenta con colori ad olio, senza il dovuto talento, può solo produrre risultati brutti.

Carcassa. 1925

Soutine ascoltava questi fantasmi parlanti. Davanti ai suoi occhi si riempirono di vita, iniziarono a tremolare e brillare, come gli strumenti su un aereo di notte.

- Dove e quando sei nato? – chiese all’improvviso questo formidabile vecchio dalle sopracciglia accigliate. - I numeri e il terreno sono sempre importanti nella vita di un artista. "Sono nato in Bielorussia, nella città di Smilovichi, il 13 gennaio 1893", riferì immediatamente Sutin. Il sorriso di Tiziano.

Quindi sei un Capricorno. I tredici numeri sono spesso buoni giorni, l'astrologia non conferma le superstizioni su di loro. Sei nato vicino all'acqua, giusto? - Sì, maestro, abbiamo Dvina sotto le finestre.

“Pensa che ho vissuto quattro secoli prima di te!” E mi piace il tuo dipinto. Un vero colorista. Io e Giorgione abbiamo fatto molto colore, stile... ho visto la tua mostra a New York. Bene. Ma troppo dolore, sofferenza. Dobbiamo elevarci al di sopra del personale, dimenticare i problemi...

"Fai bene a parlare, Tiziano", Soutine si amareggiò improvvisamente. - Non conoscevi la fame, compravi case, eri circondato dal lusso, ti facevi leccare dalle ricche signore. E ordini: da Carlo V, dal papa, da ricchi gentiluomini ...

"Di cosa stai parlando, bastardo...

- Sì, andresti, Tiziano, a...

Il fantasma improvvisamente scomparve, al suo posto c'era un rumoroso Amedeo.

- Perché sei così confuso, Soutine? chiese allegramente Modi, tirando fuori dalla borsa una bottiglia panciuta di vino, pane, formaggio e pomodori.

– Amedeo, credo di aver parlato con Tiziano... Mi ha elogiato per il mio stile.

- Così ho pensato! La poveretta è completamente pazza! Hai urgentemente bisogno di bere un sorso.

Modigliani si versò un bicchiere colmo di vino, lo porse a Soutine: - Bevi un sorso!

Soutine bevve vino. Il calore si diffonde attraverso il corpo. Non era solo il calore del vino, ma anche il grado di amicizia. Se non fosse stato per Modi, Soutine avrebbe avuto difficoltà. Modi si è preso cura di lui con la cura di una madre affettuosa. Gli ha organizzato l'alloggio, ha dato soldi.

Certo, è facile per Tiziano dirlo: aveva case, possedimenti, ville, una buona famiglia: il figlio di Orazio, il figlio di Pomponio, la figlia di Lavinia. Cosa ho? Son - Blu cobalto spettrale. Figlia - Blu di Prussia, secondo figlio - Rosso cadmio, viola. È un bene che il mio connazionale Osip Zadkine mi abbia accolto. Ci siamo sistemati con lui nel seminterrato. Nelle vicinanze si verificarono i famosi massacri del Boulevard Vaugirard. Lì ho preso delle carcasse, hanno posato volentieri per me. Poi Modi fece in modo che vivessi con Leopold Zborowski in via Joseph Bara. Leo mi amava, ma sua moglie Anna mi odiava. È sempre così, le mogli dei nostri amici, se non dormiamo con loro il pubblico è pesante, litigioso, insopportabile.

Pasticcere. 1922

Recentemente ho dipinto "Natura morta con pesce su un piatto", "Ragazza in vestito rosso", "Gladioli", "Autoritratto", "Chef".

Si lavorò al punto che le stelle cominciarono a saltargli negli occhi, si svegliò di notte sudando freddo, fissò l'oscurità, si addormentò di nuovo.

E chi è venuto a trovarmi? Michele stesso, sì! Sopraccigliato, con occhi selvaggi e naso rotto. “Ebbene, amico”, mi disse Michelangelo, “hai affrontato il tema del dolore, della sofferenza, delle acque reflue, scrivi carcasse, versandovi sopra il sangue. Per cosa stai lottando?

– Voglio riportare la pittura alle grandi tradizioni.

“Questo è encomiabile, amico mio. Hai visto il soffitto della Cappella Sistina?

- Solo riproduzioni.

“Mi chiedo cosa hanno capito le persone del ventesimo secolo? Il Buonarroti strinse i denti e guardò Soutine con tutti i suoi occhi terribili e opprimenti.

- Grandezza e potenza, passione pagana e immagine di Cristo come giudice formidabile! "Questo è quello che capisco," disse Soutine con fermezza e ardore.

– Lo scopo e il significato della mia arte sono a tua disposizione, quindi posso parlare liberamente con te...

Quando Soutine raccontava ai suoi amici che i grandi maestri venivano da lui di notte e gli parlavano, loro intrecciavano le dita alle tempie:

- Dovrebbe bere di meno!

Soutine ridacchiò e pensò tra sé che soprattutto stava aspettando un incontro in sogno con colui che amava più di tutti. Naturalmente con Rembrandt.

E Rembrandt venne da lui. Quadrato, di buon carattere, con un berretto cremisi e un impermeabile leggero, gettato direttamente sopra una veste artigianale con passanti sulla spalla. Si sedette comodamente al tavolo, si tolse il berretto, si aggiustò i capelli, sorrise. Soutine versò utilmente il vino nei bicchieri.

L'ospite guardò il vino alla luce e disse semplicemente, tintinnando i bicchieri: - All'arte!

E vuotò volentieri il bicchiere. - Tu ed io abbiamo molto in comune, Soutine, anche se tu sei ebreo e io sono olandese. Tu vieni da una famiglia di sarti e io da una famiglia di mugnai. Entrambi siamo scappati di casa presto per diventare artisti. La nazionalità nell'arte non significa nulla!

Soutine e Paulette Jourdain con un cane. 1927

"Sapevo esattamente cosa avresti detto!" È un grande onore per me vederti, parlare con te! La gola di Soutine si fermò.

Hai la tua lingua, il tuo stile. Senza stile non c’è artista. Lo stile è figlio dell'amore. E l'amore è il guaritore dello spirito. La vera pittura guarisce una persona meglio di qualsiasi medicina. E la cattiva pittura diffonde il contagio, rende disabile. Te lo dirò in confidenza, Soutine: mi piace la tragedia nel tuo lavoro. Hai molto in comune con Adrian Brouwer. C'è misticismo e mistero nelle tue opere. Ci deve essere mistero nella pittura, come in una donna, come nella natura. Sono nascosti, non immediatamente rivelati. Ciò rende affascinante la loro conoscenza. Ciò che è aperto è noioso...

Rembrandt si chiede:

- Mi è stato detto che hai studiato il mio lavoro, sei andato in Olanda. Cos'è per te? Ci sono molti pittori nel mondo...

E la tua colorazione? Nessun altro ha questo. Dopo di te, Tiziano, Rubens, Carracci per me sono superati. Sono sbiaditi. E Rembrandt van Rijn è come una stella luminosa nel cielo notturno.

- Grazie Fratello. Una parola affettuosa per un artista è un grande dono. Dopotutto, ci radiamo al suolo e cosa ne sentiamo?

Permettimi di stringerti la mano. Soutine gli tese la mano. E subito balzò in piedi. Non c'era nessun altro nel laboratorio. Solo nell'angolo del divano Pauline russava dolcemente. Sapeva come calmare e accarezzare qualsiasi ubriaco.

Albero sotto il vento. 1942

Soutine davvero non voleva salutare così subito un visitatore del genere che era appena stato con lui, che parlava in modo così intelligente, pesante, significativo. Senza queste persone, il mondo è noioso, monotono, bidimensionale. Come lo disse Rembrandt? Tu, Soutine, dici, metti l'anima nel tuo lavoro, mentre altri conti restano nella pittura, attaccano le tue pretese, la tua avarizia e la tua scivolosità da rana. E tu sei l'anima. E cosa c'è al mondo di più prezioso, di più significativo e di più misterioso dell'anima? Non c'è niente di più! Ben detto. Vecchio saggio. Pieno di sentimento. E come si illuminano i suoi occhi. Come un lupo, bruciano. Le persone non si separeranno mai da lui, mai. Sarà con loro fino alla fine della vita sulla terra. Compagno eterno, costante vagabondo Assuero.

Soutine toccò Pauline sulla spalla, voleva calore. Pauline, voglio mangiare. Svegliati!

La visione di Rembrandt ruotava nella mente di Soutine come un film.

Sebbene Chaim Soutine potesse sembrare a qualcuno un selvaggio, commosso, una troia e un ubriacone, ma nella pittura era un aristocratico e un genio, una persona libera, orgogliosa e indipendente. Rideva tra sé quando ricordava le storie secondo cui i mecenati di Mosca ordinavano i dipinti di Matisse, davano trame e dicevano all'artista: fallo per noi entro tale e tale data, altrimenti lo eseguirai in tale e tale dimensione e lo porterai a Mosca in dicembre. E Matisse ci ha provato.

Soutine aprì un volume di Pushkin ben avvolto in un giornale e lesse: "Il poeta stesso sceglie i soggetti delle sue canzoni, e la folla non ha il diritto di controllare la sua ispirazione ..." Eccone uno intelligente. Sì, non ho mai visto una luce simile!

Questo volume fu pubblicato su carta velina nel 1899 in occasione del centenario della nascita del poeta. E Oscar Meshchaninov lo ha dato a Soutine. Soutine amava infinitamente questo volume, così come lo stesso Pushkin, che semplicemente idolatrava. Dopo aver lavorato, tirò fuori il libro prezioso, lesse grandi brani di poesie, poesie, scene drammatiche. E le parole risuonavano in lui, tremava come se avesse la febbre. Dietro l'aspetto rude di Soutine, che sembrava un cittadino comune, un artigiano, un vagabondo, si nascondeva un uomo intelligente e un professionista esperto che sapeva trasmettere nella pittura le sfumature più sottili di stati mentali complessi.

Uno dei più grandi pittori del XX secolo, Chaim Soutine, rimane ancora oggi una “cosa a sé stante”. Di tanto in tanto organizzano le sue mostre, e poi di nuovo se ne dimenticano per molto tempo. I suoi quadri verranno acquistati dagli sceicchi arabi, dalla famiglia Chaplin, dalla famiglia Rossellini. Anche Pablo Picasso acquisterà e appenderà la Parigi notturna di Soutine nel suo studio. Cosa li affascina tutti: il caos dei tratti, delle linee, la speciale energia sutiniana, la pressione della tragedia, la nudità di tutti gli esseri e le cose viventi? Ad essere onesti, non lo so. Questo avrebbe dovuto essere chiesto all'artista stesso o alla moglie e fidanzata Marie-Berthe Orensch, che gli è rimasta fedele fino alla fine. Dicono che capisse sottilmente queste cose. Come solo un cuore amorevole sa fare.

Soutine si fidava infantilmente. Credeva in se stesso, nelle sue mani, come suo padre, che poteva cucire un abito per il tiranno più esigente. Ma in vita era un rammendatore, cioè riparava i vecchi vestiti.

Per Soutine il suo lavoro di pittore era la principale e unica legge della vita. Se ne rese conto quando salì su un'alta torre antincendio nella loro città. Da lì si è aperto un panorama impressionante, riempiendo l'anima di una gioia così ispirata, che accade al maestro dopo un lavoro di successo o dopo l'intimità con la sua amata.

Gladiolo. 1919

A giudicare dal dipinto, Soutine ha sempre guardato direttamente e con audacia il suo destino negli occhi. Aveva tutto per costruire un'utopia con fiori e rose, per evocare in sé il quarto sogno di Vera Pavlovna, così riccamente e dolcemente descritto da Chernyshevsky. Ma credeva di più a Balzac, che guardava l'oscurità e le impurità fino al sangue nei suoi occhi. E i versi dorati di Pushkin lo sollevarono, lo aiutarono a dipingere i suoi dipinti, in cui il calore del respiro divino si univa all'amore e alla passione.

Era grato ai suoi amici, grazie a loro, al loro aiuto, è diventato quello che è diventato. Un esempio della dedizione dell'artista, della coscienza del maestro, dell'onore e della dignità dell'arte del Novecento. “Tutti gli artisti degni della Gilda di San Luca dovrebbero essere compagni, fraternità…” Sembra che glielo abbia detto Rembrandt durante il loro breve incontro. Perché il vecchio scultore e bonario Alfred Boucher ha acquistato edifici in via Danzica e lì ha allestito un alveare per gli artisti? Dopotutto, poteva risparmiare denaro, spenderlo in ragazze e cibo costoso, divertire la carne?

Così gli diceva il suo cuore, così gli comandava la sua coscienza. La stessa chiamata è stata ascoltata dall'artista Soutine. Il suo pennello ha dato vita a dipinti eseguiti in uno stile severo. Si comportava come un chirurgo, un patologo, privo di sentimento. Ha agito con sicurezza ed efficienza. È giusto citare una poesia per comprendere appieno Soutine. Ecco qui.

Ti ricordi che

cosa abbiamo visto in estate?

Angelo mio, ti ricordi?

Quel cavallo è morto sotto la luce del sole

luce bianca

Tra l'erba arrossata?

Mezza decomposta, allargò le gambe,

Come una ragazza in piazza,

Senza vergogna, a pancia in su, sdraiati

lungo la strada

Offensiva che trasuda pus.

E il sole bruciò questo marciume dal cielo,

Per bruciare i resti in cenere

Così quella grande Natura si fuse in una sola

Disconnesso accettato.

E tu, la bellezza e la decadenza ti toccheranno,

E marcirai fino alle ossa

Vestita di fiori sotto dolorose preghiere,

Estrazione delle ossa triangolari.

(Tradotto dal francese da V. Levik)

È stato scritto da Charles Baudelaire. Morì nel 1867, quando Soutine non era ancora nato, morì fiducioso nell'invincibilità del male, nella depravazione della vita.

Un'intera generazione di scrittori e x

Gli artisti dei primi trent'anni del XX secolo erano frequentatori abituali dei caffè parigini "Rotonde", "Dome", "Toulouse Negro". Non sono venuti fannulloni e clochard, ma gente che ha fatto un buon lavoro. Puoi leggere di questo in Hemingway, Ehrenburg, Poplavsky. Apri Ehrenburg e troverai delle righe direttamente collegate alla conversazione su Soutine e i suoi fratelli. "Affinché le solite parole eccitino, affinché la tela o la pietra prenda vita, ci vuole respiro, passione, e l'artista si esaurisce più velocemente - vive per due, perché oltre alla creatività, ha i suoi ricci, vita ingarbugliata, come tutte le persone, niente di meno”. La scrittrice parigina Gertrude Stein pensava che queste persone fossero una generazione perduta. È stata lei a coniare il termine "spericolato". Non è successo niente! Soutine e Chagall, Pascin e Sterenberg, Hemingway ed Ehrenburg, Scott Fitzgerald e Modigliani erano perduti? Per chi? Hanno vissuto con la passione della creatività, hanno lavorato come dei matti, hanno arricchito l'umanità.

Sposa. 1925

Per usare la definizione di Hemingway, il loro talento era naturale come il disegno del polline sulle ali di una farfalla. E questo modello non è stato cancellato né sbiadito nel nostro 21° secolo. Creavano capolavori, anche se non sempre avevano i soldi per mangiare bene. Soutine diceva che la fame e l’altruismo danno vita ai capolavori, non la sazietà e il benessere.

Rembrandt aveva un dipinto con la carcassa di un toro morto. La bellezza e la varietà delle trame hanno conquistato la sensazione di una trama sgradevole e brutta. Tutte le sfumature di rosso nell'immagine intensificavano e approfondivano la presenza di carne cruda, e le valere sui tendini bluastri lampeggiavano, poi tremolavano. Solo lui poteva scrivere così.

E molti anni dopo, Soutine riprese questo argomento e lo risolse molte volte con un'incredibile tragedia. Si è scoperto che la natura morta non è una natura morta nelle sue mani, ma una natura viva - con odori, forme piene di movimento, con sorprendenti transizioni di linea in volume. L'omonimo di Soutine, Chaim-Yakov Lipshitz, era perplesso: “Ascolta, Soutine, avendo visto abbastanza dei tuoi dipinti, posso scolpire secondo te. Con l'aiuto dei volumi nello spazio disegno la luce. La scultura da cavalletto, come la vera pittura, è di natura completamente autonoma e parallela ad essa. Sono necessari all'uomo, come il sole.

Da Jacques Lipchitz, Soutine ha studiato la deformazione espressiva della natura. In questo non conosceva eguali. E la deformazione non ha interferito con l'immaginario emotivo. Non è un caso che Modigliani abbia dipinto i ritratti di Lipchitz e Soutine, entrambi diventati pilastri riconosciuti a livello internazionale dell'arte contemporanea. Proprio come lo stesso Amedeo.

Soutine scriveva instancabilmente carcasse di carne, selvaggina spennata, pesce su un piatto, polli. Nessun altro artista ha avuto così tante opere legate al cibo. Quest'uomo è ben nutrito. Morì il 9 agosto 1943 a Parigi di peritonite. La città fu occupata. Temendo la polizia tedesca, molti amici non potevano uscire. Una persona camminava dietro la bara di Soutine. Era Picasso.

Soutine. 1927

Fu sepolto nel cimitero di Montparnasse.

La Soutine è partita da Vilna. Poi a Parigi ebbe il suo laboratorio in Place Clem, affacciato sulla Senna. Gli ricordava la pensosa Dvina della sua infanzia.

Soutine ha mostrato l'orrore della realtà, dove tutto è soggetto a leggi disumane. Ma a quanto pare non è ancora tutto, se c'è un posto al sole per persone come Soutine. Con buona ragione, si può classificare questo maestro come realismo magico. Questo è uno stile individuale unico, scrittura agitata, pittura incandescente, espressione infinita, quando il pennello crea sulla tela non esercizi, ma musica autentica.

"Mentre stavo morendo di fame, ho imparato a capire molto meglio Cezan", ha osservato Hemingway. La gente ha imparato a capire Soutine, almeno la paga milioni. La comprensione è il prologo dell'amore.

Sposo. 1928

PS Modigliani, gravemente malato, disse a Leopold Zbrovsky: non preoccuparti, nella persona di Soutine ti lascio un genio. Non incline ai complimenti, Konstantin Korovin considerava Soutine uno dei cinque migliori artisti del mondo. Modigliani dipinse uno splendido ritratto del giovane Soutine (1917). Non è affatto come l'"Autoritratto" di Soutine. Si è dipinto come spaventoso, goffo, persino brutto, come un Kalmyk. In Modigliani, l'amico Soutine è calmo, equilibrato, per certi versi anche bello, con le mani incrociate sulle ginocchia. Una volta fu chiesto a Soutine: - Hai vissuto duramente, vero, eri infelice nella vita?

- Da dove lo hai preso? Sono sempre stata una persona felice! fu la risposta di Soutine. È stato detto con fervore, anche con una sfida.

Chaim Soutine non ha esitato. Sì, era un uomo felice. Può un creatore essere infelice? Michelangelo quasi completamente cieco, Mozart soffocato dai suoi piani, Beethoven sordo, Puskin portato a morte: erano infelici?

Cattedrale di Chartres. 1932

Fai loro una domanda del genere: tutti risponderebbero come Soutine. Erano guidati nella vita dalla passione, dalla creatività, non il denaro dettava le loro azioni, non il profitto che sognavano. I borghesi, i cittadini, i filistei sono infelici, ma i creatori portano la felicità dentro di sé. Lo tessono da una rete ingannevole e inaffidabile, ma le loro biografie sono spesso come le vite dei santi.

Soutine non aveva riposo spirituale. La creatività lo ha bruciato. Con un pennello in mano, era insolitamente illuminato. Il più saggio Pushkin ha scritto di queste persone: "E il cuore arde di nuovo e ama perché non può fare a meno di amare". Si dice in un'occasione specifica, dell'amore per una donna. Ma Pushkin è tale che in queste parole si può dare un significato completamente diverso.

Questo può essere attribuito a ogni vero artista. In effetti, l'artista non è una professione. Questo è il destino!

Rivista mensile letteraria e giornalistica e casa editrice.

Nessuna delle strane storie su questo artista ne contraddice un'altra e non sembra essere un'esagerazione, ma tutte insieme contribuiscono alla leggenda di un mendicante eccentrico ossessionato dalla pittura, che ottenne il riconoscimento mondiale... e non sembrava accorgersene . Lo stile di vita di Soutine, che arriva al grottesco, sembra essere una continuazione dei suoi dipinti, o forse, al contrario, il loro inizio.

Chaim Soutine nacque nel 1893 nella città provinciale bielorussa di Smilovichi, in una famiglia povera con molti figli. I suoi parenti non potevano nemmeno pensare che un ragazzo di una devota famiglia ebrea diventasse un artista e violasse il divieto religioso di rappresentare "creature con un'anima". Chaim dipingeva con il carboncino sui muri, rubava i piatti dalla casa per venderli e con il ricavato comprava matite. Né le punizioni né le percosse potevano distoglierlo dal suo passatempo preferito. Un breve soggiorno a Minsk, dove il giovane Soutine ha lavorato come ritoccatore in uno studio fotografico, si è concluso in modo drammatico: ha dipinto un ritratto di un rabbino, per il quale è stato duramente picchiato dal figlio. Tuttavia, il denaro ricevuto dal tribunale come risarcimento per le percosse permise al giovane di partire per Vilna, dove finalmente iniziò a studiare in una scuola d'arte. Nel 1913, dopo due anni di studio, Soutine andò a Parigi: nell'impero russo, la strada verso le grandi città gli era chiusa, poiché il movimento degli ebrei era limitato dalla famigerata zona di insediamento.

passera e pomodori

Si stabilì a Montparnasse, nel leggendario "Hive": così si chiamava l'ex padiglione espositivo, ricostruito in atelier d'arte economici. Molte future celebrità, e artisti poveri sconosciuti a quel tempo che accorrevano a Parigi da tutto il mondo, portarono il "miele" del loro lavoro in questo "alveare". Tra gli stessi immigrati dalla Russia di Soutine c'era Marc Chagall. Tormentato dalla mancanza di denaro, Soutine era pronto per qualsiasi lavoro: ha provato a lavorare come caricatore, operaio, modello, ma è stato cacciato da ogni parte: semplicemente non poteva fare altro che dipingere.

Immagina Soutine dei tempi di The Hive. Un timido provinciale, che davvero non sapeva parlare né il russo (la lingua madre di Soutine era lo yiddish), né, inoltre, il francese, sembrava a molti un ignorante analfabeta. Goffo, disordinato, con "gli occhi di una bestia braccata" (Ilya Ehrenburg), con un cappotto logoro indossato sul corpo nudo ... "Assolutamente un uomo selvaggio", descrisse Soutine uno dei suoi contemporanei.

pazzo

Di notte bussava alle porte dei vicini chiedendo che gli dessero almeno un pezzo di pane. Ma avendo ottenuto un paio di aringhe e una cipolla, intraprese subito una natura morta e, sebbene la sua mente fosse turbata dalla fame, non toccò cibo finché non ebbe completato l'opera. Con tutti ha cercato di pagare con i suoi quadri: con persone da cui ha preso in prestito denaro, con un poliziotto che lo ha trattato con comprensione alla stazione (Soutine è stato portato alla polizia quando è stato trovato addormentato in una pattumiera).

Le modelle, esauste dopo molte ore di sessioni, piangevano e si rifiutavano di lavorare con lui. I vicini fuggirono, incapaci di sopportare l'odore della carne in decomposizione, che Soutine nelle calde giornate estive portava per le nature morte dal mattatoio situato accanto all '"Alveare". E lui, senza accorgersi della puzza, rimase nudo davanti al cavalletto e toccò delicatamente la tela con un pennello, come se fosse un corpo vivo.

L '"uomo selvaggio" leggeva molto e studiava diligentemente: non per molto - alla Scuola di Belle Arti e costantemente - nelle sale dei musei. “Quando si sono avvicinati a lui, è saltato di lato. Guardava i dipinti dei maestri del passato, come un credente alle immagini dei santi ”, ha ricordato il critico francese Voldemar Georges, che ha incontrato Soutine al museo. Rembrandt era il suo idolo. Soutine si recò tre volte ad Amsterdam per vedere i dipinti di Rembrandt al Rijksmuseum e affermò di aver parlato con il grande olandese in sogno.

Natura morta con pesci

Di Soutine, che sconvolse anche la bohémien parigina con la sua stravaganza, molti si allontanarono, ma c'erano anche amici. L'amico più caro divenne Amedeo Modigliani, che riconobbe un genio in Soutine fin dal primo minuto della loro conoscenza. Questa amicizia non durò a lungo (Modigliani morì nel 1920), ma divenne fatale per Soutine. Modigliani presentò Soutine al collezionista Leopold Zborovsky e allo scultore Oscar Meshchaninov. Entrambi circondarono l'artista con cura: Zborovsky iniziò a esporre i dipinti di Soutine e lo mandò a lavorare nel sud della Francia, Meshchaninov gli fornì il suo laboratorio. Fu alla tela Zborovsky di Soutine che nel 1922 il collezionista americano Albert Barnes lo vide e acquistò immediatamente tutte le opere. Così fama e prosperità arrivarono a Soutine: seguirono mostre di successo a Parigi, Chicago, New York, Londra, fu pubblicata una piccola monografia, apparve un eccellente laboratorio con vista sulla Senna. Ma la fama e la prosperità non hanno cambiato l'artista: non era ancora preoccupato per la vita, non gli interessava altro che la pittura. Quando i suoi quadri già venduti cessarono di piacergli, Soutine si sforzò di acquistarli dai loro proprietari per distruggerli.

La Seconda Guerra Mondiale trovò Soutine in Francia. Si rifiutò di emigrare negli Stati Uniti anche se ne aveva l'opportunità. In fuga dalle incursioni contro gli ebrei, visse sotto documenti falsi in una piccola città, cercò due volte di arruolarsi volontario per il fronte. Chaim Soutine morì nel 1943 di peritonite: un'ulcera allo stomaco peggiorata, eredità degli anni di fame dell'"Alveare". Morì quando fu trasportato segretamente a Parigi, nascosto in un carro funebre, dove lo aspettava un chirurgo, pronto, contrariamente ai divieti delle autorità, a eseguire un intervento d'urgenza su un paziente di origine ebraica. Soutine fu sepolto secondo gli stessi documenti falsi nel cimitero di Montparnasse. Solo poche persone non avevano paura di venire a salutarlo, tra cui Pablo Picasso.

Scenario. Cagnes-sur-Mer

Le parole dell'Amleto di Shakespeare "il tempo è fuori giunto" - "l'età è dislocata" (tradotte da A. Radlova) sembrano essere la migliore epigrafe dell'opera di Soutine, incorniciata da due guerre mondiali. I suoi ritratti, nature morte, paesaggi sono intrisi del senso dell'inevitabile natura catastrofica della vita. Probabilmente, era davvero dotato di una sorta di intuizione "animale" super sensibile e inconsciamente colse tutta la tragedia, tutto l'orrore della sua epoca, come gli animali avvertono l'avvicinarsi di un disastro naturale.

Perché, mentre viveva nell'Alveare, passava ore a guardare cosa succedeva nel mattatoio lì vicino? Perché, tra tutti i dipinti di Rembrandt che vide al Louvre, Soutine preferì il dipinto del 1655 “Carcassa di toro macellato”? Perché, tra tutti i colori, era proprio il rosso sangue a portarlo in uno stato di estasi quasi dolorosa e a dominare la sua opera? Abiti e poltrone scarlatti, pareti rosso mattone, pomodori rossi, fiori rossi, l'interno fiammeggiante di carcasse di manzo scuoiate... La risposta suggerisce se stessa: il mondo sembrava all'artista come un gigantesco mattatoio, condannando inevitabilmente ogni vita alla distruzione.

Soutine sembra animare la materia: utensili da cucina, strumenti musicali, piante: tutto si trasforma sotto il suo pennello in carne sofferente e vulnerabile. Un violino con la vita sottile e il collo cadente sembra una ragazza rimproverata ("Natura morta con violino", 1922), i gladioli assomigliano a ferite sanguinanti ("Gladiolus", 1919), i cucchiaini adagiati sul tavolo sono come nudi a testa larga corpi, una cipolla con le radici sembra un dente strappato senza pietà ("Natura morta con una zuppiera", 1916), forchette affamate raggiungono rapacemente e lamentosamente il cibo ("Natura morta con aringhe", 1916). E cosa faceva Soutine con la tranquillità , idilliache città francesi! gli alberi si contorcono e volteggiano impotenti le loro foglie arruffate nel vento di un uragano./.../ Nei suoi dipinti, i paesaggi francesi puliti perdono il loro aspetto abituale: case, terra, alberi sono contorti e strappati dai loro posti.Dalla pittura nella pittura si ripete questo motivo ossessivo di movimento forzato e violento ”, - scrive il ricercatore dell'opera dell'artista Mikhail German.

Sposo in rosso

Non c'è natura "morta" nelle nature morte di Soutine. Tutti questi tori crocifissi (“The Skinned Bull” 1924, “Carcass”, 1925), uccelli e conigli sospesi a testa in giù (“Chicken and Tomatoes”, 1924, “Hanging Rabbit”, 1923), abbracciati dalla paura mortale dei pesci nei piatti (“Natura morta con pesci”, 1921, “Pesce e pomodori”, 1927) vengono uccisi, ma non morti affatto. I loro occhi, gli occhi delle vittime, continuano a vivere: fissano spaventati, rimproverati. E gli eroi dei ritratti di Soutine ci guardano con gli stessi occhi semipazzi e tesi: bambini con i volti di anziani, donne che sembrano scimmie, fattorini, cuochi ("Crazy", 1919, "Girl with a Doll", 1919, "La cuoca con la sciarpa rossa", 1922, "La donna in rosso", 1923, "Il messaggero", 1928). E proprio come le zampe dei polli macellati, le loro mani sono attorcigliate; teste, volti, corpi sono deformati proprio come la terra sollevata e le case inclinate nei paesaggi di Sutin.

Soutine sarebbe il più cupo dei pittori se tutta questa materia densa, vorticosa, urlante di colori vivaci, tangibile, non fosse così bella. Quell'estasi, quella delizia che stupiva chiunque vedesse come lavorava Soutine, era impressa nelle sue tele.

Natura morta con cipolla

È un artista molto completo. Già nelle prime opere parigine, Soutine agiva come un pittore affermato con la propria visione del mondo, e in futuro - sia che fosse in povertà, sia che prosperasse - questa visione, piena di compassione e ammirazione, non è cambiata. Non era interessato all'innovazione in quanto tale, alle ricerche formali che tanto affascinavano, ad esempio, Picasso. Le caratteristiche deformazioni della natura, per le quali le opere di Soutine sono immediatamente riconoscibili, erano un modo naturale per esprimere quel sentimento di dolore universale che travolgeva l'artista. Il lavoro di Soutine è difficile da attribuire a qualsiasi movimento artistico: non si inserisce nella storia dell'arte del XX secolo, ordinata in varie direzioni - "ismi", così come l'artista stesso non si inserisce nel corso ordinato della vita.

Oggi i dipinti di Chaim Soutine diventano sempre più costosi alle aste, il conto ammonta a milioni di dollari, e sebbene il suo nome sia meno noto al grande pubblico rispetto a quelli di Chagall e Modigliani, storici dell'arte e collezionisti mettono le opere di Soutine in secondo piano al pari delle opere dei suoi grandi contemporanei.

Anteprima: Amedeo Modigliani. Ritratto di Chaim Soutine (dettaglio)

passera e pomodori

pazzo

Natura morta con pesci

Scenario. Cagnes-sur-Mer

Sposo in rosso

Natura morta con cipolla

Anteprima: Amedeo Modigliani. Ritratto di Chaim Soutine (dettaglio)

Sulle eccentricità dell'artista pazzo Chaim Soutine c'erano leggende: "Dipingeva nudo tutti i suoi quadri, disegnava il cibo prima di mangiarlo, anche se era molto affamato, si comportava in modo ridicolo con le donne, aveva un aspetto trasandato e viveva sempre in un terribile disordine"- così lo ricordavano i contemporanei. E poteva immaginare che col tempo la sua opera, precedentemente venduta da lui per pochi centesimi, sarà nella lista dei dipinti più costosi al mondo, stimata in decine di milioni di dollari.

Molti artisti che lasciarono la Russia durante gli anni della rivoluzione rimasero per lungo tempo completamente sconosciuti in patria. Vivendo a Parigi, si definivano "artisti francesi". Tra loro ci sono Marc Chagall, Chaim Soutine, Zadkine, Lipchitz e altri "geni silenziosi" rimasti fuori dall'attenzione degli storici dell'arte russi. Anche Khaim Solomonovich Sutin era tra i dimenticati dalla sua patria, ma per tutta la vita scrisse "russo" nei documenti e nella colonna "Russia" era il luogo di nascita.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219413060.jpg" alt=" carcassa di toro. Prezzo: $ 28.165.750. Autore: Khaim Soutine." title="Carcassa di toro. Prezzo: $ 28.165.750

L'artista è ampiamente conosciuto dal pubblico in America e in Occidente, i suoi dipinti adornano i più grandi musei e gallerie del mondo e dipinti unici di Chaim Soutine appaiono costantemente all'asta. Ad esempio, nel 2016 Bull Carcass era stato venduto per 28,165 milioni di dollari, Valet per 16,9 milioni di dollari, due anni prima, Little Confectioner per 18 milioni di dollari e Bride per 15,6 milioni di dollari. Oggi molti collezionisti in Russia vogliono avere nella loro collezione l'opera di questo artista unico, alla pari con figure famose dell'arte mondiale come Van Gogh, Munch, Picasso.

toro scuoiato

toro scuoiato
Tela, olio. 129,8 x 75. Christie's. (2006). Prezzo: 7.848.000 sterline.

Chaim Soutine è una figura misteriosa e demoniaca nella storia dell'arte. Dalle parole di testimoni oculari
"Писал он свои холсты бурно, горячо, выкладываясь до конца. Отходил от мольберта, когда уже ноги его не держали" !}. E dipingeva sempre nudo... "non perché fosse un esibizionista - non c'erano soldi per i vestiti. Durante il lavoro si toglieva le cose in modo che non si consumassero". Chaim ammirava molti dei suoi artisti contemporanei con il suo stile di scrittura, ma non si unì mai a nessuno dei movimenti d'avanguardia emergenti e sviluppandosi in quel periodo a Parigi,

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/0Sutin-0028.jpg" alt="Autoritratto. (1918).

Ancora piuttosto giovane nel 1913 dalla città di Smilovichi, vicino a Minsk, l'artista alle prime armi partì per Parigi, che sognava, dove pensava di diventare famoso. E dove poi visse per molti anni in povertà, senza soldi né per il cibo né per i vestiti, dipinse altruisticamente le sue tele, non interessandosi a nulla che lo circondasse. Le sue modelle erano prostitute, immagini di nature morte: carcasse stantie provenienti da un vicino mattatoio. E per acquistare tele e colori vendeva le sue opere per pochi centesimi.

Chaim, costantemente denutrito, portava del cibo dal negozio e, sofferente per la fame, prima lo disegnava e solo poi mangiava... Si possedeva, sbavando al pensiero dell'imminente "cena reale"... la sua mente sembrava andarsene completamente lui - niente che non abbia visto, non abbia sentito, non abbia capito...

A Parigi, Haim divenne amico intimo di Amedeo Modigliani e di altri artisti che vivevano nella comune bohémien dell'Alveare. Gli amici si presero cura di lui, lo vestirono, gli insegnarono poco a poco le buone maniere e gli affittarono un posto decente in cui vivere. Ben presto lui e Amadeo divennero amici intimi e l'italiano dava costantemente dei soldi a Soutine, lo presentava alle persone giuste e portava delle modelle. Modigliani definì Chaim un genio, sostenne gli anni difficili dell'emigrazione parigina e ne dipinse il ritratto. Di conseguenza, Soutine divenne una delle figure più brillanti della "Scuola d'arte di Parigi".

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Nonostante i grandi soldi e la fama, trenta mostre d'arte durante la vita dell'artista non hanno cambiato il modo di vivere dello stesso Chaim. L'artista non ha mai saputo cosa fare per avere successo. Ma sapeva per certo che la sua pittura era nuova e insolita.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/0Sutin-0015.jpg" alt="Donna in rosso.

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Cameriere. OK. 1927-1928 Tela, olio. 109,2 x 63,2. Sotheby "s. (2010). Prezzo: 7.881.250 sterline

Khaim scriveva molto e i colori sulle sue tele non smettevano di "urlare", ma nella vita era tormentato da attacchi di dolore allo stomaco: si faceva sentire un'ulcera guadagnata a causa della fame costante. Nell'agosto del 1943 fu operato, ma non si poté fare nulla. Marie Orange e gli artisti Pablo Picasso, Jean Cocteau e Max Jacob lo salutarono per l'ultima volta nella Parigi occupata.

In mostra al Museo Pushkin

Puoi leggere diverse pagine affascinanti della vita e del lavoro di un caro amico e connazionale Khaim Soutine, un famoso artista

Contemporaneo di Picasso e Modigliani, artista inquieto ed espressivo, autore di dipinti inquietanti e sproporzionati che influenzarono l'opera di Kooning, Rothko, Pollock e Bacon (le cui opere furono incluse anche nella mostra retrospettiva). Su richiesta di The Village, Alexey Pavperov ha parlato delle fasi principali della vita e dell'opera del pittore.

Aleksej Pavperov

Smilovichi

Fame, infanzia in campagna e alcol

L'artista Chaim Soutine nacque nel povero villaggio bielorusso di Smilovichi nel 1893. Ha trascorso la sua infanzia nella povertà, nella sporcizia, nel disordine. Soutine era l'undicesimo figlio di una famiglia ebrea di un sarto poco pagato che spesso era scortese e crudele con la sua famiglia. Era costantemente denutrito: a volte prendeva una cipolla, una patata o un pezzo di pane e correva nella foresta, si nascondeva tra gli alberi, passava la notte nei campi, per poi tornare a casa e accettare l'inevitabile punizione.

Soutine ha compensato l'ottusità e l'insopportabilità della realtà circostante con un potente lavoro di immaginazione: il bambino osservava molto la natura, trasformava le sue impressioni in ammalianti forme fantastiche, poteva scoppiare in lacrime a causa di eventi insolitamente vividi. Nel tempo, i parenti hanno riconosciuto in lui una propensione per l'artigianato artistico. Con il sostegno di un rabbino locale e di una madre amorevole, Sutin rifiuta di continuare l'attività di famiglia - insieme ad un altro futuro pittore della Scuola di Parigi, Mikhail Kikoin, vanno a Minsk per imparare l'arte dell'artista locale Kruger. Un anno dopo, i giovani continuano la loro formazione a Vilna, dove trovano una nuova persona che la pensa allo stesso modo: Pavel (Pinkhus) Kremen. Dopo tre anni, i mentori di Soutine lo mandarono a Parigi. L'antisemitismo nell'impero russo a quel tempo era ancora fissato a livello statale: la capitale europea dell'arte era più vicina all'artista ebreo impoverito di San Pietroburgo.

Già a Vilna Soutine comincia a bere. La dipendenza dall'alcol e i disturbi cronici correlati lo perseguiteranno per il resto della sua vita e alla fine causeranno la sua morte, all'improvviso.

"Un vestito verde". 1920-1921

"Alveare"

Conoscenza di Modigliani

Soutine fu l'ultimo dei suoi compagni a trasferirsi a Parigi - presumibilmente ciò accadde nel 1912-1913. Con un sacco di cose, si presentò sulla soglia dell'officina di Kremen. Soutine allora non solo non conosceva il francese, ma parlava con grande difficoltà anche il russo. L'artista ha iniziato a vivere e lavorare nell '"Hive" - una comune creativa internazionale nel Passaggio di Danzica. Tra le sue nuove conoscenze ci sono Marc Chagall, Constantin Brancusi, Fernand Léger, Robert Delaunay. Gli artisti vivono in un'atmosfera di costante scambio creativo, anche il lavoro congiunto risulta essere più redditizio: un modello può essere assunto da un pool di denaro.

Soutine sviluppa un'amicizia particolarmente calorosa con Amedeo Modigliani. La differenza tra loro è sorprendente: Soutine è un provinciale che riesce a malapena a sbarcare il lunario, disordinato, strano, poco socievole. Modigliani è un dandy italiano elegante e affascinante, un intenditore di pittura, che dichiara a memoria i sonetti di Dante. Tuttavia, iniziarono a comunicare, Modigliani divenne la guida personale di Soutine al Louvre. Dopo l '"Alveare", gli amici lavorarono per qualche tempo nel quartiere, Modigliani dipinse due volte il ritratto di Soutine.

La vita di Soutine si svolge in una costante discussione e comprensione dell'arte. Di notte, si siede nei caffè parigini economici che lavorano tutta la notte, bevendo vino e discutendo dei suoi dipinti e di quelli di altri.

"Cappello grande". 1923-1924

Deformazioni

Sangue, carne in decomposizione e arte astratta espressiva

Soutine conosceva bene Pablo Picasso e iniziò a lavorare alla fine del cubismo, ma nel suo lavoro si rivelò più vicino agli espressionisti tedeschi. Le prime opere dell'artista sono naturalistiche, sobrie in termini di colore, nature morte "Cézanne", in cui la soggettività della visione è più importante delle rigide leggi della prospettiva e della composizione. Man mano che Soutine si sviluppava, l'espressività della sua scrittura aumentava: i corpi e i volti delle persone nei ritratti dell'artista sono contorti da sproporzioni e convulsioni, le case nei paesaggi sembrano staccarsi da terra, alberi, edifici e sentieri vengono risucchiati in un vortice di tratti .

La pittura di Soutine è perseguitata da immagini inquietanti. Gli eroi dei suoi dipinti portano tracce di confusione e imperfezione. Negli anni venti, l'artista creò una serie di dipinti con animali morti: conigli scuoiati, inquietanti uccelli spennati. L'apoteosi di questa linea nella sua arte furono le reminiscenze di Rembrandt: immagini di carcasse di tori scuoiate. Soutine dipingeva esclusivamente dal vero: enormi pezzi di carne appesi nel suo studio; marcivano, esalavano un odore disgustoso, attiravano orde di mosche. Soutine non prestava attenzione a tutte queste complicazioni e solo di tanto in tanto versava sangue di toro sulla carcassa.

"Carcassa di un toro." 1924

Immagini brutali e cupe solleticavano i nervi dei clienti, cosa di cui Soutine era ben consapevole. Una tale brama di immagini grafiche può essere spiegata da caratteristiche biografiche, estetiche, ma anche filosofiche. Come Baudelaire, Soutine era in grado di estetizzare qualsiasi oggetto apparentemente ripugnante. Le poesie del "poeta maledetto" cantavano carogne, le opere di Soutine emancipavano la bellezza della carne lacerata e sanguinante. Osservava affascinato i sanguinosi combattimenti di boxe, studiava le vetrine dei macellai, non evitava le visite al macello. Anche Soutine accettò l'armoniosa bellezza del Rinascimento italiano, ma la considerò troppo equilibrata e noiosa.

Un'altra caratteristica di Soutine è che non realizzava disegni, a volte delineava la composizione con carboncino o iniziava subito a lavorare con i colori. Nei suoi paesaggi ha inciso motivi intricati con il manico di un pennello, proprio come Kokoschka ha modellato la pittura nei suoi ritratti espressivi con l'aiuto della pressione delle unghie. Il "maturo" Soutine ha utilizzato attivamente il potente colore rosso - ad esempio, nell'opera "Red Gladiolus", che è stata un punto di svolta per il suo lavoro, o la famosa "Scala Rossa".

Il temperamento, il nevroticismo e la voluta svolta verso l'astrazione nei dipinti di Soutine divennero fonte di ispirazione per Willem de Kooning, Jackson Pollock, Mark Rothko, Francis Bacon. “Nella New York del dopoguerra, Soutine fu acclamato come il profeta di una nuova arte astratta espressiva. Artisti e critici vedevano in lui un indovino, un pioniere di una nuova tendenza pittorica, un precursore di de Kooning e Pollock. Hanno riletto l'opera di Soutine, ma allo stesso tempo non l'hanno stravolta, ma l'hanno avvicinata, dandole un primo piano. Seguendo la loro logica, il lavoro di Soutine è arte astratta in dettaglio, e le enormi tele degli espressionisti astratti sono primi piani ”, spiega Claire Bernardi, curatrice della mostra del Museo d'Orsay.

Vecchi maestri

Il Louvre e l'influenza di Rembrandt

Soutine odiava copiare il lavoro degli altri. Dopo aver provato brevemente a seguire corsi di pittura, abbandona la sua formazione accademica e inizia a studiare da autodidatta. Il Louvre diventa la sua istituzione principale: scompare nelle sale del museo, spaventando i custodi locali con commenti entusiasti dichiarati ad alta voce. Nelle prime opere dell'artista è evidente l'influenza delle distorsioni compositive di Cezanne e dei paesaggi espressivi di Van Gogh. Rembrandt divenne il disegnatore preferito di Soutine. L'artista lasciò la Francia solo due volte, entrambe per vedere i dipinti del suo idolo: La sposa ebrea ad Amsterdam e Hendrikje che entra nel fiume a Londra. Soutine studiò questi dipinti per ore. All'inizio degli anni '30, quando lo stile dell'artista di successo diventa più calmo ed equilibrato, Soutine disegna la sua versione di Hendrickier, copiata dalla cameriera delle sue allora mecenate Marceline e Madeleine Casten.

"La Scala Rossa di Cana". 1923

"Natura morta con pendenza." 1923-1924

Tra gli altri riferimenti più famosi nelle opere di Soutine si possono citare una natura morta con una pendenza di Chardin e il dipinto di Courbet “Ragazze sulla Senna”.

"Donna che entra nell'acqua". Intorno al 1931

"Auto ritratto". 1920-1921

Nervosismo

Bruttezza e antipatia per i propri quadri

La routine era brutta. L’artista russa della Scuola di Parigi, Maria Bronislavovna Vorobyova-Stebelskaya, lo descrisse così: “curvo, con il collo corto incassato nelle spalle, con tratti del viso grandi e una mascella pesante, come una scultura di legno scolpita con un’ascia di un maestro preistorico”. Soutine aveva i denti guasti, uno sguardo accigliato, le palpebre arrossate, l'occhio sinistro nervoso e convulso. Tuttavia, Vorobyova-Stebelskaya ricorda anche che "soprattutto è rimasto colpito dalle sue mani piccole, aggraziate e deboli, come quelle di un bambino". Soutine era ben consapevole della sua poco attraente e, a differenza di Modigliani, si ritraeva in un autoritratto senza alcun rimpianto.

Con gli estranei, l'artista si è spesso comportato in modo duro e scortese. Molti lo percepivano come una persona nervosa, riservata e ostile. È noto che Leopold Zborovsky, un mercante d'arte che fece molto per gli artisti della Scuola di Parigi, una volta decise un modo molto feroce per stimolare i suoi protetti, fornendo loro tutto

necessario, Zborowski tenne gli artisti rinchiusi per diversi giorni. Se la prigionia di Modigliani ha aiutato a concentrarsi e a finire il lavoro in breve tempo, allora Soutine ha iniziato ad arrabbiarsi e ad ammalarsi - oppure ha iniziato a distruggere la stanza con rabbia. Fallì, secondo Soutine, l'opera da lui spietatamente distrutta. L'artista insoddisfatto strappò le tele, le calpestò. Per fare questo, ha riacquistato molti dei suoi primi lavori.

Tuttavia, con amici e colleghi che capivano la serietà del suo lavoro, Soutine si dimostrava molto gentile e affabile. Anche dopo essere diventato un artista ricco e ricercato, si è trasferito spesso e non è riuscito a creare un'atmosfera accogliente a casa. Sembrava che i problemi della vita quotidiana non lo disturbassero affatto. Quando si è trasferito in un nuovo appartamento, Soutine non ha cambiato nulla. Le stanze si riempirono rapidamente di polvere, sporcizia e aria viziata.

Durante le lezioni di disegno all'Accademia Russa di Parigi, Soutine si trovava dietro il muro, nascondendo a tutti il foglio su cui dipingeva. La pittura era la sua unica passione, l'artista disse addirittura di aver "sposato" il suo mestiere: una fidanzata costante, la tedesca affettuosa ed economica Gerda Groth, apparve nella sua vita solo nel 1937. Poco prima della loro morte furono separati: tre anni dopo l'incontro, Grotto fu internato dalle autorità francesi e nel 1943 Chaim Soutine morì per complicazioni di ulcera allo stomaco.

Immagini: Museo statale di belle arti Pushkin, Museo d'arte d'avanguardia